Kozlova Rosyjska literatura muzyczna II rok studiów. Kozłowa. Rosyjska literatura muzyczna

N.P. Kozłowa

Trzeci rok studiów

Rosyjski literaturę muzyczną: Podręcznik dla dziecięcej szkoły muzycznej: Trzeci rok nauczania tego przedmiotu. – M.: Muzyka. – 2003.

ISBN 5-7140-1062-0

Nowy podręcznik z serii podręczników do literatury muzycznej dla dziecięcych szkół muzycznych. Autor omawia życie i twórczość rosyjskich kompozytorów XIX wieku - Glinki, Dargomyżskiego, Borodina, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i innych, a także analizuje problemy sztuki rosyjskiej epoki przed Glinką, pierwszej i drugiej połowy XIX wieku.

Dla uczniów dziecięcych szkół muzycznych i szkół artystycznych.

Wydawnictwo „Muzyka” 2004

Muzyka rosyjska od czasów starożytnych do XVIII wieku

Muzyka rosyjska jest swego rodzaju kroniką wielowiekowej historii naszego kraju. Jego początki sięgają starożytność i są ściśle związane z twórczością artystyczną Słowian Wschodnich - pieśni, baśnie, legendy. Sztuka ludowa zawsze była nierozerwalnie związana zarówno z wierzeniami i obrzędami (najpierw pogańskimi, później chrześcijańskimi), jak i z pracą rolniczą, która stanowiła podstawę życia. Naród rosyjski zawsze słynął z muzykalności, a piosenka towarzyszyła człowiekowi od urodzenia aż do śmierci. To wyjaśnia duża różnorodność jego gatunki, w tym eposy, kołysanki, rytuały, taniec, praca, zabawa i wiele innych piosenek.

Już w czasach starożytnych było to powszechne i muzyka instrumentalna. Wykonywano go na różnych instrumentach smyczkowych, dętych i instrumenty perkusyjne, wśród których jednym z najbardziej ukochanych była harfa. Stopniowo w pieśniach, tańcach i melodiach ludowych ukształtował się rodzaj melodii, cechy trybu, rytmu, polifonii, to znaczy ukształtowały się cechy narodowego stylu muzycznego, co później określiło wyjątkową oryginalność rosyjskiej muzyki zawodowej.

Początki muzyki zawodowej w Rosji przypadły na okres powstania pierwszego starożytnego państwa rosyjskiego - Rusi Kijowskiej (IX-XIII w.). Wprowadzenie chrześcijaństwa jako religii państwowej (988 r.) oraz zacieśnienie więzi z Bizancjum miało ogromne znaczenie dla jego późniejszego politycznego i rozwój kulturowy. Ruś Kijowska w okresie swojej świetności (pierwsza połowa XI w.) zajmowała ważne miejsce wśród krajów średniowiecznej Europy. Jego rola w historii kultury rosyjskiej jest ogromna, o czym świadczą arcydzieła, które do nas dotarły - architektura i freski Kijowa Katedra św. Zofii oraz słynne dzieło starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”.

Pierwszymi formami muzyki profesjonalnej była świecka sztuka ustna gawędziarzy i bufonów oraz sztuka pisana

twórczość muzyczna związana ze śpiewem kościelnym. Muzyka zajmowała ważne miejsce w życiu Rusi Kijowskiej. Słychać go było podczas ceremonii, kampanii wojskowych, uczt, polowań, a także w życiu codziennym.

Błazny są ulubieńcami książąt i zwyczajni ludzie- byli utalentowanymi artystami - śpiewakami i tancerzami, aktorami i magikami, akrobatami i trenerami. Akompaniowali swoim występom grając na różnych instrumentach ludowych - dudach, dudach, harfach, gwizdkach, trąbkach, tamburynach, dudkach. Śpiewacy-gawędziarze śpiewali o wojskowych wyczynach książąt i oddziałów; wizerunek takiego autora piosenek odtworzono w „Opowieści o kampanii Igora”, której autor wspomina słynnego Bayana żyjącego w XI wieku.

Wraz z przyjęciem chrześcijaństwa zaczęła się rozwijać muzyka sakralna, która początkowo była silna wpływy bizantyjskie. Śpiew kościelny był monofoniczny, bez akompaniamentu instrumentalnego i rejestrowany przy użyciu specjalnych konwencjonalnych znaków wywodzących się z pisma nienumerycznego. ( Neumas (od greckiego „oddech”) to znaki notacji muzycznej używane w śpiewie kościelnym w średniowiecznej Europie; umieszczane były nad tekstem słownym i przypominały śpiewakom jedynie o kierunku melodii, czyli służyły jako swego rodzaju „podpowiedź” podczas śpiewania). Znaki te mogły oznaczać pojedynczy dźwięk lub grupę dźwięków, cały charakterystyczny śpiew, ale nie wskazywały ich dokładnej wysokości. Ta metoda nagrywania muzyki nazywa się

nazwa jednego z głównych znaków - „hak”). Melodie śpiewu Znamennego opierały się zazwyczaj na płynnym, narastającym ruchu w zakresie kwart lub

Po upadku Rusi Kijowskiej, związanym z konfliktami domowymi między książętami i najazdem hord mongolsko-tatarskich (w 1240 r. Kijów zajął Batu-chan), Nowogród stał się głównym opiekunem starożytnej kultury rosyjskiej - politycznie niezależnym („ za darmo”), bogate miasto handlowe. Eposy nowogrodzkie przyniósł nam opis jego hałaśliwego, barwnego życia, którego niezastąpionymi uczestnikami były błazny, a najsłynniejszym z nich był śpiewak i guslar Sadko. Nowogród staje się swoistym centrum rosyjskiej bufonady. W mieście i jego okolicach powstały całe osady bufonów. Mieszkały w nich liczne rodziny artystów, skąd rozproszyli się po całej Rusi. Ze swojej sztuki słynęli nowogrodzcy śpiewacy kościelni i mistrzowie bicia dzwonów. Spektakularna i różnorodna „muzyka dzwonkowa” stała się kolejnym unikalnym rodzajem starożytnej sztuki rosyjskiej.

Od końca XIV wieku rozpoczęło się zjednoczenie ziem rosyjskich wokół Moskwy i utworzenie jednego państwa. W 1380 roku armia rosyjska pod wodzą księcia moskiewskiego Dmitrija Donskoja pokonała tatarskiego chana Mamai w bitwie na polu Kulikowo, a pod koniec XV wieku pod rządami księcia Iwana III Ruś została całkowicie wyzwolona spod panowania mongolsko-tatarskiego jarzmo. Iwan III był pierwszym z książąt moskiewskich, który nazwał siebie „władcą całej Rusi”. W XVI wieku jego wnuk Iwan IV Groźny rozszerzył granice państwa, anektując nowe ziemie. Moskwa staje się stolicą Rosji

mocy, symbol jego wielkości i chwały.

Epoka Rusi Moskiewskiej- nowy etap w rozwoju kultury i sztuki narodowej. Wielcy artyści tworzą swoje arcydzieła - Teofan Grek, Andriej Rublow, Daniił Czerny, Dionizjusz, pojawia się nowy zespół architektoniczny Kremla moskiewskiego(Byli zaangażowani w prace nad utworzeniem Kremla Włoscy mistrzowie, w tym architekt A. Fioravanti i inżynier P. Solari) , liczne klasztory i katedry. Pojawienie się pierwszych drukowanych ksiąg datuje się na połowę XVI wieku: w 1564 r. księgę liturgiczną „Apostoł” wydrukowali I. Fiodorow i P. Mstislavets.

W folklorze pieśniowym tamtych czasów rodzi się nowy epicki gatunek - piosenka historyczna, który zastępuje eposy: w nim, w przeciwieństwie do eposów, opowiadał prawdziwe wydarzenie i bohaterowie. Wtedy się pojawia piosenka liryczna z jego głębokimi emocjonalnymi obrazami i improwizacyjnym charakterem utworów, o czym świadczy istnienie wielu wersji piosenek. Z tym gatunkiem wiąże się także rozwój szczególnego rodzaju polifonii – rosyjskiej chóralnej polifonii subwokalnej.

Na dworze moskiewskim nadal rozwijała się sztuka świecka. Pomimo ciągłego prześladowania przez Kościół błaznów jako „niegodziwych” dokonujących „bezbożnych czynów”, moskiewscy carowie lubili błazeńskie „zabawy” i utrzymywali dla nich cały sztab artystów. Stopniowo europejski rozrywka muzyczna- słuchanie muzyki „zagranicznej” wykonywanej na organach i klawikordzie. W Moskwie stale dbali o stan śpiewu kościelnego: włożono wiele pracy, aby poprawić błędy w starożytnych pieśniach Znamennego i usystematyzować pieśni duchowe, co doprowadziło do powstania w XV wieku „Obihody” – śpiewnika ludu Rosyjska Cerkiew Prawosławna. Pod koniec XV wieku Achór suwerennych śpiewających urzędników. Zawierało 30-35 śpiewacy, którzy stale towarzyszyli królowi i śpiewali zarówno w katedrach, jak i podczas różnych uroczystości pałacowych ( W XVIII w. chór został przeniesiony do Petersburga i przekształcony w Kaplicę Dworską) . Czasy Rusi Moskiewskiej stały się epoką największego rozkwitu kultury chóralnej śpiewu Znamennego.

XVII wiek stał się kamieniem milowym w historii Rosji: zakończyło się średniowiecze i rozpoczął się nowy ważny etap w rozwoju państwa, podczas którego nastąpiły poważne zmiany we wszystkich sferach życia. Niepokojący początek stulecia, złożoną sytuację polityczną i społeczną w kraju wiązał się z wieloma przyczynami: z tym „niespokojnym” okresem bezkrólewia z walką o tron, który zakończył się dojściem do władzy dynastii Romanowów w 1613 r., klęski żywiołowe i bunty chłopskie, walka z interwencją polską i szwedzką. Dopiero w połowie stulecia się wzmacnia system polityczny Rosja, jej gospodarka odzyskuje siły. Ważnym wydarzeniem dla dalszego rozwoju państwa, zbliżenia i ścisłego współdziałania kultury narodów słowiańskich było zjednoczenie Rosji i Ukrainy w 1654 roku. Jednocześnie wzrost podatków państwowych i zniewolenie chłopstwa doprowadziły w drugiej połowie XVII wieku do nowych wstrząsów społecznych, z których najbardziej znaczącym była wojna chłopska prowadzona przez Stepana Razina. A reformy kościelne Patriarcha Nikon wywołał ruch protestacyjny (schizmę) wśród ludności chłopskiej i miejskiej oraz liczne wystąpienia w obronie „starej wiary”.

Mimo wszystkich wstrząsów, wiek XVII był punktem zwrotnym w dziedzinie oświaty, kultury i sztuki. Wzmocnienie międzynarodowej władzy Rosji i rozwój handlu zagranicznego przyczyniają się do wzmocnienia jej więzi kulturowych z krajami Europy Zachodniej, rozwoju nauki i edukacji. Drukarnia rozwija się pomyślnie i ukazuje się nie tylko literatura religijna, ale także książki naukowe i techniczne. W społeczeństwie szlacheckim wzmaga się pragnienie edukacji i oświecenia: organizowane są pierwsze szkoły kształcące na poziomie średnim, a w 1687 r. Otwarto w Moskwie pierwszą wyższą Akademię Słowiańsko-Grecko-Łacińską. W twórczość literacka Pojawiają się nowe gatunki świeckie - historie codzienne, historyczne, satyryczne. W malarstwie zachodzą wielkie zmiany. Jeden z centralne postacie w sztuce XVII wieku był artysta, naukowiec, nauczyciel i teolog Szymon Uszakow; już w malarstwie ikonowym starał się odtworzyć żywą twarz ludzką („jak to w życiu bywa”). To nowe rozumienie głównego zadania sztuki jako refleksji

rzeczywistość prowadzi do narodzin pisma parsun, czyli gatunku portretu świeckiego

(„Parsuna” to zniekształcenie łacińskiego słowa „persona”, co oznacza „twarz”, „osobowość”.).

W tym stuleciu i w muzyce zaszły poważne zmiany. Już w XVI wieku powstały takie wczesne formy polifonii kościelnej, jak śpiew dwu- i trzygłosowy. Ale prawdziwe potwierdzenie polifonii w rosyjskiej muzyce sakralnej następuje w drugiej połowie XVII wieku, kiedy w Moskwie zapanował nowy styl chóralny, pochodzący z Ukrainy - partes śpiew („Partes” (łac.) - „głosy”; partes śpiew - śpiewanie głosami, partiami chóru ). Zwykle były to pieśni na cztery, sześć, osiem, dwanaście lub więcej głosów. Ich zapis odbywał się już w notacji pięciowierszowej, zwanej „literą kijowską” i posiadającej nuty kwadratowe. Najbardziej rozwiniętą formą polifonii partes były koncerty duchowe. Wykonywano je podczas uroczystego nabożeństwa, wyróżniały się dużym luksusem pisarstwa muzycznego i liczbą głosów, które mogły sięgać 24-te. Cechą charakterystyczną koncertu partes była pełnia i bogactwo brzmienia, barwne kontrasty dynamiczne w naprzemienności epizodów chóralnych i zespołowych.

Równolegle z upowszechnieniem się śpiewu partes podczas nabożeństw w życiu codziennym powstał gatunek pieśni polifonicznej, którą wykonywano w domu w czasie wolnym. Były to kanty, także pochodzące z Ukrainy. Początkowo treść pieśni była religijna, stopniowo jednak stała się czysto świecka – uroczyście pochwalna, patriotyczna, ujmująco liryczna, a nawet komiczna. W formie cant był pieśnią zwrotkową, miał wydźwięk trzygłosowy, w którym dwa głosy wyższe poruszały się w równoległych tercjach, a podstawę harmoniczną stanowił bas:

Następnie Kant położył podwaliny pod gatunek rosyjskiego romansu. W XVII wieku zaczęły stopniowo zanikać Starożytne zwyczaje I

tradycje: tak więc w 1648 r. pod wpływem kościoła wydano dekret królewski zabraniający udziału bufonów w uroczystościach i nakazujący niszczenie ich masek i instrumentów muzycznych. W tym samym czasie na dworze i wśród oświeconych bojarów rosła pasja do europejskiej muzyki instrumentalnej, a szlachta zaczęła mieć domowe chóry i orkiestry. Ważnym wydarzeniem było utworzenie pierwszego rosyjskiego teatru dworskiego za panowania Aleksieja Michajłowicza. W jego repertuarze dominowały występy o tematyce biblijnej, a dużą rolę odgrywała w nich muzyka, na wykonanie której wysyłano muzyków z zagranicy.

XVIII wiek wszedł do historii świata jako „wiek rozumu i oświecenia” ( Oświecenie to ruch ideologiczny epoki przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. Bardzo Wybitnych postaci Oświeceniem był J. Locke w Anglii, Voltaire, J.-J. Rousseau, C. Montesquieu, D. Diderot we Francji, G. E. Lessing, F. Schiller, J. W. Goethe w Niemczech, T. Jefferson, B. Franklin w USA, M. Łomonosow, N. Nowikow, A. Radishchev w Rosji. Oświeceni walczyli o wolności polityczne i równość obywatelską, o ustanowienie „królestwa rozumu”. Wspaniałe miejsce w osiąganiu nowego porządku społecznego pedagodzy skupili się na upowszechnianiu wiedzy; I tak we Francji pod przewodnictwem Diderota wydano „Encyklopedię, czyli Słownik nauki ścisłe,

Światopogląd prowadzi do szybkiego rozwoju nauk przyrodniczych, filozofii, literatury i sztuki. W XVIII wieku, dzięki reformom Piotra I, Rosja została włączona w powszechny proces rozwoju, dołączając do osiągnięć cywilizacji europejskiej.(Piotr I – pierwszy cesarz rosyjski,

panował od 1689 do 1725 r ). Dekrety Piotra zmieniły cały sposób życia Rosjan: zniszczono stare zwyczaje i wprowadzono nowe, otwarto szkoły cywilne (czyli niekościelne), powołano Akademię Nauk, zacieśniono więzi kulturalne z krajami Europy Zachodniej. Przemiany z czasów Piotra Wielkiego miały swoją kontynuację za panowania cesarzowej Elżbiety Pietrowna ( Elżbieta Pietrowna – córka Piotra I, cesarzowej Rosji od 1741 r ). Za jej panowania odniesiono znaczące sukcesy w m.in Polityka zagraniczna i gospodarki kraju, a także miały miejsce tak ważne wydarzenia wydarzenia kulturalne, takie jak otwarcie Uniwersytetu Moskiewskiego i publicznego Teatru Rosyjskiego, utworzenie Akademii Sztuk Pięknych z zajęciami muzycznymi.

Druga połowa XVIII wieku stał się „złotym wiekiem” rosyjskiej szlachty, ale powstanie monarchii absolutnej pod rządami Katarzyny II miało podwójny charakter. Z jednej strony Rosja pod koniec stulecia staje się silną potęgą wpływającą na losy świata (co ułatwiły zwycięstwa militarne nad królem pruskim Fryderykiem II i nad Turcją), z drugiej strony ucisk ludności chłopstwo stale rośnie, a ludzie doprowadzeni do skrajności wznoszą się do wielkiej wojny, na czele której stoi Emelyan Pugaczow. Pomimo stłumienia powstania duży wpływ wywarły wpływy jego idei kochających wolność najlepsze umysły ten czas.

Intensywnemu rozwojowi myśli społecznej towarzyszył także szybki postęp w dziedzinie twórczości artystycznej. Dzięki ścisłemu współdziałaniu tradycji kultury europejskiej i wielowiekowemu doświadczeniu starożytnej sztuki rosyjskiej w Rosji pod koniec stulecia powstały szkoły narodowe w zakresie literatury i malarstwa, rzeźby i architektury, teatru i muzyki ( Szkoła to kierunek w literaturze, nauce, sztuce, którego przedstawicieli łączy jedność podstawowych poglądów, zainteresowań i metod twórczych ). Duma Kultura narodowa stały się nazwiskami pisarzy Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa, Radiszczowa, Nowikowa, Derzhavina, Fonvizina, Kryłowa,

Majątek muzykowania codziennego w Rosji w XVIII wieku

Karamzin, artyści Argunow, Rokotow, Lewicki, Borovikovsky, Losenko, rzeźbiarze Shubin i Kozlovsky, architekci Bazhenov i Kazakov, artyści Volkov i Dmitrevsky, kompozytorzy Dubyansky, Bieriezowski, Paszkiewicz, Fomin, Matinsky, Khandoshkin, Bortnyansky, Kozlovsky i inni.

Rozwój sztuki muzycznej w Rosji w XVIII wieku był niezwykle szybki - od wprowadzenia nieznanych dotąd zagranicznych oper, dzieł kameralnych i symfonicznych po pojawienie się całej galaktyki kompozytorów narodowych. Piotr I otworzył nowe dla społeczeństwa rosyjskiego Formy europejskie spotkania publiczne - zgromadzenia,

maskarady, uroczystości dworskie i biesiady	z muzyką i

cotygodniowe koncerty od kompozycje instrumentalne kompozytorów XVII i XVIII wieku. Wojskowe orkiestry dęte utworzone na mocy specjalnego dekretu grały podczas parad i świąt, a w Moskwie na Placu Czerwonym otwarto pierwszy teatr publiczny, którego występom niezmiennie towarzyszyła muzyka. Jednocześnie w epoce Piotra Wielkiego nadal rozwijały się narodowe gatunki muzyczne, takie jak koncert partes i szczególny rodzaj pieśni powitalnych -

cants-vivats („Vivat” (łac.) - „niech żyje”) . Tak zaczyna się pieśń skomponowana w 1721 roku na zakończenie wojny północnej:

Stopniowo muzyka zaczęła wkraczać w codzienne życie rosyjskiej szlachty: gra na różnych instrumentach (klawikord, harfa, flet, gitara) stała się modna, a wykonywanie świeckich pieśni - miłosnych, komicznych, gratulacyjnych - stało się bardzo popularne w domowych wieczorach . Później ludzie innych klas przyjęli zwyczaj grania muzyki w domu. Muzykę coraz częściej słychać na osiedlach i w domach miejskich. Są to pieśni miejskie i rosyjskie, utwory taneczne, wariacje na tematy ludowe, a także utwory bardziej złożone - sonaty i kwartety.

Pieśń miejska powstała na bazie ludowej pieśni chłopskiej, która „przystosowała się” do życia miejskiego – nowy sposób jej wykonania: jej melodii towarzyszył akordowy akompaniament instrumentu o wyraźnej strukturze rytmicznej i prostych zwrotach harmonicznych.

Pieśni ludowe tamtych czasów są bardzo zróżnicowane pod względem treści; Oprócz istniejących już wcześniej gatunków, pojawiają się nowe – żołnierz i rekrut, maszerujący i waleczny. Piosenki historyczne opowiadające o zwycięstwach militarnych Rosji, czynach Piotra I,

Kampanie Suworowa, o powstania chłopskie, ich bohaterowie, przywódcy i losy osób znajdujących się w niekorzystnej sytuacji.

W XVIII w. zaczęto studiować najlepsze przykłady folkloru narodowego; Istnieją opracowania poświęcone Rosjanom ludowe opowieści, przysłowia, rytuały i pieśni. Wykonane po raz pierwszy notacja muzyczna Gromadzone są pieśni ludowe i zbiory specjalne wraz z ich adaptacjami. Takimi zbiorami były „Zbiór prostych pieśni rosyjskich z nutami” śpiewaka i guslisty W. Trutowskiego oraz „Zbiór rosyjskich pieśni ludowych z ich głosami” N. Lwowa i I. Pracy (N.

Lwów to wybitna postać kultury rosyjskiej, naukowiec, artysta, poeta, meloman i kolekcjoner tekstów pieśni ludowych. I. Prach – czeski kompozytor, nauczyciel gry na fortepianie, folklorysta muzyczny; większość życia spędził w Rosji). Pieśni z tych zbiorów, w opracowaniach na głos i fortepian, wykorzystywali zarówno melomani, jak i kompozytorzy, zapożyczając je do swoich dzieł – oper, wariacji instrumentalnych, uwertur symfonicznych.

W połowie stulecia jest nowy rodzaj wokal - muzyka liryczna - pieśń rosyjska (pieśni stworzone na podstawie rosyjskich tekstów poetyckich - Sumarokowa, Derzhavina i innych poetów). Pierwsze rosyjskie piosenki skomponował słynny meloman, mąż stanu i naukowiec G. Tepłow i opublikował w zbiorze „Między bezczynnością biznesu”. W swojej prezentacji nadal są bardzo blisko przechyłek. Utwory napisane pod koniec wieku przez F. Dubyansky'ego i O. Kozłovsky'ego mają już dość rozwiniętą partię fortepianu, bardziej złożoną formę i stają się pierwszymi romansami rosyjskimi.

Rozwój kameralnej muzyki instrumentalnej wiąże się także z muzykowaniem domowym. Szczególnie podobały się wszelkiego rodzaju utwory taneczne – menuety, polonezy, ekoseje, tańce wiejskie i inne – oraz wariacje na temat pieśni ludowych na różne instrumenty. Stworzył wiele takich wariacji na skrzypce Iwan Jewstafiewicz Khandoshkin(1747-1804) – kompozytor i pierwszy rosyjski wirtuoz skrzypiec, dyrygent i pedagog. BardzoŻył w Petersburgu. Khandoshkin był także dobry w grze na altówce, gitarze i bałałajce, a także na swoim działalność koncertowa znany ze sztuki improwizacji. Był twórcą rosyjskiej sonaty skrzypcowej solo.

Kolejny wybitny kompozytor XVIII – początków XIX wieku

był Dmitrij		Stiepanowicz		Bortnyansky (1751-1825). Muzyka-
najpierw otrzymał formalną edukację
w sądzie śpiewający chór, A
następnie we Włoszech, gdzie mieszkał przez dziesięć lat i
stał się uznanym kompozytorem. Przez
dalszy powrót do Rosji
los muzyka				związany z
Dworzanin		kaplica śpiewacza, gdzie
				stanowisko
kapelmistrzem, a później została nią
dyrektor		kreacja		Bortniański
duże i różnorodne – oprócz
instrumentalny				(klawiatura

sonaty, zespoły kameralne i inne) komponował opery i romanse. Ale wszedł do historii kultury rosyjskiej jako autor ponad stu dzieł chóralnych. Kompozytor stworzył wspaniałe koncerty duchowe, kontynuujące tradycję koncertu partes, a jednocześnie pozostające pod wpływem muzyki świeckiej – opery i symfonii. Koncerty duchowe Bortnyansky'ego swoją formą zbliżone są do cyklu symfonicznego i składają się z niezależnych części, o kontrastowym charakterze, w których epizody chóralne przeplatają się z zespołowymi, a szeroko stosowane są techniki stopniowego zwiększania i zanikania dźwięczności. Oprócz muzyki kultowej kompozytor komponował także świecką muzykę chóralną – pieśni, hymny, kantaty.

najpierw studiował w Kaplicy Dworskiej, a następnie we Włoszech u słynnego teoretyka muzyki Padre Martini. Po zdaniu egzaminu został przyjęty w poczet członków Akademii Bolońskiej. Po powrocie do Rosji jego twórczość i życie osobiste okazał się wyjątkowo nieudany. Krótki i dramatyczne życie Bieriezowski zakończył się samobójstwem

w wieku 32 lat.

Jednak w XVIII wieku główne miejsce wśród gatunków muzycznych zajmowała opera. Ona, jak wielu gatunki instrumentalne, pojawił się w Rosji dzięki zagranicznym muzykom. W latach 30. XX w. w Petersburgu powstał włoski teatr dworski, którego repertuar obejmował operę seria i buffa. Przez wiele lat w stolicy mieszkali i pracowali tak znani europejscy kompozytorzy jak Araya, Galuppi, Paisiello, Sarti, Cimarosa. Nieco później w Petersburgu pojawił się francuski zespół operowy, prezentujący opery komiczne Rousseau, Philidora, Grétry’ego i Monsigny’ego. Zabawne przedstawienia miały decydujący wpływ na ukształtowanie się rosyjskiego gatunku opery. Jej rozwojowi sprzyjała działalność zarówno teatrów państwowych, jak i prywatnych, a także wszechobecnych teatrów pańszczyźnianych; niektóre z nich (np. hrabiego Szeremietiew) skutecznie konkurowały z najlepszymi teatrami europejskimi.

Opery rosyjskie XVIII wieku były ludowymi komediami muzycznymi, zbudowanymi na przemian konwersacyjnych scen-dialogów (jak we francuskiej operze komicznej) i numerów muzycznych o charakterze pieśni i arii, często opartych na melodiach ludowych. Pierwszymi znaczącymi dziełami tego gatunku były opery z lat 1770–1780 „Młynarz - czarnoksiężnik, oszust

I swat” M. Sokołowski,„St. Petersburg Gostiny Dwór”, „Nieszczęście z autokaru” i „Skąpiec” W. Paszkiewicza, „Sokół”

oraz „Syn rywala” D. Bortnyansky’ego, „Woźnice na stojaku” E. Fomina.

Evstigney Ipatievich Fomin (1761-1800) - pierwszy rosyjski kompozytor, który w swojej twórczości ucieleśniał wątek tragiczny. Napisał muzykę orkiestrową do melodramatu ( Melodramat to gatunek spektaklu muzyczno-teatralnego, który powstał w Europie w XVIII wieku, w którym wypowiadany był tekst literacki przy akompaniamencie muzyka orkiestrowa: albo naprzemiennie z numerami muzycznymi, albo brzmiał przeciwko nim ). „Orfeusz” do tekstu J. Knyazhnina,

który został wystawiony w Petersburgu z udziałem słynnego tragika I. Dmitrevsky'ego. Uwertura do „Orfeusza” stała się pierwszym przykładem rosyjskiej dramatycznej muzyki symfonicznej. Uwertura operowa była gatunkiem, dzięki któremu w XVIII wieku rozwinęła się rosyjska muzyka symfoniczna: w głębi teatru, podobnie jak w Europie, narodziła się przyszła symfonia rosyjska.

Narodziny i interakcja wielu gatunków i style artystyczne w muzyce rosyjskiej XVIII wieku, szeroko rozpowszechnionej w życiu codziennym instrumenty muzyczne i kształtujące się tradycje muzyczne, pojawienie się kaplic chóralnych, orkiestr, zespołów operowych, rozwój szkolnictwa muzycznego ( W koniec XVIII wiek zajęcia muzyczne powstają także na Uniwersytecie Moskiewskim, w instytutach, liceach i szkołach z internatem; pojawia się wiele szkół prywatnych ) i powstanie działalności koncertowej, wreszcie powstanie narodowej szkoły kompozytorskiej przygotowało powstanie i rozkwit rosyjskiej muzyki klasycznej w XIX wieku.

Pytania i zadania

1. Jakie są początki muzyki rosyjskiej? Gdzie ukształtowały się cechy narodowego stylu muzycznego?

2. Gdzie i kiedy powstała muzyka profesjonalna w Rosji?

3. Opowiedz nam o bufonach iśpiewacy-gawędziarze Rusi Kijowskiej.

4. Co śpiewa Znamenny?

5. Gdzie zachowały się tradycje starożytnej kultury rosyjskiej po upadku Rusi Kijowskiej?

6. Jaka była rola Rusi Moskiewskiej w rozwoju kultury i sztuki narodowej? Jakie nowe gatunki pojawiły się w tej epoce w folklorze i sztuce świeckiej?

7. Jakie zmiany zaszły w XVII wieku w dziedzinie oświaty, kultury i sztuki? Co to jest litera parsun? partie śpiewają? koncert duchowy (partes)? borta?

8. Wymień główne wydarzenia kulturalne XVIII wieku oraz rosyjskich pisarzy, artystów, kompozytorów tego czasu.

9. Jak rozwijał się Kant w XVIII wieku?

10. Co to jest piosenka miejska? Rosyjska piosenka?

12. Wymień główne gatunki muzyki instrumentalnej i chóralnej

13. Jakie były pierwsze rosyjskie opery, jakie były ich cechy?

14. Opowiedz nam o kompozytorach XVIII wieku i głównych gatunkach ich twórczości.

Muzyka rosyjska pierwszej połowy XIX wieku

W pierwszej połowie XIX wieku zaczęła się rozwijać rosyjska muzyka klasyczna. Twórczość Glinki i Dargomyżskiego otwiera okres szybkiego wznoszenia się narodowej sztuki muzycznej na wyżyny kultury światowej. Rozwój muzyki był częścią proces ogólny- rozwój całej sztuki rosyjskiej w znaczącym okresie rozwój historyczny Państwo rosyjskie. Wojna Ojczyźniana 1812 r. i powstanie dekabrystów w 1825 r. spowodowały potężną eksplozję uczuć patriotycznych i wzrost sił duchowych narodu. „Rok dwunasty” – pisał Bieliński – „zaszokował całą Rosję od końca do końca, obudził jej uśpione siły i odkrył w niej nowe, nieznane dotąd źródła siły…”

To właśnie w tym okresie powstała formacja rosyjska literatura klasyczna, muzyka i malarstwo. Wiodącą rolę odgrywała literatura. Znakiem epoki było dzieło Puszkina, które przygotowały dzieła Żukowskiego, Karamzina, Batiushkowa, Kryłowa. Puszkin był twórcą rosyjskiego języka literackiego, wyznaczając w ten sposób dalszą ścieżkę rozwoju literaturę narodową. W tym samym czasie, co Puszkin, Gribojedow, Rylejew, Wiazemski, Delwig, Jazykow, Baratyński komponowali swoje dzieła; później zaczyna się twórcze życie Lermontowa, Gogola, Kolcowa, Bielińskiego. W połowie stulecia pojawi się nowe pokolenie pisarzy - Dostojewski, Tołstoj, Niekrasow, Turgieniew, Gonczarow i inni.

Pierwsza połowa XIX wieku to początek rosyjskiego malarstwo klasyczne(obrazy Kiprenskiego, Tropinina, Venetsianova, Szczedrina, Bryullova, Iwanowa, Fedotowa) i rzeźbę (Klodt i in.), architekturę (Woronikhin, Zacharow, Beauvais, Gilardi, Rossi).

Sztuka rosyjska pierwszych dekad XIX wieku pozostawała pod silnym wpływem nowej Europy kierunek artystyczny- romantyzm. „Romantyzm to pierwsze słowo, które zwiastowało okres Puszkina” – napisał Bieliński. Cechuje go niezależność twórcza artysty i dbałość o wewnętrzny świat człowieka, zainteresowanie życiem rodzimych ludzi, ich historią, pieśniami, baśniami i legendami,

bunt ducha i umiłowanie wolności, pasja i odwaga ekspresji, entuzjastyczne uniesienie są ucieleśnione w dziełach tego czasu. Poprzez romantyzm, jego zwiększoną emocjonalność i podmiotowość, sztuka rosyjska zmierzała w stronę ustanowienia zasad realizmu artystycznego.

Życie muzyczne Rosji od początku XIX wieku zaczęło nabierać nowych cech. Licea, internaty, uniwersytety, a także środowiska literackie i artystyczne stają się ważnymi ośrodkami muzycznymi. Koła te skupiały miłośników sztuki, pisarzy, aktorów, malarzy i muzyków. Wykonywano tu nowe dzieła, omawiano przedstawienia operowe i koncerty. Takie spotkania odbywały się w Petersburgu w domach Delviga, Odojewskiego, hrabiego Michaiła Wielgorskiego, w Moskwie - u Gribojedowa, księżnej Zinaidy Wołkońskiej.

Odradza się życie koncertowe: w 1802 roku w Petersburgu powstał pierwszy rosyjski koncert organizacja koncertów- „Filharmonia”, która organizowała publiczne koncerty symfoniczne. Koncerty muzyki kameralnej odbywają się w domach prywatnych, zgromadzeniach szlacheckich i szlacheckich oraz różnych instytucjach edukacyjnych, w których biorą udział zarówno muzycy rosyjscy, jak i zagraniczni. Znacząca rola Nadal grają chóry i orkiestry symfoniczne muzyków pańszczyźnianych, które istniały w wielu majątkach szlacheckich.

Jednym z ulubionych gatunków muzyki symfonicznej w tym czasie były uwertury programowe do oper i przedstawień dramatycznych, które komponowali Kozłowski, Davydov, Alyabyev, Verstovsky. Wyraźnym zmianom ulega także gatunek teatru muzycznego. Ukochana w XVIII wieku codzienna opera komiczna stopniowo ustępuje miejsca operom baśniowym („Niewidzialny książę” i „Ilja Bogatyr” Kavosa, „Syrenka Dniepru” Dawidowa) i opery romantyczne(„Grób Askolda” Wierstowskiego). Wraz z operą upowszechnia się wodewil, muzyka do przedstawień dramatycznych („tragedia o muzyce”), a także balet, który rozkwitł w Rosji dzięki twórczości wielkiego francuskiego choreografa Charlesa Didelota.

Pomyślny rozwój tych gatunków był nierozerwalnie związany z powstaniem rosyjskich szkół wykonawczych w operze (E. Sandunova, O. Petrov, A. Petrova-Vorobyova), balecie (A. Istomina, E. Kolosova, A. Głuszkowski), dramacie ( E. Semenova, P. Mochalov, M. Szczepkin).

Produkty gospodarstwa domowego stają się coraz bardziej powszechne odtwarzanie muzyki w domu. Melomani zbierali się wieczorami, grając i śpiewając przy akompaniamencie gitary, harfy czy fortepianu. W repertuarze znalazły się pieśni ludowe – chłopskie, miejskie, żołnierskie. Wielu kompozytorów dokonało ich adaptacji, najpopularniejsze były zbiory Kashina i Rupina. Wykonywane były jako pieśni solowe, duety oraz w formie wariacji instrumentalnych i zespołów. W tym środowisku ukształtował się i rozwinął ulubiony gatunek epoki, romans.

Romans i piosenka

Twórczość romantyczna kompozytorów pierwszej połowy XIX wieku powstała na bazie ludowych pieśni chłopskich, miejskich i rosyjskich. To w romansie ukształtowały się cechy rosyjskiego języka muzycznego i narodowego stylu muzycznego. Jego rozwój był ściśle związany z rozkwitem poezji rosyjskiej w epoce Puszkina oraz twórczością Żukowskiego, Wiazemskiego, Baratyńskiego, Delwiga, Batiushkowa, Jazykowa, samego Puszkina i innych poetów. Pisali o swoich wierszach

ich romanse O. Kozłowski, A. Żylin, bracia Titow, Mich. Wyielgorski, A. Wierstowski,

A. Alabyev, A. Varlamov, A. Gurilev, P. Bułachow, M. Glinka, A. Dargomyżski. W ich twórczości wyłoniły się główne gatunki rosyjskiego romansu. Ten liryczny romans- najbardziej rozpowszechniona w tym czasie „pieśń rosyjska”, która powstała jako naśladownictwo muzyki ludowej, elegia - refleksja liryczna i filozoficzna; romantyczna ballada, którego twórcą w Rosji był Wierstowski; piosenka o piciu, zrodzony z maszerujących pieśni marszowych i intonujących wolność,

edukacja i patriotyzm; romanse liryczne o „odległych krajach” , w którym romantyczne obrazy Włoch, Hiszpanii, Kaukazu, Wschodu, a także romanse w tanecznych rytmach (walc, polka, mazurek, polonez, bolerko i inne).

. Poradnik dla szkoły muzyczne. Problem 1. wyd. JEŚĆ. Carew. - M.: Muzyka, 2002. - 350 s., il., notatki.

Podręcznik do kursu literatury muzycznej poświęcony jest przeglądowi kultury muzycznej obcych krajów XVII wieku, twórczości I.S. Bacha i G.F. Handel.

ISBN 5-7140-0693-3

Literatura muzyczna obcych krajów. Podręcznik dla szkół muzycznych. Wydanie 2. G. Zhdanova, I. Molchanova, I. Okhalova. wyd. JEŚĆ. Carewa. - M.: Muzyka, 2002. - 414 s., il., notatki.

Drugie wydanie podręcznika do kursu literatury muzycznej obcych krajów poświęcone jest twórczości K.V. Gluck, J. Haydn, VA Mozarta. Wstęp daje obraz twórczości artystycznej Oświecenia w Europie połowy i drugiej połowy XVIII wieku.

Opublikowane po raz pierwszy.

Przeznaczony dla szkół muzycznych.

Wydawnictwo „Muzyka”, 2002
ISBN 5-7140-0312-8

Literatura muzyczna obcych krajów. Podręcznik dla szkół muzycznych. Wydanie 3. wyd. JEŚĆ. Carew. - M.: Muzyka, 2004. - 590 s., il., notatki.

Podręcznik dla szkół muzycznych z przebiegu literatury muzycznej obcych krajów poświęcony jest twórczości kompozytorów XIX wieku: Beethovena, Schuberta, Rossiniego, Webera, Mendelssohna, Schumanna i Chopina.

Pierwsze wydanie podręcznika literatury muzycznej obcych krajów ukazało się w 1952 roku i było pierwszym z serii pomoc naukowa w tym temacie. Jej autorką była Wiera Siemionowna Galatskaja (1904-1982), znana muzyk i pedagog, która przez ponad 40 lat pracowała w Szkole Muzycznej przy Moskiewskim Państwowym Konserwatorium im. P.I. Czajkowskiego jako nauczyciela, a następnie jako konsultanta.

Wydanie czwarte, poprawione i rozszerzone, ukazało się w 1970 roku pod redakcją E.M. Carewy i stał się już uogólnieniem zgromadzonych doświadczeń w nauczaniu literatury muzycznej w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku.

W wydaniu tym redaktor tytułowy uznał za konieczne wprowadzenie zmian odpowiadających współczesnemu poziomowi wiedzy i praktyki w nauczaniu przedmiotu.

Wydawnictwo „Muzyka”, 2004
ISBN 5-7140-0099-4

Literatura muzyczna obcych krajów. Podręcznik dla szkół muzycznych. Wydanie 4. wyd. JEŚĆ. Carew. - M.: Muzyka, 2006. - 704 s., il., notatki.

Czwarte wydanie podręcznika zostało stworzone przez kadrę pedagogiczną Akademickiej Szkoły Muzycznej (Kolegium) przy Konserwatorium Moskiewskim. LICZBA PI. Czajkowskiego w miejsce numeru 4, który od dawna nie był wznawiany i z przyczyn obiektywnych jest w dużej mierze przestarzały (autor – B. Levik).

Nowy podręcznik, poświęcony życiu i twórczości Berlioza, Meyerbeera, Liszta, Wagnera, Brahmsa i Verdiego, podsumowuje doświadczenia nauczania literatury muzycznej na wydziałach wykonawczym i teoretycznym. Duże miejsce zajmują w nim przykłady muzyczne i fragmenty dziedzictwa literackiego kompozytorów.

Opublikowane po raz pierwszy.

Dla uczniów szkół muzycznych.

Wydawnictwo „Muzyka”, 2006
ISBN 5-7140-0389-6

Literatura muzyczna obcych krajów. Podręcznik dla szkół muzycznych. Wydanie 5. wyd. JEŚĆ. Carew. - M.: Muzyka, 2007. - 640 s., il., notatki.

Piąte wydanie podręcznika zostało stworzone przez jednego z nauczycieli Akademickiej Szkoły Muzycznej (Kolegium) przy Konserwatorium Moskiewskim. LICZBA PI. Czajkowskiego w miejsce numeru 5, który od dawna nie był wznawiany i z przyczyn obiektywnych jest w dużej mierze przestarzały (pod red. B. Levika).

Nowy podręcznik poświęcony jest życiu i twórczości Gounoda, Bizeta, Smetany, Dvoraka, Griega, Debussy'ego i Ravela; daje także przegląd kultury muzycznej Francji i młodych szkół narodowych drugiej połowy XIX wieku.

Duże miejsce w podręczniku zajmują przykłady muzyczne i fragmenty dziedzictwa literackiego kompozytorów.

Opublikowane po raz pierwszy.

Dla uczniów szkół i uczelni muzycznych.

Wydawnictwo „Muzyka”, 2007
ISBN 978-5-7140-0741-5

ROSYJSKA LITERATURA MUZYCZNA

Obecnie wykładowcy akademickiej literatury muzycznej pracują nad serią podręczników poświęconych rosyjskiej literaturze muzycznej. Zespół autorów - O.I. Averyanova, O.B. Khvoina, I.V. Ochałowa.

W 2004 roku nakładem wydawnictwa „Muzyka” ukazał się trzeci numer serii, a pozostałe numery ukażą się w latach następnych.

Recenzja podręczników z serii „Literatura muzyczna obcych krajów”:
Literatura muzyczna obcych krajów: Podręcznik dla szkół muzycznych. Tom. IV. M.: Muzyka, 2006. Cz. V. M.: Muzyka, 2007.

Olga Fadejewa

PODRĘCZNIKI DLA NOWEGO POKOLENIA MUZYKÓW

Myślę, że się nie mylę, jeśli zauważę, że współcześnie wzrasta znaczenie literatury muzycznej jako przedmiotu nie tylko specjalnego, ale i ogólnozawodowego szkolnictwa muzycznego na poziomie średnim. Mając syntetyzującą treść i łącząc elementy różnych typów wiedzy - zarówno muzyczno-historycznej, jak i muzyczno-teoretycznej - jest to literatura muzyczna z jej żywym materiałem artystycznym, szerokimi powiązaniami z kulturą światową, literaturą, historią, która nie tylko może napełnić młodego człowieka pewien zasób umiejętności i umiejętności - przede wszystkim ma na celu wzbogacenie go duchowo i estetycznie. Jak nikt inny temat muzyczny pozwala wniknąć w prawdziwe skarby kultury, zapoznaje z największymi wytworami ludzkiego ducha i otwiera je na początkującego konesera piękna. Wiedza zdobyta w toku literatury muzycznej w okresie studiów w szkole muzycznej okazuje się niezbędna na całej dalszej drodze muzyka, niezależnie od tego, jaką specjalność otrzyma.

Podręczniki są jednym z najważniejszych źródeł tej wiedzy, dlatego ich aktualizacja powinna znajdować się w ciągłym polu widzenia specjalistów. W ostatnich latach Wydawnictwo „Muzyka” zrealizowało kilka projektów związanych z publikacją podręczników do literatury muzycznej dla różnych etapów i poziomów kształcenia zawodowego. Pojawiły się i weszły już w życie nowe książki dla dziecięcych szkół muzycznych i dziecięcych szkół artystycznych. A oto kolejny ważny krok- cykl podręczników dla średniej kadry menedżerskiej, szkół i uczelni. Jego potrzeba była już dawno spóźniona, gdyż pierwsze wydania tego typu podręczników powstawały już na początku lat 50. ubiegłego wieku, a wiele z nich jest obecnie już mocno przestarzałych. Jednak zrozumienie złożoności zadania, ilości pracy, a także innych obiektywnych przyczyn utrudniało jego realizację. Wreszcie spełniły się życzenia i nadzieje wydawnictwa, nauczycieli i uczniów. Od 2002 roku ukazało się pięć tomów głównych serii „Literatura muzyczna obcych krajów”, z czego trzy (zeszyty II, IV, V) zostały napisane na nowo, a dwa pozostałe (I i III) to już klasyczne podręczniki stworzone przez V.S. Galatskaya, - poważnie zredagowane. Tym samym całkowicie zrewidowano cały zbiór podręczników potrzebnych dziś do opanowania głównych działów przedmiotu w szkole muzycznej. Wszystkie te prace wykonał zespół autorów Akademickiej Szkoły Muzycznej przy Moskiewskim Konserwatorium Państwowym im. P.I. Czajkowskiego pod kierunkiem doktora historii sztuki, profesora E.M. Carewy.

Ostatnie dwa lata były najbardziej owocne dla autorów, którzy jedno po drugim stworzyli ostateczne wydania podręcznika, kończąc w ten sposób wieloletnią pracę. Jak słusznie stwierdzono we wstępie do IV numeru, publikacja podsumowuje doświadczenia i tradycje nauczania literatury muzycznej w jednej z najstarszych instytucji edukacyjnych w Rosji, które rozwijały się przy udziale takich mistrzów tego przedmiotu, jak V.S. Galatskaya, R.A. Peskina, L. L. Rytslin, V. B. Grigorowicz. Niezwykle cenne jest to, że nowe pokolenie autorów (E.M. Tsareva, I.M. Molchanova, I.V. Okhalova, D.R. Petrov) zachowało zasadę organizacji kursu, wprowadzając do jego treści coś nowego, wzbogaconego w praktyce pedagogicznej ostatnie dziesięciolecia. Najbardziej znaczące aktualizacje nastąpiły oczywiście w IV i V wydaniu podręcznika, które ukazały się całkiem niedawno, a zatem opierają się na najnowszych „opracowaniach” nauczycieli.

Wśród nauczycieli średniego szczebla najpowszechniejsze jest obecnie postrzeganie zajęć szkolnych z literatury muzycznej jako podstawowych, fundamentalnych, a jednocześnie pod wieloma względami przygotowujących do postrzegania zajęć uniwersyteckich w historii muzyki.

Wzorem poprzednich wydań, nowe podręczniki zachowują zasadę eseju monograficznego, co pozwala połączyć prezentację indywidualności twórczej kompozytora z opisem procesów kulturowych i historycznych. Ale autorzy nie tylko zachowali ustalony system, ale w większości przypadków wzbogacili i rozszerzyli materiał muzyczny, dając w ten sposób dociekliwemu czytelnikowi możliwość zapoznania się zarówno z obowiązkowymi wymogami kursu, jak i zjawiskami artystycznymi, których musi się jeszcze nauczyć przyszłość. Inaczej mówiąc, podręczniki postrzegane są jako swego rodzaju „przewodnik po działaniu”, twórcze „zadanie maksymalne”. Pozwalają znaleźć odpowiedź na konkretne „dzisiejsze” zadanie, ale jednocześnie zapraszają ucznia do nowej wiedzy.

Rozdziały biograficzne („Życie i ścieżka twórcza…”) zajmują tu szczególne miejsce. Dla autorów stały się one wyrazem muzyczno-historycznej koncepcji tematu. Zawierają one nie tylko informacje o życiu kompozytorów, ale także ukazują twórczą atmosferę, w której kształtowała się osobowość artysty i poruszane są problemy jego stylu. W niektórych przypadkach opisy dzieł muzycznych z powodzeniem wplatają się w biografię (np. „Pelléas et Mélisanda” Debussy’ego, III Symfonia Brahmsa) lub komentarze do dzieł literackich i filozoficznych (Wagner). Przy przedstawianiu biografii powszechnie wykorzystuje się materiały dokumentalne, wspomnienia współczesnych, wypowiedzi wybitnych badaczy, co nadaje stronom biograficznym autentyczność historyczną.

Podręczniki obszerniej niż dotychczas zawierają rozdziały analityczne poświęcone poszczególnym utworom muzycznym. Tym samym w IV wydaniu „romantycznym”, w porównaniu z poprzednim podręcznikiem, uzupełniono i znacznie pogłębiono merytorycznie strony przedstawiające dorobek fortepianowy F. Liszta, opery i dramaty muzyczne R. Wagnera, a w V znalazły się takie dzieła jak: E. Trzecia Sonata skrzypcowa Griega, „Gaspard nocą” M. Ravela i in. Wprowadzono także nowe działy, dotychczas nie występujące w podręcznikach szkolnych: np. numer IV uzupełniono materiałem o J. Meyerbeerze.

Praktykujący nauczyciel, który od wielu lat zwyczajowo wprowadza swoich uczniów do tych samych esejów ściśle według programu, opatrzony wyćwiczonymi już komentarzami, sceptycznie zauważy: po co te innowacje, skoro nie starcza czasu nawet na główny materiał? Tymczasem współczesny student z reguły, ze względu na niezależność swojego charakteru, chętniej zwraca uwagę właśnie na te strony podręcznika, które wykraczają poza obowiązkowy przedmiot: w końcu słyszał już „obowiązkowe” w klasa. Teraz w zwykłym podręczniku, dosłownie „pod ręką”, znajduje informacje o utworach, które sam może wykonać lub często słucha w nagraniach. A tradycyjny podręcznik nagle staje się dla niego najcenniejszym źródłem informacji, podręcznikiem, po prostu „książką do przeczytania”, z której może poznać wiele interesujących go faktów muzycznych i historycznych. Wydaje się, że autorom niniejszego podręcznika zależało właśnie na takim sposobie postrzegania swojej twórczości przez czytelników. Podobnie pojawienie się specjalnego eseju o Meyerbeerze i jego operze „Hugenoty” w podręczniku przeznaczonym dla szkół muzycznych jest jakby odpowiedzią na wymagania czasu: teraz dostępne są kompletne nagrania dźwiękowe tego dzieła, a dociekliwy uczeń, i po prostu miłośnikiem muzyki, który często korzysta z literatury edukacyjnej, aby uzupełnić swój bagaż muzyczny, znajdziesz tutaj niezbędny materiał. Strony te będą przydatne także dla studentów niektórych specjalności uczelni.

W związku z takim rozumieniem podręcznika logiczne wydawało się umieszczenie w dziale „Ryszard Wagner” (autor I. Molchanov) dość szczegółowego opisu opery „Tristan i Izolda”. Poprzedni podręcznik, we wszystkich swoich licznych przedrukach, podawał jedynie najbardziej ogólne informacje o tym dziele w obrębie biografii kompozytora. Jednocześnie opera ta nieustannie „podnieca umysł” i jest jedną z najbardziej fascynujących stron twórczości Wagnera, zawsze oglądaną z dużym zainteresowaniem. Młody muzyk Nie da się nie zauważyć bogatej emocjonalnie fabuły, psychologicznie wyostrzonych obrazów, namiętnego tonu ekspresji i niezwykłego języka muzycznego. To zupełnie naturalne, że część podręcznika przedstawiająca to wyjątkowe dzieło z pewnością przyciągnie uwagę czytelników.

Nowe odkrycia zawarte są także w innych rozdziałach numeru IV. Ciekawy i fascynujący esej poświęcony Berliozowi napisał w żywy literacki sposób D. Petrov. Kompozytor pojawia się w nim bez żadnej sztywności i sztuczności, we wszystkich sprzecznościach swego charakteru i skomplikowanych kolejach życia. Autor ukazuje pojawienie się mistrza w nierozerwalnym związku z życiem społecznym i artystycznym Francji, nie tylko wyjaśnia niektóre informacje z życia Berlioza, ale także znacznie poszerza możliwości poznania jego muzyki. Miejscem na to jest rozdział „Życie i ścieżka twórcza”, w którym podano niezbędne informacje (potwierdzone przykładami muzycznymi) na temat takich dzieł jak „Harold we Włoszech”, „Romeo i Julia”, Requiem itp. D. Petrov to zrobił nie można nawet pominąć mało znanego dzieła Berlioza, sakralnej trylogii „Dzieciństwo Chrystusa”, podając krótki, ale zwięzły opis i ilustrując małym przykładem muzycznym z uwertury.

Nauczyciele i uczniowie z pewnością z przyjemnością zauważą zmiany, jakie zaszły w obowiązkowym rozdziale podręcznika – „Utwory fortepianowe Liszta”. Rozdział ten, uzupełniony szczegółowym przedstawieniem dosłownie wszystkich głównych gatunków koncertowych muzyki fortepianowej kompozytora – etiud, rapsodii (wraz z opisem stylu verbuncos), szerzej prezentowanych „Lat wędrówek” oraz niektórych utworów późnych, zawiera stać się tutaj prawdziwym centrum części monograficznej. Przydatne wydawało się także zapoznanie z twórczością Liszta poprzez sięgnięcie po dzieła podsumowujące jego najważniejsze założenia stylistyczne – jest to „poemat fortepianowy” „Dolina Obermana” z cyklu „Lata wędrówki” oraz dwa koncerty fortepianowe. Autorka rozdziału, I. Okhalova, znalazła trafne i zapadające w pamięć cechy słowne opisujące dzieła fortepianowe Liszta, odzwierciedlające romantyczny patos muzyki. Tak komentowała na przykład słynny szkic transcendentalny „Mazeppa”; „Obraz dzikiej rasy (symbol zmienności losu, pod wieloma względami podobny do „Króla Leśnego”), odwaga pokonania i jasna wizja lirycznego obrazu zostały tu uchwycone z malarską ulgą. .” (s. 179-180); lub tytuł programu „Dolina Obermanna”: „...Słowo „dolina” zostało tu użyte nie w sensie malowniczym, ale psychologicznym, jako obraz samotnej refleksji, zanurzenia się w głębinach nieskończenie złożonego świata duchowego” (s. 209).

W części poświęconej twórczości Brahmsa jej autorka, E. Carewa, niezwykle skupiła swoją uwagę na dziełach godnych polecenia programy szkoleniowe do nauki w szkole średniej (IV Symfonia, Piano Intermezzo op. 117). Nie zubożało to jednak w żaden sposób całości twórczości kompozytora. Znawca jego osobowości i twórczości E. Carewa wprowadziła do przedstawienia biografii Brahmsa poruszające szczegóły ze swojego życia (np. podkreśliła jego pasję do studiowania i kolekcjonowania rękopisów dawnych kompozytorów itp.), nadając w ten sposób wygląd mistrza żywotność i człowieczeństwo. Być może po raz pierwszy w podręczniku wizerunek tego kompozytora okazał się tak naturalny, pozbawiony odrobiny zimnego racjonalizmu. I oczywiście ważnym uzupełnieniem faktów z jego biografii były krótkie objaśnienia wielu dzieł - od tańców węgierskich po III Symfonię. Rozdział zawierający w istocie analizę ostatnich szczytów jego muzyki odbierany jest jako uogólnienie głównych cech stylu Brahmsa.

Na szczególną uwagę zasługuje piąte wydanie podręcznika, którego autorką jest I. Okhalova. Po raz pierwszy ta, w zasadzie ostatnia, część zajęć szkolnych uzyskała tak fundamentalną podstawę w postaci podręcznika, w którym rozdziały monograficzne łączą się z krótkimi esejami muzyczno-historycznymi wyjaśniającymi najważniejsze zjawiska artystyczne drugiej połowy XIX wieku („ muzyka francuska drugiej połowy XIX wieku”, „Młode szkoły narodowe w drugiej połowie XIX wieku”). Nie wychodząc poza bieg historyczny (Gounod, Wiese, Smetana, Dvorak, Grieg, Debussy, Ravel), odwołując się do najważniejszych zjawisk literatury muzycznej, autor przedstawił szeroką panoramę rozwoju gatunków i obrazów muzycznych. Poszczególne rozdziały podręcznika są napisane emocjonalnie i ekspresyjnie, poświęcony kreatywności Bizeta, Dvoraka i Griega. Eseje o Debussy’m i Ravelu odniosły sukces w analizie materiału muzycznego. Znacząco rozbudowane, nie tylko dają przekonujące wyobrażenie o stylu tych kompozytorów, ale licznymi przykładami potwierdzają sądy o różnorodności gatunkowej ich twórczości. Ostatnie dwa wydania podręcznika są wspaniałymi przykładami ciągłości myśli naukowej i pedagogicznej. Powstałe dzisiaj stanowią syntezę organiczną najlepsze osiągnięcia podręczniki z lat poprzednich i nowe walory nowoczesności literatura edukacyjna. Jednak uzupełniając się, książki te reprezentują jednocześnie zupełnie odmienne podejście do idei organizacji nowoczesnego podręcznika. Numer IV, tworzony przez duży zespół autorów, to interakcja pomiędzy różnymi zasady twórcze z jednolitym metodologicznym podejściem do tematu. Indywidualność decyzji autora przejawia się tu zarówno w odniesieniu do samego materiału, jak i w sposobie jego prezentacji i stopniu jego szczegółowości. Ale różnice w poszczególnych sprawach jedynie ułatwiają postrzeganie całości, unikają monotonii, a jednocześnie przyczyniają się do ujednolicenia, podobnie jak kontrasty motywy muzyczne określić jedność ogólnej kompozycji. Z kolei numer piąty, napisany przez jednego autora, świadczy o rzetelności podejścia do rozwiązania głównych problemów treści książki.

Autorzy znacząco poprawili sposób prezentacji materiału, nadając podręcznikom charakter literacki i artystyczny. Ułatwia to odbiór recenzowanych książek i czyni je interesującymi dla czytelników z różnych środowisk. Tekst wyróżnia się precyzją definicji, przejrzystością i wyrazistością. W obecnym stanie procesu edukacyjnego ta cecha nowych podręczników wydaje się niezwykle cenna. Atrakcyjna jest także wewnętrzna organizacja tekstu, zbudowana profesjonalnie, z uwzględnieniem specyfiki „czytania edukacyjnego”. Praca z takimi książkami jest wygodna i przyjemna. Całym swoim „urządzeniem” zdają się zapraszać czytelnika do współpracy. Zestawienie treści opera działa jest zawarte bezpośrednio w ich opisie i wiąże się z opisem muzyki (szkoda tylko, że treść opery „Lohengrin” została poddana dziwnemu skróceniu, w wyniku czego część wydarzeń III aktu została przeniesiona do aktu II). Funkcja poznawcza realizowana jest w tekście i objaśnieniach; sformatowane jako przypisy na stronę, co jednoznacznie wskazuje, że należy je zawsze brać pod uwagę. Wreszcie duże przykłady muzyczne reprezentujące stosunkowo kompletne i znaczące tematy konstrukcyjne (w próbkach muzyka wokalna- z tekstem podanym w języku rosyjskim), uzupełniając materiał analityczny, pomagają utrwalić przeczytany materiał.

Nie ma wątpliwości, że mamy przed sobą nowy, niezbędny i perspektywiczna praca Moskiewscy nauczyciele-muzykolodzy, zastanawiając się współczesne tendencje w systemie nauczania literatury muzycznej i zasługuje na szczególną uwagę szerokiego grona specjalistów. Zapewne część czytelników może zadać sobie pytanie: do kogo adresowane są te książki, który ze współczesnych uczniów będzie w stanie w pełni opanować przedstawiony w nich materiał, który z nauczycieli będzie miał czas na przełożenie tego na swoich zajęciach? szerokie koło zjawiska, jakie oferują nam nowe publikacje? Odpowiedź jest tu tylko jedna – są to podręczniki nowej generacji, zawierające różnorodne materiały, a ich główna atrakcyjność polega właśnie na możliwości wyboru z proponowanego zakresu zjawisk tego, co jest dla Ciebie konieczne i interesujące. Są to książki zarówno dla nauczycieli, jak i uczniów, każdy może znaleźć w nich coś, czego potrzebuje dla siebie, najważniejsze jednak, że każdy znajdzie w nich to, czego potrzeba do pełnoprawnego kursu literatury muzycznej na różnych poziomach zawodowych.

Zakończono więc aktualizację podręczników zagranicznej literatury muzycznej, teraz czas na podręczniki o muzyce rosyjskiej!

Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Dobra robota do serwisu">

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

ROSYJSKIMUSICALLITERATURA

1. ROSYJSKIMUZYKAXYIIIIPIERWSZYPOŁOWYXIXWIEKI

Do rozkwitu kultury muzycznej w XIX wieku przygotował cały przebieg jej rozwoju w Rosji.

Poezja i muzyka ludowa istniały już w czasach starożytnych i odzwierciedlały całe życie i historię ludzi: ich zwyczaje i rytuały, pracę i walkę o wolność, nadzieje i marzenia o lepszym życiu.

Rosyjscy kompozytorzy starannie zbierali i studiowali pieśni ludowe. Bałakiriew, Lyadov, Rimski-Korsakow zebrali zbiory pieśni rosyjskich na głos i towarzyszenie fortepianu.

W XYIII wieku pojawiła się codzienna pieśń miejska z akompaniamentem harmonii akordowej. Powstały pierwsze rosyjskie opery („St. Petersburg Gostiny Dvor” chłopa pańszczyźnianego M. Matinskiego). Rosja rozwija swój własny szkoła kompozytorska. Młodzi kompozytorzy tworzą wyraziste romanse i aranżacje pieśni rosyjskich, utworów na fortepian i skrzypce, uwertury symfoniczne, muzykę do sztuk teatralnych i oper. Byli wśród nich Dubinsky, Bieriezowski, Bortnyansky, Fomin, Khandoshkin.

2. PIOSENKAIROMANS

Jednym z najbardziej ukochanych rodzajów sztuki muzycznej końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku był romans. Wiele romansów tamtych czasów było ściśle związanych z miejskimi piosenkami codziennego użytku. Wykonywane były przy akompaniamencie fortepianu, harfy lub gitary. Ważną rolę w rozwoju rosyjskiego romansu odegrali kompozytorzy Alyabyev („Słowik”), Varlamov („Samotny żagiel wybiela”, „Szczyty górskie”, „Zamieć szaleje po ulicy”), Gurilev („ Matka Gołębica”, „Niebieskoskrzydła jaskółka”, „Dzwon”). Twórczość tych kompozytorów stanowi cenny wkład w skarbnicę muzyki rosyjskiej.

3. M.I.GLINKA.(1804 - 1857 )

Michaił Iwanowicz Glinka to genialny rosyjski kompozytor. Podobnie jak Puszkin w poezji, był twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej – opery i symfonii.

Początki muzyki Glinki sięgają rosyjskiej sztuki ludowej. Jego najlepsze dzieła przepojone są miłością do Ojczyzny, jej ludzi i rosyjskiej przyrody.

PodstawowyPracuje: opera ludowo-bohaterska „Iwan Susanin”, baśniowo-epopetyczna „Rusłan i Ludmiła”, dzieła na głos i fortepian: romanse, pieśni, arie utwory symfoniczne: uwertury „Jota Aragońska”, „Noc w Madrycie” fantastyka symfoniczna „Kamarinskaja” ”, „Fantazja walcowa” utwory na fortepian.

4. OPERA„IVANZuzanna"

Opera „Iwan Susanin” to bohaterski ludowy dramat muzyczny. Fabuła opery była legendą bohaterski wyczyn Chłop kostromski Iwan Susanin w 1612 roku, w czasie okupacji Rosji przez zaborców polskich.

Postacie: Susanin, jego córka Antonida, adoptowany syn Wania Sobinin. Głównym bohaterem są ludzie.

Opera ma 4 akty i epilog.

Pierwszydziałanie- charakterystyka narodu rosyjskiego i głównych bohaterów. Rozpoczyna się rozbudowanym wstępem chóralnym, w którym występują dwa chóry – męski i żeński.

Rondo Cavatiny i Antonidy ujawniają cechy Rosjanki – czułość, szczerość i prostotę.

Trio „Don’t Tomi, Darling” oddaje smutne przeżycia bohaterów i opiera się na wyrazistej intonacji miejskich piosenek codziennego użytku.

Drugidziałanie - charakterystyka muzyczna Polaków. Gra muzyka taneczna. Suitę symfoniczną tworzą cztery tańce: genialny polonez, krakowiak, walc i mazurek.

Trzecidziałanie. Piosenka Wanii „How the Mother Was Killed” jest muzycznym opisem osieroconego chłopca, bliskim rosyjskim pieśniom ludowym.

Scena Susanin z Polakami jest wspaniałym przykładem dynamicznie rozwijającego się zespołu. Muzyczną charakterystykę Polaków wyznaczają rytmy poloneza i mazurka. Muzyczna mowa Susanin jest majestatyczna i pełna dostojeństwa.

Chór weselny w swojej strukturze melodycznej zbliżony jest do rosyjskich pieśni pochwalnych weselnych.

Piosenka-romans Antonidy „To nie jest to, czego żałuję, przyjacielu”, ukazujący bogactwo duchowego świata dziewczyny, słychać tu intonacje ludowych lamentów.

Czwartydziałanie. Recytatyw i aria Susanin to jeden z najintensywniejszych epizodów dramatycznych opery. Tutaj ujawnia się w pełni obraz bohatera i patrioty. Muzyka jest surowa, powściągliwa i wyrazista.

Epilog. Lud świętuje zwycięstwo nad wrogiem. W końcowym refrenie „Glory” muzyka jest majestatyczna i uroczysta. Nadaje mu to cechy hymnu. Ludzie chwalą ojczyzna i martwi bohaterowie.

Opera „Iwan Susanin” to dzieło realistyczne, zgodnie z prawdą i szczerze opowiadające o wydarzeniach historycznych. Stworzony przez Glinkę nowy typ ludowego dramatu muzycznego wywarł ogromny wpływ na późniejszą twórczość kompozytorów rosyjskich („Kobieta Pskowa” Rimskiego-Korsakowa, „Borys Godunow” Musorgskiego).

5. PRACUJEDLAORKIESTRA

Ważne miejsce w twórczości Glinki zajmują utwory na orkiestrę symfoniczną. Wszystkie jego dzieła, przystępne dla szerokich rzesz słuchaczy, odznaczają się wysokim poziomem artystycznym i doskonałą formą.

SymfonicznyFantazja„Kamarynska”(1848) reprezentuje wariacje na temat dwóch rosyjskich tematów ludowych. Te motywy są ze sobą kontrastujące. Pierwsza z nich to szeroka i gładka pieśń weselna „Bo góry, wysokie góry”. Drugim tematem jest zawadiacka rosyjska piosenka taneczna „Kamarinskaya”.

„Walcowa fantazja”- jeden z najbardziej poetyckich dzieła liryczne Glinka.

U podstaw leży temat szczery, porywczy i aspiracyjny. Temat główny powtarza się wielokrotnie, tworząc kształt ronda. Kontrastuje z odcinkami o zróżnicowanej treści. Przewaga grupy smyczkowej nadaje całemu utworowi symfonicznemu lekkość, lot i przejrzystość.

6. ROMANSYIPIOSENKI

Glinka przez całe życie pisał romanse. Urzeka w nich wszystko: szczerość i prostota, powściągliwość w wyrażaniu uczuć, klasyczna harmonia i surowość formy, piękno melodii i wyraźna harmonia.

Wśród romansów Glinki można odnaleźć różnorodne gatunki: romans codzienny „Biedna śpiewaczka”, balladę dramatyczną „Nocny widok”, pieśni pijackie i „drogowe”, pieśni taneczne w rytmie walca, mazurka, poloneza i Marsz.

Glinka komponowała romanse na podstawie wierszy współczesnych poetów – Żukowskiego, Delwiga, Puszkina.

Popularne są romanse z cyklu „Pożegnanie z Petersburgiem” – „Skowronek” i „Pieśń przemijająca” (teksty N. Kukolnika).

Romans do słów Puszkina „Pamiętam cudowną chwilę” to perła rosyjskich tekstów wokalnych. Należy do dojrzałego okresu twórczości, dlatego jest w niej tyle mistrzostwa.

W swoich romansach Glinka podsumował wszystko, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy i współcześni.

7. A.Z.DARGOMYŻSKI.(1813 - 1869 )

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski jest młodszym współczesnym i zwolennikiem Glinki. Do historii muzyki rosyjskiej wszedł jako kompozytor realista, „wielki nauczyciel prawdy muzycznej” i odważny innowator.

Poglądy Dargomyżskiego ukształtowały się w latach 30. i 40. XIX wieku, okresie szybkiego rozwoju kultury rosyjskiej. Dargomyżski z wyczuciem reagował na wszystko, co zaawansowane i postępowe w sztuce rosyjskiej. W swojej pracy był blisko pisarzy demokratycznych i artyści z Rosji, podnieśli temat ekspozycji społecznej, stworzyli piosenki komiczne i satyryczne.

PodstawowyPracuje: opery „Rusałka”, „Kamienny gość” sztuki symfoniczne „Kozak”, „Baba Jaga”, „Chukhon Fantasy” 100 pieśni i romansów do słów Kołcowa, Kuroczkina, Puszkina, Lermontowa zespoły wokalne utwory na fortepian.

8. OPERA"SYRENA"

„Rusałka” to pierwsza rosyjska opera o charakterze psychologicznego, codziennego dramatu muzycznego. Głównym zadaniem postawionym przez kompozytora jest oddanie duchowego świata bohaterów, ich przeżyć i charakterów. Nowe zadanie wymagało także nowych środków muzycznych i wyrazowych. W operze dominuje zasada rozwoju od końca do końca. Śpiew zespołowy często zastępuje się dialogiem między bohaterami. Ta nowa technika została później rozwinięta w pracach Musorgskiego i Czajkowskiego.

Opera ma 4 akty. Akcję sceniczną poprzedza uwertura.

Pod wpływem dramatycznych wydarzeń zmieniają się charaktery bohaterów: w łagodnej Nataszy budzi się złość i gorycz, a wesoły żartowniś Melnik, ojciec Nataszy, szokuje swoją tragedią.

W operze ważny jest pierwszy akt. Daje charakterystykę muzyczną głównych bohaterów Nataszy, Młynarza i Księcia. Oznacza to także zakończenie dramatu: Natasza popełnia samobójstwo i przestaje istnieć jako prawdziwa dziewczyna, zamieniając się w arogancką syrenę.

Opera „Rusałka” należy do jednej z najpopularniejszych oper klasyki rosyjskiej. Dargomyżskiemu udało się napisać dzieło szczere, zrozumiałe i ze złością potępiające ciemne strony ówczesnej rosyjskiej rzeczywistości.

9. ROMANSYIPIOSENKI

Romanse i pieśni zajmują ważne miejsce w twórczości Dargomyżskiego. Kompozytor napisał ich ponad sto. Treść muzyki wokalnej Dargomyżskiego jest bogata. Są szczere teksty, żartobliwa przebiegłość i dramatyzm, spokojne krajobrazy i typowe codzienne skecze, a czasem zjadliwa satyra społeczna. Szczególnie głęboko i psychologicznie prawdziwie ujawnione w romansach wewnętrzny świat osobą ze swoimi myślami, uczuciami i charakterem.

Popularne stały się romanse „Mam szesnaście lat” z tekstami. Delviga, „Jestem smutny” na podstawie wierszy Lermontowa, „Stary kapral” na podstawie tekstów. Kuroczkina.

10. ROSYJSKIMUZYKADRUGIPOŁOWYXIXWIEKI

Druga połowa XIX wieku to czas potężnego rozkwitu muzyki rosyjskiej, a także całej sztuki rosyjskiej. Ostre zaostrzenie sprzeczności społeczne prowadzi do wielkiego ożywienia społecznego na początku lat 60-tych. Klęska Rosji w wojna krymska(1853-1856) pokazał swoje zacofanie i udowodnił, że poddaństwo utrudnia rozwój kraju. Przeciwko autokracji wystąpili najlepsi przedstawiciele inteligencji szlacheckiej i plebsu.

W rozwoju ruchu rewolucyjnego w Rosji znacząca była rola Hercena oraz działalność Czernyszewskiego, Dobrolubowa i poety Niekrasowa. Rewolucyjne idee lat 60. znalazły odzwierciedlenie w literaturze, malarstwie i muzyce. Czołowi przedstawiciele kultury rosyjskiej walczyli o prostotę i przystępność sztuki, a ich dzieła starały się jasno odzwierciedlać życie osób znajdujących się w niekorzystnej sytuacji.

W drugiej połowie XIX wieku malarstwo rosyjskie wydało tak wspaniałych artystów, jak Perow, Kramskoj, Repin, Surikow, Sierow, Lewitan. Ich nazwy kojarzą się ze „Stowarzyszeniem Wystaw Objazdowych”, ponieważ wystawy malarstwa zaczęto organizować w różnych miastach Rosji.

Zmiany zaszły także w życie muzyczne. Muzyka wyszła poza arystokratyczne salony. Bardzo ważne Rolę w tym odegrała organizacja Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego.

W 1862 r. otwarto pierwsze rosyjskie konserwatorium w Petersburgu, a w 1866 r. w Moskwie. Pierwsze wydawnictwa dały rosyjskiej sztuce wspaniałych muzyków.

W twórczość muzyczna W latach 60. czołowe miejsce zajął Czajkowski i grupa kompozytorów, którzy weszli w skład stowarzyszenia „Potężna Garść”. Inspiratorem kręgu był Bałakiriew. W składzie znaleźli się Cui, Musorgski, Borodin, Rimski-Korsakow. Kompozytorzy widzieli swój cel w rozwoju rosyjskiej muzyki narodowej, prawdziwym ucieleśnieniu życia ludu.

11. M.P.MUSORGSKY.(1839 - 1881 )

Wśród kompozytorów Potężnej Garści Modest Pietrowicz Musorgski był najwybitniejszym przedstawicielem rewolucyjnych idei demokratycznych. Z wielką oskarżycielską siłą potrafił ujawnić surową prawdę o życiu narodu rosyjskiego, a najlepsze strony muzyki kompozytora przepojone są wiarą w ich siłę i moc.

PodstawowyPracuje: opery „Borys Godunow”, „Chowańszczyna”, „Jarmark Soroczyński”, romanse i pieśni, film symfoniczny „Noc Świętojańska na Łysej Górze”, cykl utworów fortepianowych „Obrazy z wystawy”.

12. OPERA„BORYSGODUNOW”

Opera oparta jest na tragedii Puszkina pod tym samym tytułem. Gatunek opery to ludowy dramat muzyczny. Składa się z prologu i czterech aktów, które podzielone są na sceny. Główną ideą jest konflikt między zbrodniczym carem Borysem a ludem. Tragedię pogłębia duchowy dramat wewnętrzny Borysa, króla-mordercy, i męki jego sumienia (monolog z trzeciego odcinka „Zdobyłem władzę najwyższą”).

Głównym bohaterem są ludzie. Musorgskiego pociągała możliwość odtworzenia w operze przebudzenia władzy ludu, co skutkuje spontanicznym powstaniem.

Tak więc orkiestrowe wprowadzenie z prologu maluje obraz ludu uciskanego, a w IV wieku kulminacją jest potężny chór zbuntowanego ludu: „Siła się rozproszyła, siła oszalała, odwaga jest mężna”.

„Borys Godunow” to wielkie dzieło muzyki rosyjskiej. Stworzenie tego dzieła było ważny etap w rozwoju teatru muzycznego.

13. "OBRAZYZWYSTAWY"

„Obrazy z wystawy” Musorgski napisał pod wrażeniem wystawy dzieł zmarłego nagle artysty W. Hartmanna, przyjaciela kompozytora.

Cykl jest zespołem dziesięciu niezależnych dzieł, które łączy wspólna koncepcja. Każdy utwór to obraz muzyczny odzwierciedlający wrażenie Musorgskiego, inspirowany tym czy innym rysunkiem Hartmanna. Są tu jasne obrazy życia codziennego („Ogród Tuilerie”, „Rynek w Limoges”), trafne szkice postaci ludzkich („Dwaj Żydzi”) i pejzaże („Dwóch Żydów”). stary zamek„) oraz obrazy rosyjskich bajek („Chata na udkach kurczaka”), eposów („Brama Bogatyra”). Poszczególne miniatury kontrastują ze sobą pod względem treści i wyraziste środki. Jednocześnie łączy je temat „Spacer”, który otwiera cykl, a następnie pojawia się jeszcze kilka razy, jakby prowadząc słuchacza od jednego obrazu do drugiego.

Jednym z nich stały się „Obrazy z wystawy”. najpopularniejsze dzieła. Wielu pianistów włącza ten utwór do swoich programów koncertowych.

14. A.P.BORODIN.(1833 - 1887 )

Aleksander Porfiriewicz Borodin to kompozytor wyjątkowo oryginalny. Dał się także poznać jako wybitny naukowiec i osoba publiczna. W muzyce Borodin w dużej mierze kontynuował tradycje Glinki. Ucieleśniał wielkość i siłę narodu rosyjskiego, bohaterskie cechy charakteru narodu rosyjskiego, majestatyczne obrazy narodowej epopei. Do tego dochodzą obrazy liryczne, szczere, pełne pasji i czułości. Głównym środkiem wyrazu muzycznego jest zawsze melodia – szeroka, pieśniowa, plastyczna. Język harmoniczny charakteryzuje się barwnością i jasnością.

PodstawowyPracuje: opera „Książę Igor”, trzy symfonie, obraz symfoniczny „In Azja centralna", muzyka instrumentalna, romanse.

15. OPERA"KSIĄŻĘIGOR"

Opera oparta jest na dziele literatury starożytnej XII wieku – „Opowieści o kampanii Igora”.

„Książę Igor” to opera liryczno-epopetyczna w czterech aktach z prologiem. Muzyka opery opiera się na intonacjach pieśni ludowych – rosyjskiej i wschodniej.

Prolog i akt Charakteryzuję naród rosyjski. Ważny jest obraz zaćmienia słońca z prologu. W ludowej poezji epickiej często porównywano różne dramatyczne wydarzenia z życia ludzi z potężnymi i budzącymi grozę zjawiskami naturalnymi.

Akt II poświęcony jest ukazaniu życia ludów Wschodu. Borodin nie posługiwał się tu autentycznymi melodiami orientalnymi, lecz wdrożył do swojej muzyki ich intonację i cechy modalne.

Centralne miejsce w czwartej akcji zajmuje lament Jarosławny, który powstał na bazie starożytnych głosów i lamentów ludowych.

Opera „Książę Igor” to jedno z najlepszych dzieł klasyki opery. Kompozytor zadedykował go pamięci Glinki. Gloryfikuje bohaterskiego ducha narodu, jego odporność, patriotyzm i duchowe piękno.

16. N.A.RIMSKY-KORSAKOW(1844 - 1908 )

Szczególne miejsce wśród kompozytorów Potężnej Garści zajmuje Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow. Dzięki jego twórczości bajka rozkwitła w muzyce rosyjskiej. Niemal we wszystkich kompozytor pozostawił po sobie ogromny dorobek twórczy gatunki muzyczne. Jego dzieła są zróżnicowane pod względem treści, ale ich główną cechą jest głęboka penetracja życia i sposobu życia ludzi. Z wielką siłą wyraził wszystko, co piękne, co otacza człowieka: piękno i miłość, wiarę w triumf światła i prawdy, marzenie o lepszej przyszłości, mądrość ludowa i splendor rodzima przyroda. Twórczość Rimskiego-Korsakowa wywarła wpływ na wielu kompozytorów kolejnych pokoleń.

PodstawowyPracuje: 15 oper („Śnieżna Panna”, „Sadko”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Złoty Kogucik”), suity symfoniczne („Szeherezada”), romanse, zbiory rosyjskich pieśni ludowych na głos i fortepian itp.

17. OPERA"KRÓLOWA ŚNIEGU"

Opera oparta jest na fabule sztuki A.N. Ostrowskiego w 1880 r. Kompozytor z wielkim ciepłem odtworzył starożytne zwyczaje i rytuały. Prawdziwe przedstawienie życia ludzi i życia codziennego łączy się ze światem fantazji i baśni. Postacie: car Berendey, Bermyata, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl i Bobylikha (realistyczne obrazy) są obdarzeni ludzkimi cechami przez Vesnę-Krasnę, Dziadka Mrozu, wizerunek Śnieżnej Dziewicy - córki Mrozu i Wiosny - łączy w sobie prawdziwe cechy z fantastycznymi.

W operze często przedstawiana jest natura. Czasami obrazy natury mają znaczenie alegoryczne - uosabiają sprawiedliwość i prawidłowość zjawisk życiowych.

Rimski-Korsakow często posługuje się motywami przewodnimi – konsekwentną charakterystyką muzyczną. Sceny oparte na ciągłym („od końca do końca”) rozwoju przeplatają się w operze z ukończonymi numerami. W operze występuje wiele chórów, a autentyczne melodie ludowe są szeroko stosowane.

Opera składa się z prologu i czterech aktów.

18. „SZEHEROZADA”

Suita symfoniczna „Szeherezada” (1888) to utwór programowy napisany na podstawie baśni arabskich „Baśnie z tysiąca i jednej nocy”. Składa się z czterech kontrastujących ze sobą części, które łączy nie tylko jedna koncepcja poetycka, ale także wspólne tematy muzyczne (motywy Shahriara i Szeherezady). Początkowo kompozytor zamierzał nadać każdej części własną nazwę: Część I – „Morze i statek Sindbada”, Część II – „ Fantastyczna historia Kalender-Carewicz”, część III - „Carewicz i księżniczka”, część IY - „Wakacje w Bagdadzie i rozbicie się statku o skałę z jeźdźcem z brązu”. Później jednak porzucił ten pomysł, uznając, że bardziej przydatne dla słuchaczy jest swobodne podążanie za swoją wyobraźnią.

„Szeherezada” to jedno z ulubionych dzieł muzyki symfonicznej na całym świecie.

19. P.I.Czajkowski.(1840 - 1893 )

Piotr Iljicz Czajkowski poświęcił człowiekowi całą swoją twórczość, miłość do Ojczyzny i rosyjskiej przyrody, swoje dążenia do szczęścia i odważną walkę z ciemnymi siłami zła. I bez względu na to, o czym mówi kompozytor, zawsze mówi prawdę i szczerość.

Czajkowski pisał niemal we wszystkich gatunkach i w każdym z nich miał swoje zdanie genialny artysta. Ale jego ulubionym gatunkiem była opera. Przywiązywał dużą wagę do treści, preferując wątki z życia Rosjanina.

Jednocześnie muzyka symfoniczna zajmuje również ważne miejsce w twórczości Czajkowskiego.

PodstawowyPracuje: 10 oper (Eugeniusz Oniegin, Czarodziejka, Dama pikowa, Jolanta itp.), 3 balety (Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna, Dziadek do orzechów), 6 symfonii itp. dzieła symfoniczne, utwory fortepianowe (m.in. cykle „Pory roku”, „Album dla dzieci”), romanse.

Twórczość Czajkowskiego jest szczytem światowej kultury muzycznej XIX wieku.

20. PIERWSZYSYMFONIA"ZIMAMARZENIA”

Napisane w 1866 roku. Treścią dzieła są myśli i liryczne uczucia człowieka, a także obrazy natury. Symfonia składa się z czterech części.

Część I – „Sny na zimowej drodze”, napisana w formie sonatowej. Zdjęcia zimowej rosyjskiej przyrody są tutaj przedstawione w delikatnych kolorach.

Część II – „Kraina mroczna, kraina mglista”. Muzyka ta inspirowana jest wrażeniami z podróży Czajkowskiego przez Jezioro Ładoga.

Części III i IV – scherzo i finał – nie posiadają tytułów, jednak w swej treści nie wypadają z ogólnej koncepcji poetyckiej.

Pierwsza Symfonia Czajkowskiego jest niezwykłym przykładem jego wczesnej twórczości orkiestrowej. Po raz pierwszy pojawiają się w nim charakterystyczne obrazy i techniki, głęboko rozwinięte przez kompozytora w twórczości symfonicznej jego dojrzałego okresu.

21. OPERA„EugeniuszONEGIN”

Pomysł napisania opery opartej na fabule „Eugeniusza Oniegina” podsunął Czajkowskiemu słynna śpiewaczka E. A. Ławrowska. Do napisania libretta kompozytor zaangażował swojego przyjaciela, pisarza K. S. Szyłowskiego. Prawykonanie opery odbyło się w 1879 roku przez studentów Konserwatorium Moskiewskiego pod kierunkiem N. Rubinsteina.

Czajkowski nazwał swoją operę „scenami lirycznymi”. Kompozytor całą swoją uwagę skupiał na ukazaniu wewnętrznego, duchowego świata swoich bohaterów. Żywo i wiernie odsłaniają się także obrazy życia ludowego (jak romans „Czy słyszałeś” na pierwszym zdjęciu, śpiew i taniec chłopów z okazji zakończenia żniw, róg pasterski w scenie pisania, piosenka „Maids, Beauties” na trzecim zdjęciu itp.) Wielka miłość Podawane są poetyckie „szkice” natury rosyjskiej, na tle których ujawniają się uczucia i doświadczenia bohaterów.

Postacie: Tatiana, Olga, Oniegin, Leński, Książę Gremin.

Ważną rolę w odkrywaniu postaci odgrywa orkiestra. Każdy z głównych bohaterów jest zarysowany przez swój własny, specjalny motyw muzyczny.

Postacie bohaterów również rozwijają się i stopniowo zmieniają w trakcie rozwoju fabuły (na przykład w scenie pisania postać głównego bohatera jest dana w ruchu: z naiwnej, marzycielskiej dziewczyny Tatyana zamienia się w namiętnie kochającą kobietę , uzyskanie dojrzałości umysłowej).

Opera „Eugeniusz Oniegin” jest najwyższym osiągnięciem rosyjskiej sztuki operowej. Już za życia kompozytora stała się jedną z najbardziej ukochanych oper.

22. NARODYPIOSENKAIJEJSTOSOWANIEWPRACUJEROSYJSKIKOMPOZYTORÓW KLASYCZNYCH

Twórczość kompozytorów klasycznych jest nierozerwalnie związana z pieśniami ludowymi

Pieśni ludowe odzwierciedlają historię ludzi i ich codzienne życie, najskrytsze myśli i marzenia o szczęściu. Piosenka jest duszą ludzi, prawdziwym odzwierciedleniem ich życia i sposobu życia.

Wśród rosyjskich pieśni ludowych znajdują się pieśni robotnicze i świąteczne, pieśni taneczne i taneczne okrężne, pieśni weselne i żałobne, pieśni woźniców i barek, pieśni rekrutowe i żołnierskie, pieśni miejskie i przyśpiewki.

Kompozytorzy klasyczni studiowali pieśni ludowe. Nagrali i przetworzyli melodie piosenek. Stworzyli zbiory pieśni ludowych. Najbardziej znane to zbiory Bałakiriewa (40 rosyjskich pieśni ludowych), Rimskiego-Korsakowa (100 rosyjskich pieśni ludowych), Czajkowskiego (50 rosyjskich pieśni ludowych), Lyadowa (8 rosyjskich pieśni ludowych na orkiestrę).

Wiele pieśni ludowych znalazło drugie życie w operach i symfoniach, w utworach na fortepian i różne zespoły (Wariacje Glinki na temat rosyjskiej pieśni ludowej „Wśród płaskiej doliny” w finale I. koncert fortepianowy Czajkowski wykorzystał ukraińską wiosenną piosenkę „Come out, come out, Ivanka”).

WNIOSEK

Twórczość klasycznych kompozytorów Glinki, Dargomyżskiego, Borodina, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego jest wielkim skarbem języka rosyjskiego kulturę XIX wieku wiek. Ich tradycje znalazły realizację i rozwój w twórczości kompozytorów końca XIX i początku XX wieku - Tanejewa i Głazunowa, Lyadowa i Adenskiego, Kalinnikowa, Skriabina i Rachmaninowa, w twórczości kompozytorów Okres sowiecki- Majakowski, Prokofiew, Szostakowicz, Chaczaturian, Kabalewski, Sviridov i wielu innych.

Muzyka kompozytorów klasycznych odzwierciedla wielowiekową historię naszej Ojczyzny, walkę wyzwoleńczą narodu rosyjskiego z uciskiem i przemocą oraz gloryfikuje naród jego duchowym pięknem, smutkiem i marzeniami o świetlanej przyszłości.

Podobne dokumenty

Rosyjska pieśń ludowa jest podstawą twórczości rosyjskich kompozytorów. Działania reformatorskie E.I. Fomina. Mało znany kompozytorzy XVIII wiek. Romanse i opera: tożsamość narodowa, powiązania z pieśniami ludowymi. Charakterystyka muzyki początku XIX wieku.

streszczenie, dodano 21.03.2009


Dane biograficzne znanych rosyjskich kompozytorów - Michaiła Glinki, Aleksandra Dargomyżskiego, Modesta Musorgskiego, Aleksandra Borodina, Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Piotra Iljicza Czajkowskiego. Wybitny dzieła muzyczne Kompozytorzy rosyjscy.

prezentacja, dodano 21.10.2013


Badanie historii pojawienia się gatunku romansu w rosyjskiej kulturze muzycznej. Związek między ogólną charakterystyką gatunku artystycznego a charakterystyką gatunku muzycznego. Analiza porównawcza gatunek romansu w twórczości N.A. Rimski-Korsakow i P.I. Czajkowski.

streszczenie, dodano 26.10.2013


ściągawka, dodana 13.11.2009


Miejsce oper kameralnych w twórczości N.A. Rimski-Korsakow. „Mozart i Salieri”: źródło literackie jako libretto opery. Dramaturgia muzyczna i język opery. „Kobieta Psków” i „Boyaryna Vera Sheloga”: sztuka L.A. Meya i libretto: N.A. Rimski-Korsakow.

teza, dodano 26.09.2013


Teksty krajobrazowe. Ogólna charakterystyka sztuki muzyczno-chóralnej Rosji przełomu XIX i XX wieku. Główne Dominanty figuratywne i gatunkowe świeckiej liryki chóralnej kompozytorów rosyjskich. Tradycje klasyczne w utworach na chór S. Tanejewa.

praca magisterska, dodana 01.10.2014


Dzwonienie jako organiczna część stylu muzycznego i dramaturgii dzieł rosyjskich i kompozytorzy radzieccy w różnych gatunkach. Muzyka dzwonkowa jako rodzaj sztuki ludowej. Wykorzystanie dzwonków i dzwonków w życiu codziennym.

streszczenie, dodano 30.09.2013


Znaczenie A. Puszkina w kształtowaniu rosyjskiej sztuki muzycznej. Opis głównych bohaterów i najważniejszych wydarzeń w tragedii A. Puszkina „Mozart i Salieri”. Cechy opery „Mozart i Salieri” N. Rimskiego-Korsakowa, jego ostrożne podejście do tekstu.

praca na kursie, dodano 24.09.2013


Charakterystyka twórczości wybitnych kompozytorów XIX wieku. Analiza twórczości M.I. Glinka, P.I. Czajkowski, M.P. Musorgski, A.S. Dargomyżski, N.A. Rimski-Korsakow, F.P. Schubert, R. Schumann, F. Chopin, R. Wagenra, J. Strauss, D.A. Rossini, D. Verdi.

raport, dodano 21.11.2009


Dzieciństwo i młodość Rimskiego-Korsakowa, znajomość z Bałakirewem, służba na Ałmazie. Twórczość kompozytora: film muzyczny „Sadko”, suity symfoniczne „Antar” i „Szeherezada”. Uwertury, suity symfoniczne z oper i transkrypcje scen operowych.

Instruktaż. - M.: Muzyka, 2014. - 593 s. — ISBN 978-5-7140-1286-0. Drugie wydanie podręcznika o rosyjskiej literaturze muzycznej, stworzonego przez nauczycieli akademickich uczelnia muzyczna(szkoła) w Moskiewskim Konserwatorium Państwowym. P.I. Czajkowski kontynuuje nową serię podręczników na ten temat, zastępując w dużej mierze przestarzałe podręczniki publikowane przez leningradzki oddział wydawnictwa „Muzyka” pod redakcją generalną E. Frieda.
W numerze drugim znalazły się rozdziały poświęcone twórczości A. Rubinsteina, A. Serowa, M. Bałakiriewa, A. Borodina i M. Musorgskiego.
Publikacja zaopatrzona jest w dużą liczbę przykładów nutowych. Opublikowane po raz pierwszy.
Dla uczniów szkół muzycznych. Wstęp. Rosyjski kultura muzyczna 1860-1870
A. G. Rubinsteina
Ścieżka życiowa i twórcza
Lata dzieciństwa (1829-1840)
Zajęcia z AI Villuanem
Pierwsza podróż zagraniczna (1840-1843)
Druga podróż zagraniczna (1844-1848)
Powrót do domu (1848-1854)
Trzeci wyjazd za granicę. Rubinstein i Liszt (1854-1858)
Powrót do Petersburga. Utworzenie Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego i Konserwatorium w Petersburgu (1858-1867)
Lata tułaczek (1867-1881)
bracia Rubinsteinowie
Ostatnie latażycie. Najnowsze osiągnięcia
Demon
Historia powstania i produkcji. Źródło literackie i libretto. Podstawowe motywy poetyckie
Krótkie streszczenie opery
Cechy gatunku. Kompozycja i dramaturgia. Formy operowe
Prolog
Pierwsza akcja
Akt drugi
Akt trzeci
Koncert nr. 4 na fortepian z orkiem.
A. N. Serow
Ścieżka życiowa i twórcza
1820-30
Lata 40. XIX wieku
Lata 50. XIX wieku
Lata 60. XIX wieku
Dziedzictwo muzyczne i krytyczne
Rola jednego motywu w całej operze _Życie cara_
Rusłan i _Ruslaniści_
Magiczna strzelanka
Lohengrin_ Richard Wagner na rosyjskiej scenie operowej
IX Symfonia Beethovena, jej struktura i znaczenie
Twórczość operowa
Judyta
Moc wroga
M. A. Bałakirew
Ścieżka życiowa i twórcza
Dzieciństwo i młodość
Potężna gromada
Balakirev – dyrygent i osoba muzyczna i publiczna
Lata kryzysu i odrodzenia. ostatnie lata życia
Poemat symfoniczny „Tamara”
Uwertura na tematy trzech pieśni rosyjskich
40 rosyjskich pieśni ludowych
Romanse i piosenki
Piosenka bandyty
Trzymaj, pocałuj
Chodź do mnie
Pieśń Selima
Piosenka o złotej rybce
Czy mogę usłyszeć twój głos
Piosenka gruzińska („Nie śpiewaj przede mną, piękna”)
W niebo wzeszedł pogodny miesiąc
Początek
Kiedy żółknące pole jest poruszone
Wśród kwiatów
Islamej
A. P. Borodin
Ścieżka życiowa i twórcza
Dzieciństwo i młodość (1833-1859)
Heidelberg. Znajomość z E. S. Protopopową (1859-1862)
Wróć do Rosji. Spotkanie z Bałakirewem. Pierwsza Symfonia (1862-1869)
Rozpoczęcie prac nad „Księciem Igorem”. Druga Symfonia. Borodin odwiedzający Liszta (1870)
Ostatnie lata życia (1880-1887)
Książę Igor
Historia stworzenia
Treść opery
Gatunek operowy. Kompozycja i dramaturgia
Obrazy Rusi
Obrazy Wschodu
Twórczość symfoniczna
Pierwsza Symfonia Es-dur
II Symfonia h-moll („Bogatyrskaya”)
Romanse i piosenki
Pieśń Mrocznego Lasu
Śpiąca księżniczka
Księżniczka morska
Z moich łez
Moje piosenki są pełne trucizny
Fałszywa notatka
Arogancja. „W domach ludzi”
Melodia arabska
Do brzegów odległej ojczyzny
Twórczość kameralna i instrumentalna
Drugi kwartet
poseł Musorgski
Ścieżka życiowa i twórcza
Lata dzieciństwa w Karev (1839-1849)
Petersburgu. Lata studiów (1849-1856)
Szkoła Chorążych Gwardii i Junkersów Kawalerii
Musorgski - oficer Pułku Strażników Życia Preobrażeńskiego (1856-1858)
Musorgskiego i Dargomyżskiego
Nowi przyjaciele. Emerytura (1858-1860)
Musorgski i Bałakiriew
Koło czytelnicze. Refleksje. „Król Edyp”. Kryzys psychiczny
Lata 60. XIX wieku W przeddzień opery „Borys Godunow”
Gmina
Musorgski i Potężna Garść
Wydarzenia drugiej połowy lat sześćdziesiątych XIX wieku.
Twórczość lat 60. XIX wieku
Salambo
Małżeństwo
Dzieła symfoniczne z lat 60. XIX wieku „Noc na Łysej Górze”
Lata powstania i produkcji opery „Borys Godunow” (1868-1874)
Ostatni okres życia i twórczości (1872-1881)
Twórczość lat 70. XIX wieku
Historia powstania opery „Khovanshchina” (1872–1880)
Jarmark Sorochinskaya
Fortepian i kompozycje wokalne Lata 70. XIX wieku
Występy koncertowe
Charakterystyka twórczości
Musorgski i jego czasy. Obrazy pomysłów na tematy
Gatunki, zasady, formy, język muzyczny
Musorgski pisarz
Borys Godunow
Treść opery
Tragedia Puszkina „Borys Godunow” i opera Musorgskiego
Gatunek operowy. Dramaturgia i kompozycja
Słownik intonacji dramatu muzycznego
Prolog
Pierwsza akcja
Akt drugi
Akt trzeci
Akt czwarty
Chowanszczina
Treść opery
Język literacki „Khovanshchina”
Język muzyczny „Khovanshchina”
Dramaturgia i kompozycja
Sceny ludowe w „Khovanshchina”
Sceniczny los „Khovanshchiny”
Kameralna twórczość wokalna
Zbiór wokalny „Młode lata”
Jakie są Twoje słowa miłości?
Noc
Liście zaszeleściły smutno
Gdzie jesteś, gwiazdo
Śpij, śpij, wieśniaku
Obrazy ludowe
Kalistrat
Kołysanka Eremushki
Sierota
Złośliwy
Gopak
Na grzyby
Svetik Savishna
Piosenki satyryczne
Seminarzysta
Klasyczny
Raek
Piosenka o pchle
Cykle wokalne
Dziecięce
Bez słońca
Pieśni i tańce śmierci
Twórczość fortepianowa
Zdjęcia z wystawy
Treść