Oto lista 10 kompozytorów, których powinieneś znać. O każdym z nich można śmiało powiedzieć, że jest największym kompozytorem wszechczasów, chociaż w istocie nie da się, a wręcz nie da się, porównywać muzyki powstałej na przestrzeni kilku wieków. Jednak wszyscy ci kompozytorzy wyróżniają się na tle swoich współczesnych jako kompozytorzy, którzy skomponowali muzykę. najwyższy poziom i starał się przesuwać granice muzyka klasyczna do nowych granic. Na liście nie ma żadnej kolejności, takiej jak ważność czy osobiste preferencje. Po prostu 10 wspaniałych kompozytorów, których powinieneś znać.
Każdemu kompozytorowi towarzyszy przytoczony fakt z jego życia, przypominający, że będziesz wyglądać jak znawca. A klikając link do imion, rozpoznasz go pełna biografia. I oczywiście możesz posłuchać jednego z nich znaczące dzieła każdy mistrz.
Najważniejsza postać światowej muzyki klasycznej. Jeden z najczęściej wykonywanych i szanowanych kompozytorów na świecie. Pracował we wszystkich gatunkach, jakie istniały w jego czasach, włączając w to operę, balet, muzykę do przedstawień dramatycznych i kompozycje chóralne. Uwzględniono najważniejsze w jego spuściźnie utwory instrumentalne: sonaty na fortepian, skrzypce i wiolonczelę, koncerty na fortepian, skrzypce, kwartety, uwertury, symfonie. Twórca okresu romantyzmu w muzyce klasycznej.
Interesujący fakt.
Beethoven chciał najpierw zadedykować swą trzecią symfonię (1804) Napoleonowi, kompozytora zafascynowała osobowość tego człowieka, który dla wielu na początku swego panowania wydawał się prawdziwym bohaterem. Kiedy jednak Napoleon ogłosił się cesarzem, Beethoven przekreślił swoją dedykację na stronie tytułowej i napisał tylko jedno słowo – „Bohaterskie”.
„Sonata księżycowa” L. Beethovena, Słuchać:
2. (1685-1750)
Niemiecki kompozytor i organista, przedstawiciel epoki baroku. Jeden z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki. W ciągu swojego życia Bach napisał ponad 1000 dzieł. Wszystkie jego dzieła są znaczące gatunki tamtych czasów, z wyjątkiem opery; podsumował osiągnięcia sztuki muzycznej okresu baroku. Przodek najsłynniejszej dynastii muzycznej.
Interesujący fakt.
Za życia Bach był tak niedoceniany, że opublikowano zaledwie kilkanaście jego dzieł.
Toccata i fuga d-moll J.S. Bacha, Słuchać:
3. (1756-1791)
Wielki austriacki kompozytor, instrumentalista i dyrygent, przedstawiciel Wiednia szkoła klasyczna, wirtuoz skrzypka, klawesynisty, organisty, dyrygenta, posiadał fenomenalną umiejętność ucho do muzyki, pamięć i umiejętność improwizacji. Jako kompozytor, który wyróżnił się w każdym gatunku, słusznie uważany jest za jednego z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki klasycznej.
Interesujący fakt.
Mozart jeszcze jako dziecko nauczył się na pamięć i spisał Miserere (pieśń kat. do tekstu 50. Psalmu Dawida) Włocha Grigorio Allegriego, przesłuchawszy ją tylko raz.
„Mała nocna serenada” W. A. Mozarta, Słuchać:
4. (1813-1883)
Niemiecki kompozytor, dyrygent, dramaturg, filozof. Wywarł znaczący wpływ na kulturę europejską przełomu XIX i XX wieku, zwłaszcza na modernizm. Opery Wagnera zadziwiają rozmachem i odwiecznymi wartościami ludzkimi.
Interesujący fakt.
Wagner brał udział w nieudanej rewolucji 1848-1849 w Niemczech i został zmuszony do ukrywania się przed aresztowaniem przez Franciszka Liszta.
„Walkiria” z opery „Walkiria” R. Wagnera, Słuchać
5. (1840-1893)
Włoski kompozytor, centralna postać włoskiej szkoły operowej. Verdi miał wyczucie sceny, temperament i nienaganny warsztat. Nie zaprzeczył tradycjom operowym (w przeciwieństwie do Wagnera), ale raczej je rozwinął (tradycje opery włoskiej), przekształcił operę włoską, napełnił ją realizmem, nadał jej jedność całości.
Interesujący fakt.
Verdi był włoskim nacjonalistą i został wybrany do pierwszego włoskiego parlamentu w 1860 roku, po uzyskaniu przez Włochy niepodległości od Austrii.
Uwertura do opery „Traviata” D.Verdiego, Słuchać:
7. Igor Fiodorowicz Strawiński (1882-1971)
Rosyjski (amerykański - po emigracji) kompozytor, dyrygent, pianista. Jeden z najważniejszych kompozytorów XX wieku. Twórczość Strawińskiego była zjednoczona przez całą jego karierę, chociaż w różnych okresach styl jego dzieł był inny, ale rdzeń i rosyjskie korzenie pozostały, co przejawiało się we wszystkich jego dziełach, uważany jest za jednego z czołowych innowatorów XX wieku. Jego innowacyjne zastosowanie rytm i harmonia inspirowały i inspirują wielu muzyków, nie tylko w muzyce klasycznej.
Interesujący fakt.
Podczas I wojny światowej rzymscy celnicy skonfiskowali portret Strawińskiego pędzla Pabla Picassa, gdy kompozytor opuszczał Włochy. Portret został namalowany w futurystyczny sposób, a celnicy pomylili te koła i linie z jakimś zaszyfrowanym tajnym materiałem.
Suita z baletu I.F. Strawińskiego „Ognisty ptak”, Słuchać:
8. Johanna Straussa (1825-1899)
Austriacki kompozytor lekka muzyka, dyrygent i skrzypek. „Król Walców”, uprawiał muzykę taneczną i operetkę. W jego dziedzictwo muzyczne ponad 500 walców, polek, tańców kwadratowych i innych rodzajów muzyki tanecznej, a także kilka operetek i baletów. Dzięki niemu walc stał się w XIX wieku niezwykle popularny w Wiedniu.
Interesujący fakt.
Ojcem Johanna Straussa jest także Johann i także znany muzyk, dlatego „królem walców” nazywany jest młodszym lub synem, jego bracia Joseph i Eduard byli także znanymi kompozytorami.
Walc I. Straussa „Nad pięknym błękitnym Dunajem”, Słuchać:
9. Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow (1873-1943)
Austriacki kompozytor, jeden z wybitni przedstawiciele Wiedeńska szkoła muzyki klasycznej i jeden z twórców romantyzmu w muzyce. W swoim krótkim życiu Schubert wniósł znaczący wkład w muzykę orkiestrową, kameralną i fortepianową, która wywarła wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Jednak jego najbardziej uderzający wkład polegał na rozwoju romansów niemieckich, których stworzył ponad 600.
Interesujący fakt.
Przyjaciele i inni muzycy Schuberta spotykali się i grali muzykę Schuberta. Spotkania te nazywano „Schubertiadami” (Schubertiadami). Pierwszy fanklub!
„Ave Maria” F.P. Schubert, Słuchać:
Kontynuując temat wielkich kompozytorów, których warto znać, nowy materiał.
Pojęcie „kompozytora” pojawiło się po raz pierwszy w XVI wieku we Włoszech i od tego czasu jest używane w odniesieniu do osoby komponującej muzykę.
kompozytorzy XIX w
W XIX wieku wiedeńską szkołę muzyczną reprezentował tak wybitny kompozytor, jak Franz Peter Schubert. Kontynuował tradycję romantyzmu i wywarł wpływ na całe pokolenie kompozytorów. Schubert stworzył ponad 600 niemieckich romansów, przenosząc gatunek na nowy poziom.
Franza Piotra Schuberta
Inny Austriak, Johann Strauss, zasłynął ze swoich operetek i lekkich form muzycznych o charakterze tanecznym. To on uczynił walca najpopularniejszym tańcem w Wiedniu, gdzie do dziś odbywają się bale. Ponadto w jego spuściźnie znajdują się polki, kadryle, balety i operetki.
Johanna Straussa
Wybitnym przedstawicielem modernizmu w muzyce końca XIX wieku był Niemiec Ryszard Wagner. Jego opery do dziś nie straciły na aktualności i popularności.
Giuseppe Verdiego
Wagnera można skontrastować z majestatyczną postacią włoskiego kompozytora Giuseppe Verdiego, który pozostał wierny operowym tradycjom i nadał włoskiej operze nowy oddech.
Piotr Iljicz Czajkowski
Wśród rosyjskich kompozytorów XIX wieku wyróżnia się imię Piotra Iljicza Czajkowskiego. Cechuje go niepowtarzalny styl, łączący europejskie tradycje symfoniczne z rosyjskim dziedzictwem Glinki.
Kompozytorzy XX wieku
Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow
Jeden z najwybitniejszych kompozytorów przełomu XIX i XX wieku słusznie uważany jest za Siergieja Wasiljewicza Rachmaninowa. Jego styl muzyczny opierał się na tradycjach romantyzmu i istniał równolegle z ruchami awangardowymi. To właśnie za jego indywidualność i brak analogii jego twórczość została wysoko oceniona przez krytyków na całym świecie.
Igor Fiodorowicz Strawiński
Drugim najbardziej znanym kompozytorem XX wieku jest Igor Fedorowicz Strawiński. Z pochodzenia Rosjanin, wyemigrował do Francji, a następnie do USA, gdzie w pełni pokazał swój talent. Strawiński to innowator, nie bojący się eksperymentować z rytmami i stylami. W jego twórczości można prześledzić wpływ tradycji rosyjskich, elementy różnych ruchów awangardowych i niepowtarzalny indywidualny styl, za co nazywany jest „Picasso w muzyce”.
Wstęp
Barok, rokoko, klasycyzm to główne nurty w sztuce XVIII wieku, które przejawiały się we wszystkim - w literaturze, malarstwie, architekturze i muzyce.
Ewolucja muzyki w XVIII wieku osiąga epokę świetlaną. Formy powstałe na początku XVII wieku osiągają najwyższy poziom doskonałości.
Na początku XVIII wieku najpopularniejszym stylem muzycznym był sentymentalny klasycyzm. Była to powolna, niespieszna muzyka, niezbyt skomplikowana. Grali ją na instrumentach smyczkowych. Zwykle towarzyszyła balom i biesiadom, ale i oni lubili jej słuchać w miłej, domowej atmosferze. Następnie cechy i techniki rokoka, takie jak tryl i flagoyet, zaczęły wpadać w muzykę lutniową. Nabrał bardziej skomplikowanego wyglądu, frazy muzyczne stały się bardziej złożone i interesujące. Muzyka stała się bardziej oderwana od rzeczywistości, bardziej fantastyczna, mniej poprawna i przez to bliższa słuchaczowi.
Bliżej drugiej połowy XVIII wieku cechy rokoka tak bardzo wtopiły się w muzykę, że zaczęła ona nabierać pewnej orientacji. Wkrótce więc w muzyce wyraźnie wyłoniły się dwa kierunki: muzyka do tańca i muzyka do śpiewu. Balom towarzyszyła muzyka do tańca, muzyka do śpiewu rozbrzmiewała w kameralnej atmosferze.
Klasycyzm był kulminacją sztuki klasycznej.
Ta praca podkreśla musical Sztuka XVIII scharakteryzowano wieki jako epokę powstania klasyki muzycznej w jej głównych zjawiskach i gatunkach (opera, fuga, sonata, symfonia), scharakteryzowano twórczość Bacha, Handla, Glucka, Haydna, Mozarta i innych kompozytorów; dzieła wybitnych kompozytorów. Praca składa się ze wstępu, trzech rozdziałów części głównej, zakończenia oraz spisu literatury.
1. Muzyczny kultura XVIII wiek
W historii sztuki muzycznej wiek XVIII miał ogromne znaczenie i nadal cieszy się ogromnym zainteresowaniem. To era powstania klasyki muzycznej, narodzin majora koncepcje muzyczne zasadniczo już świecka treść figuratywna. Muzyka nie tylko osiągnęła poziom innych sztuk, które rozkwitły od czasów renesansu, osiągnęła poziom literatury w jej najlepszym wydaniu, ale w ogóle przekroczyła poziom osiągany przez wiele innych sztuk (w szczególności sztuk wizualnych) i pod koniec stulecia był w stanie stworzyć duży styl syntetyzujący o tak wysokiej i trwałej wartości, jak symfonia wiedeńskiej szkoły klasycznej.
Bach, Handel, Gluck, Haydn i Mozart to uznane szczyty na tej ścieżce sztuki muzycznej od początku do końca stulecia. Jednak rola tak oryginalnych i poszukujących artystów, jak Jean Philippe Rameau we Francji, Domenico Scarlatti we Włoszech, Philippe Emanuel Bach w Niemczech jest również znacząca, nie mówiąc już o wielu innych mistrzach, którzy towarzyszyli im w powszechnym ruchu twórczym.
Jak wiadomo, Niemcy, Włochy i Francja ze swoimi szkołami kreatywnymi zajmowały wiodącą pozycję w rozwoju sztuki muzycznej tamtych czasów. Ale udział w tym procesie także innych krajów nie budzi wątpliwości. Warunki muzyczne i społeczne Anglii, w jakich powstawały oratoria Handla, wpływ hiszpańskiej kultury muzycznej na Scarlattiego, wiodąca rola czeskich mistrzów w powstaniu kaplicy w Mannheim, słowiańskie i węgierskie korzenie szeregu tematów haydniowskich. przekonujące przykłady tego.
W ogóle twórcze powiązania pomiędzy różnymi krajami europejskimi, zauważalne już wcześniej, co najmniej w XV, XVI w. XVII wieki, rosną w siłę i intensyfikują się przez cały XVIII. Wyraża się to nie tylko we wzajemnym wzbogacaniu samego pisarstwa muzycznego, gatunków muzycznych, ich tematów, zasad rozwoju form muzycznych, ale także w ogólnym oddziaływaniu ideologicznym i estetycznym, które nasiliło się w nowych warunkach historycznych. Jeśli teoretycznie można by wyobrazić sobie Johanna Sebastiana Bacha czy Glucka (a także Handla czy Mozarta) rozwijających się w izolowanym środowisku swojego kraju, to wielu z nich najważniejsze cechy ich wielka sztuka wydawałaby się bezpodstawna, trudna do wyjaśnienia, wręcz paradoksalna. Skąd bierze się wielka tragedia w sztuce Bacha, która jednak pozostaje mądra i harmonijna? Skąd bierze się to najgłębsze poczucie tragizmu, które u artystów XVII wieku nie osiągnęło takiej siły? Jeżeli wynika to ze świadomości trudnego losu ojczyzny, to dlaczego nie znalazła ona ucieleśnienia dużo wcześniej? Bo to właśnie warunki historyczne XVIII wieku, przykład innych krajów obudziły w nowym pokoleniu nową ostrość samoświadomości, a wraz z nią nowe uczucia, nowe oceny.
Wiadomo, że w zrujnowanych i rozdrobnionych Niemczech feudalnych Oświecenie nastąpiło tam z pewnym opóźnieniem i nie miało tam tak wyraźnie rewolucyjnego charakteru. Ale w przededniu Oświecenia sztuka muzyczna niemieckich mistrzów wznosi się na wysokie szczyty figuratywnych uogólnień i koncepcji twórczych Bacha i Handla, syntetyzując wszystko, co najlepsze z tradycji historycznych i widząc drogę do odległej przyszłości. A w wyniku Oświecenia kształtuje się austro-niemiecka szkoła twórcza, reprezentowana przez klasyków wiedeńskich, która na nowym etapie osiąga najwyższą twórczą zasadę symfonii. W tej atmosferze, która w ten czy inny sposób jest odczuwalna we wszystkich krajach europejskich, następuje intensywny rozwój szeregu narodowych szkół twórczych, zyskujących siłę, niezależność, zdobywający autorytet artystyczny właśnie w XVIII wieku dzięki nowym osiągnięciom w dziedzinie dziedzina świeckiej sztuki muzycznej.
Rosyjska szkoła twórcza o kierunku czysto świeckim kształtuje się właśnie w XVIII wieku, choć jej początki sięgają głębin wieków. Rośnie znaczenie i twórczy wpływ czeskiej szkoły muzycznej, szeroko reprezentowanej przez gatunki instrumentalne i wyrażającej się poprzez tworzenie oper.
Wiek XVIII okazał się owocny dla polskiej szkoły twórczej, która ma długie tradycje, a obecnie doskonali nowe. główne gatunki muzykę instrumentalną i teatralną.
Na wspólnych ścieżkach rozwój muzyczny Od początku do końca XVIII w. wiele już zjednoczyło lub zbliżyło kraje Europy Zachodniej (co stało się najbardziej widoczne w ostatniej trzeciej dekadzie stulecia). We Francji i Włoszech rozpoczyna się spór wokół dawnych gatunków operowych, które poddawane są poważnej i ostrej krytyce porządku społeczno-estetycznego. W wielu krajach pojawiają się nowe, postępowe trendy operowe, związane z pojawieniem się gatunków opery komicznej, komediowej: opera buffa we Włoszech, opera komiczna we Francji, singspiel w Niemczech i Austrii, komediowe przedstawienia muzyczne w Hiszpanii. A co szczególnie istotne, wszystkie kraje Europy Zachodniej w taki czy inny sposób uczestniczą w ruchu w stronę nowego stylu szkoły wiedeńskiej, który oznacza triumf magazynu homofoniczno-harmonicznego i form sonatowo-symfonicznych. Bez względu na to, jak różne były tradycje i możliwości twórcze każdego z krajów, zmianę stylistyczną około połowy stulecia i dalszy rozwój zasad sonatowo-symfonicznych przygotował cały system wysiłków twórczych wielu mistrzów Włoch, Francji, Niemcy, nie wspominając już o pochodzeniu ludowo-narodowym, pochodzącym zewsząd.
Sztuki wizualne i architekturę tego okresu charakteryzowały się bardzo wyszukanymi formami, złożonością, przepychem i dynamiką, później to słowo zostało zastosowane do muzyki tamtych czasów. Techniki pisania i wykonania epoki baroku stały się integralną i znaczącą częścią klasycznego kanonu muzycznego. Ozdoba muzyczna stała się bardzo wyrafinowana, notacja muzyczna bardzo się zmieniła i rozwinęły się sposoby gry na instrumentach. Poszerzyły się granice gatunków, wzrosła złożoność wykonywania utworów muzycznych. Duża liczba Terminy i koncepcje muzyczne z epoki baroku są nadal w użyciu.
Kompozytorzy baroku pracowali w różnych gatunkach muzycznych. Opera, która pojawiła się w okresie późnego renesansu, stała się jedną z głównych form muzycznych. Można przywołać twórczość takich mistrzów gatunku jak Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi i innych. Gatunek oratoryjny osiągnął swój szczyt w twórczości I.S. Bacha i Handla. W epoce baroku narodziły się tak genialne dzieła, jak fugi Jana Sebastiana Bacha, chór Alleluja z oratorium Mesjasz Georga Friedricha Handla, Cztery pory roku Antonia Vivaldiego, Nieszpory Claudia Monteverdiego.
Sonaty i suity instrumentalne pisano zarówno na instrumenty indywidualne, jak i dla orkiestry kameralne. Gatunek koncertowy pojawił się w obu postaciach: na jeden instrument z orkiestrą oraz jako Concerto Grosso, w którym niewielka grupa instrumentów solowych kontrastuje z pełnym zespołem. Splendoru i splendoru wielu dworów królewskich dodawały także dzieła w formie uwertury francuskiej, z kontrastującymi z nimi partiami szybkimi i wolnymi. Utwory klawiszowe były często pisane przez kompozytorów dla własnej rozrywki lub jako materiał dydaktyczny. Takie dzieła są dojrzałymi dziełami I.S. Bacha, powszechnie uznawane za intelektualne arcydzieła epoki baroku: Klawiersz o dobrym temperamencie, Wariacje Goldbergowskie i Sztuka fugi.
Głównym instrumentem muzycznym baroku były organy w świeckiej muzyce sakralnej i kameralnej. Szeroko stosowano także klawesyn, struny szarpane i smyczkowe, a także instrumenty dęte drewniane: różne flety, klarnety, obój, fagot.
Upadkowi baroku towarzyszył długi okres współistnienia starego i nowy technik. W wielu miastach niemieckich barokowa praktyka wykonawcza przetrwała do lat 90. XVIII w., np. w Lipsku, gdzie J.S. Kawaler. W Anglii trwała popularność Handla zapewniła sukces mniej znanym kompozytorom tworzącym w zanikającym obecnie stylu barokowym: Charlesowi Avisonowi, Williamowi Boyce’owi i Thomasowi Augustine’owi Arne’owi. W Europie kontynentalnej styl ten uznano już za przestarzały; Posiadanie go wymagane było jedynie do komponowania muzyki sakralnej i ukończenia występujących wówczas w wielu konserwatoriach. Ale ponieważ wiele w muzyce barokowej stało się podstawą edukacji muzycznej, wpływ stylu barokowego zachował się nawet po odejściu baroku jako stylu wykonawczego i kompozytorskiego.
Muzyka okresu klasycznego lub muzyka klasyczna odnosi się do okresu rozwoju muzyki europejskiej w przybliżeniu między 1730 a 1820 rokiem. Wybitne osiągnięcie drugiej połowy XVIII wieku. to powstanie wiedeńskiej szkoły klasycznej, której przedstawicielami są J. Haydn, W. Mozart i L. van Beethoven, zwali klasykami wiedeńskimi i wyznaczyli kierunek dalszy rozwój kompozycja muzyczna.
To właśnie w tym okresie ukształtował się głównie skład współczesnej orkiestry symfonicznej, gatunki symfonii, sonaty, tria, kwartetu i kwintetu. W allegro sonatowym rodzi się nowy sposób myślenia muzycznego, a później w twórczości Beethovena nowy sposób myślenia muzycznego – symfonizm. Znacząca reforma w pracy V.A. Mozarta i K.F. Gluck testuje gatunek operowy, pokonując skostniałą konwencjonalność opery arystokratycznej. W pracy K.F. Gluck i L. Van Beethoven wyodrębniają się jako samodzielny gatunek baletu.
Estetyka klasycyzmu opierała się na wierze w racjonalność i harmonię porządku świata, co objawiało się dbałością o równowagę części dzieła, starannym wykończeniem detali i wypracowaniem głównych kanonów formy muzycznej. To właśnie w tym okresie ukształtowała się ostatecznie forma sonatowa, oparta na rozwoju i opozycji dwóch przeciwstawnych tematów, oraz ustalono klasyczną kompozycję części sonaty i symfonii. W okresie klasycyzmu pojawia się Kwartet smyczkowy, składający się z dwojga skrzypiec, altówki i wiolonczeli, znacznie poszerza skład orkiestry.
Tak więc, przy wszystkich swoich trudnościach, estetycznych sprzecznościach, a nawet wstrząsach, ze swoimi kontrastami i najwyższą jednością, wiek XVIII był wielką erą sztuki muzycznej, czasem jej pięknego rozkwitu. Przy całej różnorodności stylistycznej i gatunkowej kultury muzycznej XVIII wieku można wyróżnić główne kierunki rozwoju:
Muzyka świecka stopniowo wypiera muzykę duchową, zaciera się wyraźna wcześniej granica pomiędzy tymi biegunami kultury muzycznej.
Muzyka instrumentalna staje się coraz bardziej popularna.
Kształtuje się orkiestra symfoniczna i podstawowe metody pisania orkiestrowego.
Kolejne etapy rozwoju opery. Pojawienie się nowych gatunków, klasycznych i romantycznych.
Rozkwit klasycyzmu - sonata, symfonia, koncert. forma sonatowa.
Nowa harmonia i nowe obrazy w romantyzmie.
Powstanie szkół narodowych.
Dziedzictwo kulturowe XVIII wieku do dziś zadziwia niezwykłą różnorodnością, bogactwem gatunków i stylów, głębią zrozumienia ludzkie namiętności, największy optymizm, wiara w człowieka i jego umysł.
bach, kompozytor barokowego klasycyzmu
2. Wybitni kompozytorzy XVIII wieku
Najbardziej znane nazwiska tego okresu I.S. Bach, G.F. Handel. Ich prace można oceniać na różne sposoby: ocena zależy od gustów i trendów. Ale każdy na swoim polu, wypełnił swoją misję z równą doskonałością. Siła ich twórczości skupiała wokół siebie wszystko, co istotne, co dotychczas osiągnęła muzyka europejska.
Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) to jeden z najwybitniejszych kompozytorów w historii muzyki. W ciągu swojego życia Bach napisał ponad 1000 dzieł. W jego twórczości reprezentowane są wszystkie znaczące gatunki tamtych czasów, z wyjątkiem opery; podsumował wszystkie osiągnięcia sztuki muzycznej tego okresu.
W kształtowaniu osobowości i twórczości Bacha ważna rola grał kulturę muzyczną niemieckiego protestantyzmu. To nie przypadek, że większość dorobku kompozytora to muzyka sakralna. Do siebie popularny gatunek XVIII w., Opera, nie miał zastosowania.
Bach nigdy nie opuścił Niemiec, zresztą mieszkał głównie nie w stolicy, ale w miastach prowincjonalnych. Znał jednak wszystkie znaczące wydarzenia w muzyce tamtych czasów. Kompozytorowi udało się w swojej twórczości połączyć tradycje śpiewu protestanckiego z tradycjami europejskich szkół muzycznych. Dzieła Bacha wyróżniają się filozoficzną głębią, koncentracją myśli i brakiem próżności. Najważniejsza cecha jego muzyka to niesamowite wyczucie formy. Wszystko jest tu niezwykle zrównoważone, wyważone, a jednocześnie emocjonalne. Różne elementy języka muzycznego układają się w jeden obraz, w efekcie osiągana jest harmonia całości.
Twórczość Bacha, muzyka uniwersalnego, podsumowała dorobek sztuki muzycznej kilku stuleci z pogranicza baroku i klasycyzmu. Bach, artysta o żywym narodowym pochodzeniu, łączył tradycje śpiewu protestanckiego z tradycjami austriackiej, włoskiej i francuskiej szkoły muzycznej.
Gatunkiem wiodącym w twórczości wokalnej i instrumentalnej Bacha jest kantata duchowa. Bach stworzył 5 rocznych cykli kantat, które różnią się przynależnością do kalendarza kościelnego, źródłami tekstowymi (psalmy, zwrotki chóralne, poezja „wolna”), rolą chorału itp.
Z świeckie kantaty najbardziej znane to „Chłop” i „Kawa”. Rozwinięte w dramaturgii kantowanej, zasady znalazły realizację w masach, „Pasja”. „Wysoka” masa w h-moll, „John Passion”, „Matthew Passion” stała się zwieńczeniem wielowiekowej historii tych gatunków.
Muzyka organowa zajmuje centralne miejsce w twórczości instrumentalnej Bacha. Syntetyzując doświadczenie improwizacji organowej odziedziczone po swoich poprzednikach (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J.A. Reinken), różne wariacyjne i polifoniczne metody komponowania oraz współczesne mu zasady wykonawstwa koncertowego, Bach przemyślał i zaktualizował tradycyjne gatunki muzyka organowa- toccata, fantasy, passacaglia, preludium chorałowe.
Bach, wirtuoz wykonawca, jeden z największych koneserów instrumentów klawiszowych swoich czasów, stworzył obszerną literaturę na temat klawesynu. Wśród dzieł Claviera ważne miejsce zajmuje „Klawiersz Dobrego Temperamentu” – pierwsze doświadczenie w historii muzyki o zastosowaniu artystycznym opracowane na przełomie XVII i XVIII wieku. układ hartowany.
Największy polifonista, w fugach, Bach stworzył niezrównane przykłady, swoistą szkołę umiejętności kontrapunktowych, której kontynuację i dopełnienie stanowi Sztuka fugi, nad którą Bach pracował przez ostatnie 10 lat swojego życia. Bach był autorem jednego z pierwszych koncertów na instrumenty klawiszowe – Koncertu Włoskiego (bez orkiestry), który w pełni zatwierdził niezależne znaczenie clavier jako instrument koncertowy.
Muzyka Bacha na skrzypce, wiolonczelę, flet, obój, zespół instrumentalny, orkiestrę – sonaty, suity, partity, koncerty – oznacza znaczące poszerzenie możliwości ekspresyjnych i technicznych instrumentów, ujawnia głęboką znajomość instrumentów i uniwersalizm w ich interpretacji .
Wśród utworów Bacha na inne instrumenty główne miejsce zajmują sonaty skrzypcowe, partity i koncerty. Być z młode lata znakomity skrzypek, kompozytor Bach doskonale rozumiał możliwości instrumentu, jego „styl”, podobnie jak opanował „styl” organów i clavier. Nowy magazyn w tym czasie muzyka skrzypcowa służyła mu za wzór przy tworzeniu nie tylko dzieł skrzypcowych, co zostało już odnotowane na przykładzie koncertów. Jednocześnie rozwiniętą polifonię, wypracowaną w formach muzyki organowej i klawesynowej, Bach starał się przenieść na sonaty skrzypcowe, stawiając temu instrumentowi niezwykle wysokie wymagania. „W istocie wszystkie jego dzieła tworzone są na instrument idealny, zapożyczając z klawiatury możliwości gry polifonicznej, a ze smyczków – wszelkie zalety wydobywania dźwięku” – słusznie podsumowuje Albert Schweitzer. , były ważnym etapem na drodze do symfonii klasycznej.
Za życia Bacha opublikowano niewielką część jego dzieł. Twórczość Bacha jest tak głęboka i wieloaspektowa, że jego współcześni nie byli w stanie jej docenić. Prawdziwa skala geniuszu Bacha, która wywarła ogromny wpływ na dalszy rozwój europejskiej kultury muzycznej, zaczęła się urzeczywistniać dopiero po jego śmierci. Musiało upłynąć całe stulecie, aby Bacha uznano za wielkiego kompozytora.
Rozwój opery i oratorium wiąże się z nazwiskiem Georga Friedricha Handla (1685-1759). Już w wieku dwunastu lat Handel pisał kantaty kościelne i utwory organowe. W 1702 roku objął stanowisko organisty w katedrze protestanckiej w rodzinne miasto- Galle, ale szybko zdał sobie sprawę, że muzyka kościelna nie jest jego powołaniem. Kompozytora znacznie bardziej pociągała opera.
Jako kompozytor operowy Handel przebywał we Włoszech. Wystawienie Agrypiny (1709) w Wenecji przyniosło mu sławę, a wystawiona w Londynie opera Rinaldo (1711) uczyniła Handla największym kompozytorem operowym w Europie. Brał udział w przedsięwzięciach operowych (tzw. akademiach), wystawiał własne opery, a także dzieła innych kompozytorów; Szczególnie udana dla Handla była praca w Królewskiej Akademii Muzycznej w Londynie. Handel tworzył kilka oper rocznie. W latach trzydziestych XVIII wieku kompozytor szuka nowych dróg w teatrze muzycznym – wzmacnia rolę chóru i baletu w operach („Ariodant”, „Alcina” oba – 1735).
Na twórczość operową Handla wpłynęła dramaturgia muzyczna R. Kaisera. Handel, artysta oświeceniowy, podsumował osiągnięcia muzycznego baroku i utorował drogę muzycznemu klasycyzmowi. Nie zrywając całkowicie z kanonami opery seria, Handel osiągnął napięty rozwój akcji poprzez kontrastowanie warstw dramatycznych.
Pracował także w gatunku włoskiej opery seria. Muzyka o niezwykłej urodzie zrobiła na słuchaczach ogromne wrażenie. W sumie mistrz stworzył ponad czterdzieści dzieł tego gatunku. Jednak nie wszyscy zaakceptowali operę seria w Anglii. To nie przypadek, że ogromnym sukcesem odniosła się Opera Żebracza (1728; muzyka Johanna Christopha Pepuscha, libretto: John Gay), która parodiowała opery włoskie, które zdaniem niektórych utrudniały rozwój teatru narodowego.
Doprowadził włoską operę seria na próg reform. Gluck zacznie to realizować dopiero ponad dwadzieścia lat później, kiedy zostaną stworzone ku temu niezbędne warunki historyczne. Sam Handel będzie kontynuował swoje poszukiwania w gatunku oratoryjnym.
Twórczość Handla charakteryzuje monumentalno-heroiczny styl, optymistyczny, afirmujący życie początek, łączący heroizm, epickość, liryzm, tragiczność, duszpasterstwo w jedną harmonijną całość. Po wchłonięciu i twórczym przemyśleniu wpływów języka włoskiego, francuskiego, angielska muzyka, Handel pozostał w początkach twórczości i sposobu myślenia niemieckiego muzyka.
W latach 40., po niepowodzeniu opery Deidamia (1741), Handel nie zwracał się już ku tego typu sztuce muzycznej i cały swój czas poświęcił oratorium – najwyższemu osiągnięciu twórczemu G.F. Handel.
Nowe dzieła kompozytora zostały ciepło przyjęte przez publiczność. Handel stworzył trzydzieści dwa oratoria. W oratorium nie objętym ścisłymi ograniczeniami gatunkowymi Handel kontynuował poszukiwania w zakresie dramatu muzycznego, fabuły i kompozycji.
Zwrot ten nie pozostanie bez konsekwencji na dalszej drodze kompozytora. Tworząc prawdziwie heroiczne oratoria, zwróci się ku tematom i obrazom związanym z ideą poświęcenia, poświęcenia w losie człowieka, nieodpartej śmiertelnej zagłady bohatera lub bohaterki. Tak, i wszystko, co Handel osiągnął przez wiele lat w sztuce operowej, wszystko, co najlepsze, co tu znalazł, nie przejdzie obok oratorium. Do najpopularniejszych dzieł Handla należy oratorium Izrael w Egipcie (1739), Mesjasz (1742), które po udanej premierze w Dublinie spotkało się z ostrą krytyką duchowieństwa. Sukces późniejszych oratoriów, m.in. „Judasz Machabeusz” (1747) przyczynił się do udziału Handla w walce z próbami restauracji dynastii Stuartów. Na materiale legend biblijnych i ich odzwierciedleniu w poezji angielskiej Handel odsłonił obrazy nieszczęść i cierpień ludzi, wielkość walki ludu z uciskiem zniewolonych. Handel był twórcą nowego typu dzieł wokalno-instrumentalnych, łączących w sobie skalę (potężne chóry) i surową architekturę. Oratoria Handla zadziwiają siłą brzmienia chóru, wirtuozowskim wykorzystaniem polifonii, miękkimi i giętkimi, wyrazistymi melodiami arii. Refren ma podkreślać monumentalność wydarzenia, jego wielkie znaczenie dla ludzkości, a arie – siłę uczuć bohatera.
W gatunku oratoryjnym, jak w żadnym innym, Handel mógł swobodnie dysponować mszami chóralnymi, wciągając chór w epicką narrację lub dramatyczna akcja. Nie przyszło mu nawet do głowy naśladować włoskich wzorców oratorium, które w jego czasach bardziej skłaniało się ku formom operowym niż monumentalności chóralnej. Wydaje się, że podobnie jak Bach Handel zawsze interesował się dużymi formami polifonicznymi.
Na wskroś kreatywny sposób Handel zajmował się także gatunkami instrumentalnymi; najwyższa wartość mieć jego Concerti Grossi. Rozwój motywów, szczególnie w dzieła orkiestrowe, styl homofoniczno-harmoniczny dominuje u Handla nad polifonicznym rozwinięciem materiału, melodię wyróżnia długość, intonacja i energia rytmiczna oraz klarowność wzoru. Jedynie w porównaniu z operami i oratoriami Handla jego muzyka instrumentalna może wydawać się mniej znacząca. Ale samo w sobie jest dla niego bardzo orientacyjne, silnie powiązane z głównymi obszarami jego twórczości i pełne artystycznych zainteresowań. Choć na ciernistej drodze kompozytora dzieła instrumentalne miały raczej charakter relaksu niż ostatecznego wysiłku, udało mu się napisać ich naprawdę sporo: ponad 50 koncertów, ponad 40 sonat i około 200 utworów na clavier, clavier czy organy, jak a także różne kompozycje instrumentalne. Tak więc, gdyby Handel nie tworzył niczego poza oratoriami, jego spuścizna twórcza i tak musiałaby zostać uznana za imponującą. Ale jest właścicielem ponad czterdziestu oper, w tym niezliczonych stron pięknej muzyki. Przy wszystkich znaczących różnicach gatunkowych, odmiennej relacji między muzyką a tekstem, włoskie opery Handla w swoim właściwym sensie muzycznym przygotowały wiele na gamę obrazów w jego oratoriach. Z kolei ciągła ewolucja jego kaplica wielostronne poszukiwania w tym zakresie miały nieocenioną wartość zarówno dla historii oratorium, jak i dla dalszej historii opery. Jego twórczość wywarła znaczący wpływ na artystów kolejnych pokoleń, zwłaszcza na przedstawicieli wiedeńskiej szkoły klasycznej. Twórczość Handla wywarła znaczący wpływ na J. Haydna, V.A. Mozart, L. Beethoven, MI. Glinka.
3. Muzyka rosyjska XVIII wieku
Zanim osiągnęła swój rozkwit i powstanie na początku XIX w. pierwszych narodowych szkół kompozytorskich, przeszła długą drogę rozwoju. Do połowy XVIII wieku muzyka świecka nie była głównie profesjonalna gatunki muzyczne zajmował się folklorem i muzyką sakralną. Głównymi gatunkami były cant i koncert chóralny. Koncert chóralny był ważnym etapem przejściowym od muzyki kościelnej do profesjonalnej muzyki świeckiej. Najbardziej złożoną formą rosyjskiej sztuki muzycznej XVIII wieku uważa się za „koncert duchowy na chór”. W XVIII wieku nastąpił decydujący zwrot w całej muzyce rosyjskiej. Zaczyna dominować muzyka świecka, wprowadzane są nowoczesne formy muzyki profesjonalnej – koncerty symfoniczne i kameralne, rozwija się muzykowanie domowe. Muzyka typu europejskiego z zapisem nutowym została pomyślnie zatwierdzona.
Narodził się rosyjski teatr muzyczny, który opierał się na tradycjach śpiewu chóralnego, stosowaniu różnych troparionów, pieśni. W ostatniej tercji XVIII wieku w Rosji pojawił się prawdziwy teatr muzyczny. Szczególnie znane były teatry forteczne Szeremietiewów i Woroncowa. Od lat trzydziestych XVIII w. w Petersburgu działał włoski teatr dworski, dla którego pracowali tacy kompozytorzy jak Baltassare Galuppi i Domenico Cimarosa. W 1780 roku w Moskwie powstał pierwszy muzyczny Teatr Pietrowski w Rosji. Od 1783 r występy muzyczne wystawiony w Petersburgu w Teatrze Kamiennym. Za tym przykładem podążano miasteczka prowincjonalne. W ostatniej ćwierci XVIII w. powstała narodowa szkoła kompozytorska, która przejęła wolnościowe idee edukacyjne, zainteresowanie pieśnią ludową, dla której głównymi gatunkami były opera komiczna, romans liryczny i wariacje na tematy rosyjskie. Wśród różnych gatunków muzyki zawodowej końca XVIII wieku pierwsze miejsce zajmuje opera. To opera tej epoki staje się najbardziej rozwiniętą, najbardziej profesjonalną, a jednocześnie najbardziej masową formą twórczości muzycznej. Nic dziwnego, że właśnie w gatunku operowym najwyraźniej ujawnił się potencjał twórczy rosyjskich kompozytorów XVIII wieku. Opera przyciąga i szeroka publiczność i najlepsze siły twórcze. Opera wywołuje żywe reakcje opinia publiczna w poezji, literaturze i krytyce. Z wielką bezpośredniością i kompletnością odzwierciedla postępowe, demokratyczne tendencje sztuki rosyjskiej.
Wraz z operą w Rosji coraz większą popularność zyskują różne gatunki muzyki kameralnej. W połowa osiemnastej stulecia powszechne stały się koncerty kameralne na dworze. Muzyka kameralna cieszyła się dużym powodzeniem w amatorskich kręgach arystokratycznych. W tym czasie rola orkiestry dworskiej zauważalnie wzrosła. Na początku lat 60. orkiestra została podzielona na dwie niezależne grupy muzyków – wykonawców muzyki operowej oraz symfonicznej i towarzyskiej. Takie zróżnicowanie było niewątpliwą oznaką wzrostu sił wykonawczych.
Maksym Bieriezowski i Dmitrij Bortnyansky byli znakomitymi kompozytorami operowymi i instrumentalnymi. Evstigney Fomin zasłynął w gatunku opery „pieśniowej” o motywach rosyjskich („Woźnice na rozstawie” do tekstu N.A. Lwowa) oraz w gatunku opery tragediowej („Orfeusz” do tekstu Ya.B. Kniażnina). Wirtuoz skrzypka Ivan Khandoshkin – autor uroczo melodyjnych sonat i wariacji na temat języka rosyjskiego motywy ludowe. Popularność Osip Kozłowski zyskał dzięki patriotycznym polonezom („Grzmo zwycięstwa, oddźwięk!”) i „pieśniom rosyjskim”.
Tak więc muzyka rosyjska XVIII wieku odzwierciedlała gwałtowny i szybki rozwój, który miał miejsce we wszystkich sferach. życie publiczne w Rosji popietrowej.
Rodzaj splotu tego, co narodowe i ogólnoeuropejskie, nieco naiwnego i dojrzałego, starego i nowego, duchowego i świeckiego – wszystko to razem składa się na niepowtarzalny obraz muzyki rosyjskiej epoki oświecenia.
Wniosek
Podsumowując, zwróćmy pokrótce uwagę na następującą kwestię. W XVIII wieku zaczyna nabierać kształtu język muzyczny, o którym będzie wówczas mówić cała Europa, formy osiągają najwyższy poziom doskonałości. Wielcy mistrzowie działający w różnych krajach swoją twórczością określają całą sztukę muzyczną tego okresu.
W twórczości kompozytora okres ten reprezentują takie style artystyczne, jak klasycyzm, barok, rokoko. Wraz z istniejącymi już monumentalnymi gatunkami mszy i oratorium, w tym okresie powstaje i wkrótce staje się wiodącym, zasadniczo nowy gatunek- operę. Wreszcie utwierdza się dominacja muzyki świeckiej. Jego treść obejmuje szeroki zakres tematów i obrazów; rozwija się publiczne życie muzyczne; otwierać stałe instytucje muzyczne – opery, filharmonie; udoskonalane są instrumenty smyczkowe i dęte instrumenty muzyczne; rozwija się drukowanie nut.
Muzyka XVIII wieku wysuwała dwa gigantyczne niedostępne szczyty - Handla i Bacha. Minęło ponad dwieście lat, a zainteresowanie ich muzyką wciąż rośnie.
Pod koniec tego okresu rozpoczyna się tworzenie symfonii i baletu. Równolegle z rozkwitem polifonii swobodnej, która zaczyna zastępować polifonię ścisły styl, w tańcu codziennym, a później w muzyce profesjonalnej, rodzi się kompozycja homofoniczno-harmoniczna. W krajach, w których trwa obecnie proces formowania się narodów, kształtują się wysoko rozwinięte narodowe kultury muzyczne. Tak więc we Włoszech rodzi się opera, oratorium i kantata, aktualizacja muzyki instrumentalnej, we Francji - opera-balet, nowe formy miniatur clavier, w Anglii - szkoła wirginistów clavier.
Zdecydowany zwrot w muzyce rosyjskiej nastąpił w XVIII wieku: zaczęła dominować muzyka świecka, wprowadzono nowoczesne formy muzyki profesjonalnej - koncerty symfoniczne i kameralne, rozwinęło się muzykowanie domowe, z sukcesem ugruntowała się muzyka typu europejskiego z notacją muzyczną, i pojawiły się pierwsze opery.
Dostali trudny udział.
Mało znani kompozytorzy XVIII wieku, poprzednicy i współcześni Michaiła Iwanowicza Glinki. Zachowało się niewiele informacji na ich temat.
Zachowało się bardzo mało informacji na temat wybitny kompozytor i skrzypaczka Ivana Khandoshkina. Pochodzący ze środowiska pańszczyźnianego otrzymał dobre wykształcenie. Uczył się gry na skrzypcach u jednego z Włochów mieszkających w Rosji i wkrótce osiągnął ogromne umiejętności jako wykonawca.
Iwan Chandoszkin. Canzone.
Iwan Chandoszkin. „W dół matki wzdłuż Wołgi”
Interesujące są także jego liczne kompozycje na skrzypce: wariacje na tematy ludowe, sonaty. Ucieleśniają w nich rosyjskie pieśni ludowe, choć zauważalne jest powiązanie z muzyką ogólnoeuropejską. Równie niewiele wiemy o innych rosyjskich kompozytorach XVIII wieku, takich jak Daniił Kaszyn, Fedor Dubyansky, Wasilij Paszkiewicz. Wiadomo tylko, że wielu z nich zdobyło dobre wykształcenie muzyczne za granicą, zostało tam docenionych i nagrodzonych tytułami honorowymi. Ale nie wszystkim udało się osiągnąć to, do czego zostali powołani, nie wszyscy osiągnęli w sztuce takie wyżyny, jakie były w ich mocy. W Rosji kompozytorzy ci wiele zrobili dla rozwoju muzyki narodowej. A jednak, będąc ludźmi utalentowanymi i wykształconymi, pozostali na pozycji poddanych. Będąc całkowicie zdani na kaprysy swoich panów, często łączyli obowiązki muzyczne z obowiązkami woźnicy, leśniczego, lokaja. Ta pozycja, która upokarza godność człowieka, która nie pozwoliła talentowi w pełni się ujawnić, była przyczyną wielu tragedii, a nawet śmierci niektórych muzyków.
Taki jest na przykład los Maksyma Bieriezowskiego. Wraz z wielkim Mozartem znakomicie wziął udział w konkursie Akademii Muzycznej w Bolonii i otrzymał tytuł akademika. Wielkim sukcesem okazała się jedna z oper rosyjskiego kompozytora wystawiona za granicą. Według współczesnych „połączono w nim żywotność i dobry smak wiedza muzyczna„. Ale po powrocie do Rosji Bieriezowski okazał się dla nikogo bezużyteczny i nie mógł znaleźć zastosowania dla swojego błyskotliwego talentu. Doprowadzony do rozpaczy popełnił samobójstwo – miał 32 lata.
Maksym Bieriezowski. Sonata na skrzypce i klawesyn.
Maksym Bieriezowski. „Nie odrzucaj mnie na starość”
Równie wcześnie z powodu skrajnej biedy i gruźlicy zmarł Stepan Dechterew, kolejny wybitny rosyjski muzyk, poddany hrabiego Szeremietiew. „Zniszczył go talent i niewolnictwo” – napisał jeden z jego uczniów. „Niezwykły talent wcześnie zwrócił na niego uwagę znawców, a jego mistrz, hrabia Szeremietiew, zapewnił mu możliwości rozwoju. Został wysłany do Włoch na poprawa.
Jego kompozycje muzyczne zapewnił mu tam świetną reputację. Ale wracając do ojczyzny, zastał surowego despotę, który według rewizji miał prawo do duszy genialny człowiek chciał bezwarunkowo przywłaszczyć sobie i jej inspirację: położył na nim żelazną rękę. Jedno z rozkazów hrabiego wymownie mówi o pozbawionym praw wyborczych położeniu muzyka: „Nauczyciel koncertów Stepan Dekhterev za dawanie im koncertów nieznajomym potrąca mu z pensji 5 rubli. i przekaż go piosenkarzowi Chapovowi za jego ogłoszenie. Wybitny rosyjski kompozytor, dyrygent, śpiewak – Dekhterev zarabiał 177 rubli rocznie. 70 kopiejek, zwykli muzycy orkiestry – obcokrajowcy otrzymali 1225 rubli. Niemniej jednak Stepan Dekhterev pozostawił po sobie wiele oryginalnych kompozycji, wśród których wyróżnia się pierwsze rosyjskie oratorium na fabule narodowej „Minin i Pożarski, czyli wyzwolenie Moskwy”. Jego sukces był tak duży, że oratorium było wielokrotnie wykonywane jako jedno z najważniejszych dzieł muzyki rosyjskiej. początek XIX wiek. Gazety odnotowały, że „w skład orkiestry wchodziło tylko prawie 200 rosyjskich muzyków i śpiewaków, pod dyrekcją samego Dechterewa”. Muzyka oratorium, pełna wzniosłego heroicznego patosu, do dziś zachwyca surowym, męskim pięknem.
Stepan Dechteriew. Oratorium „Minin i Pożarski”, preludium.
Aria Dmitrija Pożarskiego z Oratorium „Minin i Pożarski”
Stepan Dechteriew. „Dziś Chrystus jest w Betlejem”.
Daniił Kaszyn, zapalony miłośnik i kolekcjoner rosyjskich pieśni ludowych, wiele zrobił dla rozpowszechniania rosyjskich pieśni ludowych. Współcześni nazywali go „ulubieńcem obywateli Moskwy”, „słowikiem rosyjskich pieśni”. Według współczesnych Kaszyn „podsłuchał te pieśni zarówno woźniców na głównej drodze, jak i rosyjskiego chłopa na polu”. Dobra znajomość pieśni ludowych pozwoliła mu skompilować i wydać dość duży jak na tamte czasy zbiór rosyjskich pieśni ludowych - jeden z pierwszych zbiorów w Rosji. Kashin był znakomitym pianistą i dyrygentem – sam wykonywał własne kompozycje, które cieszyły się dużym zainteresowaniem. Ale przez całe życie był muzykiem pańszczyźnianym. Dopiero na krótko przed śmiercią udało mu się jednak z największymi trudnościami uzyskać „wolne”. Tragiczny był także los innych utalentowanych muzyków ludowych.
A jednak ślad, jaki pozostawili w muzyce rosyjskiej, jest ogromny: ich opery, utwory instrumentalne, utwory na fortepian i skrzypce, romanse i pieśni odegrały ważną rolę w rozwoju muzyki rosyjskiej swoich czasów. Kompozytorzy ci z reguły posiadali wysoko rozwinięte poczucie godności narodowej, utwierdzając je w przeciwieństwie do arystokratów, którzy mieli upodobanie do wszystkiego, co obce. W połowie XVIII w. muzyka była szeroko włączona w życie wszystkich warstw społeczeństwa rosyjskiego, a jej nauczano w zamkniętych pensjonatach i szkołach. Wszędzie tam, gdzie gromadziło się nawet małe społeczeństwo, rozbrzmiewała muzyka. „Zwyczaj grania muzyki zakorzenił się wszędzie, w całej Rosji” – napisał o tym czasie akademik B.V. Asafiew. - Bez względu na to, jak okrutna była moralność i jak fatalna była sytuacja muzyków pańszczyźnianych (a także aktorów), niemniej jednak szerzyła się za ich pośrednictwem kultura wokalna i instrumentalna, rozwijały się gusta, kształtowali się wybitni wykonawcy i kompozytorzy. że zanim szlachta wypchnęła kompozytorów ze swojego środowiska, rosyjską kulturę muzyczną tworzyli już utalentowani ludzie niskiego, lub, jak to mawiali, „podłego” pochodzenia.
Najwybitniejszą i znaczącą postacią muzyki rosyjskiej XVIII wieku był utalentowany kompozytor Evstigney Ipatoevich Fomin. Dzięki swojej pracy reformatorskiej pozostawił głęboki ślad. Ale większość jego dzieł albo została zagubiona i zapomniana, albo dotarła do nas w postaci oddzielnych fragmentów.
Syn żołnierza, dzięki swojemu błyskotliwemu talentowi, został wysłany do Włoch, gdzie doskonalił się pod okiem słynnego Padre Martini (który był kiedyś nauczycielem wielkiego Mozarta). Tam w Bolonii Fomin otrzymał tytuł akademika. A kiedy wrócił do ojczyzny, otrzymał honorowy rozkaz - napisania opery „Nowogród Bogatyr Boeslavich” do libretta Katarzyny II (autokratka czasami zabawiała się swoją próżnością, tworząc bezpretensjonalne, pretensjonalne wiersze i dramaty). Ale nadworny kompozytor z Fomina nie wyszło.
Evstigney Fomin. Uwertura „Orfeusz i Zvrydice”
W XVIII wieku większość państw europejskich została objęta ruchem oświeceniowym. Dzięki reformom Piotra I Rosja aktywnie uczestniczy w tym procesie, przyłączając się do osiągnięć Cywilizacja europejska. Jej zwrot ku Europie, który dał początek zjawisku „rosyjskiej europejskości”, nastąpił w typowo rosyjski sposób – nagle i zdecydowanie. Interakcja z bardziej ugruntowanymi osobami szkoły artystyczne Europa Zachodnia pozwoliła sztuce rosyjskiej przejść ścieżkę „przyspieszonego rozwoju”, po opanowaniu w historycznie krótkim czasie europejskich teorii estetycznych, świeckich gatunków i form.
Głównym osiągnięciem rosyjskiego oświecenia jest rozkwit twórczości osobistej, która zastępuje bezimienną twórczość artystów. Starożytna Ruś. Wdrażana jest formuła Łomonosowa: „ziemia rosyjska urodzi własnych Platonów i bystrych Newtonów”.
Nadchodzi czas aktywnego kształtowania świeckiego światopoglądu. Sztuka świątynna nadal się rozwija, ale stopniowo schodzi na dalszy plan życie kulturalne Rosja. Tradycja świecka jest wzmacniana na wszelkie możliwe sposoby.
W muzyce XVIII wieku, podobnie jak w literaturze i malarstwie, kształtuje się nowy styl, zbliżony do europejskiego klasycyzm.
Nowe formy życia wyższego społeczeństwa – spacery po parkach, przejażdżki wzdłuż Newy, iluminacje, bale i „maskarady”, zgromadzenia i przyjęcia dyplomatyczne – przyczyniły się do powszechnego rozwoju muzyka instrumentalna. Dekretem Petraviego w każdym pułku pojawili się wojskowi. Orkiestry dęte. Oficjalne uroczystości, bale i festyny uświetniały dwie orkiestry dworskie i chór dworski. Za przykładem dworu poszła szlachta petersburska i moskiewska, która założyła domowe orkiestry. W majątkach szlacheckich powstawały także orkiestry forteczne i teatry muzyczne. Szerzy się muzykowanie amatorskie, nauczanie muzyki staje się obowiązkowym elementem szlacheckiego wychowania. Pod koniec stulecia różnorodne życie muzyczne charakteryzowało życie nie tylko Moskwy i Petersburga, ale także innych rosyjskich miast.
Wśród nowości muzycznych nieznanych Europie był orkiestra róg , stworzony przez rosyjskiego cesarskiego kameralistę I.A. Maresh w imieniu S.K. Naryszkin. Maresh stworzył zgrany zespół składający się z 36 rogów (3 oktawy). Brali w nim udział muzycy pańszczyźniani, którzy wcielili się w rolę żywych „klawiszy”, gdyż każdy róg mógł wydawać tylko jeden dźwięk. W repertuarze znalazła się klasyczna muzyka europejska, w tym złożone kompozycje Haydna i Mozarta.
W latach 30-tych XVIII wieku w Rosji, sąd Opera włoska, którego spektakle odbywały się w wakacje dla „wybranej” publiczności. W tym czasie do Petersburga ściągało wielu czołowych muzyków europejskich, głównie Włochów, m.in. kompozytorzy F. Araya, B. Galuppi, J. Paisiello, J. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya w 1755 napisał muzykę do pierwszej opery z tekstem rosyjskim. Było to libretto A.P. Sumarokov na fabule Metamorfoz Owidiusza. Opera stworzona w gatunku włoskim seria , nazywano Cefalos i Prokris.
W epoce Piotrowej nadal rozwijały się narodowe gatunki muzyczne, takie jak koncert partes i cant.
Kantów czasów Piotra Wielkiego często nazywano „Vivatami”, gdyż przepełnieni byli gloryfikacją zwycięstw militarnych i przemian („Raduj się, ziemio Rossko”). Muzykę pieśni „powitalnych” charakteryzują zwroty fanfar, uroczyste rytmy poloneza. Ich występom często towarzyszył dźwięk trąb i dzwonków.
Era Piotrowa była kulminacją rozwoju śpiewu partii chóralnych. Genialny mistrz koncertu partes V.P. Titow zajął miejsce pierwszego muzyka na dworze cara Piotra. To on otrzymał polecenie napisania uroczystego koncertu z okazji zwycięstwa wojsk rosyjskich w Połtawie w 1709 r. („Za kompozycją powstała nazwa „Triumf Połtawy” „Rtsy us now”).
W połowie XVIII stulecia pragnienie efektów chóralnych na koncertach partesowych osiągnęło przerośnięte formy: pojawiły się kompozycje, których partytury liczyły łącznie do 48 głosów. W drugiej połowie stulecia uroczysty koncert par zastąpił nowe zjawisko artystyczne – koncert duchowy.W ten sposób przez cały XVIII wiek minął rosyjski śpiew chóralny Wielka droga ewolucja - od stylu monumentalnych partii, budzącego skojarzenia z barokowym stylem architektonicznym, po wysokie przykłady klasycyzmu w twórczości M. S. Bieriezowskiego i D. S. Bortnyanskiego, którzy stworzyli klasyczny typ rosyjskiego koncertu duchowego.
Rosyjski duchowy koncert chóralny
W XVIII wieku znacznie się rozwinęła treść gatunkowa dzieła chóralne. Były chóralne aranżacje pieśni ludowych, chóralna muzyka operowa, muzyka taneczna z chórem (najbardziej znanym przykładem jest polonez Kozłowskiego „Grzmot zwycięstwa rozbrzmiewa” do słów Derzhavina, który na końcu XVIII zyskało na znaczeniu hymn narodowy Imperium Rosyjskie).
Wiodącym gatunkiem chóralnym jest rosyjski koncert duchowy, który był swego rodzaju symbolem starożytnej tradycji narodowej. Koncert duchowy osiągnął swój szczyt w epoce Katarzyny (1762-1762). 1796). To był dobry czas kultura rosyjska. Próba ożywienia ducha reform Piotrowych zakończyła się dużym sukcesem. Polityka, ekonomia, nauka i kultura ponownie otrzymały impuls do rozwoju. Najbardziej praktyka nauczania utalentowani przedstawiciele nauki i sztuki za granicą. Bliskie kontakty kulturalne Rosji z oświeconą Europą nie mogły nie wpłynąć na pojawienie się pierwszych doświadczeń profesjonalnej twórczości kompozytorskiej.
W tym okresie powstało ponad 500 dzieł z gatunku koncertowego. Zwrócili się do niego prawie wszyscy znani nam rosyjscy kompozytorzy drugiej połowy. XVIII wiek.
Zrodzony w głębi partesnojowej polifonii, koncert duchowy w całym swoim rozwoju integrował dwie zasady – tradycję śpiewu kościelnego i nowe świeckie myślenie muzyczne. Koncert był również punktem kulminacyjnym usługi kościelne oraz jako dekoracja ceremonii dworskich. Był przedmiotem tematów i obrazów poruszających głębokie problemy moralne i filozoficzne.
Jeśli „Partes Concerto” można w pewnym stopniu porównać do koncert brutto , wówczas ma strukturę klasycznego koncertu chóralnego wspólne cechy z cyklem sonatowo-symfonicznym. Składała się zazwyczaj z trzech lub czterech różnych części o kontrastujących sposobach prezentacji, w części końcowej z reguły dominowały metody opracowania polifonicznego.
Wybitni kompozytorzy zagraniczni mieszkający w Petersburgu (D. Sarti, B. Galuppi) wnieśli ogromny wkład w powstanie rosyjskiego klasycznego koncertu chóralnego. Szczytowe osiągnięcia rosyjskiej muzyki chóralnej Oświecenia kojarzone są z nazwiskami M.S. Bieriezowski i D.S. Bortniański.
Maksym Sozontowicz Bieriezowski (1745-1777)
MS Bieriezowski - wybitny mistrz Rosyjska muzyka chóralna XVIII wieku, jeden z pierwszych przedstawicieli narodowej szkoły kompozytorskiej. Zachowane dzieła kompozytora są niewielkie objętościowo, ale bardzo istotne w swojej istocie historycznej i artystycznej. W kulturze muzycznej lat 60. i 70. XVIII wieku otwiera nowy etap – epokę rosyjskiego klasycyzmu.
Nazwisko Bieriezowskiego jest wymieniane wśród twórców klasycznego koncertu chóralnego a cap p ella : jego dzieła, wraz z twórczością włoskiego kompozytora Galuppiego, stanowią pierwszy etap rozwoju tego gatunku.
szczyt twórczych zajęć SM. Bieriezowski stał się koncertem „Nie odrzucaj mnie na starość” . Ten powszechnie uznane arcydzieło muzyki rosyjskiej XVIII wieku, dorównujące najwyższym osiągnięciom współczesnej sztuki europejskiej. Koncert o małej skali postrzegany jest jako monumentalne dzieło epickie. Jego muzyka odkrywa różnorodność świat duchowy człowieka, uderza głębią emocji i autentycznością życia.
Zarówno w tekście, jak i w muzyce koncertu wyraźnie słychać intonację osobistą. To jest mowa pierwszoosobowa. Prośba-prośba, wzywająca Wszechmogącego ( I część) zastępuje się obrazem prześladowania danej osoby przez złych wrogów ( II część - „Wyjdź za mąż i naśladuj go”) . Potem następuje nowy temat – modlitwa nadziei („Mój Boże, zawiodłeś” – III część), i wreszcie finał, pełen protestacyjnego patosu, skierowanego przeciwko złu i niesprawiedliwości („Niech ci, którzy oczerniają moją duszę, zostaną zawstydzeni i zginą”). Już sam fakt, że wszystkie tematy koncertu mają określone, specyficzne cechy emocjonalne, świadczy o zasadniczej nowości stylu, która przezwycięża abstrakcyjną neutralność tematyki śpiewu partes.
Cztery części dzieła łączy nie tylko pojedyncza koncepcja dramatyczna i logika tonalna, ale także wątki intonacyjne: temat melodyczny wybrzmiewający w pierwszych taktach koncertu staje się intonacyjną podstawą wszystkich pozostałych obrazów. Szczególnie znamienne jest to, że początkowe ziarno intonacyjne zostaje przekształcone w dynamiczny i stanowczy temat fugi końcowej „Niech się zawstydzą i znikną…”, co stanowi zwieńczenie rozwoju całego cyklu.
Dmitrij Stepanowicz Bortnyansky (1751-1825)
DS Bortnyansky rozwinął główny typ rosyjskiego klasycznego koncertu chóralnego, łącząc w muzyce elementy świeckiego instrumentalizmu muzycznego i wokalu muzyka kościelna. Jego koncerty składają się z reguły z trzech części, naprzemiennie według zasady szybko – wolno – szybko. Często najważniejsza w cyklu część pierwsza zawiera znamiona sonaty, wyrażone poprzez porównanie dwóch kontrastujących ze sobą tematów, ułożonych w proporcji toniczno-dominującej. Powrót do tonacji głównej następuje pod koniec części, ale bez powtórzeń tematycznych.
Bortnyansky jest właścicielem 35 koncertów na 4-głosowy chór mieszany, 10 koncertów na 2 chóry, szereg innych hymnów kościelnych, a także chóry świeckie, w tym patriotyczną pieśń chóralną „Śpiewak w obozie rosyjskich wojowników” w tekstach. V. A. Żukowski (1812).
Jedno z głębokich i dojrzałych dzieł mistrza - Koncert nr 32 oznaczony przez P.I. Czajkowski jako „najlepszy ze wszystkich trzydziestu pięciu”. Jego tekst pochodzi z 38. psalmu Biblii, w którym znajdują się takie wersety: „Powiedz mi, Panie, mój koniec i liczbę moich dni, abym wiedział, jaki jest mój wiek… Wysłuchaj, Panie, mojej modlitwy i usłysz moje wołanie; nie milcz moich łez…”. Koncert składa się z trzech części, ale nie ma między nimi kontrastu. Muzykę wyróżnia jedność żałobnego, elegijnego nastroju i integralność tematu. Część pierwszą otwiera temat wyrażony w trzech głosach, nawiązujący do Psalmu XVII wiek. Część druga to krótki odcinek o ścisłym magazynie chóralnym. Szczegółowy finał, napisany w formie fugi, przekracza rozmiary dwóch pierwszych części. W muzyce finałowej dominuje spokojna, delikatna melodia, przekazująca modlitwę umierającego człowieka.
Zbiory rosyjskich piosenek
Dla całej zaawansowanej kultury rosyjskiej XVIII wieku charakteryzuje się głębokim zainteresowaniem sposobem życia, obyczajami i zwyczajami ludzi. Rozpoczyna się systematyczne gromadzenie i badanie folkloru. Słynny pisarz Michaił Dmitriewicz Czulkow tworzy pierwszy rosyjski zbiór tekstów pieśni ludowych.
Po raz pierwszy powstają zapisy nutowe pieśni ludowych, pojawiają się zbiory drukowane wraz z ich aranżacjami: Wasilij Fiodorowicz Trutowski („Zbiór prostych rosyjskich piosenek z nutami”), Mikołaj Aleksandrowicz Lwów I Iwan Pracha („Zbiór rosyjskich pieśni ludowych z ich głosami”).
Zbiór Lwów-Prach obejmuje 100 pieśni, z których wiele to klasyczne przykłady rosyjskiego folkloru: „Och, ty, baldachim, mój baldachim”, „Była brzoza na polu”, „Czy w ogrodzie, w ogrodzie” . We wstępie do zbioru („O rosyjskim śpiewie ludowym”) N. Lwow po raz pierwszy w Rosji zwrócił uwagę na wyjątkową oryginalność rosyjskiej polifonii chóralnej.
Z pieśni z tych zbiorów korzystali zarówno melomani, jak i kompozytorzy zapożyczający je do swoich dzieł – oper, wariacji instrumentalnych, uwertur symfonicznych.
Do połowy XVIII stulecia zawiera unikalną kolekcję rosyjskich eposów i utwory historyczne zatytułowany „Kolekcja Kirszy Daniłowa” . Nie ma wiarygodnych informacji o jego kompilatorze. Zakłada się, że Kirsha Danilov (Kirill Danilovich) była piosenkarką-improwizatorką, błaznem mieszkającym na górniczym Uralu. Melodie piosenek nagrał w jednym wierszu bez tekstu, który jest umieszczony osobno.
Rosyjska Państwowa Szkoła Kompozytorska
Formacja w drugiej połowie XVIII wieku pierwszego świeckiego w Rosji szkoła kompozytorska. Jej narodziny były kulminacją rosyjskiego oświecenia . Ojczyzną szkoły był Petersburg, gdzie rozkwitł talent jej najzdolniejszych przedstawicieli. Wśród nich są założyciele rosyjskiej opery V.A. Paszkiewicz i E.I. Fomin, mistrz muzyki instrumentalnej I.E. Khandoshkin, wybitni twórcy klasycznego koncertu duchowego M.S. Bieriezowski i D.S. Bortnyansky, twórcy kameralnej „Pieśni rosyjskiej” O.A. Kozłowski i F.M. Dubyansky’ego i innych.
Większość kompozytorów rosyjskich wywodziła się ze środowiska ludowego. Od dzieciństwa chłonęli żywe brzmienie rosyjskiego folkloru. Dlatego naturalne i logiczne stało się włączenie pieśni ludowych do rosyjskiej muzyki operowej (opery V. A. Paszkiewicza i E. I. Fomina), do kompozycji instrumentalnych (twórczość I. E. Khandoshkina).
Zgodnie z tradycją poprzednich stuleci, gatunki wokalne, zarówno świeckie, jak i świątynne, najszerzej rozwinęły się w epoce Oświecenia. Wśród nich znajdują się duchowy koncert chóralny, opera komiczna i pieśń kameralna. Podobnie jak w folklorze, tak i w tych gatunkach zachowany jest stosunek do słowa jako do priorytetowej podstawy muzyki. Za autora opery uważa się librecistę, za autora pieśni uważa się poetę; Nazwisko kompozytora często pozostawało w cieniu, a z czasem zostało zapomniane.
Rosyjska opera komiczna
Narodziny Państwowej Szkoły Kompozytorskiej XVIII wieków był ściśle związany z rozwojem opery rosyjskiej. Zaczęło się od komedia muzyczna, który opierał się na twórczości komediowej rosyjskich pisarzy i poetów: J. Knyazhnina, I. Kryłowa, M. Popowa, A. Ablesimowa, M. Matinskiego.
Opera komiczna była codzienna w swojej treści, z nieskomplikowaną, ale fascynującą fabułą z codziennego życia Rosjan. Jej bohaterami byli bystrzy chłopi, chłopi pańszczyźniani, podli i chciwi bogacze, naiwni i... cudowne dziewczyny, źli i dobrzy szlachcice.
Dramaturgia opierała się na naprzemiennych dialogach konwersacyjnych numery muzyczne oparte na Rosjanie pieśni ludowe. Poeci wskazali w libretto, do jakiego „głosu” (piosenki popularnej) należy zaśpiewać tę czy inną arię. Przykładem jest najbardziej ukochana opera rosyjska XVIII wiek „Melnik to czarownik, oszust i swat” (1779) A. Ablesimowa z muzyką M. Sokołowskiego. Dramaturg A. O. Ablesimov natychmiast napisał swoje teksty w oparciu o określony materiał pieśni. Wkład M. Sokołowskiego polegał na przetworzeniu piosenek, czego równie dobrze mógłby dokonać inny muzyk (to nie przypadek, że autorstwo muzyki przez długi czas przypisywano E. Fominowi).
Rozkwit opery komicznej ułatwił talent wybitnych rosyjskich aktorów – E.S. Yakovleva (w małżeństwie Sandunowej, na scenie – Uranova), aktorka pańszczyźniana P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrewski.
Wybitna rola w rozwoju rosyjskiej opery XVIII rozegrane stulecie Wasilij Aleksiejewicz Paszkiewicz(ok. 1742-1797) jeden z najwybitniejszych kompozytorów rosyjskich XVIII wiek. Najlepsze z jego oper („Nieszczęście z powozy”, „Skąpiec”, „St. Petersburg Gostiny Dvor”) cieszyły się dużym zainteresowaniem; XIX wiek. Paszkiewicz był mistrzem pisania zespołowego, ostrych i celnych charakteryzacji komediowych. Z powodzeniem odtwarzając intonacje mowy w partiach wokalnych, antycypował zasady, które później charakteryzowały metodę twórczą Dargomyżskiego i Musorgskiego.
Artysta wszechstronnie utalentowany sprawdził się w operze Evstiny Ipatievich Fomin(1761-1800). Jego opera „Woźnice w bazie” .(1787) wyróżnia się mistrzostwem w chóralnym przetwarzaniu melodii ludowych różnych gatunków. Dla każdej piosenki znalazł swój własny styl przetwarzania. W operze nie brakuje pieśni „U Ojca słowik nie śpiewa” i „Sokół wysoko leci”, skocznych pieśni tanecznych „Brzoza szalała na polu”, „Młodzi młodzi, młodzi młodzi”, „Spod dębu, spod wiązu”. Kilka piosenek wybranych do „Woźnicowców” trzy lata później w niemal niezmienionej formie znalazło się w „Zbiorze rosyjskich pieśni ludowych” N.L. Lwowa - I. Pracha.
W innym jego dziele – melodramacie „Orfeusz” (do tekstu Y. Knyaznina wg. starożytny mit, 1792) - Po raz pierwszy w rosyjskiej operze Fomin ucieleśniał wątek tragiczny. Muzyka melodramatu stała się jednym z najwybitniejszych dzieł rosyjskiej sztuki oświecenia.
W uwerturze poprzedzającej melodramat w pełni ujawnił się talent symfonisty Fomina. Kompozytorowi, z niesamowitym wyczuciem stylu, udało się w nim oddać tragiczny patos starożytny mit. Tak naprawdę Fomin zrobił pierwszy krok w kierunku stworzenia rosyjskiego symfonizmu. Czyli w zakamarkach teatru, tak jak było Zachodnia Europa narodziła się przyszła symfonia rosyjska.
Opery Fomina doceniono jedynie pośrodku XX wiek. Za życia kompozytora ich sceniczny los nie był szczęśliwy. Opera „Woźnice w bazie”, napisana dla kino domowe pozostały nieznane opinii publicznej. Zakazano wystawienia opery komicznej Amerykanie (do libretta młodego I.A. Kryłowa) (nie spodobało się to dyrektorowi teatrów cesarskich, że w trakcie opracowywania fabuły Indianie zamierzali spalić dwóch Europejczyków).
Teksty wokalne do użytku domowego
Narodziny nowej warstwy folkloru miały ogromne znaczenie reformatorskie w sztuce ludowej - piosenka miejska Powstała na bazie ludowej pieśni chłopskiej, która „przystosowała się” do życia miejskiego – nowy sposób jej wykonania: jej melodii towarzyszył akordowy akompaniament jakiegoś instrumentu.
W połowie XVIII stulecia w Rosji nowy rodzaj muzyka wokalna - „Rosyjska piosenka” . Tak zwane utwory na głos z towarzyszeniem instrumentów, pisane rosyjskimi tekstami poetyckimi. Liryczne w treści „pieśni rosyjskie” były prekursorami rosyjskiego romansu.
Przodek „pieśni rosyjskiej” był wybitnym dostojnikiem na dworze Katarzyny II , wykształcony meloman Grigorij Nikołajewicz Tepłow , autor pierwszego rosyjskiego drukowanego śpiewnika „Tymczasem bezczynność…” (1759) Pieśni Teplowa pod względem stylu i sposobu przedstawienia reprezentują gatunek przejściowy od pieśni do romansu z akompaniamentem. Forma jego piosenek jest zwykle dwuwierszowa.
Gatunek „piosenki rosyjskiej” był ściśle powiązany z tradycji folklorystycznej. Nic więc dziwnego, że wiele pieśni autorskich zyskało charakter ludowy („Tutaj pędzi trojka pocztowa” Iwana Rupina do słów F. N. Glinki).
Pod koniec XVIII od stuleci promuje się utalentowanych mistrzów gatunku wokalu kameralnego - Fiodor Dubianski I Osip Kozłowski . Tworzone przez nich „pieśni rosyjskie”, które mają już dość rozwiniętą partię fortepianu i bardziej złożoną formę, można uznać za pierwsze rosyjskie romanse. Wyraźnie słychać w nich echa miejskiego życia („Gołąbkowata jęki” Dubyansky’ego, „Sweet Evening Sat”, „Okrutny los” Kozłowskiego).
Wiersze były szeroko stosowane w „pieśniach rosyjskich” znani poeci: Sumarokow, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Swoją figuratywną treścią kojarzą się z typowymi dla sztuki nastrojami. sentymentalizm. Z reguły są to teksty miłosne: męki i rozkosze miłości, separacja, zdrada i zazdrość, „okrutna pasja”.
Dużą popularnością cieszyły się także anonimowe „pieśni rosyjskie” wydane przez F. Meyera („Zbiór najlepszych pieśni rosyjskich”, 1781).
Kameralna muzyka instrumentalna
W latach 70-80 XVIII w wieku w Rosji rozpoczęła się formacja profesjonalnego instrumentalizmu kameralnego. W tym czasie rosyjscy muzycy opanowali złożone formy muzyki instrumentalnej, rozwijając gatunki sonaty solowej, wariacji i zespołu kameralnego. Proces ten był ściśle powiązany z powszechnym upowszechnianiem się domowego muzykowania. Muzyka życia miejskiego czy osiedlowego przez długi czas pozostawała „pożywką”, w której dojrzewały wczesne kiełki narodowego stylu instrumentalnego.
Pierwsze rosyjskie zespoły instrumentalne należą do Dmitrija Bortnyanskiego. To kwintet fortepianowy i Symfonia Kameralna, która w rzeczywistości jest septetem na fortepian, harfę, dwoje skrzypiec, violę da gamba, fagot i wiolonczelę.
Szczególnie podobały się wszelkiego rodzaju utwory taneczne – menuety, polonezy, ekosesy, tańce wiejskie – oraz wariacje na temat pieśni ludowych na różne instrumenty. Powstało wiele takich wariacji na skrzypce Iwan Jewstafiewicz Khandoszkin (1747-1804), przedstawiciel szkoły petersburskiej – kompozytor, wybitny wirtuoz skrzypiec, dyrygent i pedagog.Khandoszkin słynął ze sztuki improwizacji, umiał także dobrze grać na altówce, gitarze i bałałajce.
W historii muzyki rosyjskiej imię Khandoshkin jest związane z utworzeniem narodowej szkoły skrzypcowej. Większość jego twórczego dziedzictwa stanowią wariacje na tematy rosyjskich pieśni ludowych oraz sonaty na skrzypce, dwoje skrzypiec, skrzypce i altówkę lub skrzypce z basem.Dzięki tym kompozycjom rosyjska kameralna muzyka instrumentalna po raz pierwszy opuściła ścisły krąg muzyki domowej -tworzenie, zdobywanie wirtuozowskiego zakresu. Ważne jest również, aby osiągnęły one w miarę organiczną jedność europejskiego języka instrumentalnego i rosyjskiego folkloru. Badacze uważają, że melodie niektórych pieśni przyjętych przez kompozytora jako tematy do wariacji zostały po raz pierwszy nagrane przez niego.
Trutovsky napisał wariacje na temat rosyjskich tematów na fortepian (na przykład na temat Piosenka ludowa„W lesie urodziło się dużo komarów), Karaulov, a także zagraniczni muzycy, którzy pracowali w Rosji.
Rola zagranicznych muzyków w rozwoju muzyki rosyjskiej była dwojaka. Uczciwe wyrzuty postępowej opinii publicznej spowodowane były ślepym podziwem kręgów arystokratycznych za wszystkim, co obce, związanym z niedocenianiem sztuki rosyjskiej. Jednocześnie działalność zagranicznych kompozytorów, wykonawców i pedagogów przyczyniła się do powszechnego wzrostu kultury muzycznej i wykształcenia rodzimych muzyków zawodowych.
Losy jego twórczego dziedzictwa są dramatyczne: większość utworów kompozytora, które brzmiały przez cały XIX wiek, zachowała się w rękopisie i przechowywana była w Kaplicy Śpiewnej Dworskiej. W pierwszych dekadach XX wieku spłonęło całe najbogatsze archiwum kaplicy z unikalnymi autografami wielu rosyjskich kompozytorów.
Sukces i uznanie, patronat najwyższych osób przyszedł do Bieriezowskiego wcześnie. Już w młodym wieku, zyskując sławę w Rosji, wkrótce stał się pierwszym rosyjskim kompozytorem, który został przyjęty w poczet członków słynnej Akademii Bolońskiej. Jednak pomimo wszystkich wysokich wyróżnień, po powrocie do ojczyzny po 9-letnim pobycie za granicą, Maksym Bieriezowski nie był w stanie osiągnąć żadnej zauważalnej pozycji. Jego zapisanie się do Kaplicy Dworskiej na skromne stanowisko zwykłego pracownika wyraźnie nie odpowiadało ani zdobytym za granicą doświadczeniom, ani możliwościom twórczym. Wywołało to oczywiście u kompozytora uczucie gorzkiego rozczarowania, choć jego chóralne kompozycje duchowe poznali wszyscy miłośnicy śpiewu kościelnego i wysoko cenili jemu współcześni. kaplica, wojsko i chłopi pańszczyźniani orkiestrach, teatrach prywatnych lub kształcili się w domu. W środowisku kulturalnym XVIII stulecia muzyka zajmowała najniższe miejsce, była całkowicie zależna od mecenatu, a sam muzyk w społeczeństwie arystokratycznym zajmował pozycję półsługi. Twórczość autorów rosyjskich często uchodziła za muzykę „drugiej kategorii” w porównaniu z twórczością Niemców czy Włochów. Żaden mistrz domowy nie osiągnął wysokiej pozycji na dworze.
Sprytny i przebiegły młynarz Tadeusz, udając wszechpotężnego czarownika, całkowicie zakręcił w głowach swoim naiwnym sąsiadom. Wszystko jednak kończy się wesołym ślubem dziewczynki Anyuty i przystojnego wiejskiego chłopca Filimona.
Na stacji pocztowej – rozstawienie – zbierają się woźnicy. Wśród nich jest młody woźnica Timofey, któremu udało się zarówno twarzą, intelektem, jak i zręcznością. Wraz z nim jest młoda piękna żona Fadeevna, kochający mąż. Ale Tymoteusz ma zazdrosnego i najgorszego wroga - złodzieja i łobuza Filkę Prolazę. Ten Filka marzy o sprzedaniu szczęśliwego Tymoteusza jako rekruta i zawładnięciu jego żoną, która od dawna go pociągała. A Tymoteusz byłby żołnierzem, gdyby nie przechodzący obok oficer. Pomaga uwolnić od służby Tymoteusza, jedynego żywiciela rodziny chłopskiej. Sam Filka wpada na żołnierzy.
Melodramat to teatralna zabawa z muzyką, która przeplata się z recytacją, a czasem wykonywana jest jednocześnie z wymową tekstu.