Początki muzyki francuskiej.

Ludowe korzenie muzyki francuskiej sięgają wczesnego średniowiecza: w VIII-IX wieku istniały melodie taneczne i pieśni różnych gatunków - robotnicze, kalendarzowe, epickie i inne.
Powstał pod koniec VIII wieku chorał gregoriański.
W W XI-XII wieku na południu Francji rozkwitła rycerska sztuka muzyczna i poetycka trubadurów.
W W XII i XIII wieku następcami tradycji trubadurów byli rycerze i mieszczanie północnej Francji – trouvères. Wśród nich najbardziej znany jest Adam de la Al (zm. 1286).

Adam de la Al „Gra w Robina i Marion”.

W XIV wieku w muzyce francuskiej pojawił się ruch Nowej Sztuki. Głową tego ruchu był Philippe de Vitry (1291-1361) – teoretyk muzyki i kompozytor, autor wielu świeckich dzieł motety. Jednak pod koniec XVI wieku, za panowania Karola IX, charakter muzyki francuskiej uległ zmianie. Era baletu rozpoczęła się, gdy tańcowi towarzyszyła muzyka. W tej epoce rozpowszechniły się następujące instrumenty: flet, klawesyn, wiolonczela, skrzypce. I ten czas można nazwać czasem narodzin prawdziwej muzyki instrumentalnej.

Philippe de Vitry „Władca panów” (motet).

Wiek XVII to nowy etap w rozwoju muzyki francuskiej. Wielki francuski kompozytor Jean Baptiste Lully (Jean-Baptiste de Lully 28.11.1632, Florencja - 22.03.1687, Paryż) tworzy swoje opery. Jean Baptiste to znakomity tancerz, skrzypek, dyrygent i choreograf włoskiego pochodzenia, uważany za uznanego twórcę francuskiego opera narodowa. Wśród nich znajdują się takie opery jak: Tezeusz (1675), Izyda (1677), Psyche (1678, Perseusz (1682), Faeton (1683), Roland (1685) i Armida (1686) i inne. zwane „tragédie mise en musique” („tragedia o muzyce”), Jean Baptiste Lully starał się za pomocą muzyki wzmocnić efekty dramatyczne. Dzięki umiejętnościom inscenizacyjnym i widowiskowości baletu jego opery przetrwały na scenie około 100 lat. w tym samym czasie śpiewacy operowi po raz pierwszy zaczęli występować bez masek, a kobiety zaczęły tańczyć w balecie na publicznej scenie.
Rameau Jean Philippe (1683-1764) – francuski kompozytor i teoretyk muzyki. Korzystając z dorobku kultury muzycznej Francji i Włoch, znacząco zmodyfikował styl klasycystycznej opery i przygotował operową reformę Christophe'a Willibaldiego Glucka. Napisał tragedie liryczne „Hippolit i Arisia” (1733), „Kastor i Pollux” (1737), operę-balet „Gallant India” (1735), gry na klawesynie i nie tylko. Jego prace teoretyczne stanowią znaczący etap w rozwoju doktryny harmonii.
Francois Couperin (1668-1733) – francuski kompozytor, klawesynista, organista. Z dynastii porównywalnej z niemiecką dynastią Bacha, gdyż w jego rodzinie było kilka pokoleń muzyków. Couperin był nazywany „wielkim Couperinem”, częściowo ze względu na jego poczucie humoru, a częściowo ze względu na swój charakter. Jego twórczość jest szczytem francuskiej sztuki klawesynowej. Muzykę Couperina wyróżnia inwencja melodyczna, wdzięk i precyzja detalu.

1. Sonata a-moll Jeana Baptiste'a Lully'ego, część IV „Gigue”.

2. Jean Philippe Rameau „Kurczak” – grany przez Arkadego Kazaryana.

3. Francois Couperin „Budzik” – grany przez Ayana Sambueva.

W XVIII – końcu XIX w. muzyka stała się prawdziwą bronią w walce o swoje przekonania i pragnienia. Pojawia się cała plejada znanych kompozytorów: Maurice Ravel, Jean-Philippe Rameau, Claude Joseph Rouget de Lisle, (1760-1836) francuski inżynier wojskowy, poeta i kompozytor. Pisał hymny, pieśni, romanse. W 1792 roku napisał utwór „Marsylianka”, który później stał się hymnem Francji.

Hymn Francji.

Gluck Christoph Willibald (1714-1787) – słynny kompozytor francusko-niemiecki. Jego najsłynniejsza działalność związana jest z paryską sceną operową, dla której napisał swoje najlepsze dzieła, używając słów francuskich. Dlatego Francuzi uważają go za francuskiego kompozytora. Wiele jego oper: „Artaserse”, „Demofonte”, „Fedra” i inne wystawiano w Mediolanie, Turynie, Wenecji, Cremonie. Otrzymawszy zaproszenie do Londynu, Gluck napisał dla teatru Hay-Market dwie opery: „La Caduta de Giganti” (1746) i „Artamene” oraz operę składankową (pasticcio) „Pyram”

Melodia z opery „Orfeusz i Eurydyka”.

W XIX wieku - kompozytorzy Georges Bizet, Hector Berlioz, Claude Debussy, Maurice Ravel i inni.

W XX wieku pojawili się prawdziwi profesjonalni wykonawcy. To oni rozsławili pieśni francuskie, tworząc cały kierunek francuskiego chansonnier. Dziś ich nazwiska stoją poza czasem i modą. Są to Charles Aznavour, Mireille Mathieu, Patricia Kass, Joe Dassin, Dalida, Vanessa Paradis. Wszyscy znani są z pięknych, lirycznych piosenek, które podbiły serca słuchaczy nie tylko we Francji, ale także w innych krajach. Wiele z nich zostało nagranych przez innych wykonawców.

Początki fabless sięgają folkloru plemion celtyckich, galijskich i frankońskich, które żyły w starożytności na terenie dzisiejszej Francji. Podstawą rozwoju muzyki klasycznej stała się sztuka pieśni ludowej, a także kultura galijsko-rzymska. i przedstawię. materiały wskazują, że muzyka i taniec były przypisane istotom. rolę w życiu ludu, muzyka była ważnym elementem życia rodzinnego, religii. rytuały Wiarygodne dane o samych ludziach. Początki pieśni sięgają XV wieku. (z tego czasu pochodzą jej pierwsze zachowane zapisy).

W twórczości Francuzów folkloryści są uważani przez wielu. gatunki pieśni: liryczne, miłosne, pieśni skargi (complaintes), pieśni taneczne (rondes), satyryczne, pieśni rzemieślników (chansons de metiers), pieśni kalendarzowe, m.in. Boże Narodzenie (noels); robotnicze, historyczne, wojskowe itp. Do folkloru zaliczają się także pieśni związane z wierzeniami galijskimi i celtyckimi – „pieśni o czynach” (chansons de geste). Wśród lirycznych szczególne miejsce zajmują pastorałki (idealizacja życia wiejskiego). W historiach miłosnych dominuje motyw nieodwzajemnionej miłości i separacji. Wiele piosenek jest dedykowanych dzieciom - kołysanki, piosenki do zabawy. Istnieją różnorodne pieśni robotnicze (pieśni żniwiarzy, oraczy, winiarzy itp.), Pieśni żołnierskie i rekrutacyjne. Na szczególną grupę składają się ballady o wyprawach krzyżowych, pieśni obnażające okrucieństwo panów feudalnych, królów i dworzan, pieśni o powstaniach chłopskich (badacze nazywają tę grupę pieśni „poetycką epopeją historii Francji”).

Dla Francuza przysł. Piosenki charakteryzują się elegancką i elastyczną melodią, ścisłym powiązaniem muzyki ze słowem oraz wyraźną, często wersetową formą. Dominującymi trybami są naturalne główne i drobne. Typowe są rozmiary 2 i 3 taktów, przy czym najczęstszym metrum jest 6/8. Często w refrenach powtarzają się sylaby, które nie mają znaczenia semantycznego: tin-ton-tena, ra-ta-plan, ron-ron itp. Nar. piosenka jest organicznie związana z tańcem. Do najstarszych tańców ludowych zaliczają się rozmaite tańce okrągłe, tańce grupowe i w parach, m.in. Giga, bourre, rigaudon, farandel, branle, paspier.

Jedno ze stworzeń. warstwy francuskie muzyka kulturą był Kościół. muzyka regionu rozpowszechniła się wraz z chrześcijaństwem. Począwszy od IV wieku. do kościoła Na muzykę coraz większy wpływ miała miejscowa ludność. wpływ. Kościół został zmuszony do wykorzystania w nabożeństwach materiału pieśni ludowych i zaadaptowania łac. teksty do istniejącego folkloru melodie. W katolickim kościół Hymny przenikają także muzykę (w Galii wśród ich autorów słynął Hilary z Poitiers). To. Powstały lokalne formy liturgii i własne pieśni. zwyczaje (śpiewy gallikańskie). Ośrodki kultowej muzyki gallikańskiej skupiały się w Lugdunum, Narbonne i Massilii. W ciągu kilku przez wieki sprzeciwiali się wszechogarniającej polityce Kościoła rzymskiego, która sprzeciwiała się lokalnym typom kultu, na rzecz jednolitości Kościoła. usługi. W tej walce Rzym był wspierany przez królów frankońskich.

W VIII-IX w. wczesne gallikańskie formy liturgii chrześcijańskiej zostały wyparte przez liturgię gregoriańską, która ostatecznie powstała w XI wieku. Rozprzestrzenianie się chorału gregoriańskiego w okresie panowania dynastii Karolingów (751-987) wiąże się przede wszystkim z działalnością klasztorów benedyktyńskich. katolicki ośrodki pełniły opactwa Jumièges (nad Sekwaną, niedaleko Rouen), Saint-Martial (w Limoges), Saint-Denis (niedaleko Paryża), Cluny (w Burgundii), także w Poitiers, Arles, Tours, Chartres i innych miastach propagandy kościelnej. muzyki, były ośrodkami prof. muzykę duchową i częściowo świecką. kultura. Wiele opactw miało śpiewaków. szkoły (metrizy), w których nauczano zasad chorału gregoriańskiego, grając muzykę. instrumenty. Tutaj opracowano zasady notacji (wraz z pojawieniem się notacji bez menu w połowie IX wieku uczniowie opanowali podstawy tej notacji; zob. Nevmy) i ukształtowała się twórczość kompozytorska.

W IX wieku w związku z upadkiem imperium Karola Wielkiego i osłabieniem pozycji papiestwa w Kościele. W muzyce pojawiają się tendencje bardziej demokratyczne, w istocie „antygregoriańskie”, rozwijają się nowe formy, zwłaszcza sekwencja (we Francji nazywa się to także prozą). Stworzenie tej formy przypisywano mnichowi z klasztoru St. Gallen (w Szwajcarii) Notkerowi, który jednak we wstępie do swojej „Księgi hymnów” wskazał, że informacje o sekwencjach otrzymał od mnicha z opactwa w Jumieges. Następnie we Francji szczególną sławę zasłynęli prozaicy Adam z opactwa Saint-Victor (XII w.) i P. Corbeil (pocz. XIII w., twórca słynnej „Prozy osła”).

Wraz z sekwencjami rozpowszechniły się szlaki. Początkowo te wstawki w środku chorału gregoriańskiego nie różniły się od niego charakterem muzycznym, uzupełniając główny. intonować Później udając się do kościoła. Świeckie melodie przenikały muzykę. W tym samym okresie (począwszy od X w.) w głębinach samego nabożeństwa (w Limoges, Tours i innych miastach) kształtował się dramat liturgiczny, zrodzony ze zdialogizowanych ścieżek, na których naprzemiennie „pytania” i „odpowiedzi” dwie grupy antyfonalne chóru. Stopniowo liturgiczny. dramat coraz bardziej odchodził od kultu (wraz z wizerunkami ewangelicznymi włączano postacie realistyczne).

Wreszcie w jednym celu. Chorał gregoriański zaczyna przenikać elementy znanej ludowi polifonii. sztuka od czasów starożytnych. Pierwsze przykłady polifonii pisanej – organum – pochodzą z IX wieku. (odkryto je właśnie na terenie Francji), należy do przekazu zawartego w dziele mnicha z Saint-Amand (Flandria) Hukbalda. W swoich traktatach (koniec IX – początek X w.) nakreślił zasady funkcjonowania organum. U prof. muzyka stworzyła wielokąt. styl, inny niż ludzie. muzyka praktyki. Zjawiska takie jak teatralizacja kościołów. rytuał, wprowadzenie do kultu sekwencji i tropów, pojawienie się liturgii. dramaty, zalążki polifonii chorału gregoriańskiego, świadczyły o wpływie ludu. gusta, wprowadzenie do katolicyzmu. kościół ludowy pozew sądowy

Wraz z muzyką kultową rozwinęła się muzyka świecka, którą można było usłyszeć w muzyce ludowej. życie codzienne, na dworach królów frankońskich, w zamkach panów feudalnych. Nosiciele języka narodowego muzyka tradycje średniowiecza były rozdz. przyr. wędrowni muzycy - kuglarze, którzy cieszyli się dużą popularnością wśród ludu. Śpiewali piosenki moralizujące, humorystyczne i satyryczne. piosenki, tańce przy akompaniamencie różnych instrumenty m.in. tamburyn, bęben, flet, instrument szarpany, np. lutnia (co przyczyniło się do rozwoju muzyki instrumentalnej). Kuglarze występowali na festynach wiejskich, na dworach feudalnych, a nawet w klasztorach (brali udział w określonych rytuałach, procesjach teatralnych poświęconych świętom kościelnym, zwanych kolędami). Byli prześladowani przez katolików. Kościoła jako przedstawicieli wrogiej mu kultury świeckiej. W XII-XIII w. Wśród żonglerów doszło do rozwarstwienia społecznego. Część z nich osiedlała się w zamkach rycerskich, całkowicie uzależniając się od rycerza feudalnego, inni osiedlali się w miastach. W ten sposób żonglerzy, utraciwszy swobodę twórczą, stali się osiadłymi minstrelami w rycerskich zamkach i górach. muzycy. Jednak proces ten jednocześnie przyczynił się do penetracji zamków i miast ludowych. twórczość, która staje się podstawą muzyki rycersko-mieszczańskiej i poetyckiej. pozew sądowy W późnym średniowieczu, w związku z powszechnym powstaniem Francuzów. kultura zaczyna się intensywnie rozwijać i muzyka. pozew sądowy W zamkach feudalnych opartych na ludziach. kwitnie muzyka, muzyka świecka i poezja. sztuka trubadurów i truwerów (XI-XIV w.). K. kon. 11 wiek na południe część kraju, w Prowansji, która osiągnęła już wówczas wyższy poziom gospodarczy. i kulturowym (na południu, wcześniej niż w innych regionach Francji i w ogóle Europy, nastąpił zwrot w obyczajach rycerskich od prymitywnego barbarzyństwa do zachowań dworskich), rozwinęła się sztuka trubadurów, która nie była jedynie kulturą rycerską, ale nowy świecki liryzm, który wchłonął także tradycje pieśni ludowych. Do słynnych trubadurów należeli Marcabrew, Wilhelm IX – książę Akwitanii, Bernard de Ventadorn, Jauffre Rudel (koniec XI-XII w.), Bertrand de Born, Guiraut de Borneil, Guiraut Riquier (koniec XII-XIII w.).

W 2. połowie. XII wiek wszystko w. regionach kraju pojawił się podobny nurt – sztuka trouvères, która pierwotnie miała charakter rycerski, a później coraz szerzej kontaktowała się z ludem. kreatywność. Wśród Trouvères, wraz z królami, później sławę zyskała najwyższa arystokracja - Ryszard Lwie Serce, Thibault z Szampanii (król Nawarry), przedstawiciele ruchu demokratycznego. warstwy społeczne – Jean Bodel, Jacques Bretel, Pierre Monio i inni.

W swoim op. trubadurowie i trouvères wychwalali odwagę i szlachetność wojowników oraz śpiewali miłość do „pięknej damy”. W ich twórczości dominowała tematyka rycerska, rozwinęły się gatunki takie jak pastourels, alby (pieśni o świcie), sirwenty i epopeje. piosenki, taniec. Estampides. Ich twórczość przyczyniła się do rozwoju wielu muz. gatunki i formy - ballady, vireles, le, rondo; przewidywał pewne sztuki. Trendy renesansowe.

Ze względu na rozwój miast (Arras, Limoges, Montpellier, Tuluza itp.) w końcu. 12-13 wieków rozwinięte góry. muzyka sztuki, której twórcami byli góralscy poeci-śpiewacy. klasy (rzemieślnicy, zwykli mieszczanie, a także burżuazja). Wprowadzili do sztuki trubadurów i truwerów własną charakterystykę, odchodząc od jej wzniosłego rycerskiego stylu muzyczno-poetyckiego. obrazy, opanowawszy tematy ludowo-codzienne, tworząc charakterystyczny styl, własne gatunki. Największy władca gór. muzyka Kultura XIII wieku był poeta i kompozytor Adam de la Halle, autor pieśni, motetów, a także popularnej wówczas sztuki „Gra o Robinie i Marion” (ok. 1283), pełnej gór. pieśni, tańce (sam pomysł stworzenia świeckiego przedstawienia teatralnego przesiąkniętego muzyką był niezwykły). W nowy sposób zinterpretował tradycyjne odnogole. muzyczno-poetyckie gatunki trubadurów, posługujące się polifonią (wśród jego dzieł znajdują się ronda 3-bramkowe).

Wzmocnienie gospodarcze I Znaczenie kulturowe do wzrostu roli muzyki przyczyniło się powstanie uniwersytetów (m.in. na początku XIII w. na uniwersytecie paryskim), gdzie przywiązywano dużą wagę do muzyki (była to jeden z przedmiotów obowiązkowych, wchodzących w skład quadrivium) jako sztuka. W XII wieku jeden z ośrodków muzycznych. Paryż stał się ośrodkiem kultury, a przede wszystkim Szkoły Śpiewu Katedry Notre Dame (tzw. Szkoła Paryska), która zrzeszała największych mistrzów – śpiewaków-kompozytorów, naukowców. Szkoła ta rozkwitła w XII i XIII wieku. kultowa polifonia (patrz Ars antiqua), pojawienie się nowych muz. gatunki, odkrycia w dziedzinie muzyki. teorie.

Ch. ośrodkami polifonii, które powstały w IX w., były klasztory – w Chartres (powstała tu największa północnofrancuska szkoła śpiewu), Saint-Martial w Limoges itp. Zachowane fragmenty nagrań polifonii (XI-XII w.), odnalezione w rękopisach tych klasztorów odtwórz etapy historii. rozwój organum (patrz Diafonia, Treble). Wybitne postacie szkoły katedralnej Notre Dame - dyskantyści Leonin (XII w.) i Perotin (koniec XII - 1. ter. XIII w.) stworzyli wysokie przykłady wielokątów. kościół muzyka. Leonin ma 2 gole. melizmatyczny organums, w których po raz pierwszy zastosował zapis rytmiczny (ustalał wyraźny rytm poruszającego się głosu wyższego – góry). Perotin rozwinął dorobek swojego poprzednika: strzelił nie tylko 2, ale także 3, 4 gole. inscenizację, a Perotin skomplikował i wzbogacił rytmicznie polifonię (głos dolny - tenor przeciwstawił grupie rytmicznie zorganizowanej (zgodnie z zasadą trybu), wyróżniającej się szybszym ruchem głosów wyższych). Nowy styl, opracowany przez przedstawicieli szkoły katedralnej Notre Dame, odrzucił zasady chorału gregoriańskiego. W produkcji u tych kompozytorów sam chorał gregoriański ulegał zmianom: wcześniej swobodny rytmicznie, elastyczny chorał nabrał większej regularności i płynności (stąd nazwa takiego chorału cantus planus), podyktowanego wielokątami. magazyn Powikłanie wielokątne. tkanka i jej rytm. struktura wymagała precyzyjnego wyznaczenia czasów trwania (przedstawiciele szkoły paryskiej od doktryny modów doszli do doktryny skal), poprawy notacji. W XIII wieku Zaczęto stosować notację menzuralną (wśród teoretyków zajmujących się tym problemem był J. Garlandia).

Polifonia dała początek nowym gatunkom muzyki kościelnej i świeckiej, m.in. przewodnictwo i motet. Na przełomie XII-XIII w. Powstało zachowanie – swobodnie skomponowana melodia w języku łac. tekst (zarówno treści duchowe, jak i świeckie), rodzaj tropu. Został spełniony. podczas świątecznego kościoła. usługi. Jest to gatunek przejściowy: początkowo do liturgii włączano dyrygenty, później stały się one czysto świeckie, nabierając nawet konotacji codziennej (śpiewano je podczas świąt, świąt, spotykano także dyrygenty z tekstami ostro satyrycznymi). Wśród autorów dyrygentów jest Perotin. Na podstawie przewodnika w połączeniu. XII wiek We Francji powstał najważniejszy gatunek wielokątów. muzyka – motet. Jego wczesne przykłady należą także do mistrzów szkoły paryskiej (Pérotin, Franco z Kolonii, Pierre de la Croix). Motet pozwalał na swobodę łączenia liturgii. i świeckie melodie, teksty (każdy z głosów miał zwykle swój własny tekst, często tenor wykonywany był po łacinie, głosy wyższe po francusku i jego lokalnych dialektach). Z połączenia kościoła. i melodie pieśni narodziły się popularne w XIII wieku. komiczny motet. Połączenie polifonii z formami codziennymi zaowocowało wielkimi osiągnięciami artystycznymi. wyniki.

Motet znalazł szerokie zastosowanie w twórczości przedstawicieli ars nova, ruchu postępowego, który narodził się w muzyce francuskiej w XIV wieku. W tym wczesnym świeckim prof. muzyka sztuka przywiązywała dużą wagę do współdziałania muzyki „codziennej” i „naukowej” (tj. pieśni i motetu). W XIV wieku piosenka zajęła wiodącą pozycję wśród muz. gatunki. Wszyscy zwrócili się do niej główni kompozytorzy, jednocześnie zapewniła duży wpływ na motecie. Na początku. 14 wiek ukazał się cykl pieśni Jeannota de Lecurela – pierwszy we Francji zbiór pieśni jednego autora. Ideologiem ars nova był humanistyczny poeta, kompozytor, teoretyk muzyki i matematyk Philippe de Vitry (przypisuje mu się traktat „Ars nova”, od którego wzięła się nazwa ruchu), który uzasadnił założenia „nowej sztuki”. Innowacje Philippe'a de Vitry'ego na polu teorii łączono w szczególności z doktryną współbrzmień i dysonansów (za współbrzmienie uznał tercje i seksty). Wprowadził także do swojej muzyki nowe zasady kompozytorskie. op., tworząc izometrię. motet. Ucieleśnieniem tego typu motetu była twórczość największego kompozytora i poety ars nova, Guillaume’a de Machauta. W swoim prod. jakby sztuki były zjednoczone. osiągnięcia muzyki rycerskiej. pozew mający ten sam cel. piosenki i wiele bramek. góry muzyka kultura. Jest właścicielem piosenek ludu. magazyny (lays), vireles, ronda, ballady (to on jako pierwszy rozwinął gatunek ballad wielokątnych). W motetach Machaut posługiwał się (konsekwentniej niż jego poprzednicy) muzami. instrumentach (prawdopodobnie głosy niższe były instrumentalne). Jest autorem pierwszego francuskiego. masy polifoniczne magazyn (1364). Ogólnie rzecz biorąc, francuski ars nova oznacza. stopniu związany ze stylem średniowiecznym. polifonia (złożone polifonicznie dzieła mistrzów tego kierunku są zjawiskiem typowym dla dojrzałego średniowiecza).

W XV wieku ze względu na historyczne powodów (w czasie wojny stuletniej dominującą pozycję ponownie zajęli panowie feudalni, duże dwory feudalne okazały się ośrodkami kulturalnymi; z nową energią odżyły tradycje scholastyki średniowiecznej) nie zaobserwowano w tym kraju żadnych szczególnie uderzających zjawisk F. Wiodąca pozycja w muzyce. Kultura francuska XV wieku zajmowane przez przedstawicieli szkoły francusko-flamandzkiej (holenderskiej). Szkoła holenderska, która rozwinęła się jako szkoła kreatywna. kierunek szerokiego zasięgu oparty na uogólnieniu postępowych trendów w języku francuskim, angielskim, włoskim. muzyka wywarła ogromny wpływ na Europę. muzyka kultura m.in. i francuski. Przez dwa stulecia najwięksi kompozytorzy holenderscy działali we Francji. polifoniczny szkoły: średnie. XV wiek - J. Benchois, G. Dufay w 2. połowie. XV wiek - I. Okegem, J. Obrecht, in con. 15 - początek XVI wiek - Josquin Despres w 2. połowie. 16 wiek - O. Lasso.

Benchois i Dufay sprawdzili się w dziedzinie tzw. Pieśni burgundzkie (powstające na dworze książąt burgundzkich w Dijon). Dufay, jeden z założycieli Holandii. szkół, wraz z wieloma celami. pieśni i inne świeckie op. (w szczególności odmiany motetu) tworzyły dzieła duchowe. Dużym zainteresowaniem cieszą się jego msze, w których język narodowy używany jest jako cantus firmus. lub pieśń świecka (np. pieśń miłosna „Jej twarz zbladła” w 4-chal. Mszy, powstałej około 1450 r.).

Najzdolniejszy kontrapuntalista Ockeghem był nie tylko muzykiem (przez kilka lat był pierwszym kapelanem i kapelmistrzem francuskiego dworu królewskiego), ale także matematykiem i filozofem. Mistrzowsko opanował technikę imitacji i kanonizacji listy, używał go w swoich mszach, a także pieśni burgundzkie. Wyrafinowany i wirtuozowski styl, jasna emocjonalność i kolorowa muzyka z żywą melodią (melodie ludowe są szeroko stosowane w cantus firmus i innych głosach polifonicznych), klarowność harmonii i klarowność rytmu wyróżniają to przedstawienie. Obrecht - msze (w tym tzw. parodie), motety, a także pieśni, instrumenty. gra.

Josquin Despres (przez pewien czas był bliskim muzykiem Ludwika XII), czerpiąc z osiągnięć Obrechta i innych mistrzów holenderskich. szkole, osiągnął cechy w swojej twórczości. skok, podkreślając estetykę. znaczenie roszczenia. Będąc wybitnym polifonistą, przyczynił się jednocześnie do „harmonijnego wyklarowania” stylu (w jego kompozycjach, nasyconych najbardziej złożonymi technikami polifonicznymi, pojawiają się rozbudowane epizody o strukturze czysto akordowej). Josquin Despres osiągnął taką swobodę techniczną, gdy umiejętność staje się niewidzialna i całkowicie podporządkowana objawieniu sztuki. plan. W swoich produkcjach (msze, motety, pieśni świeckie, polifoniczne sztuki instrumentalne o charakterze figuratywnym), z których każdy jest wyraźnie indywidualny, Josquin Despres odzwierciedlił głębiej, bardziej zgodnie z prawdą niż jego poprzednicy, wnętrze. ludzki świat. Jego piosenki są w języku francuskim. teksty przygotowane przez język francuski. polifoniczny Piosenka z XVI wieku Gatunek ten jest szeroko reprezentowany w twórczości największego Holendra. Polifonista z XVI wieku Lasso to mistrzowie surowej polifonii. Jego liczne cele. Francuski piosenki („O starym mężu”, „Na targu w Arras” itp.) są dowcipne, pikantne, spontaniczne; Charakteryzują się typowo holenderskim charakterem. gatunek w przedstawianiu scen codziennych, dobroduszny, szorstki humor. Jego styl był krokiem naprzód na drodze do harmonii. jasności, stosuje już homofoniczne techniki pisania. Dotyczy to przede wszystkim produkcji świeckich. (pieśni, villanelle, madrygały). W duchowym op. (motety, msze, psalmy) dominuje przezroczysta polifonia, w niektórych z nich zarysowane są zasady formy fugowej. Lasso wywarło owocny wpływ na F. m. Ogólnie rzecz biorąc, Holandię. szkoła 15-16 wieków stał się jednym z najważniejszych źródeł żywności dla Francuzów. prof. muzyka pozew sądowy

w kon. XV wiek We Francji zadomowiła się kultura renesansu. (Niektórzy uczeni dopatrywali się w sztuce ars nova cech renesansu, uznając wiek XIV za wczesny renesans francuski. Jednakże publikacje świeckich dzieł muzycznych z przełomu XIV i XV w., które ukazały się w latach pięćdziesiątych XX w., wskazują na błędność tego stanowiska .) Ożywienie przygotowało wielu historyków. procesy. O rozwoju języka francuskiego kultura miała korzystny wpływ na takie czynniki, jak pojawienie się burżuazji (XV w.), Walka o zjednoczenie Francji (zakończona do końca XV w.) i utworzenie scentralizowanego państwa wojskowego. wycieczki do Włoch – kraju wyższego tradycje kulturowe, stworzenia Ważny był także ciągły wzrost liczby ludności. twórczość i działalność kompozytorów szkoły francusko-flamandzkiej.

Najważniejszym przejawem kultury renesansu był humanizm. Na pierwszy plan wysuwa się osoba ze swoim wnętrzem. pokój. W XVI wieku Wzrosła rola muzyki w społeczeństwie. życie. Franciszek. królowie tworzyli na swoich dworach duże kaplice i organizowali muzykę. uroczystości (np. wspaniała uroczystość zorganizowana w 1518 r. przez króla Franciszka I na dziedzińcu Bastylii na cześć ambasadorów króla angielskiego). W XVI wieku król dziedziniec (ostatecznie przeniesiony do Luwru) staje się rozdz. wylęgarnia muzyki życia, wokół którego skupiał się prof. pozew sądowy Wzmocniła się rola adwentu. kaplice (patrz Paryż). W 1581 roku Henryk III zatwierdził stanowisko „Naczelnego Intendenta Muzyki” na dworze. Pierwszym „kwatermistrzem” jest Włoch. skrzypek Baltazarini de Belgioso (Balthazar de Beaujoyeux) stanowisko. w małym pałacu burgundzkim w Paryżu, skomponowany wspólnie przez niego. z poetą Lachaine i muzykami J. de Beaulieu i J. Salmonem „The Queen’s Comedy Ballet” to pierwsze doświadczenie łączenia muzyki i tańca ze występami scenicznymi. akcja, która otworzyła nowy gatunek - adwent. balet. Ważne ośrodki muzyczne. pozew wraz z królem. dziedziniec i kościół również miały charakter arystokratyczny. salony (np. w Paryżu salon hrabiny de Retz, w którym występowali najlepsi muzycy tamtych czasów), muzy cechowe. stowarzyszenia rzemieślników.

Okres rozkwitu renesansu, związany z powstaniem Francuzów. krajowy kultura, przypada na połowę. 16 wiek Uderzającym przejawem renesansu był świecki wielokąt. piosenka - chanson, nie tracąc kontaktu z codziennością, stała się gatunkiem prof. pozew sądowy Polifoniczny styl przenika do języka francuskiego. piosenka zyskała nową interpretację (w porównaniu z pieśnią mistrzów szkoły holenderskiej), odpowiadającą innej poetyce. pomysły Francuzów humanizm - idee Rabelais'go, C. Marota, P. Ronsarda. Zwykle pieśń to piosenka ze świeckimi tekstami i melodiami ludowymi. Jego fabuła wyrazi. środki kojarzono z codzienną demokracją. życie codzienne.

Wybitny kompozytor francuski. Odrodzeniem był K. Janequin, który jest właścicielem ponad 200 wielokątów. piosenki. Dzięki Janequin piosenka zamienia się w rozszerzoną realistyczną kompozycję. fabuła (w rodzaj piosenki fantasy). Takie są jego „Polowanie”, „Bitwa”, „Śpiew ptaków”, „Pogawędka kobiet”, „Krzyki uliczne Paryża” itp. Pod względem bogactwa szkiców gatunkowych jego utwory słusznie porównuje się z dziełami. F. Rabelais. Janequin pisał także muzykę sakralną (msze, motety). Jednak wprowadził także cechy świeckich woków do gatunków kultowych. op. Wśród innych autorów jest chanson - comp. G. Kotle, K. Sermizi.

Chanson zyskał sławę nie tylko we Francji, ale także poza jej granicami. po części dzięki drukowi muzycznemu, co również przyczyniło się do umocnienia muz. połączenia między europejskimi Państwa. W 1528 w Paryżu P. Attenyan wspólnie. Muzyka została założona z P. Autenem. wydawnictwo (działało do 1557 r.); w 2. połowie. 16 wiek Duże znaczenie zyskała firma R. Ballarda i A. Le Roya (założona w Paryżu w 1551 r., później na jej czele stanęli synowie i wnukowie Ballarda; do połowy XVIII w. firma zajmowała czołową pozycję w wydawnictwach muzycznych). Już od końca. lata 20 16 wiek Attenyan zaczął publikować zbiory pieśni i utworów na lutnię, a także publikował tabulatury na lutnię, organy, a później inne instrumenty.

W okresie renesansu wzrosła rola narzędzi. muzyka. W muzyce Wiola, lutnia, gitara i skrzypce (jako instrument ludowy) były szeroko rozpowszechnione w życiu codziennym. Instr. gatunki przenikały zarówno muzykę potoczną (aranżacje i aranżacje tańców i pieśni), jak i muzykę profesjonalną, częściowo kościelną (aranżacje wokalnych utworów polifonicznych, aranżacje melodii chóralnych). Taniec domowy. muzyka przeznaczona była na lutnię lub mały instrument. zespół, polifoniczny szturchać. wykonywane na organach. Taniec lutniowy. Sztuki wyróżniały się wśród dominujących w XVI wieku. polifoniczny szturchać. rytmiczny plastyczność, klarowność melodii, homofoniczna struktura, przejrzystość faktury. Charakterystyczne było połączenie dwóch lub więcej. tańce oparte na zasadzie rytmicznej. kontrastują w niepowtarzalne cykle, które stały się podstawą przyszłego tańca. apartamenty np różnica. branly (w zbiorach wydawanych przez Attennana występują takie cykle 2, 3 tańców).

Bardziej niezależny. org. również nabrało znaczenia. muzyka. Pojawienie się org. szkół we Francji (koniec XVI w.) wiąże się z twórczością organisty J. Titlouza.

Notatka. Fenomen Francuzów kulturą renesansu była Akademia Poezji i Muzyki, założona w 1570 roku przez muzyka, poetę i członka środowiska twórczego. Wspólnota Francuska humanistyczni poeci „Plejady” J. A. de Baifa wspólnie. z podobnie myślącymi ludźmi (trwał do 1584 r.). Uczestnicy akademii starali się wskrzesić dawną poetykę i muzykę. metryczny, bronił zasady nierozerwalnego związku muzyki i poezji. Podali definicję. wkład w ewolucję niektórych dramatów muzycznych. formy Jednak ich eksperymenty z podporządkowaniem rytmu śpiewu mają charakter metryczny. struktura wiersza doprowadziła do powstania abstrakcyjnych muz. szturchać. C. Le Jeune, J. Mauduit i inni pisali muzykę do „wierszy wymierzonych” Baifa i Ronsarda (rozdziały „Plejad”).

Oznacza. warstwa w muzyce Kultura francuska XVI wieku komponował muzykę hugenotów - francuską. przedstawiciele reformacji (byli to główni szlachcice, którzy starali się zachować porządek feudalny i osłabić ingerencję władz królewskich w ich sprawy, a także część burżuazji, która broniła swoich dawnych swobód miejskich). K ser. 16 wiek Powstała pieśń hugenotów: melodie popularnych pieśni codziennych i ludowych. piosenki zostały dostosowane do tych przetłumaczonych na język francuski. język teksty liturgiczne. Nieco późniejsze religie. walki we Francji dały początek psalmom hugenotów z charakterystycznym dla nich przeniesieniem melodii na głos wyższy i odrzuceniem polifonii. trudności. Największymi kompozytorami hugenotów, którzy komponowali psalmy, byli K. Gudimel i Le Jeune. Będąc mistrzem polifonii, Gudimel na niej grał. rolę w przygotowaniu homofoniczno-harmonicznej. magazyn, który zaczyna dominować w p. m. renesansu. Spory między protestantami i katolikami rodziły polemiki. piosenki. W wyniku powszechnego rozpowszechniania się tej masowej demokracji gatunek pieśni z okresu religijnego. wojny nabrały charakteru narodowego. patriotyczny Francuski piosenka będąca manifestacją narodowościową Samoświadomość francuska.

17-18 wieków charakteryzuje się zdecydowaną przewagą muzyki świeckiej nad muzyką sakralną. W XVII wieku, w okresie ustanawiania się monarchii absolutnej we Francji, nadejście adwentu nabrało ogromnego znaczenia. sztuka, która wyznaczyła kierunek rozwoju najważniejszych gatunków muzyki artystycznej tamtych czasów – opery i baletu w charakterze syntetycznym. dekoracyjne widowiska widowiskowe podporządkowane idei gloryfikacji monarchii.

Lata panowania Ludwika XIV naznaczone były niezwykłą świetnością adwentu. życia, żądza dworu i szlachty feudalnej za luksusem i wyrafinowaną rozrywką. Pod tym względem dużą rolę przypisano adwentowi. balet, którego występy odbywały się w Luwrze, Arsenale i Pałacu Kardynalskim (otwartym w 1641 r., od 1642 r. – Palais Royal). Wszystko R. XVII wiek Włosi stali się silniejsi na dworze. trendy. Sadzenie włoskie teatr. tradycje propagował kardynał Mazarin, który zapraszał do Paryża kompozytorów i śpiewaków z Rzymu, Wenecji i Bolonii. Włosi wprowadzili Francuzów. arystokracja z nowym gatunkiem - operą (na dworze królewskim było kilka oper - „Wyimaginowana wariatka” Sacrati, 1645; „Orfeusz i Eurydyka” L. Rossiego, 1647 itd.). Poznajemy język włoski opera posłużyła jako zachęta do stworzenia własnego narodowego. opery. Pierwsze eksperymenty w tym zakresie należał do muzyka E. Jacqueta de la Guerre („Triumf miłości”, 1654), komp. R. Camber i poeta P. Perrin („Pastoralny”, 1659). W 1661 r. utworzono „Królewską Akademię Tańca”, na której czele stanął choreograf P. Beauchamp (istniała do 1780 r.). W 1669 roku Camber i Perrin otrzymali patent na zorganizowanie stałego teatru operowego, który został otwarty w 1671 roku pod tą nazwą. „Królewska Akademia Muzyczna” (patrz: „Wielka Opera”) z operą „Pomona”. Od 1672 roku teatrem kierował J. B. Lully, który uzyskał monopol na przedstawienia operowe we Francji.

Największy Francuz kompozytor, założyciel narodu szkoły operowej Lully na początku swojej twórczości. po drodze pisał muzykę do baletów dla Pridv. gody Stworzył szereg komedii i baletów („Małżeństwo niechętne”, 1664; „Kochaj uzdrowiciela”, 1665; „Monsieur de Poursonnac”, 1669; „Mieszczanin w szlachcie”, 1672; stworzył je wspólnie z J. B. Molierem ), z którego narodziły się opery i balety. Lully był twórcą gatunku tragedii lirycznej (rodzaj opery heroiczno-tragicznej). Jego liryczny tragedie („Kadmus i Hermiona”, 1673; „Alceste”, 1674; „Tezeusz”, 1675; „Hatis”, 1676; „Perseusz”, 1682 itd.) z ich wysokim bohaterstwem, silnymi namiętnościami, konfliktem uczuć z długiem w swoim temacie i głównym. stylistyczny Zasady są bliskie klasycystycznym tragediom P. Corneille’a i J. Racine’a.

Na F. m. 17 wieku. Racjonalizm miał silny wpływ. estetyka klasycyzmu, która stawiała wymagania smaku, równowagi piękna i prawdy, przejrzystości projektu, harmonii kompozycji. Klasycyzm, który rozwijał się jednocześnie. w stylu barokowym, otrzymanym we Francji w XVII wieku. pełna ekspresja i jego wybitnego przedstawiciela stał się Lully w muzyce. Jednocześnie twórczość tego kompozytora nosi cechy sztuki barokowej, o czym świadczy bogactwo spektakularnych efektów (tańce, procesje, tajemnicze przemiany itp.).

Wkład Lully'ego w inżynierię jest znaczący. muzyka. Stworzył typ francuski. uwertura operowa (sam termin powstał w 2. połowie XVII w. we Francji). Liczny tańce z jego produkcji. duże formy (menuet, gawot, sarabanda itp.) wpłynęły na późniejsze powstanie orka. apartamenty. Twórczość Lully'ego stanowi ważny etap w ewolucji muzyki od starożytnych polifonii. formy na symfonię sonatową. Gatunki XVIII w

w kon. 17 - I piętro. XVIII wiek Dla T. pisał M. A. Charpentier (opera „Medea”, 1693 itd.), był także autorem pierwszej francuskiej kantaty „Orfeusz zstępujący do piekła”, 1688), A. Campra (opera-balet „Waleczna Europa” , 1697; „Święta weneckie”, 1710; tragedia liryczna „Tancred”, 1702 itd.), M. R. Delalande (dyvertissements „Pałac Flory”, 1689; „Melicert”, 1698; „Małżeństwo wiejskie”, 1700 itd.) , A. K. Detush (tragedia liryczna „Grecki Amadis”, 1699; „Omphale”, 1701; „Telemachus i Calypso”, 1714; opera-balet „Karnawał i szaleństwo”, 1704 itd.). Wśród następców Lully’ego szczególnie zauważalna stała się konwencja adw. teatr. styl. W produkcji ci kompozytorzy, którzy nadal tworzyli teksty. na pierwszy plan wysunęły się tragedie dekoracyjno-baletowe, sielsko-sielski. aspekty tego gatunku na niekorzyść dramatów. podstawy opery, jej heroiczność. treść. Szczególne znaczenie ma początek przekierowania (por. Divertimento, 3). Liryczny. tragedia ustępuje miejsca nowemu gatunkowi - operze-baletowi.

W XVII wieku we Francji różne rodzaje instr. szkoły - lutnia (D. Gautier, który wywarł także wpływ na styl klawesynowy J. A. Angleberta, J. C. de Chambonnière), klawesyn (Chambonnière, L. Couperin), altówka (gambista M. Marin, który jako pierwszy we Francji wprowadził kontrabas do orkiestra operowa zamiast altówki kontrabasu). Największe znaczenie zyskał język francuski. szkoła klawesynistów. Bezpośrednio pod nim rozwinął się wczesny styl klawesynowy. wpływ sztuki lutniowej. W produkcji Chambonniere stał się charakterystyczny dla Francuzów. Sposób zdobienia melodii przez klawesynistów (patrz Ozdoby) Spektaklowi nadawała obfitość dekoracji. dla klawesynu jest pewne wyrafinowanie, a także większa spójność, „melodia”, „rozszerzenie” gwałtownego brzmienia tego instrumentu. w instr. muzyka była szeroko stosowana, używana już w XVI wieku. ujednolicenie tańców parowych (pawan, galiard itp.), co doprowadziło do XVII wieku. stworzyć zestaw. Do starożytnych tańców ludowych (courante, branle) dołączyły tańce z różnych regionów Francji z wyraźnym lokalne osobliwości(paspier, bourre, rigaudon), które wraz z menuetem i gawotem stanowiły stabilną podstawę dla Francuzów. instr. apartamenty.

W latach 20-30. 18 wiek Suita klawesynowa osiąga swój najwyższy szczyt, wyróżniając się wyrafinowanym obrazem, subtelnością i elegancją stylu. Wśród Francuzów klawesynistom wybitną rolę przypisuje się przedstawicielowi licznej rodziny francuskiej. muzycy F. Couperin („wielki”), którego twórczość jest szczytem języka francuskiego. muzyka sztuka z okresu klasycyzmu. W swoich wczesnych suitach wzorował się na wzorach ustalonych przez poprzedników, przełamując później normy tańca antycznego. suity Couperin tworzył cykle swobodne, oparte na zasadzie podobieństwa i kontrastu sztuk. Mistrz miniatury, doszedł do perfekcji w ucieleśnianiu różnorodnych treści w ramach tego gatunku, stworzonego najpierw przez Francuzów. klawesyniści. Muzykę Couperina charakteryzuje niewyczerpana melodyka. pomysłowość. Jego instr. Utwory odznaczają się ekspresją figuratywną. Większość przedstawień ma tytuły programowe („Żniwiarze”, „Trzciny”, „Kukułka”, „Florentyńczyk”, „Flirty” itp.). Ze świetną psychiką Z subtelnością oddają pełne wdzięku wizerunki kobiet i dostarczają poetyckich szkiców gatunkowych. Wraz z Coupinem wielki wkład w rozwój charakterystycznej programowo suity klawesynowej wnieśli także J. F. Dandrieu, a zwłaszcza J. F. Rameau, który w swoim opusie klawesynowym. często wykraczał poza granice intymności, dążąc do pisarstwa bardziej dekoracyjnego, wykorzystującego dynamiczny rozwój typu sonatowego. Oznacza. kamień milowy w formacji francuskiej. skr. szkoły, która rozwinęła się w ścisłym związku z włoską, pojawiła się twórczość J. M. Leclerca („seniora”), który stworzył żywe przykłady Skr. sonaty i koncerty z XVIII wieku oraz C. de Mondonville, który jako pierwszy zapoznał się ze Skritem. partię harmonii naturalnej, a także w „Utworach na klawesyn w formie sonat z towarzyszeniem skrzypiec” (1734) po raz pierwszy rozwinął obowiązkową (zob. Obligato, 1) partię klawesynu.

W F. m. XVIII wiek. Pierwsze miejsce przypadło teatrowi muzycznemu. gatunki. W latach 30-60. pozycję lidera w napędzie opera - „Królewską Akademię Muzyczną” zajmował Rameau, którego twórczość utrzymana jest w gatunku lirycznym. tragedia osiągnęła swój punkt kulminacyjny. rozwój. Stworzył wiele znakomitych dzieł operowych. - liryczny tragedie „Hippolit i Aryzja” (1733), „Kastor i Polluks” (1737, wyd. 2 1754), „Dardan” (1739, wyd. 2 1744), „Zoroaster” (1749, wyd. 2 1756), opery i balet „Gallant India” (1735) itp. Rameau, największy muzyk XVIII wieku, zaktualizował ekspresję muzyczną. środka gatunku operowego. Jego głos-deklamacja. styl został wzbogacony o zwiększoną harmonię melodyczną. ekspresja i organicznie realizowany włoski. formy ariotyczne. Bardziej urozmaiconą treść nabrała jego dwuczęściowa uwertura w stylu Lullista, zwrócił się także ku uwerturze trzyczęściowej bliskiej Italowi. symfonia operowa. W wielu operach Rameau antycypował wiele późniejszych osiągnięć w dziedzinie muzyki. dramat, przygotowujący grunt pod operową reformę K. V. Glucka. Jednak uwarunkowania historyczne nie pozwoliły mu radykalnie zreformować przestarzałego liryzmu. tragedię, pokonajcie ją odważnie i arystokratycznie. estetyka. Wielkie osiągnięcia Rameau w dziedzinie muzyki. teorie. Wybitny muzyk teoretyk, rozwinął harmonijną naukę. system, szereg postanowień, które posłużyły za podstawę doktryny harmonii („Traktat o harmonii”, 1722; „Pochodzenie harmonii”, 1750 itd.). Heroiczno-mitologiczny. opery Lully'ego, Rameau i innych autorów do środka. 18 wiek nie odpowiadają już estetyce. prośby Burzha publiczność. Popularne były jarmarkowe przedstawienia satyryczne (paryskie jarmarki były powszechnie znane od końca XVII w.), ośmieszające moralność „wyższych” warstw społecznych, a także parodiujące nadejście. opera Pierwsi autorzy takich komiksów. operami byli dramatopisarze A. R. Lesage i S. S. Favard, którzy umiejętnie dobrali muzykę do swoich przedstawień, składającą się z pieśni dwuwierszowych - „voix de ville” (dosł. „Głosy miasta”; patrz Vaudeville) i innych popularnych typów gór folklor W głębinach wesołe miasteczko dojrzał nowy francuski. gatunek opery - komiks operowy. Pozycję komika operowego umocnił jego przyjazd do Paryża w 1752 roku. trupa operowa, która wystawiła szereg oper buffa, m.in. „Dziewica i dama” Pergolesiego oraz kontrowersje wokół zagadnień sztuki operowej, jakie rozgorzały pomiędzy zwolennikami (środowiska burżuazyjno-demokratyczne) i przeciwnikami (przedstawiciele arystokracji) Włocha. opera buffa – tzw „Wojna błaznów”

W napiętej polityce W atmosferze Paryża polemika ta stała się szczególnie ostra i zyskała ogromny rozgłos. rezonans. Liczby francuskie brały w tym czynny udział. Oświecenia, które wspierały demokrację. sztuka „bufonistów” – D. Diderota, J. J. Rousseau, F. M. Grimma i innych. Ich błyskotliwe polemiki. broszury i naukowe traktaty (Rousseau – artykuły o muzyce w „Encyklopedii, czyli Słowniku wyjaśniającym nauki, sztuki i rzemiosła”; „Słownik muzyczny”, 1768; „Listy o muzyce francuskiej…”, 1753; Grimm – „Listy o Omphale”, 1752; „Mały prorok z Bömish Brod”, 1758; Diderot – „Rozmowy o „złym synu””, 1757 itd.) były skierowane przeciwko konwencjom Francuzów. przysł. t-ra. Głoszone przez nich hasło „naśladowanie natury” wywarło ogromny wpływ na formację Francuzów. Styl opery z XVIII wieku Prace te zawierają także wartościową estetykę. i teorii muzyki uogólnienia.

W swojej działalności encyklopedyści nie ograniczali się do literatury. polemika. Ważną rolę w ustaleniu nowego rodzaju muzyki. Spektakl odegrał pastoralny „Wiejski czarnoksiężnik” Rousseau (1752), który był pierwszym Francuzem. komiczny opera. Od tego czasu zaczął się rozwijać komiks operowy, który stał się wiodącym gatunkiem teatru muzycznego (przedstawienia wystawiano w teatrze Opery Komiksowej; zob. „Opera Comique”). Wśród pierwszych autorów jest Francuz. komiczny opery - E. Duni, F. A. Philidor. Włoski kompozytor Dunya, działający w Paryżu od 1757 roku, stworzył ponad 20 dzieł tego gatunku. („Dwóch myśliwych i mleczarka”, 1763; „Żniwiarze”, 1768 itd.).

Komiczny Opery Philidora to przede wszystkim opery codziennego użytku, wiele z nich zawiera kolorowe obrazy rodzajowe („Kowal”, 1761; „Drwal”, 1763; „Tom Jones”, 1765 i in.). Rozwijając się, poszerzając zakres wątków (stopniowo włączane są wątki melodramatyczne i heroiczne), komiks operowy rozwijał się niezależnie. sposób, bez ulegania wpływom lirycznym. tragedia. Jej muzyka staje się bogatsza i bardziej złożona. język, ale pozostaje on demokratyczny. prawo W latach 60. XVIII w. komiczny opera zbliża się do „poważnej komedii”, jak ją nazywał Diderot. Typowym przedstawicielem tego nurtu był P. A. Monsigny, którego twórczość była bliska ówczesnemu sentymentalizmowi („Dezerter”, 1769; „Feliks, czyli podrzutek”, 1777 i in.). Jego prod. świadczą o humanizmie edukacyjnym komiksu. opera, o jej tendencji społecznej, typowej dla okresu przedrewolucyjnego. dziesięciolecia. Sztuki figuratywne. sfera komiczna Opera została znacznie rozbudowana przez A.E.M. Gretry’ego, który wprowadził do niej elementy liryczne. poetyka i preromantyzm. koloryzm („Lucille”, 1769; „Ryszard Lwie Serce”, 1784; „Raoul Sinobrody”, 1789 itd.). Pomysły francuskie Oświecenie odgrywało stworzenia. rolę w przygotowaniu reformy opery Glucka. Rozpocząwszy reformę w latach sześćdziesiątych XVIII w. w Wiedniu (Orfeusz i Eurydyka, 1762; Alceste, 1767), ukończył ją w Paryżu. Wystawienie w Paryżu oper „Ifigenia w Aulidzie” (1774), „Armida” (1777), „Ifigenia w Taurydzie” (1779), które ucieleśniały idee bohaterstwa i męstwa obywatelskiego głoszone przez zaawansowane koła przedwojennego rewolucjoniści. Francja, stała się przyczyną zaciętej walki nurtów w ruchu francuskim, przeciw Gluckowi wystąpili także zwolennicy ruchu starofrancuskiego. opery (które uznawały jedynie opery Lully'ego i Rameau) oraz miłośnicy języka włoskiego. opery, które są czysto muzyczne. strona miała pierwszeństwo przed dramatem. Styl operowy Glucka (wspierany przez artystów postępowych) był arystokratyczny. środowisk, zwolenników starego hedonizmu. estetykę operową (J.F. Marmontel, J.F. Laharpe i in.) przeciwstawiono operowej twórczości Włochów. komp. N.Piccinni. Walka „Gluckistów” z „pikcynistami” (wygrana pierwszego) odzwierciedlała głębokie zmiany ideologiczne, jakie zaszły we Francji w drugiej połowie. 18 wiek

Ze względu na rosnące wpływy mieszczaństwa w XVIII w. Pojawiają się nowe formy społeczeństw muzycznych. życie. Stopniowo koncerty wychodzą poza sale pałacowe i arystokratyczne. salony. W 1725 r. A. Philidor (Danican) organizował w Paryżu regularne publiczne „Koncerty Duchowe”, a w 1770 r. F. J. Gossec założył stowarzyszenie „Koncerty Amatorskie”. Wieczory akademickie miały bardziej powściągliwy charakter. Towarzystwo „Przyjaciele Apolla” (założone 1741 r.), w którym muzykowali profesjonaliści i arystokraci-amatorzy. Coroczny cykl koncertów organizowała Królewska Akademia Muzyczna. Świetny Francuz Rewolucja przyniosła ogromne zmiany we wszystkich dziedzinach muzyki. sztuka, ukształtowana pod wpływem rewolucyjnej twórczości. masy nabrały obywatelsko-demokratycznego charakteru postać. Muzyka staje się integralną częścią wszystkiego. wydarzenia rewolucyjne czas - wojskowy zwycięstwa, rewolucyjne uroczystości festyny, ceremonie żałobne (Bastylia zapadała się przy dźwiękach muzyki, komponowano pieśni o obaleniu monarchii, o przyjętej konstytucji, pogrzeby bohaterów zamienione w masowe procesje, przy akompaniamencie duchowych orkiestr itp.).

Ten nowy funkcja społeczna muzyka sztuka (przekształciła się w aktywny środek edukacji obywatelskiej, w siłę społeczną służącą interesom państwa) przyczyniła się do powstania gatunków masowych - pieśni, hymnów, marszów itp. W pierwszym języku francuskim. rewolucyjny w piosenkach wykorzystano muzykę popularnych melodii, które były już w użyciu wśród ludzi: na przykład piosenkę francuską. Sans-culottes „Za ira” to osobliwa reintonacja melodii „National Carillon” Becourta. Powszechne stały się także pieśni, które uogólniały charakterystyczną intonację ludu. muzyka, - „Carmagnola” i inne. Najwyższy, najbardziej uderzający przykład rewolucjonisty. Piosenką francuską jest „Marsylianka” stworzona przez C. J. Rougeta de Lisle (1792; od 1795 z przerwą – hymn narodowy Francji). Odrodzenie w muzyce jest heroiczne. obrazy, przemawiają do masowej publiczności, ożywiając sztukę rewolucji. klasycyzm. Idee walki z tyranią, wolnością osoby ludzkiej karmiły muzy. sztuce, przyczyniły się do poszukiwania nowych wyrazów muzycznych. fundusze. Do woka. i instr. charakterystyczna staje się muzyka (różnych autorów), intonacje oratoryjne, melodia charakteryzująca się „dużymi konturami” (często zawierająca intonacje fanfarowe), rytmy młotkowane, marsze, surowe tryby lapidarium i harmoniki. magazyn Najwięksi kompozytorzy tamtych czasów - Gossec, E. Megul, J. F. Lesueur, L. Cherubini - zajęli się pisaniem pieśni, hymnów, marszów („Pieśń 14 lipca”, chór „Przebudźcie się, ludzie!”, „Marsz żałobny” dla orkiestra duchowa i inne dzieła Gosseca; „Marching Song”, „Pieśń zwycięstwa” Megula, „Pieśń triumfów Republiki Francuskiej”, „Hymn IX Termidora” Lesueura; „Hymn do Bractwa”, „ Pieśni dziesiątego sierpnia” Cherubiniego). Ci kompozytorzy byli najwybitniejszymi muzami. postacie Wielkiego Francuza w szczególności rewolucja przewodzili organizacji wspaniałych muz masowych. uroczystości (dyrygowanie chórami i orkiestrami na placach Paryża). Jeden z twórców muzyki. stylem rewolucji jest Gossek, którego twórczość położyła podwaliny pod nowe gatunki, m.in. rewolucyjno-patriotyczny piosenka masowa, bohaterska marsz żałobny, propaganda opera rewolucji. Był także założycielem Francuzów. symfonie (I symfonia, 1754). Bazując na osiągnięciach Francuzów. opery (głównie Rameau), Gossec zaktualizował i rozszerzył skład symfonii. orkiestra (w partyturze wprowadzono klarnety i rogi). Społeczeństwo Atmosfera epoki miała znaczący wpływ. wpływ także na muzykę. t-r. Rewolucyjny ideologia przyczyniła się do powstania nowych gatunków - apoteoz, agitacji. występy z udziałem dużych chórów. mas (Gossec – apoteoza „Dar wolności”, 1792; opera „Triumf republiki, czyli obóz pod Grandpre”, 1793; Grétry – agitacja. opery „Republikanin wybrany, czyli święto cnoty”, „Tyran Dionizjusz”, obie 1794 itd.).

W latach rewolucji szczególny rozwój przeżyła „opera zbawienia” (nabrała kształtu jeszcze przed rewolucją), podejmując tematykę walki z tyranią, demaskując duchowieństwo, wychwalając wierność i pobożność. Ten nowy gatunek bohatersko-codzienny łączy w sobie wzniosłe bohaterstwo i codzienny realizm, czyli cechy komiksu. operowe i bohaterskie Tragedia Glucka. Żywe przykłady „opery zbawienia” stworzyli Cherubini (Lodoiska, 1791; Eliza, 1794; Nosiciel wody, 1800), Breton (Okropności klasztoru, 1790) i Lesueur (Jaskinia, 1793). Kompozytorzy epoki Wielkiej Francji. Rewolucje wniosły wiele cennych rzeczy do rozwoju gatunku opery: wzbogaciły jego ekspresję. środków (Cherubini w kulminacjach posługiwał się zasadami melodramatu), technik charakteryzacji (kształtowanie się leitmotywizmu u Grétry'ego, Lesueura, Cherubiniego, Megula; zob. Motyw przewodni), nadał nową interpretację niektórym formom operowym. Szereg oper Grétry’ego („Ryszard Lwie Serce”, „Raoul Sinobrody”) i Cherubiniego (m.in. „Medea”, 1797), w których autorzy starają się pokazać to, co wewnętrzne. ludzkie doświadczenia zawierają romantyzm. trendy. Dzieła te utorowały drogę operze romantycznej w XIX wieku.

W latach 80 18 wiek odwrócił się stęż. działalność J.B. Viottiego – największego przedstawiciela epoki heroicznej. klasycyzm w skr. sztuki, która wpłynęła na powstanie Francuzów. skr. Szkoły XIX w W latach rewolucji ze względu na szczególne znaczenie nabrał ducha militarnego. muzykę (rozbrzmiewającą podczas uroczystości, uroczystości, uroczystości, procesji pogrzebowych) zorganizowano Orkiestrę Narodową. Strażnik (1789, założyciel B. Sarret). Rewolucyjny Przekształceniom uległ także system muzyczny. Edukacja. Zniesiono metryki; w 1792 roku otwarto muzykę. szkoła narodowa strażnik do szkolenia wojskowego. muzycy. Na podstawie tej szkoły i króla. szkoły śpiewu i recytacji (założone przez sekretarza stanu w 1784 r.) w 1793 r. Narodowe. muzyka Instytut (od 1795 - Konserwatorium Paryskie). Duża zasługa w zorganizowaniu oranżerii należy do Sarreta, wśród pierwszych inspektorów i nauczycieli znaleźli się Gossec, Grétry, Cherubini, Lesueur, Megul.

W okresie dyktatury napoleońskiej (1799-1814) i restauracji (1814-15, 1815-30) zaobserwowano ideologiczny upadek f. m. Podobnie jak w innych dziedzinach sztuki, w muzyce dominował styl Empire, charakterystyczny dla Cesarstwo Napoleona (opera „Semiramis” Catela, 1802 itd.). Lata te nie dały (z kilkoma wyjątkami) tego środka. eseje. Na tle bujności, fałszywie heroicznej. szturchać. Wyróżniają się opery „Osjan, czyli bardowie” Lesueura (po 1804 r.) i „Józef” Megula (1807).

Typowym przedstawicielem pozornie spektakularnego stylu operowego był G. Spontini, którego twórczość najpełniej odzwierciedlała wymagania i gusta tamtych czasów. W swoich operach („Vestal Virgin”, 1805; „Fernand Cortes, czyli podbój Meksyku”, 1809 itd.) kontynuował bohaterstwo. tradycja wywodząca się z Glucka. Muzyka dramaturgia „Vestals” oddała te stworzenia. wpływ na kształtowanie się gatunku wielka opera.

Do końca okresu Restauracji, w kontekście społeczeństw wschodzących. wraz z ożywieniem, które doprowadziło do rewolucji lipcowej 1830 r., nastąpiło także ożywienie w dziedzinie kultury. W walce z akademikiem Sztukę imperium napoleońskiego stworzyli Francuzi. romantyczny opera, region, lata 20-30-te. zajął pozycję dominującą. Romantyczny tendencje przejawiały się w pragnieniu nasycenia ideologicznego, lirycznego. spontaniczność ekspresji, demokratyzacja i barwność muzyki. język. Romantyzacji uległ także najbardziej rozpowszechniony gatunek operowy tych lat – komiks operowy. Do najlepszego komiksu. opery tego kierunku należą do produkcji. A. Boieldieu, którego największym osiągnięciem była opera „Biała Dama” (1825) o jej patriarchalno-sielankowym charakterze. codzienne sceny i romantyczny Fantazja. Dalsza romantyzacja komiksu. opera spowodowała wzrost w niej liryzmu. rozpoczęło się szersze wykorzystanie nar. melodie, a także wzbogaciła swój styl. Nowy rodzaj komiksu. opery cieszące się dużym zainteresowaniem. fabuła, szybko rozwijająca się akcja, muzyka. język jest bogaty w intonacje codziennych pieśni i tańców, stworzonych przez F. Auberta („Fra Diavolo”, 1830; „Brązowy koń”, 1835; „Czarne Domino”, 1837 i in.). W gatunku komiksowym. Nad operami pracowali także inni kompozytorzy: F. Herold („Tsampa, czyli marmurowa panna młoda”, 1831), F. Halevi („Błyskawica”, 1835), A. Adam („Listonosz z Longjumeau”, 1836), później także zatwierdzony przez romantyka. reżyseria baletowa („Giselle, czyli Willys”, 1841; „Corsair”, 1856).

W tych samych latach ukształtował się gatunek wielkiej opery o tematyce historycznej i patriotycznej. i bohaterski. historie. W 1828 roku istniała tu poczta. opera „Niemowa z Portici” („Fenella”) Obera, której fabuła odpowiadała społeczeństwu. nastrój w przededniu rewolucji lipcowej 1830 roku. Była to pierwsza duża opera, w której zamiast starożytnych bohaterów wystąpili zwykli ludzie. Sama muzyka różniła się od powagi dawnych pieśni bohaterskich. gatunki. „Niemowa z Portici” stała się impulsem do dalszego rozwoju bohaterstwa ludowego. i romantyczny opery. Pewne koncepcje dramaturgiczne zostały zrealizowane w wielkiej operze. techniki stosowane przez G. Rossiniego w operze „William Tell” (1829), którą napisał dla Paryża. Pracując we Francji, Rossini czerpał wiele z jej kultury, wpływając jednocześnie na twórczość Francuzów. muzycy, w szczególności J. Meyerbeer.

Po francusku wielka opera z lat 30.-40. XIX w., wygenerowana przez epokę romantyzmu, heroiczna. patos i uniesienie uczuć przeplatały się z mnóstwem scen scenicznych. efekty, dekoracyjność zewnętrzna. Pod tym względem szczególnie wyraźna jest twórczość Meyerbeera, najwybitniejszego przedstawiciela wielkiego ruchu historyczno-romantycznego. opera, od lat kojarzona z językiem francuskim. kultura. Do jego produkcji Typowe są starannie napisane, wyróżniające się cechy bohaterów, chwytliwy styl pisania i czysta muzyka. dramaturgia (podkreślenie ogólnej kulminacji i kluczowych momentów w rozwoju akcji). Z pewnym eklektyzmem muzycznym. stylu (jego język muzyczny ukształtował się pod wpływem różnych kultur narodowych), Meyerbeer stworzył opery, które uchwyciły akcję intensywnym dramatyzmem i spektakularnym teatrem. skuteczność. Związki teatralne są charakterystyczne dla całej historii FM. i muzyka sztuka przejawiała się także w twórczości Meyerbeera, pozostającego pod wpływem romantyzmu. dramaty, zwłaszcza produkcje. W. Hugo. (Znaczącą rolę w kształtowaniu się stylu operowego Meyerbeera odegrał główny dramaturg tamtych czasów E. Scribe, który został jego stałym librecistą.) opery paryskie Meyerbeera – „Robert Diabeł” (1830), gdzie ukształtowała się struktura wielkiego Francuza. opery, jego najlepsza produkcja. „Hugenoci” (1835), którzy stali się najjaśniejszym przykładem języka francuskiego. romantyczny opery „Prorok” (1849) i „Afrykańska kobieta” (1864), w których pojawiły się już oznaki upadku tego gatunku, - mimo wszystkich swoich zalet, świadczą o niekonsekwencji twórczości. Metoda Meyerbeera i sam gatunek wielkiej opery z jej efektami zewnętrznymi ze szkodą dla prawdziwości. Twórczość wielu Francuzów kojarzona jest z wielką operą. kompozytorzy, m.in. Halevi („Żyd”, 1835; „Królowa Cypru”, 1841; „Karol VI”, 1843).

Postępowy Francuz muzyka Romantyzm znalazł swój najżywszy i najpełniejszy wyraz w twórczości G. Berlioza, jednego z najwybitniejszych kompozytorów XIX wieku. Berlioz był twórcą programowego romantyzmu. symfonizm – „Symfonia fantastyczna” (1830), który stał się swego rodzaju manifestem Francuzów. muzyka Romantyzm, „Harold we Włoszech” (1834). Oryginalność symfonii. Twórczość Berlioza wynika z załamania światła. obrazy Wergiliusza, W. Szekspira, J. Byrona, J. W. Goethego, zbieżność symfonii. gatunki z teatrem. Problem teatralizacji rozwiązany jest w każdym z jego dzieł. indywidualnie: dramat. symfonia „Romeo i Julia” (1839) ma charakter oratorium (dzięki wprowadzeniu solistów i chóru) i zawiera elementy akcji operowej; naparstek Legenda „Potępienie Fausta” (na solistów, chór i orkiestrę, 1846) to złożona operowa symfonia oratoryjna. gatunek muzyczny. W pewnym stopniu wiąże się z tym szeroko stosowana przez Berlioza w symfoniach zasada monotematyzmu, która w tym przypadku wynika z charakterystyki motywu przewodniego opery. Berlioz swoją programową symfonią wytyczył jedną z najważniejszych dróg rozwoju Europy. symfonia muzyka (zob Muzyka programowa). W swojej muzyce i intymnych tekstach jest fenomenalny. a obrazy gatunkowe niezmiennie ucieleśniają rewolucjonistę obywatelskiego. temat; wskrzesił tradycje masowe i demokratyczne. sztuka wielkich Francuzów rewolucja (Requiem, 1837; „Symfonia żałobno-triumfalna”, 1840) Berlioz, wielki innowator, stworzył nowy typ narodowy. melodyjny (jego melodie wyróżniają się skłonnością do starożytnych modów, swoistym rytmem, na który wpływ mają osobliwości mowy francuskiej; niektóre jego melodie przypominają optymistyczną mowę oratorską). Wprowadził wielkie innowacje w dziedzinie muzyki. form, dokonał rewolucji w dziedzinie instrumentacji ( ważna rola W kreowaniu obrazu bierze udział element orkiestrowo-barwowy, któremu podporządkowane są inne składowe muzyki. język – rytm, harmonia, forma, faktura). Dość szczególna sytuacja we Francji. muzyka To miejsce zajmowały opery Berlioza: jego opera „Benvenuto Cellini” (1837) kontynuuje tradycje komiksu. opery, duologia „Trojany” (1859) – bohaterstwo Glucka, pomalowane w romantycznej tonacji.

Wybitny dyrygent i wybitny muzyk. krytyk Berlioz, wraz z Wagnerem, był założycielem nowej szkoły dyrygentury, napisał wiele uderzających dzieł, m.in. poświęcony L. Beethovenowi, Gluckowi, problematyce dyrygentury (m.in. traktat „Dyrygent orkiestrowy”, 1856) i orkiestracji („Wielki traktat o instrumentacji”, 1844).

Twórczość Berlioza przyćmiła działalność wielu Francuzów. kompozytorzy ser. XIX w., zajmujący się symfonią. gatunek muzyczny. Jednak część z nich, m.in. F. David, podał definicję. wkład w muzykę roszczenia we Francji. Autor symfonii odowych „Pustynia” (1844), „Krzysztof Kolumb” (1847) i innych dzieł, położył podwaliny pod orientalizm w muzyce francuskiej.

W latach 30-40. 19 wiek Paryż staje się jednym z ośrodków muzyki światowej. kultury, która przyciągała muzyków z innych krajów. Tu rozwijała się twórczość, dojrzewała pianistyka F. Chopina i F. Liszta, kwitła sztuka śpiewaków P. Viardot-Garcia i M. Malibrana, koncertował N. Paganini i inni wybitni wykonawcy.

Od początku 19 wiek europejski Francuski stał się sławny. skrzypce, tzw paryski, szkolny – P. Rode, P. M. Baio, R. Kreutzer; wyłoniła się plejada śpiewaków kojarzonych z romantyzmem. opera, wśród nich śpiewacy L. Damoro-Cinti, D. Artaud, śpiewacy A. Nurri, J. L. Dupre. Pojawiło się wiele muz pierwszej klasy. zespoły. W 1828 reż. F. Habenek założył Towarzystwo Koncertowe Konserwatorium Paryskiego w Paryżu, symfonia. których koncerty odegrały dużą rolę w popularyzacji twórczości Beethovena we Francji (w latach 1828-31 odbył się w Paryżu cykl obejmujący wszystkie symfonie Beethovena), a także Berlioza (Symfonia fantastyczna, Romeo i Julia były wykonywane dla pierwszy raz na koncertach zespołu „, „Harold we Włoszech”). Szeroko zakrojoną działalność dyrygencką prowadził Berlioz, który zorganizował symfonię. koncerty i festiwale (później był dyrygentem utworzonej z jego inicjatywy Wielkiej Filharmonii Paryskiej, 1850-51). Oznacza. Rozwinął się także chór. występy, które stopniowo przeniosły się z kościołów na koncerty. sale Ogromna liczba miłośników chóru. śpiew zjednoczyła społeczność Orfeonu. Dla muz Życie we Francji w okresie Drugiego Cesarstwa (1852-70) charakteryzowało się zamiłowaniem do kawiarni, koncertów i teatru. rewia, chansonnier artystyczny. W ciągu tych lat powstało ich wiele. t-ry gatunków lekkich, gdzie wystawiano wodewile i farsy. Wszędzie słychać było muzykę i zabawę. muzyka. Jednak doświadczenie zgromadzone przez komiks. opera w zarysie Życie codzienne w tworzeniu prawdziwych obrazów przyczyniły się do powstania nowego teatru. gatunki - operetka i opera liryczna.

Operetka paryska jest typowym wytworem Drugiego Cesarstwa. Wyrosła z przeglądowych spektakli tworzonych na tematy współczesne. Operetkę wyróżniało przede wszystkim bogactwo współczesnego stylu. treści i istniejącej muzyki. intonacje. Opierał się na pikantnych kupletach i tańcu. rozrywki przeplatane mówionymi dialogami. Do twórców paryskiej operetki zaliczają się J. Offenbach i P. Hervé. Operetki największego mistrza tego gatunku, Offenbacha, były zróżnicowane fabularnie („Orfeusz w piekle”, 1858; „Geneviewa z Brabancji”, 1859; „Piękna Helena”, 1864; „Sinobrody” i „Życie paryskie”, 1866; „ Pericola”, 1868 itd.) podporządkowane są Ch. temat - obraz nowoczesności. Offenbach rozwinął sztukę ideologiczną. zakres gatunków; jego operetka nabrała ostrej aktualności, orientacja społeczna(w wielu dziełach wyśmiewano moralność społeczeństwa burżuazyjno-arystokratycznego). Muzyka w operetkach Offenbacha staje się najważniejszym elementem dramatycznym. czynnik.

Następnie (w latach 70., w warunkach III RP), operetka straciła swą satyrę, parodię i aktualność, a dominowały wątki historyczno-codzienne i liryczno-romantyczne. fabuły, w muzyce na pierwszy plan wysunął się liryzm. początek („Madame Favard”, 1878 i „Córka majora Tamboura”, 1879, Offenbach; „Mademoiselle Nitouche” Herve, 1889 i in.); wyraźnie wyrażają to operetki C. Lecoqa („Córka Madame Ango”, 1872; „Giroflé-Giroflé”, 1874), R. Plunketa („Dzwony Corneville”, 1877). W Paryżu otwarto kilka przedstawień operetkowych. t-rzęd - „Bouffe-Parisienne” (1855, założyciel - Offenbach), „Foli Dramatic” (1862), „Foli Bergere” (1872; później - sala koncertowa) itp.

Do lat 50. 19 wiek po francusku sztuka realistycznie się nasiliła. trendy. W operze przejawiało się to w pragnieniu zwykłych tematów, przedstawiania niewyjątkowych, romantycznych postaci. bohaterowie, ale zwykli ludzie ze swoimi intymnymi przeżyciami. Na końcu Lata 50-te - 60-te wyłania się gatunek liryczny. opery. Jej najlepsze przykłady charakteryzują się dogłębnym psychologizmem, subtelnym ujawnieniem tego, co wewnętrzne. świat ludzi, prawdziwy obraz sytuacji, na tle której toczy się akcja. Jednak liryczny. w operze brakowało szerokości sztuki ideologicznej. uogólnienia. Często świeci. Opery opierały się na przedstawieniach. światową klasykę, ale podkreślali przede wszystkim. liryczny dramat, wątki interpretowano w kategoriach potocznych, zawężono kwestie ideologiczne, filozoficzna treść literatury spadła. oryginalne źródło. Liryczny. operę wyróżnia poetycki charakter. szkic sceny obrazy, prosta, zrozumiała muzyka, atrakcyjność, elegancja melodii, demokratyzacja muzyki. język zbliżony do tekstów codziennych (powszechnie używany jest folklor horyzontalny i różne gatunki codziennego użytku, m.in. romans i walc).

Liryczny. opera otrzymała najbardziej kompletne i doskonałe artystycznie ucieleśnienie w twórczości C. Gounoda. Jej klasyką jest opera „Faust” (1859, 2. wydanie 1869), która zapoczątkowała narodziny nowego gatunku. próbka. Gounod stworzył 2 kolejne jasne piosenki z tekstami. opery - „Mireil” (1863, 2. wydanie 1864) i „Romeo i Julia” (1865, 2. wydanie 1888). Wśród kompozytorów piszących w tym gatunku wyróżnia się oryginalnym liryzmem. talent, wdzięk muzyczny. styl J. Masseneta, autora popularnych oper „Manon” (1884), „Werther” (1886). Takie liryczne piosenki są powszechnie znane. opery takie jak „Mignon” (1866) i „Hamlet” (1868) Thomy, „Poławiacze pereł” (1863), „Piękność z Perth” (1866) i „Djamile” (1871) Bizeta, „Lakmé” Delibesa (1883). Wymienione opery J. Bizeta i L. Delibesa o egzotyce. Do najlepszych francuskich należą opowiadania „orientalne”, a także „Samson i Dalila” Saint-Saënsa (1876). utwory liryczno-orientalne. Wiele lirycznych. opery wystawiano w Teatrze Lirycznym (założonym w 1851 r.).

W latach 70 19 wiek realistyczny. trendy pojawiły się także w gatunku baletu. Innowatorem w tej dziedzinie był Delibes, który wzmocnił dramaturgię w baletach „Coppelia, czyli dziewczyna o emaliowanych oczach” (1870), „Sylwia, czyli nimfa Diany” (1876). począwszy od tańca, rozszerzył zakres liryczno-psychologiczny. wyrazistość tradycji. formy baletowe, wykorzystały kompleksowy rozwój muzyki-hopeografii. akcji, osiągając symfonizację muzyki baletowej. Pogłębienie jest realistyczne. zasady liryczne opera kojarzona jest z twórczością Bizeta. Jego najlepsze dzieła - muzyka do dramatu A. Daudeta „La L'Arlesienne” (1872) i opery „Carmen” (1874) - wyróżniają się realizmem. wydobywanie dramatyzmu ludzi z ludu, siła ukazywania konfliktów życiowych, prawda ludzkich namiętności, dynamika obrazów i dramatów. ekspresja muzyki, żywe odtworzenie narodowych kolor, melodyjny bogactwo, oryginalność muzyki. język, połączenie intensywności symfonii. rozwój oparty na tradycji. Formy francuskie komiczny opery (formalnie Carmen została napisana w tym gatunku). „Carmen” to szczyt realizmu w języku francuskim. opera, jedno z najwspanialszych dzieł. światowa sztuka operowa. W ostatniej tercji XIX w. stworzenia miejsce w muzyce Życie Francji zajmowała twórczość R. Wagnera, która wywarła wpływ. wpływ na wielu Francuzów kompozytorzy. Wywiązały się gorące debaty między wagnerami a ich przeciwnikami. Paryż stał się jednym z ośrodków wagneryzmu. Opublikowano tu nawet specjalny artykuł. czasopismo „Revue Wagnerrienne” (1885-88), w której współpracowali wybitni pisarze, muzycy, filozofowie i artyści. Wpływ muzyki. Dramaturgia Wagnera znalazła odzwierciedlenie w operach „Fervaal” i „Andy” (1895), „Gwendoline” Chabriera (1886). Wpływ Wagnera wywarł także wpływ na gatunki instrumentalne (poszukiwania w zakresie harmonii, orkiestracji) – niektóre dzieła A. Duparca , E. Chausson itp. Jednak w latach 90. nastąpiła reakcja na dominację idei Wagnera. Pojawiło się pragnienie większego charakteru narodowego, prawdy życiowej w muzyce. W związku z tym wdrażano tendencje podobne do włoskiego weryzmu. w operze francuskiej. znaczące stopnie związane z ruchem literackim kierowanym przez E. Zolę. Zostały one żywo ucieleśnione w twórczości A. Bruno - najwybitniejszego przedstawiciela naturalizmu w sztuce operowej Francji. W jego operach (większość z nich to oparty na fabułach i częściowo librettach Zoli) jako pierwszy wprowadził na scenę współczesnych chłopów i robotników - „Oblężenie młyna” (1893), „Messidor” (1897), „Huragan” (1901). , ze szkodą dla realizmu w twórczości Bruna, szczere zderzenia życiowe często łączą się z tajemniczą symboliką.Dzieło G. Charpentiera, autora popularnej, zwłaszcza wśród demokratycznej publiczności, opery „Louise” (1900), sąsiaduje z kierunek naturalistyczny, który przedstawia wizerunki zwykłych ludzi i obrazy codziennego życia Paryża.

W 2. połowie. 19 wiek Tradycja pieśni reprezentowana przez twórczość chansonniera stała się powszechna. Następnie W.I. Lenin z wielką sympatią wypowiadał się na temat ich pozwu. V. I. Lenin szczególnie lubił popularne w latach 90. piosenkarz chansonnier G. Montagus jest synem komunarda. Szturchać. Chansonniers często wyróżniali się żywym dziennikarstwem. Wiele pieśni przyczyniło się do przebudzenia świadomości klasowej wśród robotników. Wśród nich jest „Internationale” – żywa odpowiedź na bohaterstwo. wydarzeń Komuny Paryskiej (słowa pisane przez autora pieśni popowych E. Pothiera w czerwcu 1871 r., muzyka kompozytora robotnika i amatora P. Degeytera w 1888 r., po raz pierwszy wykonane w 1888 r. podczas święta robotniczego w Lille), które stały się hymnem rewolucja. proletariat.

Komuna Paryska stanowiła ważny punkt zwrotny w historii społecznej i politycznej. I życie kulturalne Francja. Polityka Komuny w sztuce. regionu opierało się na głoszonym przez niego haśle „Sztuka dla mas”. W Pałacu Tuileries, w różnych miejscach, organizowano dla mieszkańców wspaniałe koncerty i masowe przedstawienia. dzielnicach Paryża, na ulicach i placach rozbrzmiewała muzyka. Zaprojektowany przez Paryską Komunę Sztuki. Wydarzenia te wyróżniały się rozpiętością ideologiczną. Pracownicy mieli możliwość odwiedzania teatrów, koncertów i muzeów. Ważna postać rewolucyjna. Kompozytorem i folklorystą P. Salvador-Daniel, który w czasach Komuny Paryskiej walczył na barykadach i stał na czele konserwatorium, został kompozytorem i folklorystą Paryża (pojmany przez wersalistów i rozstrzelany). Bezpośrednio odnaleziono idee Komuny Paryskiej. odzwierciedlone w pieśniach poetów i kompozytorów robotniczych, przyczyniły się także do demokratyzacji zawodu. realistyczny. pozew sądowy Po wydarzeniach lat 1870-71 we Francji rozwinął się ruch na rzecz ugruntowania narodowych tradycji muzycznych. Nadchodzi korzystna zmiana w obszarze narzędzi. muzyka - sztuki wysokie. rezultaty osiągnęli francuscy kompozytorzy w muzyce symfonicznej, kameralnej i instrumentalnej. gatunki. To „odnowa” kojarzy się przede wszystkim z działalnością S. Franka i C. Saint-Saensa.

Największy Francuz kompozytor i organista Frank łączył w swojej twórczości muzykę klasyczną. klarowność stylu z jasnym romantyzmem. obrazowość. Dużą wagę przywiązywał do problematyki sztuki. jedność instrumentów cykl, oparty na zasadzie tematyzmu przekrojowego: unifikacji już zrealizowanych, stosunkowo niezależnych. części cyklu o wspólnej tematyce (tradycja sięga V symfonii Beethovena). Do wysokich przykładów francuskiego. symfonia należy do takich dzieł. Franck jako symfonia d-moll (1888), symfonia. wiersze „Przeklęty łowca” (1882), „Dżiny” (na fortepian i orkiestrę, 1884), „Psyche” (na chór i orkiestrę, 1888), „Wariacje symfoniczne” (na fortepian i orkiestrę, 1885). Zasada cykliczności charakterystyczna dla symfonii. Twórczość Franka charakteryzuje się także instrumentem kameralnym. eseje. Był autorem organów, fp. inscenizacje, oratoria, romanse, muzyka sakralna. Tendencje klasycystyczne w twórczości Franka (odwoływanie się do ścisłych form klasycznych, powszechne stosowanie polifonii) po części przygotowały neoklasycyzm w muzyce XX wieku. Jednocześnie jego odkrycia w dziedzinie harmonii wyprzedzały impresjonizm. techniki pisania. Frank był założycielem szkoły, wybitnym nauczycielem (wśród jego uczniów byli V. d'Andy, A. Duparc, E. Chausson).Jego twórczość wywarła korzystny wpływ na P. m. na przełomie XIX i XX w. .

Twórczy indywidualność Saint-Saënsa, autora licznych szturchać. różne gatunki, najwyraźniej przejawiające się w muzyce instrumentalnej, przede wszystkim koncertowo-wirtuozowskiej, muzyce - symfonii z organami (III symfonia, 1886), symfonii. wiersz „Taniec śmierci” (1874), „Wstęp i Rondo Capriccioso” oraz III koncert na skrzypce i orkiestrę (1863, 1880), II, IV, V koncert na fp. z orkiestrą (1868, 1875, 1896), II koncert na wiolonczelę i orkiestrę (1902) itd. W jego muzyce romantycznej można odnaleźć tendencje klasycystyczne. Twórczość Saint-Saënsa charakteryzuje się lojalnością wobec narodowości. tradycje (jego zasady twórcze ukształtowały się w dużej mierze pod wpływem klawesynistów, Berlioza, wielkiej i lirycznej opery). W swoim op. szeroko posługuje się intonacjami i gatunkami ludowymi, tańcem. rytmów (zainteresował się także muzyką ludową innych krajów: „Suita algierska” na orkiestrę, 1880; fantazja na fortepian i orkiestrę „Afryka”, 1891; „Melodie perskie” na głos z fortepianem, 1870 itd.) . Krajowy pewność i demokracja muzyki. Saint-Saëns bronił sztuki także jako muzyk. krytyk. Cała jego wieloaspektowa działalność jako kompozytora, wirtuoza koncertującego pianisty, organisty, dyrygenta, muz. krytyka miała na celu promocję F. m. Świadczy o tym także publikacja z inicjatywy i pod redakcją. Saint-Saens ukończony. kolekcja op. Rameau (1895-1918, niedokończony).

Znaczący wkład w język francuski. muzyka oszukać kulturę 19 - początek XX wiek komp. E. Lalo (mistrz orkiestrowej i kameralnej muzyki instrumentalnej, autor popularnej „Symfonii hiszpańskiej” na skrzypce i orkiestrę z 1875 r., która zapoczątkowała pasję muzyków francuskich do folkloru hiszpańskiego), E. Chabrier (artysta, który pokazał dar dowcipu i głębokiego liryzmu oraz pomysłowości twórczej, który wypowiadał się przeciwko kanonizacji sztuki, wśród której dzieł znajduje się żywo narodowa opera komiczna „Król niechętny”, 1887, sztuki pełnometrażowe), A. Duparc (ur. autor romansów antycypujących twórczość tego gatunku G Fauré, C. Debussy), Chausson (subtelny tekściarz, twórca uduchowionych dzieł symfonicznych, m.in. „Poematów” na skrzypce i orkiestrę, 1896, a także romansów).

D'Andy wyróżnia się w tej galaktyce.Oddany uczeń Franka, w swojej twórczości rozwijał swoje tradycje.Muzykę D'Andy'ego wyróżnia polifonia. pomysłowość, barwna harmonia, przejrzystość orkiestracji, skala kompozycji. Wielbiciel i propagator idei Wagnera, kierował się jego zasadami muzycznymi. dramaturgia, leitmotywizm. W wielu produkcjach. d „Andy znalazł urzeczywistnienie francuskiego folkloru muzycznego – „Symfonia na temat pieśni górala francuskiego” na fortepian i orkiestrę (1886), „Fantazja na tematy francuskich pieśni ludowych” na obój i orkiestrę (1888), symfonia suita „Dzień letni” w górach” (1905). Działalność D'Andy'ego przyczyniła się do wzrostu zainteresowania ludności. muzykę francuską (zbierał i przetwarzał pieśni ludowe, wydał kilka zbiorów pieśni), a także kontrapunktyczną. sztuce dawnych mistrzów, po odrodzenie muzyki dawnej (przejaw tendencji neoklasycznych). D'Andy również w znacznym stopniu przyczynił się do rozwoju edukacji muzycznej we Francji.

Zwiększona w ostatniej tercji XIX w. zainteresowanie narzędziami muzyka spowodowała odrodzenie konc. życie. Pojawiły się symfonie najwyższej klasy. i instrumenty kameralne zespoły. W 1861 r., na podstawie reż. utworzonego w 1851 r. J. Padlu „Stowarzyszenie Młodych Artystów Konserwatorium” powstało „Ludowe Koncerty Muzyki Klasycznej” (istniało do 1884 r., odnowione przez Padlu w latach 1886-87; w 1920 r. wznowione przez dyrektora Rene-Batona jako „Stowarzyszenie Koncertów Padlu” ). W 1873 roku zorganizowano ją z inicjatywy wydawcy J. Hartmanna conc. Towarzystwo „Koncerty Narodowe” na którego czele stoi dyrektor. E. Colonna (od 1874 - „Koncerty Chateletowe”, później „Koncerty Colonna”). Na koncertach tego zespołu szeroko wykonywano f. m., zwłaszcza kompozycje. Berlioz, Frank. W tym samym roku 1873 z inicjatywy dyr. Główny S. Lamoureux „Towarzystwo Świętej Harmonii” („Société de I”Harmonie sacrée”), w którego koncertach po raz pierwszy we Francji wykonano utwory J. S. Bacha i G. F. Handla (w 1881 r. koncerty nowe”, od 1897 r., po połączeniu z „Koncertami Operowymi” kierowanymi przez K. Chevillarda – w „Koncerty Lamourieux”). Szczególną rolę w upowszechnianiu f.m. i podtrzymywaniu tradycji narodowych odegrało założone w r. 1871 z inicjatywy Saint-Saënsa i R. Bussina przy udziale S. Franka, która powstała jako odpowiedź na zryw narodowo-patriotyczny. Wzrosła rola chóru. Powstały liczne nowe chóry towarzystwa Orfeon (m.in. liderami są Gounod, F. Bazin, Padlu).Powstało: Towarzystwo Concordia (1879), w którego repertuarze dominowały dzieła Bacha i Handla, Stowarzyszenie Śpiewaków Saint-Gervaise (1892, założyciel C. Bord), które wykonywał muzykę wspólnot renesansowych, Bachowskiego (1904), Gendelewskiego (1908).

Wiele z nich zyskało światową sławę. Francuski wykonawcy 2. piętro 19 - początek XX w., m.in. śpiewak S. Galli-Marier, śpiewacy J. L. Lassalle, V. Morel, J. M. Reschke, J. F. Delmas, pianiści A. F. Marmontel, L. Diemer, organiści S. M. Widor, Frank, L. Vierne, G. Pierne, A. Gilman i inni. XIX wiek. Intensywnie rozwijał się język francuski. myśl o badaniach muzycznych. Liczny teoretyczno-pedagogiczne Prace wykonał Czech mieszkający w Paryżu. kompozytor i teoretyk A. Reich; „Historyczny słownik muzyków” (t. 1-2, 1810-11) i „Encyklopedia muzyczna” (t. 1-8, 1834-36, nieukończona) zostały wydane przez A. E. Shorona, autora prac z teorii muzyki ( teoria powiązana z estetyką ogólną i muzyczną); o franco-flamie. kościół muzyki i średniowiecza. muzyka O teoretykach, których prace utorowały drogę do badań nad muzyką średniowieczną pisał E. A. Kusmaker; zebrał zbiór folkloru pieśni, przygotował i wydał partytury zapomnianych oper i baletów, napisał dzieło o historii instrumentacji (1883) J. B. T. Weckerlena; wielki wkład w badania folkloru. muzykę wniósł LA Burgo-Ducudray, który opublikował liczne dzieła. zbiory folkloru melodie; najważniejsze dzieła z zakresu leksykografii i historii muzyki, m.in. „Ogólna biografia muzyków i bibliograficzny słownik muzyczny” (t. 1-8, 1837-44, wydanie dodatkowe 1860-65), należą do F. Zh. Fetisa; Bord stworzył antologię dzieł starożytnej muzyki sakralnej; antologia muzyki organowej XVI-XVIII wieku. opublikowane przez Gilmana i A. Pirro (t. 1-10, 1898-1914).

W 19-stym wieku muzyka Konserwatorium Paryskie kontynuowało kształcenie kadr (jego dyrektorami do XX wieku, za Sarrettem, byli Cherubini, Aubert, Salvador-Daniel, Thomas i T.F.C. Dubois). Pojawiły się także nowe muzy. uch. instytucje, wśród których można wymienić szkołę Niedermeyera, kształcącą kapelmistrzów i organistów (otwartą w 1853 r. na bazie zreorganizowanego Instytutu Muzyki Kościelnej, utworzonego w 1817 r. przez Shorona) oraz Schola Cantorum (założoną w 1894 r. z inicjatywy d'' Andy, Borda, Gilman, oficjalne otwarcie odbyło się w 1896 r., jego dyrektorem w latach 1900-1931 był d'Andy), który stał się ośrodkiem studiów i propagandy (koncerty, wydawnictwa szkolne) dawnej świeckiej i kościelnej. muzyka, dzieła francuskie. kompozytorzy XVII i XVIII wieku, a także Frank. w kon. Lata 80-te - 90-te 19 wiek We Francji powstał nowy ruch, który rozpowszechnił się w XX wieku - impresjonizm (powstał w latach 70. we francuskim malarstwie, następnie przejawił się w muzyce itp.). Muzyka Impresjonizm ożywił pewne narodowe sztuka tradycje - dążenie do specyfiki, programowość, elegancja stylu, przejrzysta faktura. Najważniejsze w muzyce impresjonistów jest przekazywanie zmiennych nastrojów, ulotnych wrażeń i subtelnych stanów psychicznych. Stąd zainteresowanie poezją. pejzaż, a także wyrafinowana fantazja.

Impresjonizm znalazł swój najpełniejszy wyraz w muzyce C. Debussy'ego, objawił się w twórczości M. Ravela, P. Dukasa, J. J. E. Rogera-Ducasa i innych, największego mistrza przełomu XIX i XX wieku. Debussy, podsumowując dorobek swoich poprzedników, rozwinął swoją ekspresję. i kolorystyczna możliwości muzyczne. On stworzył produkt. sztuki wysokie. wartości charakteryzujące się nieograniczoną zmiennością obrazów dźwiękowych. Jego elastyczne, kruche melodie zdają się być utkane z nieustannych „przejść i przelewów”. Rytmiczny. rysunek jest również zmienny i niestały. W harmonii najważniejsza dla kompozytora jest koloryzm. efekt (swoboda modalna, użycie odważnych paralelizmów, ciąg nierozwiązanych kolorowych harmonii). Powikłanie harmoniczne środki doprowadziły do ​​​​elementów politonalnych w jego muzyce. W orku. w palecie dominują czyste, farby akwarelowe. Debussy stworzył także nowy styl pianistyczny. stylu, odnajdując niezliczone niuanse barwowe w brzmieniu fortepianu.

Impresjonizm wprowadził innowacje także w dziedzinie muzyki. gatunki. W twórczości Debussy’ego symfonia. cykle ustępują miejsca symfoniom. szkice; w PF w muzyce dominują miniatury programowe. Żywymi przykładami impresjonistycznego malarstwa dźwiękowego są jego „Preludium do „Popołudnia fauna”” (1894), ork. tryptyk „Nokturny” (1899), 3 symfonie. szkic „Morze” (1905) na orkiestrę, cykl fp. szturchać.

Debussy był twórcą opery impresjonistycznej. Jego „Pelleas i Melisanda” (1902) stanowi w zasadzie jedność. przykład tego typu opery (nietypowe jest w ogóle zwracanie się do gatunków dramatycznych przez impresjonizm muzyczny). Ujawniło to także upodobanie autora do obrazów symbolistycznych. Mimo całej głębi psychologicznej ekspresji, subtelnego przekazu poprzez muzykę różnych niuansów nastroju bohaterów, opera cierpi na pewną statyczną dramaturgię. Innowacyjna twórczość Debussy'ego wywarła ogromny wpływ na dalszy rozwój całej muzyki światowej XX wieku.

Największy artysta XX wieku. Na Ravela wpłynęła także estetyka impresjonistyczna. W jego twórczości przeplatają się różne typy. estetyczne i stylistyczne tendencje - klasycystyczne, romantyczne impresjonistyczne (w późniejszych utworach - także neoklasycystyczne). Błyskotliwą, pełną temperamentu muzykę Ravela wyróżnia wyczucie proporcji i powściągliwość ekspresji. Większa swoboda transmisje muzyczne myśli łączą się z wiernością klasyce. formy (preferuje formę sonatową). Z niesamowitą rytmiką Muzyka Ravel w swojej różnorodności i bogactwie podlega ścisłej metrum. Wielki mistrz instrumentarium, osiągnął wyrafinowanie i blask orka. kolory, zachowując definicję barwy. Funkcja jego twórczość to zainteresowanie folklorem (francuskim, hiszpańskim itp.) oraz życiem codziennym, zwłaszcza tańcem. gatunki. Jeden ze szczytów Francuzów symfonią było jego „Bolero” (1928), a inne orkiestry mają niewątpliwą wartość. op. - „Hiszpańska rapsodia” (1907), choreograficzna. wiersz „Walc” (1920). Ravel stworzył uderzające przykłady w operze („Godzina hiszpańska”, 1907, pierwowzorem tej opery było „Ślub” Musorgskiego; opera-balet „Dziecko i magia”, 1925) i balecie (m.in. „Daphnis i Chloe”, 1912) gatunki, z zakresu ph. muzyka (2 koncerty na fortepian i orkiestrę, 1935, spektakle fortepianowe, cykle). Wykorzystując w swojej twórczości techniki politonalności, polirytmii, liniowości i elementy jazzu, Ravel utorował drogę nowej stylistyce. trendy w muzyce XX wieku. Wraz z tendencjami impresjonistycznymi w malarstwie freskowym przełomu XIX i XX wieku. Tradycje Saint-Saënsa i Franka nadal się rozwijały. Strażnikiem tych tradycji był G. Fauré. Starszy, współczesny Debussy'emu, nauczycielowi Ravela, w swojej twórczości daleki był od nowych trendów tamtych czasów. Posiadający doskonałą melodyjność. na próżno Fauré tworzył muzykę przesiąkniętą uduchowionym liryzmem - taki jest jego poetycki wokal (romanse do wierszy P. Verlaine'a itp.), fortepian (ballada na fortepian i orkiestrę, 1881; szereg nokturnów, preludiów), instrument kameralny. (II sonata na skrzypce z fortepianem, 2 sonaty na wiolonczelę z fortepianem, kwartet smyczkowy z fortepianem, trio, 2 kwintety fortepianowe) utworów. Napisał także operę „Penelopa” (1913), którą później wysoko cenił A. Honegger. Wybitny nauczyciel, Fauré wykształcił wielu ludzi. kompozytorów, wśród jego uczniów są J. J. E. Roger-Ducas, C. Ququelin, F. Schmitt, L. Aubert.

Impresjonistyczny styl malarstwa był w pewnym stopniu charakterystyczny dla księcia. Przejawiało się to na przykład w barwności harmonii. i ork. język jego opery „Ariana i Sinobrody” (1907). Dukas, wielbiciel talentu Debussy'ego, nie był jednak zwolennikiem estetyki impresjonistycznej. Jego prod. wyróżniają się przejrzystością kompozycji, przejrzystością formy, klasyką. równowaga muzyki. opracowanie (scherzo symfoniczne „Uczeń czarnoksiężnika”, 1897). Partytury tego mistrza orkiestracji są pełne kolorów. znalezisk (poemat choreograficzny na orkiestrę „Peri”, 1912). Oznacza. interesująca jest jego krytyka dziedzictwo. Dukas był także znanym nauczycielem.

Debussy’ego, Ravela, Dukasa i innych Francuzów. kompozytorzy wykazali duże zainteresowanie językiem rosyjskim. muzyka, studiował dzieła MP Musorgskiego, N. A. Rimskiego-Korsakowa, A. P. Borodina i innych. To znaczy. ślad w muzyce życie Francji opuściło rosyjskie koncerty. muzyka podczas Targi Światowe w Paryżu (1889; w koncertach jako dyrygenci uczestniczyli Rimski-Korsakow i A.K. Głazunow), Historyczne. ruski. koncerty organizowane przez S. P. Diagilewa (1907 pod dyrekcją Rimskiego-Korsakowa, Głazunowa, S. V. Rachmaninowa i in.), a zwłaszcza „Sezony Rosyjskie” (odbywające się od 1908 z inicjatywy Diagilewa), w operach i występy baletowe w którym uczestniczyli najwięksi Rosjanie. artyści - F. I. Chaliapin, A. P. Pavlova, V. F. Niżyński i inni „Rosyjskie pory roku” nie tylko zapoznały Francuzów z językiem rosyjskim. muzyki, ale powołał do życia szereg dzieł, m.in. I. F. Strawińskiego – „Ognisty ptak” (1910), „Pietruszka” (1911), „Święto wiosny” (1913), a także „Wesele” (1923), „Apollo Musagete” (1928), skąd pochodziły malownicze stylizacje w w duchu „Świata Sztuki” trafił do baletów opartych na symfonizacji muzyki i tańca. Na zlecenie Diagilewa powstało wiele opusów. E. Satie, J. Auric, F. Poulenc, D. Milhaud i inni.

Proces stawania się twórczym kompozytorem nie był łatwy. którego droga wiedzie przez trudny historycznie okres końca. 19 - I piętro. XX wiek Do ich grona należał także A. Roussel. Oddając hołd swojej pasji do muzyki Wagnera i Franka, doświadczywszy wpływu impresjonizmu (opera-balet „Padmavati”, 1918; balet-pantomima „Święto pająka”, 1913), zwrócił się w stronę neoklasycyzmu (balet „Bachus i Ariadna”, 1931; III i IV symfonia, 1930 i 1934 itd.). Z tego samego okresu datuje się działalność kompozytora i muz. teoretyk Keclin – jeden z najwybitniejszych pedagogów (wśród jego uczniów są F. Poulenc, A. Coge), kompozytor i pianista Roger-Ducas, związany z ruchem późnoromantycznym. prąd w F. m., kompozytor i organista Widor, kompozytor i pianista D. do Severak, kompozytorzy A. Magnard, L. Ober, G. Ropartz i inni.

I wojna światowa lat 1914-18 spowodowała zasadnicze zmiany w poglądach ludzi na życie, w ich upodobaniach i podejściu do sztuki. Wśród młodych osobistości kultury trwa protest przeciwko burżuazji. moralność, filistynizm. W pierwszych dekadach XX w. zwrócił na siebie szczególną uwagę swoim buntowniczym i antyburżuazyjnym duchem. stanowisko, odrzucenie wszelkich muz. władze komp. Sati. Wraz z poetą, librecistą, artystą i krytykiem J. Cocteau przewodził ruchowi młodych Francuzów. muzycy opowiadający się za estetyką urbanistyki, za sztuką „dzisiaj”, czyli nowoczesności. miasto z hałasem samochodów, salą koncertową, jazzem. Satie wywierała wpływ na młodych kompozytorów bardziej jako duchowy mentor, a nie swoją twórczość, która pomimo całej swojej oryginalności (w jego utworach powstają niezwykłe dźwięki, odtwarzające syrenę samochodową, ćwierkanie maszyna do pisania , następnie prezentowane są jasne, czasem powściągliwie surowe melodie; techniki polifonii przedbachowskiej łączą się z elementami ostro groteskowymi) nie wyszły poza swoją epokę. Publiczne skandal towarzyszył realizacji baletu Satie „Parada” (scenariusz: Cocteau, dyrektor artystyczny P. Picasso, 1917), wywołany zarówno niezwykłą muzyką, ucieleśniającą ducha musichallu, odtwarzającą uliczne odgłosy, jak i produkcją (zbliżenie choreografii ze sceną, ekscentryczność i kubofuturystyczne zasady scenografii). Młodzi kompozytorzy przyjęli balet z entuzjazmem. Pod patronatem Satie i Cocteau narodziła się kreatywność. wspólnota kompozytorów, znana w historii pod nazwą. „Szóstka” (nazwę tę nadał grupie krytyk A. Collet w opublikowanym w 1920 r. artykule „Pięć Rosjan i sześciu Francuzów”). „Szóstka”, w której uczestniczyli bardzo różni twórcy. dążenia kompozytorów – D. Milhauda, ​​A. Honeggera, F. Poulenca, J. Aurica, L. Dureya, J. Taillefera – nie były szkołą jednolitą stylistycznie, nie trzymały się powszechnych zasad ideowych i estetycznych. wyświetlenia. Jego uczestników połączyła miłość do języka francuskiego. kultura, zaangażowanie narodowe tradycje (afirmacja muzyki prawdziwie francuskiej), chęć nowości i jednocześnie prostoty, zamiłowanie do Strawińskiego, a także Amera. jazz. Po złożeniu znanego hołdu urbanistyce („Pacific 231” i „Rugby” dla orkiestry Honeggera, 1923, 1928; cykl wokalny „Maszyny rolnicze” Milhauda, ​​1919 itd.), każdy z członków tej grupy zachował jasna indywidualność; ich innowacyjne poszukiwania często szły w diametralnie przeciwnych kierunkach. „Szóstka” jako wspólnota nie przetrwała długo, w środku. lata 20 rozpadł się (dobre relacje pomiędzy jego uczestnikami pozostały przez wiele lat). Po rozstaniu z Szóstką Satie utworzyła nową grupę młodych kompozytorów – tzw. Szkoła Arkean, która podobnie jak Szóstka nie miała kreatywności jedność. Byli wśród nich A. Coge, R. Desormières, M. Jacob, A. Clique-Pleyel. Najwięksi przedstawiciele F. m. w środku. XX wiek byli Honegger i Milhaud. Kompozytor wielkich dramatów. talent, jeden z czołowych współczesnych mistrzów, Honegger ucieleśniał w swojej twórczości wzniosłe ideały etyczne. Stąd jego pociąg do literatury starożytnej, biblijnej, średniowiecznej. tematy jako źródło uniwersalnych wartości moralnych. Dążąc do uogólnienia obrazów, doszedł do zbieżności gatunków opery i oratorium. Syntetyczny dzieła operowe i oratoryjne. do najwyższych osiągnięć kompozytora należą: opera-oratorium „Król Dawid” (1921, wydanie III 1924), „Judyta” (1925), dramat. Najważniejszym z jego dzieł jest oratorium „Joanna d'Arc na stosie” (1935). Żywymi przykładami symfonizmu są jego symfonie - III „Liturgiczna” (1946), V „Symfonia Trzech D” (1950). Honegger odzwierciedla różne różnice w swojej twórczości. nowoczesne trendy roszczenia m.in. neoklasyczny, ekspresjonistyczny, pozostając jednocześnie artystą niezwykle oryginalnym.

Twórczość Milhauda cechuje wieloaspektowość, obejmująca niemal wszystkie muzy. gatunków, zróżnicowanych tematycznie, a nawet stylowo. Wśród jego 16 oper znajdują się produkcje. o tematyce antycznej i biblijnej, wyróżniającej się surowością koloru i epickością („Eumenides”, 1922; „Medea”, 1938; „Dawid”, 1953), tutaj op. na swobodnie modernizowanej tematyce antycznej („Nieszczęścia Orfeusza”, 1924), a także w duchu dramatu werystycznego („Biedny marynarz”, 1926), a wreszcie tradycyjnie romantycznego. spektakl na wzór wielkiej opery, ale oparty na współczesności. środki muzyczne wyrażenia (tryptyk „Krzysztof Kolumb”, „Maksymilian”, „Bolivar”, 1928, 1930, 1943). Jest także właścicielem miniatur operowych (parodyczne załamanie fabuły mitologicznej) - „Gwałt Europy”, „Opuszczona Ariadna”, „Wyzwolenie Tezeusza” (1927).

Milhaud jest mistrzem instrumentów kameralnych. muzyka (głównie kwartet smyczkowy), chór. deklamacja (zarówno melodyczna, jak i recytatywna, w duchu Sprechgesangu Schönberga). Na instrumencie kameralnym. gatunków, szczególnie zauważalne jest powiązanie z językiem francuskim. muzyka klasyka. Jednocześnie Milhaud jest konsekwentnym zwolennikiem politonalności, która dla niego powstaje w wyniku łączenia melodii wielotonowych. linie, zamiłowanie do polifonii. sposoby opracowania (elementy politonalności odnajdujemy także u Honeggera, jednak ich podstawa jest inna – są one wynikiem harmonijnych nakładek).

Znaczący wkład w muzykę operową i kameralną. gatunki Poulenca – kompozytora o wielkiej melodyjności. za nic. Jego muzyka jest czysto francuska. łatwość. W trzech operach - błazeńskim „Piersi Tyrezjasza” (1944), tragicznym „Dialogach karmelitów” (1956), liryczno-psychologicznym. Monoopera „The Human Voice” (1958) skupia się na wszystkich najlepszych cechach twórczości Poulenca. W latach okupacji faszystowskiej ten postępowy artysta stworzył patriotyczną twórczość. kantata „The Human Face” (teksty P. Eluarda, 1943). Melodyjny. bogactwo, skłonność do żartów i ironia wyróżniają muzykę Orika. Indywidualność kompozytora ujawniła się najwyraźniej w latach 20. XX wieku. (to nie przypadek, że spośród wszystkich członków „szóstki” Cocteau zadedykował mu broszurę „Kogut i arlekin”). Artysta humanista, ucieleśniał w swojej twórczości tragedię lat wojny („Cztery pieśni cierpienia Francji”, do słów L. Aragona, J. Supervielle, P. Eluarda, 1947; cykl 6 wierszy do tekstów Eluarda, 1948). Jedno z jego najlepszych dzieł. - balet „Fedra” (1950).

W latach 30 XX wiek w dziełach niektórych Francuzów. Wśród kompozytorów nasiliły się tendencje modernistyczne. Jednocześnie wielu muzycy bronili realizmu. sztuka, ideologicznie bliska demokratycznemu Narowi. do przodu. Do antyfaszystowskiego ruchu Nar. na front dołączyli byli członkowie „szóstki” i inne muzy. figurki. Swoją muzyką odpowiadali na palące problemy naszych czasów (oratorium „Głosy świata”, 1931, „Tańce umarłych”, 1938, Honegger; chóry do tekstów poetów rewolucyjnych, kantata „Na świecie” dla chór i inne op. Milhaud; „Pieśń bojowników” o wolność” i „Na skrzydłach gołębicy” dla chóru Durey; szereg pieśni masowych, m.in. „Śpiewaj, dziewczyny” Orika; piosenka „Wolność dla Thälmanna” na chór i orkiestrę Keklen, 1934 itd.). Było też duże zainteresowanie ludźmi. muzykę („Suita prowansalska” dla orkiestry Milhaud, 1936; adaptacja pieśni ludowych Honeggera, chóry Poulenca), do heroicznej. przeszłości („Joanna d'Arc na stosie” Honeggera itp.) Kompozytorzy Honegger, Auric, Milhaud, Roussel, Ququelin, J. Ibert, D. Lazarus brali udział w tworzeniu muzyki do rewolucyjnej sztuki R. Rollanda „14 lipca” (1936).

W 1935 roku utworzono Ludową Federację Muzyki, w skład której wchodziły postacie postępowe, m.in. Roussel, Ququelin (później także jeden z założycieli społeczeństwa Francja-ZSRR), Durey, Milhaud, Honegger, A. Prunier, A. Radiguet, pisarze L. Aragon, L. Moussinac i inni.

Oprócz postaci „szóstki” i szkoły Arkey w rozwój wychowania fizycznego wniosło wiele osób. kompozytorzy, m.in. J. Ibert, C. Delvencourt, E. Bondeville, J. Viener, J. Migo.

W 1935 roku pojawiła się nowa twórczość. stowarzyszenie „Młoda Francja” (manifest opublikowany w 1936 r.). Wchodzący w skład tej grupy kompozytorzy O. Messiaen, A. Jolivet, Daniel-Lesur i I. Baudrieu, w odrodzeniu muzyki narodowej, upatruli swoje zadanie w tworzeniu muzyki „na żywo”, przesiąkniętej humanizmem. tradycje. Cechuje ich szczególne zainteresowanie ludzkim światem duchowym. Starali się „obudzić muzykę w człowieku” i „wyrazić człowieka w muzyce”, uważali się za zwiastunów nowego humanizmu.

Wśród największych mistrzów muzyki. kulturę XX wieku należy do kompozytora i organisty Messiaena - jednego z najjaśniejszych, a jednocześnie sprzecznych zjawisk w F. m. Często idee jego kompozytora odbijają się przez pryzmat religii. reprezentacje. Messiaena charakteryzuje pociąg do idealnych, nieziemskich obrazów. Jego twórczość jest przesiąknięta teologią i mistycyzmem. ideowe (suita „Narodziny Pana” na organy, 1935; cykl „Dwadzieścia widoków Dzieciątka Jezus”, 1944; oratorium „Przemienienie Pańskie”, 1969 i in.). Muzyka Messiaena opiera się na skomplikowanych strukturach modalnych, strukturach akordowo-sonorowych, rytmicznych. schematów, w których pojawiają się różne problemy. rodzaje polirytmii i polimetrii, na zastosowaniu szeregowości. Przywiązywał dużą wagę do spraw pozaeuropejskich. kultury (arabska, indyjska, japońska, polinezyjska). Uzasadnianie swojej kreatywności. teoretycznie poszukując, Messiaen wprowadza nowe koncepcje, muzykę. terminy (np. multimodalność). Utalentowany pedagog, w programie nauczania uwzględnia klasykę, muzykę krajów azjatyckich i kompozytorów XX wieku. (w szczególności Strawiński, A. Schoenberg), stara się zaszczepić swoim uczniom (m.in. P. Boulezowi, S. Nigowi, który studiował także teorię kompozycji u E. Leibowitza) zainteresowanie poszukiwaniami. W czasie okupacji faszystowskiej podczas II wojny światowej 1939-45 muz. życie Francji zostało sparaliżowane. Zaawansowani muzycy swoją kreatywnością walczyli z wrogiem: powstawały pieśni ruchu oporu, rodziły się produkcje. (m.in. Poulenc, Auric, Honegger), odzwierciedlający okropności wojny, aspiracje wyzwoleńcze, bohaterskie. duch niepokonanego.

Po zakończeniu wojny rozpoczęło się odrodzenie muz. kultura. Teatry wznowiły produkcję francuskich oper i baletów. autorzy, w konc. w salach zaczęła rozbrzmiewać muzyka ojczyzny. kompozytorów, co było zakazane w latach okupacji. W lata powojenne aktywna twórczość była kontynuowana. Rozkwitła działalność kompozytorów, którzy zeszli ze sztuką w pierwszych dekadach XX wieku, rozkwitła twórczość J. Francais, A. Dutilleux, J. L. Martineta, M. Landowskiego.

Od końca Lata 40., a zwłaszcza 50. Powszechne stały się dodekafonia, serial (patrz Dodekafonia, serialność), muzyka elektroniczna, aleatoryka i inne ruchy awangardowe. Wybitny przedstawiciel Francuzów. muzyka W awangardzie pojawił się kompozytor i dyrygent Boulez, który rozwijając zasady A. Weberna, szeroko stosował metody kompozytorskie, takie jak pointylizm i serializm. Boulez opowiada się za całkowitą serialnością. Posługuje się także sonoryzmem (zob. Sonoryzm), którego elementy obecne są w jednym z jego słynnych dzieł. „Młot bez mistrza” na głos z instrumentami. zespół (1954, wyd. 2 1957). W 1954 organizował koncerty muzyki nowej „Domaine musicale”, które stały się centrum muzyki francuskiej. awangardowe (od 1967 na ich czele stał kompozytor i dyrygent J. Amy; przestały działać w 1974). Od 1975 roku (w latach 1966-75 pracował w Wielkiej Brytanii i USA) Boulez stoi na czele utworzonego z jego inicjatywy Instytutu Badań i Koordynacji Muzyki i Akustyki. problemy (IRCAM).

Niektórzy kompozytorzy zaczęli posługiwać się zasadami aleatoryki – Ami, A. Bukureshliev, P. Mefano, J. C. Elois. Trwają poszukiwania z zakresu elektroniki i tzw. muzyka konkretna – P. Schaeffer, I. Henri, F. Bayle, F.B. Mash, B. Parmegiani i in. W tym celu Schaeffer stworzył w 1948 roku grupę muz. Badania (GRM - Groupe de recherches musicales) w języku francuskim. radiu i telewizji, gdzie zajmuje się muzyką i akustyką. problemy. Grecki kompozytor posługuje się specjalnym „stochastycznym” systemem kompozycji (opartym na obliczeniach matematycznych, teorii prawdopodobieństwa, a nawet działaniu komputerów elektronicznych). pochodzenie J. Xenakis. Jednocześnie wielu kompozytorów opowiada się za rozsądną odnową muzyki i dąży do łączenia najnowszych środków muzycznych. ekspresja z narodowym tradycje. Do narodowego pewność we współczesnym Nig, autor oratorium „Nieznany strzał” (1949), symfonii, wzywa do muzyki. wiersz „Poecie zniewolonemu” (dedykowany Nazymowi Hikmetowi, 1950), 2 koncerty dla f. z orkiestrą (1954, 1971). Komputery również należą do tego kierunku. C. Baif, J. Bondon, R. Boutry, J. Gilloux, J. Cosma, M. Mihalovichi, C. Pascal i in.Wielki wkład w sztuki fizyczne XX wieku. wnieśli przedstawiciele sztuk muzycznych: dyrygenci – P. Monteux, P. Paré, A. Cluytens, C. Bruck, I. Markevich, P. Drevo, J. Martinon, L. Forestier, J. Pretre, P. Boulez, S. Baudot; pianiści - A. Cortot, M. Long, E. Risler, R. Casadesus, Yves Nat, S. Francois, J. B. Pomier; skrzypkowie – J. Thibault, Z. Francescatti, J. Neveu; wiolonczeliści – M. Marechal, P. Fournier, P. Tortelier; organiści – C. Tournemire, M. Dupre, O. Messiaen, J. Alain; śpiewacy – E. Blanc, R. Crespin, J. Girodo, M. Gerard, D. Duval; chansonnier - A. Bruant, E. Piaf, S. Gainsbourg, J. Brassens, C. Aznavour, M. Mathieu, M. Chevalier, J. Dassin i in. Historia f. m., jej nowoczesność oraz zagadnienia teorii muzyki poświęcony licznym dzieła Francuzów muzykolodzy, m.in. J. Combarieu, A. Lavignac, J. Thiersot, L. de La Laurencie, P. Landormi, R. Rolland, A. Pruniere, E. Villermoz, R. Dumenil, N. Dufourcq, B. Gavoti, R. M. Hoffmann, A Golea, F. Lesure.

Muzyka Paryż nadal pozostaje centrum kraju, choć w wielu przypadkach. w miastach Francji (zwłaszcza od połowy lat 60.) powstawały teatry operowe i symfonie. orkiestry, muzyka uch. zakłady. W Paryżu znajdują się (1980): Teatr Wielki w Operze, Studio Opery Paryskiej (utworzone w 1973 na bazie straciłego już na znaczeniu Teatru Opera Comique), Teatr Narodów (utworzone w 1954, przedstawienia odbywają się w różne przestrzenie teatralne, m.in. „Théâtre des Champs-Élysées”, „Theatre Sarah Bernhardt”); wśród symfonii Orkiestry obejmują Orkiestrę Paryską (założoną w 1967 r.), Orkiestrę Narodową. orkiestra Franz. radio i telewizja; Liczne głośniki. orkiestry i zespoły kameralne, m.in. Międzynarodowy zespół muzyków IRCAM (założony w 1976). W 1975 roku w Paryżu otwarto Palais des Congrès, w którym odbywają się symfonie. koncerty, w tym samym roku w Lyonie - konc. sala „Widownia M. Ravel”.

Wśród wyjątkowych muzyka uch. instytucje - Konserwatorium Paryskie, Schola Cantorum, Ecole Normale (założone w 1919 r. przez A. Cortota i A. Mangeota) w Paryżu, Ameryka. Konserwatorium w Fontainebleau (założone w 1918 roku przez skrzypka F. Casadesusa). Najważniejsza muzyka n.-i. Centrum stanowi Instytut Muzykologii Uniwersytetu Paryskiego. Książki i materiały archiwalne przechowywane są w zasobach Narodowych. Biblioteka (wydział muzyczny powstał w 1935 r.), Biblioteka i Muzeum Muzyki. instrumenty w konserwatorium. W Paryżu są największe muzy. stowarzyszenia i instytucje Francji, m.in. Krajowy muzyka komisja, muzyka Federacja, Akademia Płyt Gramofonowych nazwana na cześć. Sh. Cro. Paryż jest siedzibą Międzynarodowej Rady Muzycznej UNESCO. W 1977 roku w Paryżu powstał National. Związku Kompozytorów.

We Francji odbywają się: Międzynarodowe. konkurs pianistów i skrzypków im. M. Long - J. Thibault (organizowany w 1943 jako ogólnopolski, od 1946 - międzynarodowy), konkurs gitarowy (1959, od 1961 - międzynarodowy, od 1964 - Międzynarodowy konkurs gitarowy francuskiego radia i telewizji), Międzynarodowy. konkurs wokalny w Tuluzie (od 1954), Int. konkurs dla młodych dyrygentów w Besançon (od 1951), Int. konkurs harfowy w Paryżu, a także liczne. festiwale, m.in. Jesienny Festiwal w Paryżu, poświęcony. klasyczny muzyka, Festiwal Muzyczny XX wieku w Paryżu. (założony w 1952 r.), Festiwal czasów nowożytnych. muzyka w Royan, „Tydzień muzyki w Orleanie”. We Francji publikuje się muzykę. czasopisma m.in. „La Revue musicale” (od 1827 wydawanie było wielokrotnie przerywane, czasopismo łączono z innymi pismami), „Revue de musicologie” (od 1922 kontynuacja pisma „Bulletin de la Société Française de musicologie”, ukazującego się od 1917 roku ), „Journal musical français” (1951-66), „Diapason” (od 1956), „Le Courrier musical de France” (od 1963), „Harmonie” (od 1964), „Musique en jeu” (od 1970) . W Paryżu wydano wiele książek encyklopedycznych. publikacje, dedykowane muzyka, m.in. „Encyclopédie de la musique et dictionnaire du conservatoire…” (część I (w. 1-5), część II (w. 1-2), 1913-26), „Larousse de la musique” (w. 1- 2, 1957), „Dictionnaire des musiciens français” (1961), „Dictionnaire de la musique. Les hommes et leurs oeuvres” (t. 1-2, 1970); „Dictionnaire de la musique. Science de la musique. Formy, technika, instrumenty” (t. 1-2, 1976); Ténot F., Carles Ph., „Le jazz” (1977).

Literatura: Iwanow-Boretski M.V., Materiały i dokumenty z historii muzyki, t. 2, M., 1934; Alshwang A., Francuski impresjonizm muzyczny (Debussy i Ravel), M., 1935; Muzyka francuska drugiej połowy XIX wieku (zbiór dzieł sztuki), wstęp. Sztuka. i wyd. M. S. Druskina, M., 1938; Livanova T. N., Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 r., M. - L., 1940; Gruber R., Historia kultury muzycznej, t. 1, cz. 1-2, M. - L., 1941; Schneerson G., Muzyka Francji, M., 1958; jego, muzyka francuska XX w., M., 1964, 1970; Alekseev A.D., Francuska muzyka fortepianowa końca XIX - początku XX wieku, M., 1961; Chochłowkina A., Opera Zachodnioeuropejska. Koniec XVIII - pierwsza połowa XIX wieku. Eseje, M., 1962; Estetyka muzyczna zachodnioeuropejskiego średniowiecza i renesansu, komp., intro. Sztuka. V. P. Shestakova, M., 1966; Muzyka rewolucji francuskiej XVIII wieku Beethoven, M., 1967; Niestiew I., Na przełomie dwóch wieków, M., 1967; Konen V., Teatr i symfonia, M., 1968, 1975; Historia historii sztuki europejskiej. Druga połowa XIX w. – początek XX w., M., 1969; Druskin M., O muzyce zachodnioeuropejskiej XX wieku, M., 1973; Estetyka muzyczna Francji XIX wieku, komp. teksty, wstęp. Sztuka. i wpis eseje E. P. Bronfina, M., 1974; Auric J., Zachowała się muzyka francuska, List z Paryża, „SM”, 1975, nr 9; Krasovskaya V., Europa Zachodnia teatr baletowy. Eseje o historii. Od początków do połowy XVIII wieku wiek, L., 1979.

O. A. Winogradowa

Archeolodzy jako pierwsi opowiedzieli o istnieniu instrumentów muzycznych w starożytności, znajdując w niemal wszystkich wykopaliskach fajki, głośniki wysokotonowe i inne przedmioty służące do odtwarzania muzyki. Co więcej, podobne znaleziska odkryto na terenach, na których archeolodzy zdołali odkopać stanowiska ludzi prymitywnych.

Archeolodzy przypisują tej epoce niektóre znalezione instrumenty muzyczne Górny paleolit– innymi słowy instrumenty te pojawiły się 22-25 tys. lat p.n.e.

Ponadto starożytni ludzie wiedzieli, jak nie tylko tworzyć instrumenty muzyczne, ale także muzykę dla nich, nagrywając notacja muzyczna na glinianych tabliczkach. Najstarszy notacja muzyczna do tej pory został napisany w XVIII wieku p.n.e. Archeolodzy znaleźli go w odkopanym przez siebie sumeryjskim mieście Nippur, które niegdyś znajdowało się na terytorium współczesnego Iraku. Naukowcy Uniwersytet Kalifornijski, który w 1974 r. odszyfrował tabliczkę muzyczną, stwierdził, że zawierała ona słowa i muzykę asyryjskiej ballady miłosnej na lirę smyczkową.

Najstarszy instrument muzyczny

W 2009 roku archeolodzy odkryli w jednej z jaskiń znajdujących się w południowo-zachodnich Niemczech pozostałości narzędzia mocno przypominającego współczesne. Analizy i badania wykazały, że wiek starożytnego fletu wynosi ponad 35 tysięcy lat. W korpusie fletu wykonano pięć idealnie okrągłych otworów, które podczas gry należy zamykać palcami, a na jego końcach wykonano dwa głębokie nacięcia w kształcie litery V.

Długość instrumentu muzycznego wynosiła 21,8 centymetra, a grubość zaledwie 8 milimetrów.

Materiałem, z którego wykonano flet, okazało się nie drewno, a skrzydło ptaka. Instrument ten jest zdecydowanie najstarszym, ale nie pierwszym w historii znalezisk archeologicznych – podczas wykopalisk wielokrotnie odnajdywano także fajki kostne, wydrążone rogi zwierzęce, fajki z muszli, grzechotki kamienne i drewniane, a także bębny wykonane ze skór zwierzęcych.

Istnieje wiele legend na temat pochodzenia muzyki. Starożytni Grecy wierzyli, że dali im go wielcy bogowie Olimpu, ale współcześni naukowcy przeprowadzili szereg badań etnograficznych i archeologicznych. W wyniku tych badań stwierdzono, że pierwsza muzyka pojawiła się w społeczeństwach prymitywnych i służyła jako kołysanka do usypiania.