W procesie doskonalenia metod i technik pisania akwarelami uczniowie powinni pamiętać o znanym przestrzeżeniu: technika nie jest celem samym w sobie, a jedynie środkiem do przekazywania zadań. Każdy uczeń, zgodnie z cechami osobistymi i gustem artystycznym, znajduje swój własny, szczególny styl pisania, zgodnie z wymaganiami natury, wybiera taką lub inną metodę i technikę.

Istnieją różne sposoby pracy nad dziełem. Wskazujemy najczęstsze z nich:

1) praca nad studium „layout”, gdzie obrysy i wypełnienia układane są w rozbiciu z uwzględnieniem barwy, jasności i nasycenia;

2) metoda „szerokiego” pisania, w której do szczegółów i szczegółów przechodzi się dopiero po ogólnej organizacji w badaniu dużych relacji światła i kolorów;

3) metoda pisania fragmentami z opracowaniem szczegółów, w której student jest zmuszony do zachowania dużych proporcji światła i koloru w swojej prezentacji;

4) łączenie w jednym opracowaniu metod pisania „szerokiego” i pracy w częściach jednocześnie.

Wszystkie te metody są technicznie przeprowadzane przez pisanie na suchym lub mokrym papierze, w jednym kroku lub w etapach obliczonych na długi czas i muszą być podporządkowane identyfikacji głównej treści malarstwa.

Jak pracować na suchym papierze

Metoda suchego studiowanego pisma. Metoda ta polega na pracy na suchym papierze w pełnej okazałości światła i tonacji kolorystycznej z konstruktywną analizą trójwymiarowej formy (tzw. przycinanie) za pomocą płaszczyzn wypełniających. Nie dając miękkich efektów akwareli, metoda suchego, wystudiowanego pisma jest metodycznie najbardziej poprawna w rozwiązywaniu problemów podczas pracy z natury na początkowym etapie szkolenia. Rozwija postrzeganie kolorów u początkującego akwarelisty, wzmacnia rysunek, zapewnia prawidłowe konstruktywne przedstawienie kształtu i objętości oraz pomaga szybko opanować farby i ich mieszanki.

Metodę tę stosuje się według przygotowanego rysunku z konsekwentnym opracowaniem kolorystycznym – od ogółu do detali, od głównego do drugorzędnego, z dopracowaniem całości na końcu pracy. Powinien być użyty już w pierwszym długim zadaniu, po pracy nad martwą naturą brył geometrycznych.

Pismo jednowarstwowe. Jednowarstwowa metoda techniki akwarelowej eliminuje pisanie, obliczone na etapie, ale pozwala na przerwy w pracy. Ta metoda pozwala na szerokie pisanie dużym pędzlem, suche i ostre lub miękkie i soczyste, w jednej sesji. Metoda jednowarstwowa jest odpowiednia do pracy nad etiudami w plenerze.

Praca w sposób jednowarstwowy jest również możliwa w częściach. Odbywa się to małymi pociągnięciami (pisanie mozaikowe) małym pędzlem, pociągnięcia po pociągnięciach. Praca ta wymaga odpowiedniego przygotowania i wprawy, gdyż sumując obraz z mnóstwa kresek i kolorowych plam trudno jest zachować spójność i kolorystykę dzieła. W pracy wykorzystywane są zarówno glazury, jak i farby do ciała.

Pismo warstwowe. Praca ta jest kalkulowana na scenie i zasadniczo zakłada tzw. „pismo glazury”. To ostatnie nie wyklucza stosowania farb do ciała w dopuszczalnych granicach w świetle i, jeśli to konieczne, na pierwszym planie. Wykonywanie utworu etapami spowodowane jest wieloma przyczynami, a przede wszystkim złożonością procesu tworzenia etiudy (utwora), w którym wyobraźnia początkującego nie jest w stanie od razu objąć całego utworu od początku do końca, od ogólnych do szczegółów.

Pracę rozpoczynamy od przygotowania koloru - nałożenia kolorowej okładziny, przeznaczonej do późniejszego nakładania po wyschnięciu farbami glazurującymi. W takim przypadku zaleca się stosowanie ciepłych odcieni kolorów. Zimne odcienie kolorowej podszewki, zwłaszcza niebieskiej, mogą zniknąć, a miejsca, w których się znajdowały, nabrać brudnego wyglądu.

Metoda wielowarstwowa wymaga dużego doświadczenia i znajomości kolorów palety. Zdolność do przewidywania początku bazy koloru poprzez powtarzające się nakładanie różnych odcieni jest trudna. Nie oznacza to litery ze słabą podkładką tego samego koloru, dopóki nie zostanie ona stopniowo wzmocniona. Mówimy o metodzie nakładania różnych kolorów i odcieni, dając w sumie kombinacje, których wystąpienie jest możliwe tylko w prawdziwym szkliwieniu. Podczas wielokrotnego nakładania koloru na kolor konieczna jest ostrożność i wyczucie proporcji: istnieje granica, której naruszenie może prowadzić do utraty przezroczystości koloru w wypełnieniach. Dopuszczalne jest łączenie w jednym opracowaniu metod zapisu jednowarstwowego i wielowarstwowego.

Praca na surowym papierze

Praca na mokrym papierze pozwala na uzyskanie niesamowitej jedności mas kolorystycznych, delikatnego i stopniowego przejścia z jednego koloru w drugi.

Operacja jednowarstwowa. Jest to szeroki list bez etapów na zwilżonym papierze. Odbywa się to za pomocą dużego pędzla z przygotowanymi roztworami farb. Szczotkując szybko i szeroko, nie pozwalając farbom wyschnąć, określa się duże relacje. Korekty są dokonywane natychmiast: niewłaściwy ton usuwa się półsuchym, wyżętym pędzelkiem. Stosować mechaniczne mieszanki farb wszystkich grup.

Pracuj bez przerwy, w częściach, w jednej sesji (metoda a la prima). To obraz wykonany na mokrym papierze pełną siłą światła i koloru, szybko i soczyście. Ten sposób pisania pozwala oddać subtelność i miękkość przejść kolorystycznych. Dobre rozwiązanie kolorystyczne w akwareli uzyskuje się poprzez zachowanie dużych planów kolorystycznych i sylwetek w trakcie pracy. Ale natura techniki akwareli nie pozwala na jednoczesną soczystą i miękką pracę na dużych fragmentach szkicu i zmusza obraz do złożenia na części. W tym przypadku metoda a la prima jest nieodzowna w pracy z natury.

Metoda pisania na mokrym papierze na szkle. Polega ona na tym, że przed pisaniem papier zanurza się w wodzie, dając mu czas do nasiąknięcia i spęcznienia. Kiedy papier pęcznieje, jest wyjmowany i kładziony na szkle, umieszczonym prawie poziomo. Na bardzo wilgotnym papierze można pisać od razu, ale aby uniknąć rozlewania się farby, nadmiar wody lepiej usunąć gąbką i po pewnym czasie pracy przystąpić do pracy. Roztwory farb należy wybierać jednorodnie.

Metoda „wlewania koloru w kolor”. Surowa farba, wlana do innej, która nie wyschła i organicznie się z nią połączyła, daje wielobarwne wypełnienie, które jest naturalne dla techniki akwareli. Mieszanie farb w tej metodzie jest mechaniczne. Dobry wynik dają mieszanki i infuzja koloru w kolor podczas pracy z farbami glazurującymi i półglazurującymi. Lazurująca farba wlana do lakieru karoserii zmywa go i spływa, tworząc szorstkie i twarde smugi. Pracę metodą „wlewania koloru w kolor” najlepiej wykonywać partiami.

Odbiór „niepowodzenia” farby nałożonej na papier. Ta technika jest następująca: farba, która jeszcze nie wyschła, zwłaszcza farba do ciała, jest zmywana strumieniem wody, wcześniej ułożone wypełnienia pozostają nienaruszone; pod spłukaną farbą pojawia się biały papier z miękkimi naturalnymi przejściami wzdłuż krawędzi. Recepcja „niepowodzenie” sprawdziła się dobrze w połączeniu z jednowarstwową metodą pisania na suchym papierze. Rozpoczynają pracę od szerokiego i szybkiego wypełnienia gotowego rysunku roztworami malarskimi. Po doprecyzowaniu zależności kolorystycznych, osobnym pędzlem - kadmowo cytrynowym lub żółtym - gęsto pokryj miejsca przeznaczone do usunięcia farby. Jednocześnie stan mokry uszczelek kadmowych jest utrzymywany poprzez ich wielokrotne nakładanie, aż do całkowitego wyschnięcia pozostałych wypełnień. Następnie praca jest myta strumieniem wody z kranu, aż do całkowitego rozkładu kadmu i farby, na którą został nałożony. W kolejnym etapie pisania na podstawie surowego szkicu określane są jasne i ciemne tony, a szczegóły są finalizowane.

Wśród wymienionych metod i technik pracy z akwarelami nie ma prostych i łatwych, każda z nich ma swoje własne cechy, własne trudności, wymaga starannego przestudiowania i rozwoju pacjenta. Początkujący akwarelista powinien pamiętać, że mechaniczne przeniesienie tych metod, bez uwzględnienia całego kompleksu wymagań, które doprowadziły do ​​ich zastosowania, nie może prowadzić do pozytywnych wyników w badaniach.

BIBLIOGRAFIA

1. Vinner AV Jak używać akwareli i gwaszu. - M .: Sztuka, 1951.
2. Wieber J. Malarstwo i jego środki. - L., 1961.
3. Wołkow NN Kolor w malarstwie. - M .: Sztuka, 1965.
4. Zajcew A.S. Nauka koloru i malarstwa. - M.: Sztuka, 1986.
5. Lepikasz VA Malowanie akwarelą. - M., 1961.
6. Odnorałow A.V. Materiały w sztukach wizualnych. - M.: Oświecenie, 1983.
7. Revyakin PA Technika malowania akwarelą. - M.: Nauka, 1959.
8. Kirtser Yu.M. Rysowanie i malowanie: praktyczny przewodnik . - M.: Szkoła wyższa, 1992.

Miejska budżetowa instytucja oświatowa

DZIECIĘCA SZKOŁA ARTYSTYCZNA №3 Kursk

Rozwój metodologiczny na ten temat:

„Martwa natura w technice akwareli”. w ramach programu „Malarstwo” ze standardowym okresem studiów wynoszącym 5 lat

Deweloper: .

Kursk 2015

Wstęp.

Zadaniem kursu malarstwa jest rozwijanie umiejętności widzenia i przedstawiania otaczającego świata w całej różnorodności relacji kolorystycznych i świetlnych. Za pomocą środków obrazowych naucz rzeźbić formę kolorem, opanuj techniki malarstwa akwarelowego, gwaszu.
W wyniku pracy studenci muszą nauczyć się konsekwentnego prowadzenia szkicu, podejmowania relacji kolorystycznych, oddawania światła i powietrza otoczenia oraz materialności przedmiotów. Program zakłada konsekwencję w nauczaniu malarstwa.
W procesie uczenia się ważnym punktem jest edukacja dzieci w zakresie emocjonalnego postrzegania koloru i rozumienia jego ekspresyjnej treści figuratywnej.
Większość obrazu to martwa natura. Wszystkie zadania są ze sobą ściśle powiązane i naprzemienne w logicznej kolejności. Martwa natura w praktyce edukacyjnej przyczynia się do wzrostu potencjału twórczego uczniów, doskonalenia smaku, umiejętności, myślenia kompozycyjnego, technologii, zdolności przekazywania światła, objętości formy, materiału.
Akwarela jest niezbędna w nauczaniu sztuk pięknych, ponieważ wśród materiałów artystycznych dla dzieci w wieku szkolnym wyróżnia się dostępnością, nie wymaga skomplikowanych specjalnych urządzeń i ma malarską ekspresję.

Cele Lekcji:

Rozwój zdolności ucznia do myślenia objętościowego w przestrzeni i dostrzegania złożoności świata poprzez interakcję obiektów w jasnych kolorach

Opanowanie wiedzy i umiejętności zawodowych w zakresie malarstwa;

Kształtowanie estetycznie rozwiniętej i twórczej osobowości.

Cele Lekcji:

Rozwijaj pamięć wzrokową, postrzeganie kolorów;

Nauczyć widzieć kolor w zależności od oświetlenia, przedmiotów w pobliżu, „planowania”.

Zapoznanie studentów z teoretycznymi podstawami malarstwa;

Ujawnij estetyczną esencję malarstwa realistycznego;

Przekazanie niezbędnej wiedzy i umiejętności praktycznych o charakterze metodologicznym.

Materiały wykonawcze:

ołówek, pędzle, akwarele, paleta i papier.

Sprzęt:

Papier akwarelowy naciągnięty na tabletkę. Sztaluga, butelka wody.

Budowa procesu edukacyjnego powinna przyczynić się do rozwoju zainteresowania działalnością twórczą. Do realizacji postawionych zadań opanowuje się technikę malowania akwarelą.

Temat: „Martwa natura w akwareli”.

Cel:
pedagogiczne: znajomość zasad konsekwentnej pracy nad martwą naturą;

rozwijanie: rozwijanie umiejętności i zdolności pracy z materiałem oraz konsekwentnej pracy nad martwą naturą z zachowaniem zasad kompozycji, konstrukcji konstrukcyjnej i malarstwa;

wychowawcze: wykształcenie smaku estetycznego i artystycznego, postrzeganie harmonii otaczającego świata; edukacja dokładności i uważności podczas wykonywania pracy przy użyciu akwareli.

Technika malowania akwarelą. Metody i techniki pisania.

Technika malarstwa akwarelowego to zestaw specjalnych umiejętności, metod i technik pisania, dzięki którym wykonywane jest dzieło sztuki. Zajmuje się również zagadnieniami związanymi z jak najbardziej racjonalnym i systematycznym wykorzystaniem artystycznych możliwości materiałów w modelowaniu obiektów, w rzeźbieniu form trójwymiarowych, w oddawaniu relacji przestrzennych itp.
Możliwości wizualne i ekspresyjne malarstwa akwarelowego w dużej mierze zależą nie tylko od znajomości materiałów i narzędzi oraz umiejętności ich zastosowania w pracy, ale także od posiadania technik i metod pisania. W procesie studiowania technik i metod pisania akwarelami opanowanie techniki powinno opierać się na głębokim studiowaniu i wykorzystaniu twórczego doświadczenia mistrzów malarstwa, najlepszych dzieł sztuki klasycznej i współczesnej.

W praktyce artystycznej malarstwa akwarelowego istnieją różne techniki, które są podzielone na trzy części zgodnie z metodami pisania: metoda pracy na suchym papierze, metoda pracy na mokrym (mokrym) papierze, techniki łączone i mieszane.

Sucha papierkowa robota

Ta metoda pisania jest szeroko stosowana w malarstwie realistycznym i od dawna jest tradycyjna (klasyczna). Prostota i przystępność tej metody pisania pozwala na jej szerokie zastosowanie w procesie edukacyjnym. Polega na wykorzystaniu naturalnych właściwości i właściwości farb akwarelowych do łatwego wiązania się z powierzchnią papieru.

Metoda pracy na suchym papierze pozwala na dostosowanie rozpiętości tonalnej kolorystyki od gęstych kresek do jasnych wypełnień w procesie pisania, zastosowanie nakładania warstw transparentnej farby jedna na drugą, tworząc w ten sposób iluzję objętości i głębia przestrzeni w obrazie.

Odbiór wypełnienia na suchej powierzchni papieru

To jedna z najpopularniejszych technik. Specyfika tej techniki polega na tym, że praca wykonywana jest na suchym papierze, z uwzględnieniem światła i tonacji kolorystycznej za pomocą płaszczyzn wypełniających.

W praktyce podejście to odbywa się w następujący sposób. Na początku pracy arkusz naciągnięty na tabletkę lekko zwilża się wodą za pomocą szerokiego pędzla lub gąbki. Jest to konieczne, aby atrament równomiernie się rozłożył i dobrze wchłonął w powierzchnię papieru. Podczas wysychania papieru na palecie wybiera się niezbędne rozwiązanie malarskie. Po wpisaniu roztworu farby za pomocą pędzla uszczelka zaczyna się od górnego poziomego wypełnienia. W takim przypadku rozmaz powinien być soczysty. Aby to zrobić, musisz narysować na pędzlu taką ilość farby, aby po każdym pociągnięciu uzyskać niewielką smugę roztworu. Stopniowo wypełniając pędzel farbą, pociągnięcia są wykonywane tak, aby stykały się z dolną krawędzią poprzedniego pociągnięcia. W wyniku napływu farby uzyskuje się płynne przejścia z jednego odcienia koloru do drugiego, miękko modelując kształt przedmiotów.

Wykorzystując technikę wypełniania na suchej powierzchni papieru, można dowolnie zmieniać tonacje światła i barwy, pisać zarówno w jednym kroku, jak i etapami przeznaczonymi na długi czas.

Odbiór glazury

Na początkowym etapie szkolenia, w procesie opanowywania technik pracy z akwarelami, szeroko rozpowszechniona jest metoda wielowarstwowego malowania polegająca na nakładaniu kolorowych warstw - glazurowanie (glazurowanie z niemieckiego Lassieurung - nakładanie cienkiej przezroczystej warstwy farby) używany. Istota tej techniki pisania polega na kolejnym nakładaniu przezroczystych warstw farby jedna na drugą w celu uzyskania różnorodnych odcieni barwnych przy rzeźbieniu formy trójwymiarowej, wzbogacenia barwy, uzyskania jedności obraz i jego harmonia.

Technika glazury jest często wykorzystywana w procesie edukacyjnym podczas długotrwałej wielowarstwowej pracy nad szkicem martwej natury ze szczegółowym badaniem kształtu przedstawionych obiektów. Zadania studyjne dotyczące martwej natury wymagają dokładnego przestudiowania natury. Są one pisane w kilku sesjach (praca jest przewidziana etapami), a następnie trzeba stopniowo i konsekwentnie nakładać jedną warstwę na drugą, aby osiągnąć pożądane rezultaty. Stosując metodę malowania glazurą, wypełnianie płaszczyzn można wykonać zarówno dużym pędzlem, jak i małym (pismo mozaikowe), po czym następuje szerokie zachodzenie na siebie. Co więcej, przeszklenia można nakładać na siebie tylko ograniczoną liczbę razy, w przeciwnym razie pojawią się głuche, zanieczyszczone miejsca. Należy również pamiętać, że niezbędny odcień barwy uzyskuje się w malarstwie akwarelowym nie tylko za pomocą technik technicznych, ale przede wszystkim poprzez mieszanie farb na palecie. Aby uniknąć zmętnienia odcienia koloru, nie dodawaj do mieszanki więcej niż dwóch lub trzech kolorów. Lepiej uzyskać pożądany ton poprzez umiejętne i rozważne nałożenie jednej warstwy koloru na drugą.

Praca na surowym papierze

Jako techniczna odmiana malarstwa akwarelowego, pod koniec XVIII wieku rozpowszechniła się metoda pisania na wilgotnej powierzchni papieru. Pod względem technicznym ta metoda malowania dała nowy pomysł na możliwość oddania bezpośredniego emocjonalnego postrzegania natury, uzyskania różnych teksturowanych przeróbek warstwy malarskiej, a także możliwość wykonania szkicu w jednej sesji.

Praca na mokrym papierze w stosunku do metod pisania na suchej powierzchni papieru wyróżnia się wydajnością, względną prostotą technologii i dostępnością. Opiera się na zasadzie wylewania jednej warstwy farby na drugą. Przy dość umiejętnym posługiwaniu się tą techniką powstają bardzo spektakularne i malownicze przejścia tonacji kolorystycznych.

Odbiór polewania na mokrej powierzchni papieru

Ta technika pisania stanowi etap przejściowy od techniki pisania na suchym papierze do pracy „na mokro”. Został zaprojektowany, aby pomóc początkującym akwarelistom rozwinąć postrzeganie kolorów i szerokie, integralne widzenie. Osobliwością tej techniki jest to, że malownicze wypełnienia są wykonywane w jednej warstwie, z uwzględnieniem relacji kolorystycznych i tonalnych. Jest to szeroki list, który odbywa się bez etapów na zwilżonym papierze dużym pędzlem i przygotowanymi roztworami farb. Proces obrazowania nie jest podzielony, jak w przypadku malowania wielowarstwowego, na niezależne etapy, które są wykonywane w regularnych odstępach czasu. Za pomocą techniki polewania mokrej powierzchni papieru szkic jako całość i każdy przedmiot z osobna są natychmiast doprowadzane do pożądanego rozwiązania obrazowego i plastycznego. Ta metoda pracy pozwala uzyskać jasne, przezroczyste odcienie kolorów z miękkimi przejściami na obrazie.

Przed rozpoczęciem pracy przednią powierzchnię papieru zwilża się wodą. Do pisania „surowego” należy przystąpić po równomiernym nasyceniu wilgocią papieru i braku nadmiaru wody na jego powierzchni. Stopień zawilgocenia papieru oraz różne nachylenie tabletki pozwalają regulować i ograniczać rozlewanie się tuszu do wymaganych granic, uzyskać pożądane zestawienia kolorystyczne oraz uzyskać ich czystość i przezroczystość. Również wilgotność papieru zaciera granice między poszczególnymi odcieniami kolorów.

Pracę lepiej rozpocząć od góry, po uprzednim ustaleniu głównych relacji naturalnego otoczenia pod względem tonacji i koloru. Podczas gdy zastosowany kolor wypełnienia nie jest suchy, inny nakłada się obok niego, częściowo przechwytując sąsiedni. Jeśli trzeba dokonać jakichkolwiek wyjaśnień, to są one wykonywane nawet w warstwie surowej farby.

Przyjęcie pisma a la prima

W trakcie pracy przy użyciu tej techniki w akwareli uzyskuje się dobre rozwiązanie kolorystyczne. Specyfika tej techniki polega na tym, że studium lub szkic wykonuje się na mokrym papierze w pełnej sile światła i koloru, bez uprzedniej rejestracji, bez przerwy, w częściach iw jednej sesji. Recepcja a la prima jest niezbędna w pracy z naturą na małych szkicach o charakterze krótkoterminowym, co pozwala oddać subtelność i miękkość relacji kolorystycznych.

Aby przekazać w pracy duże plany kolorystyczne i sylwetki, artysta jest zmuszony złożyć obraz w częściach, zachowując jedynie w wyobraźni obraz kompletnego i całościowego studium. Praca jest zakończona z reguły podczas jednej sesji, bez długiej przerwy. Odbiór a la prima wymaga dokładności rysunku, znajomości właściwości farb, przemyślenia i systematyczności w pracy, a także umiejętności przeprowadzenia studium od początku do końca. Początkującym artystom, którzy mają zwyczaj przepisywania, można polecić rozpoczęcie pracy od bardzo szczegółowego rysunku. Takie podejście do prowadzenia procesu malowania pozwoli początkującemu akwareliście spojrzeć na naturę całościowo i umiejętnie napisać szkic.

Cechy tej techniki zobowiązują Cię również do bezbłędnego polegania na intuicji, bezpośrednich odczuciach z postrzegania natury. A te cechy artysty rozwijają się w procesie pracy wychowawczej i twórczej i przychodzą z doświadczeniem.

Postęp.

1. Szkicowanie - znalezienie dobrej kompozycji martwej natury
Praktyczną pracę nad ćwiczebną martwą naturą rozpoczynamy od wykonania wstępnych szkiców, zawierających poszukiwanie najlepszego rozwiązania kompozycyjnego, relacji tonalnych.

Oto, co A. Matisse powiedział o roli wstępnych szkiców w malarstwie: „Do stanu natchnionej twórczości dochodzimy tylko poprzez świadomą pracę”.

Po wybraniu najbardziej udanego ze szkiców możesz przejść bezpośrednio do rysowania.

2. Kompozycyjne rozmieszczenie obiektów na płaszczyźnie arkusza

Jeśli kwestie kompozycji zostały już wcześniej rozwiązane na szkicach, wówczas najbardziej udaną znalezioną kompozycję można powtórzyć i przenieść do wybranego formatu arkusza. Jednocześnie określana jest największa szerokość i wysokość całej przedstawionej oprawy oraz orientacyjna głębokość, czyli wprowadzanie obiektów jeden po drugim. Następnie określają duże relacje proporcjonalne między przedmiotami, znajdując każdemu swoje miejsce na płaszczyźnie stołu i jednocześnie zarysowując ich ogólny kształt.

3. Określenie głównych proporcji i konstrukcji konstrukcyjnej ze wstępnym określeniem lokalizacji obiektów

Wszystkie konstrukcje są rysowane liniami bez nacisku, a obiekty są rysowane tak, jakby były przezroczyste („przez”), co wyjaśnia ich cechy konstrukcyjne.

4. Znalezienie proporcji głównych plam barwnych
Znalezienie proporcji głównych plam barwnych, biorąc pod uwagę ogólny ton i stan barwy oświetlenia, jest bardzo ważne. Na przykład powinieneś znaleźć kolor na poziomej powierzchni tła i głównego obiektu, a następnie na pozostałych elementach. Jednocześnie nie pokrywaj całej powierzchni kolorem, a jedynie spróbuj zacząć od oddzielnych małych obszarów, które graniczą ze sobą. Postaraj się wybrać kolor jak najbardziej zbliżony do natury. Wszelkie zauważone uchybienia powinny być natychmiast korygowane. Cała przestrzeń płaszczyzny obrazu jest stopniowo wypełniana.

5. Identyfikacja trójwymiarowej formy obiektów i pełne opracowanie kolorystyczne formy.
Aby zidentyfikować wolumetryczne formy obiektów w tonie, konieczne jest określenie najjaśniejszych i najciemniejszych miejsc na obiektach. Następnie zaznacz granice światła i cienia na formach przedmiotu, znajdź położenie własnego i padającego cienia. Nakładając półtony, wzmocnij ton w obszarach zacienionych: cieni własnych i padających, a także ich granic, uwzględniając kolorystykę obiektów. Więc
W ten sposób, stopniowo zwiększając tony, przejdź do szczegółowego badania form.

Dopracowanie detali to najważniejszy etap pracy z naturą. Zajmując się szczegółowym badaniem formy, nie należy zapominać o ogólnym tonie i każdym kolorze, każdy skok musi być podporządkowany dużej formie. Podczas modelowania kształtu obiektów bardzo ważna jest poprawna praca z relacjami tonalnymi, zaczynając od najjaśniejszego do najciemniejszego. Najjaśniejszym miejscem na obiekcie będzie jasne światło i jego otoczenie, a najciemniejszym miejscem będzie jego własny i padający cień.

6. Uogólniający etap pracy nad martwą naturą.
Identyfikacja głównego i wtórnego w systemie kolorów; podporządkowanie wszystkich części obrazu całości. Ustalenie integralności obrazu, co osiąga się z jednej strony poprzez uogólnienie zarówno drobnych detali, jak i obiektów w tle, z drugiej zaś poprzez konkretyzację obiektów pierwszego planu. Jeśli poszczególne barwne plamy wypadną z kolorystyki, „wyrwą się” do przodu lub „wpadną” w głąb, wówczas zostaną lekko zablokowane przez brak nasycenia kolorem. Wzmocnienie lub osłabienie ogólnej tonacji kolorystycznej w malarstwie akwarelowym wymaga szczególnej ostrożności przy układaniu końcowych warstw farby.

Wniosek

Martwa natura w akwareli rozwija postrzeganie kolorów przez uczniów otaczającego ich świata. Kolor może wyrazić określony nastrój i przekazać go widzowi. Stopniowo na lekcjach malarstwa następuje poprawa czucia kolorystycznego i tonalnego. Ważne jest, aby nauczyć dziecko poprawnie przekazywać swoją wizję produkcji na papierze.

Bibliografia

Kułakow. M., 2010.

Belki pracy nad martwą naturą. M., 1982.

Akwarela Revyakin. M., 1959.

Shitov sztuk pięknych. Obraz. M., 1995.

http://www. ulsu. ru/com/chairs/pas/Metod_ukaz/

Aplikacja

Rozwój metodyczny

Temat: " Technika pracy nad pejzażem w akwareli

Ukończył: nauczyciel Szkoły Artystycznej Biryusinsk

Kuliszowa Inna Aleksandrowna

Wstęp.

Ten rozwój metodologiczny jest poświęcony problemowi znalezienia dokładnego
rozwiązania kolorystyczne w akwarelowych szkicach pejzażowych. Ujawnia pytania
zastosowanie w praktyce podstaw koloroznawstwa i właściwości koloru
przestrzenne rozwiązania krajobrazowe. Pomoc nauczycielowi plastyki
nauczą dzieci poprawnie pisać akwarelą pejzaż przestrzenny,
wykorzystując wszystkie środki i możliwości akwareli.

Uczniowie uczą się języka koloru na lekcjach malarstwa. Rozwijając umysłowo i estetycznie malarstwo, uczy uważnej obserwacji zjawisk, rozwija myślenie przestrzenne, uczy dokładności liczenia, sprzyja poznaniu
piękno przyrody, sprzyja patriotyzmowi i miłości do ojczyzny.

Na koniec każdego roku szkolnego uczniowie mają dwa tygodnie nauki
poświęcają plenerowi, na którym utrwalają lekcje wyniesione z malarstwa
wiedzę teoretyczną i umiejętności praktyczne. Seria
problemy związane z tym, że dzieci, nie posiadające wystarczającej wiedzy artystycznej
doświadczenie, popełniać błędy w pracy nad akwarelowymi studiami pejzażowymi.

Kolorystyka pracy jest czasem spontaniczna. Jeśli dzieci nie
uczyć dobrego czytania i pisania w oparciu o głęboką wiedzę, a następnie stawać się
starsi, bardziej świadomi zaczynają rozumieć, że ich malarstwo nie odpowiada rzeczywistości. Stają się sfrustrowani, nieufni wobec siebie, a wiele dzieci w ogóle przestaje rysować. Dlatego bardzo ważne jest, aby nauczyciel malarstwa już od pierwszych lekcji rozwijał u uczniów przestrzenną percepcję kolorystyczną, zaszczepiając w nich coraz większe umiejętności malarskie, oparte na badaniu praw realistycznego obrazu, w sposób przystępny, ciekawy, zabawny sposób. Z tego wszystkiego wynika, że ​​\u200b\u200bsam nauczyciel musi przede wszystkim dobrze orientować się w zagadnieniach perspektywy światło-powietrze, nauce o kolorze, technikach akwareli. Tylko poprawnie wyjaśniając znaczenie kolorów i odcieni chromatycznych i achromatycznych, ciepłych i zimnych, podstawowych i wtórnych, tonacji kolorów, wpływu światła na kolor, nauczyciel będzie mógł nauczyć dzieci rysowania krajobrazu.

Temat mojego rozwoju metodologicznego jest aktualny dzisiaj
dnia, jej decyzja jest żyznym gruntem dla wprowadzenia nowych metod w procesie edukacyjnym.

Cel: opracowanie i wdrożenie systemu metod i technik nauczania studentów stosowania dokładnych charakterystyk kolorystycznych do rozwiązywania problemów przestrzennych w szkicach akwarelowych na lekcjach malarstwa. Przedmiotem rozwoju metodologicznego jest proces uczenia dzieci w wieku szkolnym prawidłowego wykonywania prac akwarelowych na pejzażu na lekcjach malarstwa.
Przedmiotem opracowania metodologicznego są metody i techniki organizacji i prowadzenia pracy dydaktycznej na lekcjach historii sztuki i malarstwa w szkole artystycznej.

Zadania:
1. Podać psychologiczne i pedagogiczne uzasadnienie organizacji i stosowania metod i technik nauczania podstaw pracy nad studiami krajobrazowymi dla studentów.
2. Scharakteryzuj i ujawnij istotę i cechy charakterystyczne organizacji
metody nauczania pracy z pejzażem na lekcjach malarstwa.
3. Określ kierunek nauczyciela plastyki
działy dotyczące stosowania metod i technik nauczania podstaw pracy
nad studiami krajobrazowymi i ich zastosowaniem w procesie edukacyjnym.
4. Opracować system metod i technik realizacji szkoleń z podstaw
praca nad szkicami krajobrazowymi.

GŁÓWNYM ELEMENTEM.

Najbardziej kompletne studium tematu: „Kolor i przestrzeń w akwareli
krajobraz”, konieczne jest przygotowanie kilku lekcji z różnych dyscyplin. Na lekcji przekazywania nowej wiedzy, z przedmiotu „historia sztuki” nauczyciel opowie o metodach pracy z akwarelami na
przykład mistrzów przeszłości, który pomoże poszerzyć horyzont wiedzy
studentów na ten temat.

1. Cechy technik akwarelowych w malarstwie pejzażowym. (Historia sztuki)

Sposoby malowania akwarelą.
Warstwowe malarstwo akwarelowe to malowanie wstępne
ton ogólny lub modelujący, w niektórych przypadkach nazywany podkładem, na który artysta stopniowo nakłada
przezroczyste warstwy farby, osiągające określone natężenie światła. W takich
pracowali i pracowali tradycyjnie dla sztuki rosyjskiej XVIII-XIX wieku
mistrzów Włoch, Francji, Niemiec, Hiszpanii, Anglii, a później artystów radzieckich.

Metoda MA Vrubela. Metodę tę stosowało wielu mistrzów końca XIX wieku. Są to P. P. Chistyakov, I. E. Repin, V. I. Surikov i wielu innych. Ale najbardziej kompletne i konsekwentne wcielenie znalazł w pracach M. A. Vrubela.
Z reguły są to akwarele małego formatu, według M.A.
Vrubel, rozmiar „z pocztówką”, a także 20x30 cm, 30x40 cm i bardzo
rzadko duże. Niektóre prace P.P. Czistyakowa i I.E. Repin
mają przybliżony rozmiar nowoczesnego arkusza Whatmana. Spróbujmy
teraz oparty na wspomnieniach, badaniach, listach MA Vrubela i,
oczywiście same akwarele przedstawiają możliwą sekwencję
pracować w ten sposób:
1. Twardym ołówkiem na dobrze przyklejonym średnim lub małym papierze
wielkość ziarna w zależności od wielkości pracy do wykonania
szczegółowy, ścisły rysunek przedstawiający zewnętrzne i wewnętrzne
kontury obiektów, a także światła, półtony, cienie, zarówno własne, jak i
opadanie, brzegi plam barwnych, fałdy tkanin, ozdoby itp.
Przykładem jest niedokończony portret N. I. Zabela-Vrubel
1904, w którym MA Vrubel zdołał wykonać kilka uderzeń dalej
fryzurę i nakrycie głowy, dając w tak nieoczekiwany sposób możliwość zobaczenia tego niesamowitego rysunku przygotowawczego niemal w całości.
2. Pokryj przedstawione obiekty wspólnym lokalnym odcieniem koloru
1/3,½, siła koloru, jasność. Pozostaw odsłonięte pasemka i inne
jasne miejsca. Podkreśl różnicę w kolorze między przedmiotami lub ich
Części.
3. Na wyschniętą warstwę wstępną nałożyć kolor indywidualny
płaszczyznę przedstawianego obiektu z pełną siłą, tworząc określony kolor
mozaiki, przechodząc od większych do mniejszych wypełnień. Gdzie jest kolor
ton to za mało, aby na wyschniętym kryć kolejne warstwy koloru
poprzedni. I tak dalej, aż do zakończenia dzieła, którym ma być obiekt składający się niejako z twarzy, platform, różnie rozmieszczonych w przestrzeni.
4. Na tym etapie możliwe są pewne przemycia pędzlem, zmiękczające
twarde krawędzie niektórych wypełnień. Pranie można uogólnić indywidualnie
obszarach pracy, a także w celu zmniejszenia przeładowania kolorami w przypadku błędu. Po
susząc ten obszar, możesz zastosować do niego żądany odcień koloru.
Czasami jako technikę stosuje się małe kropki i pociągnięcia
doprowadź małe obszary koloru do pożądanego odcienia. Zatem,
wypełniane są również niewielkie szczeliny pomiędzy poszczególnymi wypełnieniami.

Przykładami tej sekwencji prac w akwareli są wczesne
prace Vrubela M.A.

Oprócz tego, co zostało powiedziane, należy dodać, że to
można uzupełnić jeszcze jedną sztuczką na początku pracy po zakończeniu
rysunek. Na kartce papieru należy zastosować słaby odcień akwareli,
odpowiada ogólnemu tonowi przedstawionej produkcji, którą daje
pracuj nad specjalnym nastrojem kolorystycznym i uogólniaj go.

Metoda P. Cezanne'a.

Nazwa metody wskazuje na jej pochodzenie. Wiadomo, że Paweł
Cezanne oprócz malarstwa olejnego chętnie iz dużym powodzeniem malował akwarelami. Zachowane bardzo ciekawe akwarele
artysta. Niektóre są napisane w dwóch kolorach: niebiesko-jesionowym i ochrowym.
czerwony. W innych nieco rozszerza swoją paletę do trzech kolorów -
zielony, ochra, czerwony i żółty, pozostawiając niebieski popiół jako podstawę.
W swojej pracy Cezanne oparł się na jednej z trzech zasad Paula Signaca,
który nigdy nie miał nałożyć jednej farby
inny, ponieważ każdy ton nałożony na inny zanika. Ale w
w ostatnich latach pisał P. Cezanne, nadal pasjonujący się akwarelą
zupełnie inny. Nałożył jeden kolor na drugi, potem trzeci i
i tak dalej, używając kolorów podstawowych - niebieskiego, czerwonego, zielonego i
żółty, dodając do nich niewielką ilość czerni, z
z którym zrobił lekkie przerywane akcenty na górze
rozmazy. Co najważniejsze, P. Cezanne nie mieszał między sobą kolorów podstawowych
sam, ale zastosował niejako zasadę nakładania kolorów
okulary. Oto, co napisał o tym Emile Bernard w 1904 roku: „Zaczął od lekkiego
cienie, nakładał punkt, pokrywał go innym, aż wszystkie te gradacje kolorów, nakładając się na siebie, kształtowały kolorem kształt przedmiotów.

Artysta pracował nad całą kompozycją, wzruszając
najpierw, potem drugi plan, potem niebo, a kiedy wracał do tego czy innego obszaru, nowa pozycja farby nie zmywała poprzedniej warstwy.
Przezroczystość akwareli została zachowana. Trudno teraz powiedzieć z całą pewnością
który wraz z P. Cezanne'em mógł stosować tę metodę, ponieważ wielu jego
współcześni pracowali, starając się nie nakładać jednego czystego koloru na inny.
Tak czy inaczej opisaną metodę można zobaczyć w pracach artystów
koniec XX wieku.
Kolejność pracy w ten sposób jest następująca.

Paweł Cezanne

1. Na kartce papieru nałóż dowolny rysunek ołówkiem grafitowym
średnio miękka bez użycia gumki. błędne linie, jeśli nie są
tak intensywne, że można to zostawić na papierze, będą uzupełnieniem przyszłości
warstwę koloru przez pewną grę linii.
2. Zastosuj kolor, zaczynając od niebieskiego, gdzie to możliwe
być obecny w jakimś stopniu. Rozmazy powinny być małe, wg
kształt przedmiotu, przezroczysty, lekki. Następnie musisz zastosować pozostałe kolory
jeden po drugim w dowolnej kolejności, na przykład czerwony, zielony,
żółty. Ważne jest, aby przejście od jaśniejszych tonów do ciemniejszych było
stopniowy. Do czystych kwiatów w niewielkiej ilości możesz dodać
czarny kolor. Nakładanie się jednej plamy koloru na inną może być
niekompletny, tj. tak, że poprzedni kolor jest oglądany w niektórych miejscach w stanie czystym
formularz. W tej technice tkwi szczególny urok kolorystyczny tej metody.
3. Na tym etapie musisz wykonać akcenty kolorystyczne za pomocą
kolor czarny, podkreślający kształt przedstawianego obiektu lub
obiekt. W ten sposób możesz użyć zamiast czystego jasnego
kolory ziemi, na przykład jasna ochra, czerwona ochra i do nich
dodać tlenek chromu, niebieski FC i czarny. ciekawa praca może
okaże się, czy rysunek ołówkiem jest wykonany w jakimś kolorze
ołówek, na przykład niebieski, zielony lub inny; ważne, że on
był dobry na papierze.
Klasyczny sposób
Klasyczny sposób, który występuje w niektórych dziełach sztuki
zwany „celowym”, nie charakterystycznym dla malarstwa akwarelowego, aktywnie
był używany przez akwarelistów XIX wieku w portrecie podczas
modelowanie twarzy, przy przedstawianiu tkanin, wnętrz, na indywidualne
obszarach tła, a czasem w krajobrazie.

AP Bryulov

Obecnie metoda ta praktycznie nie jest przez nikogo stosowana, oczywiście ze względu na jej złożoność. Na początku XIX wieku metoda ta była szeroko stosowana przez takich mistrzów jak P.F. Sokolov, K.P. Bryullov, VI Gau oraz wielu znanych i nieznanych artystów. Metodę tę stosowano głównie do miniaturowych portretów akwarelowych, ale zdarzają się również sceny fabularne i wnętrza.

Kolejność prac można przedstawić w następujący sposób.

1. Na arkuszu dobrze sklejonego papieru akwarelowego o małym ziarnie naniesiono ścisły, miękki rysunek twardym ołówkiem z wystarczającą szczegółowością.
2. Zastosuj wspólny kolor tła do przedstawionego obiektu lub obiektu,
odpowiadające podświetleniom, z wyłączeniem podświetleń i podświetleń
plamy, w których papier powinien pozostać jeszcze nietknięty przez kolor.
3. Po wyschnięciu pierwszej warstwy nakładać kolejno jedna na drugą
kolejne warstwy wypełnienia, zaczynając od jasnych półcieni i kończąc
najciemniejsze obszary, własne i rzucające cienie. Krawędzie
oddzielne warstwy - wypełnienia nie powinny być rozmyte. Każdy kolejny
warstwę należy nałożyć na dobrze wyschniętą poprzednią. Zatem,
obraz jest doprowadzany do niepełnego stopnia kompletności, kiedy jest to możliwe
Nałóż jeszcze 1-2 warstwy.
4. Ostrym końcem cienkiego pędzla (być może są to współczesne nr 1, 2).
nałóż powierzchnię wysuszonego obrazu lub jego część
pogłaskana warstwa akwareli, podobna do ołówka lub pierwszego rysunku.
Warstwa ta zmiękcza twarde krawędzie poszczególnych wypełnień, modeluje kształt,
doprowadza obraz do stanu gotowego pod względem jasności i koloru
nasycenia i stwarza poczucie materialności przedstawionego.
Warstwa obrysu do zastosowania, w której pociągnięcia mogą się przecinać,
nakładając się na siebie, może to być ten sam kolor (uogólnienie) lub
i różne kolory, w zależności od zadań stojących przed artystą.
Zaletą tej techniki była jej szczególna plastyczność.
wyrazistości, która pozwoliła „nie rozmyć” formę i nie uczynić jej szorstką.
To wymagało wielkich umiejętności.

Metoda AV Fonvizina

AV Fonvizin

Rozważana metoda malowania akwarelami nosi imię
wybitny artysta Artur Władimirowicz Fonvizin, który pracował
w niesamowity, wyjątkowy sposób.

I choć istnieje opinia, że ​​\u200b\u200bFonvizin jest tradycyjny w swoich pracach, najprawdopodobniej można to przypisać temu, że artysta nie stosował wybielania, nie mieszał gwaszu z akwarelami, czyli był tradycyjny w czystej akwareli. Poza tym jego twórczość jest głęboko indywidualna.

Można by z tego powodu nie brać pod uwagę jego metody malarstwa akwarelowego, gdyby nie wielu naśladowców, a raczej naśladowców wśród kolejnych pokoleń artystów, zwłaszcza współczesnych młodych akwarelistów. Niektórzy artyści i historycy sztuki uważają, że Fonvizin malował swoje akwarele na mokrej powierzchni papieru. To nie jest prawda. Artysta nie pracuje na zwilżonym papierze, kiedy
zależy to całkowicie od kaprysów rozprowadzania farby na mokrym papierze.

Zachowały się wspomnienia współczesnych artyście, jego modeli, którzy obserwowali pracę mistrza. Możesz uważnie patrzeć, a nie jeden
razy, na jego pracy w Galerii Trietiakowskiej i na różnych wystawach. AV
Fonvizin napisał na kartkach papieru whatman GOZNAK ręcznie z małym
ziarnistość, mocowanie papieru do tabletu za pomocą przycisków, po których ślad pozostał jeszcze w pracy. Wygląda na to, że autor nie wykonał rysunku przygotowawczego
ołówkiem, a cienką końcówką pędzla zaczął rysować, zarysowując jedynie drobne kontury przedstawionego, o czym świadczą niedokończone prace. W innych kwestiach ta niekompletność sprawia raczej wrażenie szczególnej zwięzłości właściwej jego twórczości. Następnie, nabierając dużym pędzlem dużą ilość wody z farbą, delikatnie ją wcierał
powierzchnię papieru, dodając inne kolory, aby uzyskać pożądany
złożony ton, tj. rodzaj palety uzyskano w samej pracy.

Z wielką wprawą artysta poradził sobie z szerokimi smugami koloru
za pomocą pędzla, na przemian ciemne i jasne obszary, czasami pozostawiając prawie
nietknięte papiery. W niektórych miejscach artysta wprowadził akcenty kolorystyczne na wyschniętą powierzchnię poprzedniej warstwy, czasem zupełnie nieznaczne,
prawie kropki, aby podkreślić kształt lub plamę koloru. W portretach
najczęściej akcentowane są oczy i usta. W niektórych pracach to widać
artysta, biorąc aktywny kolor, który na pierwszy rzut oka się wyróżnia
ogólny ton prześcieradła, z drżeniem wykonał szeroką kreskę na jego powierzchni
ruch pędzla. W późniejszych pracach A. V. Fonvizin nieco się rozmył
niektóre obszary kolorów, łącząc je z wyraźnymi wypełnieniami, a także
nałóż kilka warstw koloru na siebie. Jego prace nie sprawiają jednak wrażenia wielowarstwowej akwareli, zachowują niesamowitą świeżość, przejrzystość i świetlistość.

AA Iwanowa

Przypomnijmy sobie prace pejzażowe M. N. Vorobyova i szczególnie dużą grupę akwareli A. A. Iwanowa, w których w rzeczywistości kładzie on tylko zimne niebieskie cienie, rozwiązując w ten sposób problem przenoszenia przestrzeni i powietrza
perspektywy. Podobne prace można znaleźć u P. Cezanne'a, który
sześćdziesiąt lat później sformułował swoje stanowisko w liście do E.
Bernarda z 15 kwietnia 1904 r.: „...naturą dla nas ludzi jest raczej
głębia niż płaskość: stąd potrzeba wprowadzenia do naszego światła
doznania przekazywane przez kolory czerwony i żółty są wystarczające
ilość niebieskiego, aby poczuć powietrze”.

Najwyraźniej K. P. Bryullov postawił sobie te same zadania na początku XIX wieku, starając się przenieść środowisko i przestrzeń powietrzną na działkę i
portretowe malarstwo akwarelowe i zbliżanie się do jeszcze większej integralności
roztwór koloru.

Z powyższego możemy wywnioskować, że ta metoda pozostała w pracy. Wydaje się, że autor nie wykonał rysunku przygotowawczego ołówkiem, ale zaczął rysować cienką końcówką pędzla, zarysowując tylko niezbędne szczegóły, ta metoda jest łatwa do zastosowania w krajobrazie. Spróbujmy wyobrazić sobie kolejność prac w ten sposób.

1. Na kartce dobrze sklejonego papieru o średniej lub drobnej fakturze
ziarnistość, aby zastosować ścisły, szczegółowy rysunek twardym ołówkiem
aby obraz na papierze był wyraźny. Jednak nie
powinny być wgłębienia, które może zostawić twardy ołówek i
które będą widoczne przez warstwę akwareli.
2. Za pomocą niebieskich (w naszym przypadku jest to niebieski FC) i czarnych farb
wykonać podmalowanie w technice „grisaille”, przybliżając dzieło niektórym
niekompletność. Po wyschnięciu nakładaj kolorowe warstwy jedna na drugą.
powierzchnie kolejno od jasnego do ciemnego.
3. Używając jasnej ochry i czerwonej ochry (można też spalić sjenę i
angielski czerwony), doprowadzić pracę do stanu gotowego. W której
żółta farba, nachodząca na niebiesko, daje zielonkawe odcienie, czerwona -
fioletowy, żółty i czerwony są pomarańczowe i wszystkie razem dają brąz
odcienie. W obszarach, w których nie ma niebieskiego, żółtego i czerwonego „dźwięku”.
pełna siła. Jednocześnie w niewielkiej ilości można mieszać
czarna farba.
4. Na tym etapie można wykonać akcenty kolorystyczne i tonalne (z niewielką ilością czerni), a także drobne poprawki w postaci lekkich przetarć. Jednak w tym jest lepiej
przypadku nie uciekaj się.

metoda sucha

We współczesnym malarstwie akwarelowym ta metoda praktycznie nie występuje.
Pracuj na suchej powierzchni papieru.
Dzięki tej metodzie powierzchnia papieru nie jest zwilżana przed rozpoczęciem pracy.
kolor, jak w pierwszej metodzie. Malowanie odbywa się w oddzielnych sekcjach
lub, jak mówią artyści, „z kawałka”. Działki są przypisane do siebie
przyjaciel. Papier do pracy może mieć zarówno wyraźną ziarnistość
struktura i mało zauważalna. Dobrze dopasowane prześcieradła nie są mocne
przyklejony. Akwarelarze nazywają ten papier „miękkim”. Taki
metoda malowania akwarelą bardzo dobrze nadaje się do szkolenia zadań krótkoterminowych. Są również używane przez wielu profesjonalnych artystów do rozwiązywania problemów twórczych.

Doskonałym przykładem zastosowania tej metody malowania są m.in
dzieło wybitnego mistrza akwareli A.P. Ostroumova-Lebiediewa,
które można zobaczyć w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej i
w różnych podręcznikach malarstwa akwarelowego.

AP Ostroumowa-Lebiediewa

Kolejność pracy na suchej powierzchni papieru jest następująca: Nałóż bardziej szczegółowy rysunek na kartkę papieru. Jeśli praca nie pochodzi z natury, wskazane jest wykonanie rysunku z wcześniej wykonanego szkicu, aby nie zepsuć powierzchni papieru gumką, poprawiając błędy. Następnie przymocuj arkusz do tabletu. Weź farbę akwarelową dużym pędzlem w pełnej mocy koloru z pewnym marginesem na blaknięcie, z aktywnym zestawem
wodą i nałóż na powierzchnię papieru, wypełniając określonym kolorem
„kawałek” i dodając w razie potrzeby dodatkowe odcienie kolorów.

Przypisz następny do gotowego „kawałka” i tak dalej, aż arkusz zostanie całkowicie wypełniony. Rozmiary „kawałków” mogą być różne
zdeterminowany charakterem obrazu. Krawędzie nie są całkowicie suche
poszczególne sąsiadujące ze sobą „kawałki” w niektórych miejscach mogą się lekko przelewać
przenikają się ze sobą, tworząc przelewy kolorów, które nie wymagają korekty i
nadając pracy wyjątkową wyrazistość kolorystyczną. Po
prawie cała powierzchnia arkusza jest zarejestrowana, zastosuj dodatkowo
akcenty kolorystyczne, a także lekko zmiękczające zmywa
nie powinno psuć świeżości pracy. Ponadto musisz wypełnić kolor
małe obszary papieru, zwykle pozostające między poszczególnymi
„kawałki” w trakcie. Jednak niektórzy artyści celowo pozostawiają obszary czystego papieru, używając tego jako swego rodzaju
sceniczne podejście. Tabletka z kartką papieru w procesie może być
przechyl pod różnymi kątami w różnych kierunkach, kierując się we właściwym kierunku
kierunku bieżącej warstwy farby.

Metoda akwarelowo-graficzna

Metoda ta łączy techniki graficzne i akwarelowe. On bierze
począwszy od barwionych rycin i rysunków z XVIII - XIX wieku. Ale jeśli w nich
wówczas w omawianej metodzie dominował początek graficzny
rysunek i akwarela działają tak, jakby były sobie równe, uzupełniając się, kiedy
pociągnięcie ołówka jest tak samo ważne jak kolor, kiedy
graficzne i obrazowe początki są połączone. To jest bardzo dobre
można zobaczyć w akwarelach P. Signaca z początku lat 30. XX wieku, w
który aktywnie używa kolorów podstawowych - żółtego, czerwonego, niebieskiego i
zieleń, dodając odrobinę czerni, kieruje się jedną z trzech zasad: „...oryginalny szkic ołówkiem nie powinien zniknąć
pod plamami akwarelowymi, wręcz przeciwnie, musi być dobrze widoczny, aby był widoczny
„stworzyć grę linii w pustkach wyznaczających te przestrzenie, które
powinna kwitnąć”. Na początku XX wieku połączył akwarelę z grafiką
techniki, AP Ostroumova - Lebedev, którego akwarele miały bardziej surowy charakter kolorystyczny, a później D. I. Mitrokhin.

Jego prace wyróżnia ekspresyjny linearny wzór, wsparty m.in
cieniowanie w cieniach i kształtach obiektów oraz energiczne użytkowanie
akwarele, a nawet w niektórych przypadkach kolorowy ołówek. Metodę akwarelowo-graficzną można z powodzeniem stosować zarówno w pracach ilustracyjnych, jak i sztalugowych, pejzażu, martwej naturze, a nawet w portrecie. Możesz go użyć w tych przypadkach, gdy w stosunkowo krótkim czasie konieczne było wykonanie najbardziej wyrazistego opracowania w celu naprawienia tego, co zostało zauważone, co zostało następnie wykorzystane w późniejszej pracy.

Sekwencja prac w sposób akwarelowo-graficzny.

1. Na kartce papieru, której faktura może mieć inny charakter (w
w zależności od życzenia wykonawcy), zastosuj bezpłatną intensywną
rysunek miękkim grafitem lub czarnym ołówkiem. Może być użyte
czarny ołówek z zestawu zwykłych kredek lub rdzeń „murzyński”. Kształty obiektów można modelować za pomocą pociągnięć. Gdzie
konieczne, obrysy można również wypełnić w tle. W tym samym czasie użyj
gumka nie jest konieczna, wstępne jasne linie przyczepiają się do pracy
trochę żywotności.
2. Korzystając z płynności akwareli, nałóż w całości na gotowy rysunek
warstwa tuszu o intensywności koloru, w której jeden kolor może płynnie przechodzić w inny.
3. Na tym etapie możesz wzmocnić cienie, wprowadzając dodatkowe
kolorowe plamy naniesione na wysuszoną warstwę bazową.
Do powyższego należy dodać, że do rysunku można użyć
ołówek węglowy i akwarela, która jest lekko rozmyta przez nałożoną
warstwa kasku, nadaje pracy miękkości. Możesz także złożyć wniosek i
różne kolorowe kredki, które podkreślają fakturę.

1. Należy przedstawić prezentację dotyczącą różnych sposobów malowania akwarelami
malatura. Następnie, aby skonsolidować materiał, możesz zaoferować uczniom
samodzielnie określić na podstawie sposobu pisania, która metoda została zastosowana
artystów podczas pracy nad proponowaną pracą.
Wycieczka do galerii sztuki, aby zobaczyć autentyczność
dzieła akwareli - mistrzowie przeszłości lub, jeśli to możliwe
zaginionych, na wystawę współczesnych artystów, pomoże uczniom w pełni doświadczyć tego tematu. Takie wycieczki zainspirują do powstania małych samodzielnych prac - szkiców krajobrazów opartych na oglądaniu, przy użyciu jednej z badanych powyżej technik.
2. Po historii sztuki z teoretycznym studium technik akwarelowych następuje lekcja malarstwa.

Na tym etapie studenci powinni zdobyć wiedzę na temat perspektywy światło-powietrze oraz praw rządzących kolorologią. Perspektywa (łac. przejrzeć) to technika przedstawiania obiektów przestrzennych na płaszczyźnie zgodnie z obserwowanymi w przyrodzie pozornymi redukcjami ich wielkości, zmianami konturów kształtu oraz relacjami światła i cienia. Co to jest perspektywa świetlno-powietrzna? Aby stworzyć iluzję głębi na rysunku, należy pamiętać, że istnieją prawa perspektywy światło-powietrze, które zapewniają zmianę koloru, tonu i wyrazistości konturów.
przedmioty znajdujące się w pewnej odległości od malarza. rzeczy,
znajdujące się bliżej nas, wydają się bardziej wyraźne, rozróżniamy
więcej szczegółów na ich powierzchni, ale w miarę oddalania się od nas
kontrast tonacyjny stopniowo mięknie, kolory zmieniają swoją barwę,
kontur obiektów staje się rozmyty. Na podstawie naszych obserwacji w
natury, widać, że obiekty, które są daleko
wydają się być spowite mgłą.

Widzimy niektóre obiekty jako jasne, inne jako ciemne. Od sąsiadów
dlatego więcej obiektów świetlnych trafia do naszego oka niż z odległych
Obiekty znajdujące się blisko nas wydają się wyraźne i jasne, obiekty odległe wydają się rozmyte,
niejasne i wyblakłe. Powietrze nie zawsze jest przezroczyste, częściej w nim
rozpuszczają się małe cząsteczki chemikaliów, nasycają się oparami,
kurz itp. W ten czy inny sposób utrudnia to wyraźne zdefiniowanie konturów obiektu.
Dlatego, gdy patrzymy na już ukończony rysunek, obiekty z wyraźnym
zarysowane konturem, postrzegamy jako obiekty blisko stojące i z
niejasne - jako odległe. Zmiany światła i pogody również
wpływa na kontrast światłocienia i widoczność. W zależności od
bledną odległości, a kolory przedmiotów nabierają niebieskawych odcieni,
różnica kolorów powierzchni formy zostaje złagodzona na horyzoncie koloru
zbiegają się i zamieniają w jeden niebiesko-niebieski kolor.
Kontrasty światłocienia, ostre na pierwszym planie, stopniowo łączą się
jednolitej tonacji, obiekty tracą objętość, nabierając charakteru sylwetki,
tekstura znika. Początkujący w rysunku powinni się tego nauczyć
prawa. Aby przekazać przestrzeń na rysunku, lepiej użyć trzech
plany i rozwijaj każdy plan oddzielnie, gdy się od niego oddalisz
widz.
Ciepłe i zimne kolory mają jeszcze jedną ważną właściwość. Ciepły
kolory, otoczone zimnymi, wydają się nam wystawać
do przodu. Na przykład czerwony obiekt umieszczony w rzędzie niebieskich obiektów
postrzegany bardziej aktywnie niż ten drugi. Chłodne kolory wręcz przeciwnie, sprawiają wrażenie oddalających się przedmiotów. Ta właściwość kolorów następuje
brać pod uwagę w pracach nad malowaniem przedstawień edukacyjnych czy pejzaży.
W przekazie wykorzystywane są kontrastowe właściwości barw ciepłych i zimnych
relacje przestrzenne w malarstwie - światłocień, światło-powietrze
perspektywy, warunki dnia itp.

Podstawy nauki o kolorze (malarstwo tematyczne)
Ważnym punktem w malarstwie jest badanie koloru w przestrzeni.

Podstawy nauki o kolorach dla początkujących - tego właśnie potrzebujemy.
1. Uważa się, że istnieją trzy podstawowe kolory i wszystkie inne kolory mogą być
uzyskany przez zmieszanie głównych w ich różnych proporcjonalnych proporcjach.
2. Widmowy krąg. Łatwiej jest założyć, że podstawowe kolory widma
dwanaście. Wszystkie inne kolory uzyskuje się przez zmieszanie podstawowych.
Kolory widmowe nazywane są chromatycznymi.
3. Szary, biały i czarny nazywane są achromatycznymi:

4. Kolory dopełniające to przeciwne kolory w widmie. Uzupełniają się, to znaczy, gdy kolory dopełniające znajdują się obok siebie, wzmacniają się, „zapalają”. Na przykład mamy ten: nieokreślony matowy fioletowy kolor.
Sam w sobie nie niesie ze sobą wiele piękna i niewiele z siebie może
powiedzieć. Ale jeśli dodasz do tego dodatkowy kolor, to tak
zagra i zabłyśnie.

Spójrz, nasz fiolet zalśnił i ma ten sam kolor co my
podjęte na początku. Mieszanie tych kolorów zawsze daje szary.
Podstawy nauki o kolorze - główne cechy koloru:

1. Nazwa koloru to tak zwana tonacja barwna.
2. Lekkość, to jest ton.
3. Nasycenie, czyli napięcie, czystość, jakie jest nasycenie koloru, jak bardzo jest czysty.
4. Ciepło i zimno.
Wszystkie te koncepcje są różne i tylko w każdym kolorze są obecne.
Na przykład:
Rozejrzyj się wokół siebie, znajdź dowolny przedmiot. On będzie jakiś
określony kolor, na przykład ten sam żółty. Pomyślmy-
odcień koloru będzie żółty, ale w jasności może okazać się inny lub
jasnożółty lub ciemnożółty. Teraz musimy to zdefiniować
nasycenie - ile jest żółtego w danym kolorze?
Dużo żółtego - mocne napięcie żółte z zanieczyszczeniami - słabe
napięcie, niska czystość. I ostatni - teploholodnost. Nasz żółty
kolor może być zarówno z nutą chłodną, ​​jak i ciepłą. Będzie łatwiej
zrozumieć, kiedy porównać kilka różnych obiektów o tym samym odcieniu koloru, w
w tym przypadku żółty. Znajdź kilka żółtych przedmiotów i porównaj je
cechy wymienione poniżej. Wszystko stanie się dla ciebie jasne.
Jeśli jeszcze nie zmieniłeś kierunku, w którym cię prowadzę,
Oferuję jedną rozrywkę:

Kolor jest wyrazem jakości energii niesionej przez otoczenie. Innymi słowy,
każdy przedmiot niesie energię o określonej jakości, w naszym
obudowa - kolor. Jak zapewne wiecie, każdy kolor jest przez nas inny
postrzegane. Żółty kolor zwiększa uwagę, gdzieś denerwuje. Kolor niebieski spokojny, pasywny. Czerwony zwiększa wrażliwość, uwagę. Fioletowy - wpływa na nasze wnętrze tak bardzo, że może nawet przygnębiać. W ten sposób czujemy kolory.

Spektrum kolorów:

Wszystkie kolory uczestniczące w kompozycji muszą być podporządkowane niektórym
następnie jeden kolor, który zawsze zależy od:
1. Kolory światła (czy to poranek, czy wieczór, pogodny dzień czy deszcz,
A może masz pomarańczowe zasłony wiszące na oknie, które wpuszczą
ciepłe światło do pokoju
2. Z kolorów zaangażowanych w kompozycję.
3. Z obszaru plam zaangażowanych w kompozycję.
Powiedzmy, że największy punkt twojej kompozycji jest zielony
ten kolor zostanie uwzględniony w gamie. I to właśnie gamma decyduje o całości.
kompozycje.
Każda kreska powinna zawierać trzy kolory - kolor lokalny (color
obiekt), kolor skali (w jakiej skali, powiedzmy, twój krajobraz) i kolor
lekki (może być zarówno zimny, jak i ciepły).
Zmiana koloru w zależności od kształtu obiektu lub odległości:
Z nazwy odcień koloru nie zmienia koloru. Ciekawy proces
dzieje się z lekkością. Jasny kolor ciemnieje przy oddalaniu się: ciemny kolor rozjaśnia:
Przez nasycenie kolor odchodzi, gaśnie, osłabia:

Przez letniość: zimne kolory, oddalając się, rozgrzeją
ciepło - zimniej.
W świetle kolor jest jaśniejszy, w cieniu słabszy i rozkłada się na półtony:
Przez letniość, jeśli wybrałeś ciepłe światło,
wtedy cienie będą zimne. Jeśli światło jest zimne, cienie będą ciepłe.
Ciepłe światło staje się zimniejsze w miarę oddalania się, zimne światło staje się cieplejsze. ciepły odcień
oddalając się będzie zimniej, zimno cieplej. Kolor w cieniu jest oświetlony przez nasycenie.
A teraz najtrudniejsza część:
1. Najciemniejszy półton w świetle jest jaśniejszy niż najjaśniejszy półton w cieniu.
2. Najbardziej bezbarwny półton w świetle jest bardziej kolorowy niż najbardziej kolorowy półton w cieniu.
3. Najcieplejszy półton w zimnym świetle jest zimniejszy niż najzimniejszy
półtony w cieniu.
Czy wszystko jest skomplikowane i mylące? Tak mi się wydaje za pierwszym razem. Takie myśli znikną, gdy zaczniesz rysować.

Nauka o kolorze dostarcza gotowych praw, które artyści rozwijają przez lata w trakcie studiów. Tego wszystkiego trzeba się po prostu nauczyć, zaakceptować i wprowadzić w życie kierując się mottem: nie widzę, ale wiem! I robię to, co wiem!

A swoją wiedzę możesz, kierując się mottem, pogłębić, wykonując kilka ćwiczeń na temat „nauki o kolorze”. połóż teraz. Oczywiście pomagają nam w tym poszukiwania kolorów i szkice, które wykonujemy przed rozpoczęciem pracy. Ale następujące ćwiczenia pomogą ci poczuć się pewniej w procesie pracy:

Do tego potrzebujemy akwareli, o której była mowa na początku
strony. Użyj dowolnego koloru. Rozciąganie kolorów można wykonać na różne sposoby.
Rozciągnij kolory od ciepłych do zimnych, od jasnych do ciemnych i od
jeden kolor do drugiego. Możesz wykonywać rozciąganie zgodnie z zasadą tych zasad, o
którą tu poznałeś. Ćwiczyć. Możesz się wiele nauczyć
o kolorze, o tym, jak zachowuje się obok innych lub po zmieszaniu.

Na zajęciach z malarstwa, po krótkim przeglądzie nauki o kolorze i prezentacji o godz
na ten temat studenci proszeni są o wykonanie serii ćwiczeń wypełniających,
do dalszego przygotowania do pracy w warunkach ul. Wypełnij potrzebne
aby zmienić kolor w zależności od oświetlenia, zgodnie z sugestią
scenariusz. Na przykład światło jest zimne, jak długo będzie mieszkanie
obiekt w kolorze czerwonym, gdy oddala się od widza. Lub,
zadanie do samodzielnego wyboru kombinacji kolorów, z których możesz
„zrobić” zielone. Następne zadanie: jak zmieni się ta zieleń wg
odległość od widza w ciepłym świetle. Rozciąganie do zrobienia za cztery -
pięć stopni. Na koniec pracy poproś uczniów o ocenę
praca, punktacja na punkty: czystość koloru, zmiana tonacji,
przestrzeganie ciepła-zimna, czystość wykonania, skład w prześcieradle.
Ta lekcja jest lekcją w realizacji złożonych zadań.

Pracując nad tematami, uczniowie powinni nauczyć się następujących rzeczy:
pytania:
1. Jakie są metody pracy z akwarelą?
2. Która metoda jest najbardziej odpowiednia dla samego ucznia?
3. Jak pracować z akwarelą?
4. Jak zmienia się kolor w zależności od oświetlenia?
5. Jak zmienia się kolor w zależności od odległości?
6. Jak zmienia się kolor w zależności od perspektywy światło-powietrze?
Po lekcjach przygotowawczych uczniowie zdobędą nową wiedzę,
umiejętności pracy z akwarelami, poznają różne metody pracy
kolory i nowe technologie.
I dopiero wtedy możesz przejść bezpośrednio do pracy na ulicy.

I jeszcze kilka wskazówek dla nauczycieli uczących dzieci w wieku szkolnym. W przypadku dzieci w tym wieku lepiej rozpocząć pracę w technice rysowania na surowym papierze. Pozwól dzieciom wypróbować farbę, aby uzyskać płynność i rozmycie.

Technika „mokra” lub „mokra” (akwarela „angielska”)

Istotą tej techniki jest nakładanie farby na arkusz uprzednio zwilżony wodą. Zaleca się, aby arkusz roboczy nie był umieszczony poziomo ani pionowo, ale pod niewielkim kątem. Farby nanoszone są lekkimi pojedynczymi pociągnięciami, na mokro z pewnością będą płynąć w kierunku wyznaczonym przez artystę. Możesz kierować ruchem farby suchym pędzlem, może to również osłabić kolor. Ale jaki wzór „smugi” się okaże, nie jest znany. Ten element zaskoczenia nadaje technice nieprzewidywalności i pewnej pikanterii.Stopień jej zawilgocenia zależy od intencji twórczej artysty, ale zwykle zaczynają one działać, gdy woda na papierze przestaje „świecić” w świetle. Mając wystarczające doświadczenie, możesz ręcznie kontrolować wilgotność arkusza. W zależności od tego, jak wypełniony wodą jest wiązka włosów pędzla, zwykle warunkowo rozróżnia się takie metody pracy, jak „mokre na mokre” i „suche na mokre”.

Technika wielowarstwowego malarstwa akwarelowego (glazura)

Szkliwienie to metoda nakładania akwareli przezroczystymi kreskami (z reguły ciemniejsze na jaśniejsze), jedna warstwa na drugiej, przy czym spód musi być zawsze suchy. W ten sposób farba w różnych warstwach nie miesza się, ale działa przez światło, a kolor każdego fragmentu składa się z kolorów w jego warstwach. Pracując w tej technice, możesz zobaczyć granice pociągnięć. Ale ponieważ są przezroczyste, nie psuje to obrazu, ale nadaje mu osobliwą teksturę. Pociągnięcia są wykonywane ostrożnie, aby nie uszkodzić ani nie zamazać już wyschniętych malowniczych obszarów.

Technika akwareli „Rezerwa” (białe i jasne obszary)

„Rezerwa” w akwareli nazywana jest niezarejestrowaną białą lub najjaśniejszą częścią arkusza.
Biały kolor jest przekazywany ze względu na kolor papieru. Innymi słowy, artysta cały czas musi pamiętać te obszary, które musi pozostawić białe i „ominąć” je kolorem, pozostawiając je nietknięte. „Bypass” to najbardziej złożona i „czysta” technika redundancji.
Możesz rozwiązać problem techniki „Rezerwy” na kilka sposobów:
- z taśmą klejącą
- parafina
- kredki woskowe
- wykorzystują obróbkę wyschniętej już warstwy malarskiej różnymi metodami „mechanicznymi” (skrobanie, usuwanie warstwy malarskiej żyletką itp.)
- podkreślenie potrzebnych miejsc za pomocą wykręconego pędzla lub np. serwetki na mokrej lub wysuszonej warstwie.

Technika A LaPrima

A la prima * (wł. Allaprima; zaim. - "ala prima") - to samo co malowanie na surowo.
To malarstwo w surowym stylu, pisane szybko, w jednej sesji, które tworzy niepowtarzalne efekty plam, zacieków i zacieków farby.

Praca na surowym arkuszu w początkowej fazie z późniejszym zakończeniem „na sucho”

W tym przypadku artysta wykonuje podstawę pracy na mokrym arkuszu, a prace nad detalami kontynuuje, gdy arkusz jest już suchy. Technologia ta pozwala łączyć delikatne przejścia malowania „na surowo” z akcentami namalowanymi na nich na drobnych detalach.

Technika sucha (szkoła włoska)

Polega ona na tym, że farbę na suchą kartkę papieru nakłada się w jednej lub dwóch (akwarela jednowarstwowa) lub kilku (glazura) warstwach, w zależności od pomysłu artysty. Ta metoda pozwala zapewnić dobrą kontrolę nad przepływem farby, tonacją i kształtem pociągnięć.

Technika solna

Sól (zarówno duża, jak i mała) rozsypana na mokrych akwarelach nierównomiernie koroduje farbę i tworzy na plamie specjalną teksturę. Ta technika jest skuteczna na pierwszej warstwie farby. Gdy praca wyschnie, sól można usunąć suchą szmatką lub nawet ręcznie. Podobny efekt może dać rozpylona woda.

Technika Hillshade

Hillshade to metoda ujawniania kształtu obiektu poprzez nakładanie warstw farby w gradacji od światła do cienia. W rzeczywistości jest to sposób badania tonalnego obiektu. Mówiąc najprościej, używamy tonu, aby pokazać obszary rozjaśnione, jasne, półjasne, półcieniste, cień. Hillshade jest prawdopodobnie najprostszym, choć długotrwałym procesem w technice akwareli.

Techniką rysunkową „mokre na mokre” – połączenie płynnej farby z mokrą kartką tworzy rozmyte kontury, co tylko lepiej działa na wyobraźnię dziecka – kontynuuje tworzenie obrazków przez całą lekcję. Kiedy dziecko dodaje nowy kolor do już rozpoczętego rysunku, w jego wyobraźni często pojawia się nowe połączenie semantyczne, które następnie rozwija w kolejnym rysunku.

Na mokrej kartce poszczególne kolory mieszają się i przenikają w wielu miejscach, pojawiają się też kolory pośrednie - zielony, pomarańczowy, brązowy, fioletowy. Wykonując prace przy użyciu soli, uzyskuje się niesamowite krajobrazy. Mówiliśmy o tym powyżej. Obserwując te metamorfozy, dzieci radują się i zastanawiają: są twórcami, są pionierami! Podobnie jak w przypadku gry kolorów na papierze, dziecko z zaciekawieniem będzie obserwowało zmieniający się kolor wody w szklance, w której myte są pędzle. Kiedy cały arkusz jest już zajęty rysunkiem, a kolory jarzą się i błyszczą dzięki obecności w nich żywiołu wody, dziecko ma szczyt „artystycznej” satysfakcji! Potem, gdy obraz został już wyjęty do wyschnięcia, nie jest już tak interesujący dla dziecka.

Należy również zauważyć, że nie ma technologii samej w sobie. Technika podporządkowana jest celowi, jaki stawia sobie artysta. Dlatego akwarela jest tak różnorodna i indywidualna, jak różnorodny i indywidualny jest charakter pisma.

Powyższe odnosi się do każdego rodzaju sztuki, ale to właśnie akwarela jest szczególnie podatna na temperament i „ruch pędzla” emanujący z ruchu ducha mistrza. To jest główna tajemnica i problem posiadania technologii.

W pracy metodologicznej wykorzystano niektóre punkty z artykułów:

http://yandex.ru/-E. Bazanow. Żywioł wody i farby. O technice malarstwa akwarelowego.

Źródło http: //yandex.ru/-Nazarov A. K. „Podstawowe metody malowania akwarelą”

Bibliografia:

Rysujemy martwą naturę: Akwarela, gwasz, farby olejne, akryl, pastel, kredki grafitowe i wiele więcej / tłum. z angielskiego - M.: Astel, 2012. - 32 s.: ilustracje - (rysunek. Wszystkie techniki w jednej książce).

Sokolnikowa N.M. Sztuki piękne: Podręcznik dla ucha. 5-8 komórek: po 4 godzinach - Obninsk: Tytuł, 1999.

Szkoła Sztuk Pięknych: Cz. 2/AN Buynov, E.N. Elizarowa, B.V. Ioganson i inni - M.: Sztuk Pięknych, 1988. - 160 s.: il.

Rysunek. Akwarela: Druga wystawa ogólnorosyjska.- L .: Artysta RSFSR, 1981.- 156 s.: il.

Rostowcew NN Metody nauczania plastyki w szkole: podręcznik dla studentów wydziałów artystycznych i graficznych. Ped. ins-comrade - wyd. 2, dod. I poprawione - M.: Oświecenie, 1980. - 239 s.: chory.

Masłow N.Ya. Plener: ćwicz wg zdj. Isk-vu: podręcznik. Podręcznik dla studentów kierunków artystycznych - Hrabia. Fałsz. Ped. in-comrade.- M.: Enlightenment, 1984.- 112p.: ilustracja.

Nowoczesna radziecka akwarela / komp. Albumowe i naukowe aparat N. A. Volodin.- M .: Sov. Artysta, 1983.- 258 s.: chory.

Miejska budżetowa placówka oświatowa dodatkowego kształcenia dzieci

ośrodek dla dzieci (nastolatków) „Agnes”

klub dziecięcy (nastoletni) „Tęcza”

Rozwój metodyczny

Klasa mistrzowska

„Akwarela na zmiętym papierze”

Opracowany przez:

Bałaszowa Irina Wiaczesławowna

Nauczyciel edukacji dodatkowej

Dziecięce (nastoletnie)

Klub „Tęcza”

N. Nowogród

Kurs mistrzowski na temat „Akwarela na zmiętym papierze”

Technika pracy akwarelą na zmiętym papierze nawiązuje do metod niekonwencjonalnego rysunku.

Technika pracy akwarelą na zmiętym papierze jest zalecana do zajęć z dziećmi od 5 roku życia.

Praca może być prezentem na Niedzielę Palmową.

Ta klasa mistrzowska mogą zainteresować nauczycieli edukacji dodatkowej pracujących w kierunku „sztuki dekoracyjnej i użytkowej”, pracowników pedagogicznych placówek oświatowych w organizacji pracy w kółku i pracy stowarzyszeń twórczych.

Cel klasy mistrzowskiej: doskonalenie umiejętności zawodowych nauczycieli - uczestników klasy mistrzowskiej w procesie aktywnej komunikacji pedagogicznej na temat opanowania doświadczenia w pracy z akwarelami.

Zadania:

zapoznaj nauczycieli z techniką dodatkowych efektów akwareli;

uczyć sekwencji działań, stosowania metod i technik na przykładzie litery „Verba”;

stworzyć warunki do samorealizacji i stymulowania wzrostu potencjału twórczego nauczycieli w procesie prowadzenia klasy mistrzowskiej;

promowanie zainteresowania nauczycieli nietradycyjnymi sposobami rysowania.

Oczekiwane wyniki klasy mistrzowskiej:

zwiększenie kreatywności nauczycieli;

możliwość wykorzystania przez nauczycieli nowej, nietradycyjnej metody w swojej praktyce;

studium rozwoju na temat klasy mistrzowskiej;

wzrost motywacji uczestników KM do kształtowania własnego stylu twórczej działalności pedagogicznej;

praktyczne rozwijanie przez uczestników KM specjalnej wiedzy, umiejętności i technik w procesie pracy;

stworzenie pracy akwarelowej w technice „zmięty papier”, wykazującej inicjatywę twórczą, wyobraźnię i myślenie.

Wyposażenie metodyczne lekcji

Metody:

interaktywne (werbalne, wizualne, praktyczne);

badania (umiejętność samodzielnego rozdzielania czynności pracy,

wybór działania i jego metody, swoboda twórczości).

Przyjęcia:

wyjaśnienie;

konsultacja;

rozmowa z pokazem praktycznych działań;

tworzenie prac akwarelowych

Korzystanie z widoczności:

Ułożenie bukietu z żywej wierzby;

próbki gotowej pracy wykonanej przez nauczyciela;

schematy stopniowego wdrażania produktów;

materiały do ​​pracy praktycznej.

Materiały i narzędzia:

prześcieradła z waty;

akwarela;

• sól morska;

  mocznik;

Przebieg klasy mistrzowskiej.

Drodzy koledzy! - Bardzo się cieszę, że cię tu widzę, w naszym klubie „Tęcza”. Nazywam się Irina Wiaczesławowna. Jestem nauczycielem plastyki i rzemiosła w kręgu batiku.

Już wkrótce - jasne święto Zmartwychwstania Chrystusa, Wielkanoc. W tak jasny dzień chcę sprawić radość, dlatego proponuję wykonanie pracy akwarelowej wykonanej techniką „zmięty papier” „WILLOW”. Może służyć jako prezent lub dekoracja na święta.

Tak więc w świetnym nastroju i pozytywnych emocjach rozpoczynamy klasę mistrzowską.
Do pracy potrzebujemy materiałów:

Akwarela.

1. Papier Whatmana w dowolnym dogodnym dla Ciebie formacie.

   Mocznik.

Przejdźmy do części praktycznej.

Arkusz papieru Whatmana jest dobrze zwilżony wodą. Jeśli to możliwe, lepiej namoczyć w pojemniku.

Ostrożnie zgnij surowy arkusz w kilku kierunkach

Prostujemy prześcieradło

Na jeszcze surowym papierze piszemy tło, dodając dla efektu spirytus, sól, mocznik.

Za pomocą wybielacza bez pędzla za pomocą palców losowo nakładamy białe plamy, imitujące pąki wierzby.

Za pomocą pędzla spróbuj narysować gałęzie w gotowe pąki. (Dziecko próbuje wykazać się wyobraźnią, aby narysować zakręty gałęzi)

7. Kończymy pracę.

Praca jest gotowa!

Mam nadzieję, że wiedza, którą zdobyliście na dzisiejszym MC, pomoże Wam w kreatywnym rozwiązywaniu problemów na zajęciach z dziećmi.

Dziękuję za współpracę!
- Dziękuję za uwagę i udział w pracach. Bądź zawsze zdrowy! I twórczy sukces dla ciebie!

Bibliografia:

Olga Szmatowa „Instrukcja samodzielnego rysowania akwarelą”. Moskwa 2010

Master class jako nowoczesna forma certyfikacji w kontekście wdrażania federalnego stanowego standardu edukacyjnego. Algorytm technologii, modele i przykłady implementacji, kryteria jakości / komp. NV Szirszina. - Wołgograd: Nauczyciel, 2013.

Kursy mistrzowskie i seminaria pedagogiczne w edukacji dodatkowej dzieci. Aspekty teoretyczne i organizacyjne / Comp.: Klenova N. V., Abdukhakimova SA / Ed.: Postnikov A. S., Prygunova A. P. - M .: MGDD (Yu) T, 2009

Polne kwiaty w akwareli. W. Tate. Krystyna & K. 2010

Zasoby internetowe

http://kladraz.ru/ - Strona „spiżarnia rozrywki”

http://victoriaartist.ru/ Oddech akwareli. Strona internetowa artysty V. Kiryanova