Publikuj sztukę ludową i rzemiosło. Sztuka dekoracyjna i użytkowa: rodzaje, obrazy, rozwój. Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywności

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, dział sztuki; obejmuje szereg gałęzi twórczości poświęconych tworzeniu wyrobów artystycznych przeznaczonych głównie do użytku codziennego. Jego dziełami mogą być: rozmaite naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, a także ubrania i wszelkiego rodzaju dekoracje. Wraz z podziałem dzieł sztuki zdobniczej i użytkowej według ich praktycznego przeznaczenia w literaturze naukowej 2. połowy XIX wieku. zatwierdzono klasyfikację gałęzi przemysłu według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno) lub techniki (rzeźba, malarstwo, haft, druk, odlewanie, tłoczenie, intarsja itp.). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją. Rozwiązywanie całościowo, podobnie jak architektura, zadań praktycznych i artystycznych, sztuki i rzemiosła zarazem, należy do sfer tworzenia wartości zarówno materialnych, jak i duchowych. Dzieła tego typu sztuki są nierozerwalnie związane z kulturą materialną swojej epoki, są ściśle związane z odpowiadającym jej sposobem życia, z takimi czy innymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi oraz różnicami społecznymi i grupowymi. Komponując organiczną część podmiotu środowiska, z którym człowiek ma codzienny kontakt, dzieła sztuki i rzemiosła wraz z ich walorami estetycznymi, strukturą figuratywną, charakterem stale wpływają na stan umysłu człowieka, jego nastrój, są ważnym źródłem emocji które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata.

Estetycznie nasycając otoczenie człowieka, dzieła tego gatunku są przez niego niejako wchłaniane. są zwykle postrzegane w powiązaniu z jego projektem architektoniczno-przestrzennym, z innymi wchodzącymi w jego skład przedmiotami lub ich zespołami (usługa, komplet mebli, kostium, komplet biżuterii). Dlatego też treść ideową dzieł sztuki i rzemiosła można najpełniej zrozumieć jedynie dzięki jasnemu wyobrażeniu (rzeczywistemu lub odtworzonemu mentalnie) o owych relacjach przedmiotu z otoczeniem i z osobą.

Architektonika obiektu, zdeterminowana jego przeznaczeniem, możliwościami konstrukcyjnymi i właściwościami plastycznymi materiału, często odgrywa zasadniczą rolę w kompozycji dzieła artystycznego. Często w sztuce i rzemiośle piękno materiału, proporcjonalne proporcje części i rytmiczna struktura służą jako jedyne środki ucieleśnienia emocjonalnej i figuratywnej treści produktu (na przykład wyroby szklane lub inne niezabarwione materiały bez dekoracji). . Wyraźnie ujawnia się tu szczególne znaczenie dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej czysto emocjonalnych, nieobrazowych środków języka artystycznego, których użycie czyni go powiązanym z architekturą. Obraz wymowny emocjonalnie często jest aktywowany przez skojarzenie wizerunkowe (porównanie kształtu przedmiotu z kroplą, kwiatem, postacią osoby, zwierzęcia, jego poszczególnych elementów, z jakimś innym przedmiotem - dzwonkiem, tralką) itp.). Dekor pojawiający się na produkcie znacząco wpływa także na jego strukturę figuratywną. Często to właśnie dzięki swojemu wystrojowi przedmiot gospodarstwa domowego staje się dziełem sztuki. Posiadający własną ekspresję emocjonalną, własny rytm i proporcje (często kontrastujące w stosunku do formy, jak na przykład w wyrobach mistrzów Khokhloma, gdzie odmienny jest skromny, prosty kształt misy i eleganckie, odświętne malowanie powierzchni w emocjonalnym brzmieniu), wystrój wizualnie modyfikuje formę, a jednocześnie łączy się z nią w jeden artystyczny obraz.

Do tworzenia dekoracji powszechnie stosuje się ozdoby i elementy (osobno lub w różnych kombinacjach) sztuk pięknych (rzeźba, malarstwo, rzadziej grafika). Środki sztuk pięknych i zdobnictwa służą nie tylko tworzeniu wystroju, ale czasami wnikają także w kształt przedmiotu (detale mebli w postaci palmet, wolut, łap zwierząt, głów; naczynia w postaci kwiatu, owocu, figura ptaka, bestii, człowieka). Czasami ozdoba lub obraz staje się podstawą do powstania produktu (wzór kratki, koronki, wzór tkania tkaniny, dywanu). Konieczność skoordynowania wystroju z formą, obrazu ze skalą i charakterem produktu, z jego praktycznym i artystycznym przeznaczeniem, prowadzi do transformacji motywów obrazowych, do umowności interpretacji i porównywania elementów przyrody (np. , połączenie motywów łapy lwa, skrzydeł orła i głowy łabędzia w projekcie nogi stołu). ).

W jedności funkcji artystycznych i użytkowych produktu, we przenikaniu się formy i wystroju, zasad drobnych i tektonicznych, przejawia się syntetyczny charakter sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Jego prace przeznaczone są do odbioru wzrokowego i dotykowego. Dlatego ujawniając piękno faktury i właściwości plastycznych materiału, kunszt i różnorodność metod jego obróbki nabierają znaczenia szczególnie aktywnych środków oddziaływania estetycznego w sztuce dekoracyjnej i użytkowej.

Obraz

Malarstwo, rodzaj sztuki plastycznej, dzieła sztuki powstające przy użyciu farb nakładanych na dowolną stałą powierzchnię. Malarstwo, podobnie jak inne rodzaje sztuki, spełnia zadania ideowe i poznawcze, a także jest sferą tworzenia obiektywnych wartości estetycznych, będąc jedną z wysoko rozwiniętych form pracy ludzkiej.

Malarstwo odzwierciedla i w świetle pewnych koncepcji ocenia treść duchową epoki, jej rozwój społeczny. Silnie oddziałując na uczucia i myśli odbiorcy, zmuszając go do doświadczenia rzeczywistości przedstawionej przez artystę, służy jako skuteczny środek edukacji społecznej. Wiele dzieł malarstwa ma wartość dokumentacyjną i informacyjną.

Ocena życia artysty wyrażona w jego twórczości, dzięki klarowności obrazu, nabiera dla widza szczególnej przekonywującej siły. Tworząc obrazy artystyczne, malarstwo posługuje się kolorem i rysunkiem, ekspresją pociągnięć, co zapewnia elastyczność jego języka, pozwala z kompletnością niedostępną dla innych rodzajów sztuk pięknych odtworzyć na płaszczyźnie barwne bogactwo świata, objętość obiektów, ich oryginalność jakościowa i materialna miąższ, głębia przedstawianej przestrzeni, środowisko świetlno-powietrzne. Malarstwo nie tylko bezpośrednio i wizualnie ucieleśnia wszystkie widzialne zjawiska świata rzeczywistego (w tym przyrody w jej różnych stanach), ukazuje szerokie obrazy życia ludzi, ale także stara się odsłonić i zinterpretować istotę procesów zachodzących w życiu i wewnętrznej rzeczywistości. świat osoby.

Szerokość i kompletność pokrycia rzeczywistości dostępnej dla tego rodzaju sztuki znajduje odzwierciedlenie także w bogactwie tkwiących w niej gatunków (historycznych, codziennych, bitewnych, zwierzęcych itp.).

Celowo, ze względu na charakter performansów i obrazów, wyróżniają: malarstwo monumentalno-dekoracyjne (malowidła ścienne, plafony, panele), uczestniczące w organizacji przestrzeni architektonicznej, tworzące bogate ideologicznie środowisko dla człowieka; sztalugi (obrazy) o charakterze bardziej intymnym, zwykle nie kojarzącym się z konkretnym miejscem; scenografia (szkice scenografii i kostiumów teatralnych i filmowych); ikonografia; miniatura (ilustracje rękopisów, portretów itp.).

Ze względu na charakter substancji wiążących pigment (barwnik), zgodnie z technologicznymi sposobami utrwalenia pigmentu na powierzchni, malarstwo olejne, malowanie farbami wodnymi na tynku – surowym (fresk) i suchym (a secco), temperą , malowanie klejem, malowanie woskiem, emalia, malowanie farbami ceramicznymi (spoiwa - szkła topliwe, topniki, szkliwa - utrwalane są poprzez wypalanie na ceramice), farbami silikatowymi (spoiwo - szkło rozpuszczalne) itp. Bezpośrednio z nimi łączone są mozaiki i witraże , decydując o tym samym, co malarstwo monumentalne, zadania malarsko-dekoracyjne. Do wykonywania obrazów używa się również akwareli, gwaszu, pasteli i tuszu.

Główny środek wyrazu malarstwa – kolor – wraz ze swą ekspresją, zdolnością do wywoływania różnorodnych skojarzeń zmysłowych, wzmaga emocjonalność obrazu, wyznacza szerokie możliwości wizualne i dekoracyjne tego rodzaju sztuki. W pracach tworzy integralny system (kolor). Zwykle stosuje się jedną lub drugą serię powiązanych ze sobą kolorów i ich odcieni (gama kolorowa), chociaż istnieje również malowanie odcieniami tego samego koloru (monochromatyczne). Kompozycja kolorystyczna (system lokalizacji i relacji plam barwnych) zapewnia pewną jedność kolorystyczną dzieła, wpływa na przebieg jego odbioru przez widza, będąc częścią specyficznej dla dzieła jego struktury artystycznej. Inny wyrazisty środek malarski – rysunek (linia i światłocień) – porządkuje obraz rytmicznie i kompozycyjnie wraz z kolorem; linia oddziela od siebie bryły, często stanowi konstrukcyjną podstawę formy obrazowej, pozwala uogólnić lub szczegółowo odtworzyć kontury obiektów, zidentyfikować ich najmniejsze elementy.

Architektura

Architektura (łac. Architectura, od greckiego architéktón – budowniczy), architektura, system budynków i budowli tworzących przestrzenne środowisko dla życia i działalności ludzi, a także sama sztuka polegająca na tworzeniu tych budynków i budowli zgodnie z prawa piękna. Architektura jest niezbędną częścią środków produkcji i materialnych środków egzystencji społeczeństwa ludzkiego. Jej obrazy artystyczne odgrywają znaczącą rolę w życiu duchowym społeczeństwa. Funkcjonalne, konstrukcyjne i estetyczne walory architektury (użyteczność, siła, piękno) są ze sobą powiązane.

Dziełami architektury są budynki o zorganizowanej przestrzeni wewnętrznej, zespoły budynków, a także konstrukcje służące do projektowania przestrzeni otwartych (pomniki, tarasy, nasypy itp.).

Przedmiotem celowej organizacji jest przestrzeń zaludnionego obszaru jako całość. Tworzenie miast, miasteczek i regulacja całego systemu osadniczego wyróżniała się na szczególnym obszarze, nierozerwalnie związanym z architekturą - urbanistyką.

Najważniejszym środkiem praktycznego rozwiązania funkcji, a także zadań ideowych i artystycznych architektury jest sprzęt budowlany. Określa możliwość i ekonomiczną wykonalność realizacji określonych układów przestrzennych. Właściwości estetyczne dzieł architektury w dużej mierze zależą od rozwiązania konstrukcyjnego. Budynek powinien nie tylko być, ale i wyglądać solidnie. Nadmiar materiału sprawia wrażenie nadmiernej ciężkości; widoczna (pozorna) niedoskonałość materiału wiąże się z niestabilnością, zawodnością i powoduje negatywne emocje. W toku rozwoju technologii budowlanej nowe zasady kompozycji architektonicznej, odpowiadające właściwościom nowych materiałów i konstrukcji, mogą wejść w konflikt z tradycyjnymi poglądami estetycznymi. Jednak w miarę rozpowszechniania się i dalszego doskonalenia projektu określone przez niego formy nie tylko przestają być postrzegane jako niezwykłe, ale stają się źródłem emocjonalnego i estetycznego oddziaływania w masowej świadomości.

Zmiany jakościowe w sprzęcie budowlanym, powstawanie nowych konstrukcji i materiałów znacząco wpłynęły na współczesną architekturę. Szczególne znaczenie ma zastąpienie rzemieślniczych metod budowy metodami przemysłowymi, co wiąże się z ogólnymi procesami rozwoju produkcji, z koniecznością zwiększenia tempa budownictwa masowego i co wymagało wprowadzenia standaryzacji, ujednoliconych konstrukcji i części.

Głównymi środkami kreowania obrazu artystycznego w architekturze są kształtowanie przestrzeni i architektonika. Tworząc trójwymiarową kompozycję (w tym wewnętrzną organizację struktur), stosuje się zasady symetrii lub asymetrii, niuanse lub kontrasty przy porównywaniu elementów, ich różne relacje rytmiczne itp. W architekturze szczególne znaczenie ma proporcjonalność części i całości względem siebie (układ proporcji) oraz proporcjonalność konstrukcji i jej poszczególnych form do osoby (skala). Do liczby środków artystycznych architektury zalicza się także faktura i kolor, których różnorodność osiąga się poprzez różne metody obróbki powierzchni budynku. Holistyczny system artystyczny i wyrazisty form dzieł architektury, spełniający wymagania funkcjonalne i konstrukcyjne, nazywany jest kompozycją architektoniczną.

Trwała wspólność charakterystycznych cech artystycznej formy architektury oraz jej programu ideowego i treściowego tworzy jej styl. Najważniejsze cechy stylu przejawiają się w systemie organizacji funkcjonalnej i przestrzennej obiektów, w ich architekturze, proporcjach, plastyczności, wystroju.

Rzeźba

Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo – rzeźbię, wycinam), rzeźba plastyczna (gr. plastike, od plasso – rzeźbię), forma sztuki oparta na zasadzie trójwymiarowego, fizycznie trójwymiarowego obrazu przedmiotu . Z reguły przedmiotem obrazu w rzeźbie jest osoba, rzadziej zwierzęta (gatunek zwierzęcy), jeszcze rzadziej przyroda (pejzaż) i rzeczy (martwa natura). Osadzenie postaci w przestrzeni, oddanie jej ruchu, postawy, gestu, modelowanie światła i cienia uwydatniające relief formy, architektoniczna organizacja bryły, wizualny efekt jej masy, stosunki wagowe, dobór proporcji charakterystycznych dla każdego w tym przypadku głównymi środkami wyrazu tego typu sztuki są charakter sylwetki. Trójwymiarowa forma rzeźbiarska budowana jest w rzeczywistej przestrzeni zgodnie z prawami harmonii, rytmu, równowagi, interakcji z otaczającym środowiskiem architektonicznym lub naturalnym oraz w oparciu o cechy anatomiczne (strukturalne) konkretnego modelu obserwowane w przyrodzie.

Istnieją dwa główne typy rzeźb: rzeźba okrągła, swobodnie umieszczona w przestrzeni, oraz rzeźba reliefowa, w której obraz znajduje się na płaszczyźnie stanowiącej jego tło. Do dzieł pierwszego, które zwykle wymagają widoku kołowego, zalicza się: posąg (postać w fazie wzrostu), grupę (dwie lub więcej postaci tworzących jedną całość), statuetkę (figurę znacznie mniejszą od naturalnej wielkości) , tors (obraz ludzkiego tułowia), popiersie (obraz klatki piersiowej osoby) itp.

Według treści i funkcji rzeźba dzieli się na monumentalno-dekoracyjną, sztalugową itp. mała rzeźba. Chociaż odmiany te rozwijają się w ścisłej interakcji, każda z nich ma swoje własne cechy. Monumentalno-dekoracyjny: rzeźba przeznaczona jest dla konkretnego środowiska architektoniczno-przestrzennego lub naturalnego. Ma wyraźny charakter publiczny, adresowany jest do mas widzów i umieszczany jest przede wszystkim w miejscach publicznych – na ulicach i placach miasta, w parkach, na elewacjach i we wnętrzach budynków użyteczności publicznej. Rzeźba monumentalna i dekoracyjna ma na celu konkretyzację obrazu architektonicznego, uzupełnienie wyrazistości form architektonicznych nowymi odcieniami. Zdolność rzeźby monumentalnej i dekoracyjnej do rozwiązywania dużych zadań ideologicznych i figuratywnych szczególnie kompletnie ujawnia się w dziełach zwanych monumentalnymi, do których zaliczają się zwykle pomniki miejskie, pomniki i budowle pamięci. Majestat form i trwałość materiału łączą się w nich z uniesieniem systemu figuratywnego, szerokością uogólnień. Rzeźba sztalugowa, niezwiązana bezpośrednio z architekturą, ma charakter bardziej intymny. Sale wystawowe, muzea, wnętrza mieszkalne, gdzie można je obejrzeć z bliska i ze wszystkimi szczegółami, to jego zwykłe otoczenie. Determinuje to cechy plastycznego języka rzeźby, jej wymiary, ulubione gatunki (portret, gatunek codzienny, akt, gatunek zwierzęcy). Rzeźbę sztalugową, w większym stopniu niż monumentalną i dekoracyjną, charakteryzuje zainteresowanie wewnętrznym światem człowieka, subtelny psychologizm i narracja. Rzeźba małych form obejmuje szeroką gamę dzieł przeznaczonych głównie do wnętrz mieszkalnych i pod wieloma względami łączy się ze sztuką i rzemiosłem.

Cel i treść dzieła rzeźbiarskiego determinują charakter jego struktury plastycznej, co z kolei wpływa na wybór materiału rzeźbiarskiego. Technika rzeźby w dużej mierze zależy od cech naturalnych i sposobów ich obróbki. Do modelowania używa się miękkich substancji (glina, wosk, plastelina itp.); podczas gdy najpopularniejszymi narzędziami są pierścienie i stosy drutu. Substancje stałe (różne rodzaje kamienia, drewna itp.) przetwarza się poprzez cięcie (rzeźbienie) lub rzeźbienie, usuwanie zbędnych części materiału i stopniowe uwalnianie niejako ukrytej w nim trójwymiarowej formy; do obróbki bloku kamiennego stosuje się młotek (młotek) i zestaw narzędzi metalowych, do obróbki drewna - głównie dłuta kształtowe i wiertła. Do odlewania rzeźb przy użyciu specjalnie wykonanych form wykorzystuje się substancje zdolne do przejścia ze stanu ciekłego w stały (różne metale, gips, beton, tworzywa sztuczne itp.).

Teatr

Teatr (od greckiego théatron – miejsce spektakli, spektakl), rodzaj sztuki. Teatr jest formą świadomości społecznej, jest nierozerwalnie związany z życiem ludzi, ich narodową historią i kulturą. Teatr zwykle osiąga artystyczny rozkwit wtedy, gdy przepojony zaawansowanymi ideami epoki, walczy o humanistyczne ideały, głęboko i zgodnie z prawdą odsłania złożoność wewnętrznego świata człowieka, jego aspiracji.

Artystyczne odbicie życia, ugruntowanie pewnych idei, światopoglądów i ideologii odbywa się w teatrze poprzez akcję dramatyczną wykonywaną przez aktorów przed publicznością. Zmagania bohaterów, ujawnienie konfliktów społecznych i psychologicznych, które wpływają na losy ludzi, ich relacje są sercem spektaklu, spektaklu. Specyfika teatru wymaga emocjonalnej i duchowej jedności sceny i publiczności, obecności wspólnych zainteresowań twórców spektaklu i publiczności. Teatr ma ogromne znaczenie w edukacji estetycznej, moralnej i politycznej. Do tego ma bogate środki artystycznego uogólnienia, ekspresji i wpływu na masową publiczność.

Podstawą spektaklu teatralnego jest dramat. Teatr przekłada dzieło literackie na obszar akcji scenicznej i specyficznej obrazowości teatralnej; bohaterowie i konflikty dramatu ucieleśniają się w żywych osobach i działaniach. Słowo, mowa jest najważniejszym środkiem, w jaki wyposażony jest teatr dramatyczny. W teatrze słowo także podlega prawom akcji dramatycznej. W niektórych przypadkach zamienia mowę w środek codziennej charakterystyki postaci, w innych poprzez werbalną tkankę roli odsłania złożone konflikty świadomości i psychologii postaci. Mowa na scenie może mieć formę długiej wypowiedzi (monolog), toczyć się jak rozmowa z partnerem (dialog), być skierowana do widza, brzmieć jak odbicie bohatera, jego „monolog wewnętrzny” itp.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to dzieło, w którym panuje artystyczna jedność, harmonia wszystkich elementów. Powstaje pod kierunkiem reżysera i zgodnie z zamysłem reżysera, dzięki wspólnemu wysiłkowi aktorów, scenografa, kompozytora, choreografa i wielu innych. Spektakl opiera się na reżyserskiej interpretacji spektaklu, jego gatunku, decyzji stylistycznej. Akcja spektaklu zorganizowana jest w czasie (tempo, rytm, wzloty i upadki napięcia emocjonalnego) i w przestrzeni (rozwój platform scenicznych, zasada ich użycia, mise-en-scène, sceneria, ruch itp.).

Głównym nosicielem akcji teatralnej jest aktor, w którego twórczości ucieleśnia się istota teatru: umiejętność uchwycenia publiczności sztuki. spektakl życia przepływający bezpośrednio przed ich oczami, twórczy proces jego ucieleśnienia. Wizerunek aktora tworzony jest na podstawie spektaklu i jego interpretacji przez reżysera – reżysera spektaklu. Ale nawet w systemie ściśle zorganizowanego spektaklu aktor pozostaje niezależnym artystą, zdolnym odtworzyć na scenie żywy obraz człowieka, przekazując jedynie mu dostępnymi środkami złożoność i bogactwo psychologii człowieka. Praca nad sobą i nad rolą w procesie prób, zdaniem K. S. Stanisławskiego, to dwa nierozerwalnie powiązane aspekty działalności aktora.

Często aktor kreuje na scenie obraz odbiegający od jego własnego, w różnych rolach zmienia się zewnętrznie i wewnętrznie. Wcielając się w wygląd, charakter postaci, performer posługuje się środkami plastycznej i rytmicznej ekspresji, sztuką mowy, mimiką i gestem. Historia teatru światowego zna aktorów, którzy posiadali wirtuozowskie mistrzostwo zewnętrznej transformacji.

W teatrze muzycznym akcja ucieleśnia się za pomocą dramaturgii muzycznej, która opiera się na ogólnych prawach dramatu - obecności wyraźnie wyrażonego centralnego konfliktu, który objawia się w walce przeciwstawnych sił, pewnej sekwencji etapów ujawnienie dramatów. zamiar. W każdym z typów muzycznej sztuki scenicznej te ogólne wzorce znajdują swoiste załamanie, zgodnie z naturą ich środków wyrazu: w operze akcja rozgrywająca się na scenie wyrażana jest przez muzykę, czyli śpiew postaciami, a także dźwiękiem orkiestry; w balecie rolę analogiczną do śpiewu w operze pełni taniec i pantomima. Jednocześnie w obu przypadkach muzyka jest głównym środkiem uogólniającym, spajającym wszystkie elementy dramatu. W operetce, która jest rodzajem opery z mówionym dialogiem, ogromne znaczenie ma śpiew i taniec dwuwierszowy. W gatunku muzycznym wykorzystywane są środki wyrazu sztuk dramatycznych, operowych i choreograficznych, muzyki pop i muzyki codziennej.

Muzyka

Muzyka (od greckiego musike, dosłownie – sztuka muz), rodzaj sztuki, która odzwierciedla rzeczywistość i oddziałuje na człowieka poprzez znaczące i specjalnie zorganizowane sekwencje dźwiękowe, składające się głównie z tonów. Muzyka jest specyficznym rodzajem dźwiękowej aktywności człowieka. Z innymi odmianami (mowa, sygnalizacja dźwiękowo-instrumentalna itp.) Łączy ją zdolność do wyrażania myśli, emocji i procesów wolicjonalnych człowieka w formie słyszalnej i służy jako środek komunikowania się z ludźmi i kontrolowania ich zachowania. Jednocześnie różni się znacznie od wszystkich innych odmian ludzkiej aktywności dźwiękowej. Zachowując pewne podobieństwo do dźwięków prawdziwego życia, brzmienie muzyczne zasadniczo różni się od nich ścisłą wysokością tonu i organizacją czasową (rytmiczną). Dźwięki te zaliczają się do historycznie ustalonych systemów opartych na tonach. W każdym utworze dźwięki tworzą swój własny system powiązań wertykalnych i ciągów poziomych – swoją formę.

W treści muzyki dominującą rolę odgrywają stany i procesy emocjonalne (a także wolicjonalne aspiracje). Ich wiodące miejsce w treści muzycznej jest zdeterminowane brzmieniem (intonacją) i czasowością muzyki, co pozwala z jednej strony oprzeć się na wielowiekowym doświadczeniu ludzi zewnętrznie ujawniających swoje emocje i przekazujących je innym członkom społeczeństwa, przede wszystkim i głównie poprzez właśnie dźwięki, a z drugiej strony - adekwatnie wyrazić przeżycie emocjonalne jako ruch, proces ze wszystkimi jego zmianami i odcieniami, dynamicznymi wzlotami i upadkami, wzajemnymi przejściami emocji i ich zderzeniami.

Spośród różnych rodzajów emocji muzyka ucieleśnia głównie nastroje. Emocjonalne aspekty intelektualnych i wolicjonalnych cech jednostki (oraz odpowiadające im procesy) są również szeroko reprezentowane w treści muzycznej. Pozwala to temu rodzajowi sztuki ukazać nie tylko stan psychiczny ludzi, ale także ich charaktery. W najbardziej konkretnym (choć nie przełożonym na język słów), bardzo subtelnym i „zaraźliwym” wyrażaniu emocji muzyka nie ma sobie równych. Na tym opiera się powszechna definicja go jako „języka duszy” (A. N. Serow).

Dążąc do szerszego poszerzenia świata idei filozoficznych i społecznych, kompozytorzy często wykraczają poza tzw. muzykę czystą (instrumentalną, nieprogramową), odwołując się do słowa jako nośnika określonej treści konceptualnej (wokalna i programowa muzyka instrumentalna , zobacz Program muzyczny), a także do akcji scenicznej. Dzięki syntezie ze słowem, działaniem itp. powstają nowe typy obrazów muzycznych, które stabilnie kojarzą się w świadomości społecznej z koncepcjami i ideami wyrażanymi przez inne składniki syntezy, a następnie przechodzą w „czystą” muzykę jako nosiciele tych samych koncepcji i idei. Do wyrażania myśli kompozytorzy posługują się także symbolami dźwiękowymi (pieśniami czy melodiami, które powstały w praktyce społecznej, istniejącymi w określonym środowisku społecznym, które stały się „muzycznymi emblematami” wszelkich koncepcji) lub tworzą własne, nowe „znaki muzyczne” (np. na przykład motywy przewodnie). W rezultacie treść M. obejmuje ogromną i stale wzbogacaną gamę pomysłów.

W muzyce dostępne są treści różnego rodzaju: epickie, dramatyczne, liryczne. Jednocześnie jednak, ze względu na swój nieobrazowy charakter, najbliższe mu są teksty.

Materialnym ucieleśnieniem treści muzyki, sposobem jej istnienia jest forma muzyczna – ten system dźwięków muzycznych, w którym realizują się emocje, myśli i figuratywne przedstawienia kompozytora. Nawet rozpatrywane osobno dźwięki muzyczne mają już podstawowe możliwości ekspresji. Każdy z nich jest w stanie wywołać fizjologiczne uczucie przyjemności lub niezadowolenia, podniecenia lub spokoju, napięcia lub rozładowania, a także doznania synestetyczne (ciężar lub lekkość, ciepło lub zimno, ciemność lub światło itp.) oraz najprostsze skojarzenia przestrzenne.

W każdym utworze muzycznym z poszczególnych elementów jego formy, w procesie ich łączenia i podporządkowania, powstaje ogólna struktura, złożona z kilku prywatnych struktur. Do tych ostatnich zaliczają się struktury: melodyczna, rytmiczna, harmoniczna, fakturalna, barwowa, dynamiczna itp. Szczególne znaczenie ma struktura tematyczna, której elementami są tematy muzyczne (wraz z różnymi rodzajami i etapami ich zmiany i rozwoju). W większości stylów muzycznych materialnym nośnikiem obrazów muzycznych są tematy.

Muzyka ma swoją strukturę. Tak więc w rozwiniętej kulturze muzycznej kreatywność reprezentowana jest przez wiele odmian, które można różnicować według różnych kryteriów. 1) Według rodzaju treści: liryczne, epickie, dramatyczne, a także bohaterskie, tragiczne, humorystyczne itp.; w innym aspekcie - muzyka poważna i muzyka lekka. 2) Wykonując cel: wokalny i instrumentalny; w różnym wykonaniu - solo, zespołowo, orkiestrowo, chóralnie, mieszanie (z możliwością doprecyzowania utworów: np. na orkiestrę symfoniczną, na orkiestrę kameralną, na jazz itp.). 3) Przez syntezę z innymi rodzajami sztuki oraz ze słowem: muzyka teatralna, muzyka taneczna, oprogramowanie instrumentalne, melodramat (czytanie do muzyki), muzyka wokalna ze słowami. Muzyka poza syntezą – wokalizacje (śpiew bez słów) i „czysta” instrumentalna (bez programu). Z kolei pierwsza dzieli się na widowiskowo-koncertową, druga na masowo-domową i rytualną. Każdą z czterech powstałych odmian (grup gatunkowych) można dalej różnicować.

Kinematografia

Kinematografia, rodzaj sztuki, której dzieła powstają za pomocą filmowania prawdziwych wydarzeń, specjalnie inscenizowanych lub odtwarzanych za pomocą animacji wydarzeń rzeczywistości.

W kinematografii właściwości estetyczne literatury, sztuk teatralnych, wizualnych i muzyki syntezowane są w oparciu o nieodłączne jej środki wyrazu, z których najważniejszymi jest fotograficzny charakter obrazu, pozwalający na odtworzenie dowolnych obrazów rzeczywistość z najwyższą pewnością i montaż. Mobilność aparatu i różnorodność optyki stosowanej w fotografowaniu pozwalają ukazać w kadrze ogromne przestrzenie i duże masy ludzi (plan ogólny), małe grupy ludzi w ich relacjach (plan środkowy), portret ludzki czy oddzielny szczegół (zbliżenie). Dzięki temu w granicach kadru można wyróżnić najważniejsze, estetycznie istotne aspekty ukazanego obiektu. Połączenie ujęć w montażu stanowi wyraz myśli autora, zapewnia ciągłość rozwoju akcji, porządkuje narrację wizualną i umożliwia to poprzez porównanie poszczególnych części. planuje metaforyczną interpretację akcji, wyznacza rytm filmu.

Tworzenie dzieła sztuki filmowej jest z reguły złożonym procesem twórczym i produkcyjnym, w którym łączy się praca artystów różnych specjalności: scenarzysty (scenarzysty); reżyser, który ustala interpretację i realizację pomysłu oraz kieruje pracą pozostałych uczestników przedstawienia; aktorzy ucieleśniający wizerunki postaci; operator charakteryzujący akcję poprzez interpretację kompozycyjną, świetlną i kolorystyczną kadrów; artysta, który odnajduje obrazowy opis środowiska akcji i kostiumów bohaterów (a w animacji cechy zewnętrzne bohaterów); kompozytor itp.

W trakcie rozwoju kinematografii wykształciły się 4 główne jej typy: kinematografia artystyczna (fabularna), ucieleśniająca dzieła dramaturgii filmowej lub adaptowane dzieła prozatorskie, dramaturgię, poezję za pomocą sztuk performatywnych; kinematografia dokumentalna, będąca szczególnym rodzajem dziennikarstwa figuratywnego, opierającego się przede wszystkim na bezpośrednim zapisie rzeczywistości na filmie; kinematografia animowana, „animowanie” postaci graficznych lub lalkowych; kinematografii popularnonaukowej, wykorzystującej środki tych 3 typów do popularyzacji wiedzy naukowej.

Możliwości epopei, liryzmu i dramatu są dostępne dla kinematografii artystycznej, jednak w filmach mających charakter narracyjny zawsze pojawiają się cechy przybliżające je do dramatu, w szczególności do konfliktu dramatycznego. Kino dokumentalne ma w sobie pełnię możliwości publicystycznych gatunków literatury i publicystyki. Łączy w sobie zarówno twórczość figuratywnego dziennikarstwa filmowego, jak i filmów informacyjnych (reportaż filmowy). Obrazy animacji graficznej i trójwymiarowej powstają poprzez kręcenie nieruchomych, kolejnych faz ruchu rysowanych lub marionetkowych postaci. Szczególną uwagę poświęca realizacji filmów dla dzieci. Kino popularnonaukowe wprowadza widza w życie przyrody i społeczeństwa, odkrycia i wynalazki naukowe, odtwarza przebieg twórczych poszukiwań naukowców i mistrzów sztuki, w klarowny sposób ukazuje procesy fizyczne, chemiczne i biologiczne. Aby rozwiązać te problemy, posługuje się zarówno środkami czysto dydaktycznymi, jak i artystyczno-figuratywnymi, w zależności od tematu i celu filmu.

Gatunki filmowe, które w początkach rozwoju kina były stosunkowo wyraźnie odgraniczone (melodramat, film przygodowy, komiks itp.), ulegają zmianom, mają tendencję do łączenia, przenikania, a nawet rozpadu. Nowatorskie dążenia autorów zdjęć decydują o połączeniu w jednym dziele cech charakterystycznych dla prozy, dramatu i liryki.

Sztuka i rzemiosło ludowe to zjawisko złożone i wieloaspektowe. Zawiera różnorodne kierunki, typy, formy. Wszystkich jednak łączy połączenie praktycznej celowości produktów z naturalnym pięknem ich wyglądu, płynącym z otaczającej przyrody (69, s. 263).

Sztuka i rzemiosło ludowe stanowi integralną część kultury, aktywnie wpływa na kształtowanie gustów artystycznych, wzbogaca sztukę profesjonalną i wyraziste środki estetyki przemysłowej.

Sztuką i rzemiosłem ludowym nazywa się sztukę, która przyszła do nas z głębi wieków, z głębi pokoleń, sztuka ma przeważnie charakter zbiorowy, kształtuje się w środowisku ludowym, chłopskim.

Tradycje w dziedzinie sztuki i rzemiosła ludowego obejmują najbardziej wyraziste proporcje i kształty przedmiotów wyselekcjonowanych i dopracowanych przez wiele pokoleń rzemieślników, ich kolorystykę, w zdobnictwie artystyczne przedstawienie środowiska naturalnego, flory i fauny, na podstawie w którym ukształtowała się ta kultura ozdobna i umiejętności zgromadzone przez wieki w rzemiośle, przetwarzaniu różnych materiałów naturalnych. Z pokolenia na pokolenie przekazywano tylko to, co żywotne, postępowe, czego ludzie potrzebują i co nadaje się do dalszego rozwoju.

Na starożytnej Rusi całe życie ludzi było dosłownie przesiąknięte pragnieniem piękna i harmonii ze środowiskiem naturalnym. Dom, palenisko, meble, narzędzia, ubrania, naczynia, zabawki - wszystko, czego dotknęły ręce rzemieślników ludowych, ucieleśniało ich miłość za ojczyznę i wrodzone poczucie piękna, A wtedy zwykłe przedmioty gospodarstwa domowego stały się dziełami sztuki. Piękno ich formy dopełniały zdobnictwo dekoracyjne w postaci ornamentów, wizerunków ludzi, zwierząt, ptaków, scen.

Od czasów starożytnych rzemieślnicy ludowi wykorzystywali w swojej pracy to, co dała im sama natura - drewno, glinę, kość, żelazo, len, wełnę. Natura zawsze była głównym źródłem inspiracji dla rzemieślników. Ale ucieleśniając obrazy natury w swoich dziełach, mistrzowie nigdy nie kopiowali ich dosłownie. Oświetlona ludową fantazją rzeczywistość nabrała czasem cech magicznych, baśniowych, w których rzeczywistość i fikcja wydawały się nierozłączne.

To właśnie oryginalność sztuki i rzemiosła ludowego, jej wyjątkowa ekspresja i proporcje inspirowały i nadal inspirują profesjonalnych artystów. Jednak nie wszystkim udaje się w pełni zrozumieć i przemyśleć całą jej głębię i duchowy potencjał.

We współczesnych warunkach wzrasta zapotrzebowanie ludzi na sztukę ludową, na jej autentyczność i duchowość. Jednak znalezienie sposobów na zachowanie sztuki ludowej, jej owocny rozwój jest możliwe tylko poprzez zrozumienie jej istoty, twórczej i duchowej, jej miejsca we współczesnej kulturze.

Sztuka i rzemiosło ludowe jest różnorodne. Są to hafty, ceramika, lakiery artystyczne, tkanie dywanów, artystyczna obróbka drewna, kamienia, metalu, kości, skóry itp.

Artystyczna obróbka drewna. Drzewo jest jednym ze starożytnych symboli Rosji. W starożytnej mitologii słowiańskiej drzewo życia symbolizowało wszechświat. Zacienione gaje i lasy dębowe, tajemnicze ciemne zarośla i jasnozielona koronka brzegów lasów przyciągają koneserów piękna od czasów starożytnych, rozbudzając w naszych ludziach twórczą energię. To nie przypadek, że drewno jest jednym z najbardziej ulubionych materiałów naturalnych wśród rzemieślników ludowych.

W różnych częściach Rosji rozwinęły się oryginalne rodzaje artystycznej obróbki drewna. Każdy z nich ma swoją historię i unikalne cechy.

Rzeźba Abramcewa-Kudrinskiej.

dekoracyjny wazon

Produkty Bogorodska wykonane są z miękkiego drewna - lipy, olchy, osiki. Głównymi narzędziami rzemieślników ludowych był topór, specjalny nóż bogorodski i zestaw okrągłych dłut różnej wielkości. Ostrze noża Bogorodsk kończy się trójkątnym skosem i jest szlifowane do ostrości brzytwy.

Rzeźba Bogorodska. I. K. Stulov.

„Car Dodon i astrolog”

Na przestrzeni wieków rozwinęły się tak zwane techniki rzeźbienia koła zamachowego. Każdy produkt wycinany jest nożem „w locie”, od razu czysty, szybko, dokładnie, bez żadnych wstępnych szkiców przygotowywanych w rysunku czy glinie.

Zabawki Bogorodskie są interesujące nie tylko ze względu na rzeźbienie, ale także ze względu na oryginalny design. Najczęściej są to zabawki z ruchem. Ich tradycyjnym bohaterem jest niedźwiedź bogorodski – mądry i aktywny niedźwiadek, występujący w towarzystwie mężczyzny.

Rzeźba Bogorodska. VS. Szyszkin. Zabawka „Strażacy”

Tradycyjnym rodzajem rosyjskiej sztuki ludowej i rzemiosła jest wytwarzanie artystycznie zaprojektowanych wyrobów z kory brzozowej, kora brzozy.

Kora brzozy już w starożytności przyciągała mistrzów sztuki ludowej swoją olśniewającą bielą. Kora brzozy po przetworzeniu zachowała swoje naturalne właściwości: miękkość, aksamitność, elastyczność i niesamowitą wytrzymałość, dzięki czemu wykorzystywano ją do wyrobu naczyń na płyny, mleko i miód. Wiadomo, że na zalesionych terenach Rosji - w prowincjach Wołogdy, Archangielska, Ołońca, Wiatki, Włodzimierza, Niżnego Nowogrodu, a także na Uralu i Syberii - w prowincjach Perm, Tobolsk od czasów starożytnych rozwijało się rzemiosło, słynące z brzozy produkty z kory.

Należą do nich niskie, szeroko otwarte statki - checkmany, bokserki i nabirushki. Znaczącą część stanowi wyroby wikliniarskie. Należą do nich solniczki, buty wiklinowe – brody, pokrowce, torby – naramienniki. Najbardziej skomplikowanymi i czasochłonnymi elementami przyborów są buraki, pudełka, tueski.

Tuesok.

Wielki Ustiug. Tuesok. AE Markowa

ściętą korę brzozy

Artystyczna obróbka kamienia. Specyfika materiału – jego twardość, wytrzymałość, piękno i różnorodność kolorów – decyduje o powszechnym zastosowaniu twardego kamienia w przemyśle jubilerskim. Jest to szczególny obszar artystycznej obróbki twardego kamienia, który jest obecnie bardzo rozpowszechniony. Naszyjniki, wisiorki, broszki, bransoletki, pierścionki, kolczyki, spinki do włosów - szeroka oferta wyrobów z twardego kamienia.

Rzemieślnicy zajmujący się tworzeniem biżuterii czerpią z najbogatszych tradycji tej sztuki w Rosji. Artyści starają się wydobyć naturalne piękno kamienia, wykorzystując niefasetowaną powierzchnię, w której szczególnie wyraźnie widoczne są odcienie koloru i naturalne wtrącenia.

Oprócz biżuterii dość szeroka gama produktów wykonana jest z twardego kamienia. Są to małe wazony dekoracyjne, tace na biżuterię, zestawy na biurko na przybory do pisania, miniaturowe rzeźby zwierzęce.

Rzeźba w kamieniu.

L.N. Puzanow. Wazon „Jesień” Rzeźba w kamieniu.

T.Ch. Ondar. Koza z dzieckiem

Rzeźba z kości. Kość jest materiałem szeroko stosowanym w starożytności.

Rzemiosło artystyczne zajmujące się obróbką kości rozwinęło się głównie na północy. Kieł słonia, kieł mamuta, kieł morsa służyły jako materiał do obróbki artystycznej, a rzemieślnicy ludowi potrafili rozpoznać i wykorzystać niezwykłe właściwości tego materiału do wyrobów artystycznych.

Kieł mamuta ma piękny żółtawy odcień i fakturę w postaci miniaturowej siateczki. Ze względu na swoją twardość, imponujące rozmiary, piękny kolor nadaje się do tworzenia różnorodnych wyrobów artystycznych. Z niego można wykonać wazony, filiżanki, rzeźbę dekoracyjną stołu, produkty z ażurowymi rzeźbami.

Kieł morsa - piękny biało-żółty materiał, służył do tworzenia miniaturowych rzeźb, różnorodnych wyrobów z rzeźbą ażurową i reliefową, a także do grawerowania. Oprócz tych głównych rodzajów kości, do tworzenia wyrobów artystycznych wykorzystuje się prostą kość zwierzęcą - stęp, a także róg bydlęcy. Chociaż prosta kość zwierzęca po wybieleniu i odtłuszczeniu staje się biała, nie ma tych właściwości, piękna, koloru i twardości, jakie posiadają kły morsów i mamutów.

Rzeźba z kości Kholmogory. Wazon dekoracyjny „Wiosna”. Kość morsa. ażurowa rzeźba

Rzeźbiona kość.

LI Teyutin. „Ubój morsów na wieżowcu”

Rzeźbiona kość. Tabakierka stołowa

„Na Tonym”, 1976. A.V. Leontiefa

Rzeźbiona kość.

N. Kililo.

niedźwiedzia rodzina

Artystyczna obróbka metali ma starożytne tradycje. Pojawienie się ośrodków obróbki metali artystycznych na danym obszarze wynikało z szeregu przyczyn historycznych, geograficznych i ekonomicznych.

Rosyjski czarny. Stopa. XVII wiek Zbrojownie

Poz. Mstyora.

Wazon z cukierkami.

Miedź, filigran, srebrzenie

Ceramika ludowa. Ceramika - różne przedmioty wykonane z wypalonej gliny. Robią je garncarze. Wszędzie tam, gdzie istniały naturalne zasoby gliny nadającej się do przetworzenia, mistrzowie garncarzy wykonywali miski, dzbany, naczynia, flaszki i inne przedmioty powszechnie używane w życiu codziennym przez ludzi o różnych kształtach i wystroju.

Ceramika Skopińskiego. Dzbanek.

Ostatnia ćwierć XIX wieku

Ceramika Gżel. W Gżelu w obwodzie moskiewskim od dawna istnieje produkcja wyrobów ceramicznych, którą zajmowała się prawie cała ludność lokalnych wiosek.

Już w XVII wieku. Rzemieślnicy z Gzhel słynęli z ceramiki, a glina, której używali, była wysokiej jakości.

W połowie XVIII wieku mistrzowie Gzhel zaczęli wytwarzać produkty techniką majoliki, malowanej na surowej emalii. Naczynia, kwas chlebowy, dzbanki ozdobiono eleganckim malowaniem w odcieniach zieleni, żółci i fioletu. Przedstawiały kwiaty, drzewa, architekturę, całe sceny fabularne.

Naczynia zdobiono także rzeźbą: warunkowo przeniesionymi postaciami ludzkimi, ptakami, zwierzętami. Rzeźba została wykonana osobno.

Ceramika. sztuczna inteligencja Rozżko.

Kwas na dwa ptaki Ceramika. Z.V. Okulova. Zestaw z czajnikiem

Tkanie koronkowe. Rosyjskie ręcznie tkane koronki znane są w historii naszego rzemiosła ludowego od końca XVIII w. Ręcznie robione koronki powstały i od razu przybrały kształt jako rzemiosło ludowe, nie przechodząc przez etap rzemiosła domowego. Koronki zachodnioeuropejskie zaczęły przenikać do Rosji w drugiej połowie XVII - początku XVIII wieku; służyła jako dekoracja ubiorów szlachty i właścicieli ziemskich. Wraz z upowszechnieniem się mody na koronki i ozdoby koronkowe, wielu szlachciców założyło warsztaty koronkarstwa pańszczyźnianego.Wczesne koronki, datowane na XVIII - pierwszą połowę XIX w., często wykonywano z nici złotych i srebrnych z dodatkiem pereł. .

Koronka Wołogdy

Koronka Yelets

Haft- jeden z najstarszych rodzajów sztuki użytkowej. Sztuka ta wywodzi się z czasów starożytnych i była przekazywana z pokolenia na pokolenie. Na przestrzeni wieków stopniowo rozwijał się tradycyjny krąg wzorów, natura barw, rozwinęły się liczne techniki haftu.

Haft ludowy wykonano bez rysunku wstępnego. Hafciarki znały swoje wzory na pamięć, przyswajały je i zapamiętywały, a także doskonaliły sam proces wykonania. Do dziś zachowały się główne tradycyjne wzory, charakterystyczne dla każdej miejscowości (69, s. 263-304).

Haft Mstyory

Haft Iwanowo Haft krzyżykowy

Lud oraz sztuka i rzemiosło stanowią integralną część kultury artystycznej. Dzieła sztuki użytkowej odzwierciedlają tradycje artystyczne narodu, światopogląd, światopogląd i doświadczenia artystyczne ludzi, zachowują pamięć historyczną.

Dziś jest oczywiste, że sztuka ludowa jest pełnoprawną i pełnoprawną częścią kultury artystycznej, a jeszcze kilkadziesiąt lat temu naukowcy musieli to udowodnić.

Sztuka ludowa rozwija się według własnych praw, określonych przez jej istotę, jako samodzielny rodzaj twórczości. wchodzi w interakcję inny rodzaj twórczości - sztuka profesjonalnych artystów.

Szczególnie ważne jest, aby pamiętać, że sztuka ludowa, jako część kultury duchowej, może być źródłem pomysłów i inspiracji dla profesjonalnych artystów. Malownicze płótna niezwykłych starych mistrzów A. Venetsianova, V. Vasnetsova, M. Vrubela, K. Petrova-Vodkina, V. Popova ucieleśniają ludowe wyobrażenia o świecie, wielkości człowieka i natury, wspólności tradycji starożytnej Rosji sztuka i sztuka ludowa.

Szereg współczesnych profesjonalnych artystów zajmujących się malarstwem, grafiką, tkaniną, tkaniem dywanów, obróbką artystyczną

szkło, ceramika, drewno, metal, sięgają także po sztukę ludową.

W szerokim znaczeniu sztuka ludowa (folklor) - jest tworzony przez ludzi w oparciu o zbiorowe doświadczenia twórcze, tradycje narodowe i poezję (legendy, baśnie, eposy), muzykę (pieśni, melodie, sztuki teatralne), teatr (dramat, teatr lalek, sztuki satyryczne), taniec, architektura, wizualna i dekoracyjna - sztuka użytkowa.

Dzieła sztuki ludowej mają wartość duchową i materialną, wyróżniają się pięknem i użytecznością. Mistrzowie sztuki ludowej i rzemiosła tworzą swoje dzieła z różnorodnych materiałów. Najczęściej spotykane są ceramika artystyczna, tkactwo, koronkarstwo, haft, malarstwo, rzeźba w drewnie lub kamieniu, kucie, odlewanie, grawerowanie, gonitwa itp. Możemy zastosować naczynia malowane, serwetki koronkowe, rzeźbione deski drewniane, ręczniki haftowane i inne prace sztuki ludowej w życiu codziennym.

Duże znaczenie w sztuce ludowej przywiązuje się do ornament, który zdobi przedmiot (rzecz) lub jest jego elementem konstrukcyjnym. Motyw: ozdoby mają starożytne korzenie mitologiczne.

W sztuce ludowej wyróżnia się dwa obszary: miejskie rzemiosło artystyczne I sztuki ludowej i rzemiosła. Jako przykład tradycyjnego rzemiosła artystycznego można wymienić: malowanie na drewnie Khokhloma, Gorodets, Północna Dźwina) i na porcelanie (Gżel), gliniane zabawki (Dymka, Kargopol, Filimonowo), lalki lęgowe (Siergijew Posad, Połchow – Majdan), tace (Zhostovo) , miniatury lakieru (Fedoskino, Palekh, Kholuy), szaliki (Pavlovsky Posad), rzeźbione drewniane zabawki (Siergiev Posad, Bogorodskoye), biżuteria (Kubachi) itp.

Sztuka ludowa żyje przez wieki. Umiejętności warsztatu technicznego i odnalezione obrazy przekazywane są z pokolenia na pokolenie, utrwalając się w pamięci twórców ludowych. Z tego powodu utrwalona od wieków tradycja odzwierciedla jedynie najlepsze osiągnięcia twórcze.

Sztuka dekoracyjna - jest to jeden z rodzajów sztuk plastycznych. Sztukę dekoracyjną dzielimy na związaną bezpośrednio z architekturą - sztuka monumentalna i dekoracyjna(witraże, mozaiki, murale na elewacjach i wnętrzach, ozdobna rzeźba ogrodowa i parkowa itp. sztuka i rzemiosło (produkty artystyczne gospodarstwa domowego)

Sztuka dekoracyjna jest w dużej mierze kojarzona z przemysłem artystycznym i projekt. Tworzy wraz z architekturą i designem materialne środowisko obiektowo-przestrzenne, wprowadzając do niego estetyczny, figuratywny początek. Ostatnio zaczęto przypisywać sztukę projektowania dizajnowi. Dzieła sztuki dekoracyjnej zawsze nawiązują do otoczenia, dla którego są przeznaczone i zazwyczaj stanowią ensemble.

Sztuka i rzemiosło - obszar sztuki dekoracyjnej: z budową wyrobów artystycznych, które mają praktyczne zastosowanie w życiu codziennym: i wyróżniają się dekoracyjnymi obrazami (naczynia, meble, tkaniny, ubrania, biżuteria, zabawki itp.). Wszystkie przedmioty otaczające osobę powinny być nie tylko wygodne, praktyczne, ale także piękne. Obiekt powinien być wyrazisty jako całość - pod względem projektu, proporcji, detali, a więc dekoracji. Malowanie dzbanka wzorami, dekorowanie deski do krojenia rzeźbami, robienie na drutach koronkowej serwetki, tkanie wzorów na tkaninie - wszystko to wymaga wielkich umiejętności. Prawdopodobnie takie produkty ozdobione ozdobami zalicza się również do sztuki dekoracyjnej i użytkowej, ponieważ aby stworzyć to niesamowite piękno, trzeba włożyć ręce. Korzyści i piękno są zawsze w pobliżu, gdy artyści zabierają się do pracy i z różnych materiałów (drewno, metal, szkło, glina, kamień, tkanina itp.) tworzą przedmioty gospodarstwa domowego, które są dziełami sztuki.

Kolejna dziedzina sztuki i rzemiosła związana jest z ozdabianiem samej osoby - stworzeniem artystycznie wykonanego kostiumu, który tworzy komplet wraz z nakryciem głowy, butami i biżuterią. Ale ostatnio kostium jest coraz częściej przypisywany do projektowania mody. Jednak wyroby dekoracyjne świadczą nie tylko o estetycznym guście i wyobraźni artysty. One, podobnie jak w dziełach innych rodzajów sztuki, odzwierciedlają materialne i duchowe zainteresowania ludzi. „I choć dziś przemysł artystyczny tworzy wytwory sztuki użytkowej, to w dużej mierze zachowują one cechy narodowe. Wszystko to pozwala powiedzieć, że w sztuka dekoracyjna określonej epoki historycznej, wyraźne są cechy jedności stylistycznej, na przykład okres gotyku, secesji, klasycyzmu itp.

Jak ustalić, czy dany produkt jest dziełem sztuki i rzemiosła? Czasami argumentują w ten sposób: jeśli wazon ma piękny kształt, ale nie jest niczym ozdobiony, to nie jest dziełem sztuki dekoracyjnej, ale jeśli nałożysz na niego jakiś wzór, natychmiast zamieni się w dzieło sztuki. To jest źle. Czasami ozdoby zdobiące wazon sprawiają, że jest to pozbawiona smaku podróbka, zamienia się w kicz. I odwrotnie, naczynie wykonane z czystej gliny lub drewna może być tak uderzające w swojej doskonałości, że uwidacznia się jego wartość artystyczna.

Jakie są podobieństwa i różnice pomiędzy dziełami sztuki i rzemiosła ludowego i zawodowego? Po czym poznać, że wazon lub dywan jest dziełem sztuki zdobniczej ludowej czy profesjonalnej?

Może poziom wykształcenia mistrza lub artysty będzie tu pomocny? Nie, to nie pomoże, choć powszechnie przyjmuje się, że mistrz ludowy nie ma specjalnego wykształcenia, ale artysta sztuki użytkowej musi koniecznie ukończyć specjalną placówkę edukacyjną. Jednak dziś istnieją wyspecjalizowane instytucje edukacyjne, które szkolą specjalistów dla takich ośrodków jak Gzhel, Fedoskino, Semenov itp.

Czasem, ze względu na sposób wykonania danej rzeczy, udział pracy ręcznej w tym procesie i masowy nakład, dzieła sztuki użytkowej próbuje się przypisać ludowej lub profesjonalnej sztuce zdobniczej. Jest to niezwykle trudne, gdyż czasami wyroby sztuki ludowej powstają w fabrykach, a czasami dzieła dekoracyjne profesjonalnych artystów powstają w jednym egzemplarzu.

Rzecz artystyczna dzisiaj, podobnie jak sto lat temu, rzemieślnik ludowy wykonuje głównie ręcznie. Jednocześnie mistrz może pracować zarówno samodzielnie, jak i w zespole, a także w zorganizowanych warsztatach, a nawet w fabrykach w ośrodkach tradycyjnej sztuki ludowej i rzemiosła. Z reguły dzieła sztuki i rzemiosła tworzone są przez artystów przedsiębiorstw lub warsztatów branży artystycznej. Biorą udział zarówno w produkcji przedmiotów dekoracyjnych produkowanych w masowym obiegu, jak i w tworzeniu indywidualnych egzemplarzy autorskich. Profesjonalni artyści w swojej twórczości mogą odwoływać się do wizerunków światowej kultury artystycznej, na swój sposób załamywać tradycje sztuki ludowej lub całkowicie kierować się wyłącznie swoją indywidualnością i wyobraźnią.

Prawdopodobnie najważniejszą rzeczą przy określaniu, jaką umiejętność noszenia tej czy innej rzeczy, jest określenie, w jakiej kompozycji artystycznej została ona stworzona, czy zaobserwowano oznaki typu obrazu określonej technologii przetwarzania materiału.

Twórczość rzemieślników ludowych i artystów użytkowych łączy przemyślaność form, celowość proporcji, stylistyczny układ wszystkich elementów.

Aby góra mogła poczuć i nauczyć się lepiej rozumieć to, co ogólne i wyjątkowe w każdym z nich, konieczna jest umiejętność analizy środków wyrazu obrazu artystycznego w folklorze i rzemiośle.

W tym kontekście jedną z najważniejszych jest kwestia związku fizyczności obrazowej w dziełach dekoracyjnych z tym, co w nich ulega przekształceniu. figuratywność czy plastyczność. Należy powiedzieć o złożonej interakcji plastiku i brzucha, która rozpoczęła się w sztuce dekoracyjnej. W niektórych produktach plastik niesie początek malowniczego - ceramika Skopinskaya, Kargopol, zabawki Dymkowo. Synteza części i całości jest obowiązkowa dla mistrza ludowego, niezależnie od tego, jak poszerza się jego paleta, niezależnie od tego, co dominuje – zasada obrazowa czy mentalna.

Wyrazistość linii, sylwetki, rytmu, koloru, proporcji, kształtu, przestrzeni w każdym z rodzajów sztuki zdobniczej w dużej mierze zależała od zastosowanych materiałów, technologii ich obróbki.

Związek formy z materiałem jest oczywisty. Plastyczność gliny, drewna, kruchość i przezroczystość szkła, wytrzymałość metalu pozwalają na tworzenie naczyń o różnych kształtach, o najlepszym rozwiązaniu artystycznym decydują właściwości materiału.

Rzemieślnik ludowy lub artysta rzemieślniczy stara się w swojej twórczości jak najlepiej ukazać właściwości estetyczne materiałów: drewna, tekstyliów, metalu, ceramiki, szkła, papieru, skóry, kamienia itp.

Dekoracyjność w ludowości i rzemiośle artystycznym jest głównym środkiem wyrażania piękna, jest jednocześnie cechą dzieł innych dziedzin sztuki.

Należy wziąć pod uwagę, że w każdym rodzaju sztuki obraz ma swoją własną strukturę, zdeterminowaną z jednej strony specyfiką wyrażania treści duchowych, a z drugiej strony technologicznym charakterem materiału w którym zawarta jest ta treść. Wizerunek artystyczny w ludowości i sztuce i rzemiośle ma obie cechy charakterystyczne.

Dekoracyjny obraz nie wyraża liczby pojedynczej, ale ogółu - „gatunku”, gatunku” (liść, kwiat, drzewo, ptak, koń itp.). Obraz dekoracyjny wymaga myślenia artystycznego i figuratywnego, mitologicznego i poetyckiego stosunku do rzeczywistości.

Dlatego w sztuce ludowej zwyczajowo wyróżnia się obrazy-rodzaje wyrobów tradycyjnej sztuki i rzemiosła, które odzwierciedlają mitologiczne i estetyczne idee ludzi. Na przykład wizerunek ptaka, konia, drzewa życia, kobiety, znaków-symboli ziemi, wody, słońca można zobaczyć w różnych materiałach artystycznych: hafcie, tkactwie, koronce, malowaniu na drewnie i metalu, drewnie rzeźba, ceramika itp. Trwałość i tradycyjność tych obrazów, ich archetypowość w dużej mierze decydują o wysokiej wartości artystycznej i estetycznej dzieł sztuki ludowej.

Jednocześnie uniwersalność typów obrazów w sztuce różnych narodów świata ukazuje ich jedność, związaną z wspólnością podejść do procesu estetycznego poznania zjawisk przyrodniczych i społecznych.

Obrazy w profesjonalnej sztuce dekoracyjnej odzwierciedlają także poglądy tych czy innych ludzi na temat piękna. Często powstają też w oparciu o motywy naturalne lub geometryczne, jednak tutaj dozwolona jest duża dowolność w interpretacji obrazów. Wątki historyczne lub motywy współczesnego życia są aktywnie wykorzystywane w dziełach sztuki użytkowej.

Rozważmy teraz podobieństwa i różnice w pojęciach „obrazu artystycznego”, „symbolu” i „znaku” na przykładzie dzieł ludowej sztuki zdobniczej. Najbardziej pojemne i wieloaspektowe będzie pojęcie „obrazu artystycznego”. W niektórych przypadkach symbol jest znakiem obdarzonym organiczną i niewyczerpaną dwuznacznością obrazu. W innych symbol nie jest równoznaczny z artystycznym

wizerunek, ale co najważniejsze, zawsze powinien mieć wartość artystyczną. Zatem obraz artystyczny nie zawsze ma znaczenie symboliczne, a symbol nie zawsze jest wyrazisty w przenośni. Obraz-znak z reguły nie ma żadnego znaczenia figuratywnego i symbolicznego, choć w sztuce ludowej bardzo często wszystkie znaki są symbolami, a czasem nawet obrazami.Takalna polisemia obrazów-symboli i znaków-symbolów w zdobnictwie ludowym prezentuje pewien trudność Na przykład ptak w malarstwie Gorodets lub w ceramice Gżel ma inną figuratywność.Jeśli mówimy o ptaku w ogóle, nie będzie to wizerunek konkretnego ptaka, a nawet wizerunek ptaka w tradycjach dowolne rzemiosło, ale obraz zbliżony do znaku. Jednocześnie symbol słońca może być dekoracyjnym wizerunkiem koguta. Z drugiej strony wiele symboli może mieć nie jedno, ale kilka znaczeń. Tak więc symbolem słońca może być nie tylko kogut, ale także koń. Taki system symboliczno-poetycki wywodzi się ze znaków-symboli, związanych z kultem bóstw naturalnych.

Analizując walory artystyczne konkretnego dzieła zdobnictwa ludowego lub zawodowego, należy zwrócić uwagę na jego rozwiązanie figuratywne, biorąc pod uwagę cechy materiału, wyrazistość formy i proporcji, kolorystykę, powiązanie pomiędzy ozdoby i kształtu produktu, walorów plastycznych, obrazowych lub graficznych rzeczy. Jednocześnie należy zauważyć, jak rytmiczne powtórzenia, cechy kompozycyjne konstrukcji ornamentu i ogólnie rzecz biorąc wpływają na jego figuratywne rozwiązanie.

Jeśli nauczysz się dobrze analizować obraz w którymkolwiek z systemów artystycznych, otworzą się najbogatsze możliwości ujawnienia powiązań środków artystycznych i ekspresyjnych.

Rzemiosło ludowe i zawodowe rozumiane jest jako sztuka służąca potrzebom człowieka i jednocześnie zaspokajająca jego potrzeby estetyczne, ożywiająca piękno.

Trzeba jednak mieć także świadomość znaczących różnic pomiędzy tymi formami sztuki. Sztuka ludowa, przekształcająca rzeczywistość, uznawana jest przez historyków sztuki współczesnej za szczególny rodzaj twórczości artystycznej, którego cechami charakterystycznymi są: zbiorowy początek i tradycje, stałość tematów i obrazów, uniwersalność języka zrozumiałego dla wszystkich narodów świata, powszechność wartości duchowych. Wszystkie te cechy sztuki zdeterminowane są holistycznym postrzeganiem świata.

Cechy te są w równym stopniu nieodłączne zarówno w sztuce i rzemiośle ludowym, jak i folklorze ustnym, muzycznym i poetyckim, zabawie, dramacie i innych formach sztuki ludowej.

Sztuka ludowa jest zjawiskiem holistycznym, ponieważ jej podstawą jest życie i życie ludzi, ich wyobrażenia o wszechświecie, aktywność zawodowa, rytuały i święta. Myślenie figuratywne ludzi materializuje się w przedmiotach sztuki ludowej. Na przestrzeni wieków w jedności rozwinęły się i udoskonaliły różne rodzaje sztuki ludowej: ustna sztuka ludowa, folklor muzyczny, sztuka i rzemiosło oraz architektura.

Wyniki działalności artystycznej i twórczej ludzi odzwierciedlają ich życie, poglądy, ideały, dlatego dzieła sztuki ludowej zawierają doświadczenie uczuć moralnych, wiedzy i zachowań. Unikalne i bogate treściowo doświadczenie nadaje sztuce ludowej wyjątkową wartość jako środka wychowania moralnego i estetycznego człowieka. Dlatego w tym kontekście stanowi tak ważny obszar życia społecznego, jak pedagogika ludowa. Wszechstronność sztuki ludowej pozwala uznać ją za ogromną siłę wpływającą na jednostkę i społeczeństwo.

Sztuka ludowa to przede wszystkim ogromny świat duchowych przeżyć człowieka, jej idee artystyczne stanowią integralną część kultury. Sztuka ludowa opiera się na twórczej aktywności ludzi, odzwierciedlającej ich samoświadomość i pamięć historyczną. Ogromną rolę edukacyjną pełni obcowanie ze sztuką ludową, z jej ideałami moralnymi i estetycznymi kształtowanymi na przestrzeni wieków. Atrakcyjność sztuki ludowej dla człowieka oraz wpływ na jego sferę intelektualną i emocjonalno-zmysłową otwierają ogromne możliwości wykorzystania wytworów tradycyjnej sztuki ludowej i rzemiosła w systemie edukacji.

Teoretyczne podstawy sztuki ludowej, jej istotę i znaczenie jako całości systemu artystycznego uzasadnili czołowi uczeni krajowi A.B. Bakushinsky, I.Ya Baguslavskaya, G.K. Wagner, V.S. Voronov, M.A.B. Rozhdestvenskaya, A.B. Saltykov i inni. W ich dziełach główne prawa rozwoju sztuki ludowej określono jako „zasadę zbiorową” i „narodowość”.

Jednym z pierwszych badaczy sztuki ludowej, który docenił wysoką wartość artystyczną i naukową sztuki „chłopskiej”, był W.S. Woronow. Tradycje artystyczne określił jako „styl ludowy”. Naukowiec wierzył, że tradycja jest zdolna do zmian, jest mobilna wewnętrznie i zewnętrznie.

Przez długi czas przez tradycyjny charakter sztuki ludowej rozumiano przede wszystkim starożytność jej obrazów, form i technik, trwałość ich zachowania i ciągłość rozwoju.

Autorzy współczesnych studiów z zakresu historii sztuki uważają tradycje za zjawisko dialektyczne kojarzone nie tylko z przeszłością, ale także teraźniejszością i przyszłością. W rozumieniu S.B. Rozhdestvenskiej tradycja jest skarbnicą wszystkiego, co doskonałe pod względem estetycznym, przekazywanym z pokolenia na pokolenie, zespołem środków wizualnych, które są jednocześnie stabilne i zmienne.

Kształtowanie się i rozwój ludowych tradycji artystycznych danej miejscowości odbywało się pod wpływem czynników przyrodniczo-geograficznych, kulturowych i społeczno-ekonomicznych.

M.A. Nekrasova uważa sztukę ludową za system twórczy, kulturowy i historyczny, który potwierdza się poprzez ciągłość tradycji, funkcji jako szczególny rodzaj twórczości artystycznej w zbiorowej działalności narodu. A każdy naród niesie ze sobą własną kulturę, tradycje poetyckie, figuratywne i rzemieślnicze. Ewoluowały na przestrzeni wieków i były udoskonalane przez wiele pokoleń ludzi. Tradycjami sztuki ludowej przekazuje się nie tylko rzemiosło, ale także obrazy, ukochane przez ludzi motywy, zasady i techniki artystyczne. Tradycje tworzą główne warstwy kultury sztuki ludowej - szkoły i jednocześnie decydują o szczególnej żywotności sztuki ludowej.

Nie sposób nie docenić siły tradycji dla rozwoju sztuki ludowej. M.A. Nekrasova słusznie uzasadnia w ten sposób artystyczne bogactwo obrazów, form, środków i technologii. Ona tylko tak myśli szczególnie charakterystyczne w systemach krajowych, w układach regionalnych, w systemach szkół sztuki ludowej może określić życie sztuki ludowej jako ośrodka kulturalnego, dopiero żywa tradycja ustępuje jej rozwojowi. Prawo Tradycji okazało się główną siłę rozwoju.

Tradycja niesiona przez wieki nie przeszkadza w manifestowaniu poczucia nowoczesności. W sztuce ludowej wyraża się to nie tyle w zewnętrznych znakach czasu, chociaż one oczywiście też mają miejsce, ale w umiejętności odpowiedzi na wymagania współczesności w tradycyjnej formie. Znajduje to odzwierciedlenie przede wszystkim w postrzeganiu świata, w idei piękna.

Bardzo ważne jest, aby sztuka ludowa, ze swoją metaforą i symboliką żyj kreatywnością i w tym samym czasie żywa pamięć historyczna, pamięć o początkach kultury. Przynosi doświadczenie poznania świata. Kluczem do jej zrozumienia jest integralność sztuki ludowej jako struktury artystycznej. tradycja w tym przypadku - metoda twórcza.

„Traktując tradycję jako żywą, musimy ją przede wszystkim rozumieć jako całościową relację ze światem. Dopiero wtedy sztuka ludowa ujawni się w pełnym zakresie jej znaczeń, treści ideowych i emocjonalno-estetycznych. Integralność nie oznacza jednak niezmienności sztuki ludowej.

Wizerunki oryginalnych motywów są stale przemyślane w sztuce ludowej nowy związek, dołączanie do nich nowych doświadczeń i pomysłów. Stąd właśnie bierze się jego różnorodność form. Jednak jednocześnie nie powinno zanikać to, co wyróżnia ten czy inny ośrodek sztuki ludowej w swojej charakterystyce narodowej i regionalnej; wręcz przeciwnie, okazuje się warunkiem koniecznym różnorodności artystycznej” – uważa M.A. Niekrasowa 1 .

Tradycja pojawia się w sztuce ludowej w formie systemu, dla którego istotne są następujące aspekty: związek człowieka z przyrodą, ekspresja narodowościowa, szkoła sztuki ludowej (narodowa, regionalna, regionalna, szkoła rzemiosła indywidualnego). ).

Najbardziej kompletna definicja pojęcia „Skoda” dał M.A. Niekrasow. Uważa, że ​​w tym pojęciu koniecznie mieści się ciągłość kulturowa, czyli sztuka ludowa – artystyczna y/nasza, ukształtowana przez tradycję. Zatem w sztuce ludowej szkołę postrzega się jako ustaloną przez ciągłość tradycji i umiejętności charakterystycznych dla rzemiosła, profesjonalnych technik i systemów artystycznych dla tego kierunku sztuki ludowej, a nie w znaczeniu miejsca kształcenia mistrzów.

Ciągłość tradycji kształtuje artystyczną kulturę ludową regionu, podtrzymuje wysoki profesjonalizm rzemiosła ludowego. To właśnie ta jakość pozwala wyróżnić cechy tej czy innej szkoły jako społeczności kreatywnej. Tylko szkoła jako ciągłość kulturowa, zdeterminowana istnieniem tradycji, jest w stanie zapewnić taką bazę artystyczną, która ożywia sztukę ludową w czasie, pozwala na rozwój rzemiosła artystycznego.

Główną osobą w sztuce i rzemiośle jest mistrz ludowy, szczególna osobowość twórcza, duchowo związana z ludźmi, kulturą, naturą kralu, nosiciel tradycji i zbiorowego doświadczenia.

„W każdym dotknięciu rąk mistrza stworzonej jaskini narasta poczucie piękna, organiczne w wewnętrznej strukturze ludzkiej percepcji. W sztuce ludowej wyraża się narodowy temperament i charakter narodowy. To one w dużej mierze determinują różnorodność form sztuki ludowej.

W sztuce ludowej umiejętności artystyczne, umiejętności techniczne, metody pracy i motywy przekazywane są z mistrza na ucznia. System artystyczny jest opracowywany wspólnie.”

Po ich opanowaniu uczniowie mają możliwość urozmaicenia swoich ulubionych motywów malarskich. I dopiero na podstawie zdobytych doświadczeń przechodzą do improwizacji na podstawie obrazu, komponując własne kompozycje. Jeśli każdy bezbłędnie przejdzie przez etap powtórzeń i wariacji, to na poziomie improwizacji dopuszczeni zostaną jedynie najzdolniejsi uczniowie, którzy mogą stać się prawdziwymi mistrzami w swoim rzemiośle.

Dzieła ludowej i profesjonalnej sztuki zdobniczej zdobią i przemieniają życie.

3. Kompozycja w folklorze i rzemiośle artystycznym

Kompozycję jako istotny stosunek części dzieła sztuki w sztuce ludowej, zdobniczej i użytkowej można budować według różnych schematów. Konwencjonalnie wyróżnia się następujące aktywne elementy kompozycji dekoracyjnej: kolor, ornament, fabuła (motyw), planarne lub wolumetryczne rozwiązanie plastyczne.

Aby zrozumieć wzorce kompozycyjne, należy postrzegać obraz dzieła artystycznego lub kompozycji przestrzenno-objętościowej jako całości.

Kolor (jeden ze środków wyrazu w ludowości i rzemiośle) uważany jest za najważniejszy element dekoracyjnego obrazu. Nie jest ona powiązana ze specyficznymi cechami przedstawianego obiektu czy zjawiska. Każdy ośrodek sztuki ludowej tworzy własne rozwiązania kolorystyczne dla przedmiotów artystycznych, związane z tradycyjną technologią obróbki materiałów, zachowaniem archetypów i innymi warunkami zbiorowej twórczości. Osiągnięcie wyrazistości w pracach dekoracyjnych wiąże się z kontrastami tonów i kolorów.

W twórczości dekoracyjnej artyści dbają również o harmonijne relacje kolorów, a rzeczywiste kolory przedmiotów można zastąpić symbolicznymi. Jedność kolorystyczną wszystkich elementów ozdoby osiąga się za pomocą kontrastów lub niuansów kolorystycznych. Przy wyborze relacji kolorystycznych w pracach dekoracyjnych bierze się pod uwagę wielkość części rysunku, ich rytmiczne rozmieszczenie, przeznaczenie rzeczy i materiał, z którego jest wykonana.

Ozdoba jako element dekoracyjnego wizerunku rzeczy odgrywa bardzo ważną rolę w kształtowaniu jej wyglądu. Jedno i to samo naczynie, ozdobione różnymi zdobieniami, za każdym razem zyskuje nowy obraz, a co za tym idzie inną wyrazistość. Duże znaczenie ma lokalizacja ozdoby i

tylko cienki pasek, w innym przypadku można ozdobić całą jego powierzchnię. Ozdabiając przedmiot, należy wziąć pod uwagę związek między zdobnictwem a kształtem przedmiotu. Duży kwiat i ten sam mały kwiatek zdobią filiżankę w zupełnie inny sposób.

Ceramiczne naczynia, metalowe tace czy pudełka z masy papierowej zdobione są nie tylko ozdobami, ale także rysunkami fabularnymi. Zwykle wykonuje się je bez względu na perspektywę, ponieważ rysunki powinny podkreślać płaszczyznę, a nie pokazywać głębię.

W rzeźbie dekoracyjnej lub na naczyniach ceramicznych temat i fabułę można wyrazić na różne sposoby. Na przykład w ceramice Gżel scena picia herbaty jest przedstawiona na naczyniach lub uformowana z małego plastiku. A naczynie można łatwo zamienić w bestię lub w ptaka.

Tematyczna kompozycja dekoracyjna ma swoje własne wzory, swój własny język artystyczny. Ona, jak każde dzieło sztuki, opowiada o ludziach, rzeczach i wydarzeniach. Ale jednocześnie opowieść malarska podporządkowana jest celom dekoracyjnym, z reguły służy do dekoracji przedmiotu. Dlatego kompozycja dekoracyjna jest również powiązana z ozdobą. Jego możliwości jest niezliczona ilość w zależności od konkretnych zadań, a możliwości artystyczne można poszerzać stosując różnorodne materiały i techniki, zmieniając przeznaczenie i skalę obrazu.

Temat kompozycji dekoracyjnej można wyrazić w sposób zasadniczo odróżniający ją od kompozycji obrazu. Relacje przestrzenne natury rzeczywistej mogą być całkowicie nieobecne. Obraz krajobrazu może nie rozwijać się w głębi, ale w górę, w takim przypadku odległe plany są umieszczane nad bliskimi.

Dekoracyjna kompozycja tematyczna to szczególny świat artystyczny, posiadający swój własny warunkowy porządek, a czasem także własną architekturę i specyficzne, łatwo rozpoznawalne postacie, które odnoszą się do siebie w zupełnie inny sposób niż w rzeczywistości.

Często obraz łączy się z ornamentem i nabiera charakteru niemal ozdobnego, jakby „rozpływał się” po płaszczyźnie, co wynika z uogólnienia form, warunkowej charakterystyki kolorystycznej. Przy całej oryginalności obrazu dekoracyjnego wcale nie wyklucza on narracji, nie jest pozbawiony możliwości poprowadzenia zabawnej historii. Nawet ilustracje książkowe można wykonać dekoracyjnie.

W kompozycji dekoracyjnej wyrazistość sylwetki, graficzne piękno konturów i linii postaci nabierają szczególnej roli, bardzo ważne jest znalezienie prawidłowego proporcji kolorów i tonów postaci oraz tła kompozycji, ponieważ są ważne w stylizacji.

Główne schematy kompozycyjne i wzory kompozycji dekoracyjnej są takie same, jak przy budowaniu obrazu (okrąg, trójkąt, kwadrat, owal itp.). Kompozycja jest symetryczna i asymetryczna, otwarta i zamknięta. Szybki ruch może przekazać kompozycję ułożoną po przekątnej. Każdy z wymienionych środków wyrazu w kompozycji dekoracyjnej ma swoją oryginalność.

Rytm jest jednym z głównych środków artystycznej ekspresji kompozycji dekoracyjnej. Wyraźna, rytmiczna organizacja kształtów, linii, plam barwnych, relacji tonalnych jest kluczem do konstruowania dekoracyjnych obrazów i wzorów.

Organiczną właściwością dekoracyjnej kompozycji tematycznej jest dekoracyjne przekształcenie dowolnej natury, identyfikacja elegancji, barwności, wzornictwa otaczającego świata, zachowanie pewnej miary konwencjonalności obrazu. Umiejętne uogólnianie formy w najmniejszym stopniu nie szkodzi wyrazistości. Odrzucenie detali wtórnych sprawia, że ​​detale główne stają się bardziej zauważalne, sprawiają, że brzmią z pełną mocą.

Temat kompozycji dekoracyjnej można uogólnić niemal do symbolu i mieć odpowiednie rozwiązanie artystyczne. Tematyczną kompozycję dekoracyjną można porównać do ozdoby, w której potrzeba łączenia elementów jest oczywista i to nie tylko tam, gdzie występuje powtarzalność motywów, ale także we wzorze swobodnie wypełniającym płaszczyznę.

Przyjrzyjmy się bliżej problemowi koloru. Główną cechą odróżniającą obraz dekoracyjny od realistycznego jest to, że kolor obiektu można nadać bez uwzględnienia światła i cienia, a nawet możliwe jest całkowite odrzucenie koloru obiektu w naturze. Najważniejsze jest stworzenie artystycznego obrazu za pomocą koloru.

Ale nie należy spieszyć się z porzuceniem prawdziwego koloru, można go przyjąć za podstawę, zwłaszcza że w naturze na przykład jabłko może być żółte, czerwone i zielone. Jednocześnie nawet jeden kolor może być jasny i ciemny, ciepły i zimny oraz zawierać wiele odcieni.

W kompozycji dekoracyjnej prawo integralności odgrywa bardzo ważną rolę. Nie wyklucza to możliwości łączenia w jednej pracy obrazów sylwetkowych i trójwymiarowych, wykorzystując obrazy uogólnione i szczegółowe, ponieważ jeden lepiej się wyróżnia, kontrastując z drugim. Jednocześnie nie należy zapominać o równowadze części, którą można osiągnąć, odrzucając drobiazgi, wzmacniając najważniejsze, łącząc wszystko światłem lub kolorem itp.

Ponadto techniki kompozycyjne w folklorze i rzemiośle artystycznym mogą podkreślać objętość lub płaskość zdobionego przedmiotu, wtedy umiejscowienie i charakter dekoracji oraz detali zostaną podporządkowane temu celowi. Wyrazistość trójwymiarowej kompozycji jako całości osiąga się w dużej mierze poprzez kompozycyjny układ jej części. Na przykład dekoracyjne kompozycje mozaikowe Z. Tsereteli, wykonane dla zespołu sanatoryjnego w Adler, charakteryzują się różnorodną sylwetką, swobodnie rozproszonymi formami. Niektóre z nich płynnie przechodzą w siebie, inne natomiast zachowują swoją strukturę.

Zabawne formy i rzeźby na dziedzińcach budynków mieszkalnych wyróżniają się szczególną różnorodnością technik kompozycyjnych.

Analizę cech kompozycyjnych dzieł sztuki ludowej, dekoracyjnej i użytkowej przeprowadza się z uwzględnieniem ogólnych praw sztuk plastycznych: od analizy ogólnej formy przechodzą one do oceny rozmieszczenia części, a następnie ponownie do ogólnej wyrazistości obiektu.

4. Sztuka ozdobna

Ozdoba jest najważniejszą częścią ludowości oraz sztuki i rzemiosła. Służy do ozdabiania budynków, odzieży, przedmiotów gospodarstwa domowego (przyborów, mebli, narzędzi itp.), broni, ma szerokie zastosowanie w grafice książkowej i użytkowej, plakatach itp. Ozdobę można narysować materiałem graficznym i pomalować farbami, haftowane lub tkane z nici, rzeźbione w drewnie lub wytłoczone na metalu itp. Ozdoba może stać się rzeczą, jeśli jest tkana w formie koronki (serwetka, kołnierzyk, obrus itp.), Mat lub kuta z metalu (lampa, seter, płot, brama itp.). Ozdoba może być wielokolorowa (polichromować) i monochromatyczne (monochromia), wykonane na powierzchni przedmiotu wypukłe, wytłoczone lub odwrotnie pogłębione. Ogólne cechy stylistyczne sztuki zdobniczej są określone przez cechy i tradycje kultury wizualnej każdego narodu, mają pewną stabilność w długim okresie historycznym i mają wyraźny charakter narodowy. Można zatem powiedzieć, że ozdoba jest stylem epoki, niezawodnym znakiem, że dzieło należy do określonego czasu i określonego kraju. (gotyk, barok, secesja itd.).

Przez wiele stuleci ludzie wierzyli w ochronną moc ozdoby, wierzyli, że chroni ona przed kłopotami oraz przynosi szczęście i dobrobyt. Stopniowo funkcja amuletu została utracona, ale główne zadanie ozdoby zostało zachowane - uczynienie przedmiotu bardziej eleganckim i atrakcyjnym, wyrazistym artystycznie.

Właściwości ozdoby zależą od przeznaczenia, kształtu, konstrukcji i materiału, z jakiego wykonana jest rzecz. Ozdoba pomaga podkreślić cechy plastyczne i konstrukcyjne przedmiotu, uwydatnić jego rozwiązanie figuratywne i lepiej ujawnić naturalne piękno materiału. Wszystko to jest możliwe pod warunkiem harmonijnego połączenia ozdoby i kształtu przedmiotu.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa to obszerna dziedzina sztuki, obejmująca różne obszary działalności artystycznej i skupiająca się na tworzeniu przedmiotów użytkowych. Poziom estetyczny takich prac jest z reguły dość wysoki. Określenie zbiorcze łączy w sobie dwa rodzaje sztuki – użytkową i dekoracyjną. Pierwsza nosi ślady praktycznego zastosowania, druga przeznaczona jest do dekoracji otoczenia człowieka.

Kreatywność i użyteczność

Sztuka użytkowa – co to jest? Przede wszystkim są to przedmioty, których cechy są bliskie stylowi artystycznemu, a ich przeznaczenie jest dość zróżnicowane. Wazony, dzbanki, naczynia czy komplety wykonane ze szlachetnej porcelany, a także wiele innych przedmiotów zdobią salony, zestawy kuchenne, sypialnie i pokoje dziecięce. Niektóre przedmioty mogą być prawdziwymi dziełami sztuki, a mimo to należeć do kategorii sztuki użytkowej.

Szeroki zakres działalności

Sztuka użytkowa – czym jest z punktu widzenia mistrza? Pracochłonny proces twórczy czy proste rękodzieło wykonane z improwizowanych materiałów? dzieło sztuki zasługujące na najwyższą pochwałę. Utylitarne przeznaczenie produktu nie umniejsza jego zalet. Sztuka dekoracyjna i użytkowa to szerokie pole działania artystów i rzeźbiarzy, projektantów i stylistów. Szczególnie cenione są ekskluzywne dzieła sztuki powstałe w jednym egzemplarzu. Jednocześnie produkty produkowane masowo zaliczane są do pamiątek.

Dekoracje w domu

Sztuka dekoracyjna i użytkowa – czym jest, jeśli uznamy ją za element estetycznego wypełnienia domowego otoczenia? Można śmiało powiedzieć, że wszystkie znajdujące się wokół produkty i przedmioty odzwierciedlają gusta bliskich im osób, gdyż człowiek stara się otaczać pięknymi rzeczami. Sztuka dekoracyjna i użytkowa umożliwia dekorację mieszkań, przestrzeni biurowych, terenów rekreacyjnych. Szczególną uwagę przywiązuje się do projektowania pokoi dla dzieci.

I wreszcie sztuka użytkowa – czym jest w rozumieniu społeczeństwa? Są to wystawy, wernisaże, jarmarki i wiele innych wydarzeń publicznych, które przybliżają ludziom kulturę. Sztuki piękne i rzemiosło podnoszą poziom rozwoju człowieka, przyczyniają się do kształtowania jego gustu estetycznego. Ponadto zwiedzanie ekspozycji poszerza ogólne horyzonty. Każda wystawa sztuki użytkowej jest zapoznaniem opinii publicznej z nowymi osiągnięciami w dziedzinie twórczości artystycznej. Wydarzenia tego typu mają szczególne znaczenie w edukacji młodszego pokolenia.

Trochę historii

Sztuka ludowa i rzemiosło wywodzą się z rosyjskich wsi. Proste rękodzieło wykonane przez rodzimych rzemieślników często klasyfikowane jest jako produkty w kategorii „sztuka i rzemiosło ludowe”. Dobrym przykładem stylu folklorystycznego są tzw. malowane koguty, figurki, ozdoby z czerwonej gliny.

Rybołówstwo ma swoje korzenie w przeszłości, ma ponad czterysta lat. Starożytna sztuka użytkowa pojawiła się dzięki świętu narodowemu „Gwizdek”, kiedy cała populacja kobiet wyrzeźbiła na ten dzień gliniane gwizdki w postaci kurczaków, jagniąt, koni. Impreza trwała dwa dni.

Z biegiem czasu święto straciło na znaczeniu, a sztuka ludowa i rzemiosło nadal się rozwijały. Obecnie produkty artystyczne Dymkowa są replikowane w stowarzyszeniu produkcyjnym Vyatka Toy. Produkty są tradycyjnie pokrywane bieleniem i malowane na jasne, bogate kolory.

sztuki piękne

Wyroby sztuki ludowej w swojej oryginalnej formie z reguły stają się podstawą bajkowych postaci wymyślonych przez mieszkańców rosyjskich wiosek, prezentowane są w słynnych szkatułkach Palech, tacach Zhostovo i drewnianych wyrobach Khokhloma. Sztuka użytkowa Rosji jest różnorodna, każdy kierunek jest interesujący na swój sposób, produkty rosyjskich mistrzów cieszą się dużym zainteresowaniem wśród zagranicznych kolekcjonerów.

„Popyt rodzi podaż” – to sformułowanie doskonale oddaje stan rzeczy w dziedzinie rzemiosła ludowego w Rosji. Na przykład produkty artystyczne w stylu Gzhel są popularne na całym świecie od kilku stuleci. Słynne biało-niebieskie wazony, talerze i czarki są pożądane w każdym domu, a szczególnie cenne okazy są ozdobą kolekcjonerów. Wciąż nie jest jasne, czym jest sztuka stosowana – dziełem, rzemiosłem czy twórczością artystyczną. Tak naprawdę każdy produkt wymaga pewnego wysiłku, aby go stworzyć, a jednocześnie konieczne jest nadanie wizerunkowi walorów artystycznych.

Sztuka użytkowa w pokoju dziecięcym

W niektórych przypadkach temat twórczości artystycznej można skierować do młodszego pokolenia. Szczególnie cenne są produkty wykonane rękami dzieci. Spontaniczność właściwa chłopcom i dziewczętom w wieku przedszkolnym, naiwna fantazja połączona z chęcią wyrażenia najskrytszych uczuć dają początek prawdziwym arcydziełom. Twórczość dziecięca, reprezentowana przez rysunki, figurki z plasteliny, kartonowych ludzików, to najbardziej prawdziwa twórczość artystyczna. Dziś w całej Rosji odbywają się konkursy, w których biorą udział mali „artyści” i „rzeźbiarze”.

Współczesna rosyjska sztuka użytkowa

Twórczością artystyczną są także fotografie, dagerotypy, ryciny, ryciny, grafiki i wiele innych przykładów. Produkty mogą być bardzo różne. Jednocześnie łączy je przynależność do życia społecznego i kulturalnego pod wspólną nazwą – sztuka dekoracyjna i użytkowa. Dzieła z tego zakresu wyróżniają się szczególnym folklorystycznym stylem. Nie bez powodu wszystkie rzemiosła artystyczne powstały na zapleczu Rosji, we wsiach i wioskach. Istnieje wrodzona bezpretensjonalność i całkowity brak tej pretensjonalności, którą czasami można znaleźć w dziełach sztuki w produktach. Jednocześnie poziom artystyczny sztuki ludowej jest dość wysoki.

W Rosji sztuka i rzemiosło stanowią część potęgi gospodarczej kraju. Poniżej znajduje się lista głównych dziedzin rzemiosła sztuki ludowej, które zyskały uznanie na całym świecie i są eksportowane w ilościach przemysłowych.

1. Miniatury lakierowe na podstawie drewnianej (Palekh, Mstyora, Fedoskino).
2. Malarstwo artystyczne Zhostovo na metalu, emalia Limoges, emalia.
3. Khokhloma, Gorodets, Mezen malarstwo artystyczne na drewnie.
4. Gżel, zabawka Filimonowo, zabawka Dymkowo - malarstwo artystyczne na ceramice.

Palech

Rzemiosło ludowe Palech pojawiło się na rosyjskich otwartych przestrzeniach na początku XX wieku. Sztuka rysowania laki narodziła się w małej wiosce w obwodzie iwanowskim zwanej Palech. Rzemiosło było kontynuacją sztuki malowania ikon, której korzenie sięgają czasów przed Piotrowych. Później mistrzowie Palecha brali udział w malowaniu Kremla Moskiewskiego, Klasztoru Nowodziewiczy, katedr Ławry Trójcy-Sergiusza.

Rewolucja 1917 r. zniosła malowanie ikon, artyści zostali bez pracy. W 1918 roku rzemieślnicy utworzyli artel artystyczny Palekh, w którym malowano drewniane rękodzieło. Następnie rzemieślnicy nauczyli się tworzyć pudełka z masy papierowej i malować je w stylu miniaturowym, stosując tradycyjne techniki malowania ikon.

W 1923 roku miniatury lakowe zostały zaprezentowane na Ogólnorosyjskiej Wystawie Rolniczo-Przemysłowej, gdzie otrzymały dyplom II stopnia. A dwa lata później trumny Palech zostały wystawione w Paryżu na Wystawie Światowej.

Sukces niezwykłych wyrobów artystycznych stał się bodźcem do utworzenia organizacji „Związek Artystów Palech” i „Warsztaty Artystyczne Palech” w ramach Funduszu Sztuki ZSRR.

Fedoskino

Słowo to kojarzone jest z rosyjskim malarstwem lakowym za pomocą rzemiosła, które pojawiło się we wsi Fedoskino pod Moskwą w drugiej połowie XVIII wieku. Rysunek naniesiono na wyroby z papieru-mache, a następnie lakierowano w kilku warstwach.

Początki sztuki miniatury Fedoskino dał rosyjski kupiec P. I. Korobov, który odwiedził niemieckie miasto Brunszwik i przyjął tam technologie tworzenia tabakier, koralików, szkatułek i innych przedmiotów ozdobionych malowniczymi obrazami.

Miniatura lakieru Fedoskino malowana jest farbami olejnymi w czterech etapach: najpierw wykonywany jest szkic rysunku („malowanie”), następnie szczegółowe studium („przemalowanie”), szkliwienie - powlekanie farbami przezroczystymi, ostatni proces - olśnienie , który przekazuje światła i cienie na obrazie.

Technika rysowania Fedoskino polega na zastosowaniu zabarwionej warstwy składników odblaskowych: proszku metalu lub płatka złota. W niektórych przypadkach mistrz może wykonać podszewkę z masy perłowej. Transparentne farby glazurowe wraz z okładziną tworzą niepowtarzalny efekt głębokiego blasku. Warstwa atramentu podkreślona jest czarnym tłem.

Mstyora

Tak nazywało się rosyjskie rzemiosło ludowe, które pojawiło się w połowie XVIII wieku na prowincji Włodzimierz. Wszystko zaczęło się od „drobnych liter” – miniaturowych ikonek z najdrobniejszymi szczegółami. Po rewolucji 1917 r., kiedy nie było potrzeby malowania ikon, mstyora przestawiła się na szkatułki i pudełka wykonane z papier-mache. Wzór nałożono wymieszany na żółtkach jaj. W połowie XX wieku ostatecznie ukształtowały się technologie miniatury lakieru mstyora.

Podstawowe zasady rysowania obrazu polegają na przeniesieniu ogólnych konturów z kalki na powierzchnię produktu, następnie następuje „otwarcie”, czyli narysowanie samego obrazu. Następnym krokiem jest szczegółowe malowanie. I wreszcie „stopienie” – ostateczna koloryzacja z połyskiem, w skład której wchodzi utworzone złoto (najmniejszy proszek złota). Gotowy produkt pokrywany jest lakierem bezbarwnym w sześciu warstwach z pośrednim suszeniem, a następnie polerowany.

Charakterystycznymi cechami malarstwa Mstyory są dekoracje dywanowe, wyrafinowana gra odcieni i trzy kolory stosowane w kolorystyce: żółta ochra, czerwień i srebrno-niebieski. Tematyka rysunku jest klasyczna: bajki, zabytki, architektura.

Zhostowo

Rzemiosło ludowe Zhostova to metalowe tace pomalowane w specjalnym stylu. Sztuka Zhostovo narodziła się na początku XIX wieku we wsiach Trójcy Wolost w obwodzie moskiewskim. Mieszkańcy trzech wsi (Ostaszkowo, Zhostovo i Chlebnikowo) rozpoczęli wytwarzanie przedmiotów malowanych z masy papierowej. A w warsztacie braci Wiszniakowów zaczęto robić tace z cyny z kolorowym wzorem.

Cennik Wiszniakowów zawierał dwadzieścia różnych przedmiotów wykonanych z metalu i papieru-mache, wszystkie malowane, kolorowo zaprojektowane i cieszące się dużym zainteresowaniem na jarmarkach, a malowana taca była zawsze na pierwszym planie.

Malarstwo Zhostovo to motyw kwiatowy w kilku wersjach: bukiet ogrodowy, przypadkowe kwiaty, girlanda, wianek wiklinowy. Odrębną kompozycję stanowiły rośliny polowe.

Bukiety na tacy wyglądają naturalnie dzięki dokładnemu przestudiowaniu drobnych szczegółów. W tym przypadku paleta kolorów jest używana tak nasycona, jak to możliwe. Tło z reguły jest czarne, krawędzie tacy ozdobione są ażurowymi zdobieniami, roślinnymi lub stylizowanymi na strukturę drewna. Taca Zhostovo jest zawsze malowana ręcznie i stanowi ekskluzywne dzieło sztuki.

Khokhloma

Nazwę tę nadano rosyjskiemu rzemiosłu ludowemu, którego początki sięgają początków XVII wieku. Malowanie Khokhloma jest najbardziej złożoną i kosztowną ze wszystkich obecnie istniejących technik. Artystyczna sztuka użytkowa to długi proces twórczy związany z obróbką drewna, wielowarstwowym gruntowaniem i malowaniem farbami olejnymi.

Proces wytwarzania produktów Khokhloma rozpoczyna się od półfabrykatów. Najpierw rzemieślnicy, czyli siekają drewniane pręty siekierą. Następnie detale poddawane są obróbce na maszynach do pożądanego rozmiaru i kształtu. Przetworzone półfabrykaty nazywane są „lnem”. Po zmieleniu pokrywa się je specjalną płynną glinką i suszy. Następnie już zagruntowane detale pokrywa się kilkoma warstwami oleju lnianego z pośrednim suszeniem. Następnie następuje cynowanie, czyli wcieranie w powierzchnię proszku aluminiowego, po czym produkt uzyskuje kolor biało-lustrzany. Na tym etapie jest już gotowy do malowania.

Główne kolory Khokhloma to czarny i czerwony (sadza i cynober), kolory pomocnicze to złoty, brązowy, jasnozielony i żółty. W tym przypadku stosuje się bardzo cienkie pędzle (wykonane wyłącznie z ogonów wiewiórki), ponieważ pociągnięcia wykonuje się ledwo zauważalnym dotykiem.

Tematyką obrazu są jagody jarzębiny, kalina, truskawki, małe liście, cienkie, lekko zakrzywione zielone łodygi. Wszystko jest narysowane jasnymi, intensywnymi kolorami, kontury są wyraźnie zaznaczone. Obraz zbudowany jest na zasadzie kontrastu.

Gżel

To najpopularniejsze rzemiosło ludowe, tradycyjne rosyjskie centrum produkcji ceramiki artystycznej. Zajmuje rozległy region, składający się z 27 wsi pod ogólną nazwą Gzhel Bush, 60 kilometrów od Moskwy.

Od niepamiętnych czasów miejsca Gżel słynęły ze złóż wysokiej jakości gliny nadającej się na naczynia aptekarskie. W 1770 r. Ziemie volost Gżel zostały przydzielone Zakonowi Farmaceutycznemu. W tym samym czasie we wsiach Gżel uruchomiono dla Moskwy produkcję cegieł, fajek ceramicznych, kafli piecowych i zabawek dla dzieci.

Naczynia wykonane z gliny Gzhel były szczególnie dobre, lekkie i trwałe. Na początku XIX w. w parafii istniało 25 fabryk produkujących zastawę stołową. Bliskość Moskwy pobudziła rozwój produkcji wyrobów glinianych, na stołecznych targach sprzedawano niezliczoną ilość misek, talerzy, naczyń i innych przyborów kuchennych.

Zabawki Gzhel w tamtym czasie były robione z odpadów. Nieważne, ile gliny pozostało, całą z niej wykorzystano do modelowania kogutów, kur, jagniąt i kóz. Początkowo warsztaty rzemieślnicze działały chaotycznie, ale wkrótce zarysowała się pewna linia produkcyjna. Zaczęto zbierać surowce specjalnie na pamiątki, rzemieślnicy specjalizowali się także w profilu najbardziej poszukiwanych produktów.

Białe błyszczące konie i figurki malowano na różne kolory, aż pojawił się kobalt, uniwersalna farba. Intensywny, jasnoniebieski kolor najlepiej komponuje się ze śnieżnobiałą emalią detalu. W latach 50. ubiegłego wieku artyści całkowicie porzucili wszelkie inne kolory i zaczęli stosować koloryzację szkliwionego błękitu kobaltu. Jednocześnie motywy rysunku mogą być bardzo różne, na dowolny temat.

Inne rzemiosło

Asortyment rosyjskiego rzemiosła ludowego jest niezwykle szeroki. Oto artystyczny odlew i tłoczenie Kasli z przeplatanymi elementami. Technologie intarsji i intarsji pozwalają na tworzenie wspaniałych obrazów i paneli. Rosyjska sztuka użytkowa to rozległa warstwa kulturowa kraju, własność społeczeństwa.

Obejmuje różne gałęzie działalności twórczej, których celem jest tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorczy warunkowo łączy dwa szerokie typy sztuk: dekoracyjny I stosowany. W odróżnieniu od dzieł sztuki, przeznaczonych dla przyjemności estetycznych i z nimi związanych czysta sztuka, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany z myślą o efekcie artystycznym; służą do rejestracji życia i wnętrza. Takimi dziełami są: tkaniny odzieżowe i dekoracyjne, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
Od drugiej połowy XIX w. w literaturze naukowej utrwaliła się klasyfikacja dziedzin sztuki i rzemiosła. według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania (rzeźba, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, gonitwa itp.) oraz według cech funkcjonalnych użytkowanie przedmiotu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

„Trillaż”, projekt tapety (1862)

Rodzaje rzemiosła artystycznego[ | ]

• Aplikacja - sposób na uzyskanie obrazu; technika plastyczna i rzemieślnicza.
• Filcowanie to tworzenie rzeźb, akcesoriów i kompozycji z naturalnej wełny. W zależności od zastosowanej techniki rozróżnia się filcowanie na sucho i na mokro. Technika ta opiera się na wyjątkowej właściwości wełny polegającej na odpadaniu – tworząc filc.
• Haft to sztuka ozdabiania wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnorodnymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak tkanina, płótno, skóra, po najlepsze tkaniny - batyst, muślin, gaz, tiul i tak dalej. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.
• Dziewiarstwo to proces wytwarzania produktów z ciągłych nici poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie lub na specjalnej maszynie.
• Szycie to tworzenie ściegów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki wędkarskiej i tym podobnych. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, której początki sięgają epoki kamienia.
• Tkactwo to produkcja tkanin na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł człowieka.
• Tkanie dywanów - produkcja dywanów.
• Spalanie - wzór nanosi się na powierzchnię materiału organicznego za pomocą gorącej igły.
• - jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
• Malowidła ze słomy.
• Witraż to dzieło sztuki zdobniczej o charakterze malarskim lub zdobniczym, wykonane z kolorowego szkła, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej konstrukcji architektonicznej lub wnętrzu.
• Decoupage to technika zdobnicza tkanin, naczyń, mebli i innych rzeczy, która polega na skrupulatnym wycinaniu z papieru obrazów, które następnie przykleja się lub w inny sposób mocuje do różnych powierzchni w celu dekoracji.
• Modelowanie, rzeźba, - kształtowanie tworzywa sztucznego za pomocą rąk i narzędzi pomocniczych.
• Mozaika - tworzenie obrazu poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
• Tkanie to metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
• Rękodzieło z zapałek i patyków.
• Obraz:
• Scrapbooking - projektowanie albumów fotograficznych.
• Artystyczna obróbka skór – wytwarzanie różnorodnych przedmiotów ze skóry, zarówno do użytku domowego, jak i do celów dekoracyjno-artystycznych.
• Topiary - sztuka tworzenia ozdobnych drzewek (stołowych i podłogowych) z naturalnego materiału i sztucznych dekoracji.