Rola plastyki i rzemiosła w rozwoju dzieci wiek przedszkolny.
Edukacja była i pozostaje najważniejszym czynnikiem przemieniającym rozwój społeczny. Przyszłość w dużej mierze zależy od poziomu wychowania, rozwoju duchowego i moralnego młodego pokolenia. Przedszkole, obok rodziny, odgrywa ważną rolę w wychowaniu dziecka w wieku przedszkolnym. Przedszkolna placówka wychowawcza oddziałuje edukacyjnie na dziecko w najbardziej wrażliwym (wrażliwym, receptywnym) okresie jego życia. Główne zadanie przedszkole jest podnoszenie efektywności i jakości edukacji dzieci w oparciu o wszechstronne wychowanie i rozwój osobowości każdego dziecka. Przed placówką oświatową w wieku przedszkolnym do najważniejszych zadań należy kształtowanie podstawowej kultury jednostki, wysokiej kultury już od najwcześniejszego dzieciństwa cechy moralne: miłość do ojczyzny, szacunek dla jej historii i dziedzictwo kulturowe; kultury i tradycji innych narodów.
Sztuka ludowa i rzemiosło naszego kraju jest integralną częścią kultury. Emocjonalność, poetycki obraz tej sztuki jest bliski, zrozumiały i drogi człowiekowi. Wywołuje wrażliwe podejście do piękna, przyczynia się do kształtowania harmonijnie rozwiniętej osobowości. Oparte na głębokich tradycje artystyczne, sztuka ludowa wkracza w życie i kulturę naszego narodu, ma korzystny wpływ na kształtowanie się człowieka przyszłości. Dzieła artystyczne tworzone przez rzemieślników ludowych zawsze odzwierciedlają miłość do ojczyzna zdolność widzenia i rozumienia świat.
We współczesnej kulturze sztuka ludowa żyje własnym życiem tradycyjne formy. Dzięki temu wyroby rzemieślników ludowych zachowują swoje trwałe cechy i są postrzegane jako nośniki integralnej kultury artystycznej.
Tradycje i sposób życia każdego człowieka są ucieleśnione w kostiumach, biżuterii, artykułach gospodarstwa domowego, dekoracjach wnętrz, które pochodzą z starożytność i zmieniać się w czasie, zachowując jednocześnie główne cechy charakterystyczne.
Coraz częściej dzieła sztuki i rzemiosła przenikają do życia ludzi, kształtują gust artystyczny, tworząc estetycznie kompletne środowisko, które determinuje potencjał twórczy osobowość. Dlatego rola przedszkola instytucje edukacyjne, gdzie z sukcesem prowadzone są prace nad zapoznawaniem dzieci z próbkami Sztuka ludowa. Przedmioty sztuki ludowej są różnorodne. Mogą to być zabawki wykonane z drewna, gliny, naczyń, dywanów, koronek, miniaturek lakieru.
Ogromny wpływ na formację ma duże znaczenie duchowe i ideologiczne sztuki i rzemiosła ludowego wewnętrzny świat dzieci. Systematyczne zatrudnienie przy różnego rodzaju artystycznej obróbce materiałów korzystnie wpływa na rozwój gustu estetycznego dzieci, a jednocześnie wiąże się z nabyciem umiejętności niezbędnych w ich dalszej pracy.
Dzięki zainteresowaniu tymi zajęciami kształtuje się zapał do nich, pracowitość i wytrwałość w pracy. Poprzez proces tworzenia pięknych, uzasadnionych estetycznie wytworów rzemiosła artystycznego, stopniowo, dyskretnie, ale bardzo produktywnie, zaszczepia się w dzieciach miłość do różnych zawodów.
Największy efekt edukacyjny daje zapoznanie przedszkolaków ze sztuką i rzemiosłem ludowym. Wyroby rzemieślników ludowych wyróżniają się wyczuciem materiału, organiczną jednością utylitarności (orientacji praktycznej) rzeczy z jej wystrojem, kolorem narodowym oraz wysokimi walorami moralnymi i estetycznymi. W sztuce ludowej jest tyle ładunku edukacyjnego (nie tylko w cieszących oko gotowych wyrobach, ale także w samym procesie, w technologii ich tworzenia), że naturalnie pojawia się pytanie o jej najaktywniejsze wykorzystanie w pracy z przedszkolakami.
Zadaniem pedagoga jest kierowanie procesem twórczym przedszkolaków, ukierunkowanie ich na studiowanie próbek sztuki i rzemiosła ludowego. Podstawą treści zajęć z przedszkolakami z różnych dziedzin plastyki i rzemiosła powinna być zasada skupienia się na sztuce ludowej.
Studiując główne rodzaje sztuki ludowej, dzieci opanowują artystyczną strukturę ozdoby, zapoznają się z twórczością artystów. Wychowuje się uczucia patriotyczne, dumę z Ojczyzny, swojego narodu, szacunek dla kultury i tradycji innych narodów. Poprzez tradycje ludowe rozwija się wychowanie wrażliwości emocjonalnej, życzliwości, poczucia koleżeństwa i poczucia własnej wartości kreatywność artystyczna osobowość, zmysł estetyczny, horyzonty. Uczniowie otrzymują wiedzę na temat rozwoju głównych rodzajów sztuk i rzemiosł, a przede wszystkim na temat kreatywności znaczący artyści i rzemieślników, cechy charakterystyczne stroje narodowe i zdobnictwa, o zbiorach dzieł sztuki i rzemiosła ludowego lokalnych muzeów; zapoznać się z pojęciami elementarnymi, takimi jak kolor, rytm, kształt, proporcja, linia, objętość, przestrzeń.
Sztuka ludowa jest figuratywna, kolorowa, oryginalna w swoim designie. Jest przystępny dla dziecięcej percepcji, gdyż niesie zrozumiałą treść, która w prostych, zwięzłych formach ukazuje dziecku piękno i urok otaczającego go świata. Jest to zawsze znane dzieciom wspaniałe obrazy zwierzęta z drewna i gliny.
Ozdobami używanymi przez rzemieślników ludowych do malowania zabawek i naczyń są kwiaty, jagody, liście, niektóre dziecko spotyka w lesie, na polu, na terenie przedszkola. Przedszkola powinny dysponować odpowiednią liczbą przedmiotów sztuki ludowej. Wyroby artystyczne prezentowane są dzieciom podczas rozmów o rzemieślnikach oraz wykorzystywane w działaniach edukacyjnych. Dla dzieci w wieku przedszkolnym dobrze jest mieć rzeźbione drewniane zabawki, fajne zabawki mistrzów z Bogorodska, produkty Kargopola rzemieślnicy. Jeśli w pierwszej młodszej grupie dzieci bawią się zabawkami, to w drugiej młodszej grupie zabawki te można rozważyć przed modelowaniem. Dla grupa środkowa dobrze jest mieć zabawki Siemionowa, Filimonowa i Kargopola, Bogorodsk stał się drewnianymi zabawkami.
Dla dzieci z grup seniorskich i przygotowawczych do szkoły dostępne są wszelkie zabawki ludowe, gliniane i drewniane.
Zabawki ludowe swoją bogatą tematyką wpływają na pomysł dziecka podczas modelowania, wzbogacają wyobrażenie o otaczającym go świecie. Pod wpływem przedmiotów sztuki ludowej dzieci głębiej i z wielkim zainteresowaniem dostrzegają ilustracje do baśni ludowych, których twórczość opiera się na tradycjach narodowych. Nauczyciel musi znać rzemiosło ludowe, historię ich powstania. Ale przede wszystkim musi rozumieć i kochać sztuki ludowej i rzemiosła, aby dowiedzieć się, do jakiego rodzaju rzemiosła ludowego należy ta lub inna zabawka. Potrafić opowiadać o mistrzach tworzących zabawki i opowiadać o tym w ekscytujący sposób, który zainteresuje małe dziecko.
Zatem sztuka ludowa ma wielką siłę oddziaływania emocjonalnego i jest dobrą podstawą formacji świat duchowy osoba.
Irina Ufimcewa
Rola zajęć plastycznych i rzemieślniczych w rozwoju artystycznym i estetycznym przedszkolaków
Ludowy sztuka bardziej niż wszystkie inne rodzaje twórczości jest zrozumiała i przystępna dla dzieci, pomaga lepiej poznać tradycje swojego regionu, jego bogactwa narodowego. Planując celową pracę mającą na celu zapoznawanie i oswajanie dzieci ze sztuką ludową, prowadzę z dziećmi w wieku 5-7 lat. Działalność ta rozpoczęła się od stworzenia warunków do zapoznania dzieci i rodziców z kulturą ludową. Ostatnim wydarzeniem było „Miasto mistrzów”, gdzie dzieci wzięły udział w quizie dotyczącym rzemiosła ludowego oraz zwiedziły wystawę rzemiosła ludowego.
W dziełach sztuki ludowej odzwierciedla się miłość do ojczyzny, umiejętność widzenia i rozumienia otaczającego świata. W treści większości Sztuka ludowa wiele pochodzi z natury - z ziemi, lasu, ziół, wody i słońca. Ze wszystkich żywych istot, które człowiek kocha. Dlatego też oprócz zajęć z zapoznania się z rzemiosłem ludowym, technikami rysunkowymi, modelarstwem, w pakiecie znajduje się GCD do nauki o sztuce ludowej. sztuka w rytmie tradycyjnego kalendarza – od jesieni do lata.
W procesie kształtowania umiejętności rysunek dekoracyjny, modelowanie i aplikacje, wykorzystuję następujące techniki i metody:
Tworzenie sytuacji zabawowej na początku lekcji i podczas przeglądu prac dzieci;
Porównanie elementów wzoru i różne opcje kompozycje;
Używanie gestów konturowych (aby podkreślić elementy obrazu, kolejność wzoru);
Demonstracja sekwencji rysowania i ćwiczenie z obrazu nowych, złożonych elementów wzoru;
Połączenie różnego rodzaju aktywność wizualna;
Włączenie w trakcie zajęć ICT;
Wykorzystanie muzyki, materiałów literackich, elementów zajęć teatralnych.
Organizacja zajęć edukacyjnych, z którymi można się zapoznać, pozwala dzieciom poczuć się w roli artysta dekorator , odzwierciedlać w swojej twórczości estetyczną wizję i uczucie otaczającego świata i obejmuje dwa scena:
Wprowadzenie do rzemiosła
Kształcenie umiejętności rysowania i modelowania.
Na każdej lekcji prowadzę mini-pogawędki na temat tego czy innego rzemiosła ludowego z pokazem wyrobów rzemieślników ludowych (drewniane łyżki, lalki gniazdujące, zabawki Dymkowa czy fotografie i obrazki). Rozważamy je wspólnie z dziećmi, dołączając niezbędne wyjaśnienia, aby pomóc dzieciom zrozumieć cechy konkretnego rzemiosła. Aby uzyskać więcej percepcja emocjonalna dzieci ludowe sztuka Używam ustnej sztuki ludowej (rymowanki, wiersze, żarty).
Zapoznając się z wyrobami rzemieślników ludowych, zdecydowałem, co następuje zadania:
Zapoznanie z rosyjskim rzemiosłem ludowym, wzbudzenie zainteresowania sztuką ludową;
Wykształcenie umiejętności rysowania elementów murali i rzeźbienia zabawek ludowych;
- rozwijać umiejętność pracy ze schematem.
Poza zadaniami Dziedzina edukacji « Artystyczny rozwój estetyczny »
zadania z innych zajęć edukacyjnych regiony:
Fizyczny rozwój:
kształtować umiejętność koordynowania, koordynowania ruchów za pomocą mowy;
rozwijać umiejętności motoryczne.
Społeczno-komunikatywny rozwój:
tworzyć sferę emocjonalno-wolicjonalną, responsywność w komunikacji z rówieśnikami, dorosłymi i rodzicami;
kultywować miłość do ojczyzny, dziedzictwa przodków, szacunek dla ich pracy.
kognitywny rozwój:
kształtować i rozszerzać ideę różnorodności tematów dekoracyjne i stosowane sztuka;
poszerzyć pomysły na temat materiałów, z których rzemieślnicy tworzą dzieła sztuka(glina, drewno, ceramika, nici itp.).
Przemówienie rozwój:
wzbogacić słownictwo;
rozwijać mowa dialogiczna i monologowa;
rozwijać zainteresowanie ustną sztuką ludową.
Przeszedłem od rozmowy do praktyki Części:
Uczyli się rysować elementy murali, rzeźbić na nich ludową zabawkę kolejne lekcje zapoznałem się z nowymi elementami, technikami modelowania, a także ustaliłem kolorystykę. Przed narysowaniem elementów na papierze rysujemy je w powietrzu. W praktyce swojej pracy szeroko wykorzystuję zajęcia dydaktyczne Gry: „Ucz się poprzez opis”, „Powtórz element”, „Zrób wzór”, "Ślad i kolor"…. Celem tych zabaw jest nauka techniki rysowania elementów, rozwój umiejętności motoryczne ręce, utrwalenie idei rzemiosła, schemat kolorów, rozwój fantazji, umiejętności kompozytorskie. Stopniowo od rysowania po pasku, kwadracie, kole przechodzimy do malowania płaskich sylwetek. Kiedy dzieci zapoznają się z tym czy innym elementem, zwracam uwagę na indywidualność każdego wzoru. Dzieci zaczynają rysować, rzeźbić pewniej z lekcji na lekcję. Wraz z kumulacją wrażeń estetycznych u dzieci rozwija się powstaje percepcja wzrokowa, słuch, zainteresowanie. Opanowują w rzeczywistości kolor, linie, dźwięki, ruch, rytm, symetrię, które stopniowo ukazują się przed nimi jako piękne formy i właściwości. Piękno folku sztuka bezpośrednio wpływa na stan psychiczny dzieci, ich nastrój, jest źródłem emocji wpływających na ich stosunek do otaczającego ich świata. Oglądanie rękodzieła wywołuje u dzieci radość, dobre przeczucie. Kształtowanie umiejętności rysowania, technik modelowania jest budowane od prostych do złożonych. Po ukształtowaniu umiejętności technicznych, rozwijać wyobraźnię twórczą dzieci, wykorzystując zajęcia dydaktyczne Gry: „Sparowane zdjęcia”, « dekoracyjne domino» , „Zmontuj całość”, „Rozpoznaj zabawkę”…. Wykorzystuję je zarówno na zajęciach, jak i podczas zajęć swobodnych. Gry te pomagają dzieciom samodzielnie wymyślać nowe kompozycje, komponować, rysować wzory. Przez cały czas pracy organizowane są dla rodziców wystawy prac dzieci, aby pokazać ich sukcesy w opanowaniu malarstwa ludowego. Wielu rodziców rozumie Rola sztuk pięknych w edukacji przedszkolaków, ale głównie ją widuję rozwój mowy, myśląc. Nie doceniają faktu, że dziecko postrzega folklor sztuka, ma silny wpływ na kształtowanie się jego osobowości, na świadomość, zachowanie, sferę emocjonalną, kształtowanie się estetycznej wizji rzeczywistości. Dostępność artystycznie- kreatywność u dzieci jest kluczem do udanej nauki w szkole, więc te umiejętności powinny takie być rozwijać się jak najwcześniej. Przyczyniają się do tego rysunki, modelowanie, aplikacje, praca fizyczna rozwój twórcza wyobraźnia, obserwacja, artystyczny myślenia i pamięci dziecka. To właśnie w aktywności wizualnej każde dziecko może pokazać swoją indywidualność. Dlatego prowadzę pracę wychowawczą z rodzicami. Głównym zadaniem w tym kierunku jest zaszczepianie zainteresowania sztukami pięknymi. sztuka; kształtowanie umiejętności stosowania określonych metod metodologicznych zaznajamiania dzieci z obrazem sztuka biorąc pod uwagę indywidualne cechy dzieci. Przenoszenie folderów i konsultacje pomagają w rozwiązaniu tych problemów. Zawierają porady metodyczne na co zwrócić uwagę w procesie badania obiektów; jak uczyć rysowania elementów muralu i tworzenia wzorów; co powiedzieć. Ponadto organizuję wystawy objazdowe dla rodziców. gry dydaktyczne przyczynianie się rozwój zainteresowań sztuką i rzemiosłem, artystycznie- zdolności twórcze, wychowanie do miłości i szacunku dla kultury swojego ludu. Do zabaw należy dołączyć wskazówki dotyczące organizowania zabaw z dziećmi. W wyniku GCD, bibliotek zabawek, pracy z rodzicami, dzieci cieszą się stałym zainteresowaniem sztuka i rzemiosło. Dzieci potrafią dobrze poruszać się po kartce papieru, poznają elementy malarstwa, kolory; umiejętności szczotkowania są ulepszone.
W trakcie realizacji postawionych zadań konieczne jest monitorowanie wyników kształtowania się pomysłów dzieci na temat ludowości sztuka i artystyczne technik rysunkowych i rzeźbiarskich opartych na dekoracyjne obrazy . W tym celu prowadzę diagnostykę według określonych kryteriów, które pokazują poziom zainteresowania sztuką ludową, działalność artystyczna, umiejętności rzeźbiarskie i malarskie. W procesie zapoznawania dzieci z folklorem sztuka Doszedłem do następującego wniosku wnioski:
Zaznajomienie się z sztuka i rzemiosło pozytywnie wpływa na estetykę rozwój dziecka; sztuka wnosi w świat dziecka radość i pozytywne emocje.
Podczas poznawania produktów sztuka i rzemiosło dzieciom ukazuje się różnorodność i bogactwo kultury ludu, przyswajane są tradycje i zwyczaje przekazywane z pokolenia na pokolenie.
uczenie się dekoracyjny- Sztuka stosowana, dzieci się uczą otaczająca przyroda wzbogacić słownictwo, rozwijać umiejętność spójnego wyrażania swoich myśli.
Dzieci rozróżniają rodzaje obrazów (według koloru, wzoru, materiału).
Dzieci nauczyły się różnych technik rysowania i modelowania, przenosząc ten lub inny obraz, zabawki.
Można zatem stwierdzić, że sztuka i rzemiosło jako część edukacja estetyczna pomaga rozwijać się przedszkolakom dzieci mają estetyczny stosunek do rzeczywistości, miłość do ojczyzny, myślenie, wyobraźnię. Sztuka w życiu dziecka jest metodą figuratywnej wiedzy o życiu; dostarcza bogatych treści, które przynoszą dziecku wiele głębokich doświadczeń, przemyśleń, wiedzy. To rozwija się zdolności umysłowe i aparat percepcyjny dziecka.
1.1 Specjalne miejsce sztuki i rzemiosła
1.2 Filozofia sztuki i rzemiosła
2.1 Pojawienie się sztuki i rzemiosła
2.2 Rola sztuki i rzemiosła we współczesnym społeczeństwie
2.3 Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako integralna część życia kulturalnego społeczeństwa. Wnioski Lista używanej literatury
Wprowadzenie Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma swoje korzenie w głębi wieków. Człowiek przez cały swój rozwój tworzył przedmioty wartościowe estetycznie, odzwierciedlając w nich zainteresowania materialne i duchowe, dlatego dzieła sztuki i rzemiosła są nierozerwalnie związane z czasem ich powstania. Termin „sztuka i rzemiosło” w swoim podstawowym znaczeniu odnosi się do wzornictwa artykuły gospodarstwa domowego, otaczając człowieka przez całe jego życie: meble, tkaniny, broń, naczynia, biżuterię, ubrania - czyli wszystko, co tworzy środowisko, z którym na co dzień ma kontakt. Wszystkie rzeczy, z których korzysta dana osoba, powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne.
Pojęcie to nie ukształtowało się w kulturze ludzkiej od razu. Początkowo to, co otacza człowieka na co dzień, nie było postrzegane jako mające wartość estetyczną, choć rzeczy piękne zawsze otaczały człowieka. Już w epoce kamienia przedmioty gospodarstwa domowego i broń zdobiono ozdobami i nacięciami, nieco później pojawiła się biżuteria z kości, drewna i metalu, do pracy używano szerokiej gamy materiałów - gliny i skóry, drewna i złota, szkła i włókna roślinne, pazury i zęby zwierząt. Na broń i przybory nakładano malowanie pokrytych naczyń i tkanin, haftowanych ubrań, nacięć i gonitw, Biżuteria wykonane z niemal dowolnego materiału. Ale osoba ta nie pomyślała o tym, że zwykłe rzeczy, które otaczają go przez całe życie, można nazwać sztuką i podzielić na osobny trend. Jednak już w epoce renesansu podejście do przedmiotów codziennego użytku zaczęło się zmieniać. Spowodowane to było rozbudzeniem zainteresowań ludzi przeszłością, związaną z powstającym wówczas kultem starożytności. Jednocześnie wzrosło zainteresowanie mieszkalnictwem, jako obiektem równoważnym pod względem wartość estetyczna inne obiekty artystyczne. największy rozwój sztuka i rzemiosło sięga epoki baroku i klasycyzmu. Bardzo często za wykwintną dekoracją – malowaniem, zdobnictwem, tłoczeniem kryła się prosta, praktycznie wygodna forma przedmiotu.
Nowoczesny proces artystyczny złożone i wieloaspektowe, a także złożone i wieloaspektowe współczesna rzeczywistość. Sztuka, zrozumiała dla każdego, otacza nas wszędzie – w domu i biurze, w przedsiębiorstwie i w parku, w budynkach użyteczności publicznej – teatrach, galeriach, muzeach. Wszystko - od pierścionków, bransoletek i zestawów do kawy po holistyczny kompleks tematyczny dzieł sztuki i rzemiosła dla dużych budynek publiczny- niesie ze sobą różnorodność artystycznych poszukiwań mistrzów, którzy subtelnie wyczuwają dekoracyjny cel przedmiotu, organizując i wypełniając pięknem nasze życie. Aby stworzyć człowiekowi wygodę niezbędną, a jednocześnie ozdobić jego życie, artyści starają się, aby wszystkie rzeczy używane w życiu codziennym nie tylko odpowiadały ich celowi, ale także były piękne, stylowe i oryginalne. A piękno i korzyść są zawsze w pobliżu, gdy mistrzowie podejmują tę sprawę i od większości różne materiały(drewno, metal, szkło, glina, kamień itp.) tworzą przedmioty gospodarstwa domowego będące dziełami sztuki.
1. Rola sztuki i rzemiosła w życiu człowieka
1.1 Szczególne miejsce dla sztuki i rzemiosła Od ponad stulecia problemy etniczne dosłownie w różnych formach wdzierają się do humanistyki, porządkując na nowo mniej lub bardziej utrwalone koncepcje i odsłaniając w nich nowe treści. Rzeczywiście, zauważalny na zewnątrz synkretyzm i heurystyczny charakter rzeczywistości etnicznej nie mogą pozostać niezauważone przez te sekcje nauk humanistycznych, które twierdzą, że są systematyczne. Obok zadań badawczych polegających na ukazaniu tego, co wspólne i szczególne w życiu kulturalnym różnych społeczności etnicznych, pojawia się dotkliwa, w wielu przypadkach pilna potrzeba poszukiwania zwyczaje ludowe oraz szybkie rozwiązanie praktycznych problemów psychologicznych w celu ustalenia minimalnych środków kulturowych. Zavyalov K. F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Szczególne miejsce wśród tych środków zajmuje sztuka i rzemiosło (DPI), które jest ściśle powiązane, a ściślej organicznie wyrasta ze zwykłego, zakorzenionego sposobu życia ludzi . W szczególności DPI narodów jest obecnie słusznie uważany nie za przestarzałe przedmioty gospodarstwa domowego, ale za wielofunkcyjne, stanowiące jednocześnie mentalność (według L. Fevre) i utylitarne zastosowanie, jako rzeczy piękne, umiejętnie i odpowiednio wykonane, w jakie talenty ludowe i kultura artystyczna, technologia i samoświadomość grupy etnicznej, osobowość autora i norma społeczna. DPI nigdy nie ograniczało swoich funkcji wyłącznie do designu użytkowego (dekoracyjnego). Jaka strona życia plemię słowiańskie Jakkolwiek na to spojrzeć, wszędzie widać dwa wzajemne wpływy: życie na sztukę i sztuka na życie. W tym „wdychaniu i wydychaniu” sztuki można dostrzec rytm ludzkiego myślenia, jego magię i „prelogiczność”, światopogląd i system relacji międzyludzkich, podstawy edukacyjne i priorytety etyczne. Sposób, w jaki te przeszłe tygle artystyczne zrozumienie znaki wpływają na przyszłe pokolenie społeczność etniczna i jest przedmiotem naszych badań.
Według G. W. F. Hegla „jeśli rozmawiamy o uniwersalnym, a nie przypadkowym celu sztuki, zatem biorąc pod uwagę jej duchową istotę, ten ostateczny cel może być jedynie duchowy i w dodatku nie przypadkowy, ale zakorzeniony w samej naturze celu. Jeśli chodzi o budowanie, celem tym mogłoby być jedynie przybliżenie do świadomości istotnych treści duchowych za pomocą dzieła sztuki. Sztuka rzeczywiście stała się pierwszą nauczycielką narodów”. Dodać do tego należy, że tożsamość narodu i jego kultury oznacza jego samorealizację, odmienność jego ducha, jego ekspansję i zewnętrzną reprezentację w postaci wytworów kultury jego myślenia. Obraz artystyczny towarzyszący dziełu sztuki wyznaczany jest nie tylko przez przeznaczenie rzeczy czy materiał, z którego jest wykonana, ale jest także źródłem, środkiem i skutkiem działania semiotycznego, znakiem i przekazem zarazem. . Dlatego w odniesieniu do ludów z pierwotnie zachowanym DPI można postawić tezę, że niemi wysłannicy kultury już od urodzenia zaczynają wychowywać dziecko. Jakikolwiek przedmiot podniesie dziecko, on młodym wieku stoi przed koniecznością odobiektywizowania tego przesłania, gdyż nie ma takiego obszaru życia codziennego, zwłaszcza wśród narodów, których sposób życia nie jest jeszcze zbyt otwarty na ideały masowej kultury europejskiej czy azjatyckiej (gdzie wraz z masowym charakterem, alienacją rośnie), gdzie nie przenikały wytwory „codzienności” artysty. Zadanie ogólne badania psychologiczne mogą zatem być zorientowane na ustalenie faktycznej roli DPI w rozwój dziecka ludzi, gdyż nawet najbardziej wstępna obserwacja ustalonych form edukacji wskazuje na głębokie zaangażowanie DPI we wszystkie kulturowe okoliczności działania dzieci.
Wśród Słowian, którzy nadal żyją w kontekście natury (wsie, gospodarstwa rolne itp.) i zachowują swój zwykły sposób życia, wychowanie to odbywa się za pomocą otaczającego świata, który nie jest ujęty tylko w „pojęciach” , jak w społeczeństwie technogenicznym, ale także w symbolicznej przestrzeni symbolicznej - swego rodzaju załamanie poprzez dekoracje, ozdoby i mozaiki, zawarte w przedmiotach gospodarstwa domowego, w ubraniach, w sposobie życia, w wiecznie żywych i starannie przestrzeganych przykazaniach, które są przekazywane od stulecia do stulecia nie w formie instrukcji i rad „jak żyć”, ale poprzez tradycje wspólnego studiowania, użytkowania, produkcji przedmiotów DPI. Według D. Lukacsa „ozdabiając narzędzia pracy, człowiek już od niepamiętnych czasów opanował poszczególne przedmioty, które zarówno pod względem praktycznym, jak i technicznym od dawna stanowiły swego rodzaju kontynuację jego podmiotowego zakresu działania, uczyniły je część integralna jego „ja” w najszerszym znaczeniu. Tak naprawdę DPI wśród Słowian jest językiem wspólnoty, początkowych oznak jego opanowania można doszukać się także u dzieci. Język ten nie został specjalnie ukształtowany, ale w warunkach ogólnopolskiego internatu – swoistej granicy między dwiema kulturami: zewnętrzną i wewnętrzną, własną – staje się jednym z najbardziej rozwiniętych systemów środków, którymi dziecko jest gotowe dysponować w nowej dla siebie sytuacji. Zavyalov K. F. Religia narodów słowiańskich. Tom 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.
1.2. Filozofia sztuki i rzemiosła Połączenie metod etnograficznych, historycznych, kulturowych i psychologicznych jest zdaniem I. S. Kona niezbędne do prawidłowego badania zjawiska psychologiczno-filozoficznego. Dlatego też w badaniu funkcji i roli DPI w kształtowaniu środków właściwej orientacji dzieci w otaczającym nas świecie, DNI traktujemy jako zjawisko niezależne, próbując już w pierwszych krokach określić jego granice, a w W ogólnych warunkach przedstawił swoją fenomenologię filozoficzną. Innymi słowy, krawędź naszych badań zwrócona jest ku zjawisku DPI w taki sposób, że za formami zachowań zabawowych i myślenia dziecka, ujętymi w rozwiązywaniu zadań specjalnych, kryje się Ogólne znaczenie DPI dla rozwoju dziecka.
Studia o charakterze kulturowo-filozoficznym (J. Fraser, E. B. Tylor, L. Levy-Bruhl, K. Levy-Strauss i in.) ujawniają nam szczególną przestrzeń dla istnienia myśli „naturalnych” Słowian (wciąż zachowując szczególny związek z naturą). Przestrzeń ta wypełniona jest duchem (myśleniem) ludu, ukształtowanym przez jego tradycje, rytuały, stereotypy etniczne, nasyconym magią, partycypacją, pralogiką itp. DPI jest istotną i integralną częścią, momentem tego ducha; jedną z jego najważniejszych właściwości jest zwracanie się do każdego nowo powstającego pokolenia społeczności etnicznej. To właśnie w tej formie (wraz ze sformalizowanym lub wyłaniającym się pismem) w języku kostiumów i ozdób, wzorów i rytuałów, dekoracji i kolorów, ludzie zachowują związek czasów i przekazują swoje normy etniczne z dziadka na wnuka. Ten proces transmisji jest ukryty przed wścibskimi oczami; jest intymny, choć codzienny, niesystematyczny, choć regularny; jest ustalana przez rutynę kulturową, ale jest opanowywana w sposób osobisty.
Tak więc wszystkie artykuły gospodarstwa domowego Słowian były wykonane wyłącznie z lokalnych materiałów. Każda rodzina miała mnóstwo pojemników z korą brzozową różne kształty i nominacje, a mężczyźni rzeźbili z drewna moździerze, wanny, czerpaki i łyżki. Pudełka i tabliczki były oryginalne. Ubrania i drobne przedmioty przechowywano w workach i różnych workach ze skór i tkanin. Być może ważniejsze niż te czysto praktyczne i utylitarne funkcje były informacyjne i magiczne funkcje DPI. Kolorowe i artystyczne wielka fikcja wykonano ubrania i buty. Funkcję informacyjną (identyfikującą) pełniły elementy kolorystyki i zdobnictwo, które było powszechne. Wzorami zdobione ubrania, buty, czapki, paski, etui na igły, poduszki, torby, pudełka, body, kołyski. Ozdoba Słowian, jak każdy inny etniczny język grafemowy, wyróżniała się bogactwem form, różnorodnością wątków, rygorem i przejrzystością konstrukcji. Dlatego też zdobienie przedmiotów, jak zresztą całe DPI w ogóle, należy przez nas postrzegać nie jako dziwaczną fantazję mistrza, ale jako ważna część kultura ludowa jako środek wyrażania upodobań artystycznych, cech narodowych ludzi, ich światopoglądu i historii. Hegel G. W. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,
Funkcja edukacyjna DPI może nie być jasno wyrażona dla zewnętrznego obserwatora, ale z pewnością zauważalna jest jej dokładność i regularność. Od kołyski dziecku towarzyszą artykuły gospodarstwa domowego wykonane w jasnej technice artystycznej DPI. O ile możemy sądzić z wyników ankiet, wywiadów i obserwacji, w trakcie tego włączania w kulturę następuje swego rodzaju transformacja „symbiozy” wychowawcy (w Chantach nie jest to wyraźnie wyodrębnione, tę funkcję przejmują wszyscy dorośli, którzy są obok dziecka), system znakowo-symboliczny DPI i dziecko. Dystans psychologiczny pomiędzy dorosłym, dzieckiem i obiektem zaczyna się już we wczesnym dzieciństwie i w tej lakonicznej kulturze ulega zasadniczej przemianie w swego rodzaju parytet.
Będąc językiem wspólnoty, DPI niesie idee jednoczące ludzi w jedną całość, wspólny znak konsolidujący duchowe siły Chanty i ich sposoby samoświadomości i wyrażania wiary w lepszą przyszłość, których przejawami są łatwo wykryć u dzieci. Jednocześnie warto zauważyć, że język DPI nie jest w pełni ukształtowany (lub został już utracony) jako uniwersalny uniwersalizm etniczny i jest używany przeważnie bez zrozumienia.
Najprawdopodobniej wartość edukacyjna DPI przekracza wszelkie nasze możliwe wyobrażenia na ten temat. Jedno jest pewne, nie ogranicza się to tylko do funkcji praktycznych, użytkowych: kiedyś produkty DPI pełniły funkcję „talizmanu” i nikt nie mógł się bez nich obejść. Złe duchy rzucili się na niego i zranili go lub zsyłali na niego choroby. Wyroby te, takie jak biżuteria dla kobiet, ozdoba czy ogólny znak na ubraniach dla mężczyzn, chroniły swoich właścicieli przed wpływem sił, które nie były jeszcze dla nich jasne. W naszych czasach ludzie nie zawsze przyznają się do wiary w cudowną moc biżuterii i ozdób, ale nadal wytwarzają i noszą te produkty. Oprócz tego, że dekoracje są piękne i niesamowite, wyrażają charakter narodowy, plemienny i pochodzenie etniczne, a wcześniej niosły ze sobą także identyfikację i pewność osobistą swoich właścicieli. Hegel G. W. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,
Zjawisko DPI przenika wszystkie aspekty życia: organizację życia codziennego, sposób życia rodzinnego, relacje plemienne, „międzynarodowe” i międzyludzkie. Rola i funkcje DPI (oświeceniowe, rytualne, estetyczne itp.) nie zawsze są jasno rozumiane, ale są konsekwentnie zawarte w każdym przedmiocie sztuki, w przejawach zachowań i myślenia. DPI jest rozumiane, doceniane i wykorzystywane przez wszystkich członków tej społeczności i nie będzie przesadą stwierdzenie, że wielu jest w to zaangażowanych. Stosunek do DPI może służyć jako miara samoświadomości ludzi jako zawierającej integralność psychiczną i wyrażonej w znakowo-symbolicznym „przekazie” dla innych i dla siebie.
2. Rozwój sztuki i rzemiosła w naszych czasach
2.1 Pojawienie się sztuki i rzemiosła Dlatego nie będziemy wymyślać żadnych nowych definicji DPI i sięgamy do Rosyjskiego słownika encyklopedycznego (RES) - książki mającej na celu suche przedstawienie stereotypowych poglądów na temat wszelkich zjawisk naukowych. DPI przedstawiono w bardzo szczegółowym artykule:
„Sztuka dekoracyjna i użytkowa – dziedzina sztuki zdobniczej: twórczość produkty artystyczne, mających praktyczne zastosowanie w życiu publicznym i prywatnym oraz artystyczne przetwarzanie przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria, zabawki itp.). W obróbce materiałów (metal, drewno, szkło, ceramika, szkło, tekstylia itp.) stosuje się odlewanie, kucie, tłoczenie, grawerowanie, rzeźbienie, malowanie, intarsjowanie, haftowanie, drukowanie itp. D.-pi. tworzą część obiektywnego środowiska otaczającego osobę i wzbogacają ją estetycznie. Są one zazwyczaj ściśle powiązane z otoczeniem architektoniczno-przestrzennym, zespołem (na ulicy, w parku, we wnętrzu) oraz ze sobą nawzajem, tworząc cienką całość. złożony. Powstały w starożytności, D.p.i. stał się jednym z krytyczne obszary sztuka ludowa, jej historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, z działalnością profesjonalni artyści i rzemieślników ludowych z początku XX wieku. także z projektowaniem i budową. Sokolov K. F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.
Tak więc w „sztuce dekoracyjnej” wyróżnia się trzy typy: sztukę monumentalną i dekoracyjną, sztukę projektowania i DPI.
Zadajmy sobie od razu pytanie: dlaczego z tych trzech typów dopiero DPI otrzymało krótką nazwę znaną niemal każdemu? Dlaczego istnieje powszechnie używana nazwa artystów zajmujących się sztukami pięknymi - „DPIshniki”, a nie ma „MDIshniki” i „OIshnikov”? Dlaczego, mówiąc o „stosowanych”, mają na myśli właśnie artystów DPI?
Zobaczmy: każdy muralista może nazywać siebie malarzem (lub rzeźbiarzem) i nikt nie będzie się temu sprzeciwiał. Projektanci (a także plakaciści, a także scenografowie) mają prawo nazywać się albo grafikami, albo malarzami (a czasem także rzeźbiarzami) i to też jest w porządku. Ale „DPIshniki” (oficjalnie – „stosowane”) – to jubilerzy, ceramika, trumnarze, mistrzowie rzemiosła ludowego i wszyscy, ale nie malarze, graficy i nie rzeźbiarze.
A jeśli jubiler lub ceramik nazywa siebie rzeźbiarzem, a miniaturysta Palecha lub Rostowa nazywa siebie malarzem, wówczas wywoła to w najlepszym przypadku lekkie zaskoczenie wśród otaczających go osób, a w najgorszym przypadku uwagę w stylu „nie wsiadaj do sań”. ”
Co charakterystyczne, OZE „legitymizowały” także tę sytuację. Nie wchodząc w perypetie różnych dziedzin filozofii sztuki, jej autorzy stwierdzają:
"Sztuka,
1) cienki. twórczość w ogóle – literatura, architektura, rzeźba, malarstwo, grafika, sztuka i rzemiosło, muzyka, taniec, teatr, kino i inne odmiany ludzkiej działalności, które łączą się jako artystyczne i wyobraźniowe formy panowania nad światem…
2) W wąskim znaczeniu – sztuki piękne.
3) Wysoki stopień umiejętności, mistrzostwo w dowolnej dziedzinie działalności.
A „sztuka w wąskim znaczeniu” – piękna – zdaniem autorów RES, oznacza „dział sztuki plastycznej łączący malarstwo, rzeźbę i grafikę”.
A jeśli nieobecność na tej wyczerpującej liście np. sztuki fotograficznej można wytłumaczyć względną nowością tej ostatniej, to dlaczego nie uwzględniono tutaj DPI, która istnieje od wielu tysiącleci?
2.2 Rola sztuki i rzemiosła we współczesnym społeczeństwie Aby zrozumieć, czy tak dziwna sytuacja z DPI powstała przypadkiem, czy nie przypadkiem, należy przypomnieć lata trzydzieste i pięćdziesiąte XX wieku – długi okres kształtowania się „związki artystów radzieckich”. To wtedy, gdy utworzono Moskiewski Związek Artystów i Związek Artystów ZSRR, sekcje malarzy, grafików, rzeźbiarzy, dekoratorów, muralistów i „artystów użytkowych” zostały przydzielone na równych zasadach.
Prawdopodobnie przy rozwiązywaniu kwestii organizacyjnych związków wszystkie te sekcje rzeczywiście cieszyły się równymi prawami. Ale zamieszanie już się zaczęło. Sokolov K. F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.
Faktem jest, że nie jest łatwo wskazać malarza, który nigdy w życiu nie projektował żadnego muzeum, wystawy, kościoła czy ośrodka kulturalnego. Albo rzeźbiarz, który pracował wyłącznie w plastiku sztalugowym i nie wystawił ani jednego monumentalnego dzieła. Albo grafik, który nigdy nie zilustrował ani jednej książki.
I tak się złożyło, że wśród „równych” sekcji znalazły się trzy „najrówniejsze” – malarze, graficy i rzeźbiarze, którzy mogli zajmować się swoją „wysoką” sztuką sztalugową, a jednocześnie robić wszystko, co teoretycznie należało do kompetencji muralistów i projektantów. I oczywiście nikt nie mógł zabronić członkom sekcji „użytkowych” uprawiania „malarstwa sztalugowego”, ale na masowych wystawach ogólnounijnych mogli liczyć jedynie na sale „peryferyjne”, a zakup od nich dzieł sztalugowych był wyjątkiem, a nie regułą.
W konsekwencji każdy artysta, który choć raz w życiu próbował swoich sił w malarstwie sztalugowym, grafice czy rzeźbie (a jak by to było bez tego?), starał się przede wszystkim włączyć do sekcji tworzących „sztukę w wąskim znaczeniu”. " A jeśli z jakiegoś powodu to nie wychodziło, udawał się „na obrzeża” – do muralistów lub projektantów. Były oczywiście wyjątki od tej reguły, ale tylko z powodów subiektywnych - jeśli np. wszyscy przyjaciele artysty N należeli już do Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków jako projektanci, to dlaczego N próbował zająć się malarstwem lub grafiką z ogromne ryzyko „przetoczenia się” w komisjach recepcyjnych? Lepiej iść od razu do siebie…
Zdarzały się też wyjątki innego rodzaju: w historii każdego ze „związków artystów radzieckich”, podobnie jak w obecnych rosyjskich związkach twórczych, są okresy, gdy muraliści czy projektanci byli „na czele”. Ale te sytuacje były i są wyłącznie subiektywne.
Gwoli uczciwości zauważamy, że podział na malarzy i grafików był równie warunkowy i subiektywny. Na przykład, który malarz nigdy nie malował akwarelą i nigdy nie sięgał po pastel?
Ale przypisanie malarza do grafiki, choć oznaczało niemożność znalezienia się w honorowym centrum jakiejkolwiek ogólnounijnej (a teraz ogólnorosyjskiej) ekspozycji, nie było jednak równoznaczne z wypadnięciem z „sztuki w wąskim znaczeniu” - Sztuki piękne.
Jak już widzieliśmy, muraliści i projektanci nie stracili prawa do miana malarzy i grafików, a co za tym idzie, nie wypadli też ze „sztuki w wąskim znaczeniu”. Rzeźbiarze-monumentaliści nigdy nie wyróżniali się z „ogólnej wspólnoty rzeźbiarskiej”.
Jednak „aplikanci” mieli najmniej szczęścia. Okazali się wieczną „drugą klasą”. Okazało się, że jubilerzy, ceramiki i artyści zajmujący się szkłem to nie rzeźbiarze, a miniaturzyści to nie malarze. Na bujnym i rozłożystym drzewie sowieckiego oficjalnego uznania błyszczał w najlepszym przypadku tytuł „Czczonego Artysty” lub „Zasłużonego Twórcy Sztuki”. Artysta Ludowy ZSRR, członek korespondent, a tym bardziej pełnoprawny członek Akademii Sztuk - te „wysokości” były dla nich niebotyczne. Co więcej, dla zdecydowanej większości „pracowników stosowanych” praktycznie wykluczono „swobodne pływanie” (zamówienia od oficjalnych organizacji, zakupy Ministerstwa Kultury z wystaw itp.) – zmuszano ich albo do zarabiania na „rzemiośle ludowym”, albo „lewicowym” .
Po katastrofie Władza radziecka Zniknęły formalne ograniczenia w działalności „aplikantów”, ale piętno „drugiej kategorii” pozostało. Całkiem niedawno jednemu z moich znajomych, malarzowi, który ubiegał się o przyjęcie do Moskiewskiego Związku Artystów, zaproponowano wstąpienie do sekcji DPI tylko dlatego, że był na tyle nieostrożny, aby przyprowadzić komisja rekrutacyjna nie fotografie ich prac sztalugowych, ale drukowane pocztówki z ich reprodukcjami. I gdyby w naszych czasach nie było „alternatywnych” związków artystów, malarz ten pozostałby „artystą użytkowym”. Ramzin V. M.,. Poznaj Słowian. Moskwa, 1992.
Skąd więc biorą się a priori „aplikatory drugiej kategorii” i czy jest to uzasadnione?
Jest bardzo prawdopodobne, że w warunkach monopolistycznej dominacji sowieckiego systemu dystrybucji taki status „drugiej kategorii” miał pewne przyczyny.
„Historycznie” – od XVIII do początków XX wieku – rosyjscy jubilerzy, dmuchacze szkła, ceramiki, hafciarze i inni „robotnicy użytkowi” byli w dużej mierze „bezosobowy”. Opinia publiczna znała jedynie nazwiska właścicieli fabryk i warsztatów, a niemal wszyscy rzemieślnicy – nawet ci najbardziej utalentowani – rzadko mieli okazję pokazać swoją twórczą indywidualność.
W przypadku malarzy i rzeźbiarzy Cesarska Akademia Sztuk, sztywno narzucając swój styl i „reguły gry”, prawie nigdy nie dopuszczała do depersonalizacji, zachowując na zawsze nazwiska nawet wielu „uczniów”. A zdecydowana większość „zwykłych” mistrzów przemysłu jubilerskiego, szklarskiego i porcelanowego Imperium Rosyjskiego bezpowrotnie popadła w zapomnienie. Bezprecedensowy rozwój autorskiej „sztuki dekoracyjnej ZSRR” nastąpił dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku.
A w latach 30. i 50. XX wieku przywódcy związki twórcze i ich kuratorzy z organów partyjnych dość szczerze (w każdym razie zgodnie z „cesarską” tradycją) próbowali oddzielić „baranki od kóz”, „prawdziwych twórców” od „rzemieślników”.
Wtedy też powstał podział artystów na „czystych i nieczystych” – „malarzy sztalugowych” i „artystów użytkowych”. Teoretycznie „prawdziwi radzieccy” malarze i rzeźbiarze nie mieli dorabiać na rzemiośle ludowym i robieniu zabawek (fakt, że wielu rzeczywiście prawdziwych artystów było zmuszonych do dorabiania jako ładowacze i palacze, nie wchodzi w rachubę). Tak, i stemplowanie „klonów” ich dzieł, umieszczanie ich obrazów i rzeźb na strumieniu przemysłowym, teoretycznie „prawdziwymi artystami” nie powinno być – ale dla „artysty użytkowego” wydaje się to być w porządku.
2.3 Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako integralna część życia kulturalnego społeczeństwa Pozostaje zatem nierozwiązane jedno pytanie: co zrobić z terminem „sztuka dekoracyjna”, którego dzieła, zdaniem RES, „artystycznie tworzą materiał otoczenie otaczające człowieka i wnoszą estetycznie figuratywny początek”, ale jednocześnie w przeciwieństwie do „samodzielnej” sztuki sztalugowej „najpełniej ujawniają swoją treść w zespole, dla estetycznej organizacji, dla której są tworzone” ?
Tak, jeszcze trudniej jest porzucić podział dzieł sztuki na „dekoracyjne” i „sztalugowe” niż na „sztalugowe” i „użytkowe”. Ale najwyraźniej będziemy musieli to zrobić. W przeciwnym razie debata na temat tego, czy „Madonna Sykstyńska” ma charakter „sztalugowy”, czy „dekoracyjny”, może ciągnąć się w nieskończoność i bezowocność, gdyż wszelkie opinie tutaj mogą być niezwykle subiektywne.
Na przykład, gdzie „Trójca” Andrieja Rublowa wygląda lepiej? W słabo oświetlonej i zadymionej, ale „rodzimej” katedrze, czy też w Galerii Trietiakowskiej, gdzie jest ona absolutnie zachowana i wystawiona zgodnie ze wszystkimi kanonami ekspozycji?
Zgodnie ze stereotypowym, „legitymizowanym” przez RES poglądem, okazuje się, że uznanie arcydzieła Rublowa za dzieło „dekoracyjne” lub „sztalugowe” zależy wyłącznie od odpowiedzi na pytanie, w którym miejscu „Trójca” wygląda lepiej. Ale tak naprawdę nie na próżno mówią: arcydzieło jest arcydziełem także w Afryce. Co więcej, gdyby nawet nagle okazało się, że „Trójca” Rublowa wygląda lepiej w katedrze niż w Galerii Trietiakowskiej, czy ktoś odważyłby się nazwać tę ikonę „dziełem sztuki dekoracyjnej”?
Rzeczywiście nikt nie nazywa w ten sposób „Trójcy”. Ale zdecydowana większość ikon jest zwykle klasyfikowana w ten sposób.
Oznacza to, że w przypadku „sztuki dekoracyjnej” okazuje się dokładnie tak samo, jak w przypadku DPI: w dotychczasowej praktyce krytyki artystycznej termin ten a priori wyraża dzieło drugorzędne. W rezultacie wszystkie zawarte w nim rodzaje sztuki okazują się „drugorzędne”: monumentalne, designerskie i użytkowe, od których rozpoczęliśmy nasze badania.
Ale niewielu z krytycy sztuki współczesnej nie zgodzi się, że wyczucie zespołu, umiejętność kształtowania jednej przestrzeni, wyjście autorskiej koncepcji poza obręb samego dzieła to „akrobacja”, do czego nie każdy „malarz sztalugowy” jest do tego zdolny [ 22, strona ].
Czy zatem słusznie mówimy tutaj o „drugiej klasie”? Nie i jeszcze raz nie. Ale to właśnie to „drugorzędne” podyktowane jest nam przez współczesne stereotypowe rozumienie „sztuki dekoracyjnej”.
Oczywiście nie zamierzamy całkowicie rezygnować z koncepcji „dekoracyjności” jako takiej. Możliwe jest na przykład pierwotne pozycjonowanie dzieła sztuki jako „dekoracyjnego”, jak miało to miejsce w przypadku Rafaela z „Madonną Sykstyńską” czy Rublowa z „Trójcą”. Widzimy także powszechne wykorzystanie przedmiotów „sztalugowych” do celów dekoracyjnych: większość dwuwymiarowych i trójwymiarowych dzieł sztuki nadal nie znajduje się w muzeach, ale w „życiu publicznym i prywatnym” we wnętrzach.
Ale dziś rzecz może trafić do wnętrza, jutro do muzeum, a pojutrze znów do wnętrza wrócić. Wszystkie te przypadki podlegają jedynie lokalnej ocenie i w żadnym wypadku nie pociągają za sobą klasyfikacyjnego przyporządkowania do takich globalnych kategorii, jak sztaluga czy sztuka dekoracyjna.
LV Tazba w swoim artykule „Rating of Artists and the Philosophical Understanding of Art”, opublikowanym w trzecim numerze podręcznika „Unified Artistic Rating”, zdefiniował fenomen sztuki (poza celowością polityczną, ekonomiczną i konkretną społeczną) jako jedność podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło”. Takie podejście, zdaniem L. V. Tazby, daje każdemu możliwość zamanifestowania się w sytuacji „pracy-widza”.
Definicje te pomogą nam przejść od przestarzałych koncepcji sztuki sztalugowej i dekoracyjnej do bardziej nowoczesnej terminologii. Przecież „malarstwo sztalugowe” i „dekoracyjność” klasyfikują dzieła sztuki ze względu na ich umiejscowienie w określonej przestrzeni – świątyni, muzeum, korytarzu, sypialni itp. Mamy więc prawo powiedzieć, że terminy te oznaczają przestrzenny komponent sytuacji „widz-praca”.
Wszystkie prace mają niewątpliwą wartość artystyczną, ale jest w nich także pewien spokój i powtórzenia odnalezionych już technik. W twórczości wielu uznanych mistrzów brakuje czasem twórczej odwagi, ostrości i poszukiwania nowatorstwa formy. Być może dlatego w ekspozycji zwrócono uwagę na próby wprowadzenia kreatywność w technice makramy, która stała się powszechna w ostatnich latach. Dotyczy to przede wszystkim dużego tryptyku T. Myazyny (obwód moskiewski) „Brzozowy gaj” oraz gobelinu artystów W. i N. Janowa „Jarmark” (Gorky). Ogromne zainteresowanie na wystawie wzbudził gobelin młodych krasnodarskich artystów W. i L. Zubkowa „Kubanskaja Niwa”, wykonany w śmiały i wyrazisty sposób. Udało się również odnaleźć jego konsystencję, przypominającą nieco gęsty chleb Kuban.
Sztuki plastyczne: szkło: ceramika, porcelana i inne – prezentowane były na ekspozycji głównie poprzez prace eksperymentalne. Wyszukiwania są bardzo zróżnicowane. W szkle przywykliśmy już do dużych form dekoracyjnych, za pomocą których nasi czołowi szklarze wyrażają swój światopogląd, a czasem także głębokie myśli filozoficzne. Takie są prace L. Savelyevy, V. Muratova, B. Fedorova. Są dla nas interesujące pod względem rozwijania tematów i obrazów, którymi ci artyści nieustannie się pasjonują. Z wystawy na wystawę umiejętności grawerowania i cięcia kryształu rosną i doskonalą A. Astvatsaturyan (Leningrad), O. Kozlova i V. Korneev (Gus-Khrustalny), plastik staje się bogatszy i pełniejszy w kompozycjach S. Beskinskaya ( Moskwa), A. Stepanova (Moskwa), L. Urtaeva (Moskwa), bardziej emocjonalne i subtelne rozwiązanie kolorystyczne dzieł G. Antonowej (Moskwa), S. Ryazanovej (Moskwa), D. i L. Shushkanov (Moskwa) . Przed artystami zajmującymi się szkłem otwierają się ogromne możliwości przekazania takich właściwości materiału, jak przezroczystość, lepkość, kruchość, plastyczność, przestrzenność. Odkrycie wszystkich tych właściwości szkła jest możliwe dzięki wysokiemu poziomowi technicznemu naszego przemysłu szklarskiego. Trudno sobie wyobrazić, jak mogłyby wyglądać dzieła artystów Gusiewa, gdyby fabryka nie wiedziała, jak spawać wspaniałe kolorowe kryształy, w przeciwnym razie prawie nie widzielibyśmy najnowsze prace B. Fedorova, nie bądź w Fabryce Kryształów Diatkowo z tak bogatymi tradycjami cięcia kryształów.
Postrzeganie jedności podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło” w dużej mierze zależy od tego komponentu. Tak naprawdę każdy widz postrzega dzieło (wraz z informacjami, jakie posiada o artyście) przede wszystkim w otaczającej go przestrzeni – muzealnej, wnętrzach, kultowej, urbanistycznej itp.
Wyjaśnijmy: nie tylko widz postrzega dzieło w przestrzeni. Artysta zazwyczaj przejmuje swoim pomysłem „sztalugowy” lub „dekoracyjny” charakter tworzonego dzieła, czyli wymyśla dla niego także określone miejsce w przestrzeni. Ale ta idea jest integralną częścią aktu tworzenia dzieła i dlatego wpisuje się w jedność podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło”. A następnie położenie dzieła w przestrzeni (dla zwięzłości określimy je jako „miejsce dzieła”) może zmieniać się wielokrotnie - powiedzieliśmy już, że dziś rzecz może znajdować się we wnętrzu, jutro - w muzeum, a pojutrze – znowu powrót do wnętrza.
Wydaje się, że przydatne będzie dokonanie jeszcze jednego wyjaśnienia. Niewątpliwie wartości sztuki są wieczne i niezniszczalne - w naszych czasach głębokie wycieczki w filozofię nie są konieczne, aby ustalić ten fakt. A jednak odbiór każdego dzieła sztuki w istotny sposób koreluje z gustami i tradycjami konkretnej epoki, w której żyje widz. M.in. w kwestii przynależności do „sztuki sztalugowej” czy „sztuki dekoracyjnej” (tzn. w motywacji umieszczenia konkretnego dzieła w muzeum, na placu, w świątyni, w sypialni itp.).
Jeśli zatem porzucimy pojęcia „malarstwa sztalugowego” i „dekoracyjności” jako pierwotnych klasyfikatorów, do jedności podmiotu i przedmiotu trzeba dodać elementy „artysty-dzieła” oznaczające percepcję widza – miejsce i czas postrzegania dzieła. Miejsce i czas powstania dzieła zawarte są w pierwszym składniku – „artyście”, dlatego też, aby odróżnić percepcję widza od aktu tworzenia dzieła, miejsce i czas percepcji widza nazwijmy okoliczności miejsca i czasu.
Zatem jedność podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło”, istniejąca w okolicznościach miejsca i czasu, może być wyczerpującym narzędziem teoretycznym służącym do percepcji, oceny i klasyfikacji konkretnego dzieła sztuki.
Wszystkie odwieczne problemy percepcji widzów – „lubię-nie lubię”, „dobrze-źle” – determinowane są przez interakcję tych podstawowych kategorii. Ale w każdym razie w sztuce nie ma miejsca na plagiat i bezduszne powielanie – jedynie na niepowtarzalność i oryginalność jedności „artysty-dzieła” (odmiennie postrzeganego w różnych okolicznościach miejsca i czasu, nie zmieniając jednak jego głębokiej, prawdziwej istoty z to) stworzyć zjawisko, które nazywamy sztuką.
Oraz wszystkie inne elementy percepcji, oceny i klasyfikacji dzieł sztuki (dwuwymiarowość lub trójwymiarowość, pierwotne umiejscowienie „dekoracyjne” lub „sztalugowe”, umiejscowienie dekoracyjne lub muzealne w określonej epoce, styl realistyczny lub abstrakcyjny, tworzywo sztuczne, kolory, materiały plastyczne itp.) mogą pełnić rolę jedynie pomocniczą, ale w żadnym wypadku podstawową.
I na tym poziomie rozumienia nie powinno być podziału twórców na „czystych i nieczystych” – artystów sztalugowych i użytkowych, realistów i abstrakcjonistów, tradycjonalistów i konceptualistów, muralistów i miniaturystów. Prawdziwa (a nie deklaratywna) równość wszystkich nurtów i nurtów w sztuce jest jednym z największych osiągnięć historii sztuki XX wieku i czas dostosować podstawową terminologię do tych osiągnięć.
jubiler barokowy zastosował klasycyzm
Podsumowanie Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma swoje korzenie w głębi wieków. Człowiek przez cały swój rozwój tworzył przedmioty wartościowe estetycznie, odzwierciedlając w nich zainteresowania materialne i duchowe, dlatego dzieła sztuki i rzemiosła są nierozerwalnie związane z czasem ich powstania. W swoim podstawowym znaczeniu termin „sztuka i rzemiosło” oznacza projektowanie przedmiotów gospodarstwa domowego, które otaczają człowieka przez całe życie: mebli, tkanin, broni, naczyń, biżuterii, ubrań - czyli wszystkiego, co tworzy środowisko, z którym na co dzień wchodzi w kontakt. Wszystkie rzeczy, z których korzysta dana osoba, powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne.
Pojęcie to nie ukształtowało się w kulturze ludzkiej od razu. Początkowo to, co otacza człowieka na co dzień, nie było postrzegane jako mające wartość estetyczną, choć rzeczy piękne zawsze otaczały człowieka. Już w epoce kamienia przedmioty gospodarstwa domowego i broń zdobiono ozdobami i nacięciami, nieco później pojawiła się biżuteria z kości, drewna i metalu, do pracy używano szerokiej gamy materiałów - gliny i skóry, drewna i złota, szkła i włókna roślinne, pazury i zęby zwierząt.
Malowaniem pokryto naczynia i tkaniny, ubrania zdobiono haftem, na broni i naczyniach nanoszono nacięcia i gonitwy, biżuterię wykonywano z niemal każdego materiału. Ale osoba ta nie pomyślała o tym, że zwykłe rzeczy, które otaczają go przez całe życie, można nazwać sztuką i podzielić na osobny trend. Jednak już w epoce renesansu podejście do przedmiotów codziennego użytku zaczęło się zmieniać. Spowodowane to było rozbudzeniem zainteresowań ludzi przeszłością, związaną z powstającym wówczas kultem starożytności. Jednocześnie wzrosło zainteresowanie mieszkaniem jako obiektem równoważnym pod względem estetycznym innym obiektom sztuki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa osiąga swój największy rozwój w epoce baroku i klasycyzmu. Bardzo często za wykwintną dekoracją – malowaniem, zdobnictwem, tłoczeniem kryła się prosta, praktycznie wygodna forma przedmiotu.
W wysoce artystycznych dziełach mistrzów starożytnej Rusi początek plastikowy przejawiało się we wszystkim: łyżki i kubki wyróżniały się rzeźbiarskimi formami, nienagannymi proporcjami, chochle przybierały zwykle postać ptaka - kaczki lub łabędzia, głowa i szyja służyły za uchwyt. Taka metafora miała znaczenie magiczne, a znaczenie rytualne decydowało o tradycyjnym charakterze i trwałości takiej formy w życiu ludowym. Złote łańcuszki, monista eleganckich medalionów, kolorowe koraliki, wisiorki, szerokie srebrne bransoletki, cenne pierścionki, tkaniny zdobione haftem - wszystko to nadawało świątecznej sukni damskiej wielokolorowości i bogactwie. Malowanie dzbanka wzorami, dekorowanie deski do krojenia rzeźbami, tkanie wzorów na tkaninie - wszystko to wymaga dużych umiejętności. Prawdopodobnie takie wyroby ozdobione ozdobami zalicza się również do sztuki dekoracyjnej i użytkowej, ponieważ do stworzenia niesamowitego piękna trzeba włożyć ręce i duszę.
Współczesny proces artystyczny jest złożony i wieloaspektowy, tak jak współczesna rzeczywistość jest złożona i wieloaspektowa. Sztuka, zrozumiała dla każdego, otacza nas wszędzie – w domu i biurze, w przedsiębiorstwie i w parku, w budynkach użyteczności publicznej – teatrach, galeriach, muzeach. Wszystko – od pierścionków, bransoletek i serwisów do kawy po holistyczny kompleks tematyczny dzieł sztuki i rzemiosła dla dużego budynku użyteczności publicznej – niesie ze sobą różnorodność artystycznych poszukiwań mistrzów, którzy subtelnie wyczuwają dekoracyjny cel przedmiotu, organizują i wypełniają nasze życie uroda.
Aby stworzyć człowiekowi wygodę niezbędną, a jednocześnie ozdobić jego życie, artyści starają się, aby wszystkie rzeczy używane w życiu codziennym nie tylko odpowiadały ich celowi, ale także były piękne, stylowe i oryginalne.
A piękno i użyteczność są zawsze w pobliżu, gdy rzemieślnicy podejmują pracę i z różnorodnych materiałów (drewno, metal, szkło, glina, kamień itp.) tworzą przedmioty gospodarstwa domowego, które są dziełami sztuki.
1. Zavyalov K. F. Religia narodów słowiańskich. Tom 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.
2. Formacja Lukina N. V Kultura materialna Russ. Tomsk, 1985.
3. Obrzędy, zwyczaje, wierzenia: sob. artykuły / komp. Yu L. Khandrik, przedmowa. N. A. Rogaczowa. Tiumeń, 1997.
4. Hegel G. V. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,
5. Kaplan N. I. Sztuka i rzemiosło ludowe. M., 1980.
6. Sokolov KF Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.
7. Ramzin V. M.,. Poznaj Słowian. Moskwa, 1992.
8. Lukina N. V. Kształtowanie się kultury materialnej Słowian. Tomsk, 1985.
9. Mity, legendy, baśnie Słowian / komp. N. V. Kukina M., 1990.
10. Obrzędy, zwyczaje, wierzenia: sob. artykuły / komp. Yu L. Khandrik, Moskwa, 1997.
11. Korytkova N. F. Odzież Słowian. M.;, 1995.
12. Rombandeeva E. I. Historia Słowian i ich kultura duchowa. Moskwa, 1993.
13. Sokolova Z. P. Słowianie Wschodni. M., 1994.
14. Don I. S. Arts and Crafts: perspektywa historyczna i filozoficzna. M., 1998.
15. Barabanov N. I. Sztuka ludowa i rzemiosło Słowian Wschodnich. M.,
16. 1980. Praskov KF Religia narodów słowiańskich. T
17. Elkonin D. B. Psychologia gry. M., 1999.
18. Bębny N. I. Sztuka i rzemiosło ludowe Zachodni Słowianie. Rostów nad Donem, 1999
19. Potapow N. I. Ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa Słowian Zachodnich. M., 1990.
Konsultacje dla rodziców przedszkoli „Znaczenie i rola plastyki i rzemiosła w życiu przedszkolaka”.
Opis materiału:Ten materiał mający na celu informowanie rodziców na temat: sztuki i rzemiosła.
Rozwój ten mogą wykorzystać w swojej pracy pedagodzy, nauczyciele edukacji dodatkowej.
Notatka wyjaśniająca:
Wychowanie obywatela i patrioty, który zna i kocha swoją ojczyznę, jest zadaniem szczególnie pilnym dzisiaj, którego nie da się skutecznie rozwiązać bez głębokiej wiedzy duchowe bogactwo jego ludu, rozwój kultury ludowej.
Cel:
- przekazywać rodzicom znaczenie zapoznawania dzieci z pięknem.
Zadania:
- Wyrobić sobie pojęcie na temat terminu „sztuka dekoracyjna i użytkowa”;
- Wzbudzaj chęć uczestniczenia w rozwoju zdolności twórczych dziecka, samodzielnego angażowania się w domu.
„Edukacja tworzona przez samych ludzi i na niej oparta zasady ludowe, ma tę edukacyjną moc, jakiej nie ma w najlepszych systemach opartych na abstrakcyjnych ideach lub zapożyczonych od innych ludzi. Ale poza tym tylko Edukacja publiczna jest żywym organem procesu historycznego rozwój ludzi[…] Naród bez narodu to ciało bez duszy, które może jedynie ulec prawu rozkładu i zostać zniszczone w innych ciałach, które zachowały swoją oryginalność”.
K.D. Uszyński.
We wczesnych latach dziecka zaczynają rozwijać się te cechy charakteru i uczucia, które w niewidzialny sposób łączą dziecko z jego krajem, jego historią i tradycjami. Pojęcie ojczyzny, kraju, tradycji nie jest jeszcze dostępne dzieciom w tym wieku, dlatego głównym zadaniem rodziców jest takie ułożenie i przygotowanie gleby w dzieciach, aby dziecko rosło w rodzinie, w której tworzona jest atmosfera sprzyjająca nasycone żywymi obrazami, jasnymi kolorami kraju, w którym żyjemy.
I urodziliśmy się i żyjemy trudny okres wielkich zmian, jest to czas, w którym następuje zubożenie wartości duchowych, zubożenie jednostki, zubożenie tradycji ludowych, zwyczajów, zasad moralnych.
Przez cały czas głównym zadaniem starsze pokolenie miało przekazać młodszemu pokoleniu dobre tradycje swojego ludu, zachowując i wzmacniając doświadczenia duchowe, poprzednie pokolenia.
Życie nasze i naszych dzieci zmieniło się nie do poznania, ekrany telewizyjne zostały zalane okrucieństwem. Zamiast gier ludowych przyszła zabawa, era technologii komputerowej z jej niezrozumiałymi postaciami z kreskówek i filmów.
Ale naszym zadaniem jest, to nie zaczęto wychowywać obywatela i patrioty godnego naszego świetny kraj która ma bardzo długą historię.
Dlatego też każda aktywność, spotkanie z zabawką, praca twórcza, rozmowa podlegają jedynemu cele: rozwój osobowości dziecka poprzez zabawę, bajki, muzykę, fantazję i kreatywność.
Wychowanie i rozwój dziecka, w tym twórczy, nie są możliwe bez udziału rodziców. Każde dziecko bez wyjątku ma swoje zdolności i talenty, każde ma swoje skłonności, które należy dostrzec z czasem i starać się je rozwijać. Zadaniem rodziny jest dostrzec w czasie, rozeznać zdolności dziecka, a zadaniem nauczyciela jest rozwijać jego zdolności, przygotować grunt pod ich urzeczywistnienie.
Sztuka i rzemiosło- jeden z ważnych środków edukacji artystycznej dzieci w wieku przedszkolnym.
Sztuka ludowa jest bogata i różnorodna. Dziś prawie każda rodzina ma dzieła rzemieślników ludowych - rosyjskie lalki lęgowe, naczynia Gzhel, miski i łyżki Khokhloma, szale Pavloposad, tkane ręczniki. Zainteresowanie tą formą sztuki rośnie.
I dobrze, że dziś następuje powrót do ludowych tradycji, wartości, ale naszym zadaniem jest wspieranie i zapoznawanie dzieci ze sztuką ludową.
Wyroby rzemieślników ludowych i rzemieślników współczesnych jest prawie w każdym domu, czy to lalka lęgowa, czy też produkty wykonane z różnych materiałów - naczynia ceramiczne, biżuteria, dywaniki podłogowe, obrusy haftowane rękami rzemieślników, drewniane zabawki, które tak bardzo przyciągają swoim pięknem i jasnością wykonania.
Współczesne dzieci, czasem nawet dorośli, mieszkający w miastach i na wsiach, czasami nie wiedzą lub wiedzą powierzchownie, jak ludzie kiedyś żyli, jak pracowali, jak służyli sobie na co dzień, jak dekorowali siebie, swój dom.
Sztuka i rzemiosło ludowe- jeden ze środków edukacji estetycznej, w wyniku którego rozwijają się dzieci gust estetyczny kształtuje się zainteresowanie pięknem otaczającego ich życia i otaczającego ich świata jako całości. Pomaga kształtować gust artystyczny, uczy dzieci dostrzegać i rozumieć piękno otaczającego nas życia i sztuki. Charakter sztuki ludowej, jej emocjonalność, barwność, oryginalność pomaga dziecku rosnąć i rozwijać się kreatywna osoba, rozwija się aktywność psychiczna, estetyczny gust, dziecko zauważa i cieszy się czymś pięknym i pięknym, dziecko rozwija się wszechstronnie.
Dziecko uczy się, że byli i są w naszych czasach tacy rzemieślnicy i rzemieślnicy, którzy mają bogatą wyobraźnię, dar do tworzenia własnymi rękami niezwykłego piękna, które cieszy oko.
ważną rolę w poznawaniu wzory ludowe grać w wycieczki do muzeów, na wystawy dzieł sztuki i rzemiosła.
Czyli sztuka ludowa w przedszkolu przyczynia się do wszechstronnej edukacji osobowości dziecka, rozwoju jego zdolności twórczych i tkwiącego w nim potencjału; aktywnie wpływa na rozwój duchowy przedszkolaka, kształtowanie uczuć patriotycznych.
Najwyższy rodzaj sztuki
najbardziej utalentowani, najbardziej błyskotliwi
jest sztuką ludową,
to jest to, co jest zapieczętowane przez ludzi,
zachowane, które ludzie prowadzili przez wieki.
MI. Kalinin
Sztuka i rzemiosło ludowe - jeden ze sposobów edukacji estetycznej - pomaga kształtować gust artystyczny, uczy dostrzegać i rozumieć piękno w otaczającym nas życiu i sztuce. Sztuka ludowa, o treści narodowej, może aktywnie wpływać na rozwój duchowy człowieka, kształtowanie uczuć patriotycznych i międzynarodowych.
Sztuka ludowa przyczynia się do edukacji artystycznej dzieci, gdyż opiera się na wszystkich specyficznych wzorach sztuki dekoracyjnej - symetrii i rytmie. We wzorach malarstwa dekoracyjnego, charakterystycznych dla różnych rzemiosł ludowych, obserwuje się pewną rytmikę, symetrię, proporcjonalność poszczególnych elementów i policzalność w wykonaniu zdobnictwa. Dostarcza to materiału do rozwoju elementarnych koncepcji matematycznych.
Rosyjska sztuka i rzemiosło ludowe jest ściśle związana z folklorem, zwyczajami i rytuałami, święta I muzyka ludowa. Dlatego można uzupełnić zapoznanie się z rzemiosłem ludowym edukacja muzyczna przedszkolaki.
Sztuka ludowa i rzemiosło naszego kraju jest integralną częścią kultury. Emocjonalność, poetycki obraz tej sztuki jest bliski, zrozumiały i drogi człowiekowi. Jak każda wielka sztuka, sprzyja wrażliwemu podejściu do piękna i przyczynia się do kształtowania harmonijnie rozwiniętej osobowości. Opierając się na głębokich tradycjach artystycznych, sztuka ludowa wkracza w życie i kulturę ludzi, korzystnie wpływa na kształtowanie się człowieka przyszłości. Dzieła artystyczne tworzone przez rzemieślników ludowych zawsze odzwierciedlają miłość do ojczyzny, umiejętność widzenia i rozumienia otaczającego ich świata.
We współczesnej kulturze sztuka ludowa żyje w swoich tradycyjnych formach. Dzięki temu wyroby rzemieślników ludowych zachowują swoje trwałe cechy i są postrzegane jako nośniki integralnej kultury artystycznej.
Coraz częściej dzieła sztuki i rzemiosła przenikają do życia ludzi, kształtując gust artystyczny, tworząc estetycznie kompletne środowisko, które determinuje potencjał twórczy jednostki. Dlatego też wielka rola przedszkoli, w których z sukcesem prowadzone są prace nad zapoznawaniem dzieci z przykładami sztuki ludowej.
„Natura obrazów i motywów zdobnictwa ludowego jest nierozerwalnie związana z nieodłącznym zadaniem przekształcania otoczenia człowieka i jego samego, zgodnie z ideą dobra i piękna. Ta sztuka ma zdolność wnoszenia w życie radości, jasnych kolorów, energicznych rytmów, afirmacji pozytywne ideały. Dekoracja ludowa przyczynia się do wychowania ludzi optymistycznie nastawionych do życia, bogatych duchowo, obdarzonych subtelnym uczuciem poetyckim, uczy kochać i doceniać to, co jest uznawane przez ludzi.
Dekoracyjność, wyrazistość koloru i plastyczność, wzorzysta zdobnictwo, różnorodność faktur materiałów – to cechy charakterystyczne dzieł ludowej sztuki użytkowej, spójne ze zmysłem estetycznym, percepcją i zrozumieniem dzieci. Zarówno w dziełach sztuki ludowej, jak i w twórczości dzieci wszystko jest radosne i kolorowe. A tu i tam życie jest postrzegane i przedstawiane w optymistycznych, głównych tonach. Wizerunki fantastycznych ptaków, zwierząt i roślin przedstawione na tkaninach, piernikowych tablicach, w obrazach kręcących się kółek odbierane są przez dzieci przede wszystkim jako bajeczne, a jednocześnie rozpoznają w nich znane im ptaki i rośliny życia, bo w sztuce ludowej „przedstawianie zwierząt domowych, ptaków, zwierząt i roślin, sceny domowe nabrał szczególnego znaczenia i duchowości, i fantastyczne obrazy nie stracił wiarygodności.
Kompozycja wzoru i jego struktura kolorystyczna podlegają prawom estetycznym, które stopniowo stają się dostępne dla dzieci. W związku z tym zajęcia rysunek dekoracyjny i zastosowanie przyczyniają się do rozwoju gustu artystycznego.
Sztuka ludowa poetyzuje życie. Rzemieślnicy ludowi często wykorzystują wizerunki dzikiej przyrody, aby stworzyć specjalną wyrazistą formę artykułów gospodarstwa domowego, aby je ozdobić. Spotkanie z kolorowym ptakiem przedstawionym na kołowrotku, z szybkim glinianym koniem rozwiewającym na wietrze grzywę, z wzorzystą ozdobą na tkaninie, z mieniącą się szkliwioną ceramiką, może być dla dzieci pożywnym materiałem rozwijającym ich wyobraźnię.
W wyrazistości sztuki ludowej obraz artystyczny osiąga się to w większości poprzez uogólnianie szczegółów, plam barwnych. Brakuje jej iluzyjności i fragmentaryzacji rozwiązań kompozycyjnych. Trójwymiarowa forma, obrazowe rozwiązanie jest przekazywane w sposób prosty, zwięzły, jedynie poprzez główne, istotne cechy.
Próbki sztuki ludowej przyczyniają się do rozwoju u dzieci umiejętności dekoracyjnej pracy z kolorem, aby zacząć od całości w tworzeniu wyrobów glinianych, osiągając ostrość zwięzłymi środkami. rozwiązanie z tworzywa sztucznego, wzbogacają wyrazistość graficzną prac dzieci.
Ludowa sztuka użytkowa charakteryzuje się jednością estetyczną i użytkową (zastosowanie praktyczne). Niezależnie od tego, czy jest to dzbanek ceramiczny, strój ludowy, stary zamek, latarka do pochodni, gospodarstwo domowe, cel praktyczny - rzecz jest zadziwiająco zgodna ze swoim wystrojem. Kreacji rzeczy podporządkowane są wszelkie środki wyrazu: kształt przedmiotu, materiał, z którego jest wykonany, ozdoba, kolorystyka. Malując tuesok z kory brzozowej kwiatami, ozdabiając drewnianą chochlę rzeźbami, artysta tworzy zgodnie z prawami piękna. Pogoń za pięknem poprzez rzeczy, których funkcja społeczna polega nie tylko na ich użytkowym charakterze, ale w równym stopniu na ich zdolności do ozdabiania naszego życia, pomnażania w nim piękna, to duchowy sens dzieł sztuki ludowej.
Związek z życiem codziennym i pracą determinował cechy treści i język artystyczny Sztuka ludowa. Natura zaopatrzyła mistrzów w najprostsze materiały: drewno, glinę, metale, kość, len, wełnę, których obróbka przy pomocy prostych narzędzi osiągnęła wysoki poziom artystyczny i doskonałość techniczną.
Odsłaniając naturalne piękno materiału, umiejętność wydobycia jak największego efektu dekoracyjnego często łączono z prostymi, czysto technicznymi metodami: nanoszeniem dołków, kresek i gwiazdek specjalnym stemplem, stosując równomiernie naprzemienne sploty pasków lub nitek. Będąc jednym z ważnych źródeł wyrazu artystycznego wyrobów sztuki ludowej, techniczna prostota tych technik jest szczególnie interesująca w związku z zapoznawaniem dzieci z różnymi materiałami i różnymi sposobami ich zdobienia. Opanowanie poszczególnych technik jest dość dostępne dla dzieci w wieku przedszkolnym i może wnieść pewną nowość w kreatywność dzieci, uczynić ją bardziej interesującą i ekscytującą.
Analizując specyfikę postrzegania przez dzieci dzieł sztuki ludowej, N.P. Sakulina zauważa: „Dzieci w wieku przedszkolnym są blisko i rozumieją wiele dzieł mistrzów malarstwa dekoracyjnego, rzeźbienia, haftu, sztuka zabawkarska jest zrozumiała. Małe dzieci postrzegają je głębiej i pełniej niż duże płótna malarstwa i rzeźby sztalugowej, co bardzo pomaga nauczycielowi przedszkola w kształtowaniu upodobań artystycznych dzieci i kierowaniu ich sztuką plastyczną. Wartość edukacyjną sztuki ludowej wielokrotnie podkreślał A.P. Usowa. Pisała, że wykorzystanie sztuki ludowej w przedszkolu nigdy nie było przypadkowym impulsem czy modą, lecz zawsze działało w ścisłym związku z zadaniami pedagogiczno-artystycznymi pedagogiki przedszkolnej, których praktyczną realizację znacznie ułatwiała sztuka ludowa. „Małe dzieci nie mają jeszcze pojęcia o Ojczyźnie. Edukacja w tym wieku polega na przygotowaniu dla nich gruntu poprzez wychowanie dziecka w atmosferze nasyconej żywymi obrazami, jasnymi kolorami jego kraju.
Obecnie szeroko wykorzystuje się sztukę ludową i rzemiosło edukacja artystyczna dzieci w przedszkolach. Autentyczne przykłady sztuki ludowej i dzieła współczesne w klasach i przy projektowaniu przedszkoli wykorzystuje się sztukę i rzemiosło.
Wszystko to pozwala stwierdzić, że dzieła ludowej sztuki użytkowej powinny odgrywać ważną rolę w rozwoju artystycznym dzieci w wieku przedszkolnym: w rozwoju ich wyobraźni, fantazji, w kształtowaniu gustu artystycznego, we wzbogacaniu wyrazistości figuratywnej stworzonych dzieł przez dzieci.
Wyroby rzemieślników ludowych pomagają wychowywać dzieci uważne i ostrożna postawa dla środowiska, gdyż sztuka i rzemiosło są bliskie naturze w swoich motywach. Artyści od wieków obserwowali świat zwierząt, piękno ptaków, różnorodność roślin, widzieli i odczuwali harmonię natury. Jej piękno, proporcje, racjonalność, porządek znalazły wówczas odzwierciedlenie we wzorach malarstwa dekoracyjnego. W nich - wizerunek człowieka, zwierząt, ptaków, wzorów kwiatowych, ozdób. Rękodzieło pomaga zrozumieć i poczuć, że człowiek jest częścią natury, a to jest podstawa harmonijny rozwój dziecko.
Sztuką ludową zajmują się nie tylko dorośli, ale także dzieci, które z zapałem bawią się zarówno drewnianymi malowanymi lalkami gniazdowymi, jak i glinianymi figurkami mistrzów Kirowa. Dzieci lubią żartobliwe zabawki z Bogorodska i produkty przetworzone w Zagorsku.
Jak już wspomniano, piękna sztuka ludowa ma wielką siłę oddziaływania emocjonalnego i stanowi dobrą podstawę do kształtowania duchowego świata człowieka. Sztuka ludowa jest figuratywna, kolorowa, oryginalna w swoim designie. Jest przystępny dla dziecięcej percepcji, gdyż niesie treści zrozumiałe dla dzieci, które w konkretny sposób, w prostych, zwięzłych formach, odkrywają przed dzieckiem piękno i urok otaczającego go świata. To bajeczne wizerunki zwierząt, zawsze znane dzieciom, wykonane z drewna lub gliny.
Ozdobami używanymi przez rzemieślników ludowych do malowania zabawek i naczyń są kwiaty, jagody, liście, które dziecko spotyka w lesie, na polu, w przedszkolu. Tak więc mistrzowie malarstwa Khokhloma umiejętnie wykonują ozdoby z liści, jagód kaliny, malin, żurawiny. Rzemieślnicy z Gorodca tworzą swoje ozdoby z liści i dużych kwiatów kupawki, dzikiej róży i róż.
Mistrzowie zabawek glinianych najczęściej malują swoje produkty ozdoba geometryczna: pierścienie, paski, kółka, które są zrozumiałe także dla małych dzieci. Wszystkie te produkty, zarówno drewniane, jak i gliniane, służą w przedszkolach nie tylko do dekoracji wnętrza pokoju. Pod okiem nauczyciela dokładnie je oglądają, rysują i formują według próbek wyrobów ludowych.
Pod wpływem obiektów sztuki wodnej dzieci głębiej i z wielkim zainteresowaniem dostrzegają ilustracje do rosyjskich baśni ludowych takich artystów jak I. Bilibin i Yu Vasnetsov, których twórczość opiera się na tradycjach narodowych.
Zajęcia z wykorzystaniem przedmiotów sztuki ludowej rozwijają aktywność umysłową małego dziecka. Jest to jednak możliwe tylko wtedy, gdy zostanie przeprowadzone planowe, systematyczne zapoznawanie dzieci z przedmiotami sztuki ludowej, w wyniku czego dzieci stworzą własne dzieła dekoracyjne: zabawki, naczynia, talerze ozdobione ozdobami typu kafle.