I mezzi e la forma per dominare la vita con l'arte; modo di essere un'opera d'arte. L'immagine artistica è dialettica: unisce la contemplazione vivente, la sua interpretazione soggettiva e la valutazione da parte dell'autore (e anche dell'esecutore, ascoltatore, lettore, spettatore). Un'immagine artistica viene creata sulla base di uno dei mezzi: immagine, suono, ambiente linguistico o una combinazione di più. È inseparabile dal sostrato materiale dell'arte. Ad esempio, il significato, la struttura interna, la chiarezza dell'immagine musicale sono in gran parte determinati dalla materia naturale della musica: le qualità acustiche del suono musicale. Nella letteratura e nella poesia, un'immagine artistica viene creata sulla base di uno specifico ambiente linguistico; tutti e tre i mezzi sono usati nell'arte teatrale. Allo stesso tempo, il significato di un'immagine artistica si rivela solo in una certa situazione comunicativa, e il risultato finale di tale comunicazione dipende dalla personalità, dagli obiettivi e persino dall'umore momentaneo della persona che l'ha incontrata, nonché dal specifica cultura a cui appartiene.
L'immagine artistica è una forma di pensiero artistico. L'immagine comprende: il materiale della realtà, elaborato dall'immaginazione creativa dell'artista, il suo atteggiamento nei confronti del rappresentato, la ricchezza della personalità del creatore. Hegel credeva che l'immagine artistica "rivela ai nostri occhi non un'essenza astratta, ma la sua realtà concreta". V. G. Belinsky credeva che l'arte fosse un pensiero figurativo. Per i positivisti, un'immagine artistica è una dimostrazione visiva di un'idea che offre piacere estetico. Sorsero teorie che negavano la natura figurativa dell'arte. Pertanto, i formalisti russi hanno sostituito il concetto di immagine con i concetti di costruzione e dispositivo. La semiotica ha mostrato che l'immagine artistica è creata da un sistema di segni, è paradossale, associativa, è un pensiero allegorico, metaforico che rivela un fenomeno attraverso un altro. L'artista, per così dire, spinge i fenomeni l'uno contro l'altro e ritaglia scintille che illuminano la vita di una nuova luce. Nell'arte, secondo Anandavardhana (India, IX secolo), il pensiero figurativo (dhvani) ha tre elementi principali: una figura poetica (alamkara-dhvani), significato (vasto-dhvani), stato d'animo (rasa-dhvani). Questi elementi sono collegati. Il poeta Kalidasa esprime così il dhvani dell'umore. Questo è ciò che il re Dushyanta dice all'ape che volteggia vicino al viso della sua amata: "Continui a toccare i suoi occhi tremanti con i loro angoli mobili, le ronzi dolcemente sopra l'orecchio, come per dirle un segreto, anche se lei fa un cenno con la mano, bevi le sue labbra di nettare - il fulcro del piacere. O ape, davvero hai raggiunto il tuo obiettivo, e io vago alla ricerca della verità. Il poeta, senza nominare direttamente il sentimento che ha preso possesso di Dushyanta, trasmette al lettore lo stato d'animo dell'amore, confrontando il sogno del bacio di un amante con un'ape che vola intorno alla ragazza.
Nelle opere più antiche, la natura metaforica del pensiero artistico appare particolarmente chiaramente. Così, i prodotti degli artisti sciti in stile animale combinano in modo stravagante forme di animali reali: gatti predatori con artigli e becchi di uccelli, grifoni con un corpo di pesce, volto umano e ali di uccello. Le immagini di creature mitologiche sono un modello di un'immagine artistica: una lontra con una testa umana (tribù dell'Alaska), la dea Nui-wa - un serpente con una testa di donna (Antica Cina), il dio Anubis - un uomo con uno sciacallo testa (Antico Egitto), un centauro - un cavallo con un busto e la testa di un uomo (Antica Grecia), un uomo con la testa di un cervo (Lapponi).
Il pensiero artistico combina fenomeni reali, creando una creatura senza precedenti che combina in modo stravagante gli elementi dei suoi progenitori. L'antica sfinge egizia è un uomo rappresentato attraverso un leone, e un leone inteso attraverso un uomo. Attraverso una bizzarra combinazione tra l'uomo e il re degli animali, arriviamo a conoscere la natura e noi stessi: il potere regale e il dominio sul mondo. Il pensiero logico stabilisce la subordinazione dei fenomeni. Oggetti equivalenti vengono rivelati nell'immagine, l'uno attraverso l'altro. Il pensiero artistico non si impone agli oggetti del mondo dall'esterno, ma consegue organicamente dal loro confronto. Queste caratteristiche dell'immagine artistica sono chiaramente visibili nella miniatura dello scrittore romano Elian: “... se tocchi un maiale, naturalmente inizia a strillare. Un maiale non ha lana, né latte, nient'altro che carne. Quando viene toccata, intuisce immediatamente il pericolo che la minaccia, sapendo a cosa servono le persone. I tiranni si comportano allo stesso modo: sono sempre pieni di sospetti e hanno paura di tutto, perché sanno che, come un maiale, devono dare la vita a chiunque. L'immagine artistica di Elian è metaforica e costruita come una sfinge (uomo-leone): secondo Elian, un tiranno è un uomo-maiale. Un confronto di esseri lontani tra loro fornisce inaspettatamente nuove conoscenze: la tirannia è disgustosa. La struttura dell'immagine artistica non è sempre chiara come nella sfinge. Tuttavia, anche nei casi più complessi dell'arte, i fenomeni si rivelano l'uno attraverso l'altro. Quindi, nei romanzi di L.N. Gli eroi di Tolstoj si rivelano attraverso i riflessi e le ombre che si lanciano l'un l'altro, sul mondo che li circonda. In Guerra e pace, il personaggio di Andrei Bolkonsky si rivela attraverso l'amore per Natasha, attraverso i rapporti con suo padre, attraverso il cielo di Austerlitz, attraverso migliaia di cose e persone che, come questo eroe ferito a morte si rende conto in agonia, sono associate a ogni persona.
L'artista pensa in modo associativo. La nuvola per il Trigorin di Cechov (nella commedia "Il gabbiano") sembra un pianoforte, e "e il collo di una bottiglia rotta brilla sulla diga e l'ombra della ruota del mulino diventa nera - e la notte di luna è pronta". Il destino di Nina si svela attraverso il destino dell'uccello: “La trama di un racconto: una giovane ragazza vive sulla riva del lago fin dall'infanzia ... ama il lago come un gabbiano, ed è felice e libera come un gabbiano. Ma per caso un uomo è venuto, ha visto e, non avendo niente da fare, l'ha rovinata, come questo gabbiano. Nell'immagine artistica, attraverso la coniugazione di fenomeni distanti tra loro, si svelano aspetti sconosciuti della realtà.
Il pensiero figurativo è ambiguo, è ricco e profondo nel suo significato e significato come la vita stessa. Uno degli aspetti dell'ambiguità dell'immagine è l'understatement. Per A.P. Cechov, l'arte di scrivere è l'arte di cancellare. E. Hemingway ha paragonato un'opera d'arte a un iceberg: parte di essa è visibile, la parte principale è sott'acqua. Questo rende attivo il lettore, il processo di percezione dell'opera risulta essere co-creazione, dipingere l'immagine. Tuttavia, questa non è una congettura arbitraria. Il lettore riceve un impulso alla riflessione, gli viene dato uno stato emotivo e un programma per elaborare le informazioni, ma conserva il libero arbitrio e lo spazio per l'immaginazione creativa. L'understatement dell'immagine artistica stimola il pensiero di chi percepisce. Ciò si manifesta anche nell'incompletezza. A volte l'autore interrompe il lavoro a metà frase e tace, non scatena le trame. L'immagine è sfaccettata, ha un abisso di significato che si apre nel tempo. Ogni epoca trova nuovi lati nell'immagine classica e le dà la sua interpretazione. Nel 18 ° secolo Amleto era considerato un ragionatore, nel XIX secolo. - come intellettuale riflessivo ("Amletismo"), nel XX secolo. - come combattente "con un mare di guai" (nell'interpretazione, ha notato che non poteva esprimere l'idea di Faust con l'aiuto di una formula. Per rivelarlo, bisognerebbe scrivere di nuovo questo lavoro.
Un'immagine artistica è un intero sistema di pensieri, corrisponde alla complessità, alla ricchezza estetica e alla versatilità della vita stessa. Se l'immagine artistica potesse essere pienamente tradotta nel linguaggio della logica, la scienza potrebbe sostituire l'arte. Se fosse del tutto intraducibile nel linguaggio della logica, allora la critica letteraria, la critica d'arte e la critica d'arte non esisterebbero. L'immagine artistica non è traducibile nel linguaggio della logica, perché durante l'analisi permane un “residuo supersemantico”, e allo stesso tempo si traduce, perché, penetrando profondamente nell'essenza dell'opera, è possibile approfondire svelarne appieno il significato. L'analisi critica è un processo di infinito approfondimento del significato infinito dell'immagine artistica. Questa analisi è storicamente variabile: una nuova era dà una nuova lettura dell'opera.
in modo artistico nominare qualsiasi fenomeno ricreato in modo creativo in un'opera d'arte. Un'immagine artistica è un'immagine creata dall'autore per rivelare completamente il fenomeno descritto della realtà. A differenza della letteratura e del cinema, le belle arti non possono trasmettere movimento e sviluppo nel tempo, ma questo ha una sua forza. Nell'immobilità dell'immagine pittorica risiede un enorme potere, che consente di vedere, sperimentare e comprendere esattamente ciò che nella vita scorre senza sosta, toccando solo fugacemente e frammentariamente la nostra coscienza. Un'immagine artistica viene creata sulla base di mezzi: immagine, suono, ambiente linguistico o una combinazione di più. Nell'x. O. un soggetto specifico dell'arte è padroneggiato ed elaborato dall'immaginazione creativa, dall'immaginazione, dal talento e dall'abilità dell'artista: la vita in tutta la sua diversità e ricchezza estetica, nella sua integrità armonica e nelle drammatiche collisioni. X. o. rappresenta un'unità inseparabile e compenetrante di oggettivo e soggettivo, logico e sensuale, razionale ed emotivo, mediato e immediato, astratto e concreto, generale e individuale, necessario e accidentale, interno (regolare) ed esterno, tutto e parte, essenza e fenomeno, contenuti e forme. Grazie alla fusione di questi lati opposti nel corso del processo creativo in un'immagine unica, integrale e vivente dell'arte, l'artista ha l'opportunità di ottenere un'immagine luminosa, emotivamente ricca, poeticamente penetrante e allo stesso tempo profondamente spiritualizzata, drammaticamente riproduzione intensa della vita di una persona, della sua attività e lotta, gioie e sconfitte. , ricerche e speranze. Sulla base di questa fusione, incarnata con l'aiuto di mezzi materiali specifici per ogni tipo di arte (parola, ritmo, intonazione sonora, disegno, colore, luce e ombra, relazioni lineari, plasticità, proporzionalità, scala, messa in scena, espressioni, montaggio cinematografico, primo piano, angolo e così via), si creano immagini-personaggi, immagini-eventi, immagini-circostanze, immagini-conflitti, immagini-dettagli che esprimono determinate idee e sentimenti estetici. Riguarda il sistema X. o. legato alla capacità dell'arte di svolgere la sua funzione specifica: offrire a una persona (lettore, spettatore, ascoltatore) un profondo piacere estetico, risvegliare in lui un artista che è in grado di creare secondo le leggi della bellezza e dare vita alla bellezza. Attraverso questa unica funzione estetica dell'arte, attraverso l'X. o. si manifestano il suo significato cognitivo, il potente impatto ideologico ed educativo, politico e morale sulle persone
2)I buffoni stanno attraversando la Rus'.
Nel 1068 i buffoni furono menzionati per la prima volta negli annali. L'immagine che mi viene in mente è un volto dipinto a colori vivaci, buffi vestiti sproporzionati e l'obbligatorio berretto con campanellini. Se ci pensi, puoi immaginare uno strumento musicale accanto al buffone, come una balalaika o un'arpa, non c'è ancora abbastanza orso sulla catena. Tuttavia, un'idea del genere è abbastanza giustificata, perché nel XIV secolo un monaco-scriba di Novgorod raffigurava buffoni ai margini del suo manoscritto. I veri buffoni in Rus' erano conosciuti e amati in molte città: Suzdal, Vladimir, il principato di Mosca, in tutta la Rus' di Kiev. I buffoni ballavano magnificamente, provocando la gente, suonavano in modo eccellente la cornamusa, il salterio, battevano cucchiai di legno e tamburelli, suonavano i corni. La gente chiamava i buffoni "allegri compagni", componeva storie, proverbi e fiabe su di loro. Tuttavia, nonostante il popolo fosse amichevole con i buffoni, gli strati più nobili della popolazione - principi, clero e boiardi, non tolleravano allegri schernitori. Ciò era dovuto proprio al fatto che i buffoni li ridicolizzavano con piacere, traducendo in canti e scherzi le gesta più sconvenienti della nobiltà ed esponendo al ridicolo la gente comune. L'arte dei buffoni si sviluppò rapidamente e presto i buffoni non solo ballarono e cantarono, ma divennero anche attori, acrobati, giocolieri. I buffoni iniziarono a esibirsi con animali addestrati, organizzare spettacoli di marionette. Tuttavia, più i buffoni ridicolizzavano principi e diaconi, più si intensificava la persecuzione di quest'arte. I buffoni di Novgorod iniziarono ad essere oppressi in tutto il paese, alcuni di loro furono sepolti in luoghi remoti vicino a Novgorod, qualcuno partì per la Siberia. Un buffone non è solo un buffone o un pagliaccio, è una persona che ha capito i problemi sociali e ha ridicolizzato i vizi umani nelle sue canzoni e battute. Per questo, tra l'altro, la persecuzione dei buffoni iniziò nell'era del tardo medioevo. Le leggi di quel tempo prescrivevano che i buffoni venissero picchiati a morte immediatamente dopo l'incontro e non potevano ripagare l'esecuzione. A poco a poco, tutti i buffoni della Rus' si estinsero e al loro posto apparvero giullari erranti di altri paesi. I buffoni inglesi erano chiamati vaganti, i buffoni tedeschi erano chiamati shpilmans e i buffoni francesi erano chiamati jongers. L'arte dei musicisti erranti in Rus' è cambiata molto, ma sono rimaste invenzioni come il teatro delle marionette, i giocolieri e gli animali ammaestrati. Così come rimasero canzoncine immortali e racconti epici, che furono composti da buffoni
L'arte poetica è pensare per immagini. L'immagine è l'elemento più importante e direttamente percepito di un'opera letteraria. L'immagine è al centro del contenuto ideologico ed estetico e della forma verbale della sua incarnazione.
Il termine "immagine artistica" è di origine relativamente recente. Fu usato per la prima volta da J. W. Goethe. Tuttavia, il problema dell'immagine stessa è uno di quelli antichi. L'inizio della teoria dell'immagine artistica si trova nella dottrina della "mimesi" di Aristotele. Il termine "immagine" è stato ampiamente utilizzato nella critica letteraria dopo la pubblicazione delle opere di G. W. F. Hegel. Scriveva il filosofo: “Possiamo designare come figurativa una rappresentazione poetica, poiché ci pone davanti agli occhi, invece di un'essenza astratta, la sua realtà concreta”.
G. V. F. Hegel, riflettendo sul rapporto dell'arte con l'ideale, ha deciso la questione dell'impatto trasformativo della creatività artistica sulla vita della società. Le "Lezioni di estetica" contengono una teoria dettagliata dell'immagine artistica: realtà estetica, misura artistica, contenuto ideologico, originalità, unicità, validità generale, dialettica di contenuto e forma.
Nella critica letteraria moderna, l'immagine artistica è intesa come la riproduzione dei fenomeni della vita in una forma concreta, individuale. Lo scopo e lo scopo dell'immagine è trasmettere il generale attraverso l'individuo, non imitando la realtà, ma riproducendola.
La parola è il mezzo principale per creare un'immagine poetica in letteratura. L'immagine artistica rivela la visibilità di un oggetto o fenomeno.
L'immagine ha i seguenti parametri: obiettività, generalizzazione semantica, struttura. Le immagini degli oggetti sono statiche e descrittive. Questi includono immagini di dettagli, circostanze. Le immagini semantiche sono divise in due gruppi: individuali - create dal talento e dall'immaginazione dell'autore, riflettono i modelli di vita in una certa epoca e in un certo ambiente; e immagini che superano i confini della loro epoca e acquisiscono un significato umano universale.
Le immagini che vanno oltre lo scopo dell'opera e spesso oltre i limiti dell'opera di uno scrittore includono immagini che si ripetono in più opere di uno o più autori. Le immagini caratteristiche di un'intera epoca o nazione, e le immagini-archetipi, contengono le "formule" più stabili dell'immaginazione umana e della conoscenza di sé.
L'immagine artistica è collegata al problema della coscienza artistica. Quando si analizza un'immagine artistica, si dovrebbe tenere conto del fatto che la letteratura è una delle forme di coscienza sociale e una sorta di attività umana pratico-spirituale.
L'immagine artistica non è qualcosa di statico, si distingue per un carattere procedurale. In epoche diverse, l'immagine è soggetta a determinati requisiti specifici e di genere che sviluppano tradizioni artistiche. Allo stesso tempo, l'immagine è segno di un'individualità creativa unica.
Un'immagine artistica è una generalizzazione degli elementi della realtà, oggettivati in forme percepite sensualmente, che vengono create secondo le leggi del tipo e del genere di quest'arte, in un certo modo creativo individuale.
Soggettivo, individuale e oggettivo sono presenti nell'immagine in un'unità inscindibile. La realtà è il materiale da conoscere, la fonte di fatti e sensazioni, esplorando il quale la persona creativa studia se stesso e il mondo, incarna le sue idee ideologiche e morali sul reale e sul proprio nell'opera.
L'immagine artistica, che riflette le tendenze della vita, è allo stesso tempo una scoperta originale e la creazione di nuovi significati che prima non esistevano. L'immagine letteraria è correlata ai fenomeni della vita e la generalizzazione in essa contenuta diventa una sorta di modello per la comprensione da parte del lettore dei propri problemi e conflitti della realtà.
Un'immagine artistica olistica determina anche l'originalità dell'opera. Personaggi, eventi, azioni, metafore sono subordinati secondo l'intenzione originaria dell'autore e nella trama, composizione, conflitti principali, tema, idea dell'opera esprimono la natura dell'atteggiamento estetico dell'artista nei confronti della realtà.
Il processo di creazione di un'immagine artistica, prima di tutto, è una rigorosa selezione del materiale: l'artista prende i tratti più caratteristici del raffigurato, scarta tutto a caso, dando sviluppo, allargando e affinando alcuni tratti alla completa chiarezza.
V. G. Belinsky ha scritto nell'articolo “Letteratura russa nel 1842”: “Ora l'“ideale” non è inteso come un'esagerazione, non una bugia, non una fantasia infantile, ma un dato di fatto, così com'è; ma un fatto non cancellato dalla realtà, ma portato attraverso la fantasia del poeta, illuminato dalla luce di un significato generale (e non eccezionale, particolare e accidentale), eretto a perla di coscienza e perciò più simile a se stesso, più fedele a se stesso rispetto alla copia più servile fedele al suo originale. Quindi, in un ritratto realizzato da un grande pittore, una persona è più simile a se stessa che anche al suo riflesso in un dagherrotipo, perché il grande pittore dai lineamenti taglienti ha fatto emergere tutto ciò che si nasconde dentro una persona simile e che, forse, è un segreto per questa persona stessa".
La persuasività di un'opera letteraria non si riduce e non si limita alla fedeltà della riproduzione della realtà e della cosiddetta "verità della vita". È determinato dall'originalità dell'interpretazione creativa, dalla modellazione del mondo nelle forme, la cui percezione crea l'illusione di comprendere il fenomeno dell'uomo.
Le immagini artistiche create da D. Joyce e I. Kafka non sono identiche all'esperienza di vita del lettore, è difficile leggerle come una completa coincidenza con i fenomeni della realtà. Questa "non identità" non significa una mancanza di corrispondenza tra il contenuto e la struttura delle opere degli scrittori e consente di affermare che l'immagine artistica non è un originale vivente della realtà, ma è un modello filosofico ed estetico del mondo e uomo.
Nella caratterizzazione degli elementi dell'immagine sono essenziali le loro possibilità espressive e pittoriche. Per "espressività" si dovrebbe intendere l'orientamento ideologico ed emotivo dell'immagine, e per "pittoricità" - il suo essere sensuale, che trasforma lo stato soggettivo e la valutazione dell'artista in realtà artistica. L'espressività dell'immagine artistica è irriducibile al trasferimento delle esperienze soggettive dell'artista o dell'eroe. Esprime il significato di certi stati psicologici o relazioni. La figuratività dell'immagine artistica consente di ricreare oggetti o eventi con chiarezza visiva. L'espressività e la figuratività di un'immagine artistica sono inseparabili in tutte le fasi della sua esistenza, dall'idea iniziale alla percezione dell'opera completata. L'unità organica della figuratività e dell'espressività è pienamente correlata al sistema immagine integrale; immagini-elementi separati non sono sempre portatori di tale unità.
Va notato approcci socio-genetici ed epistemologici allo studio dell'immagine. Il primo stabilisce bisogni e cause sociali che danno origine a un certo contenuto e funzioni dell'immagine, e il secondo analizza la corrispondenza dell'immagine alla realtà ed è associato ai criteri di verità e veridicità.
In un testo letterario, il concetto di "autore" si esprime in tre aspetti principali: un autore biografico, che il lettore conosce come scrittore e persona; l'autore "come incarnazione dell'essenza dell'opera"; l'immagine dell'autore, simile ad altre immagini-personaggi dell'opera, è oggetto di generalizzazione personale per ogni lettore.
La definizione della funzione artistica dell'immagine dell'autore è stata data da V. V. Vinogradov: “L'immagine dell'autore non è solo un argomento di discorso, molto spesso non è nemmeno nominata nella struttura dell'opera. Questa è un'incarnazione concentrata dell'essenza dell'opera, che unisce l'intero sistema di strutture linguistiche dei personaggi nel loro rapporto con il narratore, il narratore o i narratori e attraverso di loro essendo il fulcro ideologico e stilistico, il fulcro del tutto.
È necessario distinguere tra l'immagine dell'autore e il narratore. Il narratore è un'immagine artistica speciale inventata dall'autore, come tutti gli altri. Ha lo stesso grado di convenzionalità artistica, motivo per cui l'identificazione del narratore con l'autore è inaccettabile. Possono esserci più narratori in un'opera, e questo dimostra ancora una volta che l'autore è libero di nascondersi "sotto la maschera" di uno o di un altro narratore (ad esempio, diversi narratori in "Belkin's Tales", in "A Hero of Our Time "). L'immagine del narratore nel romanzo di F. M. Dostoevskij "Demoni" è complessa e sfaccettata.
Lo stile narrativo e la specificità del genere determinano l'immagine dell'autore nell'opera. Come scrive Yu. V. Mann, "ogni autore appare nei raggi del suo genere". Nel classicismo l'autore di un'ode satirica è un accusatore, e in un'elegia un triste cantore, nella vita di un santo un agiografo. Quando termina il cosiddetto periodo di "poetica del genere", l'immagine dell'autore acquisisce tratti realistici, acquisisce un significato emotivo e semantico ampliato. "Invece di uno, due, diversi colori, c'è il loro multicolore eterogeneo e iridescente", afferma Yu Mann. Compaiono divagazioni autoriali: è così che si esprime la comunicazione diretta dell'ideatore dell'opera con il lettore.
La formazione del genere del romanzo ha contribuito allo sviluppo del narratore di immagini. Nel romanzo barocco il narratore agisce in modo anonimo e non cerca il contatto con il lettore, nel romanzo realistico l'autore-narratore è un vero e proprio eroe dell'opera. In molti modi, i personaggi principali delle opere esprimono il concetto del mondo dell'autore, incarnano le esperienze dello scrittore. M. Cervantes, ad esempio, ha scritto: “Lettore pigro! Puoi credere senza giuramento, poiché vorrei che questo libro, frutto della mia comprensione, fosse il massimo della bellezza, della grazia e della premura. Ma non è in mio potere annullare la legge di natura, secondo la quale ogni essere vivente partorisce la propria specie.
Eppure, anche quando gli eroi dell'opera sono la personificazione delle idee dell'autore, non sono identici all'autore. Anche nei generi di confessione, diario, appunti, non bisogna cercare l'adeguatezza dell'autore e dell'eroe. La condanna di J.-J. Rousseau quell'autobiografia, forma ideale di introspezione ed esplorazione del mondo, fu messa in discussione dalla letteratura dell'Ottocento.
Già M. Yu Lermontov dubitava della sincerità delle confessioni espresse nella confessione. Nella prefazione al Diario di Pechorin, Lermontov ha scritto: "La confessione di Rousseau ha già lo svantaggio di averla letta ai suoi amici". Senza dubbio ogni artista si sforza di rendere vivida l'immagine, e la trama accattivante, quindi, persegue "un vano desiderio di suscitare partecipazione e sorpresa".
A. S. Pushkin generalmente negava la necessità della confessione in prosa. In una lettera a P. A. Vyazemsky riguardo agli appunti perduti di Byron, il poeta scrisse: “Lui (Byron) ha confessato nelle sue poesie, involontariamente, portato via dalla gioia della poesia. In prosa a sangue freddo, mentiva e astuto, ora cercando di mostrare sincerità, ora calunniando i suoi nemici. Sarebbe stato catturato, come lo era Rousseau, e lì la malizia e la calunnia avrebbero trionfato di nuovo... Non ami nessuno così tanto, non conosci nessuno come te stesso. L'argomento è inesauribile. Ma è difficile. È possibile non mentire, ma essere sinceri è un'impossibilità fisica.
Introduzione agli studi letterari (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin e altri) / Ed. LM Krupchanov. -M, 2005
Immagine artistica
Immagine in generale, è una sorta di realtà spirituale e psichica soggettiva che sorge nel mondo interiore di una persona nell'atto di percepire qualsiasi realtà, nel processo di contatto con il mondo esterno - in primo luogo, sebbene ci siano, di ovviamente, immagini di fantasia, immaginazione, sogni, allucinazioni, ecc. che riflettono una realtà soggettiva (interna). Nei più ampi termini filosofici generali, l'immagine è una copia soggettiva della realtà oggettiva. Immagine artistica- questa è un'immagine dell'arte, ad es. creato appositamente nel processo di speciale creativo l'attività secondo leggi specifiche (sebbene, di regola, non scritte) da parte del soggetto dell'arte - l'artista - è un fenomeno. In futuro parleremo solo dell'immagine artistica, quindi per brevità la chiamo semplicemente modo.
Nella storia dell'estetica è stato il primo a porre il problema dell'immagine nella sua forma moderna. Hegel nell'analisi dell'arte poetica e ha delineato la direzione principale della sua comprensione e studio. Nell'immagine e nella figuratività, Hegel vedeva le specificità dell'arte in generale e dell'arte poetica in particolare. "Nel complesso", scrive, "possiamo designare una performance poetica come performance figurativo, poiché presenta al nostro sguardo non un'essenza astratta, ma la sua realtà concreta, non un'esistenza accidentale, ma un tale fenomeno in cui direttamente attraverso l'esterno stesso e la sua individualità noi, in unità inseparabile con esso, conosciamo il sostanziale, e quindi noi trovarci nel mondo interiore della rappresentazione come un'unica e stessa integrità sia del concetto di un oggetto che del suo essere esterno. In questo senso c'è una grande differenza tra ciò che ci dà una rappresentazione figurativa e ciò che ci diventa chiaro attraverso altri modi di espressione.
La specificità e il vantaggio dell'immagine, secondo Hegel, sta nel fatto che, a differenza della designazione verbale astratta di un oggetto o di un evento che fa appello alla coscienza razionale, essa rappresenta un oggetto per la nostra visione interiore e visione nella pienezza del suo aspetto reale e sostanzialità essenziale. Hegel lo spiega con un semplice esempio. Quando diciamo o leggiamo le parole "sole" e "mattino", ci è chiaro ciò che viene detto, ma né il sole né il mattino appaiono davanti ai nostri occhi nella loro forma reale. E se, infatti, il poeta (Omero) esprime la stessa cosa con le parole: "Una giovane donna sorse dall'oscurità, con le dita viola Eos", allora ci viene dato qualcosa di più di una semplice comprensione dell'alba. Il luogo della comprensione astratta è sostituito dalla "vera certezza" e il nostro sguardo interiore vede un'immagine olistica dell'alba nell'unità del suo contenuto razionale (concettuale) e dell'aspetto visivo concreto. Pertanto, nell'immagine di Hegel, l'interesse del poeta per il lato esterno dell'oggetto dal punto di vista dell'illuminazione della sua "essenza" in esso è essenziale. A questo proposito distingue tra immagini "in senso proprio" e immagini "in senso improprio". Il filosofo tedesco si riferisce alla prima immagine (descrizione letterale) più o meno diretta, immediata, diremmo ora isomorfa dell'apparenza di un oggetto, e alla seconda - un'immagine mediata, figurativa di un oggetto attraverso un altro. Metafore, confronti, tutti i tipi di figure retoriche rientrano in questa categoria di immagini. Hegel presta particolare attenzione alla fantasia nella creazione di immagini poetiche. Queste idee dell'autore della monumentale "Estetica" hanno costituito il fondamento della comprensione estetica dell'immagine nell'arte, subendo alcune trasformazioni, aggiunte, modifiche e talvolta completa negazione nelle varie fasi dello sviluppo del pensiero estetico.
Come risultato di uno sviluppo storico relativamente lungo, oggi nell'estetica classica si è sviluppata un'idea abbastanza completa e multilivello dell'immagine e della natura figurativa dell'arte. In generale, sotto in modo artistico, un'integrità spirituale-eidetica organica è intesa, esprimendo, presentando una certa realtà nella modalità di maggiore o minore isomorfismo (somiglianza di forma) e realizzata (avendo esistenza) nella sua interezza solo nel processo di percezione di un un'opera d'arte specifica da un destinatario specifico.È allora che l'unicità del mondo artistico si svela pienamente ed effettivamente funziona, ripiegato dall'artista nell'atto di creare un'opera d'arte nella sua realtà oggettiva (pittorica, musicale, poetica, ecc.) e dispiegandosi già in qualche altra concretezza ( diversa incarnazione) nel mondo interiore oggetto di percezione. L'immagine nella sua interezza è complessa processi esplorazione artistica del mondo. Presuppone l'esistenza di un oggetto o soggettivo la realtà, che ha dato impulso al processo artistico Schermo. Si trasforma più o meno essenzialmente soggettivamente nell'atto di creare un'opera d'arte in una certa realtà del lavori. Poi, nell'atto di percepire quest'opera, un altro processo di trasformazione dei tratti, della forma, persino dell'essenza della realtà originaria (il prototipo, come talvolta si dice in estetica) e della realtà dell'opera d'arte (la "secondaria" immagine) ha luogo. Appare un'immagine finale (già terza), spesso molto lontana dalle prime due, ma che tuttavia conserva qualcosa (questa è l'essenza dell'isomorfismo e il principio stesso della visualizzazione) inerente ad esse e unificandole in un unico sistema di espressione figurativa, oppure esposizione artistica.
Da ciò è ovvio che, insieme all'immagine finale, più generale e completa che nasce durante la percezione, l'estetica distingue una serie di comprensioni più particolari dell'immagine, sulle quali ha senso soffermarsi almeno brevemente qui. Un'opera d'arte inizia con l'artista, più precisamente, con una certa idea che nasce in lui prima di iniziare a lavorare sull'opera e si realizza e si concretizza nel processo di creatività mentre lavora sull'opera. Questa idea iniziale, di regola, ancora piuttosto vaga, è spesso già chiamata un'immagine, che non è del tutto accurata, ma può essere intesa come una sorta di schizzo spirituale ed emotivo dell'immagine futura. Nel processo di creazione di un'opera, a cui partecipano, da un lato, tutte le forze spirituali e spirituali dell'artista e, dall'altro, il sistema tecnico delle sue capacità di manipolazione (elaborazione) con un materiale specifico da cui , sulla base del quale viene creata l'opera (pietra, argilla, colori , matita e carta, suoni, parole, attori teatrali, ecc., in breve - l'intero arsenale di mezzi visivi ed espressivi di un determinato tipo o genere d'arte ), l'immagine originale (= idea), di regola, cambia in modo significativo. Spesso non rimane nulla dell'originario abbozzo figurativo-semantico. Svolge solo il ruolo di primo stimolo per un processo creativo abbastanza spontaneo.
Un'opera d'arte che è sorta è anche, ea ragione, chiamata immagine, che, a sua volta, ha una serie di livelli figurativi, o sotto-immagini - immagini di natura più locale. L'opera nel suo insieme è concretamente sensuale incarnata nel materiale di questa forma d'arte. modo mondo unico oggettivo-soggettivo spirituale in cui l'artista ha vissuto nel processo di creazione di quest'opera. Questa immagine è un insieme di unità figurative ed espressive di questo tipo di arte, che è un'integrità strutturale, compositiva, semantica. Questa è un'opera d'arte oggettivamente esistente (un dipinto, una struttura architettonica, un romanzo, una poesia, una sinfonia, un film, ecc.).
All'interno di quest'opera-immagine ripiegata, troviamo anche una serie di immagini più piccole determinate dalla struttura pittorica ed espressiva di questo tipo di arte. Per la classificazione delle immagini di questo livello, in particolare, è essenziale il grado di isomorfismo (la somiglianza esterna dell'immagine con l'oggetto o fenomeno raffigurato). Più alto è il livello di isomorfismo, più l'immagine del livello figurativo-espressivo è vicina alla forma esterna del frammento di realtà raffigurato, più è "letteraria", cioè si presta alla descrizione verbale ed evoca le corrispondenti rappresentazioni "immaginarie" nel destinatario. Ad esempio, un'immagine del genere storico, un paesaggio classico, una storia realistica, ecc. Allo stesso tempo, non è così importante che si parli di arti visive propriamente dette (pittura, teatro, cinema) o di musica e letteratura. Con un alto grado di isomorfismo, le immagini o le rappresentazioni "immaginative" sorgono su qualsiasi base. E non sempre contribuiscono allo sviluppo organico dell'effettiva immagine artistica dell'intera opera. Molto spesso, è questo livello di figuratività che risulta essere orientato verso obiettivi non estetici (sociali, politici, ecc.).
Tuttavia, idealmente, tutte queste immagini sono incluse nella struttura dell'immagine artistica generale. Ad esempio, per la letteratura, si parla di trama come a Immagine qualche situazione di vita (reale, probabilistica, fantastica, ecc.), circa immagini eroi specifici di questo lavoro (immagini di Pecorin, Faust, Raskolnikov, ecc.), Circa Immagine natura in descrizioni specifiche, ecc. Lo stesso vale per la pittura, il teatro, il cinema. Più astratte (con un minor grado di isomorfismo) e meno suscettibili di verbalizzazione concreta sono le immagini nelle opere di architettura, musica o arte astratta, ma anche lì si può parlare di strutture figurative espressive. Ad esempio, in connessione con una "Composizione" completamente astratta di V. Kandinsky, dove l'isomorfismo del soggetto visivo è completamente assente, possiamo parlare di composizione modo, basato sull'organizzazione strutturale delle forme di colore, relazioni di colore, equilibrio o dissonanza delle masse di colore, ecc.
Infine, nell'atto della percezione (che, tra l'altro, comincia a realizzarsi già nel processo della creatività, quando l'artista agisce come primo ed estremamente attivo destinatario della sua opera emergente, correggendo l'immagine man mano che si sviluppa), un opera d'arte è realizzata, come già accennato, l'immagine principale di quest'opera, per amore della quale si è effettivamente manifestata in essere. Nel mondo spirituale e mentale del soggetto della percezione, un certo realtà ideale, in cui tutto è connesso, fuso in un'integrità organica, non c'è nulla di superfluo e non si avverte alcun difetto o mancanza. Lei appartiene allo stesso tempo questo argomento(e solo a lui, perché un altro soggetto avrà già una realtà diversa, un'immagine diversa basata sulla stessa opera d'arte), un lavoro d'arte(si verifica solo sulla base di questo particolare lavoro) e l'universo nel suo insieme, per Veramente attacca il destinatario nel processo di percezione (cioè l'esistenza di una data realtà, una data immagine). pleroma universale dell'essere. L'estetica tradizionale lo descrive supremo evento artistico in modo diverso, ma il significato rimane lo stesso: comprensione della verità dell'essere, l'essenza di una data opera, l'essenza del fenomeno o dell'oggetto raffigurato; la manifestazione della verità, la formazione della verità, la comprensione di un'idea, di un eidos; contemplazione della bellezza dell'essere, familiarizzazione con la bellezza ideale; catarsi, estasi, intuizione, ecc. e così via. Lo stadio finale della percezione di un'opera d'arte viene vissuto e realizzato come una sorta di sfondamento del soggetto della percezione ad alcuni livelli di realtà a lui sconosciuti, accompagnato da una sensazione di pienezza dell'essere, insolita leggerezza, esaltazione, gioia spirituale.
Allo stesso tempo, non importa affatto quale sia il contenuto specifico, intellettualmente percepito dell'opera (il suo livello letterario-utilitaristico superficiale), o le immagini visive e uditive più o meno specifiche della psiche (livello emotivo-mentale), che sorgono sulla sua base. Per la completa ed essenziale realizzazione dell'immagine artistica, è importante e significativo che l'opera sia organizzata secondo leggi artistiche ed estetiche, cioè alla fine deve provocare piacere estetico nel destinatario, che è un indicatore realtà del contatto– l'ingresso del soggetto della percezione con l'aiuto di un'immagine attualizzata al livello del vero essere dell'Universo.
Prendiamo, ad esempio, il famoso dipinto "Girasoli" di Van Gogh (1888, Monaco, Neue Pinakothek), raffigurante un mazzo di girasoli in una brocca. Sul piano pittorico del soggetto “letterario”, vediamo sulla tela solo un mazzo di girasoli in una brocca di ceramica in piedi su un tavolo contro una parete verdastra. C'è un'immagine visiva di un barattolo, e un'immagine di un mazzo di girasoli, e immagini molto diverse di ciascuno dei 12 fiori, che possono essere tutti descritti in modo sufficientemente dettagliato a parole (la loro posizione, forma, colori, grado di maturità , alcuni hanno anche il numero di petali). Tuttavia, queste descrizioni avranno ancora solo una relazione indiretta con l'immagine artistica integrale di ciascun oggetto raffigurato (si può parlare anche di questo), e ancor più con l'immagine artistica dell'intera opera. Quest'ultimo si forma nella psiche dello spettatore sulla base di una tale moltitudine di elementi visivi dell'immagine che costituiscono un'integrità organica (si potrebbe dire armonica) e una massa di tutti i tipi di impulsi soggettivi (associativi, di memoria , esperienza artistica dello spettatore, la sua conoscenza, il suo stato d'animo al momento della percezione, ecc. .), che tutto ciò sfugge a qualsiasi contabilità o descrizione intellettuale. Tuttavia, se abbiamo davvero davanti a noi una vera opera d'arte, come questi "Girasoli", allora tutta questa massa di impulsi oggettivi (provenienti dall'immagine) e soggettivi che sono sorti in connessione con loro e sulla loro base formano una tale realtà integrale nell'anima di ogni spettatore, un'immagine così visiva e spirituale che suscita in noi una potente esplosione di sentimenti, offre una gioia indescrivibile, ci eleva al livello di una pienezza dell'essere così realmente sentita e vissuta che non raggiungiamo mai nell'ordinario ( al di fuori dell'esperienza estetica) la vita.
Questa è la realtà, il fatto del vero essere immagine artistica, quale fondamento essenziale dell'art. Qualsiasi arte, se organizza le sue opere secondo leggi artistiche non scritte, infinitamente diverse, ma realmente esistenti.
Brevemente:
L'immagine artistica è una delle categorie estetiche; immagine della vita umana, descrizione della natura, fenomeni astratti e concetti che formano un'immagine del mondo nell'opera.
L'immagine artistica è un concetto condizionale, è il risultato di generalizzazioni poetiche, contiene la finzione, l'immaginazione, la fantasia dell'autore. È formato dallo scrittore secondo la sua visione del mondo e i suoi principi estetici. Non esiste un unico punto di vista su questo tema nella critica letteraria. A volte un'opera o addirittura l'intera opera dell'autore è considerata un'immagine artistica integrale (l'irlandese D. Joyce ha scritto con una tale impostazione del programma). Ma il più delle volte l'opera è studiata come un sistema di immagini, ogni elemento del quale è connesso agli altri da un unico concetto ideologico e artistico.
Tradizionalmente, è consuetudine distinguere tra i seguenti livelli di figuratività nel testo: immagini-personaggi, immagini di fauna selvatica(animali, uccelli, pesci, insetti, ecc.), immagini di paesaggi, immagini di oggetti, immagini verbali, immagini sonore, immagini a colori(ad esempio, nero, bianco e rosso nella descrizione della rivoluzione nella poesia di A. Blok "I dodici"), immagini di profumo(ad esempio, l'odore delle cipolle fritte, che si precipita nei cortili della città di provincia di S. in "Ionych" di Cechov), segni, emblemi, E simboli, allegorie e così via.
Un posto speciale nel sistema di immagini dell'opera è occupato dall'autore, narratore e narratore. Questi non sono concetti identici.
Immagine dell'autore- la forma di esistenza dello scrittore in un testo letterario. Riunisce l'intero sistema dei personaggi e parla direttamente al lettore. Possiamo trovarne un esempio nel romanzo di A. Pushkin "Eugene Onegin".
L'immagine del narratore nell'opera è generalizzato-astratto, questa persona, di regola, è priva di tratti di ritratto e si manifesta solo nel discorso, in relazione a quanto riportato. A volte può esistere non solo nell'ambito di un'opera, ma anche all'interno del ciclo letterario (come in Appunti di un cacciatore di I. Turgenev). In un testo letterario, l'autore riproduce in questo caso non il suo modo di percepire la realtà, ma quello del narratore. Funge da intermediario tra lo scrittore e il lettore nella trasmissione degli eventi.
L'immagine del narratoreè il personaggio per conto del quale viene fatto il discorso. A differenza del narratore, al narratore vengono fornite alcune caratteristiche individuali (dettagli del ritratto, fatti biografici). Nelle opere, a volte l'autore può narrare alla pari del narratore. Ci sono molti esempi di questo nella letteratura domestica: Maxim Maksimych nel romanzo di M. Lermontov "Un eroe del nostro tempo", Ivan Vasilyevich nella storia di L. Tolstoy "Dopo il ballo", ecc.
Un'immagine artistica espressiva può emozionare e scioccare profondamente il lettore e avere un impatto educativo.
Fonte: Manuale degli scolari: classi 5-11. — M.: AST-PRESS, 2000
Di più:
Un'immagine artistica è uno dei concetti più ambigui e ampi utilizzati da teorici e professionisti di tutti i tipi di arte, compresa la letteratura. Diciamo: l'immagine di Onegin, l'immagine di Tatyana Larina, l'immagine della Patria o un'immagine poetica di successo, intendendo le categorie del linguaggio poetico (epiteto, metafora, confronto ...). Ma ce n'è un altro, forse il significato più importante, il più ampio e universale: l'immagine come forma di espressione del contenuto nella letteratura, come elemento primario dell'arte nel suo insieme.
Va notato che l'immagine in generale è un'astrazione, che acquista contorni concreti solo come componente elementare di un certo sistema artistico nel suo insieme. L'intera opera d'arte è figurativa e tutte le sue componenti sono figurative.
Se ci rivolgiamo a qualsiasi opera, ad esempio, ai "Demoni" di Pushkin, all'inizio di "Ruslan e Lyudmila" o "Al mare", la leggiamo e ci poniamo la domanda: "Dov'è l'immagine?" - la risposta corretta sarà: “Ovunque!”, perché l'immagine è una forma di esistenza di un'opera d'arte, l'unico modo del suo essere, una sorta di “materia” di cui è costituita, e che, a sua volta, rompe giù in “molecole” e “atomi””.
Il mondo artistico è principalmente un mondo figurativo. Un'opera d'arte è una singola immagine complessa e ciascuno dei suoi elementi è una particella unica e relativamente indipendente di questo insieme, che interagisce con essa e con tutte le altre particelle. Tutto e tutto nel mondo poetico è intriso di immagini, anche se il testo non contiene un solo epiteto, paragone o metafora.
Nella poesia di Pushkin "Ti ho amato ..." non c'è una delle tradizionali "decorazioni", ad es. tropes, abitualmente indicato come "immagini artistiche" (la metafora linguistica spenta "amore ... svanito" non conta), quindi è spesso definito "brutto", il che è fondamentalmente sbagliato. Come ha mostrato superbamente R. Yakobson nel suo famoso articolo "Poetry of Grammar and the Grammar of Poetry", utilizzando esclusivamente i mezzi del linguaggio poetico, utilizzando solo l'abile contrasto delle forme grammaticali, Pushkin ha creato un'emozionante immagine artistica dei sentimenti di un amante che deifica il soggetto del suo amore e sacrificando la sua felicità per lui. I componenti di questo complesso insieme figurativo sono immagini private di un'espressione puramente vocale, rivelate da un ricercatore perspicace.
In estetica, ci sono due concetti dell'immagine artistica in quanto tale. Secondo il primo, l'immagine è un prodotto specifico del lavoro, chiamato a "oggettivare" un certo contenuto spirituale. Una tale idea dell'immagine ha diritto alla vita, ma è più conveniente per le arti spaziali, specialmente per quelle che hanno valore applicato (scultura e architettura). Secondo il secondo concetto, l'immagine come forma speciale di esplorazione teorica del mondo dovrebbe essere considerata rispetto a concetti e idee come categorie del pensiero scientifico.
Il secondo concetto ci è più vicino e comprensibile, ma, in linea di principio, entrambi soffrono di unilateralità. In effetti, abbiamo il diritto di identificare la creatività letteraria con una sorta di produzione, un normale lavoro di routine che ha obiettivi pragmatici ben definiti? Inutile dire che l'arte è un lavoro duro ed estenuante (ricordiamo la metafora espressiva di Mayakovsky: "La poesia è la stessa estrazione del radio: / Nell'anno dell'estrazione - un grammo di lavoro"), che non si ferma né di giorno né di notte. Lo scrittore a volte crea letteralmente anche in sogno (come se la seconda edizione dell'Henriade apparisse a Voltaire in questo modo). Non c'è svago. Non c'è nemmeno privacy personale (come O Henry ha perfettamente ritratto nella storia "Confessioni di un umorista").
L'opera d'arte è lavoro? Sì, certo, ma non solo lavoro. È tormento, piacere incomparabile, ricerca premurosa e analitica, volo sfrenato di fantasia libera, lavoro duro ed estenuante e gioco emozionante. In una parola, è arte.
Ma qual è il prodotto del lavoro letterario? Come e con cosa si può misurare? Dopotutto, non litri di inchiostro e non chilogrammi di carta consumata, non incorporati nei siti Internet con testi di opere che ora esistono in uno spazio puramente virtuale! Il libro, che è ancora un modo tradizionale di fissare, conservare e consumare i risultati del lavoro di uno scrittore, è puramente esterno e, come si è scoperto, non è affatto un guscio obbligatorio per il mondo figurativo creato nel suo processo. Questo mondo è creato sia nella coscienza che nell'immaginazione dello scrittore e viene trasmesso, rispettivamente, nel campo della coscienza e dell'immaginazione dei lettori. Si scopre che la coscienza si crea attraverso la coscienza, quasi come nell'arguta fiaba di Andersen "I vestiti nuovi del re".
Quindi, l'immagine artistica in letteratura non è affatto una "oggettivazione" diretta del contenuto spirituale, qualsiasi idea, sogno, ideale, come è facilmente e chiaramente presentato, diciamo, nella stessa scultura (Pigmalione, che "oggettiva" il suo sogno in avorio, non resta che pregare la dea dell'amore Afrodite di dare vita alla statua per sposarla!). Il lavoro letterario non porta risultati materializzati diretti, alcune conseguenze pratiche tangibili.
Questo significa che è più vero il secondo concetto, insistendo sul fatto che l'immagine artistica di un'opera è una forma di esplorazione del mondo esclusivamente teorica? No, e qui c'è una ben nota unilateralità. Il pensiero figurativo nella narrativa, ovviamente, si oppone a quello teorico, scientifico, sebbene non lo escluda affatto. Il pensiero verbale-figurativo può essere rappresentato come una sintesi della comprensione filosofica o, piuttosto, estetica della vita e del suo disegno oggettuale-sensoriale, riproduzione nella materia specificamente insita in essa. Tuttavia, non esiste una definizione chiara, sequenza canonica, sequenza di entrambi, e non può esserlo, se, ovviamente, intendiamo la vera arte. Comprensione e riproduzione, compenetrandosi, si completano a vicenda. La comprensione si realizza in una forma concreto-sensoriale e la riproduzione chiarisce e affina l'idea.
La cognizione e la creatività sono un unico atto olistico. Teoria e pratica nell'arte sono inseparabili. Certo, non sono identici, ma sono uno. In teoria l'artista si afferma praticamente, in pratica teoricamente. Per ogni individualità creativa, l'unità di questi due lati di un tutto si manifesta a modo suo.
Quindi, V. Shukshin, "esplorando", come ha detto lui, la vita, l'ha vista, l'ha riconosciuta con lo sguardo allenato di un artista, e A. Voznesensky, che fa appello all '"intuizione" nella conoscenza ("Se cerchi l'India , troverai l'America!”), Con uno sguardo analitico da architetto (l'istruzione non poteva che incidere). La differenza si rifletteva anche in termini di espressione figurativa (saggi ingenui, “mostri”, betulle animate di Shukshin e “menestrelli atomici”, traduttori culturali della rivoluzione scientifica e tecnologica, “pera triangolare” e “frutto trapezoidale” di Voznesensky).
La teoria, in relazione al mondo oggettivo, è un "riflesso", mentre la pratica è la "creazione" (o meglio, la "trasformazione") di questo mondo oggettivo. Lo scultore "riflette" una persona, ad esempio una modella, e crea un nuovo oggetto: una "statua". Ma le opere delle arti materiali sono evidenti nel senso più diretto della parola, motivo per cui è così facile rintracciare nel loro esempio i modelli estetici più complessi. Nella finzione, nell'arte delle parole, tutto è più complicato.
Conoscendo il mondo per immagini, l'artista si immerge nelle profondità del soggetto, come un naturalista in una prigione. Ne conosce la sostanza, il principio fondamentale, l'essenza, ne estrae la radice stessa. Il segreto di come vengono create le immagini satiriche è stato straordinariamente rivelato dal personaggio del romanzo di Heinrich Böll “Attraverso gli occhi di un pagliaccio” Hans Schnier: “Prendo un pezzo di vita, lo elevo a un potere e poi ne estraggo la radice , ma con un numero diverso.”
In questo senso, si può essere seriamente d'accordo con l'arguta battuta di M. Gorky: "Conosce la realtà come se la conoscesse lui stesso! .." e con la definizione di Michelangelo: "Questa è l'opera di un uomo che sapeva più di la natura stessa", che porta a V. Kozhinov nel suo articolo.
La creazione di un'immagine artistica assomiglia meno alla ricerca di bei vestiti per un'idea primaria inizialmente già pronta; piani di contenuto ed espressione nascono e maturano in essa in piena armonia, insieme, simultaneamente. L'espressione di Pushkin "il poeta pensa in versi" e praticamente la stessa versione di Belinsky nel suo quinto articolo su Pushkin: "Il poeta pensa per immagini". “Per verso intendiamo la forma originaria, immediata del pensiero poetico” confermano autorevolmente questa dialettica.