O orkiestrze symfonicznej. Na lekcję muzyki II. Muzyka wokalna i wokalno-symfoniczna

Gatunek muzyczny(fr. gatunek muzyczny) to ogólne pojęcie obejmujące najistotniejsze właściwości i powiązania zjawisk świata sztuki, zespół cech formalnych i znaczeniowych dzieła. Wszystkie istniejące dzieła odzwierciedlają pewne warunki, uczestnicząc jednocześnie w tworzeniu definicji pojęcia gatunku.

Arioso- mała aria o melodyjnym charakterze deklamacyjnym lub pieśniowym.

Aria- ukończony odcinek opery, operetki, oratorium lub kantaty, wykonywany przez solistę z towarzyszeniem orkiestry.

Ballada- solowe kompozycje wokalne wykorzystujące teksty dzieł poetyckich i zachowujące ich główne cechy; kompozycje instrumentalne.

Balet- rodzaj sztuki scenicznej, której treść ujawnia się w obrazach tanecznych i muzycznych.

Blues- piosenka jazzowa o smutnej, lirycznej treści.

Bylina- Rosyjska epicka pieśń ludowa.

Wodewil- wesoła zabawa teatralna z numerami muzycznymi. 1) rodzaj serialu komediowego z piosenkami dwuwierszowymi, romansami, tańcami; 2) ostatnia pieśń dwuwierszowa w wodewilu.

Hymn- uroczysta piosenka

Jazz- rodzaj muzyki improwizacyjnej, tanecznej.

Dyskoteka- styl muzyczny z uproszczoną melodią i mocnym rytmem.

Wynalazek- mały utwór muzyczny, w którym istotne jest każde oryginalne odkrycie w dziedzinie rozwoju melodycznego, kształtowania.

Pokaz poboczny- utwór muzyczny odtwarzany pomiędzy częściami utworu.

Intermezzo- mały spektakl dowolny, a także samodzielny epizod w operze lub innym utworze muzycznym.

Kantata- duże dzieło wokalno-instrumentalne o charakterze uroczystym, zwykle przeznaczone na solistów, chór i orkiestrę.

Kantylena— melodyjna, gładka melodia.

muzyka kameralna - (dosłownie „muzyka pokojowa”). dziełami kameralnymi są albo utwory na instrumenty solowe: pieśni bez słów, wariacje, sonaty, suity, preludia, improwizacje, momenty muzyczne, nokturny, albo różne zespoły instrumentalne: trio, kwartet, kwintet itp., w których biorą udział odpowiednio trzy, cztery pięć instrumentów i wszystkie partie są jednakowo ważne, wymagają od wykonawców i kompozytora starannego wykończenia.

capriccio- wirtuozowski utwór instrumentalny improwizacyjnego magazynu z nieoczekiwaną zmianą obrazów, nastrojów.

Koncert- utwór na jeden lub (rzadko) kilka instrumentów solowych i orkiestrę oraz publiczne wykonanie utworów muzycznych.

Madrygał- małe dzieło muzyczno-poetyckie o treści miłosnej i lirycznej z XIV-XVI wieku.

Marsz- utwór muzyczny o miarowym tempie, wyraźnym rytmie, zwykle towarzyszący procesji zbiorowej.

Musical- utwór muzyczny łączący w sobie elementy opery, operetki; balet, muzyka pop.

Nokturn- w XVIII - początkach XIX wieku. XIX w. wielogłosowy utwór instrumentalny, przeważnie na instrumenty dęte, wykonywany najczęściej w plenerze wieczorem lub w nocy. mały liryczny utwór instrumentalny.

o tak- uroczysty utwór muzyczny poświęcony jakieśmu ważnemu wydarzeniu lub osobie.

Opera- utwór muzyczno-dramatyczny oparty na syntezie słowa, akcji scenicznej i muzyki.

Operetka- muzyczna komedia sceniczna, obejmująca sceny wokalne i taneczne, towarzyszenie orkiestry i epizody konwersacyjne.

Oratorium- utwór na solistów, chór i orkiestrę, przeznaczony do wykonania koncertowego.

Dom to styl i nurt w muzyce elektronicznej. house jest potomkiem stylów tanecznych wczesnej ery post-disco (electro, high power, soul, funk itp.). Główną różnicą pomiędzy muzyką house jest powtarzane rytmiczne uderzenie, zwykle w taktowaniu 4/4, oraz samplowanie - praca z wstawkami dźwiękowymi, które w muzyce powtarzają się od czasu do czasu, częściowo pokrywając się z jej rytmem. Jednym z najważniejszych współczesnych podstylów house jest dom progresywny.

chór - utwór dla dużej grupy śpiewaczej. utwory chóralne podzielone są na dwie duże grupy – z towarzyszeniem instrumentalnym (lub orkiestrowym) (a cappella) lub bez.

Piosenka- utwór poetycki przeznaczony do śpiewania. jego forma muzyczna jest zwykle dwuwierszowa lub stroficzna.

potpourri- spektakl składający się z fragmentów kilku popularnych melodii.

Grać- gotowy utwór muzyczny o niewielkich rozmiarach.

Rapsodia- utwór muzyczny (instrumentalny) na tematy pieśni ludowych i opowieści epickich, jakby odtwarzający wykonanie rapsodu.

Msza żałobna- żałobne prace chóralne (msza pogrzebowa).

Romans- utwór liryczny na głos z akompaniamentem muzycznym.

R&B (Rhythm-N-Blues, angielski Rhythm & Blues)- Jest to styl muzyczny z gatunku pieśni i tańca. pierwotnie uogólniona nazwa muzyki masowej oparta na trendach bluesowych i jazzowych lat trzydziestych i czterdziestych XX wieku. obecnie skrócony skrót rytmu i bluesa (angielski r&b) jest używany w odniesieniu do współczesnego rytmu i bluesa.

Rondo- utwór muzyczny, w którym główna część powtarza się kilka razy.

Serenada- piosenka liryczna przy akompaniamencie lutni, mandoliny lub gitary, wykonywana na cześć ukochanej osoby.

Symfonia- utwór muzyczny na orkiestrę, napisany w formie cyklicznej sonatowej, najwyższej formy muzyki instrumentalnej.

Symfoniczny Muzyka- w odróżnieniu od kameralnego, odbywa się w dużych salach i przeznaczony jest dla orkiestry symfonicznej. dzieła symfoniczne charakteryzują się głębią i wszechstronnością treści, często rozmachem skali, a jednocześnie przystępnością języka muzycznego.

Współbrzmienie- połączenie jednoczesnego brzmienia kilku dźwięków o różnej wysokości.

Sonata- utwór muzyczny składający się z trzech lub czterech części o różnym tempie i charakterze.

Sonatina- mała sonata

Zestaw- utwór na jeden lub dwa instrumenty, składający się z kilku heterogenicznych utworów, połączonych wspólną ideą.

Symfoniczny Wiersz- gatunek muzyki symfonicznej wyrażający romantyczną ideę syntezy sztuk. poemat symfoniczny to jednoczęściowy utwór orkiestrowy, dopuszczający różne źródła programowe (literaturę i malarstwo, rzadziej filozofię lub historię; obrazy natury).

Toccata- wirtuozowski utwór muzyczny na instrument klawiszowy w szybkiej części i wyraźnym tempie.

Ton- dźwięk o określonej wysokości.

tup- krótkie muzyczne powitanie.

Uwertura to utwór orkiestrowy, który ma służyć jako wprowadzenie do opery, baletu i dramatu. w swojej obrazowości i formie wiele uwertur klasycznych jest bliskich pierwszym częściom symfonii.

Fantazja jest utworem muzycznym o swobodnej formie.

Elegia- utwór muzyczny o charakterze smutnym.

Etiuda- utwór muzyczny oparty na wirtuozowskich fragmentach.

Środki wyrazu muzycznego

Gatunki muzyki:

Gatunek muzyczny(w tłumaczeniu z francuskiego - płeć, typ, maniera) - forma sztuki o pewnym, historycznym charakterze

ustalone cechy.

1. gatunek wokalno-chóralny- obejmuje utwory stworzone na potrzeby spektaklu

kantata, oratorium, msza itp.

1. gatunek instrumentalny- obejmuje utwory stworzone z myślą o wykonaniu na różnych instrumentach muzycznych: spektakl, cykl instrumentalny - suita, sonata, koncert, zespół instrumentalny (trio, kwartet, kwintet) itp.
2. gatunek teatru muzycznego- obejmuje utwory stworzone do występów w teatrze: operze, operetce, balecie, muzykę do przedstawień dramatycznych.
3. gatunek symfoniczny- obejmuje utwory napisane na orkiestrę symfoniczną: utwór symfoniczny, suita, uwertura, symfonia itp.

Elementy mowy muzycznej:

1. Melodia(w tłumaczeniu z języka greckiego - pieśń) - myśl muzyczna wyrażona jednym głosem.

Rodzaje melodii:

Cantilena (śpiew) – melodia spokojna

Melodia wokalna to melodia stworzona do wykonywania przez głos.

Melodia instrumentalna to melodia stworzona do grania na instrumencie muzycznym.

2. Chłopak(przetłumaczone ze słowiańskiego - harmonia, harmonia, porządek, pokój) - związek

dźwięki muzyczne, ich spójność i koherencja. Z wielu sposobów

Najczęściej używane są dur i minor.

1. Harmonia(w tłumaczeniu z greckiego - proporcjonalność, połączenie) - łączenie dźwięków w współbrzmienia i ich

relacja. (Innym znaczeniem słowa harmonia jest nauka o akordach).

1. Metr(w tłumaczeniu z greckiego - miara) - ciągła i jednolita przemiana silnych i słabych udziałów. Rozmiar - cyfrowe oznaczenie licznika.

Podstawowe mierniki: dwuczęściowy (polka, galop, ekossaza),

potrójny (polonez, menuet, mazurek, walc), poczwórny (marsz, gawot).

1. Rytm(w tłumaczeniu z greckiego - proporcjonalność) - naprzemienność czasu trwania, dźwięków i pauz.

Rodzaje rytmu:

Nawet - rzadka zmiana czasu trwania z przewagą tego samego.

Kropkowany (w tłumaczeniu z łaciny - kropka) - grupa dwóch dźwięków, z których jeden jest trzykrotnie krótszy od drugiego (ósemka z kropką i szesnastka).

Synkopa (w tłumaczeniu z greckiego - pominięcie, redukcja) - niedopasowanie akcentów rytmicznych i dynamicznych do metryki. (przesunięcie uderzenia mocnego na słabe).

Ostinato (w tłumaczeniu z włoskiego - uparty, uparty) - wielokrotnie powtarzany

zwrot rytmiczny lub melodyczny.

6. Zakres(w tłumaczeniu z greckiego - przez wszystko) - odległość od najniższego do najwyższego

dźwięk wydawany przez instrument lub głos.

1. Rejestr- część zakresu dźwięku instrumentu muzycznego lub głosu, zawierająca

brzmi podobnie w kolorze (rozróżnij rejestry górny, środkowy i dolny).

1. Dynamika- siła dźwięku, jego głośność. dynamiczne odcienie - specjalne warunki

określenie stopnia głośności utworu muzycznego.

1. Tempo(w tłumaczeniu z łaciny - czas) - prędkość muzyki. W dziełach muzycznych

tempo jest oznaczone specjalnymi terminami.

1. Właz(w tłumaczeniu z włoskiego - kierunek, linia) - sposób na wydobycie dźwięku podczas śpiewania, gry na instrumentach muzycznych.

Podstawowe uderzenia:

Legato – spójnie, płynnie

Staccato – gwałtowne, ostre

Non legato - oddzielanie każdego dźwięku

1. Tekstura(w tłumaczeniu z łaciny - obróbka, urządzenie) - muzyczna tkanka dzieła,

sposób wyrażania muzyki. Elementy faktury: melodia, akordy, bas, głosy środkowe,

Główne rodzaje faktur:

Monodia (przetłumaczona z greckiego - piosenka jednego piosenkarza) - monofonia lub jedna melodyka

Faktura polifoniczna (w tłumaczeniu z greckiego – wiele dźwięków) – posiada tkankę muzyczną

składa się z kombinacji kilku melodyjnych głosów. Każdy głos jest

samodzielna melodia.

Tekstura homofoniczno-harmoniczna lub homofonia (w tłumaczeniu z języka greckiego - główny lider

dźwięk) - wyraźnie wyodrębnia się w nim głos wiodący - melodia i pozostałe głosy

towarzyszyć.

rodzaje akompaniamentu:

akord, akord basowy, figuracje harmoniczne.

Tekstura akordów to sekwencja akordów, w których występuje głos wyższy

jest melodią.

1. Tembr(w tłumaczeniu z francuskiego - etykieta, znak rozpoznawczy) - szczególna kolorystyka brzmienia musicalu

oktawy. Wykonawcy: Tamara Milashkina, Galina Vishnevskaya, Montserrat Caballe i inni.

Odmiana sopranowa - sopran koloraturowy.

Koloratura(w tłumaczeniu z języka włoskiego - dekoracja) - szybkie wirtuozowskie pasaże i melizmaty,

służący do dekoracji solowej partii wokalnej.

Mezzosopran – przeciętny głos żeński śpiewający o zakresie „la” małej oktawy – „la”

(„si flat”) drugiej oktawy. Wykonawcy: Nadieżda Obuchow, Irina Arkhipowa,

Elena Obraztsova i inni.

Kontralt – najniższy głos śpiewający żeński o zakresie „fa” małej oktawy – „fa”

druga oktawa. Wykonawcy: Tamara Sinyavskaya i inni.

Wykonawcy: Leonid Sobinov, Sergey Lemeshev, Ivan Kozlovsky, Vadim Kozin, Enrico

Caruso, Placido Domingo, Luciano Pavarotti, Jose Careras i inni.

oktawy. Wykonawcy: Yuri Gulyaev, Dmitry Hvorostovsky, Tita Ruffo i inni.

Wykonawcy: Fedor Chaliapin, Boris Shtokolov, Evgeny Nesterenko i inni.

muzyka wokalna

Utwory wokalne można wykonywać z towarzyszeniem instrumentów muzycznych i bez akompaniamentu – a cappella.

Muzyka wokalna może być wykonywana:

Solo - przez jednego piosenkarza

Zespół wokalny - duet (2), trio (3), kwartet (4) itp.

Chór – duża grupa wykonawców licząca od 15 osób i więcej.

Chóry

Chóry mogą różnić się składem wykonawców:

Męskie

Damskie

Dziecko

mieszany

chóry mogą różnić się sposobem wykonania:

Akademickie - wykonywanie muzyki klasycznej i współczesnej, śpiew

„pokryty” „okrągły” dźwięk.

Folk – śpiew w szczególny sposób, z „otwartym” brzmieniem.

Gatunki muzyki wokalnej

Piosenka - najbardziej rozpowszechniony gatunek muzyki wokalnej.

Pieśni ludowe narodziły się i żyły wśród ludzi. Nikt nie spisał tego ustnie, przekazywanego z pokolenia na pokolenie. Wykonawca był jednocześnie twórcą: do każdego utworu wnosił coś nowego, coś nowego. Najbardziej znane rodzaje twórczości pieśni ludowych to kołysanki, piosenki dla dzieci, dowcipy, taniec, komiks, taniec okrągły, gra, praca, rytuał, historyczny, epopeja, piosenki liryczne.

Piosenka masowa jako gatunek zaczęła się rozwijać od lat 20. XX wieku. Pieśni masowe są bliskie pieśniom ludowym, bo wszyscy je kochają i znają, często śpiewają po swojemu, nieznacznie zmieniając melodię i nie znając imienia poety i kompozytora. Etapy rozwoju pieśni masowej: pieśni wojny domowej, pieśni lat 30., pieśni Wielkiej Wojny Ojczyźnianej itp.

Piosenki popowe rozpowszechniły się w drugiej połowie XX wieku. Wykonywane są z

wykonawcy sceniczni to profesjonaliści.

Pieśni autorskie (bardowskie) największą popularność zyskały w latach 60. XX wieku. W autorskiej pieśni poeta, kompozytor i wykonawca ukazani są w jednej osobie. Jej najwybitniejszymi przedstawicielami są Władimir Wysocki, Bułat Okudżawa, Aleksander Rosembaum, Siegey Nikitin i inni.

Romans - utwór wokalny na głos z akompaniamentem.

Romanse pojawiły się w Hiszpanii, skąd rozprzestrzeniły się po całej Europie. Do Rosji przybyły w XIX wieku z Francji i po raz pierwszy były wykonywane wyłącznie w języku francuskim. Utwory wokalne w tekście rosyjskim nazywano „pieśniami rosyjskimi”.

Z biegiem czasu znaczenie słowa „romans” rozszerzyło się. Romans zaczęto nazywać utworem na głos z akompaniamentem, napisanym w formie bardziej złożonej niż piosenka. W pieśniach powtarzają się melodie zwrotki i refrenu, odzwierciedlając ogólną treść tekstu. W romansie melodia, zmieniając się, elastycznie podąża za słowem. Ogromną rolę odgrywa akompaniament (najczęściej partia fortepianu)

Kantata i oratorium.

Gatunek oratoryjny wywodzi się z Kościoła. W Rzymie pod koniec XVI wieku, kiedy wierzący katolicy zaczęli gromadzić się w kościołach w specjalnych pomieszczeniach – oratoriach – aby czytać i interpretować Biblię. Ich kazaniom towarzyszyła muzyka. W ten sposób powstały specjalne dzieła o tematyce biblijnej na solistów, chór i zespół instrumentalny - oratoria. W XVIII wieku pojawiły się oratoria świeckie, tj. przeznaczone do występów koncertowych. Ich pierwszym twórcą jest G.F. Handel. Należy pamiętać, że w przeciwieństwie do opery w oratorium nie ma akcji teatralnej.

W XVII wieku pojawił się gatunek podobny do oratorium – kantata – utwór koncertowo-wokalny o charakterze lirycznym, gratulacyjnym lub powitalnym, składający się z arii i recytatywów. Wykonywany przez solistów lub chór z towarzyszeniem orkiestry. (różnica od oratorium - brak fabuły)

J.S. Bach napisał wiele wspaniałych kantat.

Obecnie rozróżnienie między oratorium a kantatą zaciera się:

Teraz są to duże, wieloczęściowe dzieła wokalne i symfoniczne, których głównymi tematami są: gloryfikacja Ojczyzny, wizerunki bohaterów, bohaterska przeszłość ludu, walka o pokój itp.

Aria - najjaśniejszy numer solowy w operze.

To monolog wokalny, w którym najpełniej i wszechstronnie scharakteryzowano bohatera oraz zarysowano jego muzyczny portret. W operze klasycznej aria ma bardziej złożoną formę niż piosenka.

Odmiany arii to: arioso, arietta, cavatina.

Arie operowe zwykle poprzedzane są recytatywem.

Recytatyw - rodzaj muzyki wokalnej opartej na intonacjach mowy.

Jest zbudowana swobodnie, zbliżając się do mowy.

Masa - wieloczęściowy utwór muzyki kościelnej na chór, solistów z instrumentami

eskorta

Msza św. jest pamiątką cierpienia, śmierci na krzyżu i zmartwychwstania Chrystusa. Istnieje chrześcijański sakrament - dziękczynienie, a chleb i wino zamieniają się w Ciało i Krew Chrystusa.

Na mszę składają się obowiązkowe pieśni:

Kirie eleison – Panie, zmiłuj się

Gloria – chwała Bogu na wysokościach

Credo – wierzę

Sanctus – święty

Benedykt – błogosławiony

· Agnus Dei – Baranek Boży (przypomnienie tradycji składania ofiary z baranka, gdyż sam Chrystus złożył ofiarę)

Połączone razem, hymny te ukazują jednocześnie obraz Boga i opowiadają o uczuciach, jakich człowiek doświadcza przed Bogiem.

Muzyka instrumentalna

Zespół instrumentalny

(Ensemble - wspólnie, zgodnie)

Widelec - instrument w postaci dwuzębnego widelca, który wydaje jeden dźwięk „la”.

Wynaleziony w 1711 roku przez Johna Shore'a.

Za pomocą kamertonu wszyscy muzycy dostrajają swoje instrumenty do wspólnego grania.

Zespoły kameralne (od łacińskiego słowa kamera - tj. pokój) - małe, stabilne typy zespołów, w których instrumenty dobrze równoważą się dźwięcznie.

Najpopularniejsze zespoły kameralne to:

Kwartet smyczkowy - składa się z 2 skrzypiec, altówki i wiolonczeli

Trio smyczkowe – skrzypce, altówka i wiolonczela

Trio fortepianowe – skrzypce, wiolonczela i fortepian

Istnieją zespoły składające się wyłącznie ze skrzypków lub tylko z harf i tak dalej.

Rodzaje orkiestr

Orkiestra - grupa muzyków wykonujących wspólnie muzykę instrumentalną.

Konduktor - lider orkiestry

Na przestrzeni lat metody prowadzenia zmieniały się wielokrotnie:

dyrygenci byli za sceną, przed orkiestrą, za orkiestrą, w środku orkiestry. Podczas gry albo siedzieli, albo chodzili. Dyrygowali po cichu, śpiewali, krzyczeli na całe gardło, grali na jednym z instrumentów.

Dyrygowali ogromną laską; rolka papieru zwinięta w tubę; kopnięcia stopy obutej w sandały, których podeszwy były obite żelazem; ukłon; pałka dyrygencka – battuta.

Wcześniej dyrygenci stali tyłem do orkiestry. Niemiecki kompozytor Ryszard Wagner w XIX wieku. złamał tę tradycję i zwrócił się twarzą do orkiestry.

Wynik - zapis muzyczny polifonicznego utworu muzycznego, w którym łączą się partie poszczególnych instrumentów

Orkiestra symfoniczna:

Narodziny pierwszych orkiestr wiążą się z pojawieniem się opery w XVI – XVII wieku. Grupę muzyków umieszczono osobno na specjalnym, niewielkim podeście przed sceną, którą nazwano „orkiestrą”. Zestaw instrumentów w pierwszych orkiestrach był niejednolity: altówki (prekursorzy skrzypiec i wiolonczeli), 2-3 skrzypce, kilka lutni, trąbki, flety, klawesyn. Jednocześnie wszystkie te instrumenty zabrzmiały dopiero w utworze otwierającym, który wówczas nazywano „symfonią”. Do XVIII wieku kompozytorzy poszukiwali w orkiestrze najlepszego zestawienia instrumentów.

Klasycy wiedeńscy – J. Haydn i W. A. ​​Mozart – zdeterminowali skład klasycznej orkiestry symfonicznej.

Nowoczesna orkiestra symfoniczna liczy do 100 muzyków.

Cztery główne grupy orkiestry symfonicznej

Czasami w skład orkiestry wchodzą: harfa, organy, fortepian, czelesta

Orkiestra Dęta

Brzmi głównie na scenach plenerowych, towarzyszy procesjom, marszom. Jego brzmienie jest szczególnie mocne, jasne. Głównymi instrumentami orkiestry dętej są instrumenty dęte blaszane: klarnety, trąbki, rogi. Występują także instrumenty dęte drewniane: flety, klarnety, a w dużych orkiestrach pojawiają się także oboje i fagoty, a także instrumenty perkusyjne – bębny, kotły, talerze. Istnieją utwory napisane specjalnie dla orkiestr dętych, ale często wykonywane są utwory symfoniczne zaaranżowane dla orkiestr dętych.

Orkiestra Różnorodności

Jest najbardziej zróżnicowany pod względem składu instrumentów i rozmiarów - od dużego, podobnego do symfonii, po bardzo mały, bardziej przypominający zespół. Różne zespoły często grają na ukulele, saksofonach i wielu instrumentach perkusyjnych. Orkiestra popowa wykonuje: muzykę taneczną, różne rodzaje pieśni, utwory muzyczne o charakterze rozrywkowym, popularne utwory klasyczne o prostej treści.

Znane orkiestry popowe prowadzone przez O. Lundstrema, P. Moriaha, B. Goodmana i innych.

Orkiestra Instrumentów Ludowych

Ich kompozycje są różne, ponieważ. każdy naród ma swoje własne instrumenty narodowe. W Rosji orkiestra instrumentów ludowych obejmuje

Instrumenty szarpane strunowe: domra, bałałajka, gusli,

Instrumenty dęte - piszczałki, zhaleyka, rogi, dysze, flety

Bayany, harmonijki ustne

Duża grupa instrumentów perkusyjnych

Pierwsza profesjonalna orkiestra instrumentów ludowych powstała w 1888 roku pod kierunkiem słynnego muzyka V.V. Andreeva.

Jazz - orkiestry

W przeciwieństwie do orkiestry symfonicznej, orkiestra jazzowa nie ma ustalonego składu instrumentów. Jazz to zawsze zespół solistów. Orkiestry jazzowe obejmują fortepian, saksofony, banjo i gitary. Struny – można dołączyć smyczki, puzony, trąbki i klarnety. Grupa instrumentów perkusyjnych jest bardzo duża i różnorodna.

Głównymi cechami jazzu są improwizacja (zdolność solistów do komponowania muzyki bezpośrednio podczas występu); rytmiczna swoboda.

W Ameryce pojawiły się pierwsze zespoły jazzowe - najsłynniejszy mistrz jazzu: Louis Armstrong.

W Rosji pierwszą orkiestrę jazzową stworzył Leonid Utyosow.

Struktura dzieł muzycznych. forma muzyczna. Motyw muzyczny.

Temat (w tłumaczeniu z greckiego - jaka jest podstawa) - główna idea muzyczna dzieła. W jednej pracy może występować jeden lub kilka (zwykle kontrastujących) tematów.

myśl przewodnia (w tłumaczeniu z języka niemieckiego - motyw przewodni) - wielokrotnie powtarzane zdanie lub cały temat

powtarzane w pracy.

powtórzenie - takie prowadzenie tematu, w którym przechodzi się kilka razy bez zmian lub z niewielkimi zmianami.

Sekwencja - wielokrotne powtarzanie tematu bez zmian na różnych wysokościach.

zmienność - wielokrotne powtórzenie tematu ze znaczącymi zmianami.

Rozwój motywu (rozwój) - izolacja od tematu jasnych elementów (motywów) i ich

sekwencja, rejestr, barwa, rozwój tonalny.

forma muzyczna

Formularz (w tłumaczeniu z łaciny - obraz, zarys) - konstrukcja utworu muzycznego, stosunek jego części.

Elementy formy muzycznej: motyw, fraza, zdanie.

Motyw (w tłumaczeniu z języka włoskiego - podstawa) to najmniejszy element formy muzycznej. Z reguły motyw zawiera jeden akcent i jest równy jednej mierze.

Fraza (w tłumaczeniu z języka greckiego - wyrażenie) to element formy muzycznej, który zawiera dwa lub

kilka motywów. Długość frazy wynosi od dwóch do czterech taktów. Czasami frazy nie są podzielone na motywy.

Zdanie to stosunkowo kompletny element formy muzycznej, składający się z kilku fraz. Wielkość oferty wynosi od czterech do ośmiu cykli. Istnieją zdania, których nie można podzielić na frazy.

Okres- najprostsza forma muzyczna zawierająca pełną lub względną

skończona myśl. Kropka składa się z dwóch (rzadko trzech) zdań. Objętość okresu

osiem do szesnastu taktów. Okresy to:

Konstrukcja powtarzalna (kiedy drugie zdanie powtarza pierwsze dosłownie lub z

małe zmiany. Schemat: a + a lub a + a 1)

Struktura niepowtarzająca się (gdy drugie zdanie nie powtarza pierwszego. Schemat: a + b)

Istnieją formy proste i złożone:

Prosty - wywołaj formularz, w którym każda część jest nie większa niż kropka.

złożony - wywołaj formę, w której przynajmniej jedna część jest większa od kropki.

Dowolną z form można opatrzyć wstępem i zakończeniem (kodą).

Prosta dwuczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z dwóch części, każda nie dłuższa niż kropka

Odmiany:

Powtórzenie - gdzie drugie zdanie drugiej części powtarza jedno ze zdań pierwszej części

Na przykład:

Czajkowskiego „Pieśń starofrancuska”. Schemat: A.B

za + za 1 b + za 2

Non-reprise - składający się z dwóch różnych okresów. Na przykład:

Czajkowski „Śpiewa kataryniarz” Schemat: A.B

za + b do + do 1

Prosta, trzyczęściowa forma

Forma muzyczna składająca się z trzech części, każda nie dłuższa niż kropka.

Odmiany:

Repryza - gdzie trzecia część jest powtórzeniem pierwszej części dosłownie lub z małym

zmiany. Na przykład:

Schemat „Marszu drewnianych żołnierzy” Czajkowskiego: A B A

za + za 1 b + b 1 za 2 + za 3

Non-reprise - w którym trzecia część nie jest powtórką pierwszej części. Na przykład:

Czajkowskiego „Pieśń neapolitańska”. Schemat: A B C

za + za 1 b + b do + do 1

Złożona, trzyczęściowa forma

Trzyczęściowa forma repryzowa, w której części skrajne są prostą formą dwuczęściową lub trzyczęściową, a część środkowa kontrastuje ze skrajnością i jest dowolną prostą formą.

Na przykład: Czajkowski „Walc”. Schemat:

za + za 1 b + b 1 do + do 1 za + za 1 b + b 1

(proste dwie części) (kropka) (proste dwie części)

Kształt Ronda

Rondo (w tłumaczeniu z francuskiego - krąg, taniec okrągły) - forma muzyczna, w której powtarza się temat główny

co najmniej trzy razy, na zmianę z innymi tematami - odcinkami.

Temat główny to tzw refren (w tłumaczeniu z francuskiego - refren).

Refren i epizody można przedstawić w dowolnej prostej formie.

Schemat: A B A C A

Formularz zmiany

Formularz zmiany - forma muzyczna, w której temat powtarza się ze zmianami.

Zmodyfikowane powtórzenie tematu nazywa się zmiana (przetłumaczone z łaciny - zmiana,

różnorodność).

W odmianach dowolne elementy mowy muzycznej mogą się zmieniać.

Liczba odmian wynosi od dwóch do kilkudziesięciu.

Temat można zapisać w dowolnej prostej formie. Ale najczęściej - w prostej dwuczęściowej.

Schemat: A A 1 A 2 A 3 A 4 itd.

Temat 1 wariacja 2 wari. 3 wari. 4 wari.

forma sonatowa

Forma sonatowa – forma muzyczna polegająca zazwyczaj na zestawieniu rozwoju dwóch tematów

kontrastujące.

Forma sonatowa składa się z trzech części.

Sekcja 1 - ekspozycja (w tłumaczeniu z łac. - pokaż) - fabuła akcji.

Wystawa skupia się na dwóch głównych tematach – dom I strona .

dom temat brzmi w głównej, głównej tonacji dzieła i strona Temat jest w innej tonacji.

dom I strona tematy łączą Spoiwo temat.

Kończy ekspozycję Finał temat.

Sekcja 2 – rozwój - centrum dramatyczne formy sonatowej;

porównanie, zderzenie i rozwinięcie tematów prezentowanych w ekspozycji. Opracowanie charakteryzuje się częstą zmianą kluczy. Główną techniką opracowywania tematów jest rozwój motywowany.

Sekcja 3 – powtórka - działanie odsprzęgające.

Przeprowadzenie materiału ekspozycyjnego w tonacji głównej.

Powtórka z rozwoju ekspozycji

Gl.t. Komunikacja Pob.t. Zakładka Gl.t. Komunikacja Pob.t. Zakładka

T------------D, VI, III T T

Formy cykliczne

Cykl - na pasie. z języka greckiego - koło.

Formy cykliczne - formy muzyczne, składające się z kilku niezależnych

kontrastujące części, połączone jedną ideą.

Najważniejszymi formami cyklicznymi są suita, cykl sonatowy.

Zestaw.

Starożytny apartament (16 - 18 wieków) - cykl różnorodnych tańców starożytnych, zapisany w jednym

tonalność.

Główne tańce starej suity:

Umiarkowany alemande (niemiecki czteroosobowy)

pełen życia dzwonki (francuski trójstronny)

powolny Sarabanda (hiszpański trójstronny)

Szybko giga (angielski trójstronny)

czasami do dawnej suity włączano menuet, gawot, bure i inne tańce, a także utwory nietaneczne - preludium, fugę, arię, rondo.

Przykłady suit antycznych w twórczości G. Handla, J.S. Bacha, F. Couperina, J. Lully'ego, J. Rameau.

Nowy apartament (XIX - XX w.) - cykl jaskrawo kontrastujących sztuk napisanych w różnych tonacjach.

W nowej suitie dominują utwory nietaneczne.

Przykłady nowego pakietu:

P.I. Czajkowski „Pory roku”;

poseł Musorgski „Obrazy z wystawy”;

E. Griega „Peer Gynt”;

N.A. Rimski – Korsakow „Szeherezada”;

K. Sen-Sans „Karnawał zwierząt”.

Cykl sonatowy Forma muzyczna, w której co najmniej jedna część zapisana jest w formie sonatowej.

Cykl sonatowy dla jednego lub dwóch wykonawców solowych nazywa się - sonata;

dla trzech wykonawców trio;

dla czterech wykonawców kwartet;

dla pięciu wykonawców - kwintet.

Cykl sonatowy napisany na orkiestrę symfoniczną nazywa się - symfonia;

na instrument solowy i orkiestrę - koncert.

Cykle trzyczęściowe - sonata, koncert.

Cykle czteroczęściowe - symfonia, kwartet, kwintet.

Formy polifoniczne

Polifonia(greckie poli - wiele, telefon - głos, dźwięk) - rodzaj polifonii, który pojawił się znacznie wcześniej niż homofonia i rozpowszechnił się w XVI i XVII wieku. Tutaj wszystkie głosy prowadzą swoje niezależne i równie ważne, równie wyraziste melodie.
W sztuce polifonicznej powstały własne gatunki specjalne: są to passacaglia, chaconne, wynalazek i kanon . Wszystkie te przedstawienia wykorzystują technikę imitacji.

Imitacja oznacza „naśladowanie”, czyli powtórzenie melodii innym głosem.

Na przykład, Kanon opiera się na ścisłym, ciągłym naśladowaniu tej samej melodii we wszystkich głosach. Głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc zanim ta melodia zakończy się w poprzedniej.
Szczytem sztuki polifonicznej jest fuga . Ta forma polifonii osiągnęła swój najwyższy szczyt w twórczości Jana Sebastiana Bacha.
Słowo "Fuga" pochodzi od łacińskiego „bieg”. Fuga komponowana jest według specjalnych, bardzo rygorystycznych praw. Fuga zazwyczaj opiera się na jednym musicalu temat - jasny, dobrze zapamiętany. Temat ten słychać konsekwentnie w różnych głosach. W zależności od liczby głosów fuga może być dwuczęściowa, trzyczęściowa, czteroczęściowa itp.
Zgodnie ze strukturą fuga dzieli się na trzy części:

Pierwsza to ekspozycja, w której temat realizowany jest wszystkimi głosami. Każdemu wykonaniu tematu towarzyszy melodia w innym głosie, tzw przeciwpozycja . W fudze są fragmenty, w których brakuje tematu, są to: przerywniki, znajdują się pomiędzy tematami.
Druga część fugi nazywa się rozwinięciem, w niej rozwijany jest temat przechodzący naprzemiennie przez różne głosy.
Trzecia część ma charakter repryzowy, tutaj tematy utrzymane są w tonacji głównej. W repryzie często stosuje się technikę, aby przyspieszyć rozwój muzyczny stretta. To taka imitacja, gdzie każdy kolejny fragment tematu wchodzi, zanim zakończy się innym głosem.
Do repryzy dołącza koda podsumowująca rozwój fugi.
W literaturze muzycznej spotyka się fugi pisane nie na jeden, ale na dwa, a nawet trzy tematy. Następnie nazywane są odpowiednio podwójnym i potrójnym. Bardzo często fugę poprzedza mały utwór – fantazja, wariacja lub chorał. Ale szczególnie popularne były cykle „preludium i fuga”. JEST. Bach napisał 48 preludiów i fug, które połączył w dwa tomy pod tytułem The Well-Tempered Clavier.

Wynalazki

Słowo wynalazek po łacinie oznacza „wynalazek”. Tak naprawdę tematem wynalazku jest wynalazek – krótka wyrazista melodia. Co więcej, konstrukcja wynalazku prawie nie różni się od struktury fugi, tylko wszystko jest znacznie prostsze i bardziej przystępne dla wykonania początkujących muzyków.

Temat - krótka ekspresyjna fraza muzyczna, przekazywana kolejno wszystkimi głosami.

Kontrapozycja - melodia w innym głosie, towarzysząca tematowi.

Pokazy boczne - znajdują się pomiędzy tematami.

Pobierać:

Zapowiedź:

https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Gra „Zgadnij instrument muzyczny” Zadanie: Wymień instrumenty wykonujące tematy bohaterów baśni S.S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk”.

Obój Który instrument gra motyw ptaka? flet prosty

Który instrument odgrywa motyw Dziadka? Obój fagotowy

Flet Jaki instrument gra motyw kota? Klarnet

Flet Jaki instrument gra motyw kaczki? Obój

Struny smyczkowe Jakie instrumenty grają motyw Petita? Instrumenty dęte drewniane

Zapraszam na bajkę „Piotruś i Wilk”

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Bajka spaceruje po lesie” Muz. V. Pshenichnikova

Bajka idzie przez las, Bajkę prowadzi za rękę, Bajka wychodzi z rzeki, Z tramwaju, z bramy.

Co to za okrągły taniec? To bajkowy okrągły taniec! Bajka - mądra i urocza, Mieszka obok nas.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Dobry do Zlova Daj się przekonać.

I dla mnie i dla Ciebie Bajki biegną tłumem. Ulubione bajki Słodsze niż jakakolwiek jagoda.

W bajce słońce płonie, króluje w niej Sprawiedliwość. Bajka jest mądra i urocza, Droga jest dla niej otwarta wszędzie!

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Dobry do Zlova Daj się przekonać.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Dobry do Zlova Daj się przekonać.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Dobry do Zlova Daj się przekonać.

Po to, żeby Dobre Zło znów zwyciężyło. Do, Dobry do Zlova Daj się przekonać.

Zapowiedź:

Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

„Instrumenty orkiestry symfonicznej w bajce S. Prokofiewa „Piotruś i Wilk” Odpowiedzi na testy:

Instrumenty dęte drewniane Instrumenty perkusyjne nr 1: Które instrumenty grają motyw Petyi? Zadanie numer 2:

Myśl więcej! Myśl więcej!

Prawidłowy! Sznurki sznurkowe

Zadanie 3: Flet Obój Klarnet Który instrument gra motyw Kota? Nr 2:

Nie spiesz się!

Prawidłowy! KLARNET

Zadanie 4: Obój na klarnet fletowy Który instrument gra motyw ptaka? Nr 3:

Myśl więcej!

FLET Właśnie!

Ćwiczenie nr 5: Fagot klarnetowy Jaki instrument gra motyw Dziadka? Nr 4: Flet

Myśl więcej!

Prawidłowy! FAGOT

Który instrument odgrywa motyw kaczki? Obój klarnetowy nr 5: flet

O nie, nie, nie! Nie spiesz się!

OBO Zgadza się!

Zapowiedź:

Mapa technologiczna modelu lekcji według programu"Sztuka. Muzyka” (T.I. Naumenko, V.V. Aleev)

Nauczyciel muzyki MBU „Gimnazjum nr 39” Malova Daria Anatolyevna

Temat: „Obraz Wielkiej Wojny Ojczyźnianej w VII Symfonii D. Szostakowicza”.

Typ lekcji: lekcja odkrywania nowej wiedzy

Klasa 7

Cel lekcji: Edukacja części ogólnej kultury duchowej uczniów poprzez sztukę muzyczną, a także rozwój patriotyzmu w świadomości uczniów

Cele Lekcji:

1) Edukacyjne: ukształtować koncepcję muzyki Szostakowicza jako muzyki odpowiadającej duchowi czasu;dać wyobrażenie o gatunku symfonii na przykładzie VII symfonii D. Szostakowicza

2) Opracowanie: kształtowanie umiejętności świadomego emocjonalnie odbioru muzyki symfonicznej, umiejętności analizy utworu muzycznego, uświadomienia sobie nierozerwalnego związku działalności kompozytora z wydarzeniami historycznymi,kontrolować swoje działania edukacyjne.

3) Edukacyjne: kultywować szacunek, dumę i poczucie wdzięczności wobec narodu rosyjskiego, zwłaszcza wobec pokolenia, które przeżyło blokadę Leningradu.

Podstawowe koncepcje:symfonia, kulminacja, środki wyrazu (odcienie dynamiczne, tempo, instrumenty, barwa…)

Formy organizacji aktywności poznawczej:frontalny, łaźnia parowa, niezależny

Sprzęt: Przewodnik metodyczny, odniesienia historyczne, fragmenty biografii D. Szostakowicza opracowane przez nauczyciela, karty z zadaniami dla grup. ekran, rzutnik, fragmenty wideo z życia oblężonego Leningradu, centrum muzyczne, nagrania fragmentów VII symfonii D. Szostakowicza, wycinanki dźwiękowe pieśni z lat wojny, fotografia pomnika Przerwanego Pierścienia (A3), prezentacja, przęsło pozostawia na wieniec.

Podczas zajęć:

Słowo „orkiestra” jest teraz znane każdemu uczniowi. Tak nazywa się duża grupa muzyków, którzy wspólnie wykonują utwór muzyczny. Tymczasem w starożytnej Grecji termin „orkiestra” (od którego później powstało współczesne słowo „orkiestra”) oznaczał obszar przed sceną, na której znajdował się chór, nieodzowny uczestnik starożytnej tragedii greckiej. Później w tym samym miejscu zaczęto lokalizować grupę muzyków, którą nazwano „orkiestrą”.

Minęły wieki. A teraz samo słowo „orkiestra” nie ma określonego znaczenia. Obecnie istnieją różne orkiestry: dęte, folkowe, bajanowskie, kameralne, pop-jazzowe itp. Ale żadna z nich nie jest w stanie sprostać konkurencji z „cudem dźwięku”; tak często i oczywiście słusznie nazywana orkiestrą symfoniczną.

Możliwości orkiestry symfonicznej są naprawdę nieograniczone. Do jego dyspozycji są wszystkie odcienie dźwięczności od ledwo słyszalnych wibracji i szelestów po potężne grzmoty. I nie chodzi nawet o samą różnorodność dynamicznych odcieni (są one w ogóle dostępne dla każdej orkiestry), ale o tę urzekającą ekspresję, która zawsze towarzyszy brzmieniu autentycznych arcydzieł symfonicznych. Tutaj na ratunek przychodzą kombinacje barwy, a także potężne faliste wzloty i upadki, ekspresyjne sygnały solowe i stopione warstwy dźwięków „organowych”.

Posłuchaj przykładów muzyki symfonicznej. Przypomnij sobie bajeczny obraz słynnego rosyjskiego kompozytora A. Lyadova, niesamowity w swojej przenikliwej ciszy „Magiczne jezioro”. Tematem obrazu jest tu przyroda w jej nienaruszonym, statycznym stanie. Podkreśla to także kompozytor w swojej wypowiedzi o „Czarodziejskim Jeziorze”: „Jakże malownicze, czyste, z gwiazdami i tajemnicą w głębinach! A co najważniejsze – bez ludzi, bez ich próśb i skarg – jedna martwa natura – zimna, zła, ale fantastyczna, jak w bajce. Jednak partytury Lyadova nie można nazwać martwą ani zimną. Wręcz przeciwnie, ogrzewa go ciepły, liryczny nastrój – drżący, ale powściągliwy.

Znany radziecki muzykolog B. Asafiew napisał, że w tym „poetyckim kontemplacyjnym obrazie muzycznym… twórczość Lyadowa wkracza w sferę lirycznego pejzażu symfonicznego”. Kolorową paletę „Magicznego jeziora” tworzą zawoalowane, stłumione dźwięki, szelesty, szelesty, ledwo zauważalne plamy i wahania. Dominują tu delikatne ażurowe pociągnięcia. Dynamiczne narastanie jest ograniczone do minimum. Wszystkie głosy orkiestrowe niosą ze sobą niezależny ładunek wizualny. Nie ma rozwoju melodycznego w prawdziwym tego słowa znaczeniu; oddzielne krótkie frazy-motywy świecą jak migoczące refleksy... Lyadov, który potrafił z wyczuciem „usłyszeć ciszę”, z niesamowitą umiejętnością maluje obraz zaczarowanego jeziora - obraz zadymiony, ale natchniony, pełen bajecznego aromatu i czysty, czysty uroda. Taki pejzaż można było „narysować” jedynie przy pomocy orkiestry symfonicznej, gdyż żaden instrument i żaden inny „organizm orkiestrowy” nie jest w stanie oddać tak wyrazistego obrazu i znaleźć dla niego tak subtelnej barwy i odcieni.

A oto przykład odwrotnego typu - finał słynnego „Poematu ekstazy” A. Skriabina. Kompozytor ukazuje w tym utworze różnorodność stanów i działań ludzkich w stałym i logicznie przemyślanym rozwoju; muzyka konsekwentnie przekazuje inercję, przebudzenie woli, spotkanie z zagrażającymi siłami, walkę z nimi. Kulminacja następuje po kulminacji. Pod koniec wiersza napięcie rośnie, przygotowując nowy, jeszcze wspanialszy przypływ. Epilog „Poematu ekstazy” zamienia się w olśniewający obraz o kolosalnym rozmachu. Na mieniącym się wszystkimi kolorami mieniącym się wszystkimi kolorami tłem (organy połączone są także z potężną orkiestrą) osiem rogów i trąbka radośnie głoszą główny temat muzyczny, którego dźwięczność osiąga w końcu nadludzką siłę. Takiej mocy i majestatu dźwięku nie ma żaden inny zespół. Tylko orkiestra symfoniczna jest w stanie tak bogato, a zarazem barwnie wyrazić zachwyt, ekstazę, szalony przypływ uczuć.

„Magiczne jezioro” Lyadova i epilog „Poematu ekstazy” to, że tak powiem, skrajne bieguny brzmieniowe i dynamiczne w najbogatszej palecie brzmień orkiestry symfonicznej.

Spójrzmy teraz na inny przykład. Druga część XI Symfonii D. Szostakowicza ma podtytuł - „9 stycznia”. Kompozytor opowiada w nim o strasznych wydarzeniach „Krwawej Niedzieli”. I w tym momencie, gdy krzyki i jęki tłumu, salwy karabinów, żelazny rytm kroków żołnierza łączą się w dźwiękowy obraz niesamowitej siły i mocy, nagle urywa się ogłuszający szkwał… I w następującym po nim cisza, w „świszczącym” szeptie instrumentów smyczkowych wyraźnie słychać cichy i żałobny śpiew chóru. Według trafnej definicji muzykologa G. Orłowa można odnieść wrażenie, że „jakby powietrze Placu Pałacowego jęczało z żalu na widok dokonanej zbrodni”. Posiadając wyjątkowy talent barwowy i błyskotliwą umiejętność pisania na instrumentach, D. Szostakowicz potrafił stworzyć iluzję brzmienia chóralnego za pomocą środków czysto orkiestrowych. Zdarzały się nawet przypadki, gdy podczas prawykonań XI Symfonii publiczność podnosiła się z miejsc, myśląc, że na scenie za orkiestrą znajduje się chór…

Orkiestra symfoniczna jest również w stanie transmitować szeroką gamę efektów naturalistycznych. I tak wybitny niemiecki kompozytor Richard Strauss w swoim poemacie symfonicznym „Don Kichot”, ilustrującym znany epizod z powieści Cervantesa, zaskakująco „wizualnie” przedstawił beczenie stada owiec w orkiestrze. W suity francuskiego kompozytora Carnival of the Animals francuskiego kompozytora C. Saint-Saensa dowcipnie oddane są krzyki osłów, niezdarny chód słonia i niespokojny nawoływanie kur z kogutami. Francuz Paul Dukas w symfonicznym scherzo „Uczeń czarnoksiężnika” (napisanym na podstawie ballady o tym samym tytule W. Goethego) znakomicie namalował obraz żywiołu dzikiej wody (pod nieobecność starego maga, ucznia postanawia zamienić miotłę w sługę: każe mu nieść wodę, która stopniowo zalewa cały dom). Nie trzeba dodawać, ile efektów onomatopeicznych rozproszonych jest w muzyce operowej i baletowej; tutaj także są one przekazywane za pośrednictwem orkiestry symfonicznej, ale pod wpływem bezpośredniej sytuacji scenicznej, a nie, jak w utworach symfonicznych, programu literackiego. Wystarczy przypomnieć takie opery, jak Opowieść o carze Saltanie i Śnieżna dziewczyna N. Rimskiego-Korsakowa, balet Pietruszka I. Strawińskiego itp. Fragmenty lub suity z tych dzieł są często wykonywane na koncertach symfonicznych.

A ile wspaniałych, niemal wizualnych obrazów żywiołu morza można znaleźć w muzyce symfonicznej! Suita N. Rimskiego-Korsakowa „Szeherezada”, „Morze” C. Debussy’ego, uwertura „Morska cisza i szczęśliwe pływanie” F. Mendelssohna, fantazje symfoniczne „Burza” P. Czajkowskiego i „Morze” A. Głazunow – lista takich dzieł jest bardzo obszerna. Na orkiestrę symfoniczną napisano wiele utworów, przedstawiających obrazy natury lub zawierających trafne szkice krajobrazu. Wymieńmy przynajmniej szóstą („pastoralną”) symfonię L. Beethovena z uderzającym siłą obrazu obrazem nagłej burzy, obrazem symfonicznym A. Borodina „W Azji Środkowej”, fantazją symfoniczną A. Głazunowa „ Las”, „scena na polach” z Symfonii fantastycznej G. Berlioza. Jednak we wszystkich tych utworach obraz natury zawsze kojarzony jest ze światem emocjonalnym samego kompozytora, a także z ideą, która determinuje charakter kompozycji jako całości. Ogólnie rzecz biorąc, momenty opisowe, naturalistyczne, onomatopeiczne zajmują bardzo niewielki udział w płótnach symfonicznych. Co więcej, muzyka programowa właściwa, czyli taka, która konsekwentnie przekazuje jakąś fabułę literacką, również nie zajmuje czołowego miejsca wśród gatunków symfonicznych. Najważniejsze, czym może poszczycić się orkiestra symfoniczna, to bogata paleta różnorodnych środków wyrazu, są to kolosalne, wciąż niewyczerpane możliwości rozmaitych zestawień i zestawień instrumentów, to najbogatsze zasoby barwowe wszystkich grup tworzących orkiestrę orkiestra.

Orkiestra symfoniczna różni się znacznie od innych grup instrumentalnych tym, że jej skład jest zawsze ściśle określony. Weźmy na przykład liczne zespoły pop-jazzowe, których obecnie jest mnóstwo w niemal wszystkich zakątkach globu. Wcale nie są do siebie podobni: liczba instrumentów (od 3-4 do dwóch tuzinów i więcej) oraz liczba uczestników również mogą być różne. Ale co najważniejsze, orkiestry te nie są podobne w brzmieniu. W niektórych dominują smyczki, w innych saksofony i instrumenty dęte blaszane; w niektórych zespołach wiodącą rolę odgrywa fortepian (wspomagany przez perkusję i kontrabas); orkiestry różnorodne różnych krajów zawierają instrumenty narodowe itp. Zatem w niemal każdej orkiestrze odmianowej czy jazzie nie trzymają się ściśle określonego składu instrumentalnego, lecz swobodnie posługują się zestawieniami różnych instrumentów. Dlatego to samo dzieło brzmi inaczej w różnych grupach popowo-jazzowych: każda z nich oferuje swoją specyficzną obróbkę. I to jest zrozumiałe: w końcu jazz to sztuka, w zasadzie improwizacja.

Orkiestry dęte również są inne. Niektóre składają się wyłącznie z instrumentów dętych blaszanych (z obowiązkowym udziałem perkusji). A większość z nich nie może obejść się bez instrumentów dętych drewnianych - fletów, obojów, klarnetów, fagotów. Orkiestry instrumentów ludowych różnią się także między sobą: rosyjska orkiestra ludowa nie przypomina kirgiskiej, a włoska nie przypomina orkiestr ludowych krajów skandynawskich. I tylko orkiestra symfoniczna – największy organizm muzyczny – ma ugruntowany, ściśle określony skład. Dlatego utwór symfoniczny napisany w jednym kraju może zostać wykonany przez dowolny zespół symfoniczny w innym kraju. Dlatego język muzyki symfonicznej jest językiem prawdziwie międzynarodowym. Stosowane są od ponad dwóch stuleci. I nie starzeje się. Co więcej, nigdzie nie ma tak wielu interesujących zmian „wewnętrznych”, jak we współczesnej orkiestrze symfonicznej. Z jednej strony, często uzupełniana o nowe kolory barwy, orkiestra z roku na rok staje się coraz bogatsza, z drugiej strony jej główny zarys, ukształtowany jeszcze w XVIII wieku, staje się coraz wyraźniejszy. A czasami kompozytorzy naszych czasów, zwracając się do tak „staromodnej” kompozycji, po raz kolejny udowadniają, jak wielkie są jej możliwości ekspresyjne…

Być może dla żadnej z grup muzycznych nie powstało tyle wspaniałej muzyki! W olśniewającej galaktyce kompozytorów symfonicznych nazwiska Haydna i Mozarta, Beethovena i Schuberta, Mendelssohna i Schumanna, Berlioza i Brahmsa, Liszta i Wagnera, Griega i Dvoraka, Glinki i Borodina, Rimskiego-Korsakowa i Czajkowskiego, Rachmaninowa i Skriabina, Głazunow i Tanejew, połysk, Mahler i Bruckner, Debussy i Ravel, Sibelius i R. Strauss, Strawiński i Bartok, Prokofiew i Szostakowicz. Ponadto orkiestra symfoniczna, jak wiadomo, jest niezastąpionym uczestnikiem przedstawień operowych i baletowych. I dlatego do setek dzieł symfonicznych należy dodać te fragmenty z oper i baletów, w których to orkiestra (a nie soliści, chór czy po prostu akcja sceniczna) odgrywa pierwszoplanową rolę. Ale to nie wszystko. Oglądamy setki filmów i większość z nich jest „udźwiękowiona” przez orkiestrę symfoniczną.

Radio, telewizja, płyty CD, a za ich pośrednictwem muzyka symfoniczna na dobre wkroczyły w nasze życie. W wielu kinach przed seansami grają małe orkiestry symfoniczne. Takie orkiestry powstają także w ramach wykonań amatorskich. Innymi słowy, z rozległego, niemal bezkresnego oceanu muzyki, która nas otacza, dobra połowa jest w jakiś sposób związana z dźwiękiem symfonicznym. Symfonie i oratoria, opery i balety, koncerty i suity instrumentalne, muzyka dla teatru i kina – wszystkie te (i wiele innych) gatunków po prostu nie mogą obejść się bez orkiestry symfonicznej.

Błędem byłoby jednak zakładać, że w orkiestrze można wykonać dowolny utwór muzyczny. W końcu wydawałoby się, że znając zasady i prawa instrumentacji, każdy kompetentny muzyk może zaaranżować fortepian lub inne dzieło, czyli ubrać go w jasny strój symfoniczny. Jednak w praktyce jest to stosunkowo rzadkie. To nie przypadek, że N. Rimski-Korsakow powiedział, że instrumentacja jest „jedną ze stron duszy samej kompozycji”. Dlatego już rozważając ten pomysł, kompozytor liczy na pewną kompozycję instrumentalną. Dlatego na orkiestrę symfoniczną można pisać zarówno lekkie, bezpretensjonalne dzieła, jak i okazałe płótna o dużej skali.

Co prawda zdarzają się przypadki, gdy utwór zyskuje drugie życie w nowej, symfonicznej wersji. Tak było w przypadku genialnego cyklu fortepianowego M. Musorgskiego „Obrazy z wystawy”: został on po mistrzowsku zaaranżowany przez M. Ravela. (Były inne, mniej udane próby orkiestracji Obrazy z wystawy.) Partytury oper M. Musorgskiego Borys Godunow i Chowanszczina ożyły na nowo pod okiem D. Szostakowicza, który wykonał ich nową wersję orkiestrową. Czasem w twórczym dziedzictwie kompozytora pokojowo współistnieją dwie wersje tego samego dzieła – solowo-instrumentalna i symfoniczna. Takich przykładów jest niewiele, ale są dość interesujące. „Pavane” Ravela istnieje zarówno w wersji fortepianowej, jak i orkiestrowej i obie żyją równym życiem koncertowym. Prokofiew zaaranżował wolną część swojej IV Sonaty fortepianowej, czyniąc z niej samodzielne, czysto symfoniczne dzieło. Leningradzki kompozytor S. Słonimski napisał cykl wokalny „Pieśni wolnych ludzi” oparty na tekstach ludowych; utwór ten ma także dwie wersje o równym znaczeniu artystycznym: jednej z towarzyszeniem fortepianu, drugiej z towarzyszeniem orkiestry. Najczęściej jednak kompozytor przystępując do pracy ma dobry pomysł nie tylko na ideę utworu, ale także na jego wykonanie barwowe. A takie gatunki jak symfonia, koncert instrumentalny, poemat symfoniczny, suita, rapsodia itp. są zawsze ściśle związane z brzmieniem orkiestry symfonicznej, można nawet powiedzieć, że są z nim nierozerwalnie związane.

Praca diagnostyczna nad muzyką dla 6 klas

Instrukcja dla studentów.

Okres pracy diagnostycznej 1 lekcja.

Praca składa się z 3 części obejmujących 14 zadań.

Część 1

Zadania 1-10

Każde pytanie ma trzy możliwe odpowiedzi, z których tylko jedna jest prawidłowa. Wpisz w arkuszu odpowiedzi właściwą literę zgodną z numerem zadania.

Część 2

Zadania 11-12

Wybierając właściwą odpowiedź pasującą do terminu i jego definicji, autor muzyki i jego dzieło.

Wpisz w arkuszu odpowiedzi właściwą literę zgodną z numerem zadania.

Część 3

Zadania 13-14

13. Na końcu zadania znajdują się słowa, które należy wstawić do tekstu zgodnie ze znaczeniem. Zapisz te słowa na karcie odpowiedzi.

14. Szczegółowe wyjaśnienie należy umieścić w karcie odpowiedzi.

Wykonując zadania, możesz skorzystać z wersji roboczej. Informujemy, że wpisy w projekcie nie będą brane pod uwagę przy ocenie pracy.

Punkty otrzymane przez Ciebie za wszystkie wykonane zadania sumują się. Postaraj się wykonać jak najwięcej zadań i zdobyć jak najwięcej punktów.

Życzymy sukcesu!

CzęśćI

1. Dzieła literackie, o których w starożytności zwyczajowo nie opowiadano, ale śpiewano:

a) zagadki

b) bajki;

c) eposy.

2. Utwór przeznaczony do śpiewania bez słów:

a) wokalizacja;

c) romans.

3. Uroczysta pieśń państwowa:

c) kantata.

4. Utwór na orkiestrę symfoniczną i instrument solowy:

a) koncert

c) symfonia.

5. Wybierz poprawną definicję słowa polifonia:

a) w tłumaczeniu z języka greckiego słowo to oznacza polifonię – rodzaj polifonii, który polega na jednoczesnym połączeniu dwóch lub więcej niezależnych melodii.

b) forma muzyczna składająca się z wielokrotnych powtórzeń części głównej - refren, z którym epizody się przeplatają.

c) forma muzyczna składająca się z tematu i jego zmodyfikowanych powtórzeń.

a) kompozytor M. I. Glinka i poeta W. Goethe

b) kompozytor M.I. Glinka i poeta A.S. Puszkin;

c) kompozytor P.I. Czajkowski i poeta A.S. Puszkin.

7. N. A. Rimski-Korsakow napisał operę na 100. rocznicę A. S. Puszkina:

a) „Sadko”;

b) „Śnieżna Dziewica”;

c) „Opowieść o carze Saltanie”.

8. Nazwa Konserwatorium w Petersburgu pochodzi od:

a) M.I. Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) P. I. Czajkowski.

9. Nazwa Państwowej Kaplicy Akademickiej w Petersburgu pochodzi od:

a) M.I. Glinka;

b) N. A. Rimski-Korsakow;

c) P. I. Czajkowski.

10. Z podanych nazwisk wybierz tylko nazwiska znanych Ci kompozytorów rosyjskich:

a) K.I. Czukowski, A.S. Puszkin, N.V. Niekrasow;

b) F. Schubert, E. Grieg, L. Beethoven;

c) V.Kikta, V.Gavrilin, S.Rachmaninow.

CzęśćII

11. Ustal zgodność nazw środków wyrazu z ich definicjami:

12. Dopasuj tytuły dzieł i kompozytorów:

CzęśćIII

Wstaw brakujące słowa zgodnie ze znaczeniem:

W swoim pamiętniku artysta W. Borys-Musatow pisze o przenikaniu się muzyki i malarstwa:

„Siedzę w domu i pytam ____________________ sam siebie.

Zamiast ______________ mają wszystkie kolory. I _______________________________.

Moje marzenia są zawsze przed nami. Tworzą dla mnie całość ____________.

Moje myśli to kolory, moje kolory to __________________.

Słowa: improwizacja, melodie, dźwięki, koncerty, symfonie.

Uzasadnij wybór słów-terminów.

Jak nazywają się poniższe instrumenty muzyczne?

Jakie instrumenty grają solo w tych utworach?

1. K. Saint-Saens. „Łabędź” ze suity „Karnawał zwierząt”

2. I. Bacha. „Żart” z Suity orkiestrowej h-moll

3. N. Rimski-Korsakow. „Lot trzmiela” z opery „Opowieść o carze Saltanie”

4. A. Lyadov. „Komiks” z „Osiem rosyjskich pieśni na orkiestrę”

5. P. Czajkowski. „Walc kwiatów” (temat główny) z baletu „Dziadek do orzechów”

6. N. Rimski-Korsakow. Temat Szeherezady z suity symfonicznej „Szeherezada”

7. K. Saint-Saens. „Słoń” ze suity „Karnawał zwierząt”

8. P. Czajkowski. „Taniec wróżki Dragee” z baletu „Dziadek do orzechów”

9. S. Prokofiew Temat dziadka z baśni symfonicznej „Piotruś i Wilk”

Instrumenty: rogi, wiolonczela, klarnet, kontrabas, skrzypce, fagot, flet, piccolo, celesta.

Poziomo. 3. Szybkość wykonania utworu muzycznego. 4. Miedziany instrument dęty z wysuwaną rurką. 5. Niski męski głos. 6. Stosunek długości dźwięków, naprzemienność czasu trwania. 8. Zabarwienie dźwięku nieodłącznie związanego z głosem lub instrumentem. 10. Miedziany instrument dęty, którego nazwę tłumaczy się jako „róg leśny”. 12. Wysoki męski głos.

Pionowo. 1. Sekwencja akordów, ich kombinacja ze sobą.

2. Wysoki instrument smyczkowy. 5. Przeciętny męski głos. 7. Najniższy z grupy instrumentów smyczkowych. 9. Szumowy instrument perkusyjny. 11. Instrument dęty drewniany.