Malarstwo japońskie jest absolutnie wyjątkowym kierunkiem w sztuce światowej. Istniał od czasów starożytnych, ale zgodnie z tradycją nie stracił na popularności i zdolności zaskakiwania.
Uwaga na tradycje
Wschód to nie tylko krajobrazy, góry i wschodzące słońce. To także ludzie, którzy stworzyli jego historię. To właśnie ci ludzie od wielu wieków wspierają tradycję malarstwa japońskiego, rozwijając i udoskonalając jego sztukę. Ci, którzy wnieśli znaczący wkład w historię, to japońscy artyści. Dzięki nim nowożytni zachowali wszystkie kanony tradycyjnego malarstwa japońskiego.
Sposób wykonania obrazów
W przeciwieństwie do Europy japońscy artyści woleli malować bliżej grafiki niż malarstwa. W takich obrazach nie znajdziesz szorstkich, nieostrożnych pociągnięć olejem, tak charakterystycznych dla impresjonistów. Jaka jest graficzna natura takiej sztuki, jak japońskie drzewa, skały, zwierzęta i ptaki - wszystko na tych obrazach jest narysowane tak wyraźnie, jak to możliwe, solidnymi i pewnymi liniami atramentu. Wszystkie obiekty w kompozycji muszą mieć kontur. Wypełnienie wnętrza konturu najczęściej wykonuje się akwarelami. Kolor zostaje wypłukany, dodane są inne odcienie, a gdzieś zostaje kolor papieru. Dekoracyjność jest właśnie tym, co odróżnia malarstwo japońskie od sztuki całego świata.
Kontrasty w malarstwie
Kontrast to kolejna charakterystyczna technika stosowana przez japońskich artystów. Może to być różnica w odcieniu, kolorze lub kontraście ciepłych i chłodnych odcieni.
Artysta sięga po tę technikę, gdy chce podkreślić jakiś element tematu. Może to być żyła na roślinie, oddzielny płatek lub pień drzewa na tle nieba. Następnie przedstawiana jest jasna, oświetlona część obiektu i cień pod nim (lub odwrotnie).
Przejścia i rozwiązania kolorystyczne
Podczas malowania obrazów japońskich często stosuje się przejścia. Mogą być różne: na przykład z jednego koloru na drugi. Na płatkach lilii wodnych i piwonii można zauważyć przejście od jasnego odcienia do bogatego, jasnego koloru.
Na obrazie zastosowano również przejścia powierzchnia wody, niebo. Bardzo pięknie prezentuje się płynne przejście od zachodu słońca do ciemnego, pogłębiającego się zmierzchu. Rysując chmury, używają również przejść z różne odcienie i refleks.
Podstawowe motywy malarstwa japońskiego
W sztuce wszystko jest ze sobą powiązane prawdziwe życie, z uczuciami i emocjami osób w nie zaangażowanych. Podobnie jak w literaturze, muzyce i innych przejawach kreatywności, w malarstwie jest ich kilka wieczne tematy. Są to tematy historyczne, wizerunki ludzi i przyrody.
Japońskie krajobrazy występują w wielu odmianach. Często na obrazach pojawiają się wizerunki stawów – ulubionego mebla Japończyków. Ozdobny staw, w pobliżu kilka lilii wodnych i bambusów – tak wygląda typowy obraz z XVII-XVIII wieku.
Zwierzęta w malarstwie japońskim
Zwierzęta są także często powracającym elementem malarstwa azjatyckiego. Tradycyjnie jest to grasujący tygrys lub kot domowy. Ogólnie rzecz biorąc, Azjaci bardzo lubią i dlatego ich przedstawiciele znajdują się we wszystkich formach sztuki orientalnej.
Świat fauny to kolejny temat, który podąża za malarstwem japońskim. Ptaki - żurawie, papugi ozdobne, luksusowe pawie, jaskółki, niepozorne wróble, a nawet koguty - wszystkie można znaleźć na rysunkach orientalnych mistrzów.
Ryby - nie mniej aktualny temat dla artystów japońskich. Karp Koi to japońska wersja złotej rybki. Te stworzenia żyją w Azji we wszystkich stawach, nawet w małych parkach i ogrodach. Karp Koi to rodzaj tradycji, która należy wyłącznie do Japonii. Ryby te symbolizują walkę, determinację i osiągnięcie celu. Nie bez powodu przedstawia się je unoszące się z prądem, zawsze z ozdobnymi grzbietami fal.
Malarstwo japońskie: przedstawianie ludzi
Tematem szczególnym są ludzie w malarstwie japońskim. Artyści przedstawiali gejsze, cesarzy, wojowników i starszych.
Gejsze są przedstawiane w otoczeniu kwiatów, zawsze ubrane w wyszukane szaty z wieloma fałdami i elementami.
Mędrcy są przedstawiani siedzących lub wyjaśniających coś swoim uczniom. Wizerunek starego naukowca jest symbolem historii, kultury i filozofii Azji.
Wojownik był przedstawiany jako potężny, czasem przerażający. Długie były szczegółowo narysowane i wyglądały jak drut.
Zwykle wszystkie szczegóły zbroi są wyjaśniane za pomocą atramentu. Często nadzy wojownicy są ozdobieni tatuażami przedstawiającymi wschodniego smoka. Jest symbolem siły i potęgi militarnej Japonii.
Przedstawiano władców rodziny cesarskie. Piękne stroje i ozdoby w męskich włosach to dzieła sztuki, w których nie brakuje.
Krajobrazy
Tradycyjny japoński krajobraz - góry. Malarzom azjatyckim udało się przedstawić różnorodne krajobrazy: potrafią przedstawić ten sam szczyt różne kolory, z inną atmosferą. Jedyne, co pozostaje niezmienne, to obowiązkowa obecność kwiatów. Zwykle wraz z górami artysta przedstawia na pierwszym planie jakąś roślinę i szczegółowo ją rysuje. Góry i kwiaty wiśni. A jeśli malują opadające płatki, obraz budzi podziw dla jego smutnego piękna. Kontrast w atmosferze obrazu to kolejna wspaniała cecha kultury japońskiej.
Hieroglify
Często kompozycja obrazu w malarstwie japońskim łączy się z pismem. Hieroglify ułożone są tak, aby kompozycyjnie wyglądały pięknie. Zwykle rysuje się je po lewej lub prawej stronie obrazu. Hieroglify mogą przedstawiać to, co jest przedstawione na obrazie, jego tytuł lub nazwisko artysty.
Japonia jest jednym z najbogatszych krajów pod względem historii i kultury. Na całym świecie Japończycy są powszechnie uważani za ludzi pedantycznych, którzy odnajdują estetykę w absolutnie wszystkich przejawach życia. Dlatego japońskie obrazy są zawsze bardzo harmonijne pod względem koloru i tonu: jeśli są plamy jakiegoś jasnego koloru, to tylko w centrach semantycznych. Na przykładzie obrazów artystów azjatyckich można uczyć się teorii koloru, prawidłowego przedstawiania formy za pomocą grafiki i kompozycji. Technika wykonania malarstwa japońskiego jest na tyle wysoka, że może służyć jako przykład pracy z akwarelami i wykonywania „prania” prac graficznych.
Ma bardzo bogatą historię; jego tradycja jest rozległa, a wyjątkowa pozycja Japonii na świecie ma ogromny wpływ na dominujące style i techniki japońskich artystów. Znany fakt To, że Japonia była dość odizolowana przez wiele stuleci, wynika nie tylko z położenia geograficznego, ale także z dominującej japońskiej tendencji kulturowej do izolacji, która naznaczyła historię kraju. W ciągu wieków istnienia czegoś, co moglibyśmy nazwać „ Cywilizacja japońska„, kultura i sztuka rozwijały się oddzielnie od tych w reszcie świata. I jest to nawet zauważalne w praktyce malarstwa japońskiego. Na przykład obrazy Nihonga należą do głównych dzieł japońskiej praktyki malarskiej. Opiera się na ponad tysiącletniej tradycji, a obrazy powstają najczęściej za pomocą pędzli na papierze Vashi (papier japoński) lub Eginie (jedwab).
Jednak japońska sztuka i malarstwo były pod wpływem obcych praktyki artystyczne. Po pierwsze, była to sztuka chińska XVI wieku i Sztuka chińska oraz chińska tradycja artystyczna, która wywarła szczególny wpływ pod kilkoma względami. Od XVII wieku na malarstwo japońskie wpływały także tradycje zachodnie. W szczególności w okresie przedwojennym, który trwał od 1868 r. do 1945 r., Malarstwo japońskie pod wpływem impresjonizmu i Europejski romantyzm. Jednocześnie na nowe europejskie ruchy artystyczne duży wpływ miała także Japończycy techniki artystyczne. W historii sztuki wpływ ten nazywany jest „japoństwem” i ma szczególne znaczenie dla impresjonistów, kubistów i artystów kojarzonych z modernizmem.
Długa historia Malarstwo japońskie można postrzegać jako syntezę kilku tradycji, które tworzą elementy uznanej japońskiej estetyki. Przede wszystkim sztuka i metody malarstwa buddyjskiego, a także malarstwo religijne, odcisnęły znaczące piętno na estetyce malarstwa japońskiego; malowanie pejzaży tuszem wodnym w tradycji chińskiego malarstwa literackiego – kolejne ważny element, rozpoznawalny na wielu znanych japońskich obrazach; malarstwo zwierząt i roślin, zwłaszcza ptaków i kwiatów, jest tym, co powszechnie kojarzy się z kompozycjami japońskimi, podobnie jak pejzaże i sceny z Życie codzienne. Wreszcie, starożytne idee piękna wynikające z filozofii i kultury wywarły ogromny wpływ na malarstwo japońskie Starożytna Japonia. Wabi, co oznacza przemijające i surowe piękno, sabi (piękno naturalnej patyny i starzenia) oraz yugen (głęboki wdzięk i subtelność) w dalszym ciągu wpływają na ideały w praktyce malarstwa japońskiego.
Na koniec, jeśli skoncentrujemy się na wyborze dziesięciu najsłynniejszych japońskich arcydzieł, nie sposób nie wspomnieć o ukiyo-e, które jest jednym z najpopularniejszych gatunków sztuki w Japonii, mimo że należy do grafiki. Dominował w sztuce japońskiej od XVII do XIX wieku, a artyści należący do tego gatunku tworzyli drzeworyty i obrazy o tematyce m.in. piękne dziewczyny, aktorzy kabuki i zapaśnicy sumo, a także sceny z historii i ludowe opowieści, sceny z podróży i krajobrazy, flora i fauna, a nawet erotyka.
Zawsze trudno jest stworzyć listę najlepsze obrazy z tradycji artystycznych. Wiele niesamowitych dzieł zostanie wykluczonych; jednak na tej liście znajduje się dziesięć najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów na świecie. W artykule zaprezentowane zostaną jedynie obrazy powstałe od XIX wieku do współczesności.
Malarstwo japońskie ma niezwykle bogatą historię. Na przestrzeni wieków japońscy artyści rozwijali się duża liczba unikalne techniki i style, które są najcenniejszym wkładem Japonii w świat sztuki. Jedną z takich technik jest sumi-e. Sumi-e dosłownie oznacza „rysunek tuszem” i łączy kaligrafię i malowanie tuszem, tworząc rzadkie piękno kompozycji rysowanych pędzlem. To piękno jest paradoksalne - starożytne, ale nowoczesne, proste, ale złożone, odważne, ale stonowane, niewątpliwie odzwierciedlające duchowe podstawy sztuki buddyzmu zen. Kapłani buddyjscy sprowadzili do Japonii bloki stałego atramentu i pędzle bambusowe z Chin w VI wieku, a w ciągu ostatnich 14 wieków Japonia rozwinęła bogate dziedzictwo malarstwa tuszem.
Przewiń w dół i zobacz 10 arcydzieł malarstwa japońskiego
1. Katsushika Hokusai „Sen żony rybaka”
Jednym z najbardziej rozpoznawalnych japońskich obrazów jest „Sen żony rybaka”. Został namalowany w 1814 roku przez słynnego artystę Hokusai. Jeśli będziesz przestrzegać ścisłych definicji, to Wspaniała robota Hokusai nie można uznać za obraz, gdyż jest to drzeworyt z gatunku ukiyo-e z książki Młode sosny (Kinoe no Komatsu), będącej trzytomową księgą shunga. Kompozycja przedstawia młodego nurka ama splecionego seksualnie z parą ośmiornic. Obraz ten wywarł duży wpływ na XIX i XX wiek. Dzieło wywarło wpływ na późniejszych artystów, takich jak Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff i Pablo Picasso.
2. Tessai Tomioka „Abe no Nakamaro pisze nostalgiczny wiersz, obserwując księżyc”
Tessai Tomioka to pseudonim słynnego japońskiego artysty i kaligrafa. Uważany jest za ostatniego ważnego artystę w tradycji bunjingowej i jednego z pierwszych główni artyści Styl Nihongi. Bunjinga była szkołą malarstwa japońskiego, która rozkwitła pod koniec epoki Edo wśród artystów uważających się za literatów lub intelektualistów. Każdy z tych artystów, w tym Tessaya, opracował własnego własny styl i technologii, ale wszyscy byli wielkimi fanami chińskiej sztuki i kultury.
3. Fujishima Takeji „Wschód słońca nad Morzem Wschodnim”
Fujishima Takeji był japońskim artystą znanym z pracy nad rozwojem romantyzmu i impresjonizmu w ruchu artystycznym jogi (w stylu zachodnim) w koniec XIX- początek XX wieku. W 1905 roku udał się do Francji, gdzie pozostawał pod wpływem ówczesnych ruchów francuskich, zwłaszcza impresjonizmu, co widać na obrazie Wschód słońca nad Morzem Wschodnim namalowanym w 1932 roku.
4. Kitagawa Utamaro „Dziesięć typów kobiecych twarzy, zbiór rządzących piękności”
Kitagawa Utamaro był wybitnym japońskim artystą, który urodził się w 1753 r., a zmarł w 1806 r. Z pewnością najbardziej znany jest z serialu „Dziesięć typów”. kobiece twarze. Kolekcja rządzących piękności, motywów Wielka miłość poezja klasyczna” (czasami nazywana „Zakochanymi kobietami”, zawierająca osobne ryciny „Miłość naga” i „Miłość zamyślona”). Jest jednym z najważniejszych artystów należących do gatunku drzeworytu ukiyo-e.
5. Kawanabe Kyosai „Tygrys”
Kawanabe Kyosai był jednym z najsłynniejszych japońskich artystów okresu Edo. Na jego twórczość wpłynęła twórczość Tohaku, XVI-wiecznego malarza ze szkoły Kano, który jako jedyny artysta swoich czasów malował ekrany w całości tuszem na delikatnym tle sproszkowanego złota. Chociaż Kyosai jest znany jako rysownik, napisał kilka z nich znane obrazy V Historia Japonii sztuka XIX wieku. „Tygrys” to jeden z tych obrazów, do stworzenia których Kyosai użył akwareli i tuszu.
6. Hiroshi Yoshida „Fuji znad jeziora Kawaguchi”
Hiroshi Yoshida jest znany jako jedna z głównych postaci stylu Shin-hanga (Shin-hanga to ruch artystyczny w Japonii początku XX wieku, w okresie Taisho i Showa, który odrodził się Sztuka tradycyjna ukiyo-e, które zakorzeniło się w okresach Edo i Meiji (XVII - XIX wiek)). Szkolił się w tradycji zachodniego malarstwa olejnego, przejętego z Japonii w okresie Meiji.
7. Takashi Murakami „727”
Takashi Murakami jest prawdopodobnie najpopularniejszym japońskim artystą naszych czasów. Jego prace sprzedają się za astronomiczne ceny. główne aukcje, a kreatywność już inspiruje nowe pokolenia artystów nie tylko w Japonii, ale także za granicą. Sztuka Murakamiego obejmuje szereg mediów i jest zwykle opisywana jako superpłaska. Jego prace znane są z używania koloru, włączając motywy z japońskiej kultury tradycyjnej i popularnej. Treść jego obrazów często określana jest jako „urocza”, „psychedeliczna” lub „satyryczna”.
8. Yayoi Kusama „Dynia”
Yaoi Kusama to także jeden z najbardziej znanych japońskich artystów. Tworzy w różne techniki, w tym malarstwo, kolaż, rzeźba scat, performance, sztuka środowiskowa i instalacja, z których większość ukazuje jej tematyczne zainteresowanie psychodelicznym kolorem, powtórzeniem i wzorem. Jedna z najbardziej znanych serii tego typu wspaniały artysta to seria Dynia. Na siatkowym tle pokryta wzorem w kropki zwykła dynia w kolorze jasnożółtym. Łącznie wszystkie te elementy tworzą język wizualny, który jest niewątpliwie wierny stylowi artysty i był rozwijany i udoskonalany przez dziesięciolecia żmudnej produkcji i reprodukcji.
9. Tenmyoya Hisashi „Japoński duch nr 14”
Tenmyoya Hisashi to współczesny japoński artysta znany ze swoich obrazów w stylu neo-nihonga. Brał udział w odrodzeniu starej tradycji malarstwa japońskiego, będącego całkowitym przeciwieństwem współczesnego malarstwa japońskiego. W 2000 roku stworzył także swój nowy styl butouha, który poprzez swoje obrazy demonstruje silną postawę wobec autorytatywnego systemu sztuki. W ramach projektu powstał „Japoński Duch nr 14”. schemat artystyczny„BASARA”, interpretowane w japońska kultura jako buntownicze zachowanie niższej arystokracji w okresie Walczących Królestw, mające na celu pozbawienie władzy możliwości osiągnięcia idealny obrazżycia, ubierając się w luksusowe i luksusowe ubrania oraz zachowując się z wolnej woli, a nie zgodnie ze swoją klasą społeczną.
10. Katsushika Hokusai „Wielka fala u wybrzeży Kanagawy”
Wreszcie, " Wielka fala w Kanagawie” jest prawdopodobnie najbardziej rozpoznawalny malarstwo japońskie kiedykolwiek napisano. To właściwie najwięcej słynne dzieło sztuka stworzona w Japonii. Przedstawia ogromne fale zagrażające łodziom u wybrzeży prefektury Kanagawa. Choć czasami mylona jest z tsunami, fala, jak sugeruje tytuł obrazu, jest najprawdopodobniej po prostu nienormalnie wysoka. Obraz wykonany jest w tradycji ukiyo-e.
Od:
Cześć, Drodzy Czytelnicy– poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści są inni unikalny styl, doskonalony przez całe pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najwybitniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po czasy współczesne.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Krainy Wschodzącego Słońca.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzona jest przede wszystkim ze specyfiką pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Pierwsze próbki obejmują znalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów, naczyń i artykułów gospodarstwa domowego z brązu. Wiele z nich malowano naturalnymi farbami, a badania dają podstawy przypuszczać, że wyroby te powstały wcześniej niż 300 rok p.n.e.
Nowa runda rozwoju sztuki rozpoczęła się wraz z przybyciem do Japonii. Na emakimono – specjalne zwoje papieru, naniesiono wizerunki bóstw panteonu buddyjskiego, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Dominację tematów religijnych w malarstwie można prześledzić już w średniowiecznej Japonii, a mianowicie od X do XV wieku. Nazwiska artystów tamtej epoki niestety nie zachowały się do dziś.
W okresie XV-XVIII w. rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętych indywidualny styl. Wyznaczyli wektor dalszy rozwój Dzieła wizualne.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Napięty Xubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xiubun studiował techniki pisania chińskich artystów Song i ich dzieła. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e – styl artystyczny, która opiera się na rysowaniu tuszem, czyli jednym kolorem.
Syubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki inne talenty, w tym także przyszłe znani malarze, na przykład Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Xiubuna nosi tytuł „Czytanie w bambusowym gaju”.
„Czytanie w bambusowym gaju” autorstwa Tense Xubuna
Hasegawa Tohaku (1539–1610)
Został twórcą szkoły nazwanej jego imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się kierować kanonami szkoły Kano, stopniowo jednak w jego twórczości zaczęto doszukiwać się indywidualnego „pisma”. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawa pracy była prosta, zwięzła, ale realistyczne krajobrazy z prostymi nazwami:
- „Sosny”;
- "Klon";
- „Sosny i rośliny kwitnące”.
„Pines” Hasegawy Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał obrazów stereotypowych, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malował naturę w ogóle, a kwiaty w szczególności w formie jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazów:
- „Kwiat śliwy czerwono-biały”;
- „Fale Matsushima”;
- „Chryzantemy”.
„Fale Matsushimy” Ogaty Korina
Młodszy brat, Ogata Kenzan, miał wiele pseudonimów. Choć zajmował się malarstwem, zasłynął bardziej jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanował wiele technik tworzenia ceramiki. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, tworzył m.in. talerze w formie kwadratu.
Jego własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem – to też była jego osobliwość. Uwielbiał nanosić na swoje przedmioty kaligrafię przypominającą zwój lub fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Tworzył w stylu ukiyo-e – rodzaj drzeworytu, czyli malarstwa rytowniczego. W ciągu całej swojej kariery zmienił około 30 nazwisk. Jego najsłynniejszym dziełem jest „Wielka fala u Kanagawy”, dzięki któremu zasłynął poza granicami swojej ojczyzny.
„Wielka fala u wybrzeży Kanagawy” Hokusai Katsushika
Hokusai zaczął szczególnie ciężko pracować po 60. roku życia, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet, Renoir i inni w pewnym stopniu wpłynęło to na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwięksi artyści 19 wiek. Urodził się, mieszkał i pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusai i inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił przyrodę, jest niemal tak imponujący, jak liczba samych dzieł.
Edo – Dawna nazwa Tokio.
Oto kilka liczb dotyczących jego twórczości, które są reprezentowane przez serię obrazów:
- 5,5 tys. – liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków na Edo;
- „36 widoków na Fuji”;
- „69 stacji Kisokaido”;
- „53 stacje Tokaido”.
Malarstwo Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh namalował kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashiego Murakamiego
Artysta, rzeźbiarz, projektant ubiorów, zasłynął już pod koniec XX wieku. W kreatywności się trzyma trendy w modzie z klasycznymi elementami i czerpie inspirację z kreskówek anime i mangi.
Malarstwo Takashiego Murakamiego
Twórczość Takashiego Murakamiego uznawana jest za subkulturę, ale jednocześnie cieszy się niesamowitą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedno z jego dzieł zostało kupione na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. W moim czasie nowoczesny twórca współpracował z domami mody Marc Jacobs i Louis Vuitton.
Cicho Ashima
Koleżanka poprzedniego artysty, tworzy nowoczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megalopoli i stworzeń jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często można dostrzec dziewiczą, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do mediów papierowych. Przenoszone są na skórę i tworzywa sztuczne.
W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień i w nocy odzwierciedlały piękno przyrody wsi i miasta. Jedna z nich ozdobiła stację metra.
Hej, Arakawo
Młodego człowieka nie można nazwać artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu – tworzy instalacje tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyczy przyjacielskich relacji oraz pracy całego zespołu.
Hei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, np. w Wenecji i wystawia w muzeum Sztuka współczesna w swojej ojczyźnie, zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnej malarce Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie nieprzystające do siebie rzeczy: życie współczesnych dziewcząt w formie portretu i tradycyjne techniki Japonia pochodzi z czasów starożytnych. Malarz w swojej twórczości wykorzystuje specjalne pędzle, farby z naturalnym pigmentem, tusz i węgiel drzewny. Zamiast zwykłego lnu - tkanina lniana.
Malarstwo Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania ukazanej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, jakby powróciły one do nas z przeszłości.
Popularne w Ostatnio w społeczności internetowej serię obrazów przedstawiających złożoność życia krokodyla stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie zaczęło się około III wieku p.n.e. i od tego czasu wiele się zmieniło. Pierwsze obrazy nanoszono na ceramikę, później w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, lecz nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W epoce nowożytnej mistrzowie pędzla zdobyli wszystko wielka indywidualność, Utworzony różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuka nie ograniczony do tradycyjne malarstwo– wykorzystywane są instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Dziękuję bardzo za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł był dla Państwa przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najwybitniejszych przedstawicieli sztuki pozwoliły lepiej ich poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule omówić wszystkich artystów od starożytności po współczesność. Niech więc będzie to pierwszy krok w stronę zrozumienia malarstwa japońskiego.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
Sztuka i projektowanie
2643
01.02.18 09:02
Dzisiejsze scena artystyczna Japonia jest bardzo różnorodna i prowokacyjna: patrząc na dzieła mistrzów z Krainy Wschodzącego Słońca, zdecydujesz, że przybyłeś na inną planetę! Jest domem dla innowatorów, którzy zmienili krajobraz branży w skali globalnej. Oto lista 10 współczesnych japońskich artystów i ich dzieł, od niesamowitych stworzeń Takashiego Murakamiego (który dzisiaj obchodzi swoje urodziny) po kolorowy wszechświat Kusama.
Od futurystycznych światów po kropkowane konstelacje: współcześni japońscy artyści
Takashi Murakami: tradycjonalista i klasyk
Zacznijmy od bohatera okazji! Takashi Murakami to jeden z najbardziej znanych współczesnych artystów japońskich, tworzący obrazy, wielkoformatowe rzeźby i modne ubrania. Styl Murakamiego jest inspirowany mangą i anime. Jest założycielem ruchu Superflat, który wspiera japońskie tradycje artystyczne i powojenną kulturę kraju. Murakami wypromował wielu swoich rówieśników, z niektórymi z nich także dzisiaj się spotkamy. „Subkulturowe” dzieła Takashiego Murakamiego prezentowane są na artystycznych rynkach mody i sztuki. Jego prowokacyjny film Mój samotny kowboj (1998) został sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's w 2008 roku za rekordową kwotę 15,2 miliona dolarów. Murakami współpracował ze światem znane marki Marca Jacobsa, Louisa Vuittona i Issey Miyake.
Spokojnie Ashima i jej surrealistyczny wszechświat
Członek artystyczny firma produkcyjna Kaikai Kiki i ruchy Superflat (oba założone przez Takashiego Murakamiego). Chicho Ashima jest znana ze swoich fantastycznych pejzaży miejskich i dziwnych stworzeń popowych. Artystka tworzy surrealistyczne sny zamieszkałe przez demony, duchy, młode piękności, ukazane na tle dziwacznej przyrody. Jej prace są zazwyczaj wielkoformatowe i drukowane na papierze, skórze i plastiku. W 2006 roku ten nowoczesny Japoński artysta brał udział w Art on the Underground w Londynie. Stworzyła 17 kolejnych łuków dla platformy - magiczny krajobraz stopniowo zmieniał się z dziennego na nocny, z miejskiego na wiejski. Ten cud zakwitł na stacji metra Gloucester Road.
Chiharu Shima i niekończące się wątki
Inny artysta, Chiharu Shiota, pracuje nad wielkoformatowymi instalacjami wizualnymi dla konkretnych obiektów. Urodziła się w Osace, ale obecnie mieszka w Niemczech - w Berlinie. Tematy centralne jej twórczość to zapomnienie i pamięć, sny i rzeczywistość, przeszłość i teraźniejszość, a także konfrontacja lęku. Najsłynniejsze dzieła Chiharu Shioty to nieprzeniknione sieci czarnych nici pokrywających różnorodne przedmioty gospodarstwa domowego i osobiste, takie jak stare krzesła, Suknia ślubna, spalony fortepian. Latem 2014 roku Shiota związała podarowane buty i botki (których było ponad 300) nitkami czerwonej przędzy i powiesiła je na haczykach. Pierwsza wystawa Chiharu w stolicy Niemiec odbyła się podczas Berlin Art Week w 2016 roku i wywołała sensację.
Hej Arakawa: wszędzie i nigdzie
Inspiracją dla Hei Arakawy są stany zmian, okresy niestabilności, elementy ryzyka, a jego instalacje często symbolizują motywy przyjaźni i pracy zespołowej. Credo współczesnego japońskiego artysty określa performatywne, nieokreślone „wszędzie, ale nigdzie”. Jego dzieła pojawiają się w nieoczekiwanych miejscach. W 2013 roku prace Arakawy były prezentowane na Biennale w Wenecji oraz na wystawie japońskiej sztuki współczesnej w Mori Museum of Art (Tokio). Instalacja Hawaiian Presence (2014) powstała we współpracy z nowojorską artystką Carissą Rodriguez i znalazła się na Biennale w Whitney. Również w 2014 roku Arakawa i jego brat Tomu, występujący jako duet United Brothers, zaoferowali odwiedzającym Frieze London swoje „dzieło” „The This Soup Taste Ambivalent” z „radioaktywnymi” warzywami korzeniowymi Fukushima daikon.
Koki Tanaka: Relacje i powtórzenia
W 2015 roku Koki Tanaka została uznana za „Artystę Roku”. Tanaka bada wspólne doświadczenie kreatywności i wyobraźni, zachęca do wymiany między uczestnikami projektów i opowiada się za nowymi zasadami współpracy. Jej instalacja w pawilonie japońskim na Biennale w Wenecji w 2013 roku składała się z filmów wideo przedstawiających obiekty, które przekształciły przestrzeń w platformę wymiany artystycznej. Instalacje Kokiego Tanaki (nie mylić z jego pełnym imiennikiem aktorem) ilustrują relacje między obiektami i akcjami, np. w filmie znajdują się nagrania prostych gestów wykonywanych zwykłymi przedmiotami (nóż krojący warzywa, nalewanie piwa do szklanki , otwieranie parasola). Nie dzieje się nic znaczącego, poza obsesyjnym powtarzaniem i zwracaniem uwagi do najdrobniejszych szczegółów sprawić, że widz doceni to, co światowe.
Mariko Mori i opływowe kształty
Inna współczesna japońska artystka, Mariko Mori, „wyczarowuje” obiekty multimedialne, łącząc wideo, fotografie i obiekty. Charakteryzuje ją minimalistyczna, futurystyczna wizja i eleganckie, surrealistyczne formy. Powracającym tematem w twórczości Moriego jest zestawienie zachodniej legendy z Kultura Zachodu. W 2010 roku Mariko założyła Fundację Fau, edukacyjną fundację kulturalną organizacja non-profit, dla którego wyprodukowała serię jej instalacje artystyczne na cześć sześciu zamieszkałych kontynentów. Ostatnio nad malowniczym wodospadem w Resende niedaleko Rio de Janeiro powstała stała instalacja Fundacji „Pierścień: Jedność z Naturą”.
Ryoji Ikeda: synteza dźwięku i wideo
Ryoji Ikeda to artysta nowych mediów i kompozytor, którego twórczość zajmuje się przede wszystkim dźwiękiem w różnych „surowych” stanach, od fal sinusoidalnych po szum wykorzystujący częstotliwości na granicy ludzkiego słuchu. Jego immersyjne instalacje obejmują generowane komputerowo dźwięki, które wizualnie przekształcane są w projekcje wideo lub cyfrowe wzory. Sztuka audiowizualna Ikedy wykorzystuje skalę, światło, cień, głośność, elektroniczne dźwięki i rytm. Słynny obiekt testowy artysty składa się z pięciu projektorów, które oświetlają obszar o długości 28 metrów i szerokości 8 metrów. Konfiguracja konwertuje dane (tekst, dźwięki, zdjęcia i filmy) na kody kreskowe i wzorce binarne zer i jedynek.
Liczniki Tatsuo Miyajima i LED
Współczesny japoński rzeźbiarz i twórca instalacji Tatsuo Miyajima wykorzystuje w swojej sztuce obwody elektryczne, wideo, komputery i inne gadżety. Podstawowe koncepcje Miyajimy inspirowane są ideami humanistycznymi i naukami buddyjskimi. Liczniki LED w jego instalacjach migają w sposób ciągły i powtarzalny od 1 do 9, symbolizując podróż od życia do śmierci, unikając jednak ostateczności reprezentowanej przez 0 (zero nigdy nie pojawia się w pracach Tatsuo). Wszechobecne liczby w siatkach, wieżach i diagramach wyrażają zainteresowanie Miyajimy ideami ciągłości, wieczności, połączenia oraz przepływu czasu i przestrzeni. Niedawno „Strzałka czasu” Miyajimy została pokazana na inauguracyjnej wystawie „Niedokończone myśli widoczne w Nowym Jorku”.
Nara Yoshimoto i złe dzieci
Nara Yoshimoto tworzy obrazy, rzeźby i rysunki przedstawiające dzieci i psy – tematy, które odzwierciedlają dziecięce poczucie nudy i frustracji oraz dziką niezależność, która przychodzi naturalnie małym dzieciom. Estetyka twórczości Yoshimoto nawiązuje do tradycyjnych ilustracji książkowych, jest mieszanką niespokojnego napięcia i zamiłowania artysty do punk rocka. W 2011 roku w Asia Society Museum w Nowym Jorku odbyła się pierwsza indywidualna wystawa Yoshimoto zatytułowana „Yoshitomo Nara: Nothing’s Fool” obejmująca 20-letnią karierę współczesnego japońskiego artysty, ściśle związana z globalnymi subkulturami młodzieżowymi i ich wyobcowaniem oraz protest.
Yayoi Kusama i przestrzeń przybierająca dziwne formy
Niesamowita twórcza biografia Yayoi Kusamy trwa siedem dekad. W tym czasie niesamowitej Japonce udało się studiować malarstwo, grafikę, kolaż, rzeźbę, kino, grawerowanie, sztukę ochrony środowiska, instalację, a także literaturę, modę i projektowanie ubiorów. Kusama rozwinęła bardzo charakterystyczny styl sztuki kropkowej, który stał się jej znakiem rozpoznawczym. Iluzoryczne wizje ukazane w twórczości 88-letniej Kusamy – w której świat wydaje się być pokryty rozległymi, dziwacznymi formami – są wynikiem halucynacji, których doświadczała od dzieciństwa. Pokoje z kolorowymi kropkami i lustrami „nieskończoności” odbijającymi ich skupiska są rozpoznawalne i nie da się ich pomylić z niczym innym.
Czy lubisz malarstwo japońskie? Ile wiesz o sławnych osobach? Japońscy artyści? Zastanówmy się z Tobą w tym artykule najbardziej znany artysta Japonii, którzy tworzyli swoje dzieła w stylu ukiyo-e (浮世絵). Ten styl malarstwa rozwinął się z okresu Edo. Hieroglify użyte do napisania tego stylu 浮世絵 dosłownie oznaczają „obrazy (obrazy) zmieniającego się świata”, możesz przeczytać więcej o tym kierunku malarstwa
Hishikawy Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Uważany jest za twórcę gatunku ukiyo-e, chociaż w rzeczywistości jest dopiero pierwszym mistrzem, o którym zachowały się informacje biograficzne o życiu. Moronobu urodził się w rodzinie mistrza farbowania tkanin i haftowania złotem srebrne nici i od dawna zajmuje się rzemiosłem rodzinnym, dlatego cechą charakterystyczną jego twórczości są pięknie zdobione stroje piękności, dające wspaniały efekt artystyczny.
Po przeprowadzce do Edo najpierw samodzielnie uczył się technik malarskich, a następnie kontynuował je artysta Kambun.
Dotarły do nas głównie albumy Moronobu, w których przedstawia on tematykę historyczną i tematy literackie i książki z wzorami kimon. Mistrz zajmował się także gatunkiem shunga, a spośród pojedynczych dzieł zachowało się kilka przedstawiających piękne kobiety. 
(鳥居清長, 1752-1815). Uznany pod koniec XVIII w. mistrz Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) nosił pseudonim Torii Kiyonaga, który przyjął po odziedziczeniu szkoły ukiyo-e Torii od Torii Kiyomitsu po jej śmierci.
Kiyonaga urodził się w rodzinie księgarza Shirakoyi Ishibei. Największą sławę przyniósł mu gatunek bijinga, choć zaczynał od yakusha-e. Tematy rycin z gatunku bijinga zostały zaczerpnięte z życia codziennego: spacerów, świątecznych procesji, wycieczek na łono natury. Wśród wielu prac artysty znalazła się seria „Konkursy modnych piękności z zabawne dzielnice„, przedstawiający Minami, jedną z „zabawnych dzielnic” na południu Edo, „12 portretów piękności z południa”, „10 rodzajów herbaciarni”. Osobliwość Mistrzem było szczegółowe studium widoku tła i wykorzystania technik pochodzących z Zachodu do przedstawiania światła i przestrzeni.
Kiyonaga zyskała początkową sławę dzięki wznowieniu w 1782 roku serii „Próbki mody: modele nowe jak wiosenne liście”, zapoczątkowanej przez Koryusai w latach siedemdziesiątych XVIII wieku dla wydawcy Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Na to wybitny mistrz na ukiyo-e znaczący wpływ wywarli Torii Kiyonaga i wydawca Tsutaya Juzaburo. W wyniku wieloletniej współpracy z tym ostatnim ukazało się wiele albumów, książek z ilustracjami i cyklami rycin.
Pomimo tego, że Utamaro czerpał tematy z życia prostych rzemieślników i starał się przedstawiać naturę („Księga owadów”), sławę zyskał jako twórca dzieł poświęconych gejszom dzielnicy Yoshiwara („Rocznik Yoshiwara Green Houses ”).
Dotarł do Utamaro wysoki poziom w wyrażaniu stanów psychicznych na papierze. Po raz pierwszy w drzeworytach japońskich zaczął wykorzystywać kompozycje popiersiowe.
To twórczość Utamaro wywarła wpływ na francuskich impresjonistów i przyczyniła się do europejskiego zainteresowania grafiką japońską.
(葛飾北斎, 1760-1849). Prawdziwe imię Hokusai to Tokitaro. Prawdopodobnie najbardziej znany mistrz ukiyo-e na całym świecie. W swojej karierze posługiwał się ponad trzydziestoma pseudonimami. Historycy często używają pseudonimów, aby periodyzować jego twórczość.
Początkowo Hokusai pracował jako rzeźbiarz, którego twórczość była ograniczona zamierzeniami artysty. Fakt ten mocno zaciążył na Hokusai i zaczął szukać siebie jako niezależnego artysty.
W 1778 roku został uczniem w pracowni Katsukawa Shunsho, która specjalizowała się w drukach yakusha-e. Hokusai był zarówno utalentowanym, jak i bardzo pilnym uczniem, który zawsze okazywał szacunek swojemu nauczycielowi i dlatego cieszył się szczególną przychylnością Shunsho. Zatem pierwszy niezależna praca Hokusai należały do gatunku yakusha-e w postaci dyptyków i tryptyków, a popularność ucznia dorównywała popularności nauczyciela. W tym czasie młody mistrz rozwinął już swój talent na tyle, że czuł się ciasno w jednej szkole, a po śmierci nauczyciela Hokusai opuścił pracownię i studiował kierunki innych szkół: Kano, Sotatsu (inaczej Koetsu), Rimpa, Tosa.
W tym okresie artysta doświadczył znacznych trudności finansowych. Ale jednocześnie ma miejsce jego formacja na mistrza, który odrzuca utarty wizerunek, jakiego domagało się społeczeństwo i poszukuje własnego stylu.
W 1795 roku światło dzienne ujrzały ilustracje do antologii poetyckiej „Keka Edo Murasaki”. Następnie Hokusai namalował obrazy surimono, które natychmiast zaczęły zyskiwać na popularności, a wielu artystów zaczęło je naśladować.
Od tego okresu Tokitaro zaczął podpisywać swoje dzieła imieniem Hokusai, chociaż niektóre jego dzieła publikowane były pod pseudonimami Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
W 1800 roku mistrz zaczął nazywać siebie Gakejin Hokusai, co oznaczało „Szalony Hokusai Malarstwa”.
Do znanych serii ilustracji zalicza się „36 widoków na górę Fuji”, z których najbardziej godne uwagi są „Wiatr Zwycięstwa. Clear Day” lub „Red Fuji” i „The Great Wave off Kanagawa”, „100 Views of Mount Fuji”, wydany w trzech albumach, „Hokusai's Manga” (北斎漫画), zwany „encyklopedią Japończyków” . Artysta włożył w „Mangę” wszystkie swoje poglądy na twórczość i filozofię. „Manga” jest najważniejszym źródłem do studiowania życia w Japonii w tamtym czasie, ponieważ obejmuje wiele aspektów kulturowych. Za życia artysty ukazało się łącznie dwanaście numerów, a po jego śmierci trzy kolejne:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (po śmierci artysty)
Sztuka Hokusai wywarła wpływ na takie ruchy europejskie, jak secesja i francuski impresjonizm.
(河鍋暁斎, 1831-1889). Używał pseudonimów Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin i uczył się w szkole Kano.
W przeciwieństwie do Hokusai, Kyosai był dość bezczelny, co spowodowało jego rozłam z artystą Tsuboyamą Tozanem. Po szkole został samodzielnym mistrzem, chociaż czasami uczęszczał do szkoły przez kolejne pięć lat. W tym czasie malował kyogę, tzw. „szalone obrazy”.
Do wybitnych dzieł rycin należy Sto obrazów Kyosai. Jako ilustrator Kyosai tworzy obrazy do opowiadań i powieści we współpracy z innymi artystami.
Pod koniec XIX wieku Europejczycy często odwiedzali Japonię. Część z nich artysta znał, a kilka jego prac znajduje się obecnie w British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Pracował pod pseudonimem Ando Hiroshige (安藤広重) i jest znany z subtelnego przedstawiania motywów naturalnych i Zjawiska naturalne. W wieku dziesięciu lat namalował swój pierwszy obraz „Góra Fuji w śniegu”, który obecnie znajduje się w Muzeum Suntory w Tokio. Przedmioty wczesne prace oparty na prawdziwych wydarzeniach dziejących się na ulicach. Jego słynne cykle: „100 widoków na Edo”, „36 widoków na górę Fuji”, „53 stacje Tokaido”, „69 stacji Kimokaido”, „100 znane gatunki Edo.” Duży wpływ na Moneta i rosyjskiego artystę Bilibina wywarły „53 stacje drogi Tokaido” namalowane po podróży East Coast Road oraz „100 widoków Edo”. Z serii 25 rycin z gatunku kate-ga najbardziej znany jest arkusz „Wróble nad ośnieżoną kamelią”.
(歌川国貞, znany również jako Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Jeden z najwybitniejszych artystów ukiyo-e.
Szczególną uwagę poświęcił aktorom kabuki i samemu teatrowi – stanowi to około 60% wszystkich prac. Znane są także prace z gatunku bijinga oraz portrety zapaśników sumo. Wiadomo, że stworzył od 20 do 25 tysięcy działek, które obejmowały 35-40 tysięcy arkuszy. Rzadko zwracał się w stronę krajobrazów i wojowników. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798-1861). Urodzony w rodzinie farbiarza jedwabiu. Kuniyoshi zaczął uczyć się rysować w wieku dziesięciu lat, mieszkając z rodziną artystów Kuninao. Następnie kontynuował naukę u Katsukawy Shun'ei, a w wieku 13 lat rozpoczął naukę w warsztacie Tokuyoni. Pierwsze lata młody artysta sprawy nie układają się dobrze. Jednak po otrzymaniu zamówienia od wydawcy Kagayi Kichibei na pięć egzemplarzy serii 108 Suikoden Heroes, sprawy zaczęły nabierać tempa. Tworzy resztę postaci z serii, a następnie przechodzi do kolejnych różne prace, a piętnaście lat później stoi na równi z Utagawą Hiroshige i Utagawą Kunisada.
Po zakazie obrazów z 1842 r sceny teatralne, aktorzy, gejsze i kurtyzany, Kuniyoshi pisze swój cykl „kot”, wykonuje ryciny z cyklu edukacyjnego dla gospodyń domowych i dzieci, przedstawia bohaterowie narodowi w cyklu „Tradycje, moralność i przyzwoitość”, a na przełomie lat 40. i 50. XIX w., po złagodzeniu zakazów, artysta powrócił do tematu kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Znany ze swoich dzieł z gatunku bijinga. W jego najlepsze prace zawiera portrety typu okubi-e („wielkie głowy”), które uważane są za przykłady rzemiosła epoki Bunsei (1818-1830), kiedy gatunek ukiyo-e podupadał. Artysta namalował wiele lirycznych i erotycznych surimono, a także cykl pejzaży „Sześćdziesiąt dziewięć stacji Kisokaido”, którego nie udało mu się ukończyć i dokończył Hiroshige.
Nowość w przedstawieniu bijingi polegała na zmysłowości, jakiej nie widziano wcześniej u innych artystów. Z jego dzieł możemy zrozumieć modę tamtych czasów. Opublikował także biografie „Czterdziestu Siedmiu Roninów” oraz napisał kilka innych książek, m.in. „The History of Ukiyo-e Printings” (Ukiyo-e ruiko), zawierającą biografie artystów. Z kolei w Notatkach Bezimiennego Starszego opisał siebie jako zdeprawowanego pijaka i byłego właściciela burdelu w Nedzu, który doszczętnie spłonął w latach trzydziestych XIX wieku.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Prawdziwe imię artysty to Hozumi Jirobei. Jest odkrywcą druku polichromowanego ukiyo-e. Uczęszczał do szkoły Kano i studiował malarstwo. Następnie, pod wpływem Shigenagi Nishimury i Torii Kiyomitsu, drzeworyt stał się jego hobby. Od początków XVIII wieku wykonywano ryciny w dwóch lub trzech kolorach, a Harunobu zaczął malować w dziesięciu kolorach, używając trzech desek i łącząc trzy kolory - żółty, niebieski i czerwony.
wyróżniał się na obrazie sceny uliczne oraz obrazy z gatunku shunga. Od lat sześćdziesiątych XVIII wieku był jednym z pierwszych, którzy wcielili się w aktorów Kabuki. Jego twórczość wywarła wpływ na E. Maneta i E. Degasa.
(小原古邨, 1877 - 1945). Jego prawdziwe imię to Matao Ohara. Przedstawione sceny z wojen rosyjsko-japońskich i chińsko-japońskich. Jednak po ukazaniu się fotografii jego prace zaczęły się słabo sprzedawać, a on zaczął zarabiać na życie, ucząc w szkole sztuki piękne w Tokio. W 1926 roku kustosz katedry Ernest Felloza Sztuka japońska w Muzeum Bostońskim namówił Oharę do powrotu do malarstwa, a artysta zaczął przedstawiać ptaki i kwiaty, a jego prace dobrze sprzedawały się za granicą. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Wyróżniał się na tle innych artystów swoją ekscentrycznością i stylem życia, na który składały się przyjaźnie z wieloma kulturalnymi i postacie religijne ten czas. Bardzo obrazowo przedstawiał zwierzęta, kwiaty i ptaki egzotyczna forma. Był bardzo znany i przyjmował zamówienia na malowanie parawanów i obrazów świątynnych.
(鳥居清信, 1664-1729). Jeden z najważniejszych przedstawicieli wczesny okres ukiyo-e. Pomimo wielkiego wpływu swojego nauczyciela Hishikawy Monorobu, stał się założycielem gatunku yakusha-e w przedstawianiu plakatów i plakatów oraz wynalazł własny styl. Aktorzy zostali przedstawieni w specjalnych pozach jako odważni bohaterowie i zostali namalowani 
szlachetny kolor pomarańczowy, a złoczyńcy zostali narysowani w niebieskich kolorach. Aby przedstawić pasję, artysta wymyślił specjalny rodzaj rysunku mimizugaki - są to kręte linie z naprzemiennymi cienkimi i grubymi pociągnięciami, połączone z groteskowym obrazem mięśni kończyn.
Torii Kiyonobu jest założycielką dynastii artystów Torii. Jego uczniami byli Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I i Torii Kiyomitsu.
Kto jest Twoim ulubionym artystą ukiyo-e?
Język japoński różni się od innych języków europejskich swoją strukturą, co może powodować pewne trudności w nauce. Jednak nie martw się! Specjalnie dla Ciebie przygotowaliśmy kurs „”, na który możesz zapisać się już teraz!