Miejska Instytucja Budżetowa Edukacji Dodatkowej „Dziecięca Szkoła Muzyczna” w obwodzie nieftiejugańskim

Metodyczny rozwój

"Instrumenty perkusyjne. Funkcje i cechy»

klasa perkusji)

Nauczyciel gry na perkusji Kayumov A.M.

Pan. Pojkowski

2017

Instrumenty perkusyjne. Cechy i właściwości.

Historia powstania i rozwoju instrumentów perkusyjnych sięga czasów starożytnych, ponieważ narodziły się one przed wszystkimi instrumentami muzycznymi.

Początkowo instrumenty perkusyjne pełniły funkcję instrumentów sygnałowych lub kultowych. Za instrumenty sakralne uważano także instrumenty kultowe. Od czasów starożytnych kotły, bębny były używane podczas kampanii wojskowych i uroczystych ceremonii, były stałym atrybutem wszelkiego rodzaju ludowych festiwali, procesji, którym towarzyszyły tańce i pieśni.

Wraz z pojawieniem się muzyki symfonicznej instrumenty perkusyjne stopniowo weszły w skład orkiestr operowych i symfonicznych, pełniąc rolę instrumentów towarzyszących. Albo podkreślali mocne uderzenie taktu lub figurę rytmiczną, albo wzmacniali brzmienie orkiestry tutti.

Rozwój instrumentów perkusyjnych przebiegał w ścisłym związku z rozwojem innych instrumentów i grup orkiestry, a także głównych środków wyrazu muzyki: melodii, harmonii, rytmu. Obecnie instrumentacja grupy perkusyjnej orkiestry znacznie się rozwinęła, a rola grupy perkusyjnej jako całości wzrosła niezwykle. W orkiestrze instrumenty perkusyjne pełnią najczęściej funkcję rytmiczną, zachowując klarowność i ostrość ruchu. Dodają także blasku i wyjątkowego smaku brzmieniu orkiestry, wzbogacając paletę barw współczesnej orkiestry.

Mimo że środki melodyczne instrumentów perkusyjnych są bardzo ograniczone, kompozytorzy często umiejętnie wykorzystują oryginalność brzmienia instrumentów perkusyjnych i powierzają im najważniejsze partie. Instrumenty perkusyjne czasami biorą najaktywniejszy udział w odsłonięciu tematu utworu, utrzymując uwagę słuchaczy przez cały utwór o dużej formie lub jego obszerny fragment. Na przykład w „Bolero” M. Ravela jednym z głównych elementów artystycznych muzyki jest ostra ostinatowa figura rytmiczna werbla. D. Szostakowicz wykorzystał także brzmienie instrumentów w centralnym odcinku pierwszej części VII symfonii, przedstawiającym obraz najazdu wroga.

Między sobą instrumenty perkusyjne dzielą się na instrumenty o określonej wysokości, takie jak kotły, dzwonki, lira, dzwonki rurowe, wibrafon, tubafon, marimba itp. oraz instrumenty o nieokreślonej wysokości dźwięku, takie jak trójkąt, kastaniety, bicz, marakasy, tamburyn, pandeira brazylijska, grzechotka, skrzynka drewniana, werbel.

Instrumenty perkusyjne o określonej wysokości

Lira - rodzaj dzwonów stosowanych w orkiestrach dętych. Lira to zestaw metalowych płytek zamontowanych na ramie w kształcie liry w jednym lub dwóch rzędach. Wypełniony chromatycznie zakres liry waha się od jednej do dwóch oktaw.

Przy układzie jednorzędowym płyty montowane są poziomo na dwóch szynach biegnących po środku ramy. Zakres współczesnej liry jednorzędowej wynosi -1,5 oktawy, od soli 1. oktawy do 3. oktawy. Płyty, przy układzie dwurzędowym, przypominającym klawiaturę dzwonów perkusyjnych, mocowane są poziomo na czterech szynach biegnących pośrodku ramy.

Zasięg liry dwurzędowej wynosi 2 oktawy, od 1. oktawy do 3. la. Lira jest zapisana w kluczu wiolinowym i brzmi o oktawę wyżej.

Gra na lirze polega na uderzaniu w płyty drewnianymi pałkami z kulkami na końcach. Podczas gry na pieszej wędrówce lirę trzyma się lewą ręką za górną część rączki, a dolny koniec rękojeści wsuwa się w gniazdo skórzanego paska noszonego na szyi. W prawej ręce trzymają młotek, którym uderzają w płyty. Dźwięk liry jest taki sam jak dźwięk dzwonów orkiestrowych. Jednak jego możliwości techniczne są znacznie mniejsze. Lira służy głównie do wykonywania prostych melodii marszowych. Podczas gry na lirze w warunkach stacjonarnych instaluje się ją na specjalnym stojaku, po czym można na niej grać obiema rękami, jak na zwykłych dzwonkach.

Od końca XIX wieku orkiestra używadzwony rurowe, które stopniowo zastępowały ich drogie i masywne prototypy.

Dzwony rurowe to długie rury miedziane lub stalowe o średnicy 40-50 mm, zawieszone na specjalnej ramie. Są precyzyjnie dostrojone do konkretnego dźwięku w wypełnionym chromatycznie zakresie od 1. oktawy A do 2. oktawy F.

Dzwony są zwykle zapisywane w kluczu wiolinowym i brzmią o oktawę niżej. Dźwięk wydobywany jest za pomocą drewnianego młotka z główką w kształcie beczki, pokrytego skórą lub gumą. Dzwony brzmią dość czysto i przejrzyście, bardziej przypominają dźwięk kurantów i dobrze komponują się z masą orkiestrową. Aby stłumić ich dźwięk, stosuje się tłumik pedału.

Na dzwonach oprócz pojedynczych dźwięków wykonują małe i proste sekwencje melodyczne. Istnieje możliwość grania podwójnych nut i akordów, w tym drugim przypadku pożądana jest obecność dwóch wykonawców.

Tremolo można uzyskać na pojedynczym dźwięku i w interwale; na dzwonach rurowych możliwy jest również osobliwy efekt - długo brzmiące glissando.

Oprócz dzwonów rurowych często stosuje się dzwony płytowe lub półkuliste, które również są dostrojone do określonej wysokości.

wibrafon składa się z dwóch rzędów metalowych płytek dostrojonych tak, że tworzą skalę chromatyczną. Płyty zawieszane są za pomocą sznurka na mobilnym stojaku. Pod płytami znajdują się rezonatory rurowe, w których zamontowane są łopatki, połączone wspólnym metalowym wałem. Specjalny silnik elektryczny obraca wał połączony z łopatkami otwierającymi i zamykającymi rezonatory, co powoduje powstawanie dynamicznych wibracji (efekt okresowego wzmacniania i tłumienia dźwięków). Pod płytkami znajduje się drążek tłumiący połączony z pedałem, po naciśnięciu drążek tłumiący dociska się do płytek, delikatnie zatrzymując ich wibracje.

Dźwięk wibrafonu jest długi, wibrujący, stopniowo zanikający. Grają na wibrafonie za pomocą dwóch, trzech, a nawet czterech elastycznych pałeczek trzcinowych, na których końcach znajdują się miękkie kulki pokryte szwem lub filcowym materiałem. Aby uzyskać miękki dźwięk, bawią się pałeczkami pokrytymi fałdą. Dla wyraźniejszego uderzenia stosuje się pałeczki sztywniejsze, a gdy grają bez wibracji, wyłączając silnik, stosuje się pałeczki z główkami drewnianymi pokrytymi wełnianą nicią; dźwięk jednocześnie okazuje się krótki, zbliżający się do brzmienia metalofonu.

Linię melodyczną z wibracjami, a także poszczególne dźwięki i interwały wykonywane są za pomocą dwóch pałeczek. Wibracja wyklucza oczywiście wykonanie wirtuozowskich pasaży w szybkiej ruchu, gdyż w tym przypadku poszczególne dźwięki łączą się. Podczas wykonywania takich fragmentów krótki dźwięk bez wibracji uzyskuje się poprzez naciśnięcie pedału.

Istnieją dwa rodzaje wibrafonów – koncertowy i orkiestrowy. Ich zakresy są takie same pod względem głośności (trzy oktawy, ale różnią się wysokością; w przypadku koncertu od F dużej oktawy do F 2. oktawy, a w przypadku orkiestry od do małej oktawy do 3. oktawy) .

Wibrafon jest zapisywany w kluczach wiolinowych i basowych w prawdziwym dźwięku.

w tubafonie - instrument, który pojawił się niemal jednocześnie z wibrafonem - metalowe płytki zastąpiono metalowymi rurkami o różnych rozmiarach. Ułożone w czterech rzędach są tak dostrojone, że tworzą kompletną skalę chromatyczną. W dwóch środkowych rzędach znajdują się tylko dźwięki skali G-dur, w dwóch skrajnych cała reszta. Dla wygody wykonawcy dźwięki F i Cis są powielane we wszystkich oktawach.

Kanaliki, połączone sznurkiem lub żyłą, ułożone są na słomianych rolkach. Na tubafonie gra się pałeczkami ksylofonu; jego dźwięk jest równy, niezbyt ostry, przypominający małe dzwoneczki. W porównaniu do zwykłych dzwonków tubafon brzmi nieco miękko i stłumiony. Dźwięki tubafonu w ogóle się nie łączą ze względu na szybkie zanikanie.

Technicznie tubafon jest bardzo mobilny i pod tym względem zbliża się do ksylofonu. Technika gry na tubafonie i ksylofonie jest taka sama.

Instrument jest zapisywany w kluczu wiolinowym w brzmieniu rzeczywistym.

Tubafon jest rzadko spotykany w literaturze muzycznej, a jego możliwości są dotychczas słabo wykorzystywane. Być może przyczyną jest niewystarczająca amplituda dynamiczna instrumentu, co utrudnia niuansowanie, oraz nieco stłumiona barwa. A. Chaczaturian bardzo trafnie wykorzystał tubafon w „Tańcu dziewcząt” z baletu „Gayane”.

Marimba - drewniany instrument perkusyjny. To rodzaj ksylofonu z płytkami z drewna różanego lub amarantowego, tylko w dużych rozmiarach i z rezonatorami.

Ojczyzną marimby jest Afryka i Ameryka Południowa, gdzie do dziś jest ona szeroko rozpowszechniona wśród lokalnych mieszkańców.

Nowoczesna marimba składa się z dwóch rzędów drewnianych płyt dostosowanych do skali chromatycznej i umieszczonych na drewnianej ramie podstawy. Rama mocowana jest do czterokołowego stojaka (stół). Pod płytami znajdują się metalowe rezonatory rurowe. Drewniane talerze marimby są nieco większe niż talerze zwykłego ksylofonu (szerokość 5 cm, grubość 2,5 cm).

Na marimbie gra się dwoma, trzema lub czterema kijami zakończonymi plastikowymi kulkami o różnej gęstości. Istnieje kilka odmian marimby, które różnią się wysokością.

Technika gry jest taka sama jak na ksylofonie.

Instrumenty perkusyjne o nieokreślonej wysokości

Trójkąt - instrument perkusyjny o wysokiej tessiturze. Pochodzenie trójkąta jest nieznane. Trójkąt pojawił się najpierw w orkiestrach wojskowych, a następnie na przełomie XVII i XIX w. w operach. Później wstąpił do orkiestry symfonicznej, gdzie mocno ugruntował swoją pozycję. Obecnie trójkąt jest używany w orkiestrach o dowolnym składzie.

Trójkąt to pręt stalowy (przekrój 8-10 mm), wygięty w kształcie trójkąta równobocznego, którego końce nie są zamknięte. Trójkąty występują w wielu rozmiarach, ale najbardziej popularne są instrumenty w następujących standardach: duży, podstawa 25 cm, średni, podstawa 29 cm, mały, podstawa 15 cm Małe trójkąty brzmią wysoko, duże – nisko.

Trójkąt zawiesza się na żyłce lub samej żyłce, ale nie na linie czy pasku, gdyż ten ostatni tłumi dźwięk instrumentu.

Grają na trójkącie metalowym kijem o długości 22 cm, bez rączki, gdyż to również nieco tłumi dźwięk instrumentu. Patyki są używane inaczej. Aby wykonać pianissimo, bierze się cienki kij o średnicy 2,5 mm. W fortepianach mezzo używa się pałeczek o średnicy 4 mm, a do gry fortissimo używa się pałeczek o średnicy 6 mm.

Dźwięk trójkąta jest czysty i przejrzysty. W orkiestrze słychać to zawsze, przebijając swoim dźwiękiem nawet potężne tutti. Podczas gry na trójkącie trzyma się go w lewej ręce za żyłę; w prawej ręce trzymają metalowy kij, który uderza się w środek podstawy trójkąta. Przy szybszej przemianie uderzeń trójkąt zawiesza się za pomocą haczyka na poprzeczce pilota lub specjalnego stojaka i gra dwoma pałeczkami. Przy krótkich pociągnięciach dźwięk trójkąta jest tłumiony przez palce.

Na trójkącie dobrze sprawdzają się proste figury rytmiczne i tremolo. Tremolo wykonuje się jedną ręką w górnym rogu trójkąta. Niuans na trójkącie jest bardzo elastyczny; możliwe są na nim wszystkie odcienie i przejścia pomiędzy nimi.

Kastaniety - popularny ludowy instrument perkusyjny, rozpowszechniony w Hiszpanii i południowych Włoszech. Kastaniety wykonane są z litego drewna. Są to dwa drewniane plastry w kształcie muszli. Obydwa segmenty połączone są ze sobą sznurkiem przeprowadzonym przez otwory w górnej części kastanietów. Z tego samego sznurka wykonana jest pętla, w którą przechodzi kciuk prawej lub lewej ręki, a resztą palców uderzają w wypukłą stronę plasterka. Ten rodzaj kastanietów przeznaczony jest głównie dla tancerzy.

Istnieją również kastaniety orkiestrowe jednostronne, które składają się z małego uchwytu. Do górnej części rączki, która ma kształt muszli, przymocowane są po obu stronach dwie miseczki za pomocą sznurka.

Jednostronne kastaniety nie mają dużej mocy akustycznej. Dlatego w celu zwiększenia dźwięczności stosuje się dwustronne kastaniety. Do obu końców rękojeści przymocowane są dwie miseczki kastanietów.

Kastaniety orkiestrowe trzyma się w prawej ręce za rączkę i potrząsając nimi, powodujemy, że misy uderzają o siebie.

Najczęściej kastaniety służą do odtwarzania charakterystycznych, tzw. rytmów „hiszpańskich” (M. Glinka „Jota Aragonii”, „Noc w Madrycie”).

Na kastanietach możliwe jest wykonywanie pojedynczych uderzeń oraz tremolo.

W niuansach kastanietów - instrument nie jest zbyt elastyczny; przepisywane są głównie dynamiczne odcienie forte i mezzo-forte. Dość rzadko powierza się pojedyncze uderzenia lub proste figury rytmiczne.

Bardziej złożone figury rytmiczne na kastanietach gra się pałeczkami werbla lub młotkiem dzwonkowym. Aby to zrobić, kastaniety układa się na miękkiej podstawie i uderza kijami lub młotkami.

Plaża - klapa . To proste narzędzie powstało w czasach starożytnych. Używali go muzycy-śpiewacy zamiast klaskać w dłonie. W muzyce symfonicznej plaga jest zwykle używana do onomatopei.

Krakers plażowy składa się z dwóch długich desek o szerokości 6-8 cm i długości 50-60 cm, z uchwytami po zewnętrznej stronie desek. Na jednym końcu deski są połączone ze sobą za pomocą pętelek lub skórzanego paska, tak aby ich przeciwległe końce mogły się swobodnie rozchodzić.

Podczas gry na instrumencie wykonawca trzyma obie deski za uchwyty. Rozsuwając wolne końce desek na boki, ostrym ruchem uderza je o siebie. Okazuje się, że bawełna jest sucha i ostra, bardzo podobna do kliknięcia bata.

To przenikliwe, ostre klaskanie w orkiestrze zawsze brzmi nieoczekiwanie i niczym orkiestrowa farba robi ogromne wrażenie.

Marakasy - Instrument latynoamerykański pochodzenia indyjskiego. Marakasy zawitały do ​​muzyki europejskiej za sprawą kubańskich orkiestr tanecznych, gdzie dość często wykorzystywane są jako instrument podkreślający ostry, synkopowany rytm.

Oryginalne kubańskie marakasy produkowane są z suszonego, wydrążonego kokosa, do którego wsypywane są drobne kamyczki i ziarna oliwek. Do spodu dołączony jest uchwyt.

Nowoczesne markowe marakasy produkowane są z cienkościennych pustych kulek drewnianych, plastikowych lub metalowych obsypanych groszkiem i śrutem.

Do gry zwykle używa się dwóch marakasów; trzymaj je za uchwyty obiema rękami. Podczas potrząsania instrumentem słychać stłumiony, syczący dźwięk.

Pandeira - to rodzaj uproszczonej formy tamburynu - tamburynu bez skóry. Pandeirę wykorzystuje się w orkiestrze, gdy chce się podkreślić specyfikę metrycznej strony tańców współczesnych.

Pandeira to czworokątna drewniana rama, pośrodku której znajduje się długa szyna przechodząca w rączkę. Pomiędzy bokami ramy a szyną znajduje się od czterech do ośmiu par mosiężnych płytek zamontowanych na metalowych prętach.

Pandeirę trzyma się w prawej ręce, pochyloną pod kątem 45 stopni, tak aby wszystkie talerze leżały po jednej stronie. Aby odtworzyć dźwięk, uderz dłonią lewej ręki w podstawę kciuka. Talerze trzęsąc się i uderzając o siebie, dają efekt szybko kończącego się dzwonienia, gdyż spadając na siebie, są stłumione.

W orkiestrach jazzowych i popowych pandeira jest używana wraz z marakasami jako instrument podkreślający rytm.

Tamburyn - jeden z najstarszych instrumentów, znany od ponad dwóch tysiącleci. Tamburyn (tamburyn) był używany do towarzyszenia pieśniom, tańcom, procesjom przez ludy Dalekiego i Bliskiego Wschodu, Europy Południowej (Francja, Włochy, Hiszpania), wędrownych Cyganów, bufonów z Rusi.

Tamburyn pojawił się w orkiestrze symfonicznej w pierwszej połowie XIX wieku. Stosowano go głównie w odcinkach o charakterze tańca ludowego. Nowoczesny tamburyn orkiestrowy składa się z niskiego drewnianego wieńca o szerokości 5-6 cm, jednostronnie pokrytego skórą. Skórę naciąga się za pomocą cienkiej obręczy i śrub napinających. Tamburyny produkowane są w różnych rozmiarach: małe, wysokobrzmiące (średnica 22-25 cm); duży, nisko brzmiący (średnica 36 cm).

W ściance obręczy znajduje się kilka podłużnych owalnych wycięć, w które wkładana jest para małych płytek, osadzonych na metalowych prętach.

Podczas gry na tamburynie talerze uderzają o siebie, wydając rytmiczne dzwonienie. Tamburyn, używany głównie na Rusi, różni się od tamburynu tym, że wewnątrz jego krawędzi znajduje się poprzecznie rozciągnięty drut, na którym zawieszone są małe dzwoneczki, które dzwonią przy potrząśnięciu lub uderzeniu.

Nie ma znaczącej różnicy w dźwięku pomiędzy tamburynem a tamburynem. W orkiestrze symfonicznej częściej używa się tamburynu, a w orkiestrach instrumentów ludowych – tamburynu. Grając na tamburynie, wykonawca trzyma go za obręcz w dziewiczej dłoni, lekko przechylając tak, aby talerze opadły wzdłuż obręczy, a pędzelkiem lub kciukiem prawej ręki uderzały w skórę, wykonując wszelkiego rodzaju rytmiczne wzory i tremolo

skrzynka . Jeden z najstarszych instrumentów sakralnych używanych jeszcze przed naszą erą. Drewniane skrzynie były szczególnie szeroko stosowane wśród ludów Dalekiego Wschodu, Afryki i Ameryki Południowej.

Ten instrument muzyczny występuje pod wieloma nazwami i w dużej liczbie odmian. Najpopularniejszą i zarazem najprostszą odmianą jest pudełko chińskie.

Ma kształt cegły, czyli drewnianego klocka wykonanego z dźwięcznych odmian dobrze wysuszonego drewna. Rozmiary pudełek są różne. Górna powierzchnia pudełek jest lekko zaokrąglona. Z boku, w górnej części listwy, w odległości nie większej niż 1 cm od powierzchni, wydrążono prawie na całej długości głęboką szczelinę o szerokości 1 cm.

Bawią się na pudełku różnymi drewnianymi patykami, uderzając o powierzchnię. Wydaje dość mocny dźwięk kliknięcia.

W literaturze symfonicznej drewniana skrzynia bardzo nieśmiało zdobyła sobie miejsce, natomiast w jazzie zakorzeniła się bardzo szybko. Obecnie drewniane skrzynie są szeroko stosowane we wszystkich orkiestrach.

Zapadkowy - starożytny instrument powszechny w Afryce Północnej, Azji Południowo-Wschodniej i wśród ludów zamieszkujących wybrzeża Morza Śródziemnego. Używano go podczas ceremonii rytualnych. Używano go do odstraszania złych duchów.

Grzechotka używana jest w orkiestrze symfonicznej od końca XVIII wieku. Istnieje wiele odmian grzechotek, ale ich podstawowa konstrukcja jest następująca: drewniana przekładnia jest osadzona na drewnianym lub metalowym pręcie, który z jednej strony kończy się rączką. Koło wraz z drążkiem umieszczone jest w drewnianej obudowie, w której swobodnie obraca się za pomocą rączki. W tym przypadku koło zębate dotyka końca cienkiej drewnianej lub metalowej płytki zamocowanej we wgłębieniu w ścianie obudowy. Odskakując od zębów, płytka wydaje suchy trzask.

Siła dźwięku grzechotki zależy od wielkości zębów, elastyczności płytki, siły nacisku płytki na zęby i prędkości obrotowej koła zębatego. Aby wzmocnić dźwięk, wykonuje się podwójne grzechotki, tj. grzechotki z dwoma talerzami brzmiącymi sekwencyjnie.

Grzechotki stosowane są w muzyce symfonicznej, jazzowej, popowej, muzyce do przedstawień teatralnych.

werbel . Werbel, który wszedł do opery i orkiestry symfonicznej w XVIII wieku, ma swoje korzenie w wojskowych bębnach sygnałowych ze strunami. Jego rolą w orkiestrze było ostre akcentowanie rytmu. Stopniowo jednak werbel zyskuje trwałe miejsce w orkiestrze symfonicznej i jako instrument o szczególnej wyrazistości.

Obecnie werbel jest bardzo szeroko stosowany w orkiestrach o dowolnym składzie i w najróżniejszej muzyce.

Werbel składa się z metalowego lub drewnianego korpusu cylindrycznego, pokrytego od góry i od dołu dobrze obrobioną skórą cielęcą lub folią z tworzywa sztucznego naciągniętą na poręcze. Z góry po obu stronach nakładają się metalowe obręcze, które za pomocą śrub łączących tworzą napięcie na powierzchni skóry lub plastiku. Po stronie roboczej bębna, czyli po tej stronie, po której się na nich gra, skóra lub membrana powinna mieć umiarkowaną grubość, a po drugiej stronie, zwanej podłużnicą, skóra lub membrana powinna być cieńsza, co sprawia, że ​​są one bardziej wrażliwe na przenoszenie drgań w przypadku uderzenia w stronę roboczą. Na skórę lub plastik, na zewnątrz podłużnicy, naciągane są żyłki lub cienkie metalowe druty skręcone w spiralę. To one nadają dźwiękowi werbla specyficzny, trzeszczący ton.

Na werblu gra się dwoma drewnianymi pałkami. Głównymi trikami w grze są pojedyncze uderzenia, które składają się na różnorodne rytmiczne wzory i śmieci. Cała technika gry to tak naprawdę połączenie tych dwóch podstawowych technik, dzięki czemu na werblu uzyskuje się najbardziej złożone figury rytmiczne.

Wniosek.

W ciągu ostatnich lat podejście do grupy instrumentów perkusyjnych zmieniło się jakościowo - z najbardziej nieistotnej przekształciło się w koncertową i równą innym grupom orkiestrowym. Jeżeli w ogólnej mszy orkiestrowej używano wcześniejszych instrumentów perkusyjnych (zwłaszcza w momentach narastania i akcentowania kulminacji). obecnie często używa się ich samodzielnie i w taki sposób, aby ich barwa nie mieszała się z barwą innych instrumentów. Bębny obecnie stosunkowo rzadko powielają inne głosy orkiestrowe, a kompozytorzy wolą ich czyste barwy.

obecnie w grupie perkusyjnej na pierwszy plan wysunęło się wiele metalowych instrumentów o określonej wysokości (Vibrafono, Campane, Crotali), a także szereg metalowych instrumentów perkusyjnych o nieokreślonej wysokości, które są nowością w tradycyjnej orkiestrze (Gong, Tam- tam, krowie dzwonki). Większość współczesnych kompozytorów nadal podchodzi do dzwonów z rezerwą. Powodem tego jest prawdopodobnie to, że Bells są gorszej jakości dźwięku od zabytkowych talerzy (choć mają większy zakres), nie mówiąc już o dzwonkach i wibrafonie. Znacząco wzrosła we współczesnej orkiestrze rola drewnianych instrumentów perkusyjnych. Znany wcześniej ksylofon praktycznie zniknął ze współczesnej orkiestry, ustępując miejsca marimbafonowi, który ma znacznie szerszy zakres i przewyższa ksylofon w różnych barwach.

Na początku XX wieku ramy kolorystyczne orkiestry symfonicznej zaczęły znacznie się rozszerzać, a wprowadzenie nowych instrumentów perkusyjnych natychmiast dało kompozytorom możliwość poszerzenia zakresu barw orkiestry. Niektóre z nowych instrumentów szybko wyczerpały swoje możliwości, inne natomiast stanowczo i na długo zajęły swoje miejsce w orkiestrze, udowadniając, że potrafią nie tylko solo, ale także być znakomitymi członkami zespołów.

W XX wieku kompozytorzy po raz pierwszy naprawdę poczuli ekspresyjne możliwości barwy. Nie oznacza to wcale, że wyrazistość barwy była dla kompozytorów niedostępna.

XIX w. - przypomnijmy chociażby charakterystykę Hrabiny z Damy pikowej czy początkowe takty VI Symfonii P. Czajkowskiego - ale wyrazistość barwy zawsze łączona była z wyrazistością intonacji, zaś w XX w. kompozytorzy często posługiwali się farbą , który niesie ze sobą większą ekspresję poza bezpośrednim połączeniem z intonacją.

Tendencja do poszerzania zakresu barw instrumentów doprowadziła do tego, że kompozytorzy zaczęli trafnie wskazywać metody wydobywania dźwięku na perkusji. Rzeczywiście instrumenty perkusyjne (przynajmniej większość) potrafią zmieniać barwę w zależności od tego, jak i gdzie wydobyto z nich dźwięk. Przykładowo uderzenie w talerz pałką od kotła, filcem twardym, miękkim, gąbkowym, drewnianym czy metalowym daje zupełnie inne widmo dźwięku. Barwa talerza zmienia się także w zależności od miejsca uderzenia – wzdłuż krawędzi, w części środkowej czy wzdłuż kopuły. Kompozytor zwracający uwagę na barwę orkiestrową zawsze to podkreśla. Na przykład wibrafon nabiera zupełnie innego brzmienia i miga nowymi jasnymi kolorami, gdy pałeczki wibrafonu zostaną zastąpione twardymi. Cały charakter brzmienia tego instrumentu zmienia się po wyłączeniu silnika.

Kwestia oszczędzania barw ma ogromne znaczenie w nowej muzyce, zwłaszcza jeśli wiodąca jest logika barw. Otrzymawszy w swoje ręce ogromne bogactwo barw współczesnej orkiestry, wielu kompozytorów zbyt hojnie rozrzuca kolory. To urzeka słuchacza, ale szybko go nasyca. Natomiast zaoszczędzona i nałożona w odpowiednim czasie farba może dać mocny efekt. Przypomnijmy sobie na przykład, jakie oszałamiające wrażenie robi pierwsze wprowadzenie dzwonków klawiszowych w Czarodziejskim flecie Mozarta.

Problem oszczędzania barwy dotyczy zwłaszcza grupy instrumentów perkusyjnych, gdyż sposób wytwarzania dźwięku i przewaga barwy nad innymi składowymi nie pozwalają na ukazanie elastyczności intonacyjnej, jaką osiągnęły obecnie instrumenty smyczkowe i dęte drewniane.

Wszystko to nie jest w żadnym wypadku próbą umniejszania roli instrumentów perkusyjnych, jednak ich specyfika jest taka, że ​​wymaga ostrożności i dokładności w posługiwaniu się nimi. Rozsądne użycie perkusji może znacznie wzbogacić partyturę, nierozsądne użycie może ją zniszczyć. Nawet takie instrumenty perkusyjne jak wibrafon potrafią szybko znudzić i zmęczyć słuchacza.

Dotyczy to jeszcze bardziej bębnów o nieokreślonej wysokości. Ale grupa perkusyjna jako całość jest bystrym i potężnym środkiem wyrazu w rękach utalentowanego i doświadczonego kompozytora.

Bibliografia:

1. Denisov E.V., „Instrumenty perkusyjne we współczesnej orkiestrze”, wyd. „Kompozytor radziecki”, M., 1982.

2. Kupinsky K.M., „Szkoła gry na instrumentach perkusyjnych”, wyd. „Muzyka”, M., 1982.

3. Panayotov A.N., „Instrumenty perkusyjne we współczesnych orkiestrach”, wyd. „Kompozytor radziecki”, M., 1973.

Spośród wszystkich instrumentów muzycznych najliczniejsza jest grupa perkusyjna. I nie jest to zaskakujące, ponieważ instrumenty perkusyjne są najstarszymi na ziemi. Ich historia sięga niemal początków ludzkości. Najbardziej prymitywne z nich są albo bardzo proste w produkcji, albo w ogóle nie wymagają żadnej obróbki. Tak naprawdę za takie narzędzie może służyć każdy obiekt otaczającego świata.

Tak więc pierwszymi instrumentami perkusyjnymi na świecie były kości zwierzęce, gałęzie drzew, a później do tworzenia muzyki zaczęto używać pojawiających się wówczas przyborów kuchennych - kotłów, garnków i tak dalej.

Perkusyjne instrumenty muzyczne różnych narodów

Ze względu na wymienione powyżej okoliczności: łatwość wykonania i historię sięgającą czasów starożytnych, instrumenty perkusyjne stały się tak powszechne, że przedostały się dosłownie w każdy zakątek naszej planety. Każdy naród ma swoje własne instrumenty, których dźwięk wydobywa się za pomocą tego czy innego rodzaju uderzeń.

Oczywiście liczba instrumentów perkusyjnych w każdym narodzie zależy od charakteru jego kultury muzycznej. Na przykład w krajach Ameryki Łacińskiej, gdzie muzykę etniczną wyróżnia różnorodność rytmów, złożoność wzorów rytmicznych, instrumentów perkusyjnych jest o rząd wielkości więcej niż na przykład w Rosji, gdzie często występuje sztuka pieśni ludowych nie wymagają żadnego akompaniamentu instrumentalnego. Jednak nawet w krajach, w których w muzyce ludowej zasada melodyczna przeważa nad rytmiczną, nadal istnieją własne, unikalne instrumenty perkusyjne.

instrument perkusyjny

Niektóre bębny ostatecznie utworzyły jedną całość, która obecnie nosi nazwę zestawu perkusyjnego. Zestawy perkusyjne są zwykle używane w różnych odmianach muzyki pop: w rocku, jazzie, muzyce pop i tak dalej. Instrumenty, które nie wchodzą w skład klasycznego zestawu perkusyjnego, nazywane są perkusjami, a grający na nich muzycy nazywani są perkusistami.

Instrumenty takie z reguły mają wyraźny charakter narodowy. Najbardziej rozpowszechnione są dziś perkusyjne instrumenty muzyczne narodów Ameryki Łacińskiej i Afryki.

Historia nazw

Już sama nazwa instrumentu muzycznego „perkusja” ma korzenie łacińskie. Pochodzi od rdzenia oznaczającego „uderzać, uderzać”. Co ciekawe, słowo to jest znane nie tylko muzykom i melomanom, ale także lekarzom. Perkusja w literaturze medycznej nazywana jest metodą diagnozowania chorób poprzez opukiwanie tkanek ciała i analizę emitowanego przez nie dźwięku. Wiadomo, że odgłos uderzenia w narząd zdrowy różni się od dźwięku uderzenia w narząd chory.

Perkusja muzyczna kojarzy się także z uderzeniami, które rezonują z człowiekiem, choć nie poprzez bezpośrednie oddziaływanie, jak w medycynie.

Klasyfikacja instrumentów perkusyjnych

Ogromna różnorodność instrumentów perkusyjnych nienależących do zestawu klasycznego zestawu perkusyjnego z biegiem czasu zaczęła wymagać usystematyzowania. Instrumenty tego rodzaju dzieli się zazwyczaj na nastrojone do określonych nut i instrumenty szumowe – czyli takie, których dźwięk nie ma określonej wysokości. Do tych pierwszych zalicza się ksylofon, metalofon, kotły i inne. Wszelkiego rodzaju bębny to instrumenty perkusyjne drugiej odmiany.

Według źródła dźwięku perkusyjne instrumenty muzyczne dzielą się na:

1. Membranofony – czyli takie, w których dźwięk pochodzi z drgań membrany rozciągniętej na jakimś podłożu, np. tamburynie.
2. Idiofony - gdzie źródłem dźwięku jest cały korpus instrumentu lub jego integralne części, takie jak trójkąt, dzwonki i tym podobne.

Z kolei idiofony dzielimy na drewniane i drewniane.

Ciekawostką jest to, że fortepian należy również do instrumentów muzycznych typu perkusyjnego, gdyż w tym instrumencie dźwięk uzyskuje się poprzez uderzanie w struny młoteczkami. Perkusja smyczkowa obejmuje również tak starożytny instrument muzyczny, jak talerze.

egzotyczne instrumenty

Perkusja w muzyce współczesnej

Mimo narodowych korzeni instrumenty perkusyjne wykorzystywane są nie tylko w muzyce etnicznej. W wielu współczesnych orkiestrach jazzowych i zespołach rockowych oprócz tradycyjnego perkusisty występuje także perkusista.

Tym samym sekcja rytmiczna zespołu zostaje zauważalnie wzbogacona poprzez nasycenie partii perkusyjnych. Próbki perkusyjnych instrumentów muzycznych są również wykorzystywane w różnych obszarach muzyki elektronicznej. Zestaw perkusyjny w orkiestrze symfonicznej nazywany jest perkusją orkiestrową.

Zestawy perkusyjne

Dla tych, którzy dla ciekawości chcą spróbować swoich sił w grze na perkusji jako muzyk-amator, lub dla tych, którzy są profesjonalistami w tej dziedzinie, dostępne są w sprzedaży zarówno pojedyncze instrumenty perkusyjne, jak i gotowe zestawy.

Dla najmłodszych muzyków w sklepach muzycznych można znaleźć zestawy perkusyjne dla dzieci, a często są one sprzedawane w zwykłych sklepach z zabawkami. Czasami instrumenty te są całkowicie identyczne z prawdziwymi instrumentami perkusyjnymi, z wyjątkiem ich zmniejszonych rozmiarów.

Znani perkusiści

• Airto Moreira - Znany ze współpracy z klasykiem jazzu Milesem Davisem. Znane są także jego projekty solowe. Przyczynił się do rozpowszechnienia instrumentów perkusyjnych typu small noise w europejskim jazzie.
• Karl Perazzo jest perkusistą słynnego zespołu Santana.
• Arto Tunçboyaciyan – wokalista, kompozytor i perkusista. Znany ze swojej zdolności do uzyskania pierwszorzędnego dźwięku z dowolnego przedmiotu pod ręką.

ETNICZNE BĘBNY ŚWIATA

Aby usłyszeć dźwięk perkusji, włącz Flash Playera!

Według regionu pochodzenia	Bębny w kształcie miseczki i klepsydry		Bębny cylindryczne i stożkowe
	bębny beczkowe		Idiofony (perkusja bez membrany)

(otwórz mapę w pełnym rozmiarze)

Etniczne bębny to prawdziwa gratka dla tych, którzy chcą poczuć swobodę wyrażania siebie oraz poczuć przypływ sił i energii. Ponadto niezwykłość instrumentów etnicznych polega na ich oryginalnym, zapadającym w pamięć brzmieniu, a także dodadzą etnicznego charakteru każdemu wnętrzu i na pewno nie pozostaniesz bez uwagi. Na większości tych bębnów należy grać rękami, dlatego bębny ręczne nazywane są także perkusją, od łacińskiego słowa perka, co oznacza rękę.

Etniczne bębny są dla tych, którzy szukają nowych wrażeń i stanów. A co najważniejsze, nie musisz być zawodowym muzykiem, ponieważ gra na perkusji jest łatwa do nauczenia i nie wymaga specjalnego talentu muzycznego. Oprócz umiejętności i bezgranicznych chęci nic więcej nie jest od Ciebie wymagane!

Bębny pojawiły się u zarania historii ludzkości. Podczas wykopalisk w Mezopotamii odnaleziono jedne z najstarszych instrumentów perkusyjnych – wykonane w formie małych cylindrów, których początki sięgają szóstego tysiąclecia p.n.e. Wiek bębna znalezionego na Morawach datuje się na V tysiąclecie p.n.e. mi. W starożytnym Egipcie bębny powstały cztery tysiące lat przed naszą erą. mi. Wiadomo o istnieniu bębnów w starożytnym Sumerze (około trzech tysięcy lat p.n.e.). Od czasów starożytnych bęben był używany jako instrument sygnałowy, a także towarzyszył tańcom rytualnym, procesjom wojskowym i ceremoniom religijnym.

Symboliczne znaczenie bębna jest bliskie semantyce serca. Jak większość instrumentów muzycznych, pełni funkcję pośrednictwa między ziemią a niebem. Bęben jest blisko spokrewniony z tamburynem, który może być pierwotny w stosunku do bębna lub z niego wywodzić się. W mitologii ludów mongolskich tamburyn pojawił się w wyniku podziału bębna przez bóstwo szamańskie Danna Derkhe na dwie połowy. Częściej jednak bęben postrzegany jest jako połączenie przeciwstawnych pierwiastków: kobiecego i męskiego, księżycowego i słonecznego, ziemskiego i niebiańskiego, uosabianego przez dwa tamburyny. W wielu kulturach bęben funkcjonalnie porównywany jest do ołtarza ofiarnego i kojarzony jest z drzewem świata (bębny wykonywano z drewna gatunków świętych drzew). Dodatkowe znaczenie w ramach ogólnej symboliki wynika z kształtu bębna. W Shaivizmie stosuje się podwójny bęben, który jest uważany za środek komunikacji z bóstwem Śiwą, a także za jego atrybut. Bęben ten, w kształcie klepsydry i zwany damara, symbolizuje przeciwieństwo i wzajemne powiązanie świata niebiańskiego i ziemskiego. Dwie kule wiszące na linkach uderzają w powierzchnię bębna, gdy bęben się obraca.

W kultach szamańskich bęben używany jest jako sposób na osiągnięcie stanu ekstatycznego. W buddyzmie tybetańskim jeden z rytuałów przejścia obejmuje taniec przy akompaniamencie bębna wykonanego z czaszek. Bęben szamanów Samów – kobdy, na których rysowane są różne obrazy o świętej naturze, służy do wróżenia (pod uderzeniami młotka specjalny trójkąt umieszczony na bębnie przemieszcza się z jednego obrazu na drugi, a jego ruchy są interpretowane przez szamana jako odpowiedzi na pytania.

Wśród starożytnych Greków i Rzymian tympanon, prekursor współczesnych kotłów, był używany w kultach Kybele i Bachusa. W Afryce, wśród wielu narodów, bęben zyskał także status symbolu władzy królewskiej.

Bębny są dziś niezwykle popularne na całym świecie, produkowane są w najróżniejszych formach. Niektóre tradycyjne bębny są od dawna używane w praktyce popowej. Są to przede wszystkim wszelkiego rodzaju instrumenty latynoamerykańskie: bongosy, konga itp. Stosunkowo niedawno w instrumentach popowych, etnicznych i średniowiecznych grup muzycznych pojawiły się najważniejsze bębny orientalne i afrykańskie - odpowiednio darbuka (lub jej bas odmiana dumek) i djembe. Osobliwością tych instrumentów jest to, że mogą wytwarzać dźwięki o różnych kolorach barwy. Jest to szczególnie prawdziwe w przypadku darbuki. Mistrzowie gry potrafią wydobyć wiele różnorodnych dźwięków z orientalnego bębna – darbuki i tym samym konkurować z całym zestawem perkusyjnym. Zwykle techniki gry na tych instrumentach uczą nosiciele tradycji, a materiał opanowuje się wyłącznie ze słuchu: uczeń powtarza za nauczycielem wszelkiego rodzaju układy rytmiczne.

Główne funkcje bębnów etnicznych:

• Rytuał. Od czasów starożytnych bębny były używane w różnych tajemnicach, ponieważ długi monotonny rytm może prowadzić do stanu transu (patrz artykuł Mistycyzm dźwięku.). W niektórych tradycjach bęben był używany jako instrument pałacowy podczas specjalnych uroczystych okazji.
• Wojskowy. Bębnienie jest w stanie podnieść morale i zastraszyć wroga. Wojskowe użycie bębnów jest odnotowane w starożytnych kronikach egipskich w XVI wieku p.n.e. W Szwajcarii, a później w całej Europie, bębnów wojennych używano także do ustawiania żołnierzy i parad.
• Medyczny. W celach leczniczych używano bębnów do wypędzania złych duchów. Wiele tradycji znanych jest w Afryce, na Bliskim Wschodzie i w Europie. Przy szybkim uderzeniu bębnów pacjent musiał wykonać specjalny taniec, którego efektem było wyleczenie. Według współczesnych badań gra na perkusji pomaga złagodzić stres i uwolnić hormon radości (patrz art Rytmy lecznicze).
• Komunikacja. Mówiące bębny, a także wiele innych bębnów w Afryce, były używane do przekazywania wiadomości na duże odległości.
• Organizacyjny. W Japonii bęben taiko określał wielkość terytoriów należących do danej wioski. Wiadomo, że wśród Tuaregów i niektórych innych ludów Afryki bęben był uosobieniem władzy przywódcy.
• taniec. Rytm bębna jest tradycyjnie podstawą wielu tańców świata. Funkcja ta jest ściśle związana i wywodzi się z zastosowania rytualnego i medycznego. Wiele tańców było pierwotnie częścią tajemnic świątynnych.
• Musical. We współczesnym świecie technika gry na bębnach osiągnęła wysoki poziom, a muzyka przestała być wykorzystywana wyłącznie do celów rytualnych. Starożytne bębny mocno weszły do ​​arsenału współczesnej muzyki.

Więcej o różnych tradycjach perkusyjnych przeczytasz w artykule. Bębny Świata .

Bębny bliskowschodnie, północnoafrykańskie i tureckie

Posłuchaj solówki Ricka

Bendir (Bendir)

Bendir- bęben Afryki Północnej (Maghrebu), zwłaszcza regionu wschodnich Berberów. Jest to bęben ramowy wykonany z drewna i pokryty z jednej strony skórą zwierzęcą. Do wewnętrznej powierzchni membrany Bendir przymocowane są zwykle struny, które po uderzeniu wytwarzają dodatkowe wibracje dźwiękowe. Najlepszy dźwięk uzyskamy na bendirze z bardzo cienką membraną i dość mocnymi strunami. Orkiestry algierskie i marokańskie wykonujące zarówno nowoczesne, jak i tradycyjne formy muzyczne. W przeciwieństwie do Dafa, Bendir nie posiada pierścieni z tyłu membrany.

Mówiąc o rytmach i instrumentach Afryki Północnej, nie sposób nie wspomnieć o innej ciekawej tradycji, jaką są grupowe klaskanie. Dla turystów ta tradycja wydaje się, delikatnie mówiąc, niezwykła, a dla samych mieszkańców Maghrebu nie ma nic bardziej znajomego niż wspólne spotkanie i klaskanie w dłonie, tworząc określony rytm. Sekret prawidłowego dźwięku podczas klaskania leży w ułożeniu dłoni. Trudno to opisać, ale sami miejscowi mówią, że jak się uderzy, to trzeba czuć, jak trzyma się powietrze obiema rękami. Ważny jest także sam ruch rąk – całkowicie swobodny i zrelaksowany. Podobne tradycje można spotkać także w Hiszpanii, Indiach i na Kubie.

Posłuchaj marokańskiego solówki w stylu bangir

Tarija ( Tarija).

Mały ceramiczny bębenek kielichowy ze skórą węża i sznurkiem w środku. Znany co najmniej od XIX wieku, używany w Maroku w zespołach Malhun towarzyszyć partii wokalnej. Wokalista wybija dłonią główny rytm, kontrolując rytm i tempo orkiestry. Na koniec utworu można go wykorzystać do wzmocnienia energii i rytmicznego zakończenia.

Posłuchaj marokańskiego zespołu Malhun z tariji

T oubeleki, toymbeleki ).

Grecka odmiana darbuki o korpusie w kształcie amfory. Wykorzystywany do wykonywania melodii greckich w Tracji, greckiej Macedonii i na wyspach Morza Egejskiego. Korpus wykonany jest z gliny lub metalu. Ten typ bębna można również kupić w Savvas Percussion lub u Evgeny'ego Strelnikova. Bas toubeleki różni się od darbuki większym hukiem i miękkością dźwięku.

Posłuchaj dźwięku toubeleki (Savvas)

Tavlak ( Tavlak).

Tavlak (tavlyak) to tadżycki ceramiczny bęben w kształcie miseczki o niewielkich rozmiarach (20-400 mm). Tavlak jest głównie instrumentem zespołowym, używanym w połączeniu z doirą lub dafem. Dźwięk tavlaka w przeciwieństwie do darbuki jest bardziej przeciągły, z efektem wow bardziej charakterystycznym dla doiry czy indyjskiej perkusji. Tavlyak jest szczególnie popularny w regionie Khatol w Tadżykistanie, graniczącym z Afganistanem i Uzbekistanem, gdzie można go używać jako instrumentu solowego.

Posłuchaj rytmów tadżyckiego tavlyaka

Zerbakhali ( Zer-baghali, Zerbaghali, Zir-baghali, Zirbaghali, Zerbalima ).

Zerbakhali to afgański bęben w kształcie miseczki. Obudowa została wykonana albo z drewna, jak irański tonbak, albo z gliny. Membrana we wczesnych próbkach zawierała dodatkową nakładkę, przypominającą indyjską tablę, która nadawała brzmienie vibrato. Technika gry, na której z jednej strony jest nieco zbliżona do techniki gry w języku perskim tonbak(ton zwrotny), a z drugiej strony technika gry Indianina tablet (tabla). Od czasu do czasu zapożyczane są różne techniki darbuki. Indyjska tabla szczególnie wywarła wpływ na rzemieślników z Kabulu. Można uznać, że zerbakhali to indo-perski instrument muzyczny pochodzenia perskiego. Na rytm i technikę zerbakhali miały wpływ Persja i Indie, przed wojną stosowano wyrafinowaną technikę palcową i przepełnione rytmy, które później stały się główną cechą tureckiej perkusji. Na początku XX wieku instrument ten był używany w Heracie, później w latach 50. XX wieku stał się powszechnie stosowany w muzyce afgańskiej wraz z dutarem i rubabem indyjskim. W latach 70. na tym bębnie pojawiały się performerki, wcześniej grały wyłącznie na bębnach ramowych.

Posłuchaj występów zerbakhali z lat 70

Ksziszba ( Khishba, Kasour (nieco szerszy), Zahbour lub Zenboor).

Bębny te wykorzystywane są głównie w krajach Zatoki Perskiej w muzyce Choubi i w kierownictwie tanecznym Kawleeya (Irak, Basra). Wąski bęben rurowy z drewnianym korpusem i membraną ze skóry rybiej. Skóra jest napięta i nawilżona, co zapewnia żywy dźwięk.

Posłuchaj dźwięku ksziszby (czasami wchodzi darbuka)

Tobol

Tobol to bęben Tuaregów. Tuaregowie to jedyny naród na świecie, którego mężczyźni, nawet w domowym kręgu, mają obowiązek zakrywania twarzy bandażem (samo imię to „ludzie narzuty”). Mieszkają w Mali, Nigrze, Burkina Faso, Maroku, Algierii i Libii. Tuaregowie zachowują podział plemienny i istotne elementy systemu patriarchalnego: lud jest podzielony na grupy „bębnów”, z których każda stoi na czele przywódcy, którego władzę symbolizuje bęben. A ponad wszystkimi grupami stoi przywódca, Amenokal.

Znany francuski badacz A. Lot tak pisał o tobolu – bębnie symbolizującym przywódcę Tuaregów: „Jest to uosobienie władzy wśród Tuaregów, a czasem sam amenokal (tytuł przywódcy związku plemiennego) nazywany jest tobolem, jak wszystkie plemiona znajdujące się pod jego patronatem. Przebicie tobola jest najstraszniejszą zniewagą, jaką można wyrządzić przywódcy, a jeśli wróg zdoła go ukraść, wówczas prestiż amenokala zostanie wyrządzony nieodwracalnym szkodom.

Davul (Davul)

Davul- bęben powszechny wśród Kurdów, w Armenii, Iranie, Turcji, Bułgarii, Macedonii, Rumunii. Z jednej strony posiada membranę z koziej skóry do basu, którą ubija się specjalną twardą, z drugiej strony naciąga się skórę owczą, którą ubija się gałązką, wydobywając wysoki dźwięk gryzienia. Obecnie membrany są wykonane z tworzywa sztucznego. Czasami uderzali kijem w drewnianą skrzynkę. Na Bałkanach i w Turcji rytmy davul są dość złożone, podobnie jak zasady dotyczące rytmów nieparzystych i synkop. W naszym studiu używamy davula do występów ulicznych i tworzenia poczucia rytmu.

Posłuchaj dźwięku davula

Kosz ( Kosz)

W XV-XVI wieku w Zaporożu istniały wolne ziemie. Od dawna osiedlali się tam ryzykowni ludzie, pragnący wolności od różnych władców. W ten sposób stopniowo powstawali Kozacy Zaporoscy. Początkowo były to małe gangi zuchwałych ludzi, polujących na napady i rabunki. Ponadto czynnikiem tworzącym grupę był kocioł do gotowania, zwany „kosh”. Stąd „koschevoi ataman” – w istocie najpotężniejszy rozbójnik rozdający racje żywnościowe. Ilu ludzi mogło nakarmić się z takiego kotła, tyle szabel było w kosh-vatag.

Kozacy podróżowali konno lub łodziami. Ich życie było ascetyczne i zminimalizowane. Na wyprawę nie wolno było zabierać ze sobą dodatkowych rzeczy. Dlatego biedny majątek był wielofunkcyjny. Najciekawsze jest to, że ten sam kosh-kocioł po obfitym obiedzie łatwo i prosto zamienił się w bęben tulumbas, rodzaj kotłów.

Za pomocą lin skórę zwierzęcia, które w niej gotowano na obiad, naciągano na zjedzony w czystości kocioł. W nocy tulumby wyschły przy ogniu, a rano uzyskano bęben bojowy, za pomocą którego przekazano wojsku sygnały i nawiązano komunikację z innymi kotami. Na łodziach taki bęben zapewniał skoordynowane działania wioślarzy. Później te same tulumby zastosowano na wieżach strażniczych wzdłuż Dniepru. Z ich pomocą przekazywano sygnał przez przekaźnik o zbliżaniu się wroga, wyglądzie i zastosowaniu kotła tulumbas.

podobny bęben Kus to duży perski bęben w kształcie kotła. Jest to para bębnów wykonanych z gliny, drewna lub metalu, w kształcie półkulistego kotła, na który naciągnięto skórę. Na kusie grano pałkami skórzanymi lub drewnianymi (pałeczki skórzane nazywano daval). Zwykle kus noszono na grzbiecie konia, wielbłąda lub słonia. Wykorzystywano go podczas uroczystości świątecznych, marszów wojskowych. Często występował także jako akompaniament do karnay (karnay – fajka perska). Perscy poeci eposu wspominali kus i karnai, opisując bitwy z przeszłości. Również na wielu starożytnych perskich płótnach można zobaczyć wizerunki kusy i karnay. Naukowcy przypisują pojawienie się tych instrumentów muzycznych VI wieku. PNE.

Kozacy z Siczy Zaporoskiej do kontrolowania armii używali tulumb różnej wielkości. Małego przywiązano do siodła, dźwięk wydawał rękojeść bicza. W największą z tulumb uderzyło jednocześnie osiem osób. Do zastraszenia używano głośnych, pojedynczych dźwięków tocsyny, dudnienia tulumb i przenikliwego grzechotania tamburynów. Wśród ludzi to narzędzie nie otrzymało znaczącej dystrybucji.

(Krakeb)

lub w inny sposób kakabu (kakabu)- Narodowy instrument muzyczny Maghrebu. Krakeb to para metalowych łyżek z dwoma końcami. Podczas zabawy trzyma się w każdej dłoni parę takich „łyżek”, dzięki czemu przy zderzeniu każdej pary ze sobą powstają szybkie, pulsujące dźwięki, tworzące barwną ozdobę rytmiczną.

Krakeby są głównym składnikiem muzyki rytmicznej Gnaua. Stosowany jest głównie w Algierii i Maroku. Istnieje legenda, że ​​dźwięk krakebów przypomina brzęk metalowych łańcuchów, w których chodzili niewolnicy z Afryki Zachodniej.

Słuchaj muzyki Gnawa z krakebami

Bębny perskie, kaukaskie i środkowoazjatyckie

Daf (Daf, Dap)

Daf- jeden z najstarszych ramowe instrumenty perkusyjne o którym krąży wiele opowieści ludowych. Czas jego wystąpienia odpowiada czasowi pojawienia się poezji. Na przykład w Tourat mówi się, że to Tawil, syn Lamaka, wynalazł daf. A jeśli chodzi o wesele Salomona z Belkisem, to wspomina się, że w noc poślubną zabrzmiał daf. Imam Mohamad Qazali napisał, że Prorok Mahomet powiedział: „rozłóżcie koszary i grajcie głośno na dafie”. Te świadectwa mówią o duchowej wartości Dafa.

Ahmed bin Mohammad Altavusi pisze o relacji dafa z graczem i sposobie grania w dafa: „Krąg dafa to krąg Akvan (istnienie, świat, wszystko, co istnieje, wszechświat) i skóra, na którą naciągnięta jest jest to absolutna egzystencja, a uderzenie w nią jest wejściem boskiej inspiracji, która z serca, wewnętrzna i tajemna, zostaje przeniesiona do absolutnej istoty, a oddech gracza grającego na dafa przypomina o stopniu Boga, kiedy Jego apel do ludzi, ich dusze zostaną zniewolone przez miłość.”

W Iranie sufi używali daf podczas ceremonii rytualnych („dhikr”). W ostatnich latach irańscy muzycy z powodzeniem zaczęli wykorzystywać orientalny bęben - daf we współczesnej popowej muzyce perskiej. Obecnie daf jest bardzo popularny wśród irańskich kobiet – grają na nim i śpiewają. Czasami kobiety z irańskich prowincji Kurdystanu gromadzą się w ogromnych grupach, aby wspólnie grać na dafie, co jest analogiczne do zbiorowej modlitwy przy muzyce.

Posłuchajcie dźwięku Dafa

Dongbak ( Tonbak)

Dongbaka(tombak) to tradycyjny irański instrument perkusyjny (bęben) w kształcie kielicha. Istnieją różne wersje pochodzenia nazwy tego instrumentu. Według głównego - nazwa jest połączeniem imion głównych uderzeń Tom i bak. Natychmiast omówimy niuanse pisowni i wymowy. W języku perskim kombinację liter „nb” wymawia się jako „m”. Z tego wynika rozbieżność między nazwami „tonbak” i „tonbak”. Co ciekawe, nawet w języku perskim można znaleźć zapis będący odpowiednikiem wymowy słowa „tombak”. Jednakże za prawidłowe uważa się pisanie „tonbak” i wymawianie „tombak”. Według innej wersji tonbak pochodzi od słowa tonb, które dosłownie oznacza „brzuch”. Rzeczywiście, dongbak ma wypukły kształt podobny do brzucha. Chociaż oczywiście pierwsza wersja jest bardziej ogólnie akceptowana. Pozostałe nazwy (tombak/donbak/dombak) są odmianami oryginału. Inna nazwa – zarb – ma pochodzenie arabskie (najprawdopodobniej od słowa darab, co oznacza dźwięk uderzenia bębna). Grają palcami na tonbaku, co jest na ogół typowe dla instrumentów perkusyjnych pochodzenia orientalnego. Brzmienie instrumentu, dzięki niezbyt mocnemu napięciu skóry i specyficznemu kształtowi korpusu, jest bogate w odcienie barwowe, wypełnione niezrównaną głębią i gęstością basu.

Technika tombakowa odróżnia go od ogromnej liczby bębnów tego typu: jest bardzo wyrafinowana i charakteryzuje się różnorodnością technik wykonawczych i ich kombinacji. Grają na tombaku obiema rękami, ustawiając instrument niemal w pozycji poziomej. Osiągnięcie pożądanej barwy dźwięku zależy co najmniej od obszaru uderzenia instrumentu oraz od tego, czy uderzenie odbywa się palcami, czy pędzlem, machając czy przesuwając.

Posłuchaj dźwięku tongbaku

Doira)

(w tłumaczeniu okrąg) - tamburyn, powszechny na terytorium Uzbekistanu, Tadżykistanu, Kazachstanu. Składa się z okrągłej skorupy i jednostronnie naciągniętej membrany o średnicy 360-450 mm. Do muszli przymocowane są metalowe pierścienie, których liczba waha się od 54 do 64, w zależności od średnicy. Wcześniej muszlę wykonywano z roślin owocowych - suchych winorośli, orzechów włoskich lub buków. Obecnie wytwarzany jest głównie z akacji. Kiedyś membranę wykonywano ze skóry suma, kozy, czasami z żołądka zwierzęcia, obecnie membranę wykonuje się z grubej skóry cielęcej. Przed grą doira jest podgrzewana na słońcu przy ogniu lub lampie, aby zwiększyć napięcie membrany, co przyczynia się do czystości i dźwięczności dźwięku. Metalowe obręcze na skorupie przyczyniają się do wzrostu przewodności cieplnej po podgrzaniu. Membrana jest na tyle mocna, że ​​wytrzyma osobę wskakującą na nią i uderzenie nożem. Początkowo doira była instrumentem czysto żeńskim, kobiety gromadziły się, siadały, śpiewały i grały na doirze, a także irańskie kobiety gromadziły się i grały na dafie. Obecnie umiejętność gry na doirze osiągnęła niespotykany dotąd poziom. Na świecie znani są tacy mistrzowie doiry jak Abos Kasimov z Uzbekistanu, Khairullo Dadoboev z Tadżykistanu. Dźwięk wydobywa się poprzez uderzanie 4 palcami obu dłoni (kciuki służą do podparcia instrumentu) oraz dłońmi w membranę. Uderzenie w środek membrany daje dźwięk niski i głuchy, uderzenie w okolicę muszli daje dźwięk wyższy i dźwięczny. Do głównego dźwięku dołącza się dzwonienie metalowych wisiorków. Różnicę w zabarwieniu dźwięku uzyskuje się poprzez różne techniki gry: uderzenia palców i dłoni o różnej sile, kliknięcia małymi palcami (noukhun), przesuwanie palców po membranie, potrząsanie instrumentem itp. Możliwe jest tremolo i przednutki. Gama dynamicznych odcieni – od delikatnego fortepianu po potężne forte. Rozwijana przez wieki technika gry na doirze osiągnęła wysoki poziom wirtuozerii. Na doirze gra się (amatorzy i profesjonaliści) solo, z towarzyszeniem śpiewu i tańca, a także w zespołach. Repertuar doiry tworzą rozmaite figury rytmiczne – usuli. Doira jest używana podczas wykonywania maqomów, mughamów. W dzisiejszych czasach doira często występuje w orkiestrach ludowych, a czasem symfonicznych.

Posłuchaj dźwięku doiry

Gaval ( Gaval)

Gaval- Tamburyn azerbejdżański, ściśle związany z tradycjami, życiem i ceremoniami. Obecnie przy akompaniamencie gawala odgrywanych jest wiele gatunków muzycznych, przedstawień ludowych i zabaw. Obecnie gawal jest członkiem zespołów, m.in. ludowych orkiestr instrumentalnych i symfonicznych.

Z reguły średnica okrągłej skorupy gawala wynosi 340–400 mm, a szerokość 40–60 mm. Drewniana obręcz gawala wycinana jest z pni drzew liściastych, na zewnątrz jest gładka, a wewnątrz ma kształt stożkowy. Głównym materiałem do produkcji drewnianej obręczy są winogrona, morwa, orzechy włoskie, czerwony dąb. Na powierzchnię okrągłej muszli nałożono inkrustowany ornament wykonany z marmuru, kości i innych materiałów. Z wnętrza drewnianej obręczy za pomocą buzdyganów mocuje się od 60 do 70 brązowych lub miedzianych pierścieni w małych otworach. i często cztery mosiężne dzwony. Na buzdyganach, widocznych na zewnątrz drewnianej obręczy, skóra jest starannie przyklejona. Niedawno w Iranie gawal wytwarza się z drzewa pistacjowego. Prowadzi to do trudności dla chanandy podczas występów na gawalu.

Zazwyczaj membrana jest wykonana ze skóry jagnięcej, koziej, gazeli wolanej lub pęcherza byka. W rzeczywistości membrana musi być wykonana ze skóry rybiej. Teraz w trakcie rozwoju technologii wykorzystuje się także sztuczną skórę i plastik. Skórę rybną wytwarza się za pomocą specjalnego garbowania. Można powiedzieć, że profesjonalni wykonawcy nie używają gawala ze skóry innych zwierząt, ponieważ skóra ryb jest przezroczysta, cienka i bardzo wrażliwa na zmiany temperatury. Najprawdopodobniej wykonawca dotykając gawala lub dociskając go do klatki piersiowej, rozgrzewa instrument, w efekcie czego jakość brzmienia gawala ulega znacznej poprawie. Podczas potrząsania metalowymi i miedzianymi pierścieniami zwisającymi z wnętrza instrumentu oraz podczas uderzania powstaje podwójny dźwięk. Hałaśliwy dźwięk wydobywający się z membrany instrumentu i wewnętrznych pierścieni nabiera niepowtarzalnego brzmienia.

Najszersze możliwości ma technika gry na gawalu. Ekstrakcja dźwięku odbywa się za pomocą palców prawej i lewej ręki oraz uderzeń odtwarzanych wewnętrzną stroną dłoni. Gaval należy stosować bardzo ostrożnie, umiejętnie, z kreatywnym podejściem, zachowując pewne środki ostrożności. Podczas wykonywania gawala solista powinien starać się nie męczyć słuchacza niezręcznym i nieprzyjemnym dźwiękiem. Za pomocą gawala można uzyskać pożądane dynamiczne odcienie dźwięku.

Gaval to obowiązkowy instrument dla wykonawców tradycyjnych gatunków muzyki azerbejdżańskiej, takich jak tesnif i mugham. Mugham w Azerbejdżanie jest zwykle wykonywany przez trio sazandari: gracza smoły, kemanchisty i gavalisty. Struktura mugham dastgah jest taka, że ​​mugham dastgah zawiera kilka ryangevów, daramadów, tasnifów, diringów, melodii i pieśni ludowych. Sam khanende (piosenkarz) jest często jednocześnie gawalistą. Obecnie mistrzem będącym w pełni właścicielem instrumentu jest Mahmoud Salah.

Posłuchaj dźwięku hawala

Nagarra, okładka ( Nagarra)

Istnieje szeroka gama instrumentów zwanych nagarra: są one powszechne w Egipcie, Azerbejdżanie, Turcji, Iranie, Azji Środkowej i Indiach. W tłumaczeniu nagara oznacza „stukanie”, pochodzi od arabskiego czasownika naqr – uderzać, pukać. Nagara charakteryzująca się potężną dynamiką dźwięku pozwala wydobyć z niej różnorodne odcienie barwy, można na niej grać także na świeżym powietrzu. Nagarrę zazwyczaj gra się kijami, ale można na niej grać także palcami. Jego korpus wykonany jest z orzecha włoskiego, moreli i innych gatunków drzew, a membrana wykonana jest z owczej skóry. Wysokości 350-360 mm, średnica 300-310 mm. W zależności od wielkości nazywane są one kyos nagara, bala nagara (lub chure N.) i kichik nagara, czyli werbel duży, średni i werbel. Gosha-nagara przypomina budową dwa połączone ze sobą bębny w kształcie kotła. Również w Azerbejdżanie istnieje bęben w kształcie kotła zwany „timplipito”, który na zewnątrz przypomina dwa połączone ze sobą małe bębny. Na gosha-nagar gra się dwoma drewnianymi kijami, które są wykonane głównie z derenia. Słowo Gosha-nagara dosłownie przetłumaczone z języka azerbejdżańskiego oznacza „parę bębnów”. Słowo „gosha” oznacza – para.

Początkowo korpus gosha-naghary był wykonany z gliny, następnie zaczęto go wykonywać z drewna i metalu. Do produkcji membrany używa się skóry cielęcej, koziej, rzadko wielbłądziej. Membrana przykręcana jest do korpusu za pomocą metalowych śrub, które służą jednocześnie do regulacji instrumentu. Grają na gosha-nagar, kładąc go na podłodze lub na specjalnym stole, w niektórych tradycjach istnieje specjalny zawód: posiadacz nagarry, któremu ufają niscy chłopcy. Gosha-nagara jest obowiązkowym atrybutem wszystkich zespołów i orkiestr instrumentów ludowych, a także wesel i uroczystości.

Poeta Nizami Ganjavi opisał „nagharę” w następujący sposób:
„Coşdu qurd gönünden olan nağara, Dünyanın beynini getirdi zara” (co w tłumaczeniu z azerbejdżańskiego oznacza dosłownie „Sadza z wilczej skóry wzburzyła i wyczerpała hałasem wszystkich na świecie”). Przewodnik po tureckich nagarramach (PDF) W tradycji rosyjskiej takie bębny nazywano nakrami. Nakry były niewielkich rozmiarów i miały gliniany (ceramiczny) lub miedziany korpus w kształcie kotła. Na wierzchu tego ciała za pomocą mocnych lin naciągnięto skórzaną membranę, w którą uderzano specjalnymi, ciężkimi i grubymi drewnianymi kijami. Głębokość narzędzia była nieco większa niż jego średnica. W dawnych czasach nakry, wraz z innymi instrumentami perkusyjnymi i dętymi, były używane jako wojskowy instrument muzyczny, wywołując u wroga panikę i nieuporządkowaną ucieczkę. Główną funkcją wojskowych instrumentów perkusyjnych jest rytmiczne akompaniamenty żołnierzy. Zapinanie nakr przeprowadzono następującymi metodami: przerzucenie konia bojowego przez siodło; mocowanie do pasa biodrowego; mocowanie do tyłu osoby z przodu. Czasami pokrywy mocowano do podłoża, co prowadziło do stopniowego zwiększania rozmiarów i przekształcania się w nowoczesne kotły. Później nakrasy zaczęły pojawiać się w średniowiecznych orkiestrach. Muzyk grający na średniowiecznej nakrze, tzw. „nakrachi dworskiej”, istniał w Rosji już w XVIII wieku naszej ery.

Posłuchaj dźwięku nagarry

Kaukaski dwustronny bęben, powszechny w Armenii, Gruzji, Azerbejdżanie. Jedna z membran jest grubsza od drugiej. Korpus wykonany jest z metalu lub drewna. Dźwięk wydobywa się za pomocą rąk lub dwóch drewnianych pałek podobnych do tureckiego davula - grubego i cienkiego. Dawniej używana w kampaniach wojskowych, obecnie używana w zespole z zurami, towarzyszy tańcom, procesjom.

Posłuchaj dźwięku dhol

Kayrok)

. Są to dwie pary płaskich, polerowanych kamieni, rodzaj analogii kastanietów. Występuje głównie u mieszkańców Chorezmu (Uzbekistan, Afganistan). Zwykle towarzyszy kot- instrument wykonany z drewna morwy, moreli lub jałowca, przypominający dwie pary łyżek. Dziś koshik praktycznie wyszedł z użycia i jest używany jedynie podczas uroczystości narodowych, bardziej jako symbol. Dosłownie kairok to w języku uzbeckim kamień szlifierski. To wyjątkowa, łupkowa skała, czarny kamień. Ma dużą gęstość. Można je spotkać na brzegach rzek. Najlepiej o wydłużonym kształcie. Następnie czekają, aż któryś z sąsiadów pobawi się zabawką (wesele). Oznacza to, że shurpa będzie powoli gotowana w ogniu przez trzy dni. Kamień jest dokładnie myty, owinięty w śnieżnobiałą gazę i faktycznie zanurzony w shurpie, za zgodą właściciela. Po trzech dniach kamień uzyskuje pożądane właściwości. Kamienie w rodzinach twórców noży przekazywane są z pokolenia na pokolenie.

Posłuchajcie dźwięku kayroka w wykonaniu Abossa Kasimova

Indyjskie bębny

Nazwa indyjskiego bębna tabla jest bardzo podobna do nazwy egipskiego bębna tabla, co po arabsku oznacza „membranę”. Choć sama nazwa „tabla” jest obca, nie odnosi się ona w żaden sposób do instrumentu: znane są starożytne indyjskie płaskorzeźby przedstawiające takie pary bębnów, a nawet w Natyashastra, tekście sprzed prawie dwóch tysięcy lat, piasek rzeczny wspomniano o pewnej jakości, która jest częścią pasty pokrywającej membranę.

Istnieje legenda o narodzinach tabli. W czasach Akbara (1556-1605) było dwóch zawodowych graczy Pakhawaj. Byli zaciekłymi rywalami i nieustannie ze sobą rywalizowali. Pewnego razu w zaciętej walce na perkusji jeden z rywali – Sudhar Khan – został pokonany i nie mogąc znieść jego goryczy, rzucił pakhawaj na ziemię. Bęben rozpadł się na dwie części, które stały się tabla i dagga.

Duży bęben nazywa się bajan, mały daina.

Membrana nie jest wykonana z jednego kawałka skóry; składa się z okrągłego elementu przyklejonego do skórzanego pierścienia. Zatem w tabla membrana składa się z dwóch kawałków skóry. Element w kształcie pierścienia z kolei mocuje się do skórzanej obręczy lub sznurka otaczającego membranę, a przez ten sznurek przechodzą paski mocujące membranę (pudi) do ciała. Na membranę wewnętrzną nakłada się cienką warstwę pasty, wykonanej z mieszaniny opiłków żelaza i manganu, mąki ryżowej lub pszennej oraz lepkiej substancji. Ta czarna powłoka nazywa się syahi.

Cała ta technika mocowania i rozciągania skóry nie tylko wpływa na jakość dźwięku, czyniąc go mniej „hałaśliwym” i bardziej muzykalnym, ale także pozwala dostosować wysokość tonu. Na tabli dźwięk o określonej wysokości można uzyskać albo poprzez pionowe ruchy małych drewnianych cylindrów ze znacznymi zmianami wysokości, albo poprzez uderzanie specjalnymi młotkami w skórzaną obręcz.

Istnieje kilka gharan (szkół) tabli, najbardziej znanych jest sześć z nich: Ajrara gharana, Benares gharana, Delhi gharana, Farukhabad gharana, Lucknow gharana, Punjab gharana.

Jednym z najbardziej znanych muzyków, który rozsławił ten instrument na całym świecie, jest legendarny indyjski muzyk Zakir Hussain.

Posłuchaj dźwięku tabli

mridanga)

, mrdang, (sanskryt - mrdanga, formy Dravidian - mrdangam, mridangam) - południowoindyjski bęben w kształcie beczki z podwójną membraną. Zgodnie z indyjską klasyfikacją instrumentów należy do grupy avanaddha vadya (sanskryckie „instrumenty powlekane”). Powszechny w praktyce muzykowania tradycji karnatycznej. Północnoindyjskim odpowiednikiem mridangi jest pakhawaj.

Korpus mridangi jest pusty, wydrążony w szlachetnym drewnie (czarnym, czerwonym), w kształcie beczki, której największa część z reguły jest asymetrycznie przesunięta w stronę szerszej membrany. Długość ciała waha się w granicach 50-70 cm, średnica błon 18-20 cm.

Membrany różnią się wielkością (lewa jest większa od prawej) i są skórzanymi osłonami, które nie są mocowane bezpośrednio do korpusu instrumentu, ale jak wszystkie indyjskie bębny klasyczne, poprzez grube skórzane obręcze za pomocą systemu pasków . Rozciągnięte przez oba obręcze, paski te biegną wzdłuż ciała i łączą obie membrany.

W przeciwieństwie do takich bębnów jak pakhawaj i tabla, mridanga nie ma drewnianych prętów przechodzących przez paski i używanych do strojenia; zmiana napięcia w układzie mocowania pasa następuje poprzez uderzanie bezpośrednio w obręcz membrany. Podczas gry korpus bębna na paskach często przykryty jest haftowaną tkaniną „ubraniem”.

Układ membran wyróżnia się złożonością charakterystyczną dla bębnów południowoazjatyckich. Składają się z dwóch nałożonych na siebie kręgów skóry, czasami pokrytych specjalnymi trzcinami, aby uzyskać specjalne efekty dźwiękowe. Górne koło ma otwór umieszczony pośrodku lub lekko przesunięty na bok; przy prawej membranie jest trwale uszczelniony powłoką soru z ciemnej pasty o specjalnym składzie, której receptura jest przez muzyków utrzymywana w tajemnicy. Przed każdym występem na lewą membranę nakłada się lekką pastę zmieszaną z mąką ryżową lub pszenną, którą bezpośrednio po grze zeskrobuje się.

Termin mridanga nie oznacza tylko tego rodzaju bębna, ma on także specyficzny charakter. Obejmuje całą grupę bębnów beczkowatych, powszechnych w praktyce muzyki klasycznej i tradycyjnej w regionie. Już w starożytnych tekstach indyjskich wspomina się o takich odmianach bębnów z tej grupy, jak Java, Gopuchkha, Haritaka itp.

W naszych czasach grupa mridanga, oprócz bębna o tej nazwie, jest reprezentowana na różne sposoby; dotyczy to zarówno rzeczywistych mridangów o różnej konfiguracji i przynależności funkcjonalnej, jak i np. bębnów grupy dholak stosowanych w muzyce tradycyjnej oraz gatunkach muzyczno-tanecznych, a także innych bębnów o podobnej formie.

Sam Mridang, podobnie jak jego północnoindyjski odpowiednik Pakhawaj, zajmuje wśród nich centralne miejsce, kojarzony z rodzajami muzykowania, które najdobitniej odzwierciedlają istotę myślenia muzycznego Azji Południowej. Złożona, doskonała technicznie konstrukcja miernika wraz z systemem umożliwiającym regulację jego strojenia stwarza specjalne warunki do precyzyjnej regulacji i niuansowania jego parametrów wysokości i barwy.

Dzięki głębokiemu, bogatemu w barwę brzmieniu mridang jest również instrumentem o stosunkowo kontrolowanej wysokości. Membrany są dostrojone do czwartej (piątej), co ogólnie znacznie rozszerza zakres instrumentu. Klasyczna mridanga to bęben posiadający najszerszy wachlarz możliwości wyrazowych i technicznych, które na przestrzeni wieków ewoluowały w starannie opracowany i uzasadniony system teoretyczny.

Jedną z jego cech, charakterystyczną także dla innych bębnów regionu, była specyficzna praktyka bol lub konnakol – werbalizacja („wymowa”) formuł metrorytmicznych-tala, będąca syntezą wyrazu werbalnego (zawierającego w dużej mierze element imitacja dźwięku) i zasady fizyko-motoryczne w połączeniu z wyrazistymi walorami narzędzia.

Mridang to nie tylko najstarszy bęben subkontynentu; jest to instrument żywo ucieleśniający specyficzne regionalne idee dotyczące dźwięku i dźwięku. To właśnie bębny, wśród których prym wiedzie grupa mridangów, zachowały do ​​dziś podstawowe kody genetyczne kultury Hindustanu.

Posłuchaj dźwięku mridangi

Kanjira ( Canjira)

Kanjira to indyjski tamburyn używany w muzyce południowoindyjskiej. Kanjira to niesamowity instrument o bardzo przyjemnym brzmieniu i zadziwiająco szerokiej gamie możliwości. Charakteryzuje się mocnym basem i utrzymującym się wysokim dźwiękiem. Znany nie tak dawno, w muzyce klasycznej stosowany jest od lat 30. XX wieku. Na kanjira gra się zwykle na zespole instrumentów ludowych wraz z mridandą.

Membrana instrumentu wykonana jest ze skóry jaszczurki, dlatego instrument ma niesamowite właściwości muzyczne. Jest rozciągnięty jednostronnie na drewnianej ramie wykonanej z drewna jackfruit o średnicy 17-22 cm i głębokości 5-10 cm. Druga strona pozostaje otwarta. Na ramie znajduje się jedna para metalowych płytek. Sztuka gry może osiągnąć wysoki poziom, rozwinięta technika prawej ręki pozwala na wykorzystanie technik gry na innych bębnach ramowych.

Posłuchaj dźwięku kanjira

Gatam i Maja ( ghatam)

Gatama- gliniany garnek z południowych Indii, używany w stylu muzycznym „karnak”. Gatam to jeden z najstarszych instrumentów południowych Indii. Nazwa tego instrumentu dosłownie oznacza „dzbanek na wodę”. Nie jest to przypadkowe, gdyż swoim kształtem przypomina naczynie na płyn.

Gatam pod względem brzmienia przypomina afrykański bęben udu, jednak technika gry na nim jest znacznie bardziej złożona i wyrafinowana. Główną różnicą między gatam a udu jest to, że do mieszanki gliny na etapie produkcji dodaje się pył metalowy, co korzystnie wpływa na właściwości akustyczne instrumentu.

Gatam składa się z trzech elementów. Dolna część nazywana jest dnem. Jest to opcjonalna część instrumentu, ponieważ niektóre gatamy nie mają dna. W kierunku środka narzędzie gęstnieje. To właśnie w tę część instrumentu należy uderzyć, aby wydobyć dźwięki dzwonienia. Górna część nazywana jest szyją. Jego wymiary mogą się różnić. Szyja może być szeroka lub wąska. Ta część również odgrywa ważną rolę w grze. Dociskając szyję do ciała, wykonawca może również wydawać różne dźwięki, zmieniając brzmienie gatama. Muzyk uderza rękami o powierzchnię, trzymając ją na kolanie.

Wyjątkowość gatam polega na tym, że jest on całkowicie samowystarczalny. Oznacza to, że odtwarza dźwięki wykorzystując te same materiały, z których wykonany jest korpus. Niektóre instrumenty wymagają dodatkowych komponentów do wydobywania dźwięków. Mogą to być na przykład sznurki lub rozciągnięta skóra zwierzęca. W przypadku gatam wszystko jest znacznie prostsze. Jednak gatam może się zmienić. Możesz na przykład rozciągnąć skórę na szyi. Instrument służy jako bęben. W tym przypadku wytwarza dźwięki w wyniku wibracji naciągniętej skóry. W tym przypadku zmienia się także wysokość tonu. Gatam wytwarza niejednorodne dźwięki. Zależy jak, gdzie i czym go uderzysz. Można uderzać palcami, pierścieniami, paznokciami, dłońmi lub nadgarstkiem. Muzycy grający na gatamie mogą sprawić, że ich występ będzie bardzo skuteczny. Niektórzy grający na gatamie pod koniec występu podrzucają instrument w powietrze. Okazuje się, że gatam pęka z ostatnimi dźwiękami.

Również w Indiach istnieje odmiana tego bębna zwana maja (madga) - ma bardziej okrągły kształt i węższą szyjkę niż gatam. Oprócz pyłu metalicznego do mieszaniny maji dodaje się również proszek grafitowy. Oprócz indywidualnych właściwości akustycznych instrument zyskuje przyjemny ciemny kolor z niebieskawym odcieniem.

Posłuchaj dźwięku gatam

Tawil ( thavil)

Tawil- instrument perkusyjny znany w południowych Indiach. Jest używany w tradycyjnych zespołach wraz z instrumentem dętym trzcinowym nagswaram.

Korpus instrumentu wykonany jest z jackfruitu, ze skórzanymi membranami naciągniętymi po obu stronach. Prawa strona instrumentu jest większa od lewej, prawa membrana jest naciągnięta bardzo mocno, natomiast lewa jest luźniejsza. Strojenie instrumentu odbywa się za pomocą pasków przełożonych przez dwie obręcze wykonane z włókna konopnego, w nowoczesnych wersjach z metalowym mocowaniem.

Na bębnie gra się w pozycji siedzącej lub zawieszonej na pasku. Gra się głównie dłońmi, chociaż czasami używa się specjalnych kijów lub pierścieni noszonych na palcach.

Posłuchaj dźwięku tavili

Pakhawaj ( Pakhavaj)

Pakhawaj (Hinduski,„solidny, gęsty dźwięk”) – bęben z podwójną membraną w kształcie beczki, powszechny w praktyce muzykowania w tradycji hindustańskiej. Zgodnie z indyjską klasyfikacją instrumentów, podobnie jak wszystkie inne bębny, należy on do grupy avanaddha vadya („instrumenty powlekane”).

Typologicznie spokrewniony ze swoim południowoindyjskim odpowiednikiem mridangą. Korpus pakhawaju jest wydrążony z bloku szlachetnego drewna (czarnego, czerwonego, różowego). W porównaniu z konfiguracją ciała mridangi, ciało pakhawaj ma bardziej cylindryczny kształt i mniej wybrzuszeń pośrodku. Długość ciała 60-75 cm, średnica membrany ok. 30 cm, prawa membrana jest nieco mniejsza od lewej.

Konstrukcja membran, a także system ich łączenia pasów, jest podobny do mrdang, ale w przeciwieństwie do niego, zmiana napięcia pasów, a co za tym idzie, proces regulacji membran odbywa się poprzez pukanie okrągłe drewniane klocki ułożone pomiędzy pasami bliżej lewej membrany (jak w tabla). Na prawą membranę trwale przykleja się i umieszcza na stałe ciasto z ciemnej pasty (syahi), po lewej stronie przed nałożeniem gry, a zaraz po nim usuwa się placek z mąki pszennej lub ryżowej zmieszanej z wodą.

Podobnie jak inne klasyczne bębny tego regionu, przyczynia się to do uzyskania głębszej i bardziej zróżnicowanej barwy i brzmienia p. Generalnie wyróżnia się „solidnością”, „powagą”, głębią barw i bogactwem. Podczas gry pakhawaj jest ustawiony poziomo przed muzykiem siedzącym na podłodze.

Prawie nigdy nie brzmi jak instrument solowy, występując głównie w zespołach towarzyszących śpiewowi, tańcu, grze instrumentalisty lub wokalisty, gdzie temu instrumentowi powierzono prezentację linii tala. P. jest szczególnie silnie związany z tradycją wokalną Dhrupad, która rozkwitła za panowania cesarza Akbara (XVI w.), obecnie jednak zajmuje raczej ograniczone miejsce w hinduskiej kulturze muzycznej.

Jakość brzmienia pakhawaja, cechy jego techniki są bezpośrednio powiązane z estetycznymi i emocjonalnymi aspektami dhrupada: powolność, rygor i kolejność rozkładania tkanki dźwiękowej w oparciu o ściśle regulowane zasady.

Jednocześnie pakhawaj rozwinął zdolności wirtuozowskie i techniczne, co pozwala muzykowi wypełniać kojarzone z dhrupadem metrorytmiczne klisze (theka) różnymi figuracjami rytmicznymi. Wiele technik charakterystycznych dla Pakhawaja stało się podstawą techniki tabla, bębna, z tradycją muzykowania, z którą łączą go więzy sukcesji.

Posłuchaj solo pakhawaja

tumbaknari, tumbaknaer)

(tumbaknari, tumbaknaer posłuchaj)) to narodowy kaszmirski bęben kielichowy używany do solówek, akompaniamentu do piosenek i na weselach w Kaszmirze. Kształtem przypomina afgańskiego Zerbakhali, ale ciało jest większe, dłuższe i Hindusi mogą grać na dwóch tumbaknari jednocześnie. Słowo tumbaknari składa się z dwóch części: Tumbak i Nari, gdzie Nari oznacza gliniany garnek, ponieważ w przeciwieństwie do irańskiego tonbaku, korpus tumbaknari jest wykonany z gliny. Na tym bębnie grają zarówno mężczyźni, jak i kobiety. Inne bębny w kształcie kielicha używane w Indiach to humat(ghuma) I jamuku(jamuku) (Indie Południowe).

Posłuchaj tumbaknari solo z Gotham.

Damaru ( damaru)

Damaru- mały bębenek z podwójną membraną w Indiach i Tybecie, w kształcie klepsydry. Bęben ten jest zwykle wykonany z drewna ze skórzanymi membranami, ale może być również wykonany w całości z ludzkich czaszek i membrany ze skóry węża. Rezonator wykonany jest z miedzi. Wysokość Damru wynosi około 15 cm, waga około 250-300 gr. Na bębnie gra się obracając go jedną ręką. Dźwięk wytwarzany jest głównie przez kulki przymocowane do sznurka lub skórzanego sznurka owiniętego wokół wąskiej części damru. Kiedy osoba potrząsa bębnem, wykonując falujące ruchy nadgarstków, piłka (piłki) jest uderzana po obu stronach damaru. Ten instrument muzyczny jest używany przez wędrownych muzyków wszelkiego rodzaju ze względu na jego niewielkie rozmiary. Jest również stosowany w rytualnej praktyce buddyzmu tybetańskiego.

Damru czaszki nazywane jest „thöpa” i jest zwykle wykonane z czapek czaszek starannie przyciętych nad uchem i połączonych u góry. Wewnątrz mantry są zapisane złotem. Skórę barwi się miedzią lub innymi solami mineralnymi, a także specjalnymi mieszankami ziołowymi przez dwa tygodnie. W rezultacie nabiera koloru niebieskiego lub zielonego. Połączenie połówek damru jest wiązane dzianinowym sznurkiem, do którego przymocowany jest uchwyt. W to samo miejsce przywiązane są trzepaczki, których dzianinowa osłona symbolizuje gałki oczne. Czaszki selekcjonuje się według określonych wymagań dawnych właścicieli i metod pozyskiwania. Obecnie produkcja damru w Nepalu i eksport do innych krajów jest zabroniona, ponieważ kości pozyskiwane są głównie w sposób nieuczciwy. Rytuał „niebiańskiego pogrzebu” nie jest już tak tradycyjny jak dawniej. Po pierwsze, Chiny uważają, że nie jest to całkowicie legalne. Po drugie, znalezienie drewna opałowego lub innych materiałów do spalenia ciała stało się łatwiejsze i tańsze. Wcześniej tak kosztowną procedurą uhonorowano jedynie władców i księży wysokiej rangi. Po trzecie, większość Tybetańczyków umiera obecnie w szpitalach. Ich ciała, zaimpregnowane lekami, ptaki nie chcą jeść, co jest konieczne przed wykonaniem narzędzia.

Damaru jest powszechnie znane na całym subkontynencie indyjskim. Wśród Shaivitów kojarzony jest z formą Śiwy zwaną Nataraja, będącą symbolem tego ostatniego. Czteroręki Nataraja trzyma damaru w prawej górnej ręce, wykonując swój kosmiczny taniec tandava. Uważa się, że damaru wyraża się samym pierwszym dźwiękiem (nada). Istnieje legenda, że ​​wszystkie dźwięki sanskrytu powstały z dźwięków Śiwy grającego na damaru. Bicie tego bębna symbolizuje rytm sił podczas tworzenia świata, a jego dwie połówki reprezentują pierwiastek męski (lingam) i żeński (yoni). A połączenie tych części jest miejscem, w którym rodzi się życie.

Posłuchaj dźwięku damaru podczas buddyjskiego rytuału.

Bębny japońskie, koreańskie, azjatyckie i hawajskie

Taiko ( Taiko)

taiko to rodzina bębnów używanych w Japonii. Dosłownie taiko tłumaczy się jako duży (wybrzuszony) bęben.

Najprawdopodobniej bębny te sprowadzono z Chin lub Korei pomiędzy III a IX wiekiem, a po IX wieku wykonywali je miejscowi rzemieślnicy, dzięki czemu powstał unikalny japoński instrument.

W czasach starożytnych w każdej wiosce znajdował się bęben sygnałowy. Prostymi kombinacjami ciosów taiko sygnalizowało zbliżające się niebezpieczeństwo lub ogólną pracę. W rezultacie terytorium wsi zostało określone na taką odległość, do której mógł dotrzeć dźwięk jego bębna.

Naśladując grzmot za pomocą bębna, chłopi wzywali do deszczu w porze suchej. Tylko najbardziej szanowani i oświeceni mieszkańcy mogli grać w taiko. Wraz ze wzmocnieniem głównych nauk religijnych funkcja ta przeszła na ministrów shinto i buddyzmu, a taiko stało się instrumentami świątynnymi. W rezultacie na taiko grano tylko przy specjalnych okazjach i tylko przez perkusistów, którzy otrzymali za to błogosławieństwo kapłanów.

Obecnie perkusiści taiko grają utwory wyłącznie za zgodą nauczyciela i uczą się wszystkich utworów ze słuchu. Zapis nutowy nie jest utrzymywany, a ponadto jest zabroniony. Szkolenie odbywa się w specjalnych wspólnotach, odgrodzonych od świata zewnętrznego, będących skrzyżowaniem jednostki wojskowej i klasztoru. Taiko wymaga dużej siły do ​​gry, dlatego wszyscy perkusiści przechodzą rygorystyczny trening fizyczny.

Wiadomo, że jednym z najwcześniejszych zadań Taiko było zadanie wojskowe. Grzmot bębnów podczas ataków służył zastraszeniu wroga i zainspirowaniu jego żołnierzy do walki. Później, w XV wieku, bębny stały się narzędziem sygnalizowania i przekazywania wiadomości podczas bitwy.

Oprócz celów wojskowych i terytorialnych, taiko zawsze było wykorzystywane do celów estetycznych. Muzyka w wielkim stylu gagaku (gagaku) pojawił się w Japonii w okresie Nara (697 - 794) wraz z buddyzmem i szybko zakorzenił się na dworze cesarskim jako oficjalny. Pojedyncze taiko należy do grupy instrumentów towarzyszących przedstawieniom teatralnym Ale I kabuki.

Bębny w Japonii są zbiorczo nazywane taiko i ze względu na konstrukcję dzielą się na dwie główne grupy: byo-daiko, w którym membrana jest sztywno przymocowana za pomocą gwoździ bez możliwości strojenia, oraz shime-daiko, które można dostrajać za pomocą sznurków lub śruby. Korpus bębna jest wydrążony z jednego kawałka twardego drewna. W taiko gra się kijami zwanymi bati.

W naszym studiu znajdują się odpowiedniki taiko, z projektu Big Drum, na którym można wykonać tradycyjną muzykę japońską.

Posłuchaj japońskich bębnów

Uchiwa Daiko)

Japoński tamburyn rytualny używany podczas ceremonii buddyjskich. Dosłownie tłumaczone jako wachlarz bębna. Pomimo swoich niewielkich rozmiarów dysponuje imponującym dźwiękiem. Kształtem przypomina tamburyn Czukocki. Obecnie perkusiści często montują na stojaku kilka uchidaiko, co umożliwia wykonywanie bardziej złożonych kompozycji rytmicznych.

Posłuchaj zestawu uchiva-daiko

changu).

Canggu to koreański bęben najczęściej używany w muzyce tradycyjnej. Składa się z dwóch części, które zwykle są wykonane z drewna, porcelany lub metalu, ale uważa się, że najlepszym materiałem jest paulowium lub Adamwood, ponieważ jest lekkie i miękkie, co nadaje mu piękny dźwięk. Te dwie części są połączone rurką i pokryte z obu stron skórą (zwykle reniferową). W starożytnych rytuałach chłopskich symbolizował żywioł deszczu.

Używany w tradycyjnym gatunku samulnori. Tradycyjna muzyka perkusyjna opiera się na długiej tradycji koreańskiej muzyki chłopskiej, wykonywanej podczas wiejskich świąt, ceremonii religijnych i prac polowych. Koreańskie słowa „sa” i „mul” są tłumaczone jako „4 narzędzia”, a „nori” oznacza zabawę i wydajność. Instrumenty muzyczne w zespole samulnori nazywane są changu, puk, pingari i podbródek (dwa bębny i dwa gongi).

rzygać).

Garść- tradycyjny koreański bęben, składający się z drewnianego korpusu pokrytego obustronnie skórą. Zaczęto używać od 57 roku p.n.e. i zwykle dla koreańskiej muzyki dworskiej. Pierdnięcie jest zwykle mocowane na drewnianym stojaku, ale muzyk może również trzymać go na biodrze. Do uderzenia służy kij wykonany z ciężkiego drewna. Symbolizuje żywioł grzmotu.

Posłuchaj koreańskich bębnów

Istnieją dwa rodzaje bębnów Nga. Pierwszego, Ra-dang lub Dang Chen (bęben ręczny), używa się podczas rytualnych procesji. Bęben ma długą, pojedynczo rzeźbioną drewnianą rączkę, na końcu której znajduje się wadżra. Czasami wokół rączki zawiązuje się jedwabną chustę jako symbol czci dla boskiego instrumentu muzycznego.

Nga Chen- duży dwustronny bęben zawieszony wewnątrz drewnianej ramy. Jego średnica wynosi ponad 90 cm, a do dekoracji wykorzystuje się także wizerunek lotosu. Pałka perkusyjna ma zakrzywiony kształt, na końcu pokryta jest tkaniną dla większej miękkości przy uderzeniu. Gra na tym instrumencie wyróżnia się dużą wirtuozerią; istnieje aż 300 sposobów gry w nga chen (na membranie znajdują się rysunki i magiczne symbole, ułożone według stref przestrzennych). Bęben ten również przypomina chińskie bębny imperialne.

Nga-bom- duży dwustronny bęben, osadzony na uchwycie, w który uderza się zagiętym kijem (jednym lub dwoma); nga-shung (nga-shunku) – mały dwustronny bębenek, używany głównie podczas tańców; rolmo - talerze z dużym wybrzuszeniem pośrodku (trzymane poziomo); sil-nuen - talerze z lekkim wybrzuszeniem pośrodku (a czasem bez niego); „lub Nikołajowi Łgowskiemu.

Jeśli chodzi o plemię Tumba Yumba, wywodzi się ono od francuskiego „Mumbo Yumbo”, które wywodzi się z angielskiego Mumbo Jumbo („Mambo Jumbo”). Słowo to pojawiło się w księgach europejskich podróżników w Afryce; oznaczało bożka (ducha), którym mężczyźni straszyli kobiety. Słowo „Mumbo-Yumbo” jako nazwa afrykańskiego plemienia znajduje się w książce „Dwanaście krzeseł” I. Ilfa i E. Petrowa.

Tam słychać bębny

bajiaogu, bafangu).

Bajiogu- Chiński bęben ośmiokątny, podobny do arabskiego ricka. Do membrany używana jest skóra pytona. Obudowa posiada siedem otworów na talerze metalowe. Bęben ten został przywieziony do Chin przez Mongołów, co było wśród nich popularne jeszcze przed naszą erą. Ośmiokątny tamburyn był także narodowym instrumentem Mandżurów. Podobno w czasach starożytnych bęben ten był używany do tańców rytualnych. W czasach dynastii Qin na fladze przedstawiono podobny bęben. Obecnie tamburyn jest używany głównie do akompaniamentu tradycyjnych wokali lub tańców.

W partii wokalnej dźwięk ośmiokątnego chińskiego tamburynu

Wietnamski bęben z brązu żaba-bęben ( bębenek).

Żabi bęben to jeden z najstarszych bębnów, protoplasta metalofonów w Azji Południowo-Wschodniej. Jej brązowa kultura jest dla Wietnamczyków przedmiotem szczególnej dumy. W epoce tak zwanej cywilizacji Dong Son, lud Lak Viet w 2879 roku p.n.e. powstało na wpół legendarne królestwo Vanlang. Bębny z brązu o charakterystycznym geometrycznym wzorze, sceny z życia ludowego i wizerunki zwierząt totemowych stały się symbolem kultury Dong Son. Bębny pełniły nie tylko funkcje muzyczne, ale także rytualne.

Cechy bębna z brązu Dong Son:

• Pośrodku bębna znajduje się gwiazda składająca się z 12 promieni. Promienie te naprzemiennie układają się w kształcie trójkąta lub pawiego pióra. Według wyobrażeń starożytnych gwiazda pośrodku bębna jest symbolem wiary w Boga Słonecznego. Pióra na bębnach pokazują, że totemami ówczesnych mieszkańców były ptaki.
• Wokół gwiazdy znajdują się rośliny, zwierzęta i wzory geometryczne. Wielu badaczy interpretuje codzienne sceny przedstawiane na bębnach jako „pogrzeby” lub „festiwale wywołujące deszcz”.
• Na korpusie bębna zwykle rysowane są łodzie, bohaterowie, ptaki, zwierzęta lub figury geometryczne.
• Bęben ma 4 ramiona.

Podobne bębny są obecnie używane w Tajlandii i Laosie. Legendy ludu Ho-Mong mówią, że bęben uratował życie ich przodkom podczas wielkich powodzi. Bęben był jednym z przedmiotów, które składano przy zmarłym w grobowcu (okolice Dong Son, prowincja Thanh Hoa, Wietnam).

Posłuchaj Żabskiej Orkiestry Dramatycznej

gedombak).

GEdomback to bęben w kształcie kielicha używany w malajskiej muzyce ludowej. Korpus bębna wykonany jest z twardego drewna, głównie jackfruit (chlebowca wschodnioindyjskiego) lub angsany. Membrana wykonana jest ze skóry koziej. Zwykle grają dwie osoby na dwóch instrumentach, z których jeden nazywa się Gendang Ibu (Matka), który ma niższe brzmienie, a drugi to Gendang Anak (Dziecko), który ma ten sam rozmiar, ale jednocześnie wyższy dźwięk. Podczas wykonywania bęben leży w pozycji poziomej, lewą ręką uderza się w membranę, natomiast prawą zamyka i otwiera otwór. Z reguły gendonbak stosuje się w połączeniu z dwustronnym bębnem gendang ibu (Gendang ibu).

Posłuchaj dźwięku hedonbacka

Tajskie brzmienie bębna ( tam, tam, tam).

W Tajlandii i Kambodży nazywa się bęben bardzo podobny do hedonbacku i ogromnej darbuki Ton. Często używany jest w połączeniu z bębnem ramowym tzw Ramana (Ramana). Te dwa instrumenty często określa się tym samym słowem. thon-ramana. Ton kładzie się na kolanach i uderza prawą ręką, podczas gdy ramana jest trzymana w lewej ręce. W przeciwieństwie do hedonbucka ton jest znacznie większy - jego ciało osiąga metr lub więcej długości. Korpus wykonany jest z drewna lub fajansu. Pałacowe odcienie są bardzo piękne, z wykończeniami z masy perłowej. Za pomocą takich bębnów z reguły organizują pochód taneczny i grają polirytm na metalofonach.

Posłuchaj dźwięku tonu w procesji tanecznej

Gendang).

Gkoniec(Kendang, Kendhang, Gendang, Gandang, Gandangan) – bęben tradycyjnej indonezyjskiej orkiestry gamelanowej. Wśród ludów Jawy, Sudanu i Malajów jedna strona bębna jest większa od drugiej i wydaje niższy dźwięk. Bębny Bali i Maranao mają te same strony po obu stronach. Wykonawca z reguły siedzi na podłodze i bawi się rękami lub specjalnymi pałkami. W Malezji gendang jest używany w połączeniu z bębnem gedomback.

Bębny różnią się wielkością:

• Kendhang ageng, kendhang gede lub kendhang gendhing to bęben o największym rozmiarze i niskim tonie.
• Średniej wielkości bęben Kendhang Ciblon.
• Do akompaniamentu używa się Kendhang batangan, średniej wielkości kendhang wayang.
• Kendhang ketipung to najmniejszy bęben.

Czasami zestaw perkusyjny składa się z bębnów o różnych rozmiarach i jeden wykonawca może grać na różnych bębnach w tym samym czasie.

Posłuchaj dźwięku zestawu indonezyjskich gendangów

Hawajski bęben Ipu (Ipu)

Ipu- Hawajski instrument perkusyjny, często używany do tworzenia muzyki towarzyszącej podczas tańca hula. Ipu tradycyjnie robi się z dwóch tykw.

Istnieją dwa typy ipu:

• ipu-heke(ipu heke). Wykonany jest z dwóch połączonych ze sobą owoców dyni. Dynie są specjalnie uprawiane w celu uzyskania pożądanego kształtu. Po osiągnięciu odpowiedniego rozmiaru tykwy są zbierane, usuwane są wierzchołki i miąższ, pozostawiając twarde, puste skorupy. Największy owoc umieszczony jest w dolnej części. W małym owocu wycina się dziurę. Sklej dynie sokiem z owoców chlebowych.
• ipu-heke-ole(ipu hekeʻole). Robi się go z jednego owocu dyni, którego górna część jest odcięta. Dzięki takim instrumentom dziewczyny mogą tańczyć, wybijając rytm.

Hawajczycy zazwyczaj grają na niej w pozycji siedzącej, uderzając palcami lub dłońmi w górę yipu. Aby podkreślić pierwszy takt każdego taktu, gracz uderza w miękki materiał z węzełkiem leżący na ziemi przed wykonawcą, wytwarzając głęboki, donośny dźwięk. Kolejne uderzenia wykonuje się trzema lub czterema palcami nad ziemią, w spód instrumentu, wydając dźwięk o wysokiej częstotliwości.

Posłuchaj akompaniamentu Ipu do piosenek hawajskich

Hawajski bęben pahu (Pahu)

pau- tradycyjny bęben polinezyjski (Hawaje, Tahiti, Wyspy Cooka, Samoa, Tokelau). Jest wycinany z jednego pnia i pokryty skórą rekina lub płaszczki. Gra się dłońmi lub palcami. Pahu jest uważany za święty bęben i zwykle znajduje się go w świątyni (heiau). Służy jako dodatek do tradycyjnych pieśni i tańców hula.

Nazywa się bębny o znaczeniu religijnym Heiau Pahu(bęben modlitewny). Do bębna modlitewnego zwykle używa się skóry płaszczki, natomiast do bębna muzycznego używa się skóry rekina. Bęben do akompaniamentu muzycznego nazywa się Hula Pahu. Obydwa bębny mają starożytną historię i mają podobny kształt.

Małe bębny są zwykle rzeźbione z pnia drzewa kokosowego. Są też bębny Pahu, które przypominają ogromny stół, za którym muzyk gra na stojąco.

Posłuchaj akompaniamentu bębna Pahu do hawajskiego tańca hula

Bębny afrykańskie

Djembe (Djembe)

Djembe- zachodnioafrykański bęben w kształcie kielicha (o wysokości około 60 cm i średnicy membrany około 30 cm), wydrążony z jednego kawałka drewna z naciągniętą skórą antylopy lub kozy, często z metalowymi płytkami. kesingkesing używany do wzmacniania dźwięku. Pojawił się w Imperium Mali w XII wieku i w przenośni nazywany był Bębnem Uzdrawiającym (Bębenem Uzdrawiającym). Uważa się, że otwarty kształt korpusu pochodzi z konwencjonalnego kruszarki do ziarna. W zależności od taktu djembe wydaje trzy podstawowe dźwięki: basowy, tonalny i ostry slap – slap. Rytmy afrykańskie charakteryzują się polirytmią, gdy kilka partii bębna tworzy wspólny rytm.

Na djembe gra się dłońmi. Podstawowe uderzenia: Bass (w środek membrany), Tone (podstawowe uderzenie w krawędź membrany), Slap (uderzenie w krawędź membrany).

Dużą popularność zyskał w XX wieku dzięki grupie Le Ballet Africains, Narodowemu Zespołowi Gwinei. Popularność djembe przyczyniła się również do tego, że stosunkowo łatwo się go nosi w dłoni, ma dość mocny bas, a produkcja dźwięku jest przystępna dla początkujących. W Afryce grających na djembie nazywa się djembefola. Dzhembefola musi znać wszystkie części rytmów wykonywanych w wiosce. Każdy rytm odpowiada określonemu wydarzeniu. Djembe to zarówno instrument towarzyszący, jak i solowy, który pozwala wiele powiedzieć swoim słuchaczom i dosłownie wzruszyć ludzi!

Posłuchaj solo na djembe z dundunami i shakerem

Dunduny

Dunduny- trzy bębny basowe z Afryki Zachodniej (od najmniejszego do największego: Kenkeni, Sangban, Dudunba). Dunumba – Duży bęben. Sangban – średni bęben. Kenkeni – werbel.

Na tych bębnach naciągnięta jest skóra byka. Skórę napina się za pomocą specjalnych metalowych pierścieni i lin. Bębny te są odpowiednio dostrojone pod względem poziomu tonu. Dźwięk wytwarzany jest za pomocą pałeczki.

Dunduny są podstawą tradycyjnego zespołu (baletu) w Afryce Zachodniej. Dunduny tworzą ciekawą melodię, a inne instrumenty, w tym djembe, wybrzmiewają przepięknie. Początkowo na każdym bębnie basowym grała jedna osoba, jednym kijem uderzając w membranę, a drugim w dzwonek (kenken). W bardziej nowoczesnej wersji jedna osoba gra jednocześnie na trzech bębnach, ustawionych pionowo.

Podczas gry w zespole – bębny basowe tworzą podstawowy polirytm.

Posłuchaj afrykańskich dundunów

kpanlogo ( kpanlogo)

Kpanlogo - tradycyjny bęben kołkowy w zachodnim regionie Ghany. Korpus bębna wykonany jest z litego drewna, membrana wykonana jest ze skóry antylopy. Skórkę mocuje się i reguluje za pomocą specjalnych kołków wsuwanych w otwór w etui. Jest bardzo podobny kształtem i dźwiękiem do congi, ale jest mniejszy.

Wykonawca kpanlogo musi wykazywać się pomysłowością, prowadzić muzyczny dialog (pytanie-odpowiedź) z innymi instrumentami. Część kpanlogo zawiera elementy improwizacji, ciągłej zmiany wzoru w zależności od ruchów tancerza. Na kpanlogo gra się dłonią, podobnie jak na condze lub djembe. Podczas gry bęben jest zaciśnięty stopami i lekko odchylony od Ciebie. To bardzo ciekawy i melodyjny instrument, który pięknie brzmi zarówno w rytmie grupowym, jak i solo. Często używają zestawów kpanlogo różnych kluczy, co jest bardzo podobne do zestawów kubańskich kong, które najprawdopodobniej wywodzą się od kpanlogo.

Posłuchaj dźwięku zestawu kpanlogo

Bębny Ashanti ( Ashante)

Bębny Ashanti - tradycyjny zestaw bębnów peg z Ghany. Zestaw nosi nazwę największego bębna Fontomfrom ( Czcionka z). Często duży bęben może być wyższy od człowieka i trzeba wspiąć się po drabinie przymocowanej do bębna. Mniejsze bębny nazywane są Atumpan ( Atumpan), Apantema ( Apentema), Apetia ( Apetia) .

Perkusiści Aszanti nazywani są niebiańskimi perkusistami. Dobosze zajmują wysokie stanowisko na dworze wodza Aszanti i mają obowiązek czuwać nad idealnym porządkiem w chatach żon wodza. Na ziemiach Aszanti kobietom nie wolno dotykać bębna, a perkusiście nie wolno przenosić bębna z miejsca na miejsce. Uważa się, że może to doprowadzić go do szaleństwa. Niektórych słów nie da się wystukać w bęben, są tabu. Nie sposób na przykład wymienić słów „krew” i „czaszka”. W starożytności, jeśli perkusista popełnił poważny błąd w przekazywaniu przesłania lidera, groziło mu odcięcie rąk. Teraz nie ma takiego zwyczaju i tylko w najodleglejszych zakątkach perkusista może jeszcze stracić ucho przez zaniedbanie.

Za pomocą bębnów Aszanti mogą bębnić całą historię swojego plemienia. Odbywa się to podczas niektórych uroczystości, kiedy dobosze wymieniają nazwiska zmarłych przywódców i opisują ważne wydarzenia z życia plemienia.

Posłuchaj dźwięku bębnów Ashanti

gadający bęben ( Mówiące bębny)

mówiący bęben- specjalny rodzaj bębnów afrykańskich, pierwotnie przeznaczony do utrzymywania komunikacji między wioskami. Dźwięk bębna potrafił imitować mowę ludzką, zastosowano złożony system fraz rytmicznych. Z reguły gadający bęben jest dwugłowy, w kształcie klepsydry, skóra po obu stronach jest ściągnięta pasem wykonanym ze skóry zwierzęcej lub jelit owiniętych wokół ciała. Podczas gry gadający bęben trzyma się trzymając go pod lewą ręką i uderzając zakrzywionym kijem. Naciskając bęben (czyli liny bębna) gracz zmienia wysokość jego dźwięku, jednocześnie uwydatniając w jego brzmieniu różne nuty. Im mocniej naciśniesz bęben, tym wyższy będzie jego dźwięk. Wszystko to daje różne wersje „języka bębnów”, dzięki któremu możliwe jest przekazywanie różnych komunikatów i znaków do innych, sąsiednich wsi. Niektóre przykłady rytmów bębnów są powiązane z istotami duchowymi w każdym plemieniu. Dźwięki modlitw i błogosławieństwa gadających bębnów rozpoczynają dzień w niezliczonych wioskach w Afryce Zachodniej.

Gadający bęben to jeden z najstarszych instrumentów używanych przez griotów z Afryki Zachodniej (w Afryce Zachodniej członek kasty odpowiedzialny za utrwalanie historii plemiennych w formie muzyki, poezji, opowieści), a ich początki sięgają starożytnego imperium Ghana. Bębny te rozprzestrzeniły się do Ameryki Środkowej i Południowej przez Karaiby podczas handlu niewolnikami. Następnie zakazano używania gadających bębnów dla Afroamerykanów, ponieważ niewolnicy używali ich do komunikowania się ze sobą.

Narzędzie jest wyjątkowe na swój sposób. Na zewnątrz może się to wydawać bezpretensjonalne, ale to wrażenie jest zwodnicze. Mówiący bęben towarzyszy człowiekowi zarówno w pracy, jak i podczas odpoczynku. Niewiele jest narzędzi, które potrafią „dotrzymać kroku” danej osobie. Dlatego słusznie zajmuje szczególne miejsce w kulturze Afryki i jest częścią światowego dziedzictwa kulturowego.

W Kongo i Angoli takie bębny nazywane są lokole, w Ghanie – dondon, w Nigerii – gangan, w Togo – leklevu.

Posłuchaj rytmu gadającego bębna

Ashiko (Ashiko)

Ashiko(Ashiko) - Bęben zachodnioafrykański w kształcie ściętego stożka. Za ojczyznę Ashiko uważa się Afrykę Zachodnią, prawdopodobnie Nigerię, lud Joruba. Nazwę tę najczęściej tłumaczy się jako „wolność”. Ashiko używano do leczenia, rytuałów inicjacyjnych, rytuałów wojskowych, komunikacji z przodkami, przesyłania sygnałów na odległość itp.

Ashiko tradycyjnie wykonuje się z jednego kawałka twardego drewna, natomiast nowoczesne instrumenty wykonuje się z mocowanych listew. Błona jest wykonana ze skóry antylopy lub kozy, czasami ze skóry krowy. System lin i pierścieni kontroluje napięcie membrany. Nowoczesne typy Ashiko mogą mieć plastikowe membrany. Ashiko mają wysokość od około pół metra do metra, czasem nieco wyższą.

W przeciwieństwie do „jembe”, w którym ze względu na swój kształt można zagrać tylko dwa tony, dźwięk ashiko zależy od bliskości uderzenia do środka membrany. W tradycji muzycznej ludu Joruba Ashiko prawie nigdy nie towarzyszy djembe, ponieważ są to zupełnie inne bębny. Istnieje opinia, że ​​ashiko to bęben „męski”, a djembe to bęben „żeński”.

Bębny w kształcie Ashiko nazywane są na Kubie boku i są używane podczas karnawałów i parad ulicznych zwanych comparsa.

Posłuchaj afrykańskiego bębna Ashiko

Bata (Bata)

Bata- to trzy membranofony z drewnianą obudową w kształcie klepsydry, posiadające na końcach dwie membrany o różnej średnicy, na których grają ręce.

robić baht albo w tradycyjny afrykański sposób żłobienia z całego pnia drzewa, albo w nowoczesny sposób - poprzez sklejanie z pojedynczych desek. Z dwóch stron baht membrany wykonane z cienkiej skóry (na przykład skór kozich) są rozciągane. W tradycyjnym baht są one zapinane i rozciągane paskami skóry, w przemysłowej wersji płata zastosowano przeznaczony do tego żelazny system mocowania bonga I kong. Enu (enu, „usta”) – większa membrana, która ma odpowiednio niższy dźwięk. Gra otwarte (otwarte), stłumione (wyciszone) uderzenia i dotknięcia (dotknięcie). Czacha (czacza)- mniejsza membrana. Odgrywa uderzenia i dotknięcia. graj dalej baht siedząc z nim na kolanach przed nim. Na większej membranie gra się najczęściej prawą ręką, na mniejszej – lewą.

Na Kubie zespół używa 3 baht: Okonkolo- mały bęben, który z reguły wykonuje ściśle ustalony wzór, pełniąc funkcję wsparcia rytmicznego. W rzeczywistości jest to metronom w zespole. Na tym bębnie gra zazwyczaj najmniej doświadczony perkusista. Itotele- bęben środkowy, jego funkcją jest „odpowiadanie” na bęben duży Tak. Ija (Ija)- duży, a przez to najniższy „bęben-matka”. gra na tym olubata- czołowy, najbardziej doświadczony perkusista. m.in jest solistą zespołu. Istnieje wiele opcji ustawień baht; O podstawowa zasada - ton czacza każdy większy bęben pokrywa się z enu następny, mniejszy. Często na bahcie zawieszane są małe dzwonki.

Bata zostali przywiezieni na Kubę z Nigerii wraz z afrykańskimi niewolnikami ludu Joruba, którego jednym z obiektów kultu było Chango (Shango, Changa, Jakuta, Obakoso), władca bębnów. Na Kubie baht zaczęto powszechnie stosować w muzyce rytualnej, gdzie liczbę bębnów w zespole zmniejszono do trzech (w Nigerii jest ich zwykle 4–5).

Bata odgrywają znaczącą rolę w obrzędach religijnych santeria w którym bębnienie jest językiem komunikacji z bogami, a poczucie rytmu wiąże się ze zdolnością człowieka do prawidłowego „przechodzenia przez życie”, czyli wykonywania niezbędnych czynności we właściwym czasie. Bębny w santerii postrzegane są jako rodzina, w której każdy ma swój własny głos i przypisane mu obowiązki, a patronem każdego z typów baht jest odrębnym santeriańskim „bogiem” orishą – patronem konkolo jest Chango, itotele- Ochun i iya - Iemaya . Ponadto uważa się, że każdy bęben ma swoją „duszę” ania, który jest „inwestowany” w nowo powstały bata podczas specjalnego rytuału, „rodzi się” z „duszy” innych batów, które przeszły już inicjację. Zdarzają się przypadki, gdy ludzie byli specjalnie transportowani z Nigerii ania, podczas produkcji nowego „korpusu” bębna na Kubie.

Przed rewolucją socjalistyczną w 1959 r. gra na bębnach Bata odbywała się podczas zamkniętych rytuałów, na które zapraszano wtajemniczonych lub wtajemniczonych. Jednak po rewolucji muzykę kubańską uznano za narodowy skarb Kuby i powstały zespoły (np. Conjunto Folclorico Nacional de Cuba), które zajmowały się studiowaniem muzyki tradycyjnej (głównie religijnej). Spotkało się to oczywiście z niezadowoleniem „oddanych” perkusistów. Chociaż muzyka bata z czasem stała się własnością publiczną, nadal panuje zwyczaj oddzielania bębnów używanych podczas ceremonii religijnych ( podstawa (fundamento)) i „światowy” ( abericula (aberikula)).

Posłuchaj bębnów

Bugarabu ( bugarabu)

bugarabu(nacisk na U) - tradycyjny instrument Senegalu i Gambii, nie występuje w innych krajach Afryki. Z reguły muzyk gra na trzech lub czterech perkusjach jednocześnie. Korpus ma kształt kielicha lub czegoś w rodzaju odwróconego stożka. Czasami ciało jest zrobione z gliny.

Kilka dekad wcześniej boogarabow był instrumentem solowym. Grało się jedną ręką i kijem. Jednak ostatnie pokolenia zaczęły montować narzędzia w instalacje. Być może wpływ na nie miał wpływ instrumentu conga: jak wiadomo, podczas gry zawsze używa się kilku z nich. Dla lepszego brzmienia perkusista zakłada specjalną metalową bransoletkę, która nadaje barwę brzmieniu.

Bugarabu wygląda jak djembe, ale łodyga jest krótsza lub całkowicie nieobecna, drewno jest innego gatunku i nieco cieńsze, dzięki czemu dźwięk jest bardziej melodyjny. Podczas gry perkusista staje na nogach i fizycznie mocno uderza w membranę. Dźwięk wydobywający się z instrumentu okazuje się z jednej strony piękny: jasny i głęboki, a z drugiej praktyczny: słychać go na wiele kilometrów. Boogaraboo mają charakterystyczny, głęboki dźwięk toczenia, od którego bęben wziął swoją nazwę. Dźwiękowe uderzenie i długi, głęboki bas to cechy charakterystyczne tego bębna, który łączy w sobie duży obszar gry i obszerny rezonujący korpus. Często używany jako podkładowy bęben basowy do gry z djembe i innymi bębnami. Jednak świetnie nadaje się również do gry solo.

Dźwięk afrykańskiego bębna Bougaraboo

Sabar ( sabar)

Sabara - tradycyjny instrument Senegalu i Gambii. Tradycyjnie gra się jedną ręką i kijem. Różdżkę trzyma się w lewej ręce. Podobnie jak kpanlogo, membrana sabar jest mocowana za pomocą kołków.

Sabar służy do komunikacji pomiędzy wsiami, na odległość do 15 km. Różne rytmy i frazy pomagają przekazywać wiadomości. Istnieje kilka różnych rozmiarów tego bębna. Sabar nazywany jest także muzycznym stylem gry na sabar.

Posłuchaj afrykańskiego bębna sabarowego

Kebero ( kebero)

Kebero - dwustronny bęben stożkowy używany w tradycyjnej muzyce Etiopii, Sudanu i Erytrei. Kebero to jedyny bęben używany podczas nabożeństw chrześcijańskich w Etiopii. Mała wersja kebero jest używana podczas świąt państwowych. Koperta wykonana jest z metalu, obie strony pokryte są skórzaną membraną.

Bębenek w kształcie beczki typu Kebero wspomniany jest w tekście pieśni „Semi Hathor”, która została wykonana przy akompaniamencie instrumentów i tańcu. Zapis tekstu zachował się w świątyni bogini Hathor w Denderze (zbudowanej między 30 p.n.e. a 14 rne). Następnie bęben w kształcie beczki przeszedł do tradycji kolejnych epok. Podobny bęben w kształcie stożka - kabero używany w kulcie w Kościele koptyjskim, jest obecnie zachowany w rytuałach Kościoła etiopskiego.

Posłuchaj etiopskiego nabożeństwa z kebero

Udu ( Udu)

Udu- afrykański bęben gliniany, pochodzący z Nigerii (udu - zarówno „naczynie”, jak i „świat” w języku Igbo). Głębokie, zapadające w pamięć dźwięki wydawane przez udu były przez wielu uważane za „głosy przodków” i pierwotnie były używane podczas ceremonii religijnych i kulturowych. Uderzając w dziurę, wydaje głęboki, niski dźwięk, dzwoniący ceramiczny dźwięk na powierzchni. Może posiadać membranę na powierzchni.

Warto zaznaczyć, że po prostu nie ma tradycyjnej szkoły gry na oudzie, tak jak nie ma ogólnie przyjętej nazwy dla tego instrumentu. Właściwie nie jest to wcale zaskakujące, biorąc pod uwagę, że przez większość swojej historii Yibo żyli w podzielonych grupach. Jedyną podstawową techniką wspólną dla wszystkich muzyków nigeryjskich jest uderzanie drugą ręką w boczny otwór podczas otwierania i zamykania szyjki bębna. Jednocześnie uzyskuje się hipnotyczny bas, za który wiele osób tak bardzo kocha Oudu. Podobnie jest z nazwą instrumentu: różni się ona nie tylko w zależności od regionu, ale także tego, do jakich ceremonii używany jest bęben. Najczęściej przypisuje się mu nazwę „abang mbre”, co oznacza po prostu „garnek do gry”. Ciekawostką jest również to, że pierwotnie na oudzie grały tylko kobiety.

Pomimo pojawienia się oudów z włókna szklanego i drewna, glina pozostaje najpopularniejszym materiałem do produkcji tego instrumentu. Obecnie większość rzemieślników wykonuje bębny na kole garncarskim, jednak w Nigerii nadal powszechny jest tradycyjny sposób wytwarzania bębnów bez użycia maszyn i skomplikowanych narzędzi. Istnieje ciekawa technika gry na oudzie z włókna szklanego, polegająca na zmianie właściwości rezonatora za pomocą wody wlanej do garnka. Z wodą bęben nabiera prawdziwie mistycznego brzmienia.

Instrumenty Udu łączą w sobie unikalny dźwięk „wodnego rezonansu” i ciepłą „ziemską” wibrację, tworząc płynną fuzję głębokich i wysokich tonów otaczających. Przyjemny dla oka i dotyku, kojący i kojący dla ucha, Udu jest w stanie wprowadzić Cię w głęboką medytację, dać poczucie komfortu i spokoju.

Posłuchaj dźwięku oudu

Tykwa ( tykwa, tykwa)

Tykwa - duży bęben basowy wykonany z tykwy. W Mali pierwotnie używano go do gotowania. Gra się rękami, pięściami lub kijami. Średnica instrumentu wynosi około 40 cm, czasami zanurza się tykwa w misce z wodą i uderza pięścią, dzięki czemu uzyskuje się bardzo mocny i pompujący bas.

Posłuchaj dźwięku tykwy

Gumowy dram ( gome bęben)

Bęben Gom - bęben basowy z Ghany. Wykonane z drewnianej skrzynki (45x38 cm) i skóry antylopy. Grają na niej, siedząc na ziemi, pomagając zmieniać tonację piętami. Styl muzyki jest zbliżony do afro-kubańskiego. Bęben został przywieziony do Ghany w XVIII wieku przez kongijskich rybaków. Wygląda jak )

Król plemienny lub wróżbita używa tego bębna podczas ceremonii. Joruba bogato ozdabiają swoje bębny różnymi postaciami.

Chokwe, Angola
(Chokwe)

Chokwe to dwustronny bęben, używany do komunikacji na odległość i opowieści rytualnych.

Senufo, Wybrzeże Kości Słoniowej
(Senufo)

Senufo to dwustronny bęben, służący do komunikacji na odległość i towarzyszenia epopei.

Posłuchaj rytmów afrykańskiej Joruby

Posłuchaj afrykańskich rytmów Chokwe

Posłuchaj afrykańskich rytmów Senufo

Bęben Kuba,
Nigeria (Kuba)

Bęben królewski bogato inkrustowany muszlami

Bamileke, Kamerun
(BAMILEKE)

Należy do ludu o tym samym nazwisku w Kamerunie.

Yaka, Kamerun
(JAKA )

Drewniany bęben ze szczeliną. Bęben ten służy do akompaniamentu i gra się na nim dwoma pałeczkami.

Bębny latynoamerykańskie

Cajon ( Cajon )

Cajon pojawił się w Peru na początku XIX wieku. Według jednej wersji niewolnicy używali skrzynek z owocami do odtwarzania muzyki, ponieważ hiszpańskie władze kolonialne zakazały używania afrykańskich bębnów. Szczyt jego popularności przypadł na połowę wieku, aż do końca XIX wieku muzycy kontynuowali eksperymenty z materiałami i urządzeniami cajon, aby uzyskać lepszy dźwięk. Od tego czasu zaczął rozprzestrzeniać się w całej Ameryce Łacińskiej i w XX wieku stał się integralną częścią peruwiańskiej i kubańskiej kultury muzycznej.

W latach 70. peruwiański kompozytor i twórca cajonów Caitro Soto podarował cajon hiszpańskiemu gitarzyście Paco de Lucii, który odwiedził Peru. Paco tak bardzo spodobało się brzmienie cajona, że ​​słynny gitarzysta przed wyjazdem z kraju kupił kolejny instrument. Nieco później Paco de Lucia wprowadził cajon do muzyki flamenco, a jego brzmienie zostało silnie powiązane z tym kierunkiem muzycznym.

Na naszej stronie znajdziesz stewie o rytmach flamenco na darbukę.

Posłuchaj dźwięku cajona

Kongi ( Konga )

Konga to wąski, wysoki kubański bęben z afrykańskimi korzeniami, prawdopodobnie wywodzący się z bębnów Makuta Makuta lub bębnów Sikulu Sikulu powszechnych w Mbanza Ngungu w Kongo. Osoba grająca na kongach nazywana jest „conguero”. W Afryce konga wytwarzano z pustych kłód, na Kubie proces wytwarzania kong przypomina produkcję beczek. Właściwie początkowo kubańskie konga robiono wyłącznie z beczek. Instrumenty te były powszechne w afro-karaibskiej muzyce religijnej i rumbie. Obecnie konga są bardzo popularne w muzyce latynoskiej, zwłaszcza w takich stylach jak salsa (salsa), merengue (merengue), regaeton i wiele innych.

Większość nowoczesnych kong ma korpus z drewna lub włókna szklanego i skórzaną (plastikową) membranę. Podczas gry na stojąco kongi znajdują się zwykle w odległości około 75 cm od krawędzi ciała do głowy gracza. Na condze można grać także w pozycji siedzącej.

Chociaż pochodzą z Kuby, ich włączenie do muzyki popularnej i ludowej w innych krajach doprowadziło do zróżnicowania terminologii dotyczącej dokumentacji i wykonawców. Ben Jacobi w swoim wstępie do bębna Conga sugeruje, że po angielsku bębny nazywane są congami, a po hiszpańsku tumbadoras. Nazwy poszczególnych bębnów, od dużych do małych, jak się je nazywa na Kubie:

• Supertumba (supertumba) może osiągnąć średnicę około 14 cali (35,5 cm).
• Szafka (tumba) zwykle ma średnicę od 12 do 12,5 cala (30,5 do 31,8 cm).
• Konga (konga) zwykle o średnicy od 11,5 do 12 cali (29,2 do 30,5 cm).
• Quinto (quinto)średnica około 11 cali (około 28 cm).
• Rekinto (requinto) może mieć średnicę mniejszą niż 10 cali (24,8 cm).
• Ricardo (Ricardo)) wynosi około 9 cali (22,9 cm). Ponieważ bęben ten jest często przywiązany do ramienia, jest zwykle węższy i krótszy niż tradycyjna conga.

Termin „conga” spopularyzował się w latach pięćdziesiątych XX wieku, kiedy muzyka latynoska ogarnęła Stany Zjednoczone. Kubański syn (syn) i nowojorski jazz zmieszali i dali nowy styl, nazwany później mambo, a później salsą. W tym samym okresie popularność linii Conga pomogła w rozpowszechnieniu tego nowego terminu. Desi Arnaz odegrał także rolę w popularyzacji bębnów conga. Słowo „conga” pochodzi od rytmu la conga często grany na kubańskich karnawałach. Bębny, które grały rytm la conga miał imię tambores de conga, co jest tłumaczone na język angielski jako bębny konga.

Posłuchaj solowych kong

bonga

Bongo lub bongosy – instrument pochodzenia kubańskiego, składający się z pary połączonych ze sobą jednogłowicowych, otwartych bębnów. Bęben o większej średnicy nazywany jest „embra” (hembra – Hiszpanka, kobieta), a mniejszy – „macho” (macho – po hiszpańsku „męski”). Mniejsze bongo brzmi o około jedną trzecią wyżej niż szersze.

Podobno bongosy przybyły do ​​Ameryki Łacińskiej wraz z niewolnikami z Afryki. Historycznie rzecz biorąc, bongosy kojarzone są ze stylami muzyki kubańskiej, takimi jak salsa, changui i son, które pojawiły się na wschodniej Kubie w drugiej połowie XIX wieku. Należy jednak zauważyć, że przypominające bongo pary bębnów z ceramicznymi korpusami i kozią skórą znaleziono w Maroku, a także w Egipcie i innych krajach Bliskiego Wschodu.

Słuchaj solowych bong

(Pandeiro)

- Tamburyn z Ameryki Południowej używany w Portugalii i innych krajach.

W Brazylii pandeiro uważany jest za ludowy instrument muzyczny, duszę samby. Rytm pandeiro uzupełnia dźwięk atabaque używanego w brazylijskiej muzyce capoeira.

Tradycyjnie pandeiro to drewniana obręcz, na którą naciągnięta jest membrana skórna. Po bokach wieńca wbudowano metalowe dzwonki w kształcie misy (wg port. platinelas). Obecnie często membrana pandeiro lub całe pandeiro jest wykonane z tworzywa sztucznego. Dźwięk pandeiro można modulować poprzez rozciąganie i rozluźnianie membrany.

Grają na pandeirze w następujący sposób: wykonawca sam trzyma pandeirę w jednej ręce (często w obrzeżu pandeiry, na jednej ze szczelin pomiędzy platynowymi dzwonkami, robi się otwór na palec wskazujący, aby ułatwić trzymanie instrument), a drugą ręką bije w membranę, która tak naprawdę wytwarza dźwięk.

Tworzenie różnych rytmów na pandeirze zależy od siły uderzenia na membranę, miejsca uderzenia i tego, w którą część dłoni uderzany jest kciuk, opuszki palców, dłoń otwarta, dłoń łódkowata, krawędź dłoni czy spód dłoni. Pandeiro można również potrząsać lub przesuwać palcem po krawędzi pandeiro, wydając lekko skrzypiący dźwięk.

Dzięki naprzemiennym uderzeniom pandeiro i wydobyciu w ten sposób różnych dźwięków, rytmy pandeiro są dźwięczne, wyraźne, jakby nawet lekko przezroczyste. Pandeiro ogólnie różni się tym, że może stworzyć dźwięczny i wyraźny ton. Daje klarowność brzmieniu, dobrze akcentuje wykonanie szybkich i skomplikowanych rytmów.

„Tu-tu-pa-tum” to jeden z najprostszych rytmów granych na pandeiro. Dwa uderzenia kciukiem w krawędź pandeiro („tu-tu”), uderzenie całą dłonią w środek pandeiro („pa”) i ponowne uderzenie kciukiem w krawędź pandeiro ( „tum”). Przy ostatnim uderzeniu pandeira zostaje lekko potrząsnięta, co powoduje, że instrument przesuwa się od dołu do góry, jakby „w stronę” uderzającej dłoni.

Względna prostota tego instrumentu, na który na pierwszy rzut oka nie jest tak trudno (zwłaszcza w porównaniu z berimbau) nauczyć się grać, jest zwodnicza. Technika gry na pandeirze jest dość trudna. Aby zostać prawdziwym mistrzem pandeiry, trzeba dużo ćwiczyć, jak w zasadzie w każdym biznesie, w którym chcesz zostać profesjonalistą.

Posłuchaj solówki Pandeiro

- bardzo głęboki, głośny brazylijski dwugłowy bęben basowy. Wykonane z metalu lub cienkiego drewna, głowy pokryte są kozią skórą (obecnie często plastikową). Surdo jest aktywnie wykorzystywane w brazylijskiej muzyce karnawałowej. Surdu gra się kijem o miękkiej końcówce, trzymanym w prawej ręce, podczas gdy lewa ręka, bez kija, wycisza membranę pomiędzy nimi. Czasami dźwięk jest odtwarzany za pomocą dwóch młotków. Istnieją trzy rozmiary surdo:

1. Surdu „(ji) primeira”(„de primeira”) lub „ji marcação” („de marcação”) to największy bęben basowy o średnicy 24 cali. Odtwarza drugie i czwarte takt – akcenty w sambie. Jest to podstawa do powstania baterii.

2. Surdu „(ji) druga”(„de segunda”) lub „ji reshposhta” („de resposta”) o średnicy 22 cali. Gra na pierwszym i trzecim uderzeniu taktu. Jak sama nazwa wskazuje – „resposta”, „odpowiedź” – segunda surdu odpowiada primeira surdu.

3. Surdu „(ji) terceira”(„de terceira”) lub „ji korchi” („de corte”), „centrador” („centrador”) mają średnicę około 20 cali. Gra te same rytmy co primeira surdu, z dodatkiem różnych wariacji. Rytm całej baterii opiera się na dźwięku tego bębna.

Posłuchaj solówki surdo

Cuica (cuica)

Szybko- Brazylijski perkusyjny instrument muzyczny z grupy bębnów ciernych, najczęściej używany w sambie. Ma skrzypiącą, ostrą barwę o wysokim rejestrze.

Jest to cylindryczna metalowa (oryginalnie drewniana) obudowa o średnicy 6-10 cali. Skóra jest naciągnięta z jednej strony etui, druga strona pozostaje otwarta. Od wewnątrz do środka i prostopadle do skórzanej membrany przymocowany jest bambusowy kij. Narzędzie zawieszane jest z boku na wysokości klatki piersiowej za pomocą paska. Grając szybko, muzyk pociera pałeczkę w górę i w dół wilgotną szmatką trzymaną w jednej ręce, dociskając kciukiem drugiej ręki do skórzanej membrany od zewnątrz, w miejscu mocowania pałeczki. Ruchy pocierające generują dźwięk, natomiast ton zmienia się w zależności od stopnia nacisku na membranę.

Kuika odgrywa ważną rolę rytmiczną w muzyce samby we wszystkich kierunkach. Na uwagę zasługuje wykorzystanie instrumentu przez zespoły występujące na karnawale w Rio de Janeiro, w sekcjach rytmicznych szybkich wykonawców. W przypadku braku takich muzyków brazylijscy piosenkarze mogą naśladować dźwięk kuiki.

Posłuchaj dźwięku kiuki

Pow-wow bęben ( Pow wow bęben)

Pow-wow bęben- tradycyjny bęben Indian amerykańskich wykonany w stylu bębnów Sioux. Bęben został złożony z wielką starannością z 12 sekcji głównych gatunków drzew Nowego Meksyku, po jednej na każdy miesiąc roku; części są polerowane, następnie pokrywane surową skórą i plecionką. Instrument używany był w rytuałach uzdrawiania, komunikacji z duchami oraz jako dodatek do tańców. Rozmiar bębnów jest bardzo zróżnicowany; na wielkich bębnach gra kilku wykonawców.

Posłuchaj, jak rdzenni Amerykanie śpiewają przy bębnie Pow-Wow

Stalowy bęben ( Bęben stalowy, patelnia, bęben kotłowy)

Bęben stalowy lub bęben stalowy- wynaleziony w latach trzydziestych XX wieku po uchwaleniu prawa w Trynidadzie i Tobago zakazującego używania bębnów membranowych i pałeczek bambusowych do odtwarzania muzyki. Bęben zaczęto wykuwać z beczek stalowych (w dużych ilościach pozostawionych na plażach po zakończeniu II wojny światowej), z blach stalowych o grubości 0,8 – 1,5 mm. Strojenie instrumentu polega na uformowaniu w tej stalowej blasze obszarów w kształcie płatków i nadaniu im niezbędnego brzmienia za pomocą młotków. Instrument może wymagać ponownego dostrojenia raz lub dwa razy w roku.

Używany w muzyce afro-karaibskiej, takiej jak calypso i soca. Instrument jest także reprezentowany w siłach zbrojnych Republiki Trynidadu i Tobago – od 1995 roku istnieje „orkiestra stalowa” z oddziałami obronnymi, która jako jedyna na świecie orkiestra wojskowa używa stalowego bębna. Zwykle w zespole gra się na kilku rodzajach instrumentów: ping-pong prowadzi melodię, bum melodii stanowi podstawę harmoniczną, a dudnienie basu utrzymuje rytm.

Jest prekursorem takich instrumentów jak bębenek i glukofon.

Posłuchaj melodii Steel Drama wraz z cajonem i ukulele

Europejskie bębny

Tamorra ( Tamorę)

tamora, zwany także tamborra (etymologicznie spokrewniony ze słowem Tamburo lub bęben po włosku), to bęben ramowy z lekkimi dźwiękami, typowy dla tradycji muzyki ludowej włoskiej prowincji Kampania, ale także powszechny na Sycylii. Przypomina baskijski tamburyn, ale jest znacznie cięższy i znacznie większy. Technika gry wykorzystuje naprzemienne uderzenia kciuka i wszystkich pozostałych palców. Stosowana jest również unikalna technika rotacji pędzla. Po raz pierwszy na starożytnych rzymskich freskach pojawiają się wizerunki tamburynów podobnych do tamory, a pozycja ręki muzyka bardzo przypomina nowoczesną, tradycyjną technologię.

Najwyraźniej bębny te są ściśle związane ze starożytnymi tajemnicami. Pozostałości tych misteriów dionizyjskich przetrwały niemal do dziś w postaci tradycji muzycznych związanych z tzw. tarantyzmem. Tarantyzm, zdaniem niektórych badaczy, to jedna z form masowej histerii związana ze starożytną wiarą w mityczne stworzenie, tzw. Tarantę, którą czasami utożsamia się z pająkiem tarantulą, choć nie jest to do końca prawdą. Taranta to raczej zły duch, demon, który opętawszy ofiary, przeważnie młode kobiety, wywoływał drgawki, zmętnienie świadomości, aż do ataków histerycznych. Epidemie tarantyzmu objęły całe regiony. Zjawisko to opisywane jest w kronikach już od wczesnego średniowiecza.

Aby wyleczyć tę chorobę, zapraszano wykonawcę tamory, który przez długi czas wykonywał szybki rytm (zwykle 6/8) przy akompaniamencie śpiewu lub instrumentu melodycznego. Pacjent, nad którym wykonywano ten rytuał, przez wiele godzin musiał poruszać się rytmicznie i szybko. Ceremonia mogła trwać dzień lub dłużej, powodując całkowite wyczerpanie. W celu całkowitego wyleczenia zabieg przeprowadzano kilka razy w roku. Ostatnie przypadki tarantyzmu opisano w latach 70. ubiegłego wieku. Z tego obrzędu wywodzą się tańce ludowe tarantelli i jej starszej formy, pizzicaurelli. Konwulsyjne ruchy ofiary, z której wyszedł zły duch, z czasem uległy rytualizacji i przekształciły się w różne ruchy taneczne tych tańców zapalających.

W naszym studiu można usłyszeć brzmienie tamory w wykonaniu Antonio Gramsciego.

Posłuchaj rytmów tamory

Boyran ( bodhran)

Boyran- irlandzki perkusyjny instrument muzyczny, przypominający tamburyn o średnicy około pół metra (zwykle 18 cali). Irlandzkie słowo bodhran tłumaczone jako „grzmot”, „oszałamianie”. Trzymają boyran w pionie, bawiąc się na nim w specyficzny sposób drewnianym kijem przypominającym kość. W zestawie profesjonalnego gracza boyran znajdują się kije o różnych kształtach i rozmiarach.

Wyjątkowość boyranu polega na zastosowaniu podczas gry kija z dwoma końcówkami, który uderza w membranę najpierw jednym, a potem drugim końcem, co może znacznie skrócić odstęp pomiędzy uderzeniami. Ta różdżka ma specjalną nazwę...” kipin". Wskazówka sekundowa (zwykle lewa) służy do wyciszania membrany i zmiany wysokości dźwięku. Czasem używa się też kija jednostronnego, ale wtedy trzeba wykonać więcej ruchów pędzlem, żeby wykonać rytmy o podobnej szybkości.

Średnica Boyranu wynosi zwykle od 35 do 45 cm (14″-18″). Głębokość jego boków wynosi 9-20 cm (3,5″-8″). Skóra kozia jest naciągnięta z jednej strony na tamburyn. Druga strona jest otwarta dla dłoni wykonawcy, który może kontrolować wysokość i barwę dźwięku. Wewnątrz mogą znajdować się 1-2 poprzeczki, ale zwykle nie są one wykonywane w instrumentach profesjonalnych.

Dziś boyran jest używany nie tylko w irlandzkiej muzyce ludowej, wykroczył daleko poza granice tej małej wyspy i na boyranie grają muzykę, która pozornie nie ma nic wspólnego ze środowiskiem, w którym jesteśmy przyzwyczajeni widzieć i słyszeć, ale gdziekolwiek się nie pojawił, wraz z nim pojawia się kawałek Irlandii.

Posłuchaj solówki Boyrana

Lambegue, Irlandia Północna ( lambeg)

Oprócz boyranu, który jest zwykle silnie kojarzony z irlandzką muzyką ludową i tradycjami Partii Wyzwolenia Narodowego, w Irlandii występuje także inny bęben – lambeg – rozpowszechniony głównie w Irlandii Północnej i kojarzony z tradycje Partii Unii Liberalnej (partii Konserwatystów opowiadających się za utrzymaniem Irlandii Północnej w Wielkiej Brytanii). W porównaniu do boyranu lambeg jest znacznie mniej popularny, choć w rzeczywistości jest nie mniej ciekawy i wyjątkowy.

Nazwa bębna – „lambeg” – to nazwa rodzajowa, jak np. xerox – tak nazywamy wszystkie kopiarki, choć w rzeczywistości jest to nazwa firmy. Lambegue to obszar w pobliżu Lisbourne, kilka kilometrów na południowy zachód od Belfastu. Uważa się, że tę nazwę nadano bębenowi, ponieważ. to tam po raz pierwszy zaczęto grać na niej pałeczkami trzcinowymi.

Lambeg, obok japońskich bębnów, jest jednym z najgłośniejszych bębnów na świecie. Często głośność jego dźwięku sięga 120 decybeli, co jest porównywalne z dźwiękiem startującego małego samolotu lub dźwiękiem wiertarki pneumatycznej. Podczas procesji ulicznych dźwięk lambega słychać w okolicy w promieniu kilku kilometrów.

Co to za „potwór”? Średnica lambega wynosi około 75 cm, głębokość około 50 cm, waga 14-18 kg. Korpus jest zwykle wykonany z dębu i pokryty od góry i dołu kozią skórą. Wcześniej lambeg był wykonany z jednego kawałka drewna, ale od tego czasu Ponieważ obecnie takie drzewa już nie rosną, wykonano go z dwóch zakrzywionych dębowych płyt, mocowanych od wewnątrz niczym beczka. Z jednej strony bębna naciągana jest skóra grubsza, z drugiej cieńsza, w zależności od tego, czy właściciel bębna jest praworęczny, czy leworęczny (silniejsza ręka powinna uderzać w grubszą skórę). Ale niezależnie od grubości skóry, wysokość dźwięku przy uderzeniu w obie membrany powinna być taka sama.

Jak wspomniano wcześniej, na lambegue gra się pałeczkami trzcinowymi, ponieważ stroik nie posiada szwów łączących, dzięki czemu nie załamuje się w środku. Jest podzielony nitkami na całej długości patyka, więc stopniowo patyki wypadają na końcach i zawodzą.

Jeśli chodzi o dekoracje, lambeg jest albo bardzo prosty i surowy, albo całkowicie pomalowany symbolami wojskowymi, pamiątkowymi, religijnymi lub politycznymi.

Podczas prób czy występów lambeg mocowany jest na specjalnym stojaku, natomiast podczas procesji wykonawcy muszą dosłownie nieść go na sobie. Do bębna przymocowany jest mocny pas, który przerzuca się przez szyję. Jednocześnie często można zaobserwować obraz, w którym idzie jeden muzyk, a kilka osób krząta się wokół, pomagając mu nieść bęben, podpierając go tu i tam.

Najbardziej wiarygodna wersja pochodzenia lambega jest taka, że ​​do Irlandii przybył on ze Szkocji lub północnej Anglii w pierwszej połowie – połowie XVII wieku wraz z imigrantami, byłymi wojskowymi lub z Holandii za pośrednictwem Wilhelma Holenderskiego. W każdym razie wszyscy badacze są zgodni, że przodkiem lambega jest zwykły bęben wojskowy o znacznie mniejszych rozmiarach. I zaczął „rosnąć” po półtora wieku, gdzieś w latach 1840–1850, w wyniku zwykłej rywalizacji między wykonawcami, na przykład: „Mój bęben jest większy niż twój bęben…” Wcześniej lambegowi często towarzyszyło po dźwiękach fajki, ale gdy już prawie się podwoiła, rogi nie były już słyszalne i teraz para rogów lambeg jest raczej wyjątkiem niż regułą.

Jak wspomniano na początku artykułu, lambeg jest silnie kojarzony z Partią Liberalno-Unionistyczną, czyli Pomarańczowym Nakazem, która co roku w lipcu organizuje procesje, a w sierpniu Partia Wyzwolenia Narodowego z bojranem w rękach. Jeśli chodzi o rytmy, które wykonują, są one pod wieloma względami bardzo podobne, ponieważ w każdym razie korzenie, niezależnie od przynależności politycznej, są ludowe. Oprócz takich politycznych pochodów przez cały rok w Irlandii odbywają się festiwale, podczas których setki wykonawców rywalizuje o to, kto zagra najlepszego lambegue. Często takie zawody trwają kilka godzin z rzędu, aż wykonawcy zostaną całkowicie wyczerpani. Największy tego typu festiwal odbywa się w ostatnią sobotę lipca w Markethill w Armagh.

Posłuchaj dudnienia bębna lambeg

szwajcarski bęben)

Szwajcarzy uzyskali niepodległość w 1291 roku i stali się wzorem sprawności militarnej. Potrzeby długich marszów i życia obozowego przyczyniły się do rozwoju muzyki bębnowej w XIV wieku. Reszta Europy zwróciła uwagę na te wojskowe formy muzyczne podczas bitwy pod Marignano (niedaleko Mediolanu, Włochy) w 1515 roku.

Niemieckie księstwa przyjęły tę muzykę wojenną w XVI i XVII wieku. W XVII i XVIII wieku Francuzi korzystali ze szwajcarskich najemników, którzy używali muzyki perkusyjnej, co wywarło wpływ na resztę armii francuskiej. Za panowania królowej Anny w Wielkiej Brytanii armia angielska stała się bardzo zdezorganizowana i niezdyscyplinowana. W 1714 roku doszło do reorganizacji armii angielskiej, tJak muzyka perkusyjna została przyjęta przez wojsko brytyjskie (z wyjątkiem pułków szkockich).

Do nadawania różnych sygnałów używano rytmów bębnów. Życie wojskowe obozu wymaga sekwencji codziennych sygnałów: pora wstawania, śniadanie, wezwanie chorobowe, pakowanie, obiad, wezwania do służby, kolacja, rekolekcje wieczorne, godzina policyjna. W marszu z Sygnały wykorzystywano do tworzenia różnych formacji, w tym zatrzymywania, rozszerzania, zagęszczania, przyspieszania lub zwalniania. Ważnym zastosowaniem bębnów była parada przed bitwą i po niej. Wbrew powszechnemu przekonaniu na polu bitwy nie używano bębnów, ponieważ były one zbyt głośne i mylące.

Historia podstaw bębna, ściśle związanych z bębnem szwajcarskim, który później przekształcił się w werbel (ang. werbel), który wcześniej nazywano bębnem bocznym (ang. boczny bęben– czyli „bęben noszony na boku”) lub po prostu – bęben wojskowy (ang. wojskowy- wojskowe).

W 1588 roku ukazała się książka „Orkiestrografia” Tuano Arbeau (Thoinot Arbeau) z Dion (Francja). Arbeau opisał w nim „szwajcarski udar” i „szwajcarski udar burzowy”. Uderzenia te prezentowane były w różnych kombinacjach, nie wskazano jednak palcowania dla nich.

Do roku 1778, kiedy bębny były już dobrze zintegrowane z systemem wojskowym, baron Friedrich von Stuben z Filadelfii napisał podręcznik obsługi bębnów, za pomocą którego miały być wydawane odpowiednie rozkazy (rytmy).

Pierwszą osobą, która użyła terminu „podstawa”, był Charles Stewart Ashworth. W 1812 roku Charles Stuart Ashworth opublikował swój podręcznik A New, Useful and Complete System of Drumming, w którym użył tego terminu do sklasyfikowania grupy podstaw bębnów. Postawił siebie (i słusznie za takiego uważa się) za ojca podstawowej teorii.

W 1886 roku lider zespołu marynarki wojennej Stanów Zjednoczonych, John Philip Sousa, napisał swoją pracę dydaktyczną „Trąbka i bęben”, instrukcję gry na fajce polowej i bębnie. Będąc podręcznikiem dla perkusistów wojskowych, był także szeroko stosowany wśród ludności cywilnej, gdyż zawierał kompletny zestaw podstaw na tamte czasy.

Od 1933 roku ma swoje korzenie Krajowe Stowarzyszenie Perkusistów Rudimental („Krajowe Stowarzyszenie Perkusistów Rudimental”, w skrócie NARD). Organizacja ta powstała, aby promować podstawy i wprowadzać je do systemu edukacji. NARD zdecydował się na rozmieszczenie 26 głównych podstaw, podzielonych na dwie tabele, z których każda zawierała 13 podstaw.

Posłuchaj pojedynku szwajcarskich bębnów z filmu „Drumroll”

Kotły ( kotły)

kotły- perkusyjny instrument muzyczny o określonej wysokości. Są to układy dwóch lub więcej (do siedmiu) metalowych mis w kształcie kotła, których otwarta strona pokryta jest skórą lub tworzywem sztucznym, a dolna część może posiadać otwór.

Kotły to instrument o bardzo starożytnym pochodzeniu. W Europie kotły, zbliżone formą do współczesnych, ale o stałym systemie, stały się znane już w XV wieku, a od XVII wieku kotły wchodzą w skład orkiestr. Następnie pojawił się mechanizm śruby napinającej, który umożliwił odbudowę kotłów. W sprawach wojskowych wykorzystywano je w ciężkiej kawalerii, gdzie wykorzystywano je do przekazywania bojowych sygnałów sterujących, w szczególności do kontrolowania formacji kawalerii. Nowoczesne kotły można dostroić do określonej wysokości za pomocą specjalnego pedału.

Pod koniec 2014 roku w podziemiach Watykanu odkryto kotły wykonane przez Antonio Stradivariego. Nazwa Stradivari jest kojarzona ogółowi przede wszystkim ze skrzypcami, jednak teraz już wiemy na pewno, że istnieją także bębny Stradivari, przedstawione na zdjęciu do tej notatki.

Korpus kotłów to misa w kształcie kociołka, najczęściej wykonana z miedzi, czasem ze srebra, aluminium, a nawet włókna szklanego. Ton główny instrumentu wyznaczają wymiary korpusu, które wahają się od 30 do 84 cm (czasami nawet mniej). Wyższy dźwięk uzyskuje się przy mniejszych rozmiarach instrumentów.

Na korpusie naciągnięta jest membrana wykonana ze skóry lub tworzywa sztucznego. Membrana jest utrzymywana na miejscu za pomocą obręczy, która z kolei jest mocowana za pomocą śrub służących do regulacji wysokości instrumentu. Nowoczesne kotły wyposażone są w pedały, których naciśnięcie z łatwością odbudowuje instrument, a nawet pozwala na grę drobnych partii melodycznych. Zazwyczaj każdy z bębnów instrumentu ma zakres od kwint do oktaw.

Barwa instrumentu zależy od kształtu korpusu. Zatem półkulisty kształt tworzy bardziej dźwięczne dźwięki, a paraboliczny - bardziej głuchy. Jakość powierzchni ciała wpływa również na barwę. Pałki do gry na kotłach to pręty drewniane, trzcinowe lub metalowe z okrągłymi końcówkami, zwykle pokryte miękkim filcem. Kotliniarz może uzyskać różne barwy i efekty dźwiękowe za pomocą pałeczek z końcówkami wykonanymi z różnych materiałów: skóry, filcu czy drewna.

Gra na kotłach składa się z dwóch głównych technik wykonawczych: pojedynczych uderzeń i tremolo. Każda z najbardziej skomplikowanych konstrukcji rytmicznych składa się z pojedynczych uderzeń, przy użyciu zarówno jednego, jak i kilku kotłów. Tremolo, które może osiągnąć ogromną częstotliwość i przypomina grzmot, można również grać na jednym lub dwóch instrumentach. Na kotłach można osiągnąć ogromną gradację brzmienia – od ledwo słyszalnego pianissimo po ogłuszające fortissimo. Wśród efektów specjalnych jest stłumiony dźwięk kotłów pokrytych kawałkami miękkiego materiału.

Posłuchaj koncertu na kotłach

Aduf)

- duży kwadratowy tamburyn w Portugalii pochodzenia mauretańskiego z dwiema membranami, do których często wsypuje się fasolę lub drobne kamyczki, które grzechoczą podczas gry. Membrana jest wykonana ze skóry koziej i jest dostępna w rozmiarach od 30 do 56 cm (12 do 22 cali). Tradycyjnie na tym tamburynie kobiety grają podczas procesji religijnych i podczas regionalnych festiwali muzycznych.

W 1998 roku na Wystawie Światowej w Lizbonie muzyk José Salgueiro z wielkim sukcesem zaprezentował gigantyczne adufe.

W Hiszpanii podobny instrument nazywa się pandeiro cuadrado(kwadrat pandeiro). W przeciwieństwie do Adufe bili go nie tylko ręką, ale i kijem. Niedawno ten instrument prawie zniknął - grały na nim trzy wiejskie kobiety. Obecnie grają w nią zawodowo Hiszpan Ales Tobias i Kirill Rossolimo.

Co ciekawe, w Muzeum Kairskim znajduje się prawdziwy prostokątny dwustronny bęben ramowy z XIV wieku p.n.e., który odnaleziono w grobowcu kobiety o imieniu Hatnofer.

Posłuchaj rytmu adufe

Posłuchaj orkiestry z kwadratowymi pandeiros

Tak naprawdę reprezentuje jedną obręcz, natomiast brzmiącą częścią instrumentu są umieszczone bezpośrednio na niej metalowe talerze lub dzwonki. Istnieje również wersja tamburynu z membraną.

Tamburyn znany jest od niepamiętnych czasów. Można go spotkać na południu Francji i w Indiach, w Meksyku i Afryce Środkowej, na wyspach Polinezji i w Azji – jednym słowem różne ludy składały hołd temu wspaniałemu instrumentowi. Ale tamburyn pochodzi pierwotnie z Prowansji i Kraju Basków, gdzie, jak powiedział Gevart, był używany w połączeniu z domowej roboty fajką

Łamiemy stereotypy. Instrumenty perkusyjne zdaniem wielu amatorów są niezwykle łatwe do nauczenia i nie obfitują w bogactwo muzyczne. Powiedzmy, że ten punkt widzenia jest zasadniczo błędny. Perkusyjne instrumenty muzyczne potrafią nie tylko wyznaczać rytm, ale, jak sama nazwa wskazuje, bezpośrednio tworzyć muzykę. Więcej o stereotypach. Kiedy słyszymy słowa „instrumenty perkusyjne”, pierwszą rzeczą, która przychodzi nam na myśl, są bębny. I znowu przez. Instrumenty perkusyjne to ogromna liczba odmian urządzeń do wydobywania dźwięków poprzez uderzenia, zarówno rękami, jak i wszelkiego rodzaju. Takie są wszystkie ludowe instrumenty perkusyjne lub ten sam metalofon.

Instrumenty perkusyjne takie jakie są

Instrumenty perkusyjne, bębny, perkusja i inne sztuczki perkusyjne stanowią prawdopodobnie najbogatszy arsenał instrumentów, na których ekstrakcja dźwięku odbywa się według tej samej zasady. Zanim jednak kupisz instrumenty perkusyjne, spróbuj dowiedzieć się, czego dokładnie potrzebujesz. Głównym parametrem w tej sytuacji jest muzyka, którą będziesz odtwarzać. Ponieważ ludowe instrumenty perkusyjne bardzo wątpliwie nadają się do jazzu lub notorycznego heavy metalu, będziesz musiał starannie wybrać każdy szczegół.

Rodzaje perkusyjnych instrumentów muzycznych

Najważniejsze zanim kupisz instrumenty perkusyjne, postaraj się nauczyć jak najlepiej na nich grać, ponieważ perkusista jest umysłem, honorem, sumieniem, a także każdej grupy.

Ich maniery

Każdy kraj ma swoje własne narodowe tradycje muzyczne. Najlepiej przejawiają się one w instrumentach perkusyjnych, jako jedne z najstarszych, a co za tym idzie, najbardziej naturalnych.

Afryka jest interesująca. Logiczne jest założenie, że muzyka pojawiła się tam po raz pierwszy, dlatego afrykański instrument perkusyjny uważany jest za najstarszy na ziemi.

U podstaw afrykańskiego instrumentu perkusyjnego leży najprostsza konstrukcja, która brzmi świetnie i wymaga minimalnego wysiłku w produkcji. O wiele bardziej godna podziwu jest umiejętność wykorzystania prosty afrykański instrument perkusyjny, który przekazuje wszystkie możliwe odcienie muzyczne.

Orientalne instrumenty perkusyjne

Na Wschodzie nawet bęben to delikatna sprawa. Trudno w jednym artykule omówić całą różnorodność, jaką oferują orientalne instrumenty perkusyjne.

Oto tylko główne i najciekawsze punkty, na które chciałbym zwrócić uwagę.

Indyjski instrument perkusyjny

Indie to piękny kraj, gdzie nawet w muzyce nie wyróżnia się siedem zwyczajowych nut, ale ukochane przez Hindusów zasady męskie i żeńskie.

Nawet indyjski instrument perkusyjny w większości przypadków implikuje dwa elementy: które uosabiają dwie zasady natury ludzkiej. To z kolei pozwala przekazać w grze wszystkie możliwe odcienie uczuć i emocji.

Arabski instrument perkusyjny

Niewielu ludzi zna tyle sposobów na dobrą zabawę, które nie są sprzeczne z Koranem, co sami Arabowie.

Muzyka arabska jest dziś znana na całym świecie. Co dziwne, ale jego głównym elementem jest arabski instrument perkusyjny, który nie tylko wyznacza rytm, ale także tworzy nieopisaną atmosferę 1001 nocy.

Instrumenty perkusyjne to praca perkusyjna, ale najważniejsza jest radość z gry na perkusji.

Pobierz tutaj nową muzykę w dobrej jakości

Jeśli jesteś producentem, importerem, dystrybutorem lub agentem w dziedzinie reprodukcji dźwięku i chciałbyś się z nami skontaktować, proszę o kontakt pod adresem VC lub e-mailem Poczta : [e-mail chroniony]

Jeśli potrzebujesz dobrego, nowego wzmacniacza lampowego lub doskonałego, odtwarzacza, słuchawek, głośników lub innego sprzętu audio (wzmacniacz, amplituner itp.), to napisz do VK, pomogę Ci zdobyć dobry sprzęt audio z zyskiem i z gwarancją...

W przypadku jakichkolwiek pytań proszę o e-mail. Poczta: [e-mail chroniony] lub WK