Rinascimento - tradotto dal francese significa "Rinascita". Questo è esattamente ciò che chiamavano un'intera era, che simboleggiava la fioritura intellettuale e artistica Cultura europea. Il Rinascimento iniziò in Italia all'inizio del XIV secolo, inaugurando la fine dell'era del declino culturale e del Medioevo), basato sulla barbarie e sull'ignoranza, e, sviluppandosi, raggiunse il suo apice nel XVI secolo.
Per la prima volta, uno storiografo di origine italiana, pittore e autore di opere sulla vita di famosi artisti, scultori e architetti dell'inizio del XVI secolo scrisse del Rinascimento.
Inizialmente, il termine "Rinascimento" indicava un certo periodo (inizio XIV secolo) dell'educazione nuova ondata arte. Ma nel tempo, questo concetto acquisì un'interpretazione più ampia e cominciò a designare un'intera era di sviluppo e formazione di una cultura opposta al feudalesimo.
Il periodo rinascimentale è strettamente associato all'emergere di nuovi stili e tecniche di pittura in Italia. C'è interesse per le immagini antiche. Laicità e antropocentrismo sono caratteristiche integrali che riempiono le sculture e i dipinti di quel tempo. L'epoca rinascimentale sostituisce l'ascetismo che la caratterizza epoca medievale. Arriva l'interesse per tutto ciò che è mondano, la bellezza sconfinata della natura e, naturalmente, l'uomo. Gli artisti del Rinascimento si avvicinarono alla visione del corpo umano punto scientifico visione, cercano di elaborare tutto fin nei minimi dettagli. Le immagini diventano realistiche. La pittura è satura stile unico. Ha stabilito i canoni fondamentali del gusto nell'arte. Ampiamente distribuito nuovo concetto visione del mondo chiamata "umanesimo", secondo la quale viene considerata una persona valore più alto.
Periodo rinascimentale
Lo spirito di fioritura è ampiamente espresso nei dipinti di quel tempo e riempie la pittura di una sensualità speciale. Il Rinascimento collega la cultura con la scienza. Gli artisti iniziarono a considerare l'arte come una branca della conoscenza, studiando a fondo la fisiologia umana e il mondo. Ciò è stato fatto per mostrare in modo più realistico la verità della creazione di Dio e gli eventi che si svolgono sulle loro tele. Molta attenzione fu riservata alla raffigurazione di soggetti religiosi, che acquisirono contenuti terreni grazie all'abilità di geni come Leonardo da Vinci.
Ci sono cinque fasi nello sviluppo dell’arte rinascimentale italiana.
Gotico internazionale (di corte).
Ha avuto origine in inizio XIII secolo, il gotico di corte (ducento) è caratterizzato da eccessiva vivacità, sfarzo e pretenziosità. Il tipo principale di dipinti sono le miniature raffiguranti scene d'altare. Gli artisti usano i colori a tempera per creare i loro dipinti. Il Rinascimento è ricco di famosi rappresentanti di questo periodo, ad esempio, come i pittori italiani Vittore Carpaccio e Sandro Botticelli.
Periodo pre-rinascimentale (proto-rinascimento)
La fase successiva, che si ritiene anticipi il Rinascimento, è chiamata Protorinascimento (Trecento) e si colloca alla fine del XIII - inizio del XIV secolo. In connessione con il rapido sviluppo della visione del mondo umanistica, la pittura di questo periodo storico rivela mondo interiore di una persona, la sua anima, ha un significato psicologico profondo, ma allo stesso tempo ha una struttura semplice e chiara. Le trame religiose passano in secondo piano e quelle secolari diventano protagoniste e il personaggio principale è una persona con i suoi sentimenti, espressioni facciali e gesti. Appaiono i primi ritratti Rinascimento italiano, prendendo il posto delle icone. Artisti famosi di questo periodo sono Giotto, Pietro Lorenzetti.
Primo Rinascimento
All'inizio inizia la fase primo Rinascimento(quattrocento), a simboleggiare il fiorire della pittura con l'assenza di soggetti religiosi. I volti sulle icone diventano specie umana e il paesaggio, come genere nella pittura, occupa una nicchia separata. Il fondatore della cultura artistica del primo Rinascimento è Mosaccio, il cui concetto si basa sull'intellettualità. I suoi dipinti hanno un alto realismo. I grandi maestri esplorarono la prospettiva lineare e aerea, l'anatomia e utilizzarono la conoscenza nelle loro creazioni, in cui è possibile vedere il corretto spazio tridimensionale. Rappresentanti del primo Rinascimento sono Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.
Alto Rinascimento, o "Età dell'oro"
Dalla fine del XV secolo iniziò la fase dell'alto Rinascimento (cinquecento) che durò relativamente di breve durata, fino all'inizio del XVI secolo. Venezia e Roma divennero i suoi centri. Gli artisti stanno espandendo i loro orizzonti ideologici e si interessano allo spazio. L'uomo appare come un eroe, perfetto sia spiritualmente che fisicamente. Le figure di quest'epoca sono considerate Leonardo da Vinci, Raffaello, Tiziano Vecellio, Michelangelo Buonarrotti e altri. grande artista Leonardo da Vinci era un "uomo universale" ed era alla costante ricerca della verità. Mentre era impegnato nella scultura, nel teatro e in vari esperimenti scientifici, riuscì a trovare il tempo per la pittura. La creazione “Madonna delle Rocce” riflette chiaramente lo stile chiaroscurale creato dal pittore, dove la combinazione di luci e ombre crea un effetto tridimensionale, e la famosa “La Giaconda” è realizzata utilizzando la tecnica dello “smuffato”, creando la illusione di foschia.
Tardo Rinascimento
Durante il tardo Rinascimento, avvenuto all'inizio del XVI secolo, la città di Roma fu catturata e saccheggiata dalle truppe tedesche. Questo evento segnò l’inizio di un’era di estinzione. Il centro culturale romano cessò di essere il patrono dei personaggi più famosi, che furono costretti a partire per altre città d'Europa. Come risultato della crescente disparità di opinioni tra fede cristiana e l'umanesimo alla fine del XV secolo, il manierismo diventa lo stile predominante che caratterizza la pittura. Il Rinascimento sta gradualmente giungendo al termine, come base di questo stileÈ considerato un modo bellissimo che mette in ombra le idee sull'armonia del mondo, sulla verità e sull'onnipotenza della ragione. La creatività diventa complessa e assume i tratti del confronto tra direzioni diverse. Opere brillanti appartengono ad artisti famosi come Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).
L'Italia divenne un centro culturale di pittura e donò al mondo artisti brillanti questo periodo, i cui dipinti evocano ancora gioia emotiva.
Oltre all'Italia si ebbe lo sviluppo dell'arte e della pittura posto importante e in altri paesi europei. Questo movimento, che si sviluppò sul proprio territorio, fu chiamato Rinascimento e vale la pena menzionarlo in particolare. La fine della Guerra dei Cent'anni provocò una crescita dell'autocoscienza universale e lo sviluppo dell'umanesimo. Nell'arte francese c'è realismo, connessione con conoscenza scientifica, attrazione per le immagini dell'antichità. Tutte le caratteristiche elencate lo avvicinano all'italiano, ma la presenza di una nota tragica nei dipinti rappresenta una differenza significativa. Artisti famosi del Rinascimento in Francia sono Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet il Vecchio.
Rinascimento o Rinascimento (Rinascimento italiano, Rinascimento francese) - restauro dell'antica educazione, rinascita letteratura classica, arte, filosofia, ideali del mondo antico, distorti o dimenticati nel “buio” e “arretrato” per Europa occidentale periodo del Medioevo. Fu la forma che prese il movimento culturale conosciuto sotto il nome di umanesimo dalla metà del XIV all'inizio del XVI secolo (vedi breve e articoli al riguardo). È necessario distinguere l'umanesimo dal Rinascimento, che è solo il tratto più caratteristico dell'umanesimo, che cercava sostegno per la sua visione del mondo nell'antichità classica. La culla del Rinascimento è l'Italia, dove l'antica tradizione classica (greco-romana), che ha portato gli italiani, non è mai tramontata carattere nazionale. In Italia l'oppressione del Medioevo non fu mai particolarmente sentita. Gli italiani si chiamavano "latini" e si consideravano discendenti degli antichi romani. Sebbene l'impulso iniziale al Rinascimento provenisse in parte da Bisanzio, la partecipazione dei greci bizantini ad esso fu trascurabile.
Rinascimento. video
In Francia e Germania lo stile antico si mescolava con elementi nazionali, che nel primo periodo del Rinascimento, il Primo Rinascimento, apparvero più nettamente che nelle epoche successive. Tardo Rinascimento sviluppò esempi antichi in forme più lussuose e potenti, da cui si sviluppò gradualmente il barocco. Mentre in Italia lo spirito del Rinascimento penetrò quasi uniformemente in tutte le arti, negli altri paesi solo l'architettura e la scultura furono influenzate da modelli antichi. Il Rinascimento subì anche elaborazioni nazionali nei Paesi Bassi, in Inghilterra e in Spagna. Dopo che il Rinascimento degenerò in rococò, ci fu una reazione, espressa nella più stretta adesione arte antica, modelli greci e romani in tutta la loro primitiva purezza. Ma questa imitazione (soprattutto in Germania) portò infine a un'eccessiva aridità, che all'inizio degli anni '60 del XIX secolo. tentò di superarlo ritornando al Rinascimento. Tuttavia, questo nuovo regno del Rinascimento nell'architettura e nell'arte durò solo fino al 1880. Da quel momento in poi, accanto ad esso, il barocco e il rococò iniziarono di nuovo a fiorire.
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Cultura e arte del Rinascimento
1. Caratteristiche del Rinascimento
Cultura dell'Europa occidentale secoli XIV-XIV. veniva chiamata la cultura rinascimentale. Il termine “Rinascimento” (Rinascita) fu usato per la prima volta da D. Vasari nel libro “Biografia dei più pittori famosi, scultori e architetti" (1550): significava la rinascita cultura antica in una nuova era storica. Si distinguono le seguenti fasi principali del Rinascimento: Primo Rinascimento (Petrarca, Alberti, Boccaccio), Alto Rinascimento (Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffaello), Tardo Rinascimento (Shakespeare, Cervantes).
Il Rinascimento nasce in Italia, per poi diffondersi in altri paesi europei: Inghilterra, Germania, Francia, Spagna, ecc., acquisendo tratti e caratteristiche nazionali. La cultura del Rinascimento si rivelò per molti versi l'opposto della cultura del Medioevo, perché l'autorità delle Scritture spirituali e della Chiesa si opponeva al diritto individuale di una persona alla propria vita e creatività spirituale.
Durante il Rinascimento, la cultura perde finalmente il suo carattere di culto, di sacralità e diventa “opera” dell’uomo, sua “saggezza” e “azione”. Secondo gli umanisti, è l'Uomo il vero creatore della cultura e la corona dell'intero universo. Pertanto, la cultura stessa è orientata verso un'attività spirituale di tipo individuale, che diventa fondamentale per tutto ciò che segue. sviluppo culturale. L'idea dell'uomo come personalità libera e indipendente, capace di andare oltre i propri limiti fisici a costo dei propri sforzi, fu la principale scoperta dell'umanesimo e significò la nascita di una nuova visione dell'uomo, della sua natura e del suo scopo nell'uomo. il mondo. Tuttavia, l’economia capitalista emergente si basava su persone del terzo stato, che erano i discendenti dei borghesi che emersero dai servi medievali e si trasferirono nelle città. Da questa popolazione libera delle prime città si svilupparono i primi elementi della borghesia, caratterizzati, prima di tutto, dal pragmatismo e dalla prudenza, estranei alla tragedia della visione del mondo e alla ricerca della spiritualità. Da un lato cresceva il rispetto per una persona capace di cambiare il mondo e il proprio destino, dall'altro queste persone spesso si rivelavano poco concrete e lontane dal romanticismo e dal desiderio di auto-miglioramento spirituale, senza il quale una persona non potrebbe diventare un Umano.
L'ideale del Rinascimento era l'immagine di un Uomo universale, che creava se stesso. L'istruzione (ma già secolare), lo sviluppo delle qualità morali e degli interessi complessivamente sviluppati dell'individuo e la sua perfezione fisica erano molto apprezzati. Questa immagine non era tanto un riflesso diretto dell'epoca quanto grande sogno umanisti, trovando carne e sangue vivi nell’arte. Ecco perché fu l'arte che, più di altre forme di cultura spirituale di quell'epoca, seppe riflettere lo spirito del Rinascimento.
Non solo le sue idee, ma anche la loro attuazione pratica ebbero un'importanza significativa nel Rinascimento. Leonardo da Vinci notava: “Chi si lascia trascinare dalla pratica senza la scienza è come un timoniere che sale su una nave senza timone né bussola”. Con il suo interesse per l'antichità figure di spicco Il Rinascimento segnò l’inizio di un nuovo percorso umanitario, cultura secolare, indirizzato a una persona e proveniente da lei. L'umanità ha sentito ancora una volta il bisogno dell'arte della perduta “età dell'oro” della cultura antica con la sua intrinseca imitazione del corpo forme fisiche mondo naturale, percepito direttamente dai sensi.
Ciò che è stato creato dall'uomo, secondo gli umanisti del Rinascimento, lo equipara a Dio, poiché con le sue fatiche completa la creazione del mondo. Grazie alle sue capacità, una persona migliora, nobilita e perfeziona ciò che è dato direttamente dalla natura, credevano gli umanisti, è in grado di superare i limiti della sua esistenza fisica, facendo un passo verso la libertà. Rivolgendosi all'eredità della cultura antica, gli umanisti trattavano Platone, Aristotele, Lucrezio e altri autori di quell'epoca con particolare rispetto. Erano attratti non solo dalla profondità dei loro concetti, ma anche dalla loro educazione completa e dal gusto sottile, dalla capacità di creare filosofiche e teorie estetiche e allo stesso tempo comprendere l'arte contemporanea, dimostrando l'inestricabile connessione tra teoria e pratica.
Facendo rivivere l'antica tradizione di vedere l'arte come un riflesso della vita, gli umanisti non la seguirono ciecamente. Secondo loro, l'arte non si limita a paragonare oggetti e persone reali, ma si sforza di rispecchiare il generale, senza dimenticare l'individuale. Metodo artistico Il Rinascimento non copia il metodo artistico dell'antichità, elevandone i principi all'assoluto, ma li sviluppa creativamente. L'antichità ha generalizzato e costruito razionalmente le sue immagini artistiche nell'arte dalla posizione di un ideale generalizzato, creando i suoi capolavori. E il Rinascimento seppe riflettere l'uomo e la realtà dalla posizione di un nuovo ideale estetico, concentrando l'attenzione, da un lato, sulla loro individualità e unicità, considerando l'uomo come creazione unica natura e Dio, e dall'altro, comprendere che una persona reale è spesso così imperfetta che l'arte deve costruire le sue caratteristiche individuali in un insieme comune.
2. Genere del ritratto
Nel genere del ritratto si consolida la pittura tipo speciale un volto umano - degno e nobile, consapevole delle proprie capacità e pieno della volontà del creatore del suo destino.
Sensazione dignità umana già rispecchiato nell’art periodo di transizione tardo Medioevo nell'affresco dell'artista Giotto e “ Divina Commedia» Dante - uno degli umanisti del Rinascimento.
Il passaggio dal pensiero medievale agli ideali del Rinascimento avvenne gradualmente. Misticismo e autorità indiscussa della Chiesa per molto tempo dominato il pensiero e Vita di ogni giorno uomo di quell'epoca. La pittura e la poesia non passarono subito dalla categoria dei mestieri inferiori, come avveniva nell'antichità, a quella delle libere professioni. Pertanto, la famiglia di Michelangelo considerò un peccato che un membro della loro famiglia esprimesse il desiderio di diventare un artista, tipico di quel tempo. Tuttavia, un altro punto di vista si è già fatto conoscere. Questa situazione rifletteva una tendenza più profonda che si rivelò nel Rinascimento, quando una visione del mondo non era ancora completamente morta e un'altra era già sorta. Ciò esprimeva la grandezza e la tragedia del Rinascimento, la cui cultura assorbì tutte le sue contraddizioni.
Insieme alle idee umanistiche, le autorità medievali nella persona di S. Agostino (il Beato) continuò a vivere in una nuova generazione di poeti e artisti: Petrarca e Boccaccio, Alberti e Dürer e altri. Petrarca credeva che la poesia non contraddica la teologia, che in realtà è la stessa poesia, ma indirizzata a Dio. Gli stessi padri della chiesa, a suo avviso, usavano la forma poetica, poiché i salmi sono la stessa poesia. Boccaccio definì la poesia sorella della teologia, parte organica della Bibbia che contribuisce al raggiungimento della virtù. Vedeva il compito della poesia nel dirigere i pensieri umani verso i valori divini. E condannare la poesia significava condannare il metodo di Cristo stesso. Per i pensatori del primo Rinascimento, come per i padri della chiesa medievali, la più alta perfezione veniva da Dio. Secondo Alberti e Leonardo da Vinci, un artista dovrebbe essere come un prete nella pietà e nella virtù. E il dipinto stesso deve diventare divino, intriso di amore per Dio. Facendo eco alle parole di Dante, Leonardo da Vinci scrisse che gli artisti sono “i nipoti di Dio”.
Pertanto, la direzione secolare nell'arte durante il Rinascimento non apparve immediatamente e non attraverso un rifiuto generale dell'obiettivo divino. Sorse gradualmente a seguito dell'invasione della sfera spirituale da parte di richieste basate in gran parte sull'interesse materiale della nuova classe sociale e sul crescente interesse per patrimonio classico cultura antica. Poeti e artisti cercavano di farsi rispettare non solo per i loro meriti morali, ma anche per le loro capacità intellettuali. La società apprezzava sempre più l'istruzione completa, nonché le competenze in vari campi dell'attività umana. Un vero poeta, secondo Boccaccio, deve possedere conoscenze di grammatica, retorica, archeologia, storia, geografia, nonché di vari tipi arte.
Deve avere un linguaggio brillante ed espressivo e un ampio vocabolario. Il lavoro dell'artista è stato speso e la necessaria conoscenza completa è diventata il criterio dell'arte. Non è un caso che i grandi personaggi di quel tempo fossero chiamati “titani”. Piuttosto, essi stessi furono prototipi di quell'Uomo ideale che fu proclamato corona della natura.
Infatti, il ruolo dell'artista nella società del Rinascimento era così importante e nobile che la base del suo lavoro non poteva che essere la conoscenza universale, e, quindi, l'artista doveva essere allo stesso tempo anche un filosofo, un saggio. Pertanto, Boccaccio credeva che i poeti non imitassero i saggi, ma fossero essi stessi saggi. Leonardo da Vinci affermò direttamente che la pittura è filosofia, poiché è piena di profonda riflessione sul movimento e sulla forma. Dona una conoscenza genuina, poiché “riflette nei colori” sulla vera essenza dei fenomeni naturali e dell'uomo stesso. Inoltre, l'artista non solo riflette e copia la natura, ma riflette anche criticamente su tutto ciò che vede. Nel suo “Trattato della Pittura”, Leonardo da Vinci consiglia agli artisti di “attendere” la bellezza della natura e dell’uomo, di osservarli in quei momenti in cui essa si manifesta in loro più pienamente: “Presta attenzione alla sera al volti di uomini e donne in caso di maltempo, quale bellezza e tenerezza è visibile in loro.
Secondo Alberti la bellezza come “un certo accordo e consonanza di parti” è radicata nella natura delle cose stesse, e il compito dell’artista si riduce all’imitazione della bellezza naturale. Per gli umanisti la bellezza è oggettiva in natura e l'artista deve, come in uno specchio, riflettere la bellezza che esiste nel mondo, diventando come uno specchio. Allo stesso tempo, tra le forme d'arte, è stata data preferenza alla pittura, che ha influenzato altre forme d'arte, compresa la letteratura. Fu nel campo della pittura durante il Rinascimento che furono fatte scoperte significative: lineari e prospettiva aerea, chiaroscuro, colorazione locale e tonale, proporzione. Per gli umanisti la fedeltà alla natura non significava la sua cieca imitazione. La bellezza si trova nei singoli oggetti e in un'opera d'arte l'artista deve sforzarsi di riunirli. È impossibile, scrive A. Dürer, che un artista “possa trarre una bella figura da una persona. Perché non c’è persona così bella sulla terra che non possa essere ancora più bella”.
3. Metodo artistico rinascimentale
L'originalità del metodo artistico del Rinascimento era che erano guidati dalla creazione mediante l'arte di un certo ideale che doveva essere seguito. In questo il metodo rinascimentale somigliava veramente al metodo artistico dell’antichità.
Tuttavia c'erano anche alcune peculiarità. Questa caratteristica è stata l'apparizione nell'arte pittorica di molti immagini femminili, che non era tipico dell'arte delle epoche precedenti. A interessare l'artista rinascimentale non era solo l'immagine della Madre di Dio, come nel Medioevo, o delle dee, come avveniva nell'antichità, ma, prima di tutto, le donne secolari, i cui ritratti diventavano esempi irraggiungibili di armonia e perfezione. Ideale sublime bellezza femminile fu coltivata non solo nella pittura grazie a Raffaello, Leonardo da Vinci, Tiziano, Botticelli e altri artisti, ma anche nella letteratura, che portò alla nascita della luminosa immagine di Laura del Petrarca, che continua a rimanere irraggiungibile nella poesia mondiale.
Tuttavia, nonostante l'idealizzazione immagini artistiche per mezzo dell'arte, principi estetici il Rinascimento era realistico e strettamente correlato a pratica artistica quella volta. Soffermiamoci sulla considerazione delle fasi principali dello sviluppo dell'arte rinascimentale, ognuna delle quali manifestava le proprie caratteristiche e caratteristiche.
4. Le fasi principali dello sviluppo dell'arte rinascimentale
4.1 Primo Rinascimento
La fase del Primo Rinascimento (XV secolo) fu insolitamente fruttuosa per lo sviluppo del mondo intero, e non solo dell'arte italiana. Il primo Rinascimento (Quattrocento) segnò l'emergere e il fiorire di molti individui in quasi tutti i tipi di arte e attività artistica. La fede degli umanisti nella ragione e nell'illimitato capacità umane hanno dato i loro frutti. Gli artisti erano molto apprezzati e rispettati. Papi, duchi e re invitavano le persone alla loro corte. Tuttavia la loro arte non divenne aulica. La libertà personale dell'artista era molto apprezzata.
Sulla libertà umana e sul suo posto nel mondo grande umanista P. Mirandolla scrive: “Alla fine dei giorni della creazione, Dio creò l'uomo affinché conoscesse le leggi dell'universo, imparasse ad amare la sua bellezza, si meravigliasse della sua grandezza. "Io", disse il Creatore ad Adamo, "non ho attaccato la corona a un certo luogo, non ho imposto un certo compito, non l'ho incatenato con necessità, in modo che tu stesso, di tua spontanea volontà, scegli il luogo, compito e meta che liberamente desideri, e li possiedi... ti ho creato come un essere non celeste, ma non solo terreno, non mortale, ma non immortale, affinché tu... diventi creatore di te stesso e finalmente forgi il tuo Immagine. Ti è stata data l’opportunità di scendere al livello di un animale, ma anche l’opportunità di elevarti al livello di un essere divino – esclusivamente grazie alla tua volontà interiore.”
I fondatori delle belle arti del primo Rinascimento sono giustamente considerati artista Masaccio, scultore Donatello e architetto e scultore Brunelleschi. Nel primo tempo lavoravano tutti a Firenze. XV secolo, ma la loro opera ebbe un notevole influsso sulla vita artistica dell'intero Rinascimento. Masaccio fu definito un artista dello “stile maschile”, perché era in grado di creare immagini tridimensionali “scultoree” in pittura, utilizzando la profondità spaziale tridimensionale della tela. Vedeva il mondo reale in un modo nuovo e lo catturava in un modo nuovo attraverso i mezzi della pittura, il che inevitabilmente portò ad un cambiamento non solo linguaggio artistico, ma anche il pensiero spaziale e artistico in generale. A Donatello è stato attribuito il merito di aver creato una scuola di arte in rilievo, nonché di statue rotonde che esistono liberamente al di fuori dell'insieme architettonico.
Brunelleschi riuscì a creare un'architettura dallo spirito secolare, elegante e leggera, facendo rivivere le tradizioni dell'antichità su un nuovo terreno, portando alla perfezione il razionalismo e l'armonia. Il metodo artistico, ereditato dai Greci e basato sul razionalismo, cominciò a vivere una nuova vita durante il Rinascimento.
L'artista del tardo Quattrocento Sandro Botticelli ha creato immagini femminili sorprendentemente spirituali e belle nelle sue opere ("Primavera" e "Nascita di Venere") e altre. S. Botticelli ebbe il raro dono di unire nella sua arte i tratti della mitologia antica e cristiana. Un'altra caratteristica della sua maniera era la sua affinità per il gotico. Attraverso composizioni ritmiche abilmente costruite e l'uso linee ondulate traspare bellezza ultraterrena donne terrene, nascoste sotto la copertura di un velo leggero. La presenza di un'aura di mistero e tenerezza ha contribuito alla creazione di immagini femminili insolitamente leggere e perfette che sono state incluse nel tesoro dell'arte mondiale.
4.2 Alto Rinascimento
L'arte del Rinascimento non si fermò: se il Primo Rinascimento era caratterizzato dalla ricerca e dal desiderio di creare qualcosa di nuovo, allora l'Alto Rinascimento si distingueva per maturità e saggezza, concentrazione sulla cosa principale. Fu in quel periodo che nacquero capolavori che divennero simboli non solo dell'intera epoca, ma anche capolavori della cultura mondiale di tutti i tempi e di tutti i popoli. La figura principale Nella cultura di questo periodo, ovviamente, c'era Leonardo da Vinci, il cui talento si distingueva per la sua versatilità. L'apice della creatività del Grande Leonardo è giustamente considerata la creazione dell'immagine di Monna Lisa (La Gioconda), il cui mistero rimane ancora irrisolto e lei se ne andò con il suo autore. La grandezza e la calma, la postura orgogliosa e l'assenza di arroganza e falsità, sottolineano brillantemente e semplicemente la vera apparenza della femminilità eterna, aleggiando sopra ogni cosa falsa, non vera, momentanea e indegna di attenzione. Un'immagine creata da Leonardo per tutte le età bella donna appare davanti allo spettatore sullo sfondo di un paesaggio piuttosto astratto, che occupava poca attenzione tra gli artisti del Rinascimento. Il paesaggio sottolineava anche la generalità e il simbolismo dell'immagine, la sua atemporalità. "La Gioconda" è riuscita a eclissare molti capolavori dell'arte mondiale creati sia dallo stesso Leonardo che da altri artisti.
4.3 Tardo Rinascimento
Il tardo Rinascimento rivelò chiaramente una crisi dell'umanesimo, che W. Shakespeare riuscì a riflettere brillantemente nella sua opera. L'immagine di Amleto è diventata simbolica in molti modi. Esprime al meglio il desiderio di realizzare il proprio scelta di vita, coerente con le leggi della coscienza. "Essere o non essere?" divenne veramente la questione di tutte le domande che hanno sempre preoccupato l’umanità e l’individuo. La ricerca del proprio percorso e del proprio significato nella vita, nonché l’intenzione di realizzarsi giusta scelta oggi sono più attuali che mai. La grandezza e le dimensioni dell'eroe di Shakespeare testimoniano il genio del suo creatore, entrato nella galassia dei “titani” del Rinascimento. Dalla fine del XV secolo. Si sta preparando una crisi dell’umanesimo, causata in gran parte dall’indebolimento politico ed economico dell’Italia. In connessione con la scoperta dell'America (1494), i commerci con il Nord Italia e il declino della sua potenza economica, è soggetta alla rovina militare e perde la propria indipendenza. L'instabilità dell'ordine mondiale, i suoi valori e, come conseguenza di questi processi, la crisi degli ideali che hanno vissuto per più di una generazione di umanisti.
Le caratteristiche della crisi dell'umanesimo si riflettevano chiaramente nell'opera dei geni letterari del tardo Rinascimento: Shakespeare e Cervantes. Non è un caso che Amleto vedesse il mondo come “un giardino invaso dalle erbacce”. Il mondo intero per lui è "una prigione con molte serrature, segrete e segrete, e la Danimarca è una delle peggiori". La volontà egoistica dei singoli individui ha ostacolato sempre più il libero sviluppo personalità umana. La domanda di Amleto “essere o non essere?” conteneva tutta l'incoerenza del tardo Rinascimento, così come la tragedia della personalità umana nel suo desiderio di essere libera in un mondo non libero. A differenza di Shakespeare, Cervantes è riuscito a mostrare gli stessi processi che si verificano nel mondo e nell'individuo, ma in forma comica. Anche l'immagine di Don Chisciotte da lui creata, un eroe ideale che vive secondo le sue stesse leggi, coerente con le idee generali sul bene e sul male, divenne un nome familiare.
Tuttavia eroi ideali potrebbe esistere solo nel mondo dell'arte, e mondo reale ha continuato a vivere secondo le rigide leggi del capitalismo emergente, che dettavano i propri principi di convivenza umana. È inevitabile che la lotta dell'eroe di Cervantes con mulini a vento non poteva concludersi con successo, e nei nuovi borghesi prudenti e parsimoniosi provocò solo risate e nient'altro che risate.
4.4 Rinascimento settentrionale
Grazie al boom economico e relazioni culturali, maggiore interesse per l'istruzione, nonché tendenze generali nello sviluppo della storia Popoli europei e la formazione dei loro stati, le idee e gli ideali estetici del Rinascimento italiano si diffusero in tutto il continente europeo a nord dell'Italia. Allo stesso tempo, il Rinascimento settentrionale non ha copiato ciò che era stato realizzato, ma ha dato il proprio contributo unico al Rinascimento e ha creato i propri capolavori. Nella cultura dei secoli XV-XVI. in Germania, Francia e Paesi Bassi esistevano ancora arte gotica Nel Medioevo, tuttavia, diventa sempre più evidente la tendenza all'evoluzione dalla scolastica religiosa verso la creazione di arte secolare.
Notevole contributo alle arti Rinascimento settentrionale contribuito da artisti come Pieter Bruegel e Gironimo Bosch, la cui opera rimase nell'ombra per diversi secoli, ma dalla fine del XX secolo. sta suscitando sempre più interesse. L’artista olandese P. Bruegel è chiamato “contadino” e i suoi dipinti non possono essere confusi con altri a causa del sincero interesse dell’artista per la vita dei comuni contadini. Bruegel, come nessun altro, dipinge in modo realistico e accurato non solo le immagini stesse, ma anche l'ambiente in cui vivono i suoi eroi, mostrando interesse per i dettagli vita contadina. Tuttavia, non solo storie da vita contadina sono nel campo visivo dell’artista, ma anche la natura, sottolineando la naturalezza della vita della gente comune, alla quale palazzi e bei vestiti, acconciature e abiti intricati. Lo sguardo di Bruegel non è imparziale: concentra la sua attenzione su situazioni quotidiane in cui compaiono personaggi di persone comuni e in gran parte imperfette, verso le quali l'artista mostra sincero interesse e tratta con calore e comprensione, e spesso con ironia (come, ad esempio, in i dipinti “ Paese dei pigri" o " Ballo contadino"). Bruegel dimostra la sua abilità non solo nella capacità di creare immagini dei suoi contemporanei, i cui volti “non sono sfigurati dall'intelletto”, ma utilizza anche una colorazione ricca e calda che enfatizza l'atteggiamento nei confronti dei suoi eroi. Oltre ai dipinti di genere, Bruegel ha regalato al mondo il bellissimo paesaggio invernale “Cacciatori nella neve”, che è diventato un capolavoro dell’arte paesaggistica mondiale. E il suo famoso dipinto "Il cieco" raggiunge generalità simbolica e profondità nell'interpretazione delle immagini, attirando l'attenzione sul fatto che è l'imperfezione della razza umana, la sua cecità e incredulità, tra le altre carenze, che portano alla morte. E quanto è importante chi è la guida di una persona, chi la conduce percorso di vita- sono uguali a lui - ciechi e miserabili, o più perfetti? Cultura dell'Europa occidentale arte
Le immagini simboliche dell'arte richiedono una conoscenza approfondita e approfondita delle opere di grandi artisti, della loro biografia, delle tradizioni estetiche e del contesto storico in cui le opere sono state create. Verso la creazione immagini simboliche Non tutti gli artisti ricorrono, ma il meglio del meglio. La simbolizzazione delle immagini era inerente anche ad altre maestri eccezionali Rinascimento settentrionale - ad esempio, I. Bosch e A. Durer.
Una caratteristica distintiva della pittura del Rinascimento settentrionale, rispetto a quella italiana, fu la creazione di bellissimi ritratti realistici di Jan Van Eyck, Hans Holbein il Giovane, Lucas Cranach e altri maestri della pittura. L'immagine di una persona nei ritratti di questi artisti è notevolmente intellettualizzata e acquisisce sempre più caratteristiche individuali. L'attenzione degli artisti è sempre più focalizzata sui dettagli: l'ambientazione (interno della casa), gli abiti, le pose, le acconciature, ecc. diventano importanti e interessanti.
Il paesaggio e le scene di genere da vita di ogni giorno. arte rifletteva le tendenze che apparivano nella vita di un individuo in quel momento, gli interessi dei suoi contemporanei, i cui bisogni diventavano sempre più banali e il loro sguardo non era più così spesso rivolto dalla terra peccaminosa al cielo.
L'antico ideale di una persona armoniosa e perfetta nell'anima e nel corpo si rivelò in gran parte irraggiungibile per il Rinascimento, pur rimanendo molto attraente. Uno dei paradossi e delle contraddizioni della cultura di quest'epoca fu che, da un lato, essa cercò di abbandonare completamente la cultura religiosa del Medioevo che l'aveva preceduta, e dall'altro di rivolgersi nuovamente alla religione, riformandola in conformità con i nuovi bisogni sociali, i nuovi ideali della classe borghese emergente. L’arte non poteva fare a meno di riflettere questa contraddizione.
Nonostante la novità mezzi artistici(prospettiva diretta, che consente di trasmettere il volume su un piano, uso abile del chiaroscuro, colori locali, aspetto di un paesaggio ancora convenzionale, ma più realistico, ecc.), Gli artisti del Rinascimento continuarono a utilizzare soggetti mitologici tradizionali. Tuttavia le Madonne e i Bambini somigliavano solo vagamente all’immagine della Madre di Dio. I volti delle giovani donne italiane non erano più distinti dall'illuminazione, non erano rivolti al cielo, ma erano piuttosto reali e pieni di vita. E sebbene i soggetti e le immagini religiose fossero ancora oggetti d’arte, divennero sempre più solo oggetto di contemplazione estetica e furono percepiti dai moderni “occhi corporei”. I dipinti su temi religiosi non richiedevano più concentrazione e fuoco in preghiera, come un'icona, ma ricordavano solo una storia sacra che era sprofondata nell'oblio.
La cultura del Rinascimento fu per molti versi un punto di svolta in tutta la cultura europea. D'ora in poi l'arte e, in generale, l'intera cultura spirituale seguiranno la via della sua desacralizzazione, ponendo e risolvendo problemi completamente diversi rispetto alle epoche precedenti. Ciò porterà a arte sovietica e la scienza alla fine perderà la pienezza dell’esperienza spirituale che possedeva in precedenza.
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La pittura rinascimentale costituisce il fondo d'oro non solo dell'arte europea ma anche mondiale. Il periodo rinascimentale si sostituì al medioevo oscuro, sottomesso fino al midollo canoni della chiesa, e ha preceduto il successivo Illuminismo e la New Age.
Vale la pena calcolare la durata del periodo a seconda del paese. L'era della fioritura culturale, come viene comunemente chiamata, iniziò in Italia nel XIV secolo, per poi diffondersi in tutta Europa e raggiungere il suo apogeo entro la fine del XV secolo. Gli storici dividono questo periodo artistico in quattro fasi: protorinascimento, primo, alto e tardo rinascimento. La pittura italiana del Rinascimento è, ovviamente, di particolare valore e interesse, ma i maestri francesi, tedeschi e olandesi non dovrebbero essere trascurati. Si tratta di loro nel contesto dei periodi del Rinascimento che sarà discusso più avanti nell'articolo.
Protorinascimento
Il periodo protorinascimentale durò dalla seconda metà del XIII secolo. al XIV secolo È strettamente connesso al Medioevo, nella fase tarda del quale ha avuto origine. Il Proto-Rinascimento è il predecessore del Rinascimento e combina tradizioni bizantine, romaniche e gotiche. Le tendenze della nuova era sono apparse prima nella scultura e solo poi nella pittura. Quest'ultima era rappresentata da due scuole di Siena e Firenze.
La figura principale del periodo fu l'artista e architetto Giotto di Bondone. Il rappresentante della scuola di pittura fiorentina divenne un riformatore. Ha delineato il percorso lungo il quale si è sviluppato ulteriormente. Le caratteristiche della pittura rinascimentale hanno origine proprio in questo periodo. È generalmente accettato che Giotto sia riuscito a superare nelle sue opere lo stile della pittura di icone comune a Bisanzio e all'Italia. Ha reso lo spazio non bidimensionale, ma tridimensionale, utilizzando il chiaroscuro per creare l'illusione della profondità. La foto mostra il dipinto “Il bacio di Giuda”.
I rappresentanti della scuola fiorentina stavano alle origini del Rinascimento e fecero di tutto per far uscire la pittura dalla lunga stagnazione medievale.
Il periodo protorinascimentale fu diviso in due parti: prima e dopo la sua morte. Fino al 1337 lavorarono i maestri più brillanti e avvennero le scoperte più importanti. Successivamente l’Italia è colpita da un’epidemia di peste.
Pittura rinascimentale: breve descrizione del primo periodo
Il primo Rinascimento copre un periodo di 80 anni: dal 1420 al 1500. In questo periodo non si è ancora completamente allontanato dalle tradizioni passate ed è ancora associato all'arte del Medioevo. Tuttavia, il respiro delle nuove tendenze si fa già sentire; i maestri cominciano a rivolgersi sempre più spesso a elementi dell’antichità classica. Gli artisti finiscono per arrendersi completamente stile medievale e iniziare a utilizzare con coraggio i migliori esempi di cultura antica. Tieni presente che il processo è andato piuttosto lentamente, passo dopo passo.
Rappresentanti brillanti del primo Rinascimento
L'opera dell'artista italiano Piero della Francesca appartiene interamente al primo periodo rinascimentale. Le sue opere si distinguono per nobiltà, maestosa bellezza e armonia, prospettiva accurata, colori tenui pieni di luce. Negli ultimi anni della sua vita, oltre alla pittura, studiò approfonditamente la matematica e scrisse anche due suoi trattati. Un altro studente era suo famoso pittore, Luca Signorelli, e lo stile si rifletteva nelle opere di molti maestri umbri. Nella foto sopra c'è un frammento di un affresco nella Chiesa di San Francesco ad Arezzo, “La Storia della Regina di Saba”.
Domenico Ghirlandaio è un altro rappresentante di spicco della scuola fiorentina di pittura rinascimentale primo periodo. Fu il capostipite di una celebre dinastia artistica e capofila della bottega dove iniziò il giovane Michelangelo. Ghirlandaio fu un maestro famoso e di successo che si dedicò non solo alla pittura ad affresco (Cappella Tornabuoni, Sistina), ma anche alla pittura da cavalletto (“Adorazione dei Magi”, “Natività”, “Vecchio con nipote”, “Ritratto di Giovanna Tornabuoni” - foto sotto).
Alto Rinascimento
Questo periodo, in cui lo stile si sviluppò magnificamente, cade tra il 1500 e il 1527. In questo momento, il centro dell'arte italiana si trasferì a Roma da Firenze. Ciò è legato all'ascesa al soglio pontificio dell'ambizioso e intraprendente Giulio II, che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia. Roma divenne qualcosa come Atene durante il tempo di Pericle e conobbe un'incredibile crescita e un boom edilizio. Allo stesso tempo, c'è armonia tra i rami dell'arte: scultura, architettura e pittura. Il Rinascimento li ha riuniti. Sembrano andare di pari passo, completandosi a vicenda e interagendo.
L'antichità viene studiata più approfonditamente durante l'Alto Rinascimento e riprodotta con la massima accuratezza, rigore e coerenza. La dignità e la calma sostituiscono la bellezza civettuola, e tradizioni medievali sono completamente dimenticati. L'apice del Rinascimento è segnato dal lavoro dei tre più grandi Maestri italiani: Rafael Santi (il dipinto "Donna Velata" nell'immagine sopra), Michelangelo e Leonardo da Vinci ("Mona Lisa" - nella prima foto).
Tardo Rinascimento
Il tardo Rinascimento copre il periodo dal 1530 al 1590 fino al 1620 in Italia. I critici e gli storici dell'arte riducono le opere di questo periodo a un denominatore comune con un ampio grado di convenzione. L'Europa meridionale era sotto l'influenza della Controriforma che vi trionfò, che percepì con grande cautela ogni libertà di pensiero, compresa la resurrezione degli ideali dell'antichità.
A Firenze prevaleva il Manierismo, caratterizzato da colori artificiali e linee spezzate. Raggiunse però Parma, dove lavorò il Correggio, solo dopo la morte del maestro. ha avuto un proprio percorso di sviluppo Pittura veneziana Rinascimento periodo tardivo. Palladio e Tiziano, che vi operarono fino agli anni Settanta del Cinquecento, ne sono i rappresentanti più brillanti. Il loro lavoro non aveva nulla a che fare con le nuove tendenze di Roma e Firenze.
Rinascimento settentrionale
Questo termine è usato per descrivere il Rinascimento in tutta Europa, al di fuori dell'Italia in generale e nei paesi di lingua tedesca in particolare. Ha una serie di funzionalità. Il Rinascimento settentrionale non fu omogeneo e in ogni paese fu caratterizzato da caratteristiche specifiche. Gli storici dell'arte lo dividono in diverse direzioni: francese, tedesco, olandese, spagnolo, polacco, inglese, ecc.
Il risveglio dell’Europa ha preso due strade: lo sviluppo e la diffusione di una visione del mondo laica e umanistica, e lo sviluppo di idee di rinnovamento tradizioni religiose. Entrambi si toccavano, a volte si fondevano, ma allo stesso tempo erano antagonisti. L'Italia ha scelto la prima strada e il Nord Europa la seconda.
Il Rinascimento non ebbe praticamente alcuna influenza sull'arte del nord, compresa la pittura, fino al 1450. Dal 1500 si diffuse in tutto il continente, ma in alcuni luoghi l'influenza del tardo gotico rimase fino all'avvento del barocco.
Il Rinascimento settentrionale è caratterizzato da un'influenza significativa dello stile gotico, da un'attenzione minore allo studio dell'antichità e dell'anatomia umana e da una tecnica di scrittura dettagliata e attenta. La Riforma ebbe su di lui un'importante influenza ideologica.
Rinascimento settentrionale francese
Il più vicino all'italiano è pittura francese. Il Rinascimento per la cultura francese divenne tappa importante. In questo momento, la monarchia e le relazioni borghesi si stavano rafforzando attivamente, le idee religiose del Medioevo passarono in secondo piano, lasciando il posto alle tendenze umanistiche. Rappresentanti: Francois Quesnel, Jean Fouquet (nella foto è un frammento del "Dittico di Melen" del maestro), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.
Rinascimento settentrionale tedesco e olandese
Opere eccezionali del Rinascimento settentrionale furono create da maestri tedeschi e fiammingo-olandesi. La religione continuò a svolgere un ruolo significativo in questi paesi e influenzò notevolmente la pittura. Il Rinascimento prese una strada diversa nei Paesi Bassi e in Germania. A differenza delle opere dei maestri italiani, gli artisti di questi paesi non ponevano l'uomo al centro dell'universo. Per quasi tutto il XV secolo. lo raffigurarono in stile gotico: leggero ed etereo. Maggior parte rappresentanti di spicco Il Rinascimento olandese sono Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, i tedeschi sono Albert Durer, Lucas Cranach il Vecchio, Hans Holbein, Matthias Grunewald.
La foto mostra un autoritratto di A. Dürer del 1498.
Nonostante il fatto che le opere dei maestri del nord differiscano in modo significativo dalle opere dei pittori italiani, sono comunque riconosciute come inestimabili reperti di belle arti.
La pittura rinascimentale, come tutta la cultura nel suo insieme, è caratterizzata da un carattere secolare, dall'umanesimo e dal cosiddetto antropocentrismo, o, in altre parole, da un interesse primario per l'uomo e le sue attività. Durante questo periodo si verificò una vera fioritura di interesse per l'arte antica e ebbe luogo la sua rinascita. Quell'epoca ha regalato al mondo una galassia di brillanti scultori, architetti, scrittori, poeti e artisti. Mai prima o dopo la fioritura culturale è stata così diffusa.
I primi precursori dell'arte rinascimentale apparvero in Italia nel XIV secolo. Artisti di questo tempo, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (in particolare) Giotto
(1267-1337) quando realizzavano dipinti di temi religiosi tradizionali, iniziarono ad utilizzare nuove tecniche artistiche: la costruzione composizione volumetrica, l'uso del paesaggio sullo sfondo, che ha permesso loro di rendere le immagini più realistiche, animate. Ciò distingueva nettamente il loro lavoro dalla precedente tradizione iconografica, piena di convenzioni nell'immagine.
Il termine usato per denotare la loro creatività Protorinascimento (1300 - "Trecento")
.
Giotto di Bondone
(c. 1267-1337) - Artista e architetto italiano dell'era proto-rinascimentale. Uno di figure chiave nella storia dell'arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione della pittura di icone bizantina, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana e sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto furono ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo.
Primo Rinascimento (1400 - Quattrocento).
All'inizio del XV secolo Filippo Brunelleschi
(1377-1446), scienziato e architetto fiorentino.
Brunelleschi voleva rendere più visiva la percezione delle terme e dei teatri da lui ricostruiti e cercò di creare dipinti geometricamente prospettici dai suoi progetti per un punto di vista specifico. In questa ricerca è stato scoperto prospettiva diretta.
Ciò ha permesso agli artisti di ottenere immagini perfette dello spazio tridimensionale su una tela pittorica piatta.
_________Per gli altri passo importante Sulla strada verso il Rinascimento ci fu l'emergere dell'arte non religiosa e secolare. Ritratto e paesaggio si affermarono generi indipendenti. Anche i soggetti religiosi acquisirono un'interpretazione diversa: gli artisti del Rinascimento iniziarono a considerare i loro personaggi come eroi con tratti individuali pronunciati e motivazione umana per le azioni.
Gli artisti più famosi di questo periodo sono Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).
Masaccio
(1401-1428) - famoso Pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.
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| Affrescare. Miracolo con statir. |
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| Pittura. Crocifissione. |
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| Affrescare. La storia della regina di Saba. Chiesa di San Francesco ad Arezzo |
Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pittore italiano, rappresentante della scuola di pittura fiorentina.
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| Primavera. |
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| Nascita di Venere. |
Alto Rinascimento ("Cinquecento").
Si verificò la massima fioritura dell'arte rinascimentale per il primo quarto del XVI secolo.
Lavori Sansovino (1486-1570), Leonardo Da Vinci (1452-1519), Raffaele Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tiziano (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) costituiscono il fondo d'oro dell'arte europea.
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore.
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| Auto ritratto |
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| Dama con l'ermellino. 1490. Museo Czartoryski, Cracovia |
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| Monna Lisa (1503-1505/1506) |
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| Madonna Litta. 1490-1491. Museo dell'Ermitage. |
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| Madonna Benois (Madonna con un fiore). 1478-1480 |
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| Madonna con garofano. 1478 |
Durante la sua vita, Leonardo da Vinci fece migliaia di appunti e disegni sull'anatomia, ma non pubblicò il suo lavoro. Mentre sezionava i corpi di persone e animali, trasmetteva accuratamente la struttura dello scheletro e degli organi interni, compresi piccole parti. Secondo il professore di anatomia clinica Peter Abrams, lavoro scientifico da Vinci era 300 anni in anticipo sui tempi e per molti versi superiore al famoso Gray's Anatomy.
Elenco delle invenzioni, sia reali che a lui attribuite:
Paracadute, aCastello di Olestsovo, abicicletta, tank, lponti portatili leggeri per l'esercito, pproiettore, aatapult, rentrambi, dTelescopio Vuhlens.
Queste innovazioni sono state successivamente sviluppate Raffaele Santi (1483-1520) - grande pittore, grafico e architetto, rappresentante della scuola umbra.
| Auto ritratto. 1483 |
Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni (1475- 1564)- Scultore italiano, artista, architetto, poeta, pensatore.
I dipinti e le sculture di Michelangelo Buonarotti sono pieni di pathos eroico e, allo stesso tempo, di un senso tragico della crisi dell'umanesimo. I suoi dipinti glorificano la forza e il potere dell'uomo, la bellezza del suo corpo, sottolineando contemporaneamente la sua solitudine nel mondo.
Il genio di Michelangelo ha lasciato il segno non solo nell'arte del Rinascimento, ma anche in tutte quelle successive cultura mondiale. Le sue attività sono principalmente legate a due Città italiane- Firenze e Roma.
Tuttavia, l'artista ha potuto realizzare i suoi progetti più ambiziosi proprio nella pittura, dove ha agito come un vero innovatore del colore e della forma.
Commissionato da Papa Giulio II, dipinse il soffitto della Cappella Sistina (1508-1512), rappresentando la storia biblica dalla creazione del mondo al diluvio e comprendendo più di 300 figure. Nel 1534-1541 nello stesso cappella Sistina per Papa Paolo III eseguì un grandioso e drammatico affresco “Il Giudizio Universale”.
Cappella Sistina 3D.
Le opere di Giorgione e Tiziano si distinguono per l'interesse per il paesaggio e la poeticizzazione della trama. Entrambi gli artisti hanno raggiunto una grande maestria nell'arte della ritrattistica, con l'aiuto della quale hanno trasmesso il carattere e il ricco mondo interiore dei loro personaggi.
Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476/147-1510) - Artista italiano, rappresentante della scuola di pittura veneziana.
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| Venere dormiente. 1510 |
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| Giuditta. 1504 g |
Tiziano dipinse dipinti su soggetti biblici e mitologici; divenne famoso anche come ritrattista. Ricevette ordini da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto il miglior pittore Venezia.
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| Auto ritratto. 1567 |
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| Venere di Urbino. 1538 |
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| Ritratto di Tommaso Mosti. 1520 |
Tardo Rinascimento.
Dopo il sacco di Roma da parte delle forze imperiali nel 1527, il Rinascimento italiano entrò in un periodo di crisi. Già in lavorazione tardo Raffaello ne è previsto uno nuovo linea d'arte, chiamato manierismo.
Quest'epoca è caratterizzata da linee gonfiate e spezzate, figure allungate o addirittura deformate, pose spesso nude, tese e innaturali, effetti insoliti o bizzarri associati alle dimensioni, all'illuminazione o alla prospettiva, l'uso di sostanze caustiche scala cromatica, composizione sovraccarica, ecc. I primi maestri del manierismo Parmigianino
, Pontormo
, Bronzino-
visse e lavorò alla corte dei Duchi di casa Medici a Firenze. La moda manierista si diffuse poi in tutta Italia e non solo.
Girolamo Francesco Maria Mazzola
(Parmigianino
- “residente a Parma”) (1503-1540) artista e incisore italiano, rappresentante del manierismo.
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| Auto ritratto. 1540 |
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| Ritratto di una donna. 1530. |
Pontormo (1494-1557) - Pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina, uno dei fondatori del manierismo.
Nel 1590, l’arte sostituì il manierismo barocco (dati transitori - Tintoretto E El Greco ).
Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pittore della scuola veneziana del tardo Rinascimento.
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| Ultima cena. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia. |
El Greco ("Greco" Domenikos Theotokopoulos ) (1541—1614) - artista spagnolo. Per origine: greco, originario dell'isola di Creta.
El Greco non aveva seguaci contemporanei e il suo genio fu riscoperto quasi 300 anni dopo la sua morte.
El Greco ha studiato nello studio di Tiziano, ma la sua tecnica pittorica differisce notevolmente da quella del suo maestro. Le opere di El Greco sono caratterizzate da velocità ed espressività di esecuzione, che le avvicinano alla pittura moderna.
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| Cristo sulla croce. OK. 1577. Collezione privata. |
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| Trinità. 1579 Prado. |