AHRR – Związek Artystów Rosji Rewolucyjnej od 1928 r. - AHRR – Związek Artystów Rewolucji Największa grupa artystyczna lat dwudziestych XX wieku, obejmująca malarzy, grafików, rzeźbiarzy. Założona w 1922 r., rozwiązana w 1932 r.
AHRR została założona w Moskwie w maju 1922 roku. Impulsem do jego powstania było przemówienie Pawła Radimowa, ostatniego szefa Partnerstwa Wędrowców, na ostatniej, 47. wystawie tego partnerstwa, zorganizowanej w 1922 roku w Domu Pracowników Oświaty i Sztuki przy Alei Leontiewskiej w Moskwie. To przemówienie na zakończenie wystawy nosiło tytuł „O refleksji życia w sztuce” i postawiło realizm zmarłych wędrowców jako wzór ucieleśnienia „dziś: życia Armii Czerwonej, życia robotników, chłopów, rewolucjonistów i bohaterami pracy, zrozumiałymi dla mas”. Raport ten spotkał się z wściekłymi atakami ze strony „lewicowego” frontu – artystów awangardowych, którzy również włączyli się w służbę rewolucji. Szefem nowego stowarzyszenia został Pavel Radimov. Awangardę uznano za „szkodliwą fabrykację”.
Pierwsze spotkanie organizacyjne odbyło się w mieszkaniu portrecisty Maliutina, jednego z autorytatywnych mistrzów dawnej Rosji. W maju 1922 r. Utworzono AHRR, jednocześnie przyjęto statut, zatwierdzono nazwę i utworzono prezydium (przewodniczący P. A. Radimov, współprzewodniczący A. V. Grigoriew, sekretarz E. A. Katsman). Inni wchodzący w skład rdzenia organizacji to P. Yu. Kiselis, S. V. Malyutin. 1 maja 1922 r. Na Kuznetsky Most otwarto „Wystawę malarstwa realistycznych artystów pomagających głodnym”, która później została uznana za pierwszą wystawę AHRR.
Od pierwszych kroków AHRR zapewniła sobie solidne wsparcie materialne ze strony kierownictwa Armii Czerwonej (Woroszyłowa). Do zadań praktycznych zapisanych w Statucie Stowarzyszenia należało: udzielanie „pomocy materialnej, naukowej i technicznej” artystom i pracownikom sztuk pięknych, „wszelka możliwa pomoc w rozwijaniu skłonności do twórczości artystycznej i zdolności wizualnych wśród pracowników”.
Stowarzyszenie Wędrowców faktycznie połączyło się z AHRR, którego ostatni szef, Radimov, został pierwszym przewodniczącym AHRR. Od tego momentu Wędrowcy jako organizacja praktycznie przestali istnieć. Ponadto Achrowici, pragnąc realizmu, przyciągnęli do swojego obozu dojrzałych malarzy, którzy odrzucili awangardę (na przykład A. E. Arkhipov, N. A. Kasatkin, V. K. Byalynitsky-Birulya, V. N. Meshkov, E. I. Stolitsa , K. F. Yuon, V. N. Baksheev, M. B. Grekov i inni, a także rzeźbiarze M. G. Manizer, S. D. Merkurov, N. V. Krandievskaya). Wśród tych, którzy później dołączyli do szeregów AHRR, było także wielu malarzy, którzy zyskali uznanie przed rewolucją: I. I. Brodski, B. M. Kustodiew, E. E. Lansere, F. A. Malyavin, I. I. Mashkov, K S. Petrov-Vodkin, A. A. Rylov i inni.
Ponadto potężna organizacja aktywnie wchłaniała mniejsze stowarzyszenia artystyczne. W 1924 r. do AHRR weszli członkowie Nowego Towarzystwa Malarzy, w 1926 r. – grupy „Waletów Diamentowych”, w 1929 r. – artystów ze stowarzyszenia Genesis, w 1931 r. – ze stowarzyszenia Czterech Sztuk. W 1926 r. „Malarzy Moskiewscy” weszli w całości do AHRR. W 1931 r. część członków OMH (Towarzystwa Artystów Moskiewskich) przeniosła się do AKhR, co doprowadziło do upadku moskiewskiego społeczeństwa.
W ciągu 10 lat swojego istnienia, zgodnie z linią partyjną, AHRR stała się największą organizacją artystyczną w kraju. Rozrastała się szybko: latem 1923 roku liczyła około trzystu członków. Zaczęły powstawać gałęzie regionalne i republikańskie. W 1926 roku było ich już około czterdziestu. Jako pierwsze pojawiły się oddziały w Leningradzie, Kazaniu, Saratowie, Samarze, Niżnym Nowogrodzie, Carycynie, Astrachaniu, Jarosławiu, Kostromie, Rostowie nad Donem. Powstało wiele powiązanych ze sobą grup, na przykład „Stowarzyszenie Artystów Czerwonej Ukrainy” (AKhCU), a w 1927 r. nawet „Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnych Niemiec”. Perelmana, „biuro produkcyjne” (kierowane przez A. A. Voltaire’a), 1925 – biuro informacyjne, Centralne Biuro Oddziałów AHRR. „AHRR była organizacją niezwykle liczną, mobilną i wszechobecną. W odróżnieniu od „stacjonarnych” stowarzyszeń artystycznych, AHRR, kontynuując tradycje pieredwiżnickie, wystawiało swoje prace w wielu miastach. Nawet ci, którzy sprzeciwiali się programowi artystycznemu AHRR, niektóre z jego tendencji przyciągały wiele skojarzeń – nie z pobudek oportunistycznych (to oczywiście też się zdarzało), ale z chęci poczucia się potrzebnym przez widza, przez czas." W latach 20. XX w. Stowarzyszenie zdobywało coraz większą liczbę zwolenników, cieszyło się poparciem państwa i umacniało swoją pozycję, pozyskując nowe struktury. W 1925 roku z inicjatywy studentów moskiewskich i leningradzkich uniwersytetów artystycznych powstało stowarzyszenie młodzieżowe – OMAKhRR (Młodzieżowe Stowarzyszenie Stowarzyszenia Artystów Rewolucyjnej Rosji), które wkrótce uzyskało status autonomicznej organizacji z własnym statutem. Ponadto „AHRR zbyt uporczywie wykazywał tendencje dyktatorskie; i czasami ta okoliczność, a nie tylko zasady artystyczne, budziła zdecydowany sprzeciw wielu artystów i całych stowarzyszeń”.
W 1928 r. odbył się I Zjazd AHRR, który przyjął nową deklarację i dokonał zmiany nazwy stowarzyszenia na AHRR (rewolucja) z AHRR (rewolucyjna Rosja). Pod koniec lat dwudziestych XX w. Stowarzyszenie znajdowało się w fazie półtrwania: powstało odrębne „Stowarzyszenie Młodzieżowego Stowarzyszenia Artystów Rewolucji” (OMAKhR, od 1928 r.), wchodzące głównie w skład RAPH („Rosyjskie Stowarzyszenie Twórców Rewolucji”). Artyści proletariaccy”), wielu byłych przywódców i nowych członków utworzyło własny „Związek Artystów Radzieckich” (od 1930 r.)”. Ostatecznie AHRR wraz ze wszystkimi innymi stowarzyszeniami artystycznymi została rozwiązana w 1932 roku dekretem Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików z 23 kwietnia „W sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”. Wypracowane przez nią zasady relacji z władzami i odbicie sowieckiej rzeczywistości stały się podstawą zasad Związku Artystów ZSRR. Akademia Artystów, podobnie jak inne stowarzyszenia artystyczne, stała się częścią jedynego Związku Artystów Radzieckich (USX).
W latach 20., w okresie rozkwitu rosyjskiej awangardy, która również chciała działać na rzecz rewolucji, AHRR zdecydowanie przeciwstawiła się tym mistrzom, którzy posługiwali się nowym językiem artystycznym. Opierając się na dziedzictwie Wędrowców, którzy wierzyli, że treść dydaktyczna obrazu jest o wiele ważniejsza niż wartość artystyczna, a „sztuka powinna być zrozumiała dla ludzi”, Stowarzyszenie tworzyło obrazy, które nie powodowałyby odrzucenia przez masową publiczność ze względu na ich złożoność. Jednym z elementów był realizm malarstwa, drugim wybór tematów, oparty na porządkach społecznych i partyjnych (rewolucja, życie i praca radziecka). Deklaracja AHRR została zawarta w katalogu wystawy z 1922 r.: „Naszym obywatelskim obowiązkiem wobec ludzkości jest artystyczny i dokumentalny zapis najwspanialszego momentu w historii w jej rewolucyjnym impulsie. Przedstawiamy dzisiaj: życie Armii Czerwonej, życie robotników, chłopów, przywódców rewolucji i bohaterów pracy... Damy prawdziwy obraz wydarzeń, a nie abstrakcyjne fabrykacje, które dyskredytują naszą rewolucję w twarz międzynarodowego proletariatu”. Członkowie Stowarzyszenia za główne zadanie uznali tworzenie obrazów rodzajowych o tematyce z życia współczesnego, w których kontynuowali tradycje malarstwa Wędrowców i „przybliżali sztukę do życia”. Hasłami AHRR stały się „dokumentalizm artystyczny” i „realizm heroiczny”. Mistrzowie stowarzyszenia dążyli do stworzenia płótna „zrozumiałego i bliskiego ludowi”, dostępnego „postrzeganiu mas pracujących” (a także przywódców partii), sztuki „wiernie odzwierciedlającej sowiecką rzeczywistość”. W kolejnych latach napisali: „Radziecka rzeczywistość tamtych lat została ucieleśniona w prawdziwych i zrozumiałych dziełach czołowych mistrzów AHRR”. Działalność ta spotkała się z dużym uznaniem władz sowieckich.
Ideologia AHRR-AHRR AHRR zderzyła się w zaciętej walce z przedstawicielami innych grup artystycznych, nie wyznających realizmu i malarstwa tematycznego. Achrowici walczyli z lewicowymi trendami w sztuce, które ich zdaniem wyrządzały wielkie szkody malarstwu realistycznemu, starali się udowodnić potrzebę istnienia malarstwa tematycznego sztalugowego i zwalczali hasło „sztuka dla sztuki”. Choć AHRR wchłonęła wiele mniejszych grup artystycznych, szczególnie nie gardziła oczyszczeniem swoich szeregów z artystów obcych ideologicznie. Tak więc w 1924 r. Komisja ds. ponownej rejestracji AHRR podjęła decyzję o wykluczeniu ze swoich członków szeregu artystów, byłych członków Jacka Diamentów, „jako obcych ideologii AHRR i ogólnemu życiu towarzyskiemu. Wykluczyć Łobanowa, Rodionowa, Maksimowa, Wyszesławcewa jako osoby nieaktywne, które są niepotrzebnym balastem dla organizacji i które nie reagują ideologicznie”. Spośród najważniejszych przeciwników AKHRR warto zauważyć, że była ona we wszystkim bliska, z wyjątkiem pewnych subtelności ideologicznych i artystycznych, OST, z którym rywalizacja trwała nawet po zwycięstwie Achrowitów nad awangardą.
AHRR objawiła się szczególnie energicznie w latach Wielkiego Punktu Zwrotnego, kiedy w czasopiśmie „Sztuka dla mas” opublikowała wezwania: „Artyści rewolucji, walczcie o plan przemysłowy i finansowy! Artyści rewolucji, wszyscy do zakładów i fabryk w wielkiej sprawie historycznej – aktywnym udziale w realizacji planu pięcioletniego. Projektuj gazety ścienne, tablice dotyczące rywalizacji społecznej, czerwone narożniki, rysuj portrety bohaterów walki o plan finansowy przemysłu, plaga w gazetach ściennych karykatury próżniaków, grabberów, wagarów, ulotek, plaga biurokracji, demaskuj sabotaż! Artyści rewolucji, do wykonania całej tej pracy, rozwijajcie między sobą socjalistyczną konkurencję w jej najwyższych formach i fazach (poprzez brygady, holowniki publiczne itp.), deklarujcie się jako pracownicy szoku, przyłączajcie się do brygad organizowanych przez organizacje związkowe, likwidujcie opóźnienia całego izofrontu od ogólnego frontu walki o socjalizm! Walcz o plan pięcioletni w cztery lata!”
Cechy artystyczne malarstwa Typowe cechy twórczości Achrowitów to jasna narracja, konserwatywny „realizm”, próba odtworzenia wydarzenia historycznego lub współczesnego (czyli gloryfikowany dokument). Artyści AHRR starali się udostępnić swoje malarstwo ówczesnej masowej publiczności, dlatego w swojej twórczości często posługiwali się codziennym językiem pisarskim zmarłych Wędrowców. Oprócz „realizmu heroicznego” w ich twórczości ukazywały się także tendencje życia codziennego i naturalizmu, choć to, jak później zauważyli sowieccy krytycy, „często prowadziło do drobnostkowej tematyki i ilustracyjności”. Realizowali swoje hasło „dokumentu artystycznego”: praktyka wyjazdów w plener była niezwykle powszechna. Malarze chodzili do fabryk i fabryk, do koszar Armii Czerwonej, aby obserwować życie i codzienność swoich bohaterów. Ich działalność rozpoczęła się od szkiców w moskiewskich fabrykach (Dynamo itp.) w 1922 r., dokąd niemal natychmiast udali się Radimow i jego towarzysze. Podczas przygotowywania wystawy „Życie i życie narodów ZSRR” wszyscy uczestnicy odwiedzili najbardziej odległe zakątki kraju i przywieźli stamtąd znaczną liczbę szkiców, które stały się podstawą ich prac. Wdrożono koncepcję kreatywnych podróży służbowych: malarze wyjeżdżali na wycieczki wraz z wyprawami Akademii Nauk, geolodzy poszukiwawczy i budowniczowie.
Artyści AHRR odegrali znaczącą rolę w rozwoju tematów nowych w sztuce radzieckiej, na przykład radzieckiego krajobrazu, wpływając na przedstawicieli różnych ówczesnych grup artystycznych. Oczywiście wpłynęli na ukształtowanie się teorii socrealizmu w malarstwie. Dodatkowo AHRR korzystała z wynalazków przemysłu propagandowego, gdyż jej zadaniem było nie tylko tworzenie płócien na aktualne tematy, ale także udostępnianie ich społeczeństwu, replikując je na plakatach i pocztówkach. Również „mimo programowych postaw antymodernistycznych elementy nowoczesności (symbolizm i impresjonizm) dają się stale odczuć, choć jakby w wersji oswojonej, obcej fantastyce”. Większość znaczących artystów AHRR studiowała malarstwo już w czasach carskich w oparciu o akademicki program rysunkowy lub zdobywała swoje umiejętności bezpośrednio od nauczycieli tej szkoły (np. 1. radziecki malarz batalistyczny Mitrofan Grekov studiował podczas 1. bitwy cesarskiej malarz – Franz Roubaud). Doprowadziło to do tego, że dzieła wybitnych Akrowitów nie są słabe ani pod względem konstrukcyjnym, ani kompozycyjnym z kolorem, a dziś mają nie tylko wartość historyczną, ale w wielu przypadkach znaczącą wartość artystyczną.
Wystawy 1922 - „Wystawa malarstwa artystów realistów pomagających głodnym” (salon przy ulicy Kuznetsky Most) 2. 1922 - „Życie i życie Armii Czerwonej” (Muzeum Sztuk Pięknych). W katalogu opublikowano deklarację Akademii Sztuk Pięknych 3. 1922 - Wystawa malarstwa, szkiców, grafik i rzeźb „Życie i życie robotników” (Moskiewskie Koło Naukowo-Techniczne w Izbie Związków) 4. 1923 - „Czerwony Armia. 1918-1923” (Muzeum Armii Czerwonej) 5. 1923 – „Zakątek im. W.I. Uljanowa-Lenina” (Pierwsza wystawa rolnicza i rzemieślno-przemysłowa, obecnie teren Centralnego Parku Kultury i Kultury. O) 6. 1924 - „Rewolucja, życie i dzieło” (Państwowe Muzeum Historyczne) 7. 1925 - „Rewolucja, życie i dzieło” (Muzeum Sztuk Pięknych) 8. 1926 - „Życie i życie narodów ZSRR” (dawna Wystawa Rolnicza, obecnie terytorium Centralnego Parku Kultury i Kultury O; Leningrad - w zmniejszonym składzie, sale Akademii Sztuk ) 9. 1927 - „Wystawa szkiców, szkiców i rzeźb artystów moskiewskiej organizacji AHRR” (Muzeum Rewolucji) z okazji dziesiątej rocznicy Rewolucji Październikowej (w katalogu publikowana jest deklaracja AHRR) 10. 1928 - „X lat Armii Czerwonej” (budynek Telegrafu Centralnego), artystom z innych krajów do udziału w wystawie zaproszono stowarzyszenia; Publikacja deklaracji AHRR. Tak różne pod względem formy i treści ukazały się takie rzeczy, jak „Obrona Piotrogrodu” Deineki, „Śmierć komisarza” Pietrowa-Wodkina, „Partyzanci Fergana” P. Kuzniecowa, „Kampania Tamana” Sokołowa-Skala, „Rozkaz Ofensywa” Szuchmina itp. 11 1929 - „Sztuka dla mas” (stadion MGSPS, obecnie teren Centralnego Parku Sztuki i Kultury. O). W katalogu ukazała się deklaracja Akademii Artystów i deklaracja Towarzystwa Artystów Sztalugarzy. W 1928 r. AHRR zorganizowała w Moskwie dwie wystawy objazdowe dla klubów robotniczych. W 1928 r. otwarto pierwszą wystawę OMAKhRR (Moskwa), w 1929 r. odbyły się dwie wystawy OMAKhRR (jedna z nich prezentowała twórczość sekcji tekstylnej). Następnie artyści AHRR biorą udział w różnych wystawach tematycznych: 2. „Malarstwo, rysunek, film, fotografia, druk i rzeźba na temat „Życie i życie codzienne dzieci Związku Radzieckiego” (1929) 3. „Pierwsza wystawa objazdowa” (1929), 4 „Armia Czerwona w sztuce radzieckiej” (Moskwa, Galeria Trietiakowska), 5. „Wystawa dzieł o tematyce rewolucyjnej i sowieckiej” (1930, Galeria Trietiakowska) itp.
Izaak Izrailevich Brodski (1883-1939) – radziecki i rosyjski malarz i grafik, nauczyciel i organizator edukacji artystycznej, Czczony Artysta RSFSR (1932), jeden z głównych przedstawicieli nurtu realistycznego w malarstwie sowieckim lat 30. XX wieku, autor rozbudowanej sztuki plastycznej Leninian. Izaak Brodski urodził się 25 grudnia 1883 r. (6 stycznia 1884 r.) we wsi Sofiewka koło Berdiańska (wówczas obwód taurydzki, obecnie obwód zaporoski na Ukrainie), w rodzinie żydowskiej. Ojciec był kupcem i właścicielem ziemskim, kupcem drugiej cechy miasta. Prowincja Nogaisk Tauryda. Młodsza siostra Raisa (1894-1946) była muzykiem, absolwentką Konserwatorium w Petersburgu. W 1896 roku ukończył Szkołę Miejską w Berdiańsku. Uważał miasto Berdiańsk za swoją ojczyznę. Od dzieciństwa wykazywał talent malarski. W latach 1896–1902 studiował w Odesskiej Szkole Artystycznej u L. D. Ioriniego, K. K. Kostandiego i G. A. Ladyzhensky’ego. Potem przeniósł się do. Petersburgu i kontynuował studia w stołecznej Akademii Sztuk Pięknych. Przez pięć lat studiował w Akademii u I. E. Repina. W latach 1909-1911 za pieniądze Akademii podróżował po Cesarstwie Niemieckim, Francji, Hiszpanii i Włoszech, w szczególności odwiedził wyspę. Capri M. Gorki. Przed rewolucją październikową 1917 r. I w latach dwudziestych Brodski brał udział w wystawach w Akademii Sztuk Pięknych, był wystawcą „Stowarzyszenia Artystów Południowo-Rosyjskich”, „Stowarzyszenia Podróżujących Wystaw Artystycznych”, „Towarzystwa im. A. I. Kuindzhi”, „Społeczności artystów”. Latem 1917 roku rozpoczął portret Aleksandra Kiereńskiego (ukończył go już w 1918 roku, kiedy obalono Rząd Tymczasowy), a po rewolucji październikowej aktywnie malował portrety przywódców bolszewickich. Brodski dużo pracował, aby stworzyć wizerunki przywódców radzieckich, przede wszystkim W.I. Lenina i I.W. Stalina. Ponadto Brodski był zaangażowany w reorganizację edukacji artystycznej w ZSRR. Od 1932 był profesorem, a od 1934 dyrektorem Ogólnorosyjskiej Akademii Sztuk Pięknych. I. I. Brodski przyciągnął do pracy w Leningradzkim Instytucie Malarstwa, Rzeźby i Architektury, którym kierował: K. F. Yuon, P. S. Naumov, B. V. Ioganson, A. I. Lyubimov, R. R. Frenz, N. F. Petrov, V. A. Sinaisky, V. I. Shukhaev, D. I. Kiplik , N. N. Punin, V. N. Meshkov, M. D. Bernshtein, E. M. Cheptsov, I. Ya. Bilibin, M. G. Manizer, P. D. Buchkin, A. P. Ostroumov-Lebedev, A. E. Karev, B. A. Fogel, L. F. Ovsyannikov, S. V. Priselkov, I. P. Stepashkin, K. I. Rudakov i inni. Jego uczniami byli tak znani artyści i nauczyciele, jak A. I. Laktionov, Yu. M. Neprintsev, V. M. Oreshnikov, P. P. Belousov, M. P. Zheleznov, N. E. Timkov, A. N. Yar . Krawczenko, P.K. Wasiliew, M.G. Kozell i inni. Brodski zmarł 14 sierpnia 1939 roku w Leningradzie. Został pochowany na Mostach Literackich na Cmentarzu Wołkowskim. . W centrum Leningradu (Plac Sztuki, 3 - Dom Goleniszczewa-Kutuzowa) powstało muzeum artysty - mieszkanie-muzeum I. I. Brodskiego, które jest oddziałem Muzeum Badań Naukowych Rosyjskiej Akademii Sztuk. We wrześniu 1940 roku ulicę Lassalle’a w pobliżu Newskiego Prospektu przemianowano na Brodską (w 1991 roku przywrócono jej historyczną nazwę – Michajłowska). Założone przez niego w 1930 roku Berdiańskie Muzeum Sztuki nosi imię Brodskiego, gdzie artysta podarował ze swojej kolekcji około 200 obrazów rosyjskich artystów.
I. I. Brodski (1883 -1939). Przemówienie W.I. Lenina podczas pożegnania oddziałów Armii Czerwonej z Frontem Zachodnim 5 maja 1920 r. 1933
Michaił Wasiljewicz Frunze (pseudonimy partyjne Michajłow, Tri Fonich, Arseny, pseudonimy literackie Siergiej Pietrow, A. Szuisky). 21 stycznia (2 lutego) 1885 r., Piszpek, obwód Semireczeński - 31 października 1925 r., Moskwa - rewolucjonista, radziecki mąż stanu i dowódca wojskowy, jeden z najwybitniejszych dowódców wojskowych Armii Czerwonej podczas wojny domowej, teoretyk wojskowości. I. I. Brodski (1883 -1939). M. V. Frunze na manewrach. 1929
I. I. Brodski (1883 -1939). Ludowy Komisarz Obrony K.E. Woroszyłow na wycieczce narciarskiej. 1937 Kliment Jefremowicz Woroszyłow (23 stycznia 1881 r., wieś Wierchnieje, obwód jekaterynosławski (obecnie miasto Lisiczańsk, obwód ługański) - 2 grudnia 1969 r., Moskwa) - rosyjski rewolucjonista, radziecki przywódca wojskowy, przywódca stanu i partii, uczestnik wojny cywilnej Wojna, jedna z pierwszych marszałków Związku Radzieckiego. Od 1925 Komisarz Ludowy ds. Wojskowych i Morskich, w latach 1934-1940 Komisarz Ludowy Obrony ZSRR. W latach 1953-1960 - Przewodniczący Prezydium Rady Najwyższej ZSRR. Dwukrotny Bohater Związku Radzieckiego, Bohater Pracy Socjalistycznej. Członek Komitetu Centralnego partii w latach 1921-1961 i 1966-1969. Członek Biura Organizacyjnego KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików (1924-1926). Członek Biura Politycznego Komitetu Centralnego Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików (1926-1952), członek Prezydium Komitetu Centralnego KPZR (1952-1960). Woroszyłow jest rekordzistą pod względem długości pobytu w Biurze Politycznym KC Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików (KC KPZR), Prezydium KC KPZR (34,5 roku).
Mitrofan Borysowicz Grekow Prawdziwe nazwisko - Martyszczenko Mitrofan Pawłowicz (3 czerwca 1882 r., wieś Sharpayevka, volost Janovskaya, obwód doniecki, obwód armii dońskiej - 27 listopada 1934 r., Sewastopol) - radziecki malarz batalistyczny pochodzenia rosyjskiego kozackiego. Urodzony w rodzinie kozackiej, w folwarku Sharpayevka w obwodzie armii dońskiej (obecnie obwód rostowski). Najpierw studiował malarstwo w Odesskiej Szkole Artystycznej (u Kiriyaka Kostandiego), następnie trafił do petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych, gdzie studiował u I. Repina i F. A. Rubo – klasyka gatunku bitewnego. Stał się twórcą radzieckiego gatunku bitewnego. W czasie I wojny światowej był na froncie, skąd przywiózł wiele szkiców. W wojnie domowej walczył w ramach Armii Czerwonej, gdzie zgłosił się na ochotnika. Udokumentowano wyczyny 1. Armii Kawalerii Budionnego. Był członkiem AHRR. Mieszkał w Nowoczerkasku i Moskwie. Najsłynniejsze dzieła artysty: „Trębacze pierwszej kawalerii”, „Tachanka”, „Bitwa pod Jegorlykską”, „Zamrożeni Kozacy generała Pawłowa”. Kierował zespołem tworzącym panoramę „Burza Perekopu” (1934).
Ryazhsky Georgievich (Egorovich; 31 stycznia (12 lutego) 1895 - 20 października 1952) - radziecki malarz, nauczyciel, profesor. Sekretarz Prezydium Akademii Sztuk Pięknych ZSRR od 1949 do 1952. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1949). Czczony Artysta RFSRR (1944). Urodzony 31 stycznia (12 lutego) 1895 r. we wsi Ignatyewo w prowincji moskiewskiej Imperium Rosyjskiego. W latach 1910–15 uczył się rysunku na wieczorowych kursach Prechistenskiego u N. N. Komarowskiego; w pracowni M. V. Leblanca, R. A. Baklanowa, M. M. Siewierowa pobierali lekcje w warsztacie Anny Golubkiny (1917). W latach 1918-1920 studiował w Państwowych Warsztatach Wolnej Sztuki – Wchutemas u Kazimierza Malewicza. W 1922 zorganizował grupę NOW, następnie prowadził korespondencyjne kursy rysunku, od 1929 do 1931 - w Wchuteinie, pracował w Szkole Pamięci 1905, od 1934 - w Moskiewskim Instytucie Sztuki. V.I. Surikova, od 1940 r. – profesor. Czczony Artysta RFSRR (1944). Członek zwyczajny Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1949). Malował głównie portrety kobiece. W 1937 r. Prace G. G. Ryażskiego „Delegata” i „Przewodniczącej” zostały nagrodzone dużym złotym medalem na Międzynarodowej Wystawie w Paryżu.
Siergiej Wasiliewicz Malyutin (22 września 1859, Moskwa, Imperium Rosyjskie - 6 grudnia 1937, Moskwa, RFSRR, ZSRR) - rosyjski artysta, architekt. Syn kupca, urodził się, mieszkał i pracował w Moskwie. Autor obrazu pierwszej rosyjskiej lalki lęgowej. 1883-1886 - studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury (MUZHVZ), w warsztatach I.M. Pryanishnikova, V.E. Makowskiego i innych nauczycieli 1886 - otrzymał mały srebrny medal, w 1890 - tytuł artysty nieklasowego 1891 -1893 - uczył rysunku w Moskiewskim Instytucie Elżbietańskim; w latach 1903–1917 - w MUZHVZ. XIX w. - artysta Rosyjskiej Opery Prywatnej S.I. Mamontova 1896 - członek Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów 1900-1903 - w Talashkinie wraz z księżniczką M.K. Tenishevą prowadził warsztaty artystyczne, które posłużyły za przykład dalszego rozwoju rosyjskiego przemysłu artystycznego. Członek stowarzyszenia artystycznego „Świat sztuki” 1903 - w „Związku Artystów Rosyjskich”. Wykładał w MUZHVZ (do 1917) 1913 - członek Stowarzyszenia Wędrowców 1914 - akademik Akademii Sztuk 1918-1923 - wykładał w GSKHM-VKHUTEMAS 1918-1921 - brał udział w tworzeniu „Okna Satyry ROSTA” 1922 - jeden organizatorów „Stowarzyszenia Artystów Rewolucyjnych” Rosja” 1927-1931 - członek grupy artystycznej „Stowarzyszenie Artystów Realistów”
Boris Władimirowicz Ioganson (13 (25) lipca 1893, Moskwa - 25 lutego 1973, Moskwa) – rosyjski i radziecki artysta i pedagog, jeden z czołowych przedstawicieli socrealizmu w malarstwie, profesor. Prezes Akademii Sztuk ZSRR od 1958 do 1962. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1947). Artysta Ludowy ZSRR (1943). Bohater Pracy Socjalistycznej (1968). Laureat dwóch Nagród Stalinowskich I stopnia (1941, 1951). Członek KPZR(b) od 1943 r. Boris Ioganson urodził się w Moskwie w rodzinie pracownika szwedzkiego pochodzenia. Podstawowe wykształcenie artystyczne zdobył w szkole-pracowni P. I. Kelina. Następnie w latach 1912–1918 studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, gdzie jego nauczycielami byli A. E. Arkhipov, N. A. Kasatkin, S. V. Malyutin i K. A. Korovin. W latach 1919-1922 pracował jako scenograf w teatrach w Krasnojarsku i Aleksandrii (województwo chersońskie). W latach 1922-1931 był członkiem Związku Artystów Rewolucyjnej Rosji. Jeden z najważniejszych przedstawicieli radzieckiego malarstwa sztalugowego lat 30. XX wieku. W swojej twórczości nawiązał do najbardziej cenionych wówczas tradycji malarstwa rosyjskiego XIX wieku - dziedzictwa I. E. Repina i V. I. Surikowa. Interpretując ją, wprowadza do swoich dzieł „nowe treści rewolucyjne, zgodne z epoką”. Szczególnie znane są jego obrazy: „Przesłuchanie komunistów” (1933) i „W starej fabryce Ural” (1937). W latach 1937-1961 wykładał w Instytucie Repina w Leningradzie, a od 1939 - jako profesor. Od 1964 pracował w Moskwie, wykładał w Instytucie Sztuki. V. I. Surikova. Od 1953 był wiceprezesem, a w latach 1958-1962 prezesem Akademii Sztuk Pięknych ZSRR. W latach 1965-1968 był I Sekretarzem Zarządu Związku Artystów ZSRR. Od 1962 roku Ioganson jest redaktorem naczelnym encyklopedii „Sztuka krajów i narodów świata”. Członek Rady Najwyższej VII kadencji ZSRR (1966-1970). Delegat na XX i XXIII Kongresy KPZR. Zmarł 25 lutego 1973 r.
Towarzystwo Malarzy Sztalugowych OST (OKHST) to grupa artystyczna założona w 1925 roku w Moskwie przez grupę absolwentów WKHUTEMAS pod przewodnictwem Davida Shterenberga. Cechą charakterystyczną twórczości OST jest gloryfikacja sowieckiej rzeczywistości (industrializacja, sport itp.) przy wykorzystaniu technik współczesnego ekspresjonizmu europejskiego. Istniał do 1931 roku. Czołowi artyści OST odegrali ważną rolę w rozwoju radzieckiego malarstwa sztalugowego, a także malarstwa monumentalnego, grafiki książkowej, plakatu oraz sztuki teatralnej i dekoracyjnej.
Utworzenie stowarzyszenia W 1924 r. odbyła się Pierwsza wystawa dyskusyjna stowarzyszeń aktywnej sztuki rewolucyjnej (Moskwa, ul. Twerska, 54), w której wzięli udział studenci WKHUTEMAS w ramach następujących grup: „projektanci” (S. Luchishkin, S. Nikritin, K. Redko, N. Tryaskin A. Tyshler (grupa utworzona w 1922 r.). „konkretywiści” (P. Williams, K. Vyalov, V. Lyushin, Yu. Merkulov; wydzieleni z grupy „projektystów” w 1924 r.). „grupa trzech” (Aleksander Deineka wraz z Yu. Pimenovem i A. Goncharowem) W następnym roku, 1925, wraz z innymi absolwentami, którzy do nich dołączyli, założyli OST, którego przewodniczący, jako najbardziej szanowany i „brygadzista ” został wybrany Shterenberg, nauczyciel VKHUTEMAS, którego uczniowie (a także V. A. Favorsky) stanowili większość uczestników stowarzyszenia. Członkami założycielami OST byli Y. Annenkov, D. Shterenberg, L. Weiner, V. Vasiliev, P. Williams, K. Vyalov, A. Deineka, N. Denisovsky, S. Kostin, A. Labas, Y. Merkulov, Yu Pimenow. Karta OST została przyjęta we wrześniu 1929 r. Prezesem stowarzyszenia jest D. P. Shterenberg. Skład zarządu w latach 1925-1926 - L. Weiner, P. Williams, N. Denisovsky, Y. Pimenov; 1927 - P. Williams, Y. Pimenov, L. Weiner, N. Shifrin.
Ideologia Nazwa grupy – Towarzystwo Artystów Sztalugarzy – kojarzona była z gorącymi dyskusjami na temat losów i celu sztuki. Grupa współczesnych malarzy OST zasadniczo odrzuciła sztalugowe formy twórczości na rzecz artystycznych zadań produkcyjnych, co nie podobało się członkom przyszłego OST. Właściwie Shterenberg już na swoim stanowisku na wydziale sztuk pięknych jako nauczyciel przyczynił się do rozwoju tej sztuki produkcyjnej, ale jako malarz i członek OST zaczął już bronić płodności sztuki sztalugowej. Głównymi przeciwnikami OST stali się „producenci anty-maszyna”, a potem AHRR. P. Williamsa. „Zlot samochodowy”, 1930, Galeria Trietiakowska. Jeden z najsłynniejszych obrazów OST łączy w sobie wyrazistość, lekkość pędzla, a także nowoczesny motyw - samochody.Po powstaniu w 1922 r. AHRR - Związku Artystów Rewolucyjnej Rosji i jego walce z „formalizmem” (awangarda rosyjska) garde), powstanie OST – stowarzyszenia artystów, które również, podobnie jak AHRR, preferowało tematykę sowiecką, ale nie odrzucało narzędzi języka artystycznego wymyślonego w XX wieku. W przeciwieństwie do Achrowitów, którzy kierowali się bardzo realistycznym realizmem Wędrowców, Ostowici za swój ideał estetyczny uważali najnowsze ruchy europejskie, zwłaszcza ekspresjonizm. Częściowo wynikało to z faktu, że większość członków stowarzyszenia była absolwentami VKHUTEMAS – młodymi ludźmi, którzy chcieli „wyrazić energię i wigor młodego kraju”. Jedynie Shterenberg był przedstawicielem starszego pokolenia. OST zaczęto nazywać „najbardziej lewicową z prawicowych grup”.
Badacze zauważają, że początkowo w programie i praktyce OST było dużo czysto spekulacyjnego eksperymentalnego zapału i psot, ale ważne jest coś innego - w tym Towarzystwie panowała twórcza atmosfera, dominowało w niej zachłanne zainteresowanie rewolucyjną nowością współczesnej rzeczywistości, w nowych formach życia, a nie tylko do nowych form malarstwa i grafiki dla nich samych. OST nie podejmował rewolucyjnych tematów wojny domowej (czego najlepsze przykłady prezentowali Achrowici), ale preferował tematy pokojowe, jasne, „znaki XX wieku”, typowe zjawiska pokojowej rzeczywistości swoich czasów: życie miasta przemysłowego, produkcja przemysłowa, sport itp. W edukacji W planie zdefiniowano „nacisk na młodzież artystyczną”. Starali się odzwierciedlić w poszczególnych faktach nowe cechy swojej współczesnej epoki. Główne tematy: Industrializacja Rosji, która do niedawna była jeszcze agrarna i zacofana, chęć ukazania dynamiki relacji pomiędzy nowoczesną produkcją a ludźmi. Życie miasta i człowieka miejskiego XX wieku. Sporty masowe (piłka nożna, tenis, zawody sportowe i biegi przełajowe, gimnastyka), które również stały się charakterystyczną cechą życia społeczeństwa radzieckiego.
Członkowie OST opowiadali się za malarstwem realistycznym w zaktualizowanej formie, przeciwstawiając je sztuce nieobiektywnej i konstruktywizmowi. OST potwierdził znaczenie i żywotność form sztuki sztalugowej. Ostowici, podobnie jak Akrowcy, za swoje główne zadanie uważali walkę o odrodzenie i dalszy rozwój malarstwa sztalugowego o nowoczesnej tematyce lub o współczesnej treści - w czym byli całkowicie odmienni od LEF. OST skłaniał się do poetyckiego spojrzenia na surową rzeczywistość lat dwudziestych i urzeczywistnienia jej w profesjonalnie i logicznie skonstruowanym obrazie, wchodząc w ten sposób w polemikę zarówno z dokumentalizmem AHRR, jak i z bardziej abstrakcyjnymi poszukiwaniami awangardy.
z Karty OST: Biorąc pod uwagę, że tylko sztuka wysokiej jakości może stawiać sobie takie zadania, należy w warunkach współczesnego rozwoju sztuki wyznaczyć główne kierunki, wzdłuż których powinna przebiegać praca (...) a) odrzucenie abstrakcji i błądzenia po fabule; b) odrzucenie szkicowości jako zjawiska ukrytego amatorstwa; c) odrzucenie pseudo-Cézanneizmu jako dezintegrującego dyscyplinę formy, projektu i koloru; d) rewolucyjna nowoczesność i jasność w wyborze tematu; pragnienie absolutnego panowania (...); e) chęć uzyskania gotowego obrazu; g) orientacja na młodzież artystyczną.
Artyści poszukiwali nowego języka wizualnego, lakonicznego w formie i dynamicznego w kompozycji. Prace charakteryzuje dotkliwa lakoniczność formy, jej częsta prymitywizacja, dynamika kompozycji i graficzna klarowność rysunku. „W poszukiwaniu języka adekwatnego do swoich figuratywnych i tematycznych aspiracji Ostowici zwrócili się już nie do Wędrowców, ale do tradycji europejskiego ekspresjonizmu z jego dynamiką, ostrością, wyrazistością, do współczesnych tradycji plakatu i kina, które mają swobodny i precyzyjne wyczucie przestrzeni, umiejętność ostrego, ekspresyjnego oddziaływania na widza (zwłaszcza tego, który stylistycznie skłania się w stronę niemieckiego ekspresjonizmu).” „Potrzebowali głosu donośnego i wyraźnego, lakonicznego i wyrazistego języka artystycznego, odważnie wprowadzali do swoich obrazów techniki grafiki, plakatu i fresków”. „Styl był bardzo zaawansowany, zawierał elementy montażu konstruktywistycznego, a także techniki figuratywnej defamiliaryzacji i dekonstrukcji charakterystyczne dla ekspresjonizmu i surrealizmu”.
„Wszystkie te nowe zadania wyznaczyły nowe metody. Jedną z zasad kompozycyjnej konstrukcji obrazu jest fragmentacja przestrzeni. Fabuła, której poświęcony jest obraz, przestaje być zamknięta i staje się organiczną częścią nieskończonego świata. Sylwetki ludzi są powiększone i wyeksponowane na pierwszy plan. Przedstawiając je kontrastowo zarówno kolorystycznie, jak i rozmiarowo w stosunku do wszystkiego innego, artyści podkreślają ich dynamiczną siłę. Malarstwo sztalugowe Ostowskiego wchłania zatem elementy malarstwa monumentalnego, zapewniając temu rodzajowi sztuki na długo przestrzeń życiową. Tym ważniejsze jest, aby zauważyć i podkreślić, że epoka radziecka pilnie potrzebowała monumentalnego patosu jego figuratywnego wcielenia, ale jednocześnie państwo radzieckie nie miało w tamtych latach wystarczających środków na rozwój urbanistyki i towarzysząca jej synteza architektury ze sztuką monumentalną.” „Fuzja nowoczesnych wątków z nowoczesnymi środkami formalnymi to (...) kurs, jaki obrała OST. Jest to kurs w zasadzie całkowicie słuszny, po którym można się spodziewać owocnych rezultatów” – napisał krytyk J. Tugendhold. „Odpowiadająca tradycja dała się odczuć przez wiele lat, aktywnie wpływając zarówno na oficjalną, jak i nieoficjalną sztukę rosyjską (to OST – nawet w jeszcze większym stopniu niż Jack of Diamonds – stał się stylistyczną podstawą surowego stylu lat 60.)” .
Deineka opuścił OST w 1928 roku ze względów zasadniczych. Jednym z powodów odejścia był jego spór z władzami towarzystwa, przede wszystkim ze Shterenbergiem, któremu nie podobało się, że młodzi ludzie nie ograniczają się do poszukiwań formy obrazowej, ale wkraczają w pokrewne formy sztuki – plakaty, rysunki magazynowe, dekoracje teatralne, próbując swoich sił w tworzeniu monumentalnych kompozycji tematycznych. Jak krytycznie zauważyli badacze Deineki, „po udanych występach w gatunku malarstwa tematycznego Shterenberg i przylegająca do niego grupa artystów zaczęli cofać się do pozycji kameralnego malarstwa sztalugowego z podkreśloną konwencjonalną interpretacją otaczającego świata. Ich formalne eksperymenty stylistyczne często przybierały charakter laboratoryjny i przybierały formę nazbyt sztuczną. Deineka i podobnie myślący ludzie w OST dążyli także do innowacji w ideologicznej i tematycznej sferze sztuki”. Członkowie OST różnili się znacznie w ocenie znaczenia poszczególnych typów i gatunków sztuki. „Najbardziej konsekwentni malarze sztalugowi bronili pierwszeństwa czysto obrazowych metod pracy nad rysunkami magazynowymi, plakatami i tablicami monumentalnymi; zwolennicy malarstwa intymno-lirycznego wyrażali pretensje do tych, których poniosło poszukiwanie wielkiego stylu epoki. Najprawdopodobniej Deinece nie zadowalał wewnętrzny podział artystów, chęć części członków stowarzyszenia do zapewnienia pierwszeństwa czysto formalnych innowacji nad poszukiwaniem konkretnych, znaczących obrazów”. Samo stowarzyszenie nie przetrwało długo w swoim pierwotnym składzie . Już w 1928 roku wyodrębniły się w nim wyraźnie dwie grupy artystów, różniące się pozycjami twórczymi.
Jedna z grup (Williams, Deineka, Luchishkin, Pimenov i in.) skłaniała się ku przedstawianiu życia miejskiego, nowych technologii, krajobrazu przemysłowego, sportu, młodych, rozwiniętych fizycznie ludzi. Ich prace wyróżniała dynamika, klarowność kompozycji i graficzna ekspresja form. Inna grupa, skupiona wokół Szterenberga (Goncharov, Labas, Tyshler, Shifrin i in.), pracowała w sposób bardziej swobodny, przedkładając liryzm i malowniczość nad racjonalną organizację dzieł.
Początkowo profesjonalne debaty i polemiki pomiędzy członkami obu ugrupowań szybko nabrały wydźwięku politycznego. Doświadczając wzmożonej cenzury ideologicznej i ataków politycznych ze strony AKHRR, a później RAPH, społeczeństwo uległo rozłamowi (zarzucano mu formalizm, burżuazyjny indywidualizm itp.). Na początku 1931 r. trzon członków podjął decyzję o opuszczeniu Towarzystwa przez jedną z grup. Grupę tę tworzyli artyści na czele ze Shterenbergiem, który zachował starą nazwę. Pozostali artyści wkrótce porzucili nazwę OST i ogłosili się jako nowe stowarzyszenie – „Izobrigada” („Brygada Artystów”). (Część uczestników przeniosła się także na organizowany w 1930 r. „Październik”, do którego zaliczała się także Deineka).
Zarząd pozostałej części OST: D. Shterenberg (prezes), A. Labas, A. Tyshler i A. Kozlov. „Isobrigade” (Ju. Pimenow, P. Williams i inni) wysuwali oskarżenia pod adresem swoich niedawnych towarzyszy i zapewniali, że odtąd „będą opowiadać się za dziennikarstwem w sztuce jako środkiem wyostrzania figuratywnego języka sztuki w walce o zadania bojowe klasy robotniczej „”. Zarząd Brygady Artystycznej: wiceprezes Tyagunov - przewodniczący; Adlivankin, Williams, Luchishkin, Pimenov). Ostatecznie sam OST i jego spadkobiercy, wraz ze wszystkimi innymi stowarzyszeniami artystycznymi, zostali rozwiązani w 1932 uchwałą Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików z dnia 23 kwietnia „W sprawie restrukturyzacji organizacji literackich i artystycznych”. Jej pozostałości połączyły się z moskiewskim oddziałem Związku Artystów Radzieckich.
Członkowie OST W sumie OST zjednoczyło ponad 30 głównych artystów: Annenkov, Yuri Pavlovich Williams, Piotr Vladimirovich Volkov, Boris Ivanovich Goncharov, Andrey Dmitrievich Deineka, Aleksandrovich Kupreyanov, Nikolai Nikolaevich Labas, Alexander Arkadyevich Luchishkin, Sergei Alekseevich Merkulov, Yuri Alexandrovich Pimenov, Jurij Iwanowicz Tyshler, Aleksander Grigorievich Shterenberg, David Petrovich inni: Axelrod, Meer (Mark) Moiseevich Alfeevsky, Valery Sergeevich Antonov, Fedor Vasilyevich Barto, Rostislav Nikolaevich Barshch, Alexander Osipovich Berendgof, Georgy Sergeevich Bułhakow, Borys Pietrowicz Bushinski, Siergiej Nikołajewicz (od 1928 r. ) Weiner, Lazar Yakovlevich Vasiliev V. Vyalov, Konstantin Aleksandrovich Gorshman, Mendel Khaimovich Denisovsky, Nikolai Fedorovich Dobrokovsky, Mechislav Vasilyevich Zernova, Ekaterina Sergeevna Kishchenkov (Lik) L. I. Klyun, (Klyunkov) Ivan Vasilievich Kozlova, Klavdiya Afanasyevna Kostin, Sergey Nikola evich Kolyada, Sergey Avksentyevich Kudryashev, Ivan Alekseevich Igumnov, Andrey Ivanovich (od 1929) Lyushin, Vladimir Ivanovich Melnikova, Elena Konstantinovna Nikritin, Solomon Borisovich Nissky, Georgy Grigorievich Parkhomenko K. K. Perutsky, Michaił Semenovich Poberezhskaya A. I. Popkov, Ivan Georgievich Prusa zatoczka, Nikołaj Pietrowicz Tryaskin, Nikołaj A. Tyagunow, Władimir Pietrowicz Shifrin, Nisson Abramowicz Szczepicyn, Aleksander Wasiljewicz Ellonen, Wiktor Wiłgelmowicz Kupcow, Wasilij Wasiljewicz
Najsłynniejsze obrazy szkieletów: P. Williamsa, „Wyścig samochodowy” (1930), „Powstanie w Hamburgu” D. Shterenberga, „Stary człowiek (stary)” (1925), „Aniska” (1926) A. Deineka, „O budowie nowych warsztatów” (1926), „Przed zejściem do kopalni” (1924), „Piłkarze” (1924), „Włókiennicy” (192-6), „Obrona Piotrogrodu” (1928) . A. Labas, „Pierwszy radziecki sterowiec” (1931), „Pierwszy parowóz na Turksibie” (1931) S. Łuczyszkin, „Piłka odleciała” (1926), „Kocham życie” Y. Pimenow „Przemysł ciężki ”. Zdjęcia po rozwiązaniu stowarzyszenia: „Nowa Moskwa” (1937); „Ślub na ulicy Jutra” (1962).
David Petrovich Shterenberg (14 lipca (26) 1881, Żytomierz - 1 maja 1948, Moskwa) - malarz, grafik, jeden z głównych przedstawicieli rosyjskiej sztuki pięknej pierwszej połowy XX wieku. Wczesne życie i okres paryski. Urodził się w Żytomierzu w rodzinie żydowskiej. Był uczniem fotografa w Odessie i lubił rewolucyjne pomysły. W 1906 wyemigrował z Rosji do Wiednia jako aktywny członek Bundu. W latach 1907-1917 mieszkał w Paryżu. W Paryżu studiował fototypy i studiował malarstwo, najpierw w Szkole Sztuk Pięknych, a następnie w Akademii A. Vittiego. Wśród jego kolegów był holenderski artysta Kees van Dongen. Shterenberg mieszkał w słynnej paryskiej falansterze „Ul”. Artysta pozostawał pod wpływem twórczości Paula Cezanne’a i kubizmu. Od 1912 brał udział w wystawach w Salonie Paryskim. Później związał się z Salonem Niezależnych, zbliżając się do innych artystów szkoły paryskiej: Lipchitza, Kislinga, Diego Rivery, Marca Chagalla i innych. Obrazy Shterenberga z okresu paryskiego są często sprzeczne i niejednorodne. Rozpoznawalny styl artysta wypracował dopiero pod koniec pobytu w Paryżu.
Powrót do Rosji Po rewolucji październikowej 1917 r. Shterenberg wrócił do Rosji, gdzie odegrała rolę jego przeszłość polityczna i znajomość z Ludowym Komisarzem Oświaty A.V. Łunaczarskim. Zaznajomiony z paryską twórczością Shterenberga Łunaczarski mianował go kierownikiem Wydziału Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty. Wraz z Nathanem Altmanem i innymi osobistościami kultury rosyjskiej brał udział w konferencji pisarzy, artystów i reżyserów na temat współpracy z rządem sowieckim w Smolnym w Piotrogrodzie (Sankt Petersburg). W 1918 roku w Moskwie odbyła się wystawa uczestników Żydowskiego Towarzystwa Krzewienia Sztuki, w której Shterenberg wziął udział wraz z Altmanem, Baranovem-Rossine'em i Lissitzkym. Od 1918 do 1920 był kierownikiem wydziału sztuk pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty. W 1918 roku opublikował w wiadomościach Piotrogrodu artykuł programowy „Zadania sztuki współczesnej”. Od 1920 do 1930 uczył w WCHUTEMASIE. W 1922 roku w Moskwie Shterenberg wziął udział w wystawie artystów żydowskich, której uczestnikiem był Marc Chagall. W tym samym roku napisał esej do katalogu Pierwszej Wystawy Sztuki Rosyjskiej w Galerii Van Diemen w Berlinie. Był członkiem stowarzyszenia Comfuts (komunistycznych futurystów). Odmówił przyłączenia się do LEF z powodu odrzucenia sztuki sztalugowej przez teoretyków LEF. W latach 1925-1932 był założycielem i przewodniczącym Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST). Shterenberg odegrał znaczącą rolę w rozwoju sztuki radzieckiej, zwłaszcza w okresie porewolucyjnym, kiedy Wydział Sztuk Pięknych Ludowego Komisariatu Oświaty zrzeszał artystów awangardowych, odrzuconych przez dotychczasową oficjalną sztukę. Shterenberg przywiązywał dużą wagę do organizacji wystaw i zagadnień edukacji artystycznej. Shterenberg widział główne zadanie sztuki radzieckiej w potrzebie doskonalenia kultury malarskiej, nie doceniając w ten sposób znaczenia sztuki narracyjnej, aktywnej społecznie
Andrei Dmitrievich Goncharo (1903-1979) – radziecki malarz i grafik, autor książek, artysta teatralny, pedagog. Artysta ludowy RFSRR (1979). Członek korespondent Akademii Sztuk ZSRR (1973) Andrei Dmitrievich Goncharov urodził się 9 czerwca (22 czerwca) 1903 roku w Moskwie. Pierwsze lekcje rysunku pobierał w prywatnej pracowni K. F. Yuona. W latach 1917-1919 uczył się w 59. szkole pracy. W 1918 wstąpił do Drugich Państwowych Warsztatów Wolnej Sztuki (dawniej Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury), gdzie najpierw uczył się w pracowni I. I. Maszkowa, a następnie przeniósł się do pracowni A. W. Szewczenki. W 1921 roku wstąpił na wydział graficzny VKHUTEMAS, gdzie studiował na wydziale drzeworytu pod kierunkiem V. A. Favorsky'ego. Od 1923 roku stale pracował jako ilustrator dla gazet, czasopism i wydawnictw (Izvestia TsIK, Academia, Molodaya Gvardiya, GIHL itp.). Brał udział w projektowaniu Ogólnorosyjskiej Wystawy Rolnictwa i Rękodzieła. W 1924 r. po raz pierwszy wystawił swoje prace na Pierwszej Wystawie Dyskusyjnej Stowarzyszeń Aktywnej Sztuki Rewolucyjnej (Moskwa, ul. Twerska 54) w „grupie trzech” z A. A. Deineką i Yu.I. Pimenowem. Od 1925 członek Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST). W 1927 roku ukończył z wyróżnieniem wydział graficzny VKHUTEMAS (VKHUTEIN) z tytułem artysty grafika. Rozpoczął naukę w pracowni artystycznej Wydziału Edukacji Publicznej Frunze w Moskwie, na wydziale etnologicznym Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego im. M.V. Łomonosowa. W 1928 brał udział w Ogólnounijnej Wystawie Poligraficznej. W latach 1929-1930 był profesorem nadzwyczajnym w Leningradzie WKHUTEIN. W latach 1930-1934 był profesorem nadzwyczajnym w MPI. W latach 1934–1938 był profesorem nadzwyczajnym w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk Pięknych im. V. I. Surikoyva. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej (1941-1945) służył w szeregach Armii Czerwonej. Pracował jako redaktor produkcji i artysta w czasopiśmie „Humor z Linii Frontu” (publikacja 3 Frontu Białoruskiego), a następnie jako główny artysta wystawy „Praca polityczna w jednostkach 3 Frontu Białoruskiego”. W latach 1947-1948 wykładał w Moskiewskiej Centralnej Szkole Artystyczno-Przemysłowej na wydziale malarstwa monumentalnego. W latach 1948-1979 wykładał w kl. Moskiewski Instytut Drukarski, gdzie w latach 1950–1974 kierował katedrą rysunku i malarstwa. W 1958 Gonczarow otrzymał tytuł profesora. W 1959 roku Goncharov stworzył cztery główne panele na sowiecką wystawę w Nowym Jorku. [W 1960 r. ukazała się książka A.D. Goncharowa „O sztuce grafiki”, a w 1964 r. ukazała się książka „Artysta i książka”. W latach 1971–1979 Goncharov był przewodniczącym jury corocznego ogólnounijnego konkursu „Sztuka książki”. Członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1973). A.D. Goncharov zmarł 6 czerwca 1979 w Moskwie.
Aleksander Arkadjewicz Łaba (19 lutego 1900 r., Smoleńsk - 30 sierpnia 1983 r., Moskwa) – artysta radziecki, członek grupy OST, przedstawiciel rosyjskiej awangardy lat 20. – 30. XX wieku. Urodzony w Smoleńsku 19 lutego 1900 r. Rodzice - Arkady Grigorievich (Aizik Girshevich) i Khaya Shaulovna Labas. W wieku 6 lat zaczął malować w prywatnej pracowni artysty W. Muszkietowa. W 1910 r. ojciec Łabasy, dziennikarz i wydawca, przeniósł się z rodziną do Rygi, a w 1912 r. do Moskwy. Labas wchodzi do Imperialnej Szkoły Sztuki i Przemysłu Stroganowa. Jednocześnie studiuje w pracowni F. Rerberga, następnie w pracowni I. Maszkowa. Od 1917 r. uczył się w Państwowych Warsztatach Artystycznych (później WKHUTEMAS), najpierw w warsztacie F. Maliawina, a następnie w warsztacie P. Konczałowskiego. Studia u K. Malewicza, W. Kandinskiego, P. Kuzniecowa, K. Istomina, A. Lentulowa. W 1919 r. - artysta 3 Armii Frontu Wschodniego. Od 1924 r. na zaproszenie W. Faworskiego wykłada malarstwo i naukę o kolorze w VKHUTEMAS. W latach 20. - 30. zajmował się projektowaniem przedstawień w Teatrze Rewolucji, Teatrze im. V. F. Komissarzhevskaya, Państwowy Teatr Żydowski (GOSET). Wykonywał panoramy i dioramy dla pawilonów sowieckich na Wystawie Światowej w Paryżu (1937), Wystawie Światowej w Nowym. Yorku (1939), do Pawilonu Głównego Ogólnorosyjskiej Wystawy Rolniczej (1938-1941). Jeden z członków-założycieli OST (Towarzystwa Malarzy Sztalugowych). W latach 20. - początek lat 30. aktywny uczestnik wystaw międzynarodowych (XVII Międzynarodowa Wystawa Sztuki, Włochy (Wenecja), 1930, XXX Międzynarodowa Wystawa Malarstwa w USA (Pittsburgh, Baltimore, St. Louis), 1931, Wystawy w Holandii, Niemcy , Szwecja, Łotwa, Szwajcaria, Anglia, Republika Południowej Afryki, Francja, Japonia, Hiszpania. W latach 1935-36 oskarżano go o formalizm, jego prace nie trafiały do muzeów i nie były akceptowane na wystawy.
Alexander Grigorievich Ty Shler (14 lipca 1898 Melitopol - 23 czerwca 1980, Moskwa) - radziecki malarz, grafik, artysta teatralny, rzeźbiarz. Zasłużony Artysta Uzbekistanu. ZSRR (1943). Laureat Nagrody Stalinowskiej II stopnia (1946) Aleksandr Tyshler urodził się w Melitopolu (obecnie obwód zaporoski na Ukrainie) w rodzinie rzemieślnika. W latach 1912-1917 studiował w Kijowskiej Szkole Artystycznej, w latach 1917-1918 - w pracowni Aleksandry Ekster. W 1919 Tyshler zgłosił się na ochotnika do Armii Czerwonej; Służąc pod administracją Frontu Południowego, wykonywał plakaty na witryny ROSTA, ilustrował pierwsze elementarze w językach narodów, które przed rewolucją nie miały języka pisanego: kałmuckim, mordowskim, tatarskim, a także jidysz. W 1921 r., po demobilizacji z wojska, wstąpił do WCHUTEMASU i studiował w warsztacie Włodzimierza Faworskiego. W 1927 roku Aleksander Tyshler zadebiutował jako artysta teatralny, projektując szereg przedstawień w Białoruskim Teatrze Żydowskim w Lublinie. Mińsk. W latach 30. działał w Moskwie, współpracował z wieloma teatrami stołecznymi i leningradzkimi; Od 1935 roku projektował spektakle Moskiewskiego Teatru Żydowskiego GOSET. W pierwszych latach twórczość teatralną Tyshlera charakteryzowały cechy ekspresjonistyczne, które były na ogół charakterystyczne dla jego twórczości tego okresu: podkreślana fanaberia, często dowolność obrazów scenicznych - później styl artysty uległ zmianie. Od połowy lat trzydziestych, począwszy od „Króla Leara” w GOSET i „Ryszarda III” w Leningradzkim Teatrze Dramatycznym Bolszoj (oba 1935), Szekspir zajmował centralne miejsce w twórczości teatralnej Tyshlera. Wiele jego dzieł przyczyniło się do światowego „szekspira”; Tyshler tworzył obrazy sceniczne przesiąknięte ekspresją i intensywną emocjonalnością, łatwo przekształcalne projekty oparte na zasadzie organizacji publicznego teatru kwadratowego. W latach powojennych te cechy dojrzałego Tyshlera zostały na różne sposoby przekształcone w produkcjach radzieckiego i współczesnego dramatu zagranicznego, w tym w przedstawieniach „Mystery-Buff” V.V. Majakowskiego w „Teatrze Satyry” (1957), „Tragedia optymistyczna” V. V. Majakowskiego. W. Wiszniewskiego w Moskiewskim Teatrze Dramatu i Komedii (1956), „Święta Joanna” B. Shawa w Lenkom (1958), opera „Nie tylko miłość” R. K. Szczedrina w Teatrze Bolszoj (1962). A.G. Tyshler zmarł 23 czerwca 1980 r. Został pochowany w Moskwie na cmentarzu w Kuntsewie.
Aleksandraowicz Deineka (1899-1969) – radziecki malarz, grafik i rzeźbiarz, pedagog. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1947). Artysta Ludowy ZSRR (1963). Bohater Pracy Socjalistycznej (1969). Laureat Nagrody Lenina (1964). Od 1960 członek KPZR. Aleksandrowicz Deineka urodził się 8 (20) maja 1899 roku w Kursku w rodzinie kolejarza. Podstawowe wykształcenie otrzymał w Charkowskiej Szkole Artystycznej (1915-1917). Młodość artysty, podobnie jak wielu jego współczesnych, związana była z wydarzeniami rewolucyjnymi. W 1918 pracował jako fotograf w Ugrozysku, kierował sekcją plastyczną Gubnadobrazu, projektował pociągi propagandowe, przedstawienia teatralne, brał udział w obronie Kurska przed Białymi. W latach 1919–1920 Deineka służył w Armii Czerwonej, gdzie kierował pracownią artystyczną w Kurskiej Administracji Politycznej i „Oknach ROST” w Kursku. Z wojska został wysłany na studia do Moskwy, do WCHUTEMASU na wydziale drukarskim, gdzie jego nauczycielami byli V. A. Faworski i I. I. Niwinski (1920–1925). Lata nauki i komunikacji z V. A. Favorskim, a także spotkania z V. V. Majakowskim miały ogromne znaczenie w twórczym rozwoju artysty. Twórczy wizerunek Deineki jasno i wyraźnie zamanifestował się na pierwszej dużej wystawie w 1924 r. (Pierwsza Wystawa Dyskusyjna Stowarzyszeń Aktywnej Sztuki Rewolucyjnej), w której brał udział w ramach „Grupy Trzech” (wraz z A.D. Goncharowem i Yu. I. Pimenow). W 1925 roku Deineka został jednym z założycieli Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST). W tych latach stworzył pierwszy radziecki prawdziwie monumentalny obraz historyczny i rewolucyjny „Obrona Piotrogrodu” (1928). W 1928 Deineka opuścił OST i został członkiem stowarzyszenia artystycznego „Październik”, a w latach 1931–1932 – członkiem Rosyjskiego Związku Artystów Proletariackich (RAPH). W 1930 roku artysta stworzył plakaty o wyrazistej kolorystyce i kompozycji: „Mechanizujemy Donbas”, „Pracownik fizyczny”. W 1931 roku ukazały się dzieła bardzo odmienne pod względem nastroju i tematyki: „Na balkonie”, „Dziewczyna w oknie”, „Najemnik interwencjonistów”.
Nowy etap w twórczości Deineki rozpoczął się w 1932 roku. Najważniejszym dziełem tego okresu jest obraz „Matka” (1932). W tych samych latach artysta stworzył dzieła poetyckie: „Nocny krajobraz z końmi i suchymi ziołami” (1933), „Dziewczyny w kąpieli” (1933), „Popołudnie” (1932), „Za kurtyną” (1933) itp. Obok utworów społeczno-politycznych ukazały się także utwory liryczne: „Bezrobotni w Berlinie” (1933), przepełnione gniewem rysunki do powieści „Ogień” A. Barbusse’a (1934). Od początku lat 30. XX w. Deineka powraca do tematyki lotnictwa („Spadochroniarz nad morzem”, 1934), ilustracje do książki dla dzieci pilota G. F. Baidukova „Przez biegun do Ameryki” (wyd. 1938). Napisał wiele obrazów, jeden z najbardziej romantycznych - „Przyszli piloci” (1937). Temat historyczny został ucieleśniony w monumentalnych dziełach poświęconych głównie historii przedrewolucyjnej. Artysta wykonywał szkice paneli na wystawy w Paryżu i Nowym Jorku (niezrealizowane). Do najważniejszych dzieł przełomu lat 30. i 40. XX w. należy „Lewy Marsz” (1940). W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Deineka mieszkał w Moskwie i wykonywał plakaty polityczne dla pracowni plakatu obronnego wojskowego „Okna TASS”. W 1942 roku wraz z artystą G. G. Nisskim udał się na front w pobliżu miasta Juchnow. W tym czasie stworzył dzieła intensywne i dramatyczne. Obraz „Przedmieścia Moskwy. Listopad 1941” (1941) jest pierwszą z tej serii. Inna praca, „Spalona wieś” (1942), przepojona jest głębokim cierpieniem. W 1942 roku Deineka stworzył przepełnione bohaterskim patosem płótno „Obrona Sewastopola” (1942), będące swoistym hymnem na cześć odwagi obrońców miasta. Do znaczących dzieł okresu powojennego należą obrazy „Nad morzem. Rybaczki” (1956), „Moskwa Wojskowa”, „W Sewastopolu” (1959), a także mozaiki do foyer auli Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego im. M.V. Łomonosowa (1956), mozaiki do foyer Pałacu Kongresy na Kremlu moskiewskim (1961). Mozaiki Deineki zdobią moskiewskie stacje metra Mayakovskaya (1938) i Novokuznetskaya (1943). Deineka wykładał w Moskwie w WCHUTEIN (1928-1930), w Moskiewskim Instytucie Drukarskim (1930-1934), w Moskiewskiej Państwowej Akademii Sztuk im. W.I. Surikowa (1934-1946, 1957-1963), w Moskiewskim Instytucie im. Sztuki Stosowanej i Dekoracyjnej (1945-1953, dyrektor do 1948), w Moskiewskim Instytucie Architektury (1953-1957). Był członkiem prezydium (od 1958), wiceprezesem (1962–1966), sekretarzem akademickim (1966–1968) wydziału sztuk zdobniczych Akademii Sztuk Pięknych ZSRR. 12 czerwca 1969 roku zmarł Aleksandrowicz Deineka. Został pochowany na moskiewskim cmentarzu Nowodziewiczy (miejsce nr 7). Prace Deineki znajdują się w zbiorach: KKG im. A. A. Deineka, Galeria Trietiakowska, Państwowe Muzeum Rosyjskie, Instytut Rosyjskiej Sztuki Realistycznej (IRRI) itp. Prace Deineki w związku z rozwojem rynku sztuki w Rosji w ostatnich latach, popytem na dzieła tego artysty i brakiem nowe, poważne naukowe opisy jego twórczości dość często stają się przedmiotem fałszerstw. Obraz „Za kurtyną” radzieckiego artysty Aleksandra Deineki został sprzedany na aukcji London Mac. Dougall's za 2 miliony 248 tysięcy funtów – prawie 3,5 miliona dolarów[
Ferdynand Hodler. Przemówienie studentów z Jeny w 1813 r. 1908 -1909 Ferdinand Hodler (niem. Ferdinand Hodler; 14 marca 1853, Berno - 19 maja 1918, Genewa) - artysta szwajcarski. Jeden z największych przedstawicieli „nowoczesności”. W tamtych latach malował pejzaże i portrety w duchu realizmu. W 1875 odwiedził Bazyleę, gdzie studiował twórczość Hansa Holbeina Młodszego, a zwłaszcza jego obraz „Martwy Chrystus”, co później skierowało jego uwagę na temat śmierci. Dzieła lat 90. XIX wieku ukazują wpływ kilku gatunków, w tym symboliki i modernizmu. Hodler rozwinął styl, który nazwał „równoległością”, charakteryzujący się symetrycznym ułożeniem postaci w pozach tanecznych lub rytualnych.
Piotr Władimirowicz Williams (1902-1947) – radziecki malarz, grafik, scenograf i scenograf teatralny. Czczony Artysta RFSRR (1944). Laureat trzech Nagród Stalinowskich I stopnia (1943, 1946, 1947). Peter Williams urodził się 17 (30) kwietnia 1902 w Moskwie w rodzinie naukowca-technologa V. R. Williamsa (1872 -1957), syna Roberta Williamsa, amerykańskiego inżyniera mostowego, który został zaproszony do pracy w Rosji w 1852 roku i pozostał na zawsze w niej. Od 1909 uczęszczał do szkoły-pracowni V.N. Meszkowa. W 1918 roku przez krótki czas był studentem Wydziału Lekarskiego Uniwersytetu Moskiewskiego. W latach 1919-1924 studiował w WCHUTEMAS u takich mistrzów jak V. V. Kandinsky, I. I. Mashkov, K. A. Korovin, D. P. Shterenberg. W 1922 brał udział w tworzeniu eksperymentalnego Muzeum Kultury Malowniczej. W latach 1922-1924 należał do grupy „konkretywistów”, która stała u podstaw OST (1925-1930). Profesor Moskiewskiego Instytutu Sztuk Użytkowych i Dekoracyjnych (1947). Od 1929 pracował jako artysta teatralny. Od 1941 roku główny artysta Teatru Bolszoj stworzył emocjonalny, integralny stylistycznie projekt spektakli.
Siergiej Alekseevich Luchishkin (30 maja (12 czerwca) 1902, Moskwa - 27 listopada 1989, tamże) - radziecki artysta, postać teatralna, Czczony Artysta Federacji Rosyjskiej. Biografia i twórczość Urodzony w rodzinie sklepikarza. W latach 1917-1923 studiował na kursach deklamacyjnych (od 1919 – Państwowy Instytut Słów). Równolegle w latach 1919–1924 uczył się w Wolnych Warsztatach Artystycznych u A. Arkhipowa, a następnie (po przekształceniu ich w WCHUTEMAS) u Ljubowa Popowej, Aleksandry Ekster i Nadieżdy Udalcowej. Był członkiem grupy Metody (1924) i Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST; od tego samego roku). Uczestnik najbardziej radykalnych eksperymentów artystycznych lat dwudziestych XX wieku. Podążając za S. Nikritinem, opracował tabele i wykresy pojęciowe - „projekcje” pomysłów, które miały zastąpić tradycyjne dzieło (Współrzędne powierzchni obrazowej, 1924). W latach 1923-1929 kierował pracownią Teatru Projekcyjnego, która łączył scenografię w duchu konstruktywizmu z początkami teatru absurdu. Do 1930 wielokrotnie pełnił funkcję organizatora miejskich pochodów propagandowych, w latach 1930-1932 był dyrektorem artystycznym i dyrektorem Teatru Małych Form moskiewskiego Proletkultu. W 1932 wstąpił do zarządu Moskiewskiej Organizacji Związku Artystów (MOSH). Zabawna zasada połączona z absurdem i tragedią jest charakterystyczna dla najlepszych dzieł sztalugowych Luchishkina (Naprawdę kocham życie, 1924–1926; Piłka odleciała, 1926; Wyciągając szyję, strzeże nocy kołchozu, 1930). Pełnił funkcję scenografa do filmu Cyrk (reż. G. Aleksandrow, 1936). Później zajmował się plakatami, pracami projektowymi na Ogólnorosyjskiej Wystawie Rolniczej i podobną działalnością oportunistyczną. Zmarł 27 listopada 1989 roku w Moskwie w osiemdziesiątym ósmym roku życia. Pozostawione wspomnienia.
Jurij Iwanowicz Pimenow (13 (26) listopada 1903, Moskwa - 6 września 1977, Moskwa) - radziecki malarz, artysta teatralny, scenograf i grafik, pedagog, profesor. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1962; członek korespondent 1954). Artysta Ludowy ZSRR (1970). Laureat Nagrody Leninowskiej (1967) i dwóch Nagród Stalinowskich II stopnia (1947, 1950). Jurij Pimenow urodził się w Moskwie w rodzinie prawnika. W latach 1920–1925 studiował w VKHUTEMAS u V. A. Faworskiego i S. V. Malyutina. Po ukończeniu studiów w 1925 roku został jednym z założycieli Towarzystwa Malarzy Sztalugowych. We wczesnym okresie Pimenow pozostawał pod silnym wpływem niemieckiego ekspresjonizmu, co w dużej mierze wyjaśnia histeryczną i dramatyczną ostrość jego najlepszych obrazów tamtych lat: „Inwalidzi wojny” (1926, Państwowe Muzeum Rosyjskie), „Daj przemysł ciężki!” (1927); „Żołnierze przechodzą na stronę rewolucji” (1932; obaj w Galerii Trietiakowskiej). Z biegiem lat przeszedł w stronę odnowionego impresjonizmu, wyznając twórczą zasadę „pięknej chwili”, lekkiego i artystycznego obrazu-wrażenia. W 1962 roku został wybrany członkiem rzeczywistym Akademii Sztuk Pięknych ZSRR. W 1966 r. Pimenow podpisał list 25 osobistości kulturalnych i naukowych do Sekretarza Generalnego Komitetu Centralnego KPZR L. I. Breżniewa przeciwko rehabilitacji Stalina
Członkowie towarzystwa Basmanow Paweł Iwanowicz Bruni Lew Aleksandrowicz Jefimow Iwan Semenowicz Żołtowski Iwan Władysławowicz Istomin Konstantin Nikołajewicz Krawczenko Aleksiej Iljicz Kuzniecow Paweł Warfołomejewicz Kupriejanow Nikołaj Nikołajewicz Lebiediew Władimir Wasiljewicz Matwiejew Aleksander Terentiewicz Mohylewski Aleksander Pawłowicz Muchina Wiera Ignatiewna Niwinski I gnatievich Niss -Goldman Nina Ilyinichna Ostroumova-Lebiediewa Anna Pietrow -Wodkin Kuźma Siergiejewicz Saryan Martiros Siergiejewicz Uljanow Nikołaj Pawłowicz Faworski Władimir Andriejewicz Szczusiew Aleksiej Wiktorowicz
OMH – Towarzystwo Artystów Moskiewskich Towarzystwo Artystów Moskiewskich – założone w 1928 roku, w tym samym czasie opublikowano statut i deklarację. W skład OMH wchodzili byli członkowie stowarzyszeń „Malarzy Moskiewscy”, „Makowiec” i „Bycie”, a także członkowie „Jack of Diamonds”. Członkowie stowarzyszenia rozwijali motywy radzieckie i starali się przekazać materialną różnorodność świata poprzez plastyczną jedność koloru i formy, połączenie energetycznego modelowania objętości oraz modelowania światła i cienia. W deklaracji stowarzyszenia czytamy: „Żądamy od artysty jak największej efektywności i wyrazistości formalnych aspektów jego twórczości, tworzących nierozerwalną jedność z ideową stroną tej ostatniej”. W 1931 r. część członków OMH przeniosła się do AHR, co spowodowało rozpad stowarzyszenia. Towarzystwo posiadało warsztaty plastyczne i produkcyjne (MASTOMH).
Artyści Omkh zjednoczyli aż 70 członków i kandydatów Gierasimowa, Siergieja Wasiljewicza Grabara, Igora Emmanuilowicza Drevina, Aleksandra Dawidowicza Konczałowskiego, Piotra Pietrowicza Krymowa, Nikołaja Pietrowicza Kuprina, Aleksandra Wasiljewicza Lebiediew-Shuisky, Anatolij Adrianowicz Lentulow, Arystarch Wasiljewicz Maszkow, Ilja Iwanowicz Morgunow, Alekseseyei Morgunov, Alekseyyy Morgunov, Ilya Morgunov, Alekgovyov Alekseevich Osmerkin, Aleksandrovich Rozhdestvensky, Vasily Vasilyevich Ryndin, Vadim Fedorovich Udaltsova, Nadezhda Andreevna Falk, Robert Rafailovich Feigin, Moisey Aleksandrovich Fonvizin, Artur Władimirowicz Czernyszew, Nikołaj Michajłowicz Chirkov, Anton Nikołajewicz Szestakow, N. I. Szewczenko, Aleksander Wasiljewicz i inni.
Ojciec rodziny - Piotr Pietrowicz Konczałowski (1839-1904), znany pisarz, tłumacz i wydawca. Teść - Wasilij Iwanowicz Surikow (1848-1916), wielki rosyjski malarz, akademik. Żona - Olga Wasiljewna Surikowa (1878-1958) Córka - Natalia Pietrowna Konczałowska (1903-1988), pisarka Syn - Michaił Pietrowicz Konczałowski (1906 -?), malarz Zięć - Siergiej Władimirowicz Michałkow (1913-2009), dziecięca pisarz, Bohater Pracy Socjalistycznej, autor hymnu ZSRR i Rosji Wnuki: Ekaterina Mikhalkova-Konchalovskaya (żona pisarza Juliana Siemionowa) Andriej Siergiejewicz Konczałowski (ur. 1937), reżyser, Artysta Ludowy RSFSR Nikita Siergiejewicz Michałkow (ur. 1945), reżyser, aktor, Artysta Ludowy RSFSR, Przewodniczący Związku Operatorów Federacji Rosyjskiej Prawnuki: Egor Andriejewicz Michałkow-Konczałowski (ur. 1966), reżyser Stepan Nikitich Michałkow (ur. 1966), aktor Olga Yulianovna Semyonova (ur. 1967), dziennikarka, publicystka, aktorka Anna Nikitichna Mikhalkova (1974), aktorka Artem Nikiticch Mikhalkov (1975), aktor Nadieżda Nikitichna Mikhalkova (1986), aktorka
Nikołaj Andriejewicz Andriejew (26 października 1873 r., Moskwa - 24 grudnia 1932 r.) – rosyjski rzeźbiarz i grafik, członek Partnerstwa Wędrowców. Czczony Artysta RFSRR (1931). W swojej twórczości oddawał hołd impresjonizmowi, symbolizmowi i realizmowi. Autor portretów postaci rewolucyjnych, twórca „leninizmu” (stworzył około 100 wizerunków rzeźbiarskich i 200 graficznych W.I. Lenina). 1885–1891 – studiował w Szkole Artystyczno-Przemysłowej Stroganowa. 1892-1901 - studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury pod kierunkiem S. M. Volnukhina; doświadczył silnego wpływu formalnego ze strony P. P. Trubetskoya. 1904 – wstępuje do Związku Wędrowców.
Ivan n Dmitrievich Shadr (prawdziwe nazwisko - Iwanow; 30 stycznia (11 lutego) 1887, Taktashinskoye, obecnie obwód Kurgan - 3 kwietnia 1941, Moskwa) - rzeźbiarz monumentalny. Iwan Dmitriewicz Iwanow urodził się 30 stycznia (11 lutego) 1887 r. We wsi Taktashinsky, obwód czelabiński, obwód Orenburg (obecnie wieś Taktashi, osada miejska, wieś robocza Miszkino, rejon Miszkinski, obwód Kurgan). Ojciec - Dmitrij Jewgrafowicz Iwanow (5 maja 1860 lub 17 czerwca 1862 - 8 kwietnia 1926), Matka - Maria Egorovna (z domu Ovchinnikova, córka chłopa we wsi Ryapolovo, powiat kowrowski, obwód włodzimierski (ok. 1863 - 23 listopada , 1935). Wieś Taktaszynskoje jest miejscem sezonowej pracy stolarza Dmitrija Jewgrafowicza Iwanowa, a jego stałym miejscem zamieszkania jest miasto rejonu Shadrinsky w prowincji Perm (obecnie w obwodzie kurgańskim). Pradziadek Iwana malował Ściany Soboru Przemienienia Pańskiego jego ojciec i wujkowie byli także budowniczymi i bogomazami (malarzami kościelnymi). Ale zgodnie z głównym zajęciem rodzinnym Dmitrij Jewgrafowicz był stolarzem. Iwan Dmitriewicz był trzecim synem w rodzinie dwunastu dzieci (zmarło troje dzieci) Prawdopodobnie Iwan został ochrzczony w kościele Świętej Trójcy od wójta ostrownoje masleyskiego obwodu czelabińskiego (obecnie rejon miszkinski obwodu kurgańskiego).W 1898 r. Wania zabrali go do Jekaterynburga do fabryki kupców Panfiłowa, gdzie był najpierw chłopcem na posyłki, potem stróżem i ładowaczem. W 1901 roku Iwan uciekł z fabryki. Bez żadnego przygotowania zdał pomyślnie egzamin rysunkowy w Szkole Artystyczno-Przemysłowej w Jekaterynburgu, gdzie uczył się do 1906 roku u T. E. Zalkalna. Latem 1907 roku Iwan wraz z kolegą ze studiów Piotrem Drobyszewem udał się w podróż po Rosji, do miejsc, które odwiedzał w swoim czasie Maksym Gorki. Odwiedzili Kamę, Wołgę, Don, przejechali Kaukaz, Ukrainę, zatrzymali się w Moskwie, Iwan poszedł do Petersburga. W stolicy, po nieudanej próbie wstąpienia do Akademii Sztuk Pięknych, Ivan pracował na pół etatu, w szczególności śpiewając ulicznie. Pewnego dnia jego głos usłyszał dyrektor Teatru Aleksandryjskiego M.E. Darsky, który brał czynny udział w losach młodego człowieka. Pomógł Iwanowi wstąpić na Wyższe Kursy Dramatyczne Szkoły Teatralnej w Petersburgu, aby mógł uczyć się śpiewu. W szkole I. Shadr nadal rysował i rzeźbił. Jego rysunki trafiły do I.E. Repina, który bardzo je docenił. Na prośbę petersburskich koneserów talentu Iwana Dmitriewicza władze miasta Shadrinsk przyznały mu stypendium. W Petersburgu Shadr uczęszczał także do szkoły rysunkowej Towarzystwa Zachęty Sztuki N.K. Roericha i Szkoły Dramatu Muzycznego. Iwan mieszkał w stolicy do 1908 r., następnie przez rok służył w rosyjskiej armii cesarskiej.
W 1910 roku Iwan wyjechał za granicę. Najpierw do Paryża, gdzie był studentem wyższych miejskich kursów rzeźby i rysunku w Académie de la Grande Chaumiere pod kierunkiem F. O. Rodina i E. A. Bourdelle’a. W 1911 r. paryscy nauczyciele wysłali I. Shadra na staż do Rzymu w Instytucie Sztuk Pięknych. W 1912 r. Iwan Dmitriewicz wrócił do Rosji. W Moskwie studiuje w Moskiewskim Instytucie Archeologicznym. W 1918 r. Szadr wyjechał do Omska, aby zabrać rodzinę do Moskwy, w tym mieście pozostał jednak do 1921 r. Prowadził tam wykłady o sztuce. Pracował w Wychowaniu Politycznym 5 Armii i w Sibrevkom. W 1921 r., zaraz po przywróceniu połączenia kolejowego, Szadr wyjechał do Moskwy. W 1926 r. I. Szadr został członkiem Towarzystwa Rzeźbiarzy Rosyjskich, później Związku Rzeźbiarzy Radzieckich. Iwan Dmitriewicz Szadr zmarł 3 kwietnia 1941 roku w Moskwie. Został pochowany w Moskwie na cmentarzu Nowodziewiczy (działka nr 2, nagrobek - rzeźbiarz I. Rabinowicz, architekci G. P. Golts, A. A. Zavarzin. I. D. Shadr był żonaty z moskiewską Tatianą Władimirowna Guryevą (1893 - 19 sierpnia 1974) , pochowany obok jej mąż na cmentarzu Nowodziewiczy. W ich rodzinie nie było dzieci.
Działalność twórcza I. D. Shadr w swoim warsztacie w Moskwie pracuje nad kompozycją rzeźbiarską „Dziewczyna z wiosłem” (wersja I) W swojej twórczości Ivan Shadr szukał sposobów na stworzenie monumentalnej realistycznej rzeźby. Powstałe przez niego w latach 1910-1930 liczne budowle pamięci poświęcone były głównie ofiarom I wojny światowej. Kojarzone są z tradycjami secesji i ruchów narodowo-romantycznych, wyróżniają się lepkimi, ciężkimi rytmami, upodobaniem do metaforycznego rozumienia motywu ludzkiego ciała, kamienia zamrożonego w martwej materii lub uwolnionego od niej, a czasem wykorzystanie elementów architektury ludowej. Wśród jego wczesnych dzieł wyróżnia się projekt „Pomnik cierpienia świata” (1916). Później dzieło to przekształciło się w jeszcze ambitniejszy projekt „Pomnik Ludzkości”. W 1919 r. Syberyjski Korpus Kadetów zamówił Iwanowi Szadrowi pomnik jego ucznia, generała Korniłowa, za 18 tysięcy rubli. W tym samym roku rzeźbiarz przygotowywał projekt koronacji admirała Kołczaka, a także projekt pomnika ku czci wyzwolenia Syberii. Ponadto rząd Kołczaka powierzył Shadrowi opracowanie szkiców banknotów z serii „Odrodzenie Rosji”. Projekty te pozostały jednak niezrealizowane, gdyż w listopadzie 1919 r. Tymczasowy Rząd Wszechrosyjski uciekł z Omska, a miasto zostało zajęte przez oddziały Armii Czerwonej. W kwietniu 1920 r. I. Szadr podejmuje się utrwalenia pamięci o ofiarach Białego Terroru, pochowanych w ogrodzie miejskim w Omsku. W maju tego samego roku otrzymał od Sibrevkom zamówienie na pomnik Karola Marksa. Latem pomnik był już gotowy i zamontowany. W Omsku Iwan Dmitriewicz pracował także nad płaskorzeźbami przedstawiającymi Karola Marksa, Karola i Wilhelma Liebknechtów oraz Różę Luksemburg. I. D. Shadr jest autorem rzeźb tzw. „ludzi pieniądza”: postaci robotnika, chłopa, żołnierza Armii Czerwonej i siewcy (gips, 1922, Muzeum Rosyjskie; odlewy z brązu – w Galerii Trietiakowskiej), stworzonych na zlecenie Goznaka do reprodukcji na banknotach. Pierwsze trzy rzeźby stały się podstawą do wydania czwartej standardowej emisji znaczków pocztowych RSFSR (TsFA (ITC „Marka”) nr 73-85), pierwszego standardowego wydania ZSRR (TsFA (ITC „Marka” ) nr 99-194) i częściowo dla kolejnych dwóch (DFA (ITC „Marka”) nr 281-287, 291-295). Pierwsza w ZSRR pocztówka ze znaczkiem artystycznym i koperta ze znaczkiem ukazała się ze znaczkami Szadrowskiego. Rzeźby Iwana Dmitriewicza reprodukowano także na obligacjach pożyczkowych i rządowych papierach wartościowych ZSRR. Rzeźbiarz znalazł prototypy swoich bohaterów we wsi Prygovaya (Kolganova) w wołoście Krestovskaya w rejonie Shadrinsky (obecnie w radzie wiejskiej Iłtyakovsky w rejonie Shadrinsky). W 1923 r. Szadr brał udział w projektowaniu Ogólnorosyjskiej Wystawy Rolnictwa i Rzemiosła w Moskwie. Tam też pokazano jego rzeźby, które odniosły sukces.
W 1924 roku Iwan Szadr stworzył pełnowymiarową rzeźbę „Lenin w trumnie”, co uczyniło go głównym mistrzem przedwojennego leninizmu rzeźbiarskiego. W ciągu 13 lat I. Szadr stworzył 16 wizerunków rzeźbiarskich W. I. Lenina, w tym dla Centralnego Muzeum W. I. Lenina w 1934 r. Do jego najważniejszych dzieł należy pomnik z jedenastometrową figurą z brązu, ustawiony w 1927 roku na terenie Elektrowni Wodnej Zemo-Avchala imienia W.I. Lenina (ZAGES) w Gruzji. Jest to jeden z pierwszych pomników W.I. Lenina, rozebrany w 1991 roku. „Kostka brukowa - broń proletariatu” (Park Powstania Grudniowego, Moskwa) Ivan Shadr stworzył rewolucyjne romantyczne, uogólnione obrazy symboliczne, na przykład płaskorzeźbę „Walka z ziemią” (1922), rzeźbę „Kostka brukowa - broń proletariat” (1927). Ten ostatni, oprócz Moskwy, został zainstalowany w Czelabińsku, Lwowie, Szadrinsku, Mongolii i Rumunii. W 1926 r. Shadr wyjechał za granicę: odwiedził Francję i Włochy. W Paryżu rzeźbi popiersie L. B. Krasina, ówczesnego pełnomocnika ZSRR, a następnie powtarza portret w marmurze. W 1931 roku Shadr wykonał nagrobek VM Fritsche. W 1934 roku Ivan Shadr rozpoczął pracę nad rzeźbą „Dziewczyna z wiosłem” dla Centralnego Parku Kultury. O imieniu Gorkiego w Moskwie. Głównym modelem rzeźbiarza był V.D. Voloshina, student Moskiewskiego Instytutu Wychowania Fizycznego. Rzeźbę zainstalowano pośrodku fontanny przy głównej arterii Parku Gorkiego w 1935 roku. Jednak spotkał się z krytyką i w tym samym roku został przeniesiony do Parku Kultury i Wypoczynku Gorkiego (Ługańsk)|Park Kultury i Wypoczynku w Ługańsku. Jego zredukowany egzemplarz przechowywany jest w Galerii Trietiakowskiej. Pod koniec lat 50. XX w. za namową żony rzeźbiarza przeniesiono dzieło gipsowe I. Shadra na brąz. Latem 1936 roku I. D. Shadr stworzył nową, powiększoną ośmiometrową rzeźbę wykonaną z barwionego betonu. Wzorem dla niej była gimnastyczka Zoya Bedrinskaya (Belorucheva). Na środku fontanny, w tym samym miejscu, zainstalowano nową „Dziewczynę z wiosłem”. Rzeźba uległa zniszczeniu w 1941 roku podczas bombardowania. Błędnie uważa się, że rzeźby Iwana Szadra posłużyły za prototypy do stworzenia tanich kopii gipsowych, które masowo instalowano w parkach niemal w całym ZSRR. W istocie wzorowano je na pracy rzeźbiarza R. R. Iodko o tym samym nazwisku, jednak postać dziewczynki w kostiumie kąpielowym i z wiosłem w lewej ręce, którą wykonał dla parku stadionu wodnego Dynamo w 936 1. Pod koniec lat trzydziestych Szadr pracował nad projektem pomnika A.S. Puszkina. W 1939 roku stworzył rzeźbę A. M. Gorki na obrazie Petrela (brąz, Galeria Trietiakowska). W tym samym roku przygotował bardziej klasyczny model pomnika Gorkiego. Jednak pomnik ten został zbudowany w pobliżu dworca Białoruskiego w Moskwie po śmierci Iwana Dmitriewicza przez rzeźbiarza V. I. Mukhinę przy pomocy N. G. Zełenskiej i Z. G. Iwanowej. Większość dzieł I. D. Shadra (w szczególności „Burza ziemi”, „Kostka brukowa - broń proletariatu” i inne) znajduje się w Muzeum Historii Współczesnej Rosji w Moskwie. I. D. Shadr jest autorem nagrobków N. S. Alliluyeva (1933; architekt - I. V. Zholtovsky) i E. N. Niemirowicza-Danczenki (1939) na Cmentarzu Nowodziewiczym w Moskwie. Obydwa nagrobki wykonane są z marmuru i granitu. Nagrobek Nadieżdy Alliłujewej wykonał rzeźbiarz na zlecenie Komitetu Centralnego Wszechzwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików. Autorami modelu Orderu Lenina, którego szkic przekazano im wiosną 1930 r., byli Iwan Szadr i rzeźbiarz P.I. Tayozhny.
Sarra Dmitrievna Lebedeva (nazwisko panieńskie - Dormilatova, (11) 23 grudnia 1892, St. Petersburg - 7 marca 1967, Moskwa), mistrz portretu rzeźbiarskiego. Zasłużony Artysta Federacji Rosyjskiej (1945), Członek Korespondent Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1958) Urodzony w rodzinie urzędnika. Studiowała w Szkole Rysunku, Malarstwa i Rzeźby Michaiła Bernsteina i Leonida Sherwooda (1910-1914), pracowała w pracowni rzeźbiarskiej Wasilija Kuzniecowa (1914). Od 1925 mieszkała w Moskwie. Od 1926 członek Towarzystwa Rzeźbiarzy Rosyjskich. Brał udział w realizacji planu „monumentalnej propagandy”. W dwudziestoleciu międzywojennym stworzyła wiele portretów swoich współczesnych: Wiacza. Iwanow (1925), Feliks Dzierżyński (gips, 1925), Aleksander Tsyurupa (1927), Abram Efros (gips, 1927), Walery Czkałow (1937), Solomon Michoels i Vera Mukhina (obie gipsy, 1939), Aleksander Twardowski (gips, 1943 i marmur, 1950), Władimir Tatlin (wapień, 1943-1944), Mariam Aslamazyan (1949), Konstantin Paustowski (1956) itd. Do najlepszych przykładów rosyjskiej rzeźby pamiątkowej należy nagrobek Borysa Pasternaka dłuta Lebiediewy w Cmentarz Pieriedelkinskoje (piaskowiec, 1965). Nagrobek jest stelą o surowych formach o romantycznym profilu poety, wykonaną w technice głębokiego reliefu. W 40. rocznicę śmierci Pasternaka (2000) pomnik Lebiediewy, który wymagał już renowacji, zastąpiono wierną kopią dzieła rzeźbiarza Dmitrija Szachowskiego. Lebiediewa posiada także wykonany w wapieniu portret Pasternaka (1961-1963).
Matveev Alexander Terentyevich (13 (25) sierpnia 1878, Saratów - 22 października 1960, Moskwa) - rosyjski, radziecki rzeźbiarz, krytyk sztuki; mistrz i nauczyciel, który swoją twórczością wywarł znaczący wpływ na rozwój współczesnej sztuki plastycznej. Jeden z organizatorów, inspiratorów ideowych i czynny uczestnik wielu stowarzyszeń twórczych pierwszej tercji XX wieku. Profesor: TSUTR w Piotrogrodzie (1917), Akademia Sztuk Pięknych (1918-1948; dyrektor 1932-1934). Doktor historii sztuki (1939). Czczony Artysta RFSRR (1931).
Vladi Mir Andreevich Favorsky (1886-1964) Rosyjski i radziecki grafik, mistrz portretu, drzeworytu i grafiki książkowej, krytyk sztuki, scenograf, muralista, nauczyciel i teoretyk sztuk pięknych, profesor. Akademik Akademii Sztuk Pięknych ZSRR (1962; członek korespondent 1957). Artysta Ludowy ZSRR (1963). Laureat Nagrody Lenina (1962)
Lazar Markovich (Mo rduhovich) Lisitsky (grafika książkowa w języku jidysz sygnowana nazwiskiem Leizer (Eliezer) Lisitsky - אליעזר ליסיצקי 10 (22) listopada 1890, wieś Pochinok, obwód smoleński (obecnie obwód smoleński) - 30 grudnia 1941, Mos kva) – radziecki artysta i architekt, powszechnie znany jako „El Lissitzky”. El Lissitzky to jeden z najwybitniejszych przedstawicieli rosyjskiej awangardy. Przyczynił się do pojawienia się suprematyzmu w architekturze.
Stowarzyszenie to zostało założone w maju 1922 roku przez moskiewskich artystów Pawła Aleksandrowicza Radimowa (przewodniczący), Aleksandra Władimirowicza Grigoriewa i Jewgienija Aleksandrowicza Katsmana (sekretarz). Do ścisłego kierownictwa dołączyli także Fiodor Bogorodski i Wiktor Perelman. Trzymali się kierunku realistycznego w malarstwie i byli następcami Stowarzyszenia Wędrowców. Artyści ci chcieli być zrozumiałi dla mas i dziś odbijać na swoich płótnach życie chłopów, robotników, bohaterów pracy, wyczyny Armii Czerwonej i przywódców rewolucji.
Pierwsze wystawy
Zbierając się w mieszkaniu wybitnego artysty przedrewolucyjnej Rosji Siergieja Maliutina, działacze nowego ruchu zatwierdzili swój Statut. Stowarzyszenie szybko przeszło od słów do czynów i już w 1922 roku zorganizowało trzy wystawy. Pierwszą wysłano na pomoc głodującym. W drugim ukazał się katalog, w którym upubliczniono wszystkie główne idee grupy. Cała awangarda, którą realiści uznali za szkodliwą, zjednoczyła się wściekle i zaczęła przeciwstawiać się myślom Pawła Radimowa, gdy na pierwszej wystawie sporządził reportaż mówiący o realizmie jako odzwierciedleniu życia narodu radzieckiego. Od pierwszych dni swojego istnienia AHRR znalazła się pod patronatem i wsparciem materialnym K.E. Woroszyłow – przywódca Armii Czerwonej. Natychmiast w 1922 r. Niewielki zespół artystów pod przewodnictwem P. Radimowa udał się do wykonywania szkiców i szkiców w odlewniach i fabrykach. Paweł Radimow i jego towarzysze, obecni jako artyści na zjazdach partii, wykonywali szkice do portretów jej przywódców i przywódców. Po napisaniu przez P. Radimowa „Spotkania na Kremlu” i „Przemówienia Trockiego na II Kongresie Kominternu” on i Jewgienij Katsman odbyli warsztaty na terenie Kremla. P. Radimow niestrudzenie malował inspirujące portrety uczestników III Zjazdu Kominternu, szkice zjazdów partyjnych, szkice starego i nowego Kremla. Przywódcy młodego związku natychmiast wyznaczyli kurs na ład polityczny, wskazując swoim członkom, w jakim kierunku powinni pracować. Nawiasem mówiąc, w tym samym 1922 roku jeden z założycieli stowarzyszenia, Siergiej Wasiljewicz Malyutin, był autorem obrazu naszej pierwszej lalki Matrioszki, namalował jeden ze swoich najlepszych obrazów - „Portret pisarza D.A. Furmanow”. To był bohater nowych czasów. Na portrecie widzimy szlachetnego młodego i skromnego człowieka, w którym łączą się zasady duchowe i rewolucyjne. Jego twarz jest otwarta, oczy wyglądają prosto, przyjaźnie. Patrzą prosto w duszę widza. Pisarz siedzi w spokojnej, naturalnej pozie, kładzie teczkę na kolanach i trzyma w dłoni ołówek. Miał wrażenie, że na chwilę zrobił sobie przerwę w pracy nad powieścią. Tłem jest płaszcz swobodnie zarzucony na ramiona. Nic nie wyróżnia się ze skromnej palety malarza. Jedyne co przyciąga wzrok, poza piękną, inteligentną twarzą i dłońmi, to szkarłatna wstęga Orderu Czerwonego Sztandaru. Pisarz otrzymał tę nagrodę po rannym na froncie. Na takich przykładach najlepsi malarze AHRR pokazali wszystkim, że można i jak należy przedstawić na płótnie nowego człowieka. Graficy, rzeźbiarze i malarze starali się przybliżyć piękno zwykłym ludziom, którzy aktywnie budowali nowe, wolne społeczeństwo. Skupili się, nie obniżając poprzeczki artystycznej, na nim, a nie na wąskim elitarnym kręgu. Malarstwo ich zdaniem powinno jasno ukazywać wszystkim naszą rzeczywistość – budownictwo polityczne i przemysłowe, sukcesy w rolnictwie, wzmacnianie zdolności obronnych Rosji Sowieckiej. Widz na wystawach rozpoznał jego życie, zobaczył, jakie było cudowne i dobre, a w przyszłości wszystko było jasne, jasne, radosne i niesamowite.
Rozwój Akrowitów
Gmina, która połączyła się z Pieriewiżnikami, szybko się rozrosła. Minął dopiero ponad rok, a było już ponad trzystu artystów i rzeźbiarzy. Obejmował wszystkich, którzy odrzucali awangardę. Były to na przykład:
A. Kasatkin, który zajmował się gatunkiem pejzażu psychologicznego.
V. Meshkov, artysta gatunkowy i portrecista.
V. Bialynitsky-Birulya, który wcześniej zajmował się krajobrazem, a następnie zainteresował się budową zakładów metalurgicznych Azovstal, zmianami w rolnictwie i transformacją Północy.
A. Archipow, który często podróżował na północ Rosji.
E. Stolitsa, który zajmował się restauracją ikon.
K. Yuon, mistrz krajobrazu, który wstępując do AHRR stworzył takie dzieła jak „Nowa planeta”, „Ludzie”, „Parada Armii Czerwonej”, odzwierciedlające znaczenie Rewolucji Październikowej.
M. Grekowa, który brał udział w wojnie domowej w ramach armii Budionnego i napisał „Trębacze pierwszej kawalerii”, „Bitwę pod Jegorliwską”, „Tachankę”.
V. Baksheev, który stworzył obrazy „Lenin w Razlivie”, „Powstanie na tyłach białej flotylli”, „Demonstracja”, „W przeddzień 9 stycznia”. Nawet gdy AHRR przestał istnieć, namalował płótna „Teraz” i „Przed”, „V. I. Lenina i N.K. Krupskiej we wsi Kaszyno.”
Malarze, którzy zostali uznani jeszcze przed przybyciem rewolucji do „Achrowitów”: B. Kustodiew, I. Brodski, F. Maliawin, A. Ryłow, E. Lanceray, K. Petrov-Vodkin, I. Mashkov.
AHRR po cichu „wciągała” małe stowarzyszenia, takie jak „Jack of Diamonds”, „New Society of Painters”, „Genesis”, „Four Arts”, „Moscow Painters”.
główne zadanie
Członkowie AHRR za swoją główną misję, by ująć to w wielkim stylu, uważali tworzenie obrazów rodzajowych o tematyce bohaterskiej rewolucyjnej przeszłości, a także współczesnych obrazów przedstawiających pracę i życie narodu radzieckiego w realistycznych formach zrozumiałych dla wszyscy. Widz musiał od razu odczytać główną myśl z obrazów. Na obrazie V. Perelmana „Rabkor” bohater jest zamyślony i pali papierosa za papierosem. Wybiera słowa, które trafiają do serc i dusz. Leżąca przed nim gazeta „Prawda” opublikowała już „Lenin umarł”. Co można dodać do tych żałobnych słów? Cały kraj pogrążył się w żałobie. I ciągle szuka i szuka potrzebnych słów. W obrazie K. Pietrowa-Wodkina „Śmierć komisarza” patrzymy na rozległy świat oczami umierającego człowieka. Nie boi się już śmierci. Toruje mu drogę na przyszłość. Musi być jasno i pięknie, bo inaczej po co to poświęcenie? Na obrazie E. Cheptsova „Pracownicy szkoły. Przekwalifikowanie nauczycieli” ukazuje momenty debaty i refleksji pomiędzy starymi nauczycielami gimnazjów a nowymi, młodymi, chciwie chłonącymi współczesną wiedzę. Grupa OST (Society of Easel Artists) kłóciła się z AHRR, która również czerpała tematy ze współczesnej rzeczywistości, ale posługiwała się innym językiem obrazowym - ekspresjonizmem. Ich wesołe i radosne obrazy gloryfikowały sport, życie człowieka miejskiego i industrializację. Nie poruszali tematów wojny domowej. Achrowici za swoje główne zadanie w sztuce współczesnej uważali ideologię i edukację. Za największego ideologicznego wroga AHRR uważała grupę „Październikową”, która była zwolenniczką konstruktywizmu. „Achrowici” prowadzili z nią walkę nieprzejednaną, uważając ich za niewiarygodnych w sensie politycznym.
Dalszy rozwój Stowarzyszenia
Oddziały AHRR zaczęły pojawiać się w regionach i republikach ZSRR. Pierwszymi byli Leningrad, Kazań, Samara, Saratów, Niżny Nowogród, Carycyn, Jarosław, Astrachań, Kostroma. W połowie lat dwudziestych była to potężna organizacja, która dyktowała swój program i żądała jego ścisłego posłuszeństwa. Wywołało to niezadowolenie wśród artystów miłujących wolność. Niektóre grupy, jak np. „Jack of Diamonds”, zostały przez AHRR wykluczone ze swoich szeregów jako obce elementy drobnomieszczańskie. Młody malarz Nikołaj Terpsichorow poświęcił się malarstwu pejzażowemu i gatunkowemu. W 1925 roku na siódmej wystawie uwagę zwrócił jego obraz „Pierwszy slogan”. W zimnej, półmrocznej pracowni, do której przez małe okienko na poddaszu wpada przyćmione światło poranka, artysta pisze na szkarłatnym płótnie hasło „Cała władza w ręce Sowietów”. Pracownia artysty jest skromnie umeblowana. Widzimy gipsowe opatrunki, „brzuchowy piec”, który słabo ogrzewa pomieszczenie, blaszany czajniczek i bochenek chleba na stole, zwisającą z sufitu żarówkę owiniętą w zwykłą gazetę zamiast abażuru. To wszystko są oznaki codziennego życia w tych trudnych latach powojennych. Jasny slogan wdziera się jak świeży wiatr niosący rewolucję, napełniając życie artysty nowym znaczeniem. Później napisał „Koniec zniszczeń w transporcie”, oddając swój sens epoki, emocjonalnie odsłaniając temat rewolucji i budowy nowego społeczeństwa. W 1930 roku czcigodny i bardzo znany artysta Izaak Brodski namalował obraz, który od razu stał się klasykiem – „Lenin w Smolnym”. Artysta niejednokrotnie malował portrety wodza. W tym czasie namalowano już wielkoformatowe płótno „Przemówienie W.I. Lenina na wiecu pracowników zakładu Putiłowa”. Tym razem artysta zdecydował się na skromną kolorystykę, która podkreśla prawdziwość obrazu rzeczywistego miejsca. Ten obraz Lenina, przy całym jego podobieństwie do portretu, bardzo zbliżył widza do intensywnego życia codziennego głowy państwa, ponieważ został namalowany niemal na całej wysokości. Otaczające go środowisko jest ascetyczne i skromne. Lenin jest głęboko pogrążony w swoich myślach i pisze coś, lekko pochylony. Nic nie odrywa go od pracy. Otacza go cisza. Kiedy ukazał się ten obraz, pojawiły się liczne reprodukcje, pocztówki i ulotki przedstawiające to dzieło.
Zakończenie działalności
W 1928 roku odbył się zjazd AHRR, na którym dokonano zmian w statucie, a także zmieniono nazwę. Stowarzyszenie zostało przemianowane na Stowarzyszenie Artystów Rewolucji (AHR). Liderzy zakładali, że w ich szeregach znajdą się zagraniczni artyści komunistyczni, a także nowa młodzież artystyczna. Liderzy przestali nawet zwracać uwagę na to, że język artystyczny niektórych członków stowarzyszenia zaczynał odbiegać od realizmu. Stopniowo stowarzyszenie zaczęło się rozpadać w wyniku sprzeczności. Twórczość wielu artystów bardzo odbiegała od klasyki AKhR. Nie było jednego kierunku stylistycznego. Wielu malarzy działających w Azji Centralnej było jedynie nominalnie członkami Stowarzyszenia i nawet nie wystawiało swoich prac na wystawach. Nie przyczyniło się to do jedności i wzmocnienia. W 1932 roku uchwałą Komitetu Centralnego Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików rozwiązano wszystkie stowarzyszenia artystyczne, w tym Akademię Sztuk Pięknych. Zasady opracowane przez tę organizację stały się podstawą utworzenia Związku Artystów ZSRR.
Tatiana Piksanova
Drogi rozwoju sztuki sztalugowej w latach dwudziestych XX wieku. OST, OMKh, „4 Arts” i AHRR.
W pierwszych latach rewolucji nadal rozwijały się tradycyjne formy malarstwa sztalugowego i grafiki sztalugowej. Sztuka pierwszej popaździernikowej dekady tworzyła ręce mistrzów naturalnie kojarzonych ze sztuką przełomu wieków. Lata dwudzieste XX wieku były burzliwym okresem dla sztuki.
Było wiele różnych grup. Każdy z nich przedstawił platformę, każdy wyszedł ze swoim manifestem. Do najważniejszych grup, których deklaracje i praktyka twórcza odzwierciedlały główne procesy twórcze tamtych czasów, zaliczały się AHRR, OST i „4 Arts”.
Grupa AHRR (Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji) powstała w 1922 roku (w 1928 przemianowano ją na AHRR – Związek Artystów Rewolucji). Trzon AHRR tworzyli głównie byli członkowie Stowarzyszenia Wystaw Objazdowych. AHRR zorganizowało szereg tematycznych wystaw plastycznych: „Życie i życie robotników” (1922), „Życie i życie Armii Czerwonej” (1923), „Rewolucja, życie i praca” (1924-1925). Typowe cechy twórczości Akrovitów to jasna narracja, konserwatywny „realizm”, próba odtworzenia wydarzenia historycznego lub współczesnego. Artyści AHRR starali się udostępnić swoje malarstwo ówczesnej masowej publiczności, dlatego w swojej twórczości często mechanicznie posługiwali się codziennym językiem pisarskim zmarłych Wędrowców. Aktywnie urzeczywistniali swoje hasło „dokumentu artystycznego”: praktyka wyjazdów w plener była niezwykle powszechna.
Wśród artystów AHRR wyróżnia się twórczość I. I. Brodskiego (1883-1939), który za swoje zadanie postawił sobie wierne, dokumentalne odtworzenie wydarzeń i bohaterów rewolucji. Powszechnie znane stały się jego płótna poświęcone działalności W.I. Lenina – „Przemówienie Lenina w fabryce Putiłowa”, „Lenin w Smolnym”. Mistrz malarstwa portretowego wstąpił do AHRR w 1923 roku. Jego najsłynniejsze dzieła to „Delegatka” (1927) i „Przewodnicząca” (1928), w których artysta ujawnia typowe cechy społeczno-psychologiczne kobiety w nowym społeczeństwie, aktywny uczestnik życia przemysłowego i społecznego naszego kraju.
Wśród portrecistów AHRR znaczącą rolę odegrał S.V. Malyutin. Aktywnym uczestnikiem wystaw AHRR był wybitny malarz rosyjski przełomu XIX i XX wieku. A. E. Archipow. W latach dwudziestych Arkhipow stworzył afirmujące życie obrazy chłopek - „Kobieta z dzbankiem”, „Chłopka w zielonym fartuchu”. Szczególne miejsce w malarstwie AHRR zajmuje twórczość M. B. Grekowa (1882–1934), twórcy gatunku bitewnego w sztuce radzieckiej. W takich obrazach z połowy lat 20., jak „Tachanka” (1925), Wędrowcowa precyzja obrazu łączy się z romantycznym uniesieniem.
Obok AHRR, do którego należeli artyści starszego i średniego pokolenia, posiadający już w czasach rewolucji bogate doświadczenie twórcze, czynną rolę w życiu artystycznym miasta odegrała założona w 1925 r. grupa OST (Towarzystwo Malarzy Sztalugowych). tamtych lat Zjednoczyła młodzież artystyczną pierwszego radzieckiego uniwersytetu artystycznego - WCHUTEMAS.
Członkowie OST opowiadali się za malarstwem realistycznym w zaktualizowanej formie, przeciwstawiając je sztuce nieobiektywnej i konstruktywizmowi. Ostowici, podobnie jak Achrowcy, za swoje główne zadanie uważali walkę o odrodzenie i dalszy rozwój malarstwa sztalugowego o nowoczesnej tematyce lub o nowoczesnych treściach.
Ich motywem przewodnim była industrializacja Rosji, która w ostatnim czasie była agrarna i zacofana, oraz chęć ukazania dynamiki relacji pomiędzy nowoczesną produkcją a ludźmi.
Kolejnym ważnym tematem, nad którym pracowali artyści OST, było życie miasta i jego mieszkańców XX wieku. Trzeci zakres tematyczny to sporty masowe.
Artyści poszukiwali nowego języka wizualnego, lakonicznego w formie i dynamicznego w kompozycji. Prace charakteryzuje dotkliwa lakoniczność formy, jej częsta prymitywizacja, dynamika kompozycji i graficzna klarowność rysunku. W poszukiwaniu języka adekwatnego do swoich figuratywnych i tematycznych aspiracji „Ostowici” zwrócili się już nie w stronę Wędrówki, ale w stronę tradycji europejskiego ekspresjonizmu z jego dynamiką, ostrością, wyrazistością, a także do współczesnych tradycji plakatu i kina.
Jednym z najzdolniejszych przedstawicieli grupy OST był A. A. Deineka. Najbliższymi deklaracjami OST są jego obrazy: „Przy budowie nowych warsztatów” (1925), „Przed zejściem do kopalni” (1924), „Piłkarze” (1924), „Włókiennicy” (1926). Spośród innych członków OST Yu. I. Pimenov, P. V. Williams, S. A. Luchishkin są najbliżsi Deinece pod względem charakteru swoich dzieł i cech stylistycznych.
W przeciwieństwie do grupy Ostov, która była młoda w swoim składzie, dwie inne grupy twórcze, które zajmowały ważne miejsce w życiu artystycznym tamtych lat - „4 Arts” i OMH (Towarzystwo Artystów Moskiewskich) - zjednoczyły mistrzów starszego pokolenia , który rozwinął się twórczo w czasach przedrewolucyjnych, ze szczególną obawą traktował problematykę zachowania kultury obrazowej, uznając jej język i formę plastyczną za bardzo ważny element twórczości.
4 sztuki
Towarzystwo 4 Sztuk powstało w 1925 roku.
Stowarzyszenie zostało założone przez artystów, którzy byli wcześniej członkami Świata Sztuki i Błękitnej Róży.
Do najwybitniejszych członków tej grupy należeli P. W. Kuzniecow, K. S. Pietrow-Wodkin, M. S. Saryan, N. P. Uljanow (1875–1949), V. A. Faworski (1886–1964).
Artyści tworzący grupę „4 Arts” bardzo różnili się od siebie stylem twórczym. P.V. Kuzniecow zajmuje się różnorodnymi tematami natury i życia na sowieckim wschodzie.
Dzieła Pietrowa-Wodkina, takie jak „Po bitwie” (1923), „Dziewczyna w oknie” (1928), „Niepokój” (1934), najpełniej wyrażają etyczne znaczenie różnych okresów - kamieni milowych w rozwoju społeczeństwa radzieckiego . Jego obraz „Śmierć komisarza” (1928), podobnie jak „Obrona Piotrogrodu” Deineki, powstał w opozycji do dziennikarstwa konkretnego.
Towarzystwo Artystów Moskiewskich (OMH) powstało w 1927 roku w wyniku zjednoczenia członków grup artystycznych „Malarzy Moskiewskich”, „Makowca” i „Bycie”. Wśród założycieli byli S. V. Gerasimov, I. E. Grabar, I. I. Mashkov, M. S. Rodionov, V. V. Rozhdestvensky, N. A. Udaltsova, R. R. Falk. Członkowie OMH, którego trzon stanowili byli członkowie stowarzyszenia Jack of Diamonds, starali się przekazać materialną różnorodność świata za pomocą plastycznego połączenia koloru i formy, energetycznego pociągnięcia pędzla.
W latach 1928–29 Towarzystwo zostało uzupełnione członkami moskiewskich grup artystycznych „Warsztat malarzy”, „Bycie”, „Cztery sztuki”, „Kolor ognia” i innych (wśród nich - A. I. Krawczenko, N. P. Krymow, A. V. Fonvizin, A. V. Szewczenko). Szczególną uwagę zwrócono także na podnoszenie poziomu zawodowego artystów. Ważną rolę w działalności OMH w ostatnim okresie pełniły utworzone w marcu 1928 roku warsztaty artystyczno-produkcyjne.
AHRR czyli Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (AKhR – Stowarzyszenie Artystów Rewolucji) to grupa artystów, która powstała w 1928 roku kierując się ideologią istniejącego rządu. W latach 20. ubiegłego wieku było to największe stowarzyszenie artystów, gdyż do ich rozwoju i popularyzacji przyczyniła się sama władza państwowa.
Aspiracje ideowe przedstawicieli tego stowarzyszenia są jasne i zrozumiałe. Podobnie jak wiele innych twórczych zawodów tamtych czasów - literatura, muzyka, kino, starała się na wszelkie możliwe sposoby nadążać za duchem czasu. Rewolucyjna Rosja, która obaliła rząd carski, stała się bardzo jasnym wydarzeniem i dosłownie wywróciła życie w kraju do góry nogami. Rewolucja ustanowiła nowe ideały w społeczeństwie. Ludzie mają nowych „idoli”, wartości, aspiracje, pragnienia i tak dalej. To właśnie te rzeczy nagrywali artyści należący do społeczności AHRR. Głównymi tematami były tutaj bohaterskie zwycięstwa Armii Czerwonej, jasne chwile lub życie najwybitniejszych przedstawicieli rewolucyjnej Rosji, bohaterów pracy, robotników i chłopów, którzy stali się obecnie podstawą społeczeństwa.
Większość artystów AHRR podążała za maksymalnym realizmem, odrzucając różne awangardowe style i elementy. Awangardę odrzucano jako szkodliwą, antysztuczną, istniejącą tylko dla sztuki, podczas gdy sztuka powinna istnieć tylko dla zwykłego widza. W tym sensie stowarzyszenie to było bardzo bliskie tym, którzy także propagowali sztukę dla ludzi. W wyniku połączenia tych dwóch gmin zniknęło Stowarzyszenie Wystaw Objazdowych. Wśród artystów rewolucji byli także artyści z innych społeczności - Jack of Diamonds, Genesis, Four Arts, moskiewscy malarze. Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji upadło w 1932 roku, przekształcając się zasadniczo w kolejne stowarzyszenie artystyczne, Związek Artystów ZSRR.
Chcesz kupić obraz dla siebie lub na prezent, ale nie wiesz gdzie? Zakup obrazów do wnętrz w Picture Present jest bardzo wygodny i niedrogi. Malownicze martwe natury w olejach z dostawą do domu.
Artyści AHRR
B. Ioganson – Nadchodzi Wydział Robotniczy
Brodski – W.I. Lenin w Smolnym w 1917 r
Brodski - Przemówienie W. I. Lenina na wiecu robotników zakładów Putiłowa w maju 1917 r.
Grupy artystyczne, stowarzyszenia artystów XIX-XX wieku.
Koło artystyczne Abramcewa (Mamontowskiego).- tak to nazywali
przedstawiciele inteligencji twórczej, głównie z Moskwy,
zjednoczeni wokół słynnego przedsiębiorcy i filantropa S.I. Mamontowa.
W domu odbywały się spotkania i spotkania artystów i miłośników sztuki
Mamontowa na ulicy Spasko-Sadowej, a latem na osiedlu pod Moskwą
Abramcewo koło Siergijewa Posada. Mamontow pomagał artystom finansowo,
wspierał ich liczne twórcze przedsięwzięcia. Koło istniało w latach 1878-93
gg., chociaż nigdy nie było to oficjalne stowarzyszenie ani stowarzyszenie artystyczne
grupowanie. Artyści często przyjeżdżali do Abramcewa na całe lato z rodzinami.
Tutaj mogli pracować i komunikować się. Nauka języka rosyjskiego w kręgu Abramcewa
historię i kulturę połączono z chęcią wskrzeszenia tradycji ludowych
kreatywność. Na terenie osiedla zorganizowano warsztaty mające na celu ożywienie starożytności
rzemiosło artystyczne (rzeźba w drewnie, majolika, krawiectwo). W parku
Abramcewa, budynki wzniesiono w „stylu rosyjskim” - „Terem” (I.P.
Roneta, 1873), kościół i „Chata na Kurczych Udkach” (proj. V.M.
Wasnetsowa, 1881-83). Jedno z najsłynniejszych przedsięwzięć kręgu Mamontowa
rozpoczęły się występy amatorskie. Od 1878 roku wystawiane są co sezon:
zimą - w rezydencji na Spasskiej-Sadovej, latem - w Abramcewie. Sceneria,
kostiumy, plakaty i programy do nich przygotowywali sami artyści i często tak właśnie było
byli także aktorami. Najbardziej udana produkcja Mamontowskiego
Kubek uważany jest za „Śnieżną Dziewicę” A. N. Ostrowskiego, pokazaną w 1882 roku.
występy w ogromnym stopniu przyczyniły się do powstania w latach 90. XIX wieku. Moskwa, prywatny
Opera rosyjska. Do kręgu Abramcewa należeli M. M. Antokolsky, A. M. i V.
M. Vasnetsov, M. V. Vrubel, K. A. i S. A. Korokin, I. I. Levitan, M. V.
Niestierow, I. S. Ostrouchow, V. D. i E. D. Polenow, N. A. Rimski-Korsakow,
V. A. Serov, K. S. Stanislavsky, M. V. Yakunchikova i inni.
„Abstrakcja – Kreacja”-- unia międzynarodowa
artystów abstrakcji, założona w lutym 1931 roku z inicjatywy
Belgijski rzeźbiarz i malarz Van Duisburg. Cele stowarzyszenia
zaczął pojmować doświadczenie sztuki abstrakcyjnej i jej popularyzację. Do związku
„Abstrakcja-Twórcza” liczyła około czterystu członków. Twórczość tych
artyści reprezentowali różne nurty sztuki abstrakcyjnej. W
1932-36 Ukazywało się czasopismo pod tym samym tytułem. Związek upadł w latach czterdziestych XX wieku
gg.
"Czerwona róża"— stowarzyszenie moskiewskich malarzy symbolicznych
kierunki. Na jej czele stanęli mieszkańcy miasta Saratów P.V. Kuzniecow i P.S.
Utkina. Pierwsza wystawa odbyła się w maju-czerwcu 1904 roku w Saratowie.
inicjatywa studentów Moskiewskiej Szkoły Wyższej. Pokazywała dzieła E.V. Aleksandrowa,
A. A. Arapova, M. V. Volgina (Kuznetsova), I. A. Knabe, P. V. Kuznetsova, N.
N. Nordossky, wiceprezes Polovinkina, E. S. Potekhina, N. N. Sapunova, M. S.
Saryan, S. D. Simpol, S. Yu. Sudeikina, P. S. Utkina, K. L. Felden, N. P.
Feofilaktowa. M. A. Vrubel został zaproszony jako wystawca honorowy
i V. E. Borisov-Musatov. Prace wykonane w
technika majoliki w warsztatach Abramcewa. Od 1905 roku członkowie grupy przyjęli
udział w wystawach MTX i współpracował w organie Moskiewskich Symbolistów -
czasopismo „Waga”. W 1907 roku utworzyli trzon nowej grupy – "Niebieska róża",
gdzie nadal rozwijali kierunek symbolistyczny i zasady dekoratyzmu
w malarstwie.
Artel artystów(St. Petersburg Artel Artystów) --
stowarzyszenie założone w 1863 roku przez młodych artystów - uczestników „buntu”
czternaście”, który opuścił Akademię Sztuk Pięknych, odmawiając pisania do danego
programy. Byli wśród nich B.B. Wenig, A.K. Grigoriev, N.D.
Dmitriev-Orenburgsky, F. S. Zhuravlev, A. I. Korzukhin, I. N. Kramskoy, K. V.
Lemoch, A. D. Litowczenko, A. I. Morozow, M. I. Pieskow, N. P. Pietrow i N. S.
Szustow. Artyści osiedlili się razem na Wyspie Wasiljewskiej i kontynuowali wspólne życie
uprawianie roli i wykonywanie pracy twórczej. W 1865 roku zatwierdzono Kartę Artela,
zgodnie z którą jej członkowie wspólnie wykonywali różnorodne prace artystyczne
zamówienia, a opłaty zostały podzielone między sobą. Część środków poszła na tzw
„wspólny kocioł”. Tam też poszły odsetki od zamówień indywidualnych. Wszystkie pytania
o kreatywności zadecydowali wspólnie pracownicy artelu. W istocie była to forma pracy
gminy. Artel zajmował się także organizacją wystaw. W czwartki
odbywały się wieczory rysunkowe artelowe, które przyciągały mieszkańców Petersburga
inteligencja i twórcza młodzież
Stowarzyszenie Nowych Architektów (ASNOVA)- pierwszy w okresie porewolucyjnym
Rosyjska organizacja innowacyjnych architektów, założona w 1923 roku w Moskwie.
Celem Stowarzyszenia było wypracowanie nowego formalnego języka artystycznego
architektura, nowe metody edukacji architektonicznej. Stowarzyszenie było blisko
związany z wydziałem architektonicznym Vkhutemas, jego członkami (N.V. Dokuchaev, V.
F. Krinsky i inni) zorganizowali tam specjalny wydział, w którym
nauka jazdy na rowerze nową metodą. Ponadto głos zabrali członkowie ASNOVA
press poświęconym różnym zagadnieniom architektury, a także przygotował publikację
„Architektura Wchutemas” (Moskwa, 1927). W 1926 roku Towarzystwo wydało Izwiestię
ASNOVA”. Na początku lat 30. XX w. działały zbiorowe zespoły twórcze Stowarzyszenia
aktywnie brał udział w konkursach architektonicznych: projekty Pałacu Sztuki,
Pałac Sowietów dla Moskwy (1931); Teatr masowy dla Charkowa
(1931) itd. Na czele stowarzyszenia stał N. A. Ładowski. W 1928 odszedł
ASNOVA i założyła Stowarzyszenie Architektów Miejskich (ARU), w skład którego weszli
wielu członków Stowarzyszenia. Obie organizacje zostały zlikwidowane w 1932 roku.
Uchwała Komitetu Centralnego Ogólnozwiązkowej Komunistycznej Partii Bolszewików „W sprawie restrukturyzacji literackiej i artystycznej
organizacje.”
Stowarzyszenie Pracowników Sztuk Pięknych (ARIZO)-- był
zorganizowany w Samarkandzie w 1929 roku z inicjatywy młodych
artyści-samoucy. Następnie dołączyli do niego inni artyści z Samarkandy i
Taszkent, byli członkowie taszkenckiego oddziału Akademii Sztuk Pięknych. Celem Stowarzyszenia było
Stowarzyszenie Artystów Uzbekistanu. ARIZO opowiadał się za połączeniem sztuki i
msze, dla artystycznej refleksji nad współczesnym życiem. ARIZO obejmowało około stu
członkowie, w tym A. N. Volkov, I. I. Ikramov, V. L. Rozhdestvensky i inni.
Szefem oddziału w Taszkiencie był M.I. Kurzin, oddział w Samarkandzie
kierowany przez O.K. Tatevosyana. W Samarkandzie ARIZO zorganizowało szkolenie
„Eksperymentalne warsztaty produkcyjne sztuk przestrzennych.”
Członkowie Stowarzyszenia prowadzili szeroko zakrojoną działalność propagandową wśród ludności,
omawiał problemy rozwoju sztuki narodowej, brał udział
projektowanie ulic miejskich, klubów robotniczych itp. W 1931 r. działa
członkowie Stowarzyszenia wystawiali się na „Wystawie Sztuki Uzbeckiej” w
Moskwa. W 1932 roku ARIZO zostało rozwiązane dekretem Komitetu Centralnego Ogólnozwiązkowej Partii Komunistycznej (bolszewików)
Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (AHRRR; od 1928 r. -- Stowarzyszenie
artyści rewolucji - AHR) - założona w Moskwie w maju 1922 roku, w tym samym czasie
Przyjęto Statut, zatwierdzono nazwę, utworzono Prezydium (przewodniczący P.A.
Radimov, współprzewodniczący A.V. Grigoriew, sekretarz E.A. Katsman). 1
W maju 1922 r. Na moście Kuznetskim otwarto „Wystawę malarstwa artystów”.
realistyczny kierunek pomocy głodnym”, który później stał się
można uznać za pierwszą wystawę AHRR. Członkowie Stowarzyszenia uznali za główne zadanie
tworzenie obrazów rodzajowych opartych na tematach z życia współczesnego, w których występują
rozwinęli tradycje malarskie przez Wędrowców. Achrowici walczyli z lewicą
tendencje w sztuce, które ich zdaniem wyrządziły wielką krzywdę
malarstwo realistyczne, starało się udowodnić konieczność istnienia
sztalugowe obrazy narracyjne, walczyły z hasłem „sztuka dla sztuki”.
Pierwszymi członkami AHRR byli jego założyciele: A. E. Arkhipov, F. S. Bogorodsky,
A. V. Grigoriev, N. I. Dormidontov, E. A. Katsman, V. V. Karev, N. G. Kotov,
S. V. Malyutin, S. A. Pavlov, S. V. Ryangina, N. B. Terpsikhorov, B. N. Yakovlev
itp. Organizacja szybko się rozwijała. Już latem 1923 roku Stowarzyszenie
liczyła około trzystu członków; jego regionalny i
oddziałów republikańskich, w 1926 roku było ich już około czterdziestu. Wśród pierwszych
oddziały pojawiły się w Leningradzie, Kazaniu, Saratowie, Samarze, Niżnym Nowogrodzie,
Carycyn, Astrachań, Jarosław, Kostroma, Rostów nad Donem. W AHRR
Wspólnie włączyli się członkowie innych stowarzyszeń artystycznych. Więc w
W 1924 r. do Stowarzyszenia przystąpili członkowie Nowego Towarzystwa Malarzy, w 1926 r. -
grupa „Jack of Diamonds”, w 1929 r. – artyści ze stowarzyszenia „Bycie”, w 1931 r.
- z Towarzystwa Czterech Sztuk. Wśród tych, którzy wstąpili w szeregi AHRR byli
Jest wielu malarzy, którzy zdobyli uznanie przed rewolucją październikową: V.N.
Baksheev, I. I. Brodsky, V. K. Bialynitsky-Birulya, N. A. Kasatkin, B. M.
Kustodiew, E. E. Lansere, F. A. Malyavin, I. I. Mashkov, K. S. Petrov-Vodkin,
A. A. Rylov, K. F. Yuon i inni.
W latach dwudziestych XX wieku Stowarzyszenie zdobywało coraz większą liczbę zwolenników,
cieszył się poparciem państwa i umacniał swoją pozycję, przejmując
nowe struktury. I tak w 1925 roku z inicjatywy studentów z Moskwy i
Leningradzkie uniwersytety artystyczne tworzą stowarzyszenie młodzieżowe AHRR -
OMAKhRR, który wkrótce uzyskał status autonomicznej organizacji z własną organizacją
regulamin.
Główną działalnością AHRR w latach dwudziestych XX wieku. stały się wystawami. Za
W ciągu dekady jej istnienia odbyło się jedenaście dużych wystaw. Z wyjątkiem
Ponadto Akrovites wzięli udział w XVI Międzynarodowej Wystawie Sztuki w Wenecji
(1928), na Wystawie Sztuki i Przemysłu ZSRR w Nowym Jorku (1929) oraz
pokazał także niezależną wystawę w Kolonii (1929. Równolegle z
okres 1923-31 Odbyło się ponad siedemdziesiąt wystaw oddziałów AHRR. Achrowcy
wprowadzili do swojej polityki zasadę tematyczną wystaw: „Życie i życie Czerwonych
Armia” (1922), „Życie i życie robotników” (1922), „Rewolucja, życie i praca” (1924 i
1925), „Sztuka dla mas” (1929) itp. Od nich wywodzi się tradycja
nadać wystawom formę niepowtarzalnego reportażu artystycznego.
W 1924 roku utworzono część wydawniczą AHRR, która publikowała
reprodukcje kolorowe, pocztówki, albumy i katalogi wystaw. Od 1929 r
Akrowici wydawali czasopismo „Sztuka dla mas” (wydano dwadzieścia numerów).
Działalność Stowarzyszenia zakończyła się w 1932 roku specjalną Uchwałą
Komitet Centralny Ogólnounijnej Komunistycznej Partii Bolszewików.
„Bauhaus” (jego. Bauhaus – dom konstrukcyjny) – edukacja plastyczna
instytucja i stowarzyszenie twórcze w Niemczech. Założona w 1919 r
architekt W. Groppius w Weimarze, w 1925 przeniesiony do Dessau, w 1933
zniesione przez władze faszystowskie. Liderzy Bauhausu (H. Mayer, J.
Albers i in.), opierając się na estetyce funkcjonalizmu, postawili sobie za cel
opracować nowe zasady budowania form w sztukach plastycznych; Oni
dążył do opracowania kompleksowego artystycznego rozwiązania codziennego środowiska
zdolność uczniów do twórczego rozumienia nowych materiałów i projektów,
nauczył się tworzyć wysokiej jakości i praktyczne produkty. Znaczące miejsce
poświęcony nauczaniu projektowania. Głównym ogniwem procesu edukacyjnego w
„Bauhaus” był praktyką pracy studentów na produkcji,
warsztaty plastyczne i projektowe, gdzie wraz z pracami edukacyjnymi i szkicowymi
charakter tworzyli projekty architektoniczne, dzieła dekoracyjne
tworzywa sztuczne, próbki masowych artykułów gospodarstwa domowego. Nauczanie i praktyka
prace wykonali najważniejsi architekci, projektanci i niektórzy artyści awangardowi
(V.V. Kandinsky, P. Klee, O. Schlemmer i inni). Działalność Bauhausu
odegrał ważną rolę w ustaleniu zasad racjonalizmu na świecie
architekturę XX wieku i powstawanie nowoczesnej sztuki artystycznej
projekt.
"Wieża"-- pracownia artystyczna o tej nazwie istniała w
Moskwa w latach 1910. Były to typowe, jak na tamte lata, bezpłatne warsztaty, w
które artyści mogliby malować z natury; tematy związane z
Sztuka współczesna. Pracownię odwiedzili N. S. Goncharova, M. F. Larionov, L.
S. Popova, L. A. Prudkovskaya, A. I. Troyanovskaya, N. A. Udaltsova i inni.
Skład gości często się zmieniał.
„Walet Diamentów”- stowarzyszenie malarzy moskiewskich, prowadzące
z wystawy o tej samej nazwie, zorganizowanej w 1910 roku. Jej członkami byli V.D. i
D. D. Burlyuki, N. S. Goncharova, P. P. Konczałowski, A. V. Kuprin, N.
Kulbin, M.F. Larionow, A.V. Lentulov, K.S. Malewicz, I.I. Mashkov, R.R.
Falk, V.V. Rozhdestvensky i inni.Nazwisko należy do M.F.Łarionowa,
co najwyraźniej oznaczało negatywną interpretację obrazu w duchu
starożytna francuska interpretacja karty do gry: „walet karo -
oszust, łotr.” Artysta uzasadniając swój wybór: „Za dużo
pretensjonalne nazwy... na znak protestu uznaliśmy, że im gorzej, tym lepiej
... co może być bardziej absurdalnego niż „Jack of Diamonds”?”
Artystów stowarzyszenia charakteryzują malarskie i plastyczne poszukiwania
ducha postimpresjonizmu. Jack of Diamonds rozwinął osobliwą cechę
system obrazowo-plastyczny (tzw. rosyjski cezanizm), gdzie
zasady kubizmu i fowizmu zostały wdrożone z uwzględnieniem wpływów ludu rosyjskiego
sztuka - grafika popularna, malarstwo na drewnie i ceramice, a także malowanie tac i
oznakowanie. Ze wszystkich gatunków malarstwa woleli martwą naturę, pejzaż
i portret, rozwiązując problemy konstruowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie za pomocą
kolory, oddające „materialność” natury, jej teksturowaną namacalność.
Na wystawach „Walet Diamentów” oprócz obrazów członków stowarzyszenia
wystawiano dzieła mieszkających w Monachium V.V. Kandinsky'ego i A.G.
Javlensky, a także Francuzi J. Braque, C. Van Dongen, F. Valoton, M.
Vlaminka, A. Gleza, R. Delaunay, A. Derain, A. Marche, A. Matisse, P. Picasso,
A. Rousseau, P. Signac, inni znani artyści; otwarty
debatowano o losach sztuki współczesnej, czytano reportaże itp. Jednak
samo stowarzyszenie, skorodowane wewnętrznymi sprzecznościami, okazało się takie
krótkotrwały. W 1911 roku wyszli z niego najbardziej radykalnie myślący
artyści (Burliuk, Goncharova, Larionov i in.), zorientowani na swoje
pracuje na próbkach sztuki ludowej i prymitywnej, kubofuturyzmu,
Sztuka abstrakcyjna. Zorganizowali niezależną wystawę
szokująca nazwa „Ogon Osła”. W latach 1916-17 kolejna grupa artystów
wyznawał umiarkowane poglądy i trzymał się bardziej tradycyjnej sztalugi
malarstwo (Konczałowski, Maszkow, Kuprin, Lentułow, Rozhdestvensky, Falk)
dołączył do stowarzyszenia „Świat sztuki”. Potem „Jack of Diamonds”
właściwie przestał istnieć.
"Istnienie"– stowarzyszenie moskiewskich artystów założone w 1921 roku.
grupa absolwentów Vkhutemas. W latach 1924-26. uzupełniony byłymi członkami
wspomnienia NÓŻ I „malarze moskiewscy”. Członkowie towarzystwa: M. N. Avetov, S.
A. Bogdanow, A. A. Lebedev-Shuisky, P. P. Sokolov-Skalya i inni.
zorganizowano siedem wystaw „Genesis”, w których oprócz członków uczestniczyli także uczestnicy
stowarzyszenie, P. P. Konczałowski, A. V. Kuprin, A. A. Osmerkin, G. G.
Ryażski. Dla artystów tego stowarzyszenia, powstałego pod wpływem
„Walet Diamentów”, charakteryzujący się malarskimi poszukiwaniami w pejzażu i martwej naturze oraz
także odwołanie do tematów sowieckich. Jednak niejasność oprogramowania
instalacje doprowadziły do rozłamu „Being”, część jego członków przeniosła się do AHRR. W 1930 r
Stowarzyszenie przestało istnieć.
"Wieniec"- stowarzyszenie wystaw krótkoterminowych, w skład którego wchodzili
Artyści petersburscy i moskiewscy bliscy symbolice, m.in
Uczestnicy "Niebieska róża" oraz wystawa „Stefanos”, organizowana zimą w Moskwie
1907/08 W skład grupy weszli: B.I. Anisfeld, A.F. Gaush, A.E. Karev, P.V.
Kuzniecow, M. F. Larionow, V. N. Masyutin, N. D. Milioti i inni.
Wystawa odbyła się w Petersburgu wiosną 1908 roku.
„Gilea”- stowarzyszenie literacko-artystyczne kubofuturystów,
powstała w maju 1910 roku. Została zapoczątkowana przez wspólnotę braci V.D. i D.D.
Burlyukov i B.K. Livshits, z siedzibą w majątku Czernianka w prowincji Taurydy,
gdzie w latach 1907-14 mieszkała rodzina Burliuk. Samo słowo „Gilea” – przetłumaczone z
starożytny grecki „Las” – nazwa regionu w Scytii. Do „Gilei” oprócz niej
założycielami byli E. G. Guro, A. Gey (S. M. Gorodetsky), V. V. Kamensky,
A. E. Kruchenykh, V. Khlebnikov, V. V. Mayakovsky i inni. Nazywano ich także
„Budetlyanie” i kubofuturyści. „Gilea” jest uważana za najwcześniejszą i najbardziej
radykalna grupa futurystyczna w Rosji. W marcu 1913 r
stowarzyszenie literackie „Gilea” stało się częścią "Młoda Unia", Jednakże
nazwa „Gilea” była używana przez członków grupy przez długi czas
"Niebieska róża"- stowarzyszenie artystów symbolistycznych,
który powstał w 1907 roku w Moskwie. Swoją nazwę otrzymała od wystawy o tej samej nazwie,
zorganizowanej w 1907 roku przez czasopismo „Złote Runo”, wydawanej dzięki funduszom
miłośnik sztuki i filantrop N.P. Ryabushinsky. Wokół magazynu
Moskiewscy poeci simoliści zgrupowani razem, na czele z W. Ja. Bryusowem,
który prawdopodobnie wpadł na pomysł tytułu wystawy. W
W skład stowarzyszenia wchodzili malarze i graficy P.V. Kuzniecow, N.P. Krymow, N.N.
Sapunov, M. S. Saryan, S. Yu. Sudeikin, P. S. Utkin, N. P. Feofilaktov,
bracia V.D. i N.D. Milioti, A.V. Fonvizin i inni. Trzon składał się z uczestników
Wystawa w Saratowie "Czerwona róża", która odbyła się w 1904 r. Decydujący wpływ na
Na kształtowanie się stylu stowarzyszenia Blue Rose miała wpływ twórczość V.E.
Borisova-Musatova. Twórczość „Goluborozowitów” charakteryzuje się wyraźnym charakterem
ozdobny początek; tworzenie oryginalnych obrazów,
połączenie zasad malarstwa sztalugowego i monumentalności (malarstwo gobelinowe,
panel malarski) z przewagą elementów elegijnych, mistycznych i alegorycznych
tematy. To nie przypadek, że dla niektórych z nich – Sapunowa, Sudeikina –
Przejście na dziedzinę sztuki teatralnej i dekoracyjnej stało się organiczne.
Prace artystów Blue Rose wyróżniają się wyrafinowaniem liniowego rytmu,
pociąg do płaskiego rozwiązania, często do miękkiego, stonowanego koloru
- do tonalnej organizacji obrazowej kompozycji. Wystawy Stowarzyszenia
wyróżniały się wyjątkowym, wyrafinowanym wystrojem sal, udekorowanych świeżymi kwiatami,
wyposażone w „stylowe” meble, ozdobione umiejętnie dobranymi
draperie. W tym środowisku poeci symbolistyczni A. Bely,
Grała V. Ya Bryusov, K. D. Balmont, muzyka A. N. Skriabina. Stowarzyszenie
zakończyła swoją działalność w 1910 r. W 1925 r. a
retrospektywna wystawa „Mistrzowie Błękitnej Róży”.
„Kolor cieplny”- stowarzyszenie malarzy i grafików, założone w Moskwie w r
Grudzień 1923. W jej skład wchodzili głównie byli członkowie „Świat sztuki”
(K. F. Bogaevsky, A. E. Arkhipov, M. A. Voloshin, V. A. Vatagin, O. L.
Della-Vos-Kardovskaya, M. V. Dobuzhinsky, D. I. Mitrokhin, P. I. Neradovsky,
A. P. Ostroumova-Lebiediew, K. S. Petrov-Vodkin, N. E. Radlov, V. D. Falileev
itp.) i „Salon Moskiewski”. Łączyła ich dbałość o sprawy
umiejętności artystycznych, do kultury malarstwa i rysunku, do obrazu w jego wnętrzu
tradycyjna forma. Jednocześnie twórczość tych artystów często skłaniała się ku
dekoracyjna stylizacja. „Kolor Ognia” pełnił głównie funkcję wystawienniczą
zjednoczenie, 1924-29 w Moskwie zorganizowano pięć jego wystaw
członkowie. Stowarzyszenie rozwiązano w 1929 r.
„Złoty podział” (Francuski. „Złota Sekcja”) – artystyczna
stowarzyszenie, które powstało w Paryżu w 1911 roku i ostatecznie powstało później
pierwsza wystawa kubistyczna, zorganizowana w październiku 1912 roku w Galerii La
Boetiera. Do stowarzyszenia zrzeszało się około trzydziestu artystów kubistycznych,
wśród nich F. Leger, A. Glez, A. Metzinger, A. Le Fauconnier. Uczestnicy „Złotej
sekcje” odrzucając tradycyjne malarstwo, ogłosiły nowe zadania
sztuka: tworzenie niezależnych rzeczywistości obrazowych, niezależnych od
Obiektywną rzeczywistość. Prace tych artystów opierają się na połączeniu bezpośredniości
linie, krawędzie i kształty przypominające sześciany.
„Izograf”- związek zawodowy artystów moskiewskich, założony 14
Maj 1917 Powstanie związku zainicjowali byli członkowie
Związek Zawodowy Malarzy Moskiewskich kto z tego wyszedł
w wyniku nieporozumień organizacyjnych. Ponadto w „Izografie”
uczestniczyli przedstawiciele innych stowarzyszeń artystycznych – TPHV, SRH, „Mira
sztuka.” Wśród członków związku jest wiele znanych nazwisk: A. E. Arkhipov, V. N.
Baksheev, A. M. i V. M. Vasnetsov, S. Yu Zhukovsky, N. A. Kasatkin, L. O.
Pasternak, V.V. Perepletchikov, V.D. Polenov, L.V. Truzhansky, D.A.
Szczerbinowski, K. F. Yuon, M. N. Jakowlew i inni.
Członkowie Izograph dążyli do ochrony interesów zawodowych
artystów i chronić zabytki sztuki. Jednocząc się w trudnym okresie,
gdy w Rosji toczyła się zacięta walka polityczna, członkowie związku powstali
przed koniecznością określenia swojego stanowiska obywatelskiego. Najpierw oni
deklarowali neutralność polityczną, ale już w grudniu 1917 r. aktywnie ją realizowali
wspierał władzę radziecką. W pełnej zgodzie ze swoimi celami Związek w
W lutym 1918 został członkiem zbiorowym Komisji Ochrony Zabytków
sztuki i starożytności w ramach Rady Delegatów Robotniczych i Żołnierskich. We wrześniu
1919 Izograph wstępuje do Związku Zawodowego Artystów i tym samym przestaje działać
jego niezależne istnienie.
„Krąg Artystów”- stowarzyszenie malarzy i rzeźbiarzy,
zorganizowany w 1926 roku w Leningradzie. W zestawie oryginalna kompozycja
głównie absolwenci Wchuteina w 1925 r., uczniowie malarzy A. E. Kareva, A. I.
Savinov, K. S. Petrov-Vodkin, rzeźbiarz A. T. Matveev. Trzon organizacji
opracowali artyści A. S. Vedernikov, M. F. Verbov, G. Kortikov, T.
Kuperwasser, S. Kupriyanova, G. Lagzdyn, V. V. Pakulin (przewodniczący
stowarzyszenie), A. F. Pakhomov, A. I. Rusakov, G. N7 Traugot i inni. Skład
stopniowo rozbudowywany w wyniku przyłączania się członków społeczeństwa kreatywnego
młodzież Leningradu. Razem w „Kręgu Artystów” w okresie jego istnienia
członków było około pięćdziesięciu. Członkowie stowarzyszenia widzieli swoje zadania jako
w celu „ugruntowania malarstwa i rzeźby jako sztuki w naszym kraju, i
zawody malarza i rzeźbiarza jako zawody prawdziwe... Wzdłuż linii
profesjonalista - to rozliczenie i analiza całego dziedzictwa artystycznego
przeszłości i wykorzystania tego formalnego doświadczenia, które wzrasta
kultura wizualna artysty, promuje obrazowo-krytyczną
wiedza o czasach współczesnych. Po stronie publicznej - powiązania i współpraca z
Radziecka opinia publiczna” (z deklaracji stowarzyszenia „Koło
artyści”, 1926).
Stowarzyszenie zorganizowało trzy duże wystawy reportażowe (1927,
1928, 1929) i jeden telefon komórkowy (1929-30). Prowadzili uczestnicy „Kręgu Artystów”.
aktywna działalność artystyczna i edukacyjna: odbywały się wykłady i wycieczki.
Dyskusje i debaty toczyły się na wystawach Koła. Z raportami dot
znani krytycy sztuki N.N. wypowiadali się na temat obecnego stanu sztuki.
Punin, V.V. Voinov i inni.
Od chwili powstania „Kręgu Artystów” jego członkowie podążają tą drogą
otwarta konfrontacja z tym, który miał znacznie silniejsze oficjalne poparcie
AHRRom. „Krugowce” oskarżyły „Achrowców” o „realizm protokołu” na szkodę
konstrukcja formalna dzieła, jego plastyczna wyrazistość,
harmonia faktury i koloru. Ideolodzy AHRR i Proletkulta, dla Twojej
z kolei zarzucali Krugowitom nadmierny entuzjazm wobec formalności
eksperymenty, którymi rzekomo „zakrywają swą mieszczańską nagość,
jego fizjonomia klasowa, jego nędza polityczna.” W świetle generała
Ze względu na sytuację ideologiczną w kraju sytuacja może przybrać bardzo poważny obrót.
Chcąc zapobiec takiemu rozwojowi sytuacji, artyści Koła w 1928 r
postanowił „wzmocnić zbiorowe przywództwo bezpośrednio w
proces pracy artysty nad tytułem licencjata” i powstanie „Biura
kontroli ideologii.” Spowodowało to rozłam w samym stowarzyszeniu. Wielu członków, m.in.
oburzony wprowadzeniem cenzury wewnętrznej opuścił jej szeregi. Aktywny
Działalność towarzystwa ustała po roku 1930. Formalnie „Koło”
artystów” istniała do wiosny 1932 roku
Krąg miłośników rosyjskich doskonałych publikacji- powstał w Petersburgu w 1903 roku
z inicjatywy I. I. Lemana. Bibliofile ze Zjednoczonego Petersburga i
miłośnicy sztuki, kolekcjonerzy. Członkami koła byli M. A. Ostrogradsky,
I. V. Ratkov-Rozhnov, P. E. Reinbot, E. N. Tevyashev, N. V. Solovyov i inni,
Przewodniczący - V. A. Vereshchagin. Koło prowadziło działalność wydawniczą i
działalność wystawienniczą, organizowane aukcje. W latach 1907-16. Uczestnicy kubka
brał udział w wychodzeniu miesięcznika „Stare Lata”. W latach 1908-11
gg. Staraniem Koła ukazały się cztery numery „Materiałów Bibliograficznych”.
Rosyjskie publikacje ilustrowane”.
Liga Kultur-- centrum kultury żydowskiej na Ukrainie. Zorganizowane w
Kijów w 1917 r. Do sekcji artystycznej Ligi Kultury weszli artyści B.A.
Aronson, M. Kaganovich, E. Lisitsky, A. G. Tyshler, N. A. Shifrin, S. M. Shor,
M.I. Epstein i inni.Na tej sekcji działała szkoła plastyczna. W
W lutym-kwietniu 1920 roku Liga Kultur zorganizowała „Żydowski
wystawa sztuki rzeźby, grafiki i rysunku.” Po rozwiązaniu
Kultur-League (1920) została zorganizowana na bazie Amsterdamskiej Sekcji Sztuki
Żydowska szkoła artystyczno-przemysłowa pod przewodnictwem M. I. Epsteina.
Grafika z lewego przodu (LEF; od 1929 r. -- Rewolucyjny Front Sztuki —
NR NR) - stowarzyszenie literacko-artystyczne utworzone w końcu w Moskwie
1922 przez przedstawicieli ruchów awangardowych. Trzon grupy stanowił
poeci, artyści, architekci - B. I. Arvatov, N. N. Aseev, O. M. Brik, A.
A. Vesnin, K. V. Ioganson, V. V. Kamensky, G. G. Klutsis, A. E. Kruchenykh, B.
A. Kushner, A. M. Lavinsky, V. V. Mayakovsky, L. S. Popova, A. M. Rodczenko,
S. M. Tretiakow, V. F. Stepanov, V. E. Tatlin. program ideologiczny LEF
została rozwinięta w artykułach, które ukazywały się na łamach magazynów LEF
(1923-25) i „Nowy LEF” (1927-28), opublikowany pod redakcją V.V.
Majakowski. „Lefowiec” twierdził, że stworzył nowego rewolucjonistę
sztuka, która ich zdaniem powinna stać się „prawdziwie proletariacka” i
na zawsze przyćmiły w umysłach mas klasyczną „burżuazyjno-szlachetną”
dziedzictwo kulturowe. „Kultura artystyczna przyszłości powstaje na
fabrykach i fabrykach, a nie w warsztatach na poddaszu” – napisał jeden z nich
ideologowie sztuki lewicowej O. M. Brik. „Lefowcy” uważali się za następców
plastyczne idee kubofuturystów. Widzieli swoje zadanie jako
stworzyć nowe środowisko życia i „nowego człowieka”, nazywając to
„budowanie życia”. Wprowadzanie sztuki w życie codzienne, praca nad tworzeniem
nowoczesny w formie, racjonalny, łatwy w obsłudze w gospodarstwie domowym
przedmiotów, impuls dała chęć wprowadzenia ich do masowej produkcji
rozwój projektu. Przywiązując dużą wagę do propagandowej roli sztuki,
„Lefowici” zrobili wiele dla rozwoju swojej propagandy i filmu dokumentalnego
gatunki - plakat, fotografia (fotoreportaż) i fotomontaż, dokument
film; w dziennikarstwie - reportaż, w literaturze - esej dokumentalny.
Aktywnie opowiadali się za zbliżeniem sztuki z życiem, odrzucając je
formy klasyczne – obraz w malarstwie, powieść w literaturze itp.;
dążył do stworzenia nowych, dynamicznych form twórczości związanych z
produkcja - „sztuka przemysłowa”. W dokumentach programowych
LEF głosi teorię „porządku społecznego” w sztuce i literaturze,
całkiem zgodne z aktywną rolą, jaką przypisali Lefici
kreatywność w procesie budowania życia.
W latach dwudziestych XX wieku Idee LEF spotkały się z wielkim oddźwiękiem i rozprzestrzeniły się wśród ludzi
kreatywna młodzież. Jej oddziały pojawiły się w Odessie (Yugo-LEF), Leningradzie
(Len-LEF), Kazań (Tat-LEF), Iwanowo-Woźniesensk, Baku i Tyflis. Ustawienia
LEFA została udostępniona przez syberyjską grupę literacką „Obecni”, ukraińską –
„Nowe pokolenie”, białoruski – „Gmina Literacko-Artystyczna”,
Magazyn Dalekiego Wschodu „Kreatywność”. Program proklamowany przez LEF
Zbliżenie sztuki z produkcją wywarło zauważalny wpływ na organizację
procesy edukacyjne w Vkhutemas i Inkhuk.
Pod koniec lat 20. XX w. stowarzyszenie zajmowało się głównie problemami
literatury, coraz agresywniej manifestując swoją polityczno-ideologiczną
kierunek. W 1929 roku nazwę LEF zmieniono na REF (Front Rewolucyjny).
sztuka”). Na początku 1930 roku stowarzyszenie przestało istnieć.
"Sklep"- stowarzyszenie wystawiennicze Moskwy i Piotrogrodu
artyści. W marcu 1916 roku w Moskwie otwarto wystawę „Sklep”.
(miało to miejsce w sklepie na Petrovce - stąd jego nazwa). W
Wzięli w nim udział futurystyczni artyści L. A. Bruni, M. M. Vasilyeva, I. V.
Klyun, A. A. Morgunova, V. E. Pestel, L. S. Popova, A. M. Rodchenko, V. E.
Tatlin, S.I. Dymszits-Tolstaja i in. Jednym z organizatorów był K.S. Malewicz,
jednak ze względu na nieporozumienia z innymi uczestnikami nie wystawiał swoich prac.
Wiosną 1917 roku założyli uczestnicy wystawy i artyści Piotrogrodu
nosi tę samą nazwę co Towarzystwo Poprawy Wzroku i Słuchu. Zawierało również
S. K. Isakova, P. V. Mutrich, V. A. Milashevsky, B. A. Zenkevich, krytyk sztuki
N. N. Punin i kompozytor A. S. Lurie. Członkowie społeczeństwa stanęli na stanowiskach
sztuka awangardowa.
„Makowiec”(do 1924 r. — Związek Artystów i Poetów „Sztuka to Życie”)
– stowarzyszenie założone w Moskwie w 1921 roku z inicjatywy młodych ludzi
artyści i pisarze broniący wysokiej duchowości sztuki,
opowiadał się za dziedziczeniem tradycji klasycznych. Stowarzyszenie obejmowało
wystawcy „Salon Moskiewski”, „Świat sztuki”, częściowo
„Walet Diamentów” oraz młodzież artystyczna: Amphion Reshetov (N.N.
Baryutin), S. V. Gerasimov, L. F. Zhegin, I. F. Zavyalov, E. O. Mashkevich, V.
E. Pestel, M. S. Rodionow, S. M. Romanovich, N. M. Rudin, P. A. Florensky,
V. N. Chekrygin, A. M. Czernyszew, A. V. Szewczenko i inni.
Od 1922 roku członkowie stowarzyszenia wydawali czasopismo „Makovets” (red. A.
M. Czernyszewa; ukazały się dwa numery). Prace były reprodukowane w czasopiśmie
artyści, a także publikowali wiersze N. N. Aseeva, P. G. Antokolsky'ego, K. A.
Bolszakow, B. L. Pasternak, W. Chlebnikow i in. Publikacja pisma była
częścią zaplanowanego obszernego programu, który miał obejmować wydanie
zbiory poezji, dzieła z zakresu historii i teorii sztuki. Program nie
został zrealizowany ze względu na brak środków finansowych. Głównie z tego powodu
Pod koniec 1923 roku pisarze opuścili stowarzyszenie „Sztuka – Życie”.
Artyści, którzy w nim pozostali, przekształcili organizację w tradycyjną,
wystawę i nadał jej nazwę „Makovets”. Oprócz wystawy dzieł sztuki,
odbyło się w kwietniu-maju 1922 roku w Moskiewskim Muzeum Sztuk Pięknych,
Artyści Makovets zorganizowali jeszcze trzy niezależne wystawy. Ogólnie
trudności, w wystawach stowarzyszenia wzięło udział ponad trzydziestu artystów.
Słabością zjednoczenia był brak wspólnych zasad twórczych,
co wkrótce stało się przyczyną jego upadku. Za niejednorodność stanowisk
artyści występujący w „Makowcu” byli wielokrotnie podkreślani przez krytyków, zauważając
że „Makovets” to „już nie tyle grupa, co artystka
przepływ, jak czysto codzienne, zorganizowane stowarzyszenie.” Wewnątrz
wyłoniły się dwa główne kierunki. Jeden z nich, zaprezentowany
twórczość Czekrygina, Zhegina, Romanowicza skłaniała się ku kosmizmowi, wysoka
uogólnienia filozoficzne, wykorzystanie reminiscencji historycznych i literackich,
historie biblijne. Inni - Gierasimow, Rodionow, Czernyszew i inni -
wręcz przeciwnie, adresowany był do realnego życia, postrzeganego w sposób emocjonalny,
liryczny klucz do przedstawienia życia miejskiego i wiejskiej przyrody. I jeśli
artyści pierwszej grupy aktywnie eksperymentowali na polu formalnym
rozwiązań dzieła, wówczas artyści drugiej grupy sięgali po tradycyjne
klasyczne kształty. Do 1926 roku stosunki między grupami uległy gwałtownemu pogorszeniu,
Część aktywnych członków Makovca opuściła stowarzyszenie i jego działalność
zatrzymany.
„Mistrzowie sztuki analitycznej” (MAI)- stowarzyszenie młodych ludzi
Artyści z Leningradu, uczniowie P. N. Filonowa. Urodził się latem 1925 r
kiedy Filonow wykładał w Wchuteinie i ostatecznie nabrało to kształtu później
pierwsza wystawa w 1927 r., kiedy przyjęto statut stowarzyszenia. Oficjalnie
przestała istnieć w 1932 roku, mimo zajęć w warsztacie Filonowa
kontynuował aż do swojej śmierci w oblężonym Leningradzie w 1941 roku.
Przez cały okres istnienia stowarzyszenia zmieniał się jego skład. Ogólnie
przez lata borykało się z trudnościami, liczyło około siedemdziesięciu członków. Bardzo
znani z nich, którzy stanowili trzon zespołu: T. N. Glebova, B. I. Gurvich,
N. I. Evgrafov, S. L. Zaklikovskaya, P. Ya. Zaltsman, E. A. Kibrik, P. M.
Kondratiev, R. M. Leviton, A. E. Mordvinova, A. I. Poret, A. T. Sashin, I. I.
Suworow, V. A. Sulimo-Samuillo, Yu. B. Khrzhanovsky i poseł Tsybasov.
Twórcza metoda zjednoczenia opierała się na opracowanych zasadach
Filonow w swoich pracach teoretycznych „Kanon i prawo”, 1912; manifest
„Robione obrazy”, 1914; „Deklaracja „Światowego rozkwitu””, 1923 itd.
Główna idea tej metody: zbliżyć się do twórczości artystycznej
reprodukcja procesów twórczych natury, a nie jej obiektywnych form.
Po raz pierwszy stowarzyszenie ogłosiło się znaczącą wystawą pokazaną w
1927 w Leningradzkim Domu Prasowym. Prezentowało się malowniczo
dzieła i rzeźby. W tym samym czasie na scenie House of Press odbywało się przedstawienie
Sztuka N.V. Gogola „Generalny Inspektor” zaprojektowana przez członków stowarzyszenia MAI. Na końcu
1928-początek 1929 Filonowici uczestniczyli w wystawie „Nowoczesność
Leningradzkie grupy artystyczne.” Nieco później, małe
wystawy ich prac odbywały się w Akademii Sztuk Pięknych. Znaczące wydarzenie w historii
grafika książkowa rozpoczęła się wraz z publikacją w grudniu 1933 roku fińskiego eposu „Kalevala”
w wydawnictwie „Akademia”. Ilustracje w książce zostały wykonane pod
Kierownictwo Filonowa składające się z trzynastu członków MAI.
Pomimo aktywnej działalności twórczej i absolutnej lojalności
sztuka Filonowa i stowarzyszenia, na którego czele stał, nie zostało zatwierdzone przez władze
i spotkały się z ostrą krytyką w oficjalnej prasie. Co więcej, charakter krytyki
z reguły miał wydźwięk polityczny: dzieła Filonowa uznawano za
„skrajny wyraz światopoglądu dekadenckich warstw drobnomieszczaństwa i
inteligencja.” W roku 1930 obowiązywał oficjalny zakaz otwierania lokalu osobistego
Wystawa Filonowa, przygotowana już przez pracowników Państwowego Muzeum Rosyjskiego. Wywołało to fermentację
w szeregach swoich uczniów, zadał cios zjednoczeniu. Część artystów odeszła
MAI. Od 1932 r. nazwisko Filonowa zostało usunięte z życia artystycznego; na wiosnę
w tym roku MAI oficjalnie przestało istnieć
"Metoda"– stowarzyszenie artystyczne założone w 1922 roku.
starsi studenci moskiewskiego Vkhutemas. Trzon stanowili artyści S.A.
Luchishkin, S. B. Nikritin, M. M. Plaksin, K. N. Redko, N. A. Tryaskin, A. G.
Tyshlera. Z. Kommisarenko, A. A. Labas i
P. W. Williamsa. Wszystkich łączyły poszukiwania formalne w duchu konstruktywizmu
i sztuka abstrakcyjna. Liderem i teoretykiem grupy był S.P.
Nikritin, który jest odpowiedzialny za opracowanie nowego kierunku, nowej metody
w sztuce zwany „projektyzmem”. Według tej metody generał
w przypadku wszystkich rodzajów twórczości artysta musi tworzyć przedmioty niecodzienne,
ale tylko ich „projekcje”, czyli dostarczenie modelu dla masowego przemysłu
produkcja. Malarstwa przypisuje się rolę „najbardziej przekonującego środka wyrazu
METODA (PROJEKCJE) – organizacja materiałów.”
Pierwsza wystawa „projektorów” odbyła się w 1922 roku w Muzeum Malarstwa
kultury i spotkała się z pozytywnym odzewem w prasie. Krytyka widziała w pracach
artystów „mały krok naprzód... od czystej jednostronności
kolorowy suprematyzm Malewicza i bezbarwny konstruktywizm Tatlina”.
W maju 1924 roku artyści grupy wzięli udział w „Pierwszej Wystawie Dyskusyjnej
stowarzyszenia aktywnej sztuki rewolucyjnej.” Zdecydowana większość
utwory (z wyjątkiem kompozycji Tyshlera, Plaksina i Luchishkina) --
kompozycje abstrakcyjne lub zbliżone do abstrakcyjnych. Również wystawiony
dziwne prace będące połączeniem schematów analitycznych z
zdjęcia i tekst wyjaśniający kierunek nowej kreacji
eksperyment. Grupa Metody rozszerzyła ten eksperyment na kulę
teatr Z inicjatywy Luchishkina i Nikritina utworzono trupę teatralną,
tzw. „Teatr Projekcyjny”, który w latach 20. XX w. przeprowadzone
kilka innowacyjnych produkcji. Jednym z nich jest „Tragedia A.O.U.”
(projekt N. A. Tryaskina), pokazana w 1929 roku w Moskiewskiej Drukarni,
- był jednym z pierwszych eksperymentów w abstrakcyjnym projektowaniu performansu.
Opracowano i zastosowano w tym innowację inżynieryjną firmy Tryaskin
występ specjalnej ruchomej maszyny scenicznej.
Grupa Metoda istniała do 1925 roku, kiedy to wszyscy jej członkowie, m.in
z wyjątkiem Redko i Nikritina, stał się częścią OST.
„Świat sztuki”– stowarzyszenie artystyczne założone w 1898 r
Petersburgu przez grupę młodych malarzy i grafików. Stworzenie społeczeństwa
poprzedziło koło zorganizowane pod koniec lat 80. XIX w. przez absolwentów
prywatne gimnazjum K. I. Maya: A. N. Benois, D. V. Filosofov, V. F. Nouvel.
Wkrótce dołączyli do nich L. S. Bakst, S. P. Diagilew, E. E. Lanceray, A. P.
Nurok, K. A. Somov. Celem tego stowarzyszenia były studia artystyczne
kultura, zarówno współczesna, jak i miniona, postrzegana syntetycznie,
w całej różnorodności typów, form, gatunków sztuki i życia. Od połowy lat 90. XIX w
gg. na czele grupy stał S. P. Diagilew.
Pierwszym publicznym wydarzeniem stowarzyszenia była „Wystawa języka rosyjskiego i
Fińscy artyści”, otwarto w styczniu 1898 roku w Muzeum Szkoły Barona A.
L.Stiglitz. Oprócz członków stowarzyszenia wzięły w nim udział znane osoby
malarze - M. A. Vrubel, A. M. Vasnetsov, K. A. Korovin, I. I. Levitan, S.
V. Malyutin, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov i fińscy artyści
V. Blomsted, A. Edelfelt i inni Po udanej wystawie na wiosnę
1898 Diagilew zorganizował się przy udziale członków koła
magazyn literacko-artystyczny „Świat Sztuki”, wydawany dzięki funduszom
patroni M.K. Tenishova i S.I. Mamontov. Magazyn był przeciwny
dogmatyczne trzymanie się kanonu, nieakceptowanie akademizmu jako systemu pozbawiającego
prawo artysty do wyrażania siebie. Inny kierunek, również poddany
krytyka - według Świata Sztuki ucierpiało malarstwo Pieredwiżników
ilustracyjne, budujące ze szkodą dla walorów artystycznych
Pracuje. Magazyn opowiadał się za indywidualizmem w kreatywności, za darmo
ujawnienie przez mistrza wszystkich aspektów jego talentu. W okresie wydawniczym czasopisma
(1898-1905) w dwunastu numerach redakcja przedstawiła czytelnikom różne
kierunki w historii sztuki rosyjskiej i zachodniej. W pierwszych numerach jest dużo
uwagę zwrócono na współczesnych artystów tzw. narodowych
Styl rosyjski kojarzony z Koło Abramcewa: V. M. Vasnetsov, S. V.
Malyutin, E. D. Polenova, M. V. Yakunchikova. Dalej w zasięgu wzroku
Kultura rosyjska XVIII - pierwszej połowy XIX wieku okazała się światem sztuki.
To oni „odkryli na nowo” dla ogółu społeczeństwa twórczość D. G. Levitsky’ego,
V. L. Borovikovsky, O. A. Kiprensky, A. G. Venetsianov. Oni też
położył podwaliny pod studiowanie historii i architektury Petersburga, publikując na
na łamach pisma można znaleźć artykuły o architektach rosyjskiego baroku i klasycyzmu. W której
„Świat sztuki” nie ograniczał się jedynie do problemów kultury narodowej.
Wręcz przeciwnie, magazyn wprowadzał swoich czytelników w stan nowoczesności
życia artystycznego Europy Zachodniej, wydawnictwo obszerne, dobrze zaopatrzone
reprodukcje artykułu o twórczości A. Böcklina, F. Stucka, P. Puvisa de Chavannesa,
G. Moreau, E. Burne-Jones i inni artyści zajmujący się głównie tym stylem
nowoczesny W czasopiśmie publikowano także wielu poetów symbolistycznych i
artykuły na tematy religijne i filozoficzne. Magazyn odznaczał się dużą kulturą
wydanie, wykwintny projekt artystyczny i doskonałe
wykonanie druku. Na początku ukazał się jego ostatni, dwunasty numer
1905 Pismo przestało istnieć z powodu odmowy mecenasów finansowania
jego.
Pod patronatem magazynu „Świat Sztuki” organizowano także wydarzenia artystyczne.
Wystawy. Pierwsza taka wystawa odbyła się w styczniu-lutym 1899 r. W niej
Obok czołowych artystów rosyjskich uczestniczyli mistrzowie zagraniczni (K.
Monet, G. Moreau, P. Puvis de Chavannes, J. Whistler i inni). Pokazano także
wyroby sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Cztery kolejne fikcja
wystawy organizowane przez magazyn „Świat Sztuki” odbywały się w latach 1900-03.
(czwarty pokazano także w Moskwie). Więcej niż
sześćdziesięciu artystów, w tym tak wybitnych mistrzów jak M.A.
Vrubel, V. M. Vasnetsov, A. S. Golubkina, M. V. Dobuzhinsky, P. V. Kuznetsov,
A. P. Ryabuszkin. W 1902 roku wystawiono dzieła Świata Sztuki
Oddział rosyjski Międzynarodowej Wystawy w Paryżu, gdzie K. A. Korovin, F. A.
Najwyższe nagrody otrzymali Malyavin, V.A. Serov i P.P. Trubetskoy. W 1903 r
Studenci Miriskus połączyli siły z grupą moskiewską „36 artystów”, formowanie
„Związek Artystów Rosyjskich”. Od 1903 do 1910 r „Świat sztuki” formalnie nie jest
istniał. W tym samym czasie w 1906 roku pod tą nazwą organizował się S.P. Diagilew
wystawa, w której wraz z głównym trzonem stowarzyszenia wzięła udział młodzież
artyści - B. I. Anisfeld, M. F. Larionov, V. D. i N. D. Miloti, N. N.
Sapunov, A.G. Yavlensky i inni. Następnie studenci World of Art pokazali swoje prace na
wystawa sztuki rosyjskiej w paryskim Salonie d'Automne, później
wystawiane w Berlinie i Wenecji. Od tego momentu rozpoczął się Diagilew
niezależną działalność na rzecz promocji sztuki rosyjskiej na Zachodzie. Jej
Zwieńczeniem były tak zwane „Pory Roku Rosyjskie”, które odbywały się corocznie w
Paryż w latach 1909-14. Spektakle operowe i baletowe po muzykę klasyczną i
współczesny w nowatorskich produkcjach młodych reżyserów i choreografów, m.in
w wykonaniu całej galaktyki gwiazd, w projektach Baksta, Benoisa, Bilibina,
Golovin, Korovin, Roerich – utworzyli epokę w historii nie tylko rosyjskiej,
ale także kultura światowa.
Od 1910 roku rozpoczyna się nowy, drugi etap w historii stowarzyszenia Mir
sztuka.” A. N. Benois i wraz z nim siedemnastu artystów opuściło „Unię
Rosyjscy artyści” i stworzyli niezależne społeczeństwo pod już znanym
tytuł. Jej członkami byli L. S. Bakst, I. Ya. Bilibin, O. E. Braz, I. E.
Grabar, G. I. Narbut, M. V. Dobuzhinsky, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, A.
L. Ober, A. P. Ostroumova-Lebedeva, N. K. Roerich, V. A. Serov, K. A. Somov,
N. A. Tarkhov, Ya. F. Tsionglinsky, S. P. Yaremich. Na czele stanęło nowe stowarzyszenie
aktywna działalność wystawiennicza w Petersburgu-Piotrogradzie i innych miastach
Rosja. Głównym kryterium wyboru prac na wystawy była
„mistrzostwo i twórcza oryginalność”. Ta tolerancja przyciągnęła
wystawach oraz w szeregach stowarzyszenia wielu utalentowanych mistrzów. Stowarzyszenie
szybko rósł. Dołączyli do niego B. I. Anisfeld, K. F. Bogaevsky, N.
S. Gonczarowa, V. D. Zamirailo, P. P. Konczałowski, A. T. Matwiejew, K. S.
Petrov-Vodkin, M. S. Saryan, Z. E. Serebryakova, S. Yu. Sudeikin, P. S. Utkin,
I. A. Fomin, V. A. Shuko, A. B. Shchusev, A. E. Yakovlev i inni.
wystawcy pojawili się nazwiska I. I. Brodskiego, D. D. Burliuka, B. D.
Grigorieva, M. F. Larionova, A. V. Lentulova, I. I. Mashkova, V. E. Tatlina,
R. R. Falka, M. Z. Chagala i in. Oczywiste jest, że są one odmienne, czasem wprost
do czego nie przyczyniły się przeciwne postawy twórcze uczestników
jedność artystyczną obu wystaw i samego stowarzyszenia. Z czasem
doprowadziło to do poważnego rozłamu w stowarzyszeniu. Ostatnia wystawa „Miry”
sztuki” odbyła się w 1927 roku w Paryżu.
"Cel"– wielka wystawa grupy moskiewskich artystów, która odbyła się w r
Marzec-kwiecień 1913 w Salonie Sztuki na Bolszaja Dmitrowka.
Jej organizatorem był M. F. Larionow, który uznał ją za ostatnią z cyklu wystaw
„Walet Diamentów”(1910-11) i „Ogon osła”(1912). Otwarcie wystawy
poprzedziła debata w Muzeum Politechnicznym na temat „Wschód, narodowość
i Zachód”, gdzie prezentacje wygłosili M.F. Larionow („Raizm Larionowa”), I.
Zdanevich (&q