Muzyka narodziła się już w starożytności jako jeden ze sposobów artystycznego wyrażania ludzkich uczuć. Jej rozwój zawsze był ściśle powiązany z potrzebami społeczeństwa ludzkiego. Początkowo muzyka była uboga i mało wyrazista, jednak w ciągu wielu stuleci swojego istnienia stała się jedną z najbardziej złożonych, wyrazistych sztuk, o wyjątkowej sile oddziaływania na człowieka.
Muzyka klasyczna jest bogata w różnego rodzaju dzieła, z których każdy ma swoje własne cechy charakterystyczne, treść i cel. Takie rodzaje dzieł muzycznych, jak piosenka, taniec, uwertura, symfonia i inne, nazywane są gatunkami i.
Gatunki muzyczne tworzą dwie duże grupy, wyróżniające się sposobem wykonania: wokalne i. instrumentalny.
Muzyka wokalna jest ściśle związana z tekstem poetyckim, ze słowem. Jej gatunki – piosenka, romans, chór, aria operowa – są utworami najbardziej przystępnymi i popularnymi dla wszystkich słuchaczy. Wykonywane są przez śpiewaków z towarzyszeniem instrumentów, a pieśni i chóry często odbywają się bez akompaniamentu.
Pieśń ludowa jest najstarszą formą sztuki muzycznej. Na długo zanim zaczęła się rozwijać muzyka profesjonalna, pieśni ludowe stworzyły żywe obrazy muzyczne i poetyckie, które zgodnie z prawdą i w przekonujący sposób artystyczny odzwierciedlały życie ludzi. Przejawia się to również w charakterze samych melodii, w jasnej oryginalności struktury melodycznej. Dlatego wielcy kompozytorzy cenili pieśni ludowe jako źródło rozwoju narodowej sztuki muzycznej. „My nie tworzymy, ludzie tworzą” – stwierdził M. I. Glinka, twórca rosyjskiej muzyki operowej i symfonicznej, „ale my tylko aranżujemy” (proces).
Istotną cechą każdej piosenki jest wielokrotne powtarzanie melodii z różnymi słowami. Jednocześnie główna melodia pieśni pozostaje w tej samej formie, jednak za każdym razem nieco zmieniony tekst poetycki nadaje jej nowe wyraziste odcienie.
Nawet najprostszy akompaniament – akompaniament instrumentalny – wzmaga emocjonalną ekspresję melodii pieśni, nadaje jej brzmieniu szczególną pełnię i blask, „dopełnia” te obrazy tekstu poetyckiego, których nie da się przekazać w melodii za pomocą muzyki instrumentalnej. I tak akompaniament fortepianu w znanych romansach Glinki „Nocne pianko” i „The Blues Fell Asleep” odwzorowuje ruch falujących fal, a w jego piosence „Lark” – śpiew ptaków. W akompaniamencie ballady Franza Schuberta „Król lasu” słychać szalony galop konia.
W twórczości kompozytorów XIX wieku. wraz z piosenką ulubionym gatunkiem wokalnym stał się romans. Jest to niewielki utwór na głos z towarzyszeniem instrumentów.
Zwykle romanse są znacznie bardziej skomplikowane niż piosenki. Melodie romansów to nie tylko bogaty magazyn pieśni, ale także melodyjna deklamacja („Nie jestem zły” Roberta Schumanna). W romansach można także spotkać kontrastowe zestawienie obrazów muzycznych („Nocny zefir” M. I. Glinki i A. S. Dargomyżskiego, „Śpiąca księżniczka” A. P. Borodina) i intensywny rozwój dramatyczny („Pamiętam cudowną chwilę” Glinki na wiersze Puszkina).
Niektóre gatunki muzyki wokalnej przeznaczone są dla grupy wykonawców: duet (dwóch śpiewaków), trio (trzech), kwartet (czterech), kwintet (pięć) itp., a dodatkowo - chór (duży zespół śpiewaczy). Gatunki chóralne mogą być niezależne lub stanowić część większego dzieła muzycznego i dramatycznego: opery, oratoria, kantaty. Takie są kompozycje chóralne wielkich niemieckich kompozytorów Georga Friedricha Handla i Johanna Sebastiana Bacha, chóry w bohaterskich operach Christopha Glucka, w majestatycznych operach epickich i bohatersko-dramatycznych rosyjskich kompozytorów M. I. Glinki, A. N. Serowa, A. P. Borodina, MP Musorgski, N. A. Rimski-Korsakow, S. I. Tanejew. W słynnym chóralnym finale IX Symfonii Ludwiga van Beethovena, wychwalającym wolność (do słów ody „Do radości” Friedricha Schillera), zostaje odtworzony obraz majestatycznego festiwalu milionów ludzi („Uściskaj, miliony”).
Znakomite chóry tworzyli radzieccy kompozytorzy D. D. Szostakowicz, M. V. Koval, A. A. Davidenko. Chór Dawidenki „Na dziesiątą wioskę od stolicy” poświęcony jest ofiarom egzekucji z 9 stycznia 1905 r.; drugi jego chór, przesiąknięty wielkim ożywieniem – „Ulica wzburzona” – przedstawia radość ludu, który w 1917 roku obalił autokrację.
Oratorium jest głównym dziełem na chór, solistów i orkiestrę symfoniczną. Przypomina operę, ale wykonywany jest na koncertach bez scenografii, kostiumów i akcji scenicznej (oratorium „Na straży świata” radzieckiego kompozytora S. S. Prokofiewa).
Kantata jest prostsza w treści i mniejsza niż oratorium. Istnieją kantaty liryczne, uroczyste, powitalne, gratulacyjne stworzone na cześć jakiejś rocznicy lub wydarzenia towarzyskiego (na przykład „Kantata na otwarcie Wystawy Politechnicznej” Czajkowskiego). Do tego gatunku sięgali także kompozytorzy radzieccy, tworząc kantaty o tematyce współczesnej i historycznej (Słońce świeci nad naszą ojczyzną Szostakowicza, Aleksander Newski Prokofiewa).
Najbogatszym i najbardziej złożonym gatunkiem muzyki wokalnej jest opera. Łączy w jedną całość poezję i akcję dramatyczną, muzykę wokalną i instrumentalną, mimikę, gesty, tańce, malarstwo, efekty świetlne. Wszystko to jednak podporządkowane jest w operze zasadzie muzycznej.
Rolę zwykłej mowy potocznej w większości oper pełni śpiew lub mowa głosem śpiewnym – recytatywem. W takich gatunkach operowych, jak operetka, komedia muzyczna i opera komiczna, śpiew przeplata się ze zwykłą mową potoczną („Biała szarańcza” I. O. Dunaevsky’ego, „Arshin mal alan” Uzeyira Gadzhibekowa, „Opowieści Hoffmanna” Jacques’a Offenbacha).
Akcja opery ujawnia się przede wszystkim w scenach wokalnych: ariach, cavatinie, pieśni, zespołach muzycznych i chórach. W ariach solowych, przy akompaniamencie potężnego brzmienia orkiestry symfonicznej, oddawane są najsubtelniejsze odcienie przeżyć duchowych bohaterów lub cechy ich portretu (np. aria Rusłana w Rusłanie i Ludmile Glinki, arie Igora i Konczaka w Księciu Igorze Borodina). . Dramatyczne zderzenie interesów poszczególnych aktorów ujawnia się w zespołach - duetach, tercetach, kwartetach (duet Jarosławny i Galickiego w operze „Książę Igor” Borodina).
W klasycznych operach rosyjskich spotykamy wspaniałe przykłady zespołów muzycznych: dramatyczny duet Nataszy i księcia (z pierwszego aktu Rusałki Dargomyżskiego), serdeczne trio Don’t Sleep, Darling (z Iwana Susanina Glinki). Potężne chóry z oper Glinki, Musorgskiego i Borodina wiernie odtwarzają obrazy mas.
W operze duże znaczenie mają epizody instrumentalne: marsze, tańce, a czasem całe sceny muzyczne, zwykle umieszczane pomiędzy aktami. Na przykład w operze Rimskiego-Korsakowa Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewica Fevronia podano symfoniczne przedstawienie bitwy armii staroruskiej z hordami tatarsko-mongolskimi („Bitwa pod Kerzhents”). Niemal każda opera rozpoczyna się uwerturą – prologiem symfonicznym, najogólniej mówiąc, ujawniającym treść akcji dramatycznej opery.
Muzyka instrumentalna rozwinięta na bazie muzyki wokalnej. Wyrosła ze śpiewu i tańca. Jedną z najstarszych form muzyki instrumentalnej kojarzonej ze sztuką ludową jest temat z wariacjami.
Utwór taki zbudowany jest na rozwinięciu i modyfikacji głównej myśli muzycznej – tematu. Jednocześnie zmieniają się (różnią) poszczególne zwroty melodyczne, śpiewy, rytm i charakter akompaniamentu. Przypomnijmy wariacje na fortepian na temat rosyjskiej pieśni „Czy wyjdę nad rzekę” rosyjskiego muzyka z XVIII wieku. I. E. Khandoshkina (patrz artykuł „Muzyka Gusa XVIII wieku”). W symfonicznej fantazji Glinki „Kamarinskaya” najpierw majestatyczna, gładka piosenka weselna „Z powodu gór, wysokich gór”, potem zmienia się szybka taneczna melodia „Kamarinskaya”.
Inną najstarszą formą muzyczną jest suita, będąca naprzemiennością różnych tańców i utworów. W starej suitie tanecznej z XVII wieku. zastępowały się tańce o przeciwstawnym charakterze, tempie i rytmie: umiarkowanie wolne (niemieckie allemande), szybkie (francuskie kuranty), bardzo wolne, uroczyste (hiszpańskie sarabanda) i szybko szybkie (znane w wielu krajach gigue). W XVIII wieku. Pomiędzy sarabandą a gigue wprowadzono zabawne tańce: gawot, burre, menuet i inne. Niektórzy kompozytorzy (np. Bach) często otwierali suitę utworem wprowadzającym, który nie miał formy tańca: preludium, uwerturą.
Cyklem nazywa się kolejny ciąg utworów muzycznych, połączonych w jedną całość. Przypomnijmy cykle pieśni Schuberta „Miłość młynarza” i „Droga zimowa”, cykl wokalny Schumanna „Miłość poety” do słów Heinricha Heinego. Wiele gatunków instrumentalnych to cykle: jest to wariacja, suita, serenada instrumentalna, symfonia, sonata, koncert.
Początkowo słowo sonata (od włoskiego „brzmieć”) oznaczało każdy utwór instrumentalny. Dopiero pod koniec XVII w. w twórczości włoskiego skrzypka Corelliego rozwinął się swoisty gatunek sonaty składającej się z 4-6 części, który stał się jednym z najpopularniejszych. Klasyczne przykłady sonaty w dwóch lub trzech częściach z XVIII wieku. stworzony przez kompozytorów Carla Philippa Emmanuela Bacha (syna J.S. Bacha), Josepha Haydna, Wolfganga Amadeusza Mozarta, I.E. Khandoshkina. Ich sonata składała się z kilku części różniących się obrazami muzycznymi. Energiczną, szybko rozwijającą się pierwszą część, zbudowaną zazwyczaj na kontrastowym zestawieniu dwóch tematów muzycznych, zastąpiła część druga – powolny, melodyjny utwór liryczny. Sonatę zakończył finał – muzyka w szybkim tempie, lecz odmiennym charakterem niż część pierwsza. Czasem wolną część zastępowano utworem tanecznym – menuetem. Niemiecki kompozytor Beethoven napisał wiele swoich sonat w czterech częściach, umieszczając pomiędzy wolną częścią a finałem utwór żywy – menuet lub scherzo (od włoskiego „żartu”).
Utwory na instrumenty solowe (sonata, wariacje, suita, preludium, improwizacja, nokturn) wraz z różnymi zespołami instrumentalnymi (tria, kwartety) stanowią dziedzinę muzyki kameralnej (dosłownie – „domowej”), przeznaczonej do wykonania przed stosunkowo mały krąg słuchaczy. W zespole kameralnym partie wszystkich instrumentów są jednakowo ważne i wymagają od kompozytora szczególnie starannego wykończenia.
Muzyka symfoniczna jest jednym z najjaśniejszych zjawisk światowej kultury muzycznej. Najlepsze dzieła na orkiestrę symfoniczną wyróżniają się głębią i pełnią odzwierciedlenia rzeczywistości, monumentalnością skali, a jednocześnie prostotą i przystępnością języka muzycznego, który niekiedy nabiera wyrazistości i barwności obrazów wizualnych. Niezwykłe dzieła symfoniczne kompozytorów Haydna, Mozarta, Beethovena, Liszta, Glinki, Bałakiriewa, Borodina, Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i innych powstały dla masowej, demokratycznej publiczności dużych sal koncertowych.
Głównymi gatunkami muzyki symfonicznej są uwertury (na przykład uwertura Beethovena do tragedii „Egmont” Goethego), fantazje symfoniczne („Francesca da Rimini” Czajkowskiego), poematy symfoniczne („Tamara” Bałakiriewa), suity symfoniczne („ Szeherezada” Rimskiego-Korsakowa) i symfonie.
Symfonia, podobnie jak sonata, składa się z kilku odrębnych części, zwykle czterech. Można je porównać do poszczególnych aktów dramatu lub rozdziałów powieści. W niewyczerpanie różnorodnych zestawieniach muzycznych obrazów i kontrastowej przemianie ich ruchów – szybkiego, wolnego, lekkiego tańca i znowu szybkiego szybkiego – kompozytorzy odtwarzają różne aspekty rzeczywistości.
Kompozytorzy symfoniczni odzwierciedlają w swojej muzyce energiczną, aktywną naturę człowieka, jego walkę z przeciwnościami losu i przeszkodami, jego jasne uczucia, marzenie o szczęściu i smutnych wspomnieniach, urzekające piękno natury, a wraz z tym potężny ruch wyzwoleńczy mszy, sceny życia ludowego i festiwale ludowe.
Koncert instrumentalny swoją formą przypomina symfonię i sonatę. Jest to bardzo złożona kompozycja na instrument solowy (fortepian, skrzypce, klarnet itp.) z towarzyszeniem orkiestry. Solista i orkiestra wydają się ze sobą konkurować: orkiestra albo milknie, zafascynowana pasją odczuwania i elegancją schematów dźwiękowych w partii instrumentu solowego, albo przeszkadza mu, kłócąc się z nim, albo z mocą podnosi jego temat.
Koncerty komponowało wielu wybitnych kompozytorów XVII i XVIII wieku. (Corelli, Vivaldi, Handel, Bach, Haydn). Twórcą koncertu klasycznego był jednak wielki kompozytor Mozart. Wspaniałe koncerty na różne instrumenty (najczęściej na fortepian lub skrzypce) pisali Beethoven, Mendelssohn, Schumann, Dvorak, Grieg, Czajkowski, Głazunow, Rachmaninow oraz radzieccy kompozytorzy A. Chaczaturian, D. Kabalewski.
Wielowiekowa historia muzyki pokazuje nam, jak na przestrzeni wieków rodziły się i rozwijały różne formy i gatunki muzyczne. Niektóre z nich istniały stosunkowo krótko, inne przetrwały próbę czasu. Na przykład w krajach obozu socjalistycznego wymierają gatunki muzyki kościelnej. Ale kompozytorzy tych krajów tworzą takie nowe gatunki, jak pieśni pionierskie i komsomolskie, pieśni-marsze bojowników o pokój.
Muzyka jest integralną częścią życia większości ludzi. Dzieł muzycznych słucha się we wszystkich zakątkach naszej planety, nawet w tych najbardziej odległych. Pomimo ogromnej popularności i znaczenia tego kierunku artystycznego, wiele osób nie myśli o tym, jakiego rodzaju style i gatunki muzyczne. W artykule omówiono TOP 10 kierunków muzycznych, które do dziś nie straciły na popularności.
Ze względu na różnorodność gatunków wielu z Was zastanawia się: jakie są style muzyczne? Próbowaliśmy odpowiedzieć na Twoje pytanie i uporządkować główne style muzyczne w oddzielną listę, która zdaniem ekspertów, mimo wielu lat, zawsze będzie popularna.
1 Muzyka popowa
Ten styl należy do nowoczesności kierunek muzyki. Gatunek ten charakteryzuje się prostotą, ciekawym instrumentarium i wyczuciem rytmu, przy czym wokale nie są głównym tematem. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji muzycznej jest piosenka. „Pop” obejmuje charakterystyczne cechy europopu, muzyki latynoskiej, synthpopu, muzyki tanecznej itp.
Eksperci muzyczni podkreślają następujące cechy muzyki pop:
- konserwatywny schemat konstruowania piosenek „zwrotki + refreny”;
- prostota i łatwość percepcji melodii;
- głównym instrumentem jest głos ludzki, akompaniament odgrywa rolę drugorzędną;
- Ważną rolę odgrywa struktura rytmiczna: większość utworów jest przeznaczona do tańca, dlatego wyróżnia się wyraźnym, niezmiennym rytmem;
- długość utworów wynosi średnio od 3 do 5 minut, co jest w pełni zgodne z formatem współczesnych stacji radiowych;
- teksty piosenek są zazwyczaj poświęcone osobistym emocjom i doświadczeniom (miłości, smutkowi, radości itp.);
- Ogromne znaczenie ma wizualna prezentacja prac.
2 Głaz
Jak sama nazwa wskazuje (rock - „pobierz”), to gatunek muzyki charakteryzuje się rytmicznymi wrażeniami związanymi z określonym ruchem. Niektóre przejawy kompozycji rockowych (instrumenty elektromuzyczne, samowystarczalność twórcza itp.) mają charakter wtórny, dlatego wiele style muzyczne błędnie przypisywany rockowi. Z tym kierunkiem muzycznym związane są różne subkultury: punki, hipisi, metalowcy, emo, goci itp.
Rock dzieli się na kilka kierunków czy stylów, począwszy od „lekkich” utworów tanecznego rock and rolla, pop rocka i britpopu, po brutalny i agresywny death metal i grindcore. Gatunek ten charakteryzuje się „ekspresją muzyczną”, w szczególności zwiększoną dynamiką (głośnością) wykonania (niektóre kompozycje wykonywane są przy 120-155 dB).
Zespoły rockowe zazwyczaj mają wokalistę, gitarzystę (grającego na gitarze elektrycznej), basistę i perkusistę (czasami klawiszowca). Sekcję rytmiczną tworzą gitara basowa, perkusja i gitara rytmiczna (nie zawsze).
3 Hip hop
Ten kierunek muzyki składa się z kilku gatunków: od stylów „lekkich” (pop-rap) po agresywne (hardcore, horrorcore). Teksty piosenek mogą mieć także różną treść – od lekkiej i swobodnej (wspomnienia z dzieciństwa, młodości itp.) po złożone problemy społeczne.
Hip-hop opiera się na takich stylach jak funk, jazz, reggae, soul oraz rytm i blues. Dość często hip-hop jest mylony z rapem, co jest zasadniczo błędne. Rap to recytatywne wykonanie kompozycji muzycznych, podczas gdy hip-hop może w ogóle nie mieć recytatywu. W ZSRR to styl muzyczny pojawił się w latach 80-tych.
Istnieją następujące podgatunki hip hopu:
- stara szkoła: stosunkowo uproszczony recytatyw, linie tej samej długości, niezmieniony kierunek rytmu i uderzeń;
- newschool: stosunkowo krótkie utwory, motywy bardziej uduchowione (w kierunku muzyki pop);
- gangsta rap: piosenki o ciężkim życiu, chuligaństwie, przestępczości itp.;
- hip-hop polityczny: teksty zawierają wezwanie do działań antyspołecznych, zjednoczenia społeczeństwa w celu rozwiązania różnych zagrożeń wewnętrznych i zewnętrznych;
- alternatywny hip-hop: kierunek ten opiera się na stylach funk, jazz, pop-rock, soul, a kompozycje stanowią połączenie muzyki z recytatywem;
- G-funk: Ten styl łączy melodie pi-funkowe i głębokie funkowe basy (wypełnienie syntezatorowe, brzmienie cienkiego fletu i recytatyw), rozcieńczone męskim lub żeńskim chórkiem;
- horrorcore: ten kierunek wyróżnia się największą „sztywnością” i brutalnością utworów;
- południowy hip-hop: ten styl ma południowe motywy krajów Afryki i Ameryki Łacińskiej;
- Grime: Charakteryzuje się mroczną atmosferą utworu, dudniącymi basami i szybkim, agresywnym rapem.
4 KUKS
Rap to rytmiczny recytatyw, który zwykle czyta się do rytmu. Wykonawcami takich kompozycji są raperzy lub MC. Rap jest jednym z głównych elementów hip-hopu. Ale ten styl jest również używany w innych gatunkach (drum and bass, muzyka pop, rock, rapcore, nu metal itp.).
Pochodzenie słowa „rap” opiera się na angielskim „rap” (uderzenia, uderzenia) i „rap” (rozmowa).
Rap - muzyka jest dość różnorodna. Kompozycje mogą być proste, ale jednocześnie ciekawe i melodyjne. Opierają się na rytmie - rytmie piosenek. Często każdy takt będzie kładł pewien nacisk na klaskanie (klaśnięcie), werbel (wyraźne i krótkie uderzenie bębna), perkusję (gwizdki, łańcuchy itp.) lub bęben basowy.
Jako instrumenty muzyczne zwykle używane są instrumenty klawiszowe, instrumenty dęte blaszane i dźwięki komputerowe.
5 R&B
R&B (rytm i blues) nawiązuje do pieśni i tańca gatunek muzyki. Styl ten opiera się na trendach bluesowych i jazzowych pierwszej połowy XX wieku. Cechą charakterystyczną gatunku są motywy taneczne, które zachęcają słuchaczy do niekontrolowanego tańca.
W stylu R&B dominują wesołe melodie, które nie niosą ze sobą żadnych specjalnych wątków filozoficznych ani mentalnych.
Wielu znawców muzyki rytm i blues kojarzy z Czarnymi, gdyż na nich opierają się wszystkie „czarne” gatunki, z wyjątkiem motywów klasycznych i religijnych.
6
Ten kierunek muzyczny powstał pod koniec XIX wieku w Stanach Zjednoczonych. Ten styl muzyczny łączy w sobie kultury afrykańskie i europejskie.
Cechami charakterystycznymi tego kierunku są improwizacja, wyrafinowany rytm (figury synkopowane) oraz unikalne techniki faktur rytmicznych.
Jazz to także muzyka taneczna. Kompozycje są radosne, dodają żywotności i dobrego nastroju. Ale w przeciwieństwie do R&B, melodie jazzowe są spokojniejsze.
7 Muzyka instrumentalna
Kompozycje tego kierunki muzyczne wykonywane są przy pomocy instrumentów muzycznych, a głos ludzki nie bierze w tym żadnego udziału. MI może występować solo, w zespołach i z orkiestrą.
Muzyka instrumentalna to jeden z najlepszych stylów „w tle”. Melodie oparte na żywych instrumentach i współczesnych hitach idealnie nadają się do spokojnych stacji radiowych, a słuchanie ich zapewnia harmonię podczas pracy i relaksu.
8 muzyka ludowa
Dość popularnym stylem jest muzyka ludowa nawiązująca do folkloru muzycznego. Kompozycje to muzyczne i poetyckie twórcze pomysły ludzi, przekazywane z pokolenia na pokolenie. Tradycyjne melodie są zwykle tworzone przez ludność wiejską. Taki kierunek muzyki poważny sprzeciw wobec śpiewu popularnego i akademickiego.
Teksty opierają się na różnych motywach, począwszy od ciepłych relacji miłosnych po straszne i straszne wydarzenia militarne.
9 Elektro
Muzyka elektroniczna to dość szeroki gatunek, którego melodie tworzone są przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych i technologii komputerowej. Styl ten ma różne kierunki, począwszy od eksperymentalnych piosenek akademickich po popularne elektroniczne utwory taneczne.
Muzyka elektroniczna łączy w sobie dźwięki generowane przez technologię elektroniczną i elektromechaniczne instrumenty muzyczne (telarmonium, organy Hammonda, gitara elektryczna, Theremin i syntezator).
10 Muzyka transowa
Trance to rodzaj muzyki elektronicznej charakteryzujący się sztucznym brzmieniem, naciskiem na harmoniczne i barwy oraz stosunkowo szybkim tempem (od 120 do 150 uderzeń na minutę). Zwykle trance jest używany podczas różnych wydarzeń tanecznych.
Jeśli zaczniesz kontynuować tę listę, będzie ona nieskończona, ponieważ z roku na rok pojawiają się setki różnych stylów i podstylów. Chcieliśmy również zaznaczyć, że na naszej liście nie znalazły się takie style muzyczne jak:
- dyskoteka
- techno
- muzyka country
- salonik
- trans
Będzie nam miło, jeśli zostawisz komentarz i dodasz do listy!
Gatunek muzyczny
Gatunek muzyczny- pojęcie wielowartościowe, charakteryzujące różne typy i rodzaje twórczości muzycznej w związku z ich genezą, sposobem i warunkami ich wykonywania oraz odbioru. Pojęcie gatunku muzycznego odzwierciedla główny problem muzykologii i estetyki muzycznej - związek pozamuzycznych czynników twórczości z jej czysto muzycznymi cechami. Gatunek muzyczny jest jednym z najważniejszych środków identyfikacji artystycznej.
Pojęcie gatunku muzycznego można rozpatrywać w szerszym i węższym aspekcie. W szerszym znaczeniu mówią o gatunku operowym, symfonicznym, kameralnym itp. W węższym rozróżnia się gatunki opery lirycznej i komicznej; symfonie i symfonietty; arie, ariosa, cavatiny itp.
Wielu badaczy (w szczególności V. Zukerman) rozróżnia pierwotne i wtórne gatunki muzyczne. Podstawowy bezpośrednio związane z warunkami ich istnienia, oraz wtórny gatunki powstały w warunkach wykonawstwa koncertowego.
E. Nazaikinskiy wyróżnia trzy historyczne formy funkcjonowania gatunku – synkretyczną, estetyczną i wirtualną. W synkretyczny Forma, którą cechuje synchronizacja twórczości i percepcji, gatunek muzyczny pełni przede wszystkim rolę kanonu, który zapewnia odtworzenie sytuacji odpowiadającej określonej tradycji. W estetyka Forma, która pojawiła się wraz z upowszechnieniem notacji muzycznej, muzyka staje się zjawiskiem estetycznym, a na pierwszy plan wysuwają się funkcje semantyczne. W wirtualny formy, która dzięki upowszechnieniu się zapisu dźwiękowego charakteryzuje się możliwością odbioru muzyki w różnych warunkach, na pierwszy plan wysuwają się strukturotwórcze funkcje gatunku, co często prowadzi do pomieszania pojęć gatunku muzycznego i stylu, szczególnie w muzyce popularnej.
Zobacz też
- Lista gatunków i trendów muzycznych
Literatura
- T. Czeredniczenko. Gatunek muzyczny // artykuł w Musical Encyclopedic Dictionary, „Soviet Encyclopedia” 1990
- E. V. Nazaikinsky- Styl i gatunek w muzyce - M., 2003
- M. K. Michajłow – Styl w muzyce – M., 1981
Fundacja Wikimedia. 2010 .
Zobacz, co „gatunek muzyczny” znajduje się w innych słownikach:
Ten artykuł dotyczy hip hopu jako gatunku muzycznego. Jeśli szukasz artykułu o subkulturze, zobacz Hip hop (subkultura) Hip hop Kierunek: muzyka popularna Początki: funk, disco, soul, reggae, słowo mówione Miejsce i czas wystąpienia ... Wikipedia
MARZEC, gatunek muzyczny, który wyróżnia się ściśle odmierzonym tempem (patrz TEMP (w muzyce)), wyraźnym rytmem (patrz RYTM), pogodnym, odważnym, bohaterskim charakterem. Zapewnia synchroniczny ruch dużej liczby osób. Marsze wojskowe tworzone są dla ... ... słownik encyklopedyczny
Termin ten ma inne znaczenia, patrz 8 bitów. 8 bit (eng. 8 bit) gatunek muzyczny charakteryzujący się elektronicznym dźwiękiem przypominającym ten stosowany w konsolach do gier (Dendy, NES, Sega Master System itp.) lub… ... Wikipedia
Klasę pierwiastków chemicznych opisano w artykule metale. Metal Kierunek: Rock Pochodzenie: Hard rock, Rock progresywny Miejsce i czas powstania: Początek lat 70. XX wieku… Wikipedia
Termin ten ma inne znaczenia, patrz Garaż (znaczenia). New York Garage Kierunek: dom Początki: house, soul, gospel, disco Miejsce i czas powstania: początek lat 80. XX w.... Wikipedia
Rodzaj muzyki o smutnym charakterze, w zwolnionym tempie. El é giaque to termin muzyczny wymagający wykonania elegijnego... Słownik encyklopedyczny F.A. Brockhausa i I.A. Efrona
Trance (Trance) Kierunek: Muzyka elektroniczna Początki: Techno House Ambient Industrial New Age Muzyka klasyczna Synth pop Miejsce i czas wystąpienia: wczesne ... Wikipedia
House (House) Kierunek: Muzyka elektroniczna Pochodzenie: disco, soul Miejsce i czas powstania: Początek lat 80., Chicago Okres świetności: lata 90. XX w. Podgatunki... Wikipedia
- ... Wikipedii
Termin ten ma inne znaczenia, patrz Pasja. Pasja (pasja; niem. Passio, od łac. passio cierpienie) to wokalny utwór dramatyczny poświęcony wydarzeniom Wielkiego Tygodnia (Pasja Chrystusa), oparty na ... ... Wikipedii
Książki
- Styl muzyczny a historia i nowoczesność gatunku, M. Lobanova Książka M. Lobanovej poświęcona jest problematyce stylu i gatunku muzycznego jako zjawisk kulturowych, historycznych i teoretycznych. Po raz pierwszy powstało pojęcie „mieszanego…
Trafiłeś do działu gatunki muzyczne, gdzie bliżej poznamy każdy kierunek muzyczny. Opiszmy, co to jest, dlaczego jest potrzebne i jakie ma funkcje. Również na samym końcu znajdą się artykuły tego działu, które dokładniej opisują każdy kierunek.
Jakie są gatunki muzyczne
Zanim omówimy, jakie są gatunki muzyczne, należy wspomnieć o następujących kwestiach. Potrzebujemy pewnego układu współrzędnych, aby móc umieścić w nim wszystkie zjawiska. Najpoważniejszym i globalnym poziomem w tym układzie współrzędnych jest koncepcja stylu lub systemu historii sztuki.
Wyróżnia się styl średniowiecza, renesansu, baroku czy romantyzmu. Co więcej, w każdej epoce pojęcie to obejmuje wszystkie sztuki (literaturę, muzykę, malarstwo itd.).
Jednak muzyka ma swoje własne kategorie w ramach każdego stylu. Istnieje system gatunków, form muzycznych i środków wyrazu.
Co to jest gatunek?
Każda epoka wyznacza muzykom i słuchaczom pewien zestaw etapów. Co więcej, każda witryna ma swoje własne zasady gry. Strony te mogą z czasem zniknąć lub pozostać na jakiś czas.
Pojawiają się nowe grupy słuchaczy o nowych zainteresowaniach – pojawiają się nowe platformy sceniczne, powstają nowe gatunki.
Powiedzmy, że w epoce europejskiego średniowiecza mniej więcej do końca XI wieku kościół był jedyną taką platformą sceniczną dla profesjonalnych muzyków. Czas i miejsce kultu.
Oto gatunki muzyki kościelnej. A najważniejsze z nich (Masa i Matet) wybiegną daleko w przyszłość.
Jeśli weźmiemy pod uwagę późne średniowiecze, epokę wypraw krzyżowych, wówczas pojawia się nowa platforma widokowa - zamek feudalny, dwór feudalny arystokraty, święto dworskie lub po prostu miejsce wypoczynku.
I tu powstaje gatunek pieśni świeckiej.
Na przykład wiek XVII dosłownie eksploduje fajerwerkami nowych gatunków muzycznych. Tutaj powstają rzeczy, które znacznie wyprzedzają nasze czasy i nadal po nas pozostaną.
Na przykład opera, oratorium lub kantata. W muzyce instrumentalnej jest to koncert instrumentalny. Istnieje nawet takie określenie jak symfonia. Choć być może został zbudowany nieco inaczej niż obecnie.
Występują gatunki muzyki kameralnej. A pod tym wszystkim kryje się pojawienie się nowych obiektów scenicznych. Na przykład opera, sala koncertowa lub bogato zdobiony salon miejskiego domu arystokratycznego.
Zanim to zrobisz, koniecznie rozpocznij eksplorację różnych obszarów. Znajduje to następnie bardzo dobre odzwierciedlenie w praktyce. Przyda się szczególnie przy tworzeniu czegoś nowego!
forma muzyczna
Następnym poziomem jest forma muzyczna. Z ilu części składa się dzieło? Jak zorganizowana jest każda część, ile ma sekcji i jak są ze sobą powiązane? To właśnie umieściliśmy w pojęciu formy muzycznej.
Powiedzmy, że opera jest gatunkiem. Ale jedna opera może być w dwóch aktach, druga w trzech, a są opery w pięciu aktach.
Albo symfonia.
Najbardziej znane europejskie symfonie składają się z czterech części. Załóżmy jednak, że Fantastyczna symfonia Berlioza składa się z 5 części.
Wyraziste środki
Kolejnym poziomem jest system muzycznych środków wyrazu. Melodia w swej jedności z rytmem.
Rytm jest głęboką siłą organizującą wszelkie dźwięki muzyczne. Stanowi podstawę istnienia muzyki. Bo poprzez rytm życie człowieka łączy się z rzeczywistością, z kosmosem.
Bardzo wiele ruchów robotniczych ma charakter rytmiczny. Zwłaszcza w rolnictwie. Rytmicznie dużo w obróbce kamienia i metali.
Być może sam rytm pojawia się przed melodią. Można powiedzieć, że rytm uogólnia, a melodia indywidualizuje.
Poczucie rytmu, jako pewnego rodzaju magii, pojawia się już na bardzo wczesnych etapach cywilizacji. A później, w epoce starożytności, takie uczucie urzeczywistnia się jako idea uniwersalnego połączenia zjawisk, które jest rytmiczne.
Rytm jest powiązany z liczbą. A dla Greków liczba była niezwykle ważnym symbolem porządku świata. I całe to pojęcie rytmu przetrwało bardzo długo.
Już na początku XVII w. niemiecki kompozytor Michael Pritorius tak mówił o wczesnych doświadczeniach Włochów w operze (nie było tam uporządkowanego rytmu): „Ta muzyka jest pozbawiona powiązań i miary. To obraza ustanowionego przez Boga porządku!”
Charakter ruchu jest szybki, żywy, umiarkowany i spokojny. Nadają także ton każdej nadbudówce, która się na nich pojawia. Tutaj także pojawia się poczucie więzi. 4 strony charakteru ruchu, 4 główne kierunki, 4 temperamenty.
Jeśli zagłębisz się jeszcze głębiej, jest to barwa lub kolorystyka dźwięku. Albo powiedzmy, jak wymawia się melodię. Wyraźnie podzielone lub połączone.
Melodia, rytm i wszystko inne pojawia się jako bezpośrednia reakcja emocjonalna na rzeczywistość. I powstają w tych nieskończenie odległych czasach prymitywnego systemu społecznego, kiedy człowiek nie zrealizował jeszcze swojego własnego ja w porównaniu z innymi jaźniami lub z naturą.
Ale gdy tylko pojawi się społeczeństwo klasowe, wówczas pojawia się dystans między sobą a innymi ja, między sobą a naturą. A potem zaczynają się już kształtować gatunki muzyczne, formy muzyczne i style.
Gatunki muzyki kameralnej
Zanim zaczniemy mówić o gatunkach muzyki kameralnej, zajmijmy się kierunkiem. Muzyka kameralna to muzyka wykonywana przez małą liczbę wykonawców dla małej liczby słuchaczy.
Wcześniej taką muzykę często wykonywano w domu. Na przykład w kręgu rodzinnym. Stąd wymyślili taką nazwę jak komnata. Kamera oznacza po łacinie pokój. Czyli muzyka mała, domowa lub pokojowa.
Istnieje również coś takiego jak orkiestra kameralna. To taka mniejsza wersja (przeważnie nie więcej niż 10 osób) zwykłej orkiestry. Cóż, słuchaczy też nie jest zbyt wielu. Zwykle są to krewni, znajomi i przyjaciele.
Piosenka ludowa to najprostszy i najbardziej rozpowszechniony gatunek muzyki kameralnej. Wcześniej bardzo często wielu dziadków śpiewało swoim dzieciom i wnukom różne pieśni ludowe. Tę samą piosenkę można zaśpiewać różnymi słowami. Jakbym dodał coś od siebie.
Jednak sama melodia z reguły pozostała niezmieniona. Zmienił się i udoskonalił jedynie tekst pieśni ludowej.
Wiele ulubionych romanse to także gatunek muzyki kameralnej. Zwykle wykonywali mały utwór wokalny. Zwykle towarzyszyła mu gitara. Dlatego bardzo lubimy takie liryczne piosenki z gitarą. Wielu z Was zapewne je zna, a nigdy o nich nie słyszało.
Ballada- to rodzaj narracji o różnych wyczynach lub dramatach. Ballady często wykonywano w tawernach. Z reguły chwalili wyczyny różnych bohaterów. Czasami przed nadchodzącą bitwą używano ballad, aby podnieść morale ludu.
Oczywiście w takich piosenkach często upiększano pewne konkretne momenty. Ale tak naprawdę bez dodatkowej fantazji samo znaczenie ballady spadłoby.
Msza żałobna jest msza pogrzebowa. Taki pogrzebowy śpiew chóralny wykonywany jest w kościołach katolickich. Zwykle używaliśmy Requiem jako hołdu pamięci bohaterów ludowych.
- piosenka bez słów. Zwykle przeznaczony dla jednego piosenkarza jako ćwiczenie próbne. Na przykład, aby rozwinąć głos wokalisty.
Serenada- gatunek muzyki kameralnej, który był wykonywany dla ukochanej osoby. Zwykle mężczyźni wykonywali je pod oknami swoich ukochanych kobiet i dziewcząt. Z reguły takie piosenki wychwalały piękno płci pięknej.
Gatunki muzyki instrumentalnej i wokalnej
Poniżej znajdziesz główne gatunki muzyki instrumentalnej i wokalnej. Dla każdego kierunku dam ci małe opisy. Trochę więcej uwagi na temat podstawowej definicji każdego rodzaju muzyki.
Gatunki muzyki wokalnej
Istnieje kilka gatunków muzyki wokalnej. Warto powiedzieć, że sam kierunek jest najstarszy w historii rozwoju muzyki. W końcu jest to główny klucz do przejścia literatury w muzykę. Oznacza to, że słowa literackie zaczęto używać w formie muzycznej.
Oczywiście te słowa odegrały główną rolę. Ze względu na to, co taką muzykę zaczęto nazywać wokalną. Nieco później pojawiła się muzyka instrumentalna.
W wokalu, oprócz wokalu, można używać również różnych instrumentów. Jednak w tym kierunku ich rola schodzi na dalszy plan.
Oto lista głównych gatunków muzyki wokalnej:
- Oratorium- bardzo duży utwór na solistów, orkiestrę lub chór. Zazwyczaj tego typu dzieła poruszały tematykę religijną. Nieco później pojawiły się oratoria świeckie.
- Opera- ogromne dzieło dramatyczne, łączące gatunki muzyki instrumentalnej i wokalnej, choreografii i malarstwa. Szczególną rolę przypisuje się tu różnym numerom solowym (aria, monolog i tak dalej).
- Muzyka kameralna- wspomniano powyżej.
Gatunki muzyki instrumentalnej
Muzyka instrumentalna- Są to kompozycje wykonywane bez udziału wokalisty. Stąd nazwa instrumentalna. Oznacza to, że odbywa się to wyłącznie kosztem instrumentów.
Bardzo często wielu artystów w swoich albumach wykorzystuje utwory instrumentalne jako utwory bonusowe w albumie. Oznacza to, że można wybrać kilka najpopularniejszych kompozycji, a następnie nagrać ich wersje bez wokalu.
I można je wybrać w całości, wszystkie utwory z albumu. W tym przypadku album wydany jest w dwóch wersjach. Zwykle ma to na celu zwiększenie wartości produktu i podniesienie jego ceny.
Istnieje lista niektórych gatunków muzyki instrumentalnej:
- Muzyka taneczna- zazwyczaj prosta muzyka taneczna
- Sonata– stosowany solo lub w duecie w muzyce kameralnej
- Symfonia- harmonijne brzmienie dla orkiestry symfonicznej
Gatunki rosyjskich pieśni ludowych
Porozmawiajmy o gatunkach rosyjskich pieśni ludowych. Odzwierciedlają całe piękno duszy narodu rosyjskiego. Zwykle w takich utworach muzycznych wychwala się naturę ojczyzny, bohaterów i zwykłych pracowników. Wspomina także o radościach i kłopotach narodu rosyjskiego.
Oto lista głównych gatunków rosyjskich pieśni ludowych:
- pieśni pracy- śpiewał w pracy, aby ułatwić pracę danej osoby. Oznacza to, że pracownikom znacznie łatwiej było pracować z takimi piosenkami. To oni nadają rytm pracy. W takich dziełach muzycznych odzwierciedlono główne życie ludzi z klasy robotniczej. W odniesieniu do pracy często używano wykrzykników pracowniczych.
- Chastuszki to bardzo popularny gatunek muzyki ludowej. Z reguły jest to mały czterowiersz z powtarzającą się melodią. Chastuszki niosły ze sobą wielkie znaczenie rosyjskiego słowa. Wyrażali główny nastrój ludzi.
- Piosenki z kalendarza- używane w różne święta kalendarzowe. Na przykład w Boże Narodzenie lub Sylwestra. Ponadto ten gatunek muzyczny był dobrze wykorzystywany do wróżenia lub zmiany pór roku.
- Kołysanka- delikatne, proste i pełne czułości piosenki, które matki śpiewały swoim dzieciom. Z reguły w takich piosenkach matki przedstawiały swoje dzieci światu zewnętrznemu.
- rodzinne piosenki- wykorzystywane podczas różnych uroczystości rodzinnych. Gatunek ten bardzo dobrze odbił się na weselach. Stosowano go także przy narodzinach dziecka, wysłaniu syna do wojska i tak dalej. Warto powiedzieć, że takim pieśniom towarzyszył pewien rytuał. Wszystko to razem pomogło chronić przed siłami ciemności i różnymi problemami.
- Kompozycje liryczne- takie prace wspominają o trudnym losie narodu rosyjskiego. Często wspomina się na przykład o ciężkim losie kobiet i ciężkim życiu zwykłych chłopów.
Gatunki muzyki współczesnej
Porozmawiajmy teraz o gatunkach muzyki współczesnej. Jest ich całkiem sporo. Wszystkie jednak odbiegają od trzech głównych nurtów współczesnej muzyki. Tutaj porozmawiamy o nich trochę.
Głaz
Rock jest obecnie popularny. Może nie w taki sam sposób jak wcześniej, ale w naszych czasach został niezawodnie wzmocniony. Dlatego nie sposób o tym nie wspomnieć. A sam kierunek dał impuls do narodzin wielu gatunków. Tutaj jest kilka z nich:
- folk rock- dobrze wykorzystane elementy pieśni ludowych
- pop rock- muzyka dla bardzo szerokiego grona odbiorców
- Hard Rock- cięższa muzyka z ostrym dźwiękiem
Muzyka pop
Muzyka popularna obejmuje również wiele gatunków często używanych w muzyce współczesnej:
- Dom- muzyka elektroniczna grana na syntezatorze
- Trans- muzyka elektroniczna z przewagą smutnych i kosmicznych melodii
- Dyskoteka- muzyka taneczna z dużą ilością rytmicznych sekcji perkusyjnych i basowych
Kuks
W ostatnich latach rap nabiera tempa całkiem nieźle. W rzeczywistości ten kierunek praktycznie nie ma wokalu. W zasadzie nie śpiewają tutaj, ale jakby czytają. Stąd wzięło się określenie rap. Oto lista niektórych gatunków:
- rapcore- mieszanka rapu i ciężkiej muzyki
- alternatywny rap- mieszanka tradycyjnego rapu z innymi gatunkami
- Rap jazzowy- mieszanka rapu i jazzu
Gatunki muzyki elektronicznej
Przyjrzyjmy się głównym gatunkom muzyki elektronicznej. Oczywiście nie omówimy tutaj wszystkiego. Przeanalizujemy jednak niektóre z nich. Oto lista:
- Dom(dom) - pojawił się w latach 80-tych ubiegłego wieku. Wywodzi się z dyskoteki z lat 70-tych. Pojawił się dzięki eksperymentom DJ-ów. Główne cechy: powtarzalny rytm beatów, metrum 4×4 i samplowanie.
- Głęboki dom(deep house) - lżejsza, klimatyczna muzyka o głębokim, gęstym brzmieniu. Zawiera elementy jazzu i ambientu. Podczas tworzenia wykorzystuje się solo na klawiaturze, organy elektryczne, fortepian i wokal żeński (głównie). Opracowywany od końca lat 80-tych. Wokale w tym gatunku zawsze zajmują miejsce drugorzędne. Na pierwszym znajdują się melodie i dźwięki budujące nastrój.
- Dom garażowy(garage house) - to samo co deep house, tylko wokale są wyjęte z roli głównej.
- nowa dyskoteka(nu disco) to bardziej nowoczesny gatunek muzyczny oparty na odradzającym się zainteresowaniu muzyką disco. Teraz bardzo popularny jest powrót do korzeni. Dlatego podstawą tego gatunku jest muzyka lat 70. - 80. Sam gatunek pojawił się na początku XXI wieku. Do tworzenia muzyki disco z lat 70. i 80. wykorzystuje się syntetyczne dźwięki przypominające dźwięki prawdziwych instrumentów.
- Pełna dusza(soulful house) - podstawa zaczerpnięta z house'u o układzie rytmicznym 4x4, a także wokale (pełne lub w formie sampli). Wokale są tu przeważnie uduchowione i bardzo piękne. Plus wykorzystanie różnorodnych instrumentów muzycznych. Tak bogata obecność instrumentów bardzo dobrze ożywia muzykę tego gatunku.
Gatunki rapu
Przejdźmy do rozważenia głównych gatunków rapu. Obszar ten również aktywnie się rozwija. Dlatego miło byłoby go dotknąć. Oto krótka lista gatunków:
- rap komediowy- inteligentna i zabawna muzyka dla rozrywki. Zawiera mieszankę prawdziwego hip-hopu i swobodnego humoru. Rap komediowy pojawił się w latach 80-tych.
- Brudny rap- brudny rap, charakteryzujący się wyraźnym ciężkim basem. Zasadniczo ta muzyka ma na celu zasianie publiczności na różnych imprezach.
- Gangsta rap— muzyka o bardzo mocnym brzmieniu. Gatunek muzyczny pojawił się pod koniec lat 80-tych. Za podstawę tego trendu przyjęto elementy hardcorowego rapu.
- hardcorowego rapu- agresywna muzyka z hałaśliwymi samplami i ciężkimi bitami. Pojawił się pod koniec lat 80.
Gatunki muzyki klasycznej
Istnieją dzieła podzielone na wiele gatunków muzyki klasycznej. Szczególnie rozpowszechniły się w XVIII wieku. Oto częściowa lista miejsc docelowych:
- Uwertura- krótki instrumentalny wstęp do spektaklu, spektaklu lub utworu.
- Sonata- utwór przeznaczony dla wykonawców kameralnych, stosowany jako solo lub w duecie. Składa się z trzech połączonych ze sobą części.
- Etiuda- niewielki utwór instrumentalny, mający na celu doskonalenie techniki wykonywania muzyki.
- Scherzo- początek muzyki o żywym i szybkim tempie. Zasadniczo przekazuje słuchaczowi komiks i nieoczekiwane momenty w pracy.
- Opera, symfonia, oratorium- zostały wspomniane powyżej.
Gatunki muzyki rockowej
Przyjrzyjmy się teraz niektórym gatunkom muzyki rockowej innym niż te już wspomniane powyżej. Oto krótka lista z opisem:
- rocka gotyckiego- muzyka rockowa o gotyckim i mrocznym kierunku. Pojawił się na początku lat 80-tych.
- Grunge- muzyka z solidnym brzmieniem gitary i ponurymi, depresyjnymi tekstami. Pojawił się gdzieś w połowie lat 80.
- folk rock- powstał w wyniku połączenia rocka z muzyką ludową. Pojawił się w połowie lat 60.
- Skała Wikingów- punk rock z elementami muzyki ludowej. Takie dzieła ukazują historię Skandynawii i samych Wikingów.
- śmieciowy rdzeń- szybszy hardkor. Przedmioty są zwykle małe.
Gatunki muzyki sakralnej i świeckiej
Przyjrzyjmy się niektórym gatunkom muzyki sakralnej i świeckiej. Najpierw zdefiniujmy te dwa obszary. Dowiesz się na czym polega i jaka jest różnica. Następnie przejdźmy przez kilka gatunków.
Muzyka duchowa
Muzyka duchowa ma na celu uzdrowienie duszy. Dzieła takie wykorzystywane są głównie w nabożeństwach w kościołach. Dlatego niektórzy nazywają ją także muzyką kościelną. Oto krótka lista jej gatunków:
- Liturgia- Liturgia wielkanocna lub bożonarodzeniowa. Wykonywany jest przez chór, ale może dodatkowo łączyć poszczególnych solistów. Z reguły do dramatu liturgicznego włączano różne sceny wydarzeń z Pisma Świętego. Często wykorzystywano elementy teatralne.
- Antyfona- powtarzalna muzyka wykonywana naprzemiennie przez kilka zespołów chóralnych. Na przykład te same wersety mogą być wykonywane naprzemiennie przez dwie twarze. Istnieje kilka rodzajów antyfon. Na przykład świąteczne (w święta), uspokajające (niedziela), codzienne i tak dalej.
- Rondel- powstał na bazie oryginalnej melodii w formie specjalnej formy z kolejnym wprowadzeniem wokalu do tego samego motywu.
- proprium- część mszy, zmieniająca się w zależności od kalendarza kościelnego.
- zwykły- niezmieniona część masy.
muzyka świecka
Uznaje się, że muzyka świecka ukazuje narodowy charakter różnych kultur. Opisano głównie główny obraz i życie zwykłego człowieka. Ten kierunek muzyki był bardzo powszechny wśród wędrownych muzyków w średniowieczu.
ruch emocji.
Dramaturgia muzyczna
styl muzyczny
forma muzyczna
4) jako porządek estetyczny w utworze muzycznym, który objawia się formalnością lub bezforemnością.
5) jako jedna z sekcji nauk muzyczno-teoretycznych.
Zatem rozważa się dwie kategorie form muzycznych:
a) w szerokim tego słowa znaczeniu – jako sposób urzeczywistnienia treści;
b) w skrócie – jako plan rozmieszczenia funkcjonalnie różnych fragmentów i części utworu muzycznego, które łączą się w spójną kompozycję. Inaczej się to nazywa forma kompozycji lub plan kompozycyjny.
Forma kompozycji ma dwie strony:
*) zewnętrzne, związane z treścią muzyczną, gatunkiem i tematem oraz formami istnienia muzyki, co jest szczególnie istotne w przypadku gatunków pierwotnych.
*) wewnętrzne, związane z ujawnieniem organizacji wewnętrznej, jej aspektów, elementów.
Funkcje kompozycji:
1) semantyczny, określony treścią utworu;
2) komunikatywny, mający na celu zarządzanie percepcją słuchacza.
Metoda analizy i jej formy
Głównym problemem analizy jest związek pomiędzy formą i treścią. Zadania analityczne:
a) sformułować, jakie uczucia, emocje wyraża muzyka;
b) jakie środki są do tego wykorzystywane;
c) powiązać treść z epoką, która dała początek danemu stylowi, gatunkowi, twórczości kompozytora. Powyższe punkty można potraktować jako odrębne aspekty analizy i podzielić na niezależne formy.
Formy analizy(według Yu. Chołopowa) :
1) Analiza jako estetyka praktyczna. Polega na prześledzeniu wzorców muzycznych i dokonaniu ocen. Uwzględnione w analizie postrzeganie i przeżycie estetyczne zjawisk muzycznych nadają pewnej części analiz charakter konkretnych badań estetycznych, estetyki praktycznej.
2) Analiza-opis. Gatunek ten ma wartość naukową tylko wtedy, gdy opisano nowe zjawisko. Opis jest powtórzeniem tekstu muzycznego w dobrze znanych terminach.
3) Holistyczne Lub złożona analiza. Metoda W. Zuckermana. Polega na pozyskaniu do analizy szerokiego zakresu informacji związanych z esejem. Treść i forma uznawane są za nierozerwalną jedność. Zuckerman: „Analiza jest syntezą nauki i sztuki, ponieważ wymaga nie tylko wiedzy, ale także podatności”.
4) Analiza ilościowo-pomiarowa. Jest to analiza w dosłownym tego słowa znaczeniu, czyli podział całości na elementy. Tu pojawia się problem, bo główny obiekt pomiaru jest niedokładny.
Z szerszego punktu widzenia analizy jako takiej nie da się w ogóle oddzielić od syntezy. Są to dwie strony jednego procesu myślenia, poznania. Analiza powinna być nie tylko całościowa, ale cenny, oznacza to, że musi wykryć obecność połączenia duchowe. Analiza muzyczna nie pozostawia muzyki, jeśli:
*) przedstawia techniczne środki muzyczne jako estetyczne
*) zachowuje formę dźwiękową muzyki, czyli operuje przykładami muzycznymi.
Analiza wartości odsłania figuratywną i emocjonalną stronę muzyki poprzez doświadczenie estetyczne. W metodzie analizy wartości „środki” interpretowane są przede wszystkim w ramach formy muzycznej. Stąd dominuje znaczenie pojęcia formy jako przedmiotu analizy.
Struktura mowy muzycznej
Formę muzyczną charakteryzuje hierarchia struktury (wzajemne podporządkowanie). Forma muzyczna składa się z szeregu sekcji, z których każda jest podzielona na podsekcje. Okres zawiera następujące podrozdziały:
1) zdanie – największą część okresu ukończoną kadencją;
2) wyrażenie jest częścią zdania oddzieloną cezurą;
3) motyw - minimalny element konstrukcyjny formy, powiązany z jednym mocnym udziałem.
Struktury kształtów metrycznych
Dla muzyki jako sztuki tymczasowej ważna jest proporcjonalność, proporcjonalność części. W formie muzycznej wyróżnia się następujące struktury metryczne, w zależności od liczby mocnych uderzeń:
1) prostopadłość - „części 4-cyklowe” (Sposobin). Kwadratowość jest typowa dla gatunków związanych z ruchem (tańce, marsze);
2) niekwadratowy - naruszenie zasady kwadratowości (3 + 3; 6 + 6 tomów). Typowe dla rosyjskich pieśni ludowych.
Prosta dwuczęściowa forma
Formy proste to formy składające się z 2 lub 3 części, z których każda nie jest bardziej skomplikowana niż kropka. Różnica w stosunku do tego okresu polega na obecności części rozwijającej się. Proste formy wywodzą się z muzyki pieśniowej lub tanecznej. Obszar zastosowania - pieśni, miniatury instrumentalne, muzyka gatunkowa i codzienna.
Prosta, dwuczęściowa forma to forma składająca się z dwóch części lub okresów, gdzie pierwsza część stanowi prezentację myśli muzycznej, a druga jej rozwinięcie i uzupełnienie. Proste dwuczęściowe formy podzielone są na kontrastowe A+B i rozwijający się A+A1.
1) kontrast (bez powtórzeń). Struktura składa się ze śpiewów i refrenów z cechami gatunkowymi (np. „Dubinushka”).
2) rozwinięcie (powtórka): aa1 + ba1, gdzie drugi odcinek składa się z dwóch konstrukcji: V - aktualizacja i rozwój tematu tzw. "środkowego"; a1 - powtórzenie zdania drugiego części pierwszej.
Prosta, trzyczęściowa forma.
Prosta forma trzyczęściowa to forma, w której pierwsza część stanowi przedstawienie myśli muzycznej, druga część stanowi jej rozwinięcie lub przedstawienie nowej myśli muzycznej, trzecia część stanowi uzupełnienie za pomocą repryzy. W zależności od materiału tematycznego części środkowej istnieją 2 odmiany prostej 3-częściowej formy:
1) wywoływanie (pojedyncze-ciemne) AA1A. Sekcję środkową charakteryzuje niestabilność tonalnie-harmoniczna, unikanie toniki, odchyleń, struktur ułamkowych, sekwencji, polifonizacja tematu (Czajkowski, Barkarola).
2) kontrast (dwa ciemne) ABA. Część środkowa to okres o charakterze nieekspozycyjnym, w którym nie ma pełni, w końcu narasta niestabilna harmonia (Czajkowski, romans „Wśród hałaśliwej kuli”).
Repryza jest dwojakiego rodzaju:
a) dokładne (dosłowne, statyczne, da capo);
b) zmodyfikowane - urozmaicone, rozszerzone lub skrócone (rzadko).
Odmiana prostej, trzyczęściowej formy - trzypięcioczęściowy utwór ABABA (Liszt, „Sny o miłości”).
złożone kształty
Składają się z 2 lub 3 części, z których każda (przynajmniej jedna) jest prostą formą. Ma wyraźny kontrast przeciwległych sfer figuratywnych.
Złożona dwuczęściowa forma
Zakres zastosowania - wokal kameralny, muzyka operowa, rzadziej - w muzyce instrumentalnej (Mozart, Fantazja d-moll). Występuje w dwóch odmianach:
1) brak powtórki lub powtórka AA1(Bach, HTK II, preludia nr 2,8,9,10,15,20; Skriabin, preludia op.11 nr 3,16,21);
2) kontrast AB. ( Bach, HTC I, Preludia nr 3.21. Nierówność głosów przyczynia się do integralności formy:
a) 1 część - wstępna, 2 - główna (Glinka, Cavatina i Rondo Antonidy z opery „Iwan Susanin”). Lub w Chórze Łowców (Weber, opera „Magiczny strzelec”): część 2 – refren.
Złożona, trzyczęściowa forma
Jest to forma repryzowa, składająca się z 3 części, z których każda jest formą prostą. Ta forma zawiera dwa kontrastujące obrazy z późniejszą konsolidacją pierwszego. Historia powstania: muzyka instrumentalna i wokalna XVII wieku – cykle taneczne, aria da capo. Obszar zastosowania: środkowe części cykli sonatowo-symfonicznych, indywidualne utwory instrumentalne, romanse, arie, chóry. Odmiany:
1) JAK 2) AA1A(aria da capo) 3) ABSA(wśród romantyków)
Cecha pierwszej części: brak kontrastu - forma prywatna jedno-ciemna 2x lub 3x.
Historycznie rzecz biorąc, rozwinęły się dwa typy sekcji środkowej:
1) środkowa część z trio gdzie prezentacja nowego materiału przeważa nad rozwojem. Konstrukcja ta jest stabilna, kompletna w formie i strukturze tonalno-harmonicznej, wyraźnie oddzielona cezurą od części skrajnych (Rachmaninow, Preludium g-moll).
2) środkowa część - epizod gdzie rozwój przeważa nad prezentacją. Konstrukcja ta jest niestabilna tonalnie, harmonicznie i strukturalnie, z płynnym przejściem do repryzy (Czajkowski, „Luty”).
U romantyków zaciera się różnica między triem a epizodem.
Typy powtórzeń:
1) dokładny (Mozart, symfonia g-moll, część III)
2) zróżnicowane (Chopin, nokturn Des-dur)
3) dynamiczny, zawierający figuratywne przemyślenie materiału tematycznego części pierwszej i nowy kontrast figuratywny (Chopin, Nokturn c-moll).
coda- opracowany dodatek po powtórce. Pełni ostatnią funkcję syntezującą. Główne cechy: punkt toniczny, frazy plagalne.
Forma odmiany
Wariacja to forma polegająca na przedstawieniu tematu i jego powtórzeniu w zmodyfikowanej formie: AA1A2… Liczba części nie jest ograniczona. Znaczenie polega na ujawnieniu różnych stanów graficznych nieodłącznie związanych z tematem.
Pochodzenie - związane z tradycją ludową. Zakres użytkowania - utwory samodzielne, fragmenty cykli sonatowo-symfonicznych.
Należy rozróżnić wariację (jest to sposób rozwinięcia tematu) od wariacji, czyli formy wariacyjnej.
Historyczne typy odmian:
1) Wariacje w stylu vintage(XVI - XVII wiek). Wariacje Basso ostinato. 2 typy:
A) passacaglia- duża forma, Maestoso.Niezmienny temat w basie jest zmienny.
B) chaconne- kameralny, liryczny. Zwykle zawarte w dużej formie. Niezmienny wzór harmoniczny jest różny.
Pod koniec XVII w. zatarły się różnice pomiędzy passacaglią a chaconne (Bach, Chaconne d-moll; Handel, Passacaglia z suity g-moll nr 7).
2) Ścisłe różnice. Odmiany VKSh. Odmiany figuratywne, ozdobne.
Funkcje motywu:
1) rejestr środkowy, 2) tempo umiarkowane, 3) faktura akordów,
4) wyraźna funkcjonalność tematu, 5) pieśniowy i taneczny charakter tematu,
6) forma - prosta dwuczęściowa, rzadziej - 3-częściowa, jeszcze rzadziej - kropka.
Zasada zmienności: odtworzenie tematu jako całości, wzbogacenie o jego szczegóły.
Temat się zmienia: wzór melodyczny, rytm, faktura, tempo itp.
Pozostają bez zmian: plan harmoniczny, forma , tonacja (można zastąpić raz tą samą nazwą lub równolegle).
Techniki rozwoju melodii: a) ozdoby, B) intonować, V) transformacja wariantowa. (Mozart, sonata A-dur nr 11, część I).
3) Darmowe odmiany. Powstał w twórczości kompozytorów romantycznych na początku XIX wieku. Odmiany specyficzne dla gatunku. Każda wariacja ma charakter niezależnej zabawy opartej na materiale przewodnim. Motyw jest tylko pretekstem do tworzenia kontrastowych obrazów. Zasada wariacji: element tematyczny jest przedmiotem samodzielnego rozwoju (Rachmaninow, „Rapsodia na temat Paganiniego”).
Podwójne odmiany.
Są to wariacje na dwa tematy. Tematy mogą się różnić zarówno indywidualnie, jak i po kolei (Glinka, „Kamarinskaya”).
Odmiany Glinki(ostinato sopranowe).
Temat pozostaje niezmienny, zmienia się akompaniament (Glinka, chór perski z opery Rusłan i Ludmiła).
forma sonatowa
Forma sonatowa to forma, w której I część (ekspozycja) opiera się na kontraście tonalnym dwóch głównych tematów. Dział 2 (rozwój) intensywnie je rozwija. Część 3 (repryza) łączy tematy w jedność tonalną.
Forma sonatowa jest najwyższą spośród instrumentalnych form homofonicznych, przejmując cechy wszystkich innych form. Dzięki skomplikowanej strukturze forma sonatowa jest w stanie odzwierciedlić żywe kontrasty figuratywne, ucieleśnić złożoną treść w rozwoju i pokazać jakościową zmianę w obrazach.
Forma sonatowa ukształtowała się ostatecznie w twórczości kompozytorów WKSz. Stosowany jest w skrajnych partiach cykli sonatowo-symfonicznych, jako forma jednoczęściowych programowych dzieł orkiestrowych (uwertura, fantazja, malarstwo, wiersz), jako forma uwertury operowej. Rzadko spotykany w muzyce wokalnej (aria Rusłana z opery „Rusłan i Ludmiła” Glinki).
Forma sonatowa zawiera trzy obowiązkowe sekcje: ekspozycję, opracowanie i kodę. Oprócz nich mogą istnieć dodatkowe - wprowadzenie i kod.
ekspozycja
To pokaz obrazów muzycznych, początek dramatu. Opiera się na kontraście tonalnym (tematycznym) części głównej i bocznej. Należy rozróżnić pojęcia części i tematu: część to fragment ekspozycji lub powtórki. Tematem jest materiał muzyczny charakteryzujący obraz.
Główna impreza- częściej o charakterze aktywnym, o silnej woli (ruch wzdłuż dźwięków akordów, impulsywny rytm). Często zawiera wewnętrzny kontrast różnych elementów.
Impreza boczna- głównie liryczny. Zwykle jest to melodyjny motyw gatunkowo-taneczny. Czasami część poboczna składa się z kilku tematów (Beethoven, symfonia „bohaterska”, 1 część). Często partia boczna zawiera przerwę (przesunięcie) - wprowadzenie elementów partii głównej, partii łączącej. To wprowadza napięcie, antycypuje dramat rozwoju.
Typowe proporcje tonalne:
Rozdz. (w dur) - b.p. (w tonacji D)
Rozdz. (w moll) - b.p. (równolegle)
Oprócz części głównej i pobocznej ekspozycja zawiera impreza łącząca , który tonalnie i tematycznie łączy część główną z częścią boczną, rozładowuje energię zgromadzoną w części głównej. Główną cechą części łączącej jest niestabilność tonalna. Partia łącząca może mieć różną skalę: od rozbudowanych konstrukcji do krótkiego grona (Schubert, Symfonia „Niedokończona”, 1 część).
Gra końcowa- podsumowuje ekspozycję, ustala ton partii bocznej. Częściej buduje się na materiale tematów ekspozycji, rzadziej na nowym temacie.
Rozwój
To jest rozwój i kulminacja akcji muzycznej. Kontrast tematów ekspozycji ulega pogłębieniu lub wygładzeniu. Częściej rozwój opiera się na temacie partii głównej, jako bardziej aktywnej i wewnętrznie skonfliktowanej. Główne metody rozwoju motywu:
1) fragmentacja tematu na elementy i ich rozwój tonalny, harmoniczny, fakturowy, rejestrowy, barwowy.
2) polifonizacja tematu.
Rozwój może składać się z kilku odcinków, każdy z własną kulminacją (tzw. falami). Ostatnia sekcja, oparta na akumulacji energii o niestabilnej funkcji, nazywa się orzec. Pojawienie się w rozwinięciu nowego tematu, który nie został usłyszany w ekspozycji, nazywa się epizod(Szostakowicz, Symfonia „Leningradzka”, 1 część).
potrącenie od dochodu
Na tym polega zakończenie akcji muzycznej, w której tematy zbiegają się na zasadzie jedności tonalnej. Repryza formy sonatowej to:
1) dokładny (Beethoven, III symfonia, część I)
2) dynamiczne – figuratywne przemyślenie tematów ekspozycji; początek repryzy zbiega się z kulminacją rozwoju (Szostakowicz, VII Symfonia, część I)
3) lustro (Chopin, ballada nr 1, g-moll)
4) niekompletne, z brakującą częścią główną, która występuje w kodzie (Chopin, II Sonata b-moll).
coda
Jego funkcją jest podsumowanie wyników rozwoju, połączenie kontrastu w jedność, potwierdzenie głównej idei. Im silniejszy kontrast w ekspozycji, im bardziej dynamiczny rozwój rozwoju, tym większa wartość kody. Koda w formie sonatowej może być podobna do drugiego rozwinięcia. Zwykle koda opiera się na materiale tematycznym ekspozycji, rzadziej na nowym temacie.
Sonata Rondo
Jest to forma pośrednia pomiędzy formą ronda a formą sonatową. Schemat : ABA C AB1A, Gdzie AVA- narażenie, Z- epizod , AB1A- powtórz. Odcinek środkowy (centralny) można zastąpić rozwinięciem poprzednich wątków. Według W. Zuckermana „Rondo-sonata to taki rodzaj ronda składającego się z trzech (czasem czterech) odcinków, w którym odcinki skrajne są tematycznie i tonalnie w tej samej proporcji co boczne części ekspozycji i powtórki formy sonatowej . Odmiany:
1) jeśli odcinek centralny Z– opracowanie tematów ekspozycji, wówczas pogląd ten zbliża się do formy sonatowej,
2) jeżeli sekcja środkowa Z- odcinek, a potem - do ronda.
Znaki formy sonatowej:
*) kontrast tonalny tematów A I W na początku i ich jedność tonalną na końcu
*) epizod W– nie konstrukcja pośrednia, lecz sprzeciw Ch. n. jako niezależna strona
Różnica w stosunku do formy sonatowej:
*) powtórzenie rozdz. n. na końcu ekspozycji i powtórki
Znaki ronda:
*) powstrzymaj się przynajmniej trzy razy
*) tematyka gatunkowa i taneczna
Różnica od ronda:
*) powtórzenie nowego odcinka w nowej tonacji.
Zakres: finały cykli sonatowo-symfonicznych, czasem jako utwory samodzielne. Wprowadzenie do sonaty ronda nie jest typowe, możliwa jest koda. Beethoven, sonata nr 8, finał, część środkowa - odcinek. Mozart, sonata nr 17, finał, część środkowa – rozwinięcie).
Formy cykliczne
Forma cykliczna to forma składająca się z kilku uzupełnionych, kontrastujących ze sobą części, połączonych wspólną ideą.
Istnieją dwa rodzaje form cyklicznych:
1) zestaw, w którym dominuje kontrast części,
2) cykl sonatowo-symfoniczny (wokalno-symfoniczny, wokalny, instrumentalny), w którym najważniejsza jest jedność cyklu.
Zestaw.
Jest to dzieło cykliczne, składające się z szeregu różnorodnych utworów. Historyczne typy apartamentów:
1) Starożytny apartament (partita). XVI-XVIII wiek. Składa się z czterech tańców:
a) allemanda(taniec niemiecki) - tempo wolne, 4/4, magazyn polifoniczny;
b) dzwonki(taniec francuski) – tempo umiarkowane, 3/4, magazyn polifoniczny;
c) Sarabanda(taniec hiszpański) - wolne tempo, 3/4, faktura akordów;
d) giga(taniec angielski) - tempo szybkie, rytm triolowy. Oprócz tańców głównych do suity czasami wprowadzano tańce dodatkowe - gawot, menuet, bure itp. Suitę otwierało preludium czyli toccata. (Bacha, suity angielskie, niemieckie, francuskie).
2) Apartament VKSh . Główne gatunki: kasacje, rozrywki, serenady (Mozart, „Mała nocna serenada”). Następuje odrzucenie obowiązkowego tańca i zbliżenie się do cyklu sonatowo-symfonicznego.
3) Nowy apartament (2 ćwierć XIX w.). Jego cechami są: duże znaczenie programowania, ujednolicenie części według określonej fabuły, zwiększony kontrast części (Schumann, „Karnawał”). Suita może składać się z głównych numerów muzycznych spektaklu, baletu, opery (Grig, Peer Gynt).
Cykl sonatowo-symfoniczny
Cykl sonatowo-symfoniczny obejmuje gatunki symfonii, sonaty, koncertu, kwartetu. Klasyczny cykl sonatowo-symfoniczny składa się z 4 części, obejmujących Allegro w formie sonatowej, część wolną, menuet (później scherzo) i finał. W gatunkach koncertowych i sonatowych nie ma menueta. Kompozytywna jedność części cyklu przejawia się w organizacji tempa całości, w powiązaniach tonalno-harmonicznych, tematycznych i figuratywnych.
Części cyklu sonatowo-symfonicznego są niejako fazami ujawniania koncepcji utworu jako całości. Każda część cyklu ma swoje typowe gatunki i formy:
1 część(sonata Allegro) - forma sonatowa.
część 2(Andante, Adagio) - forma złożona 3-częściowa, forma sonatowa bez rozwinięcia, forma wariacyjna, czasem - rondo.
część 3(Menuet) to złożona, trzyczęściowa forma.
część 4(Finale) - forma sonatowa lub rondo (rondo-sonata).
Połączenia tonalne: skrajne partie są zapisane w tej samej tonacji lub w tej samej tonacji, druga część - w tonacji S, w tej samej tonacji lub równolegle. Część 3 – w tonacji głównej.
Formy swobodne i mieszane
Są to niecykliczne formy muzyczne, które nie mieszczą się w typowych formach muzyki klasycznej i romantycznej lub łączą w sobie cechy różnych form. Formy swobodne różnią się od form mieszanych tym, że formy mieszane łączą formę sonatową z innymi formami. W formularzach bezpłatnych formularze pakietowe są łączone z innymi formularzami. Formy swobodne kojarzą się z gatunkami rozrywkowej muzyki instrumentalnej (walce Straussa, potpourri). Rondalność często staje się zasadą wiodącą. Każdy nowy obraz muzyczny ma skończoną formę. Formy swobodne charakteryzują kompozycje posiadające program.
Swobodne formy epoki baroku - fantazje organowe i klawesynowe oraz gatunki z nimi związane. Cechą charakterystyczną form swobodnych 2. połowy XVIII w. jest mieszanina cech homofonicznych i polifonicznych.
Wzrost znaczenia form swobodnych i mieszanych w XIX w. (ballady, wiersze, rapsodie) zdeterminowany jest estetyką romantyzmu. Cechuje je szczegółowe wyeksponowanie kontrastujących wątków, wzrost intensywności rozwoju, transformacja i zbieżność obrazów oraz dynamizacja części repryzowo-kodowej.
W XIX-XX w. formy swobodne opierały się na idei, która wpływała na formę (program). Indywidualna „kompozycja formy” staje się zasadą kompozycji w drugiej połowie XX wieku.
Formy polifoniczne
1) symulacja, polegająca na opracowaniu jednego tematu.
2) nieimitacja (kontrastowanie), polegająca na jednoczesnym łączeniu (kontrastowaniu) różnych tematów.
Polifonia powstała w XIV wieku jako rodzaj muzyki kościelnej na chór a cappella. Główne gatunki polifoniczne to fuga, fughetta, ricercar, inwencja itp.
Fuga
Fuga jest najwyższą formą imitacji polifonii. Główne elementy kompozycyjne fugi: temat, odpowiedź, kontrapozycja, przerywnik (budowanie tematów, w oparciu o rozwój elementów tematów) i stretta (imitatywne wprowadzenie tematu jednym głosem przed zakończeniem go drugim).
Fuga składa się zwykle z trzech części:
1 sekcja- narażenie. Jest to sekwencyjne wprowadzenie głosów z tematem w stosunku T-D. Pomiędzy II a III prezentacją tematu, a także po całej ekspozycji, pojawiają się przerywniki dźwiękowe.
2 sekcja- rozwój, polegający na realizacji tematu w kluczach podrzędnych. Stosowane są przekształcenia motywów i przerywników.
3 sekcja- powtórz. Rozpoczyna się powrotem tematu (w tonacji głównej), który odbywa się we wszystkich głosach.
Stretta jest szeroko stosowana w repryzie.
Fuga na jeden temat nazywa się fugą prostą, na dwa tematy nazywa się podwójną, na trzy nazywa się potrójną. Fugi podwójne i potrójne występują z ekspozycją oddzielną lub wspólną. Fuga może mieć budowę dwuczęściową: część 1 – ekspozycja, część 2 – wolna.
Fughetta - mała fuga o mniej poważnym charakterze. Oparty na prostych rodzajach imitacji.
Cechy formacji w muzyce wokalnej i chóralnej
Synteza tekstu i muzyki powoduje, że poszczególne części formy wokalnej są mniej kompletne niż w formach instrumentalnych. Dlatego początkowe okresy form wokalnych często kończą się połową kadencji. Często spotyka się niekwadratową strukturę okresów początkowych, która jest swobodna w stosunku do struktury wewnętrznej.
Kolejna cecha form wokalnych – ich mała przydatność do rozwoju tematycznego – wiąże się z dwoma przyczynami:
2) o jednolitej strukturze metrycznej i strukturalnej tekstu poetyckiego.
Jest to jeden z powodów rzadkiego stosowania formy sonatowej w muzyce wokalnej.
Jednolita struktura tekstu poetyckiego może prowadzić do tego, że w środku zachowana jest struktura konstrukcji ekspozycyjnych, ale ze zróżnicowaniem tonalno-harmonicznym, melodycznym, fakturalnym. Istnieje tak zwany „wariant środkowy”.
Częściej niż w muzyce instrumentalnej, w muzyce wokalnej zdarzają się także powtórki wariantowe.
W przypadku form wokalnych charakterystyczne jest przenikanie się różnych zasad kształtowania, prowadzące do form syntetycznych.
Wśród specjalnych form muzyki wokalnej istnieją 3 główne typy, które okazały się historycznie bardzo stabilne:
1) forma dwuwiersza
2) zróżnicowana forma
3) poprzez formę wokalną.
Muzyka jest złożoną i trudną do zrozumienia formą sztuki, ponieważ w odróżnieniu od innych form sztuki nastawiona jest wyłącznie na percepcję słuchową. Istnieją różne punkty widzenia na pytanie, co stanowi treść muzyki:
1) „Muzyka jest czymś całkowicie wrodzonym, wewnętrznym, nie wymagającym żadnych doświadczeń czerpanych z życia” (I. Goethe).
2) G. Laroche: „Muzyka odzwierciedla ogólnego ducha epoki”.
3) E. Hanslick: „W muzyce nie ma treści” (czyli żadnej informacji). „Treść muzyczna to ruch form dźwiękowych”.
4) B. Asafiew: „Fuga jest królową logiki”.
5) Przede wszystkim muzyka odzwierciedla emocjonalny świat człowieka. Sama emocja nie ma znaczenia, świat emocji jest zawsze w ruchu. Zatem podstawą muzyki jest ruch emocji. Według L. Mazela w muzyce powinna panować jedność emocji i myśli, tj. Emocje trzeba zrozumieć, a myśli trzeba poczuć.
Rozpoznajemy treść muzyczną za pomocą słuchu intonacyjnego, który jest swego rodzaju „organem komunikacji”. Słuch intonacyjny wyróżnia 4 stany emocjonalne swojego rozmówcy-muzyki:
a) Zadzwoń – ostro, stopniowo, bez wahania (ruch w górę);
b) Petycja - żałośnie, niepewnie (ruch w dół);
c) Gra - żywiołowa i łatwa, wirtuozowska (ruch motoryczny);
d) Medytacja – spokojnie, z umiarem (powrót do tej samej prędkości).
Dramaturgia muzyczna
Jest to system środków wyrazu i technik ucieleśniania akcji dramatycznej w dziełach gatunku muzycznej sceny (opera, balet, operetka). Dramaturgia muzyczna opiera się na ogólnych prawach dramatu jako jednej z form sztuki: obecności wyraźnego centralnego konfliktu, który objawia się w walce sił akcji i reakcji; pewna sekwencja etapów rozwoju idei dramatycznej (ekspozycja, fabuła, rozwój, punkt kulminacyjny, rozwiązanie). Te ogólne wzorce znajdują swoiste odbicie w każdym z rodzajów sztuki muzycznej i dramatycznej, zgodnie z naturą ich środków wyrazu, a rola muzyki determinuje szereg cech ich kompozycji, która różni się od konstrukcji dramat literacki.
W trakcie rozwoju historycznego rozwinęły się pewne formy, które służą ucieleśnieniu akcji scenicznej: w operze - recytatyw, aria, arioso, zespoły, chóry. W balecie - tańce klasyczne i charakterystyczne, zespoły. Formy te nie pozostają niezmienne. Tym samym dramaturgię operową wzbogacają pewne metody rozwoju symfonicznego (motywy przewodnie itp.). W utworach muzycznych gatunków scenicznych widoczne są oznaki wariacji, podobieństwa do ronda, sonaty.
Pojęcie dramaturgii odnosi się także do dzieł muzyki instrumentalnej. Zatem dramat jest jedną z konkretnych form symfonizmu (ponieważ metoda symfonizmu jest niczym innym jak metodą dramatycznego rozwoju tematyzmu).
Gatunki muzyczne i zasady ich klasyfikacji
W odsłanianiu treści dzieła muzycznego istotna jest rola gatunku. Gatunek odnosi się z reguły do społecznej roli muzyki, warunków bytu, warunków środków wykonawczych. Gatunki to historycznie ustalone typy, typy, odmiany dzieł muzycznych, które są łączone i rozdzielane według szeregu cech.
Problemem gatunku w muzykologii rosyjskiej zajmowali się V. Zuckerman i A. Sohor. Zuckerman rozróżnia gatunki ze względu na charakter treści – liryczne, narracyjno-epopetyczne, motoryczne, obrazowo-obrazowe. Sohor rozróżnia gatunki ze względu na warunki wykonawcze, egzystencjalne – codzienne (codzienne), masowe – codzienne, koncertowe, teatralne. Jest to najbardziej ogólna klasyfikacja gatunków, w obrębie której można wyróżnić podziały (Bobrovsky określa je mianem „gatunków wtórnych”).
Gatunki można również podzielić na proste i złożone. Proste - piosenka, taniec, marsz. Dzielą się też na mniejsze (pieśni – robotnicze, liryczne itp. Marsze – pogrzebowe, wojskowe itp.). Gatunki proste nazywane są inaczej domowymi (codziennymi), co podkreśla ich cel użytkowy. Złożone gatunki można usystematyzować za pomocą środków wykonawczych:
1) gatunki instrumentalne – muzyka symfoniczna, kameralna, solowa
2) gatunki wokalne – chóralna, zespołowa, solowa z akompaniamentem
3) mieszane gatunki instrumentalne i wokalne – kantaty, oratoria
4) gatunki teatralne – opery, balety, operetki itp.
styl muzyczny
Styl muzyczny (od łacińskiego „rysik” – kij do pisania, czyli sposób prezentacji) to koncepcja estetyki i historii sztuki, utrwalająca systemowy charakter środków wyrazu. W estetyce kategoria stylu pojawiła się pod koniec XVI wieku w związku ze zróżnicowaniem muzyki profesjonalnej, która wcześniej miała charakter przede wszystkim kultowy. W XVII wieku styl oznaczał cechę gatunku i szkół narodowych. Od XVII wieku dodano szersze znaczenie - styl epoki historycznej (styl polifoniczny i nowy styl - homofoniczno-harmoniczny). W XIX wieku pojęcie stylu nabiera wąskiego znaczenia – indywidualnego stylu twórczości kompozytora. W XX wieku, ze względu na niekiedy ostre różnice pomiędzy poszczególnymi etapami twórczości jednego kompozytora, styl wyznacza dowolny okres twórczości autora lub odrębne dzieło.
Pojęcie stylu muzycznego ma walor wartościujący, wskazując na jedność, organiczną relację środków wyrazu dzieła, stosunek tradycji do nowatorstwa w języku indywidualnego kompozytora.
forma muzyczna
Pojęcie „formy” w muzyce ma kilka znaczeń:
1) jako kategoria estetyczno-filozoficzna, to znaczy muzyczne ucieleśnienie treści lub holistyczna organizacja środków wyrazu muzycznego (melodia, harmonia, rytm, barwa itp.) mająca na celu ucieleśnienie treści. Jest to forma w najszerszym tego słowa znaczeniu.
2) jako koncepcja muzyczna, czyli rodzaj kompozycji, schemat formy według Asafiewa, forma kompozycji (na przykład forma sonatowa, fuga itp.).
3) jako indywidualny, niepowtarzalny obraz dzieła muzycznego. Asafiew: „Istnieje tylko jeden schemat sonatowy i tyle jest form jego przejawów, ile samych form sonatowych”.