I principali tipi di belle arti. Belle arti come una sorta di attività creativa Forma artistica di un'opera d'arte

16.07.2019

1. Il ruolo dell'arte nella società.

2. Tipi di belle arti (pittura, grafica, architettura, scultura, arti e mestieri).

3. Generi artistici (mitologico, religioso, quotidiano, storico, di battaglia, ritratto, paesaggio, animalesco; natura morta) (preparazione di un astratto).

4. Fasi di sviluppo delle belle arti (preparazione di un abstract).

1. L'arte è una delle forme della coscienza sociale. Al centro dell'arte c'è il riflesso artistico e figurativo della realtà. L'arte conosce e valuta il mondo, forma l'immagine spirituale delle persone, i loro sentimenti e pensieri, la loro visione del mondo, educa una persona, allarga i suoi orizzonti, risveglia le capacità creative. L'arte è fondamentalmente arte popolare.

Il ruolo cognitivo dell'arte la avvicina alla scienza. L'artista, come lo scienziato, si sforza di comprendere il significato dei fenomeni della vita, di vedere nel casuale, transitorio i modelli più caratteristici e tipici nello sviluppo della realtà. Una profonda conoscenza della realtà è in definitiva associata al desiderio di trasformarla e migliorarla. Una persona padroneggia le forze della natura, apprende le leggi dello sviluppo della società per cambiare il mondo in accordo con i bisogni e gli obiettivi fissati dal collettivo, dalla società A differenza della scienza, l'arte esprime la verità non in concetti astratti, ma in concreto immagini piene di vita.

Lo scopo dell'arte è rivelare la loro vera essenza nei fenomeni della vita circostante, mostrare chiaramente in immagini impressionanti la cosa più importante per una persona e per la società. Una delle principali tecniche artistiche è la generalizzazione dell'immagine, la sua tipizzazione. Ti permette di mostrare vividamente il bello della vita, di esporre il brutto, il male. L'arte di ogni epoca è indissolubilmente legata alla cultura nazionale e alle condizioni storiche, alla lotta di classe, al livello della vita spirituale della società.

2. Uno dei compiti principali della nostra società di fronte al sistema di istruzione moderna è la formazione di una cultura della personalità. La formazione della cultura delle giovani generazioni è impossibile senza fare riferimento ai valori artistici accumulati dalla società nel corso della sua esistenza. Per comprendere appieno l'arte di una certa epoca, è necessario navigare nella terminologia della storia dell'arte. Conoscere e comprendere l'essenza di ciascuna delle arti. Solo in caso di possesso di un sistema categorico-concettuale, una persona sarà in grado di realizzare appieno il valore estetico dei monumenti d'arte.

I tipi di arte sono forme storicamente stabilite di attività creativa che hanno la capacità di realizzare artisticamente il contenuto della vita e differiscono nei modi della sua incarnazione materiale.

PITTURA

La pittura è un'arte visiva piatta, la cui specificità risiede nella rappresentazione con l'ausilio di vernici applicate alla superficie dell'immagine del mondo reale, trasformata dall'immaginazione creativa dell'artista. Dipingere significa “scrivere la vita”, “scrivere vividamente”, cioè trasmettere in modo completo e convincente la realtà. La pittura è l'arte del colore.

La pittura si divide in:
- monumentale - affresco (dall'italiano Fresco) - pittura su intonaco bagnato con vernici diluite in acqua e mosaico (dal francese mosaiqe) immagine di pietre colorate, smaltato (Smalt - vetro trasparente colorato.), piastrelle di ceramica.
- cavalletto (dalla parola "macchina") - una tela creata su un cavalletto.

La pittura è rappresentata da una varietà di generi:
- Ritratto: il compito principale è trasmettere un'idea dell'aspetto esteriore di una persona, rivelare il mondo interiore di una persona, enfatizzare la sua individualità, l'immagine psicologica ed emotiva.
- Paesaggio - riproduce il mondo circostante in tutta la sua diversità di forme. L'immagine del paesaggio marino è definita dal termine marinismo.
- Natura morta: l'immagine di oggetti per la casa, strumenti, fiori, frutti. Aiuta a capire la visione del mondo e il modo di una certa epoca.
- Genere storico - racconta momenti storicamente importanti nella vita della società.
- Genere domestico - riflette la vita quotidiana delle persone, l'umore, i costumi, le tradizioni di un particolare gruppo etnico.
- Pittura di icone (tradotta dal greco come "immagine di preghiera") - l'obiettivo principale è dirigere una persona sulla via della trasformazione.
- Animalismo: l'immagine di un animale come protagonista di un'opera d'arte.

Viene chiamata un'opera d'arte realizzata con colori (olio, tempera, acquarello, gouache, ecc.) applicati su qualsiasi superficie pittura.

Tempera - vernice vegetale, pestata su tuorlo d'uovo, era usata nell'antico Egitto (ora acetato di polivinile, sintetico, olio di caseina). La tempera viene diluita con acqua e non viene lavata via dopo l'asciugatura. I colori ad olio sono stati usati sin dal Rinascimento nel XVI secolo. Gouache - colori opachi, opachi, densi, diluiti con acqua, ogni pittura a guazzo contiene bianco, apparso nel Medioevo. Acquerello - dipinge su colla vegetale, diluita con acqua. Sono apparsi nel XVI secolo. Pittura da cavalletto - quadri dipinti su tela, carta, cartone, montati su cavalletto. Pittura monumentale - dipinti di grandi dimensioni sui campi interni ed esterni degli edifici (pareti, soffitti, colonne, pilastri, sostegni, ecc.), affreschi, pannelli, dipinti, mosaici.

Va anche notato tipi di pittura come pittura decorativa, pittura di icone, miniatura, teatrale e decorativa. Il mosaico (dal latino musiqum, letteralmente dedicato al mu-zam) è uno dei tipi di arte monumentale. Le immagini e gli ornamenti in un mosaico sono costituiti da pezzi di varie pietre, vetro (smalto), ceramica, legno e altri materiali.

Arti grafiche(dal greco grapho - scrivo, disegno) - un'immagine su un piano usando linee, un tratto, un contorno, una macchia e un tono. La grafica è chiamata l'arte del bianco e nero. Tuttavia, ciò non esclude l'uso del colore nella grafica. La grafica comprende anche opere policrome realizzate su carta: incisioni colorate, disegni con matite colorate, pastelli a sanguigna, acquerelli.

La grafica comprende il disegno e vari tipi di grafica stampata (incisione su legno (xilografia), su metallo (acquaforte), linocut - su linoleum, litografia su pietra).

Secondo lo scopo del programma è suddiviso nei seguenti tipi:
- cavalletto - il disegno vero e proprio;
- libro e giornale-rivista;
- biglietti d'auguri applicati, calendari colorati, buste per dischi;
- grafica industriale - etichette per imballaggi vari, design di prodotti industriali e alimentari;
- poster (tradotto dal francese - annuncio, poster) - un tipo di grafica, immagine concisa, accattivante, progettata per l'attenzione di tutti, accompagnata da testo (politico, propagandistico, educativo, pubblicitario, ambientale, sportivo, teatrale, pubblicitario cinematografico, ecc. D.);
- progettazione grafica - caratteri e varie immagini simboliche.

Architettura- (lat. arhitektura, dal greco archi - capo e tektos - costruire, erigere), architettura (ze - argilla russa, erigere) - arte costruttiva.

Tre tipi di architettura:
1. Edifici volumetrici - religiosi (chiese, templi), pubblici (scuole, teatri, stadi, negozi), industriali (fabbriche, fabbriche) e altri edifici.
2. Architettura del paesaggio: gazebo, ponti, fontane e scale per piazze, viali, parchi.
3. Pianificazione urbana - la creazione di nuove città e la ricostruzione di quelle vecchie.

Le forme delle strutture architettoniche dipendono dalle condizioni geografiche e climatiche, dalla natura del paesaggio, dall'intensità della luce solare, dalla sicurezza sismica, ecc. L'architettura non riproduce direttamente la realtà, non è pittorica, ma espressiva.

Scultura(lat. sculptura, da sculpo - tagliare, scolpire, scolpire, plastica) - un tipo di arte in cui l'artista crea immagini tridimensionali. La scultura comprende opere d'arte create mediante intaglio, intaglio, scultura, fusione e goffratura.

Su appuntamento, la scultura è:
- monumentale (monumenti, complessi commemorativi);
- cavalletto (museo: statue, ritratti, scene di genere);
- monumentale e decorativo (scultura decorativa in giardini e parchi, rilievi e statue);
- scultura di piccole forme.

Per genere, la scultura è divisa in:
- ritratto;
- genere (domestico - riproduzione di varie scene quotidiane);
- animalesco (immagine di animali);
- storico (ritratti di personaggi storici e scene storiche)

Tipi di scultura:

Rotondo, collocato liberamente nello spazio reale:

Testa; torace; gruppo scultoreo.

Rilievo (tradotto dal francese - sollevare) - una forma d'arte in cui le immagini tridimensionali si trovano su un piano - un tipo di scultura progettato principalmente per la percezione frontale.

Controrilievo - rilievo in profondità utilizzato per immagini stampate o per la visualizzazione attraverso la luce.

Un rilievo con un contorno profondo e una modellazione convessa della forma era usato nell'antico Egitto.

Bassorilievo (fr. bassorilievo - bassorilievo) - una sorta di rilievo convesso, in cui l'immagine (figura, oggetto, ornamento) sporge sopra il piano di meno della metà del suo volume.

Altorilievo (fr. hout-relief - altorilievo) - un tipo di rilievo in cui le immagini (figure, oggetti) sporgono sopra il piano di oltre la metà del loro volume e le singole parti possono deviare completamente dal piano.

arte decorativa(dal lat. dekoro - decorare) - uno dei tipi di arti plastiche. È suddiviso in:

monumentale e decorativo: vetrata (lat. vitrum - vetro) - un'opera d'arte decorativa in vetro colorato; dipinti, affreschi; scultura a mosaico, decorativa, paesaggistica;

DPI- il campo dell'arte decorativa: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita di tutti i giorni e si distinguono per l'uniformità decorativa. Gli oggetti non dovrebbero essere solo comodi, ma dovrebbero portare piacere estetico a una persona.

Design (ing. design - progettare, progettare, disegnare) - il processo di creazione di nuovi oggetti, strumenti, attrezzature, formazione dell'area tematica. Il suo obiettivo è l'organizzazione di un ambiente estetico olistico per la vita umana. Area design - elettrodomestici, stoviglie, mobili, macchine utensili, veicoli, grafica industriale, abbigliamento, make-up, phytodesign, ecc.

3. Generi di pittura

Ritratto(fr. image) - un'immagine di una persona o di un gruppo di persone. Oltre alle somiglianze esterne, gli artisti si sforzano di trasmettere in un ritratto il carattere di una persona, il suo mondo spirituale.

Distinguere intimo, cerimoniale, di gruppo, per bambini ritratti.

auto ritratto- la rappresentazione dell'artista di se stesso.

Scenario(fr. paus - località, patria) - un'immagine della natura, dei tipi di terreno, del paesaggio. Il paesaggio si suddivide in: rurale, urbano, industriale, marino, ecc.; può essere storico, eroico, fantastico, lirico, epico.

Natura morta(fr. naturemorte - natura morta) - un'immagine di oggetti inanimati (verdura, frutta, fiori, articoli per la casa, utensili, cibo, gioco, attributi artistici).

Genere di battaglia(dal francese bataille - battaglia, battaglia) è dedicato ai temi della guerra, delle battaglie, delle campagne e degli episodi della vita militare.

Storico- dedicato a fenomeni ed eventi storici... Molto spesso questi due generi si trovano in un'unica opera, in formazione battaglia storica genere.

Domestico riflette la vita quotidiana delle persone, lo stile di vita sociale e nazionale, i costumi e la vita di un certo periodo storico.

animalesco (dal lat. animale - animale) è associato all'immagine degli animali nella pittura, nella grafica, nella scultura.

Mitologico O favolosamente epico dedicato a eventi ed eroi, che vengono raccontati da miti, leggende, leggende, racconti e fiabe, epopee dei popoli del mondo.

Per una memorizzazione rapida ed efficace delle definizioni di alcuni generi di pittura, ai bambini può essere offerto di memorizzarle in forma poetica.

4. Sviluppo del pensiero artistico e pedagogico nazionale ed estero e della pratica educativa artistica nel contesto dello sviluppo delle belle arti. La capacità di disegnare è sempre stata ed è di non poca importanza per una persona, e il suo uso è servito e continua a servire come uno dei mezzi di comunicazione tra le persone. L'uomo ha iniziato a sviluppare le sue abilità nel disegnare fin dai tempi antichi. Già persone primitive prima ha ottenuto un grande successo in questo, come dimostrano i disegni trovati dagli archeologi. Tra queste immagini troviamo un'immagine resa in modo convincente di una renna della steppa e altre scene di vita reale.

L'esperienza nel disegnare linee e motivi, nel raffigurare animali e persino persone, le persone si accumulano da migliaia di anni. Uomo primitivo dipinto con carboncino e pietra appuntita, con colori ocra. Ciò è indicato dai dipinti superstiti di pareti e soffitti nelle grotte Combarel, Les Eizi, Altamira (Spagna), nelle regioni montuose del Sahara, nella Grotta del Capo negli Urali.

È particolarmente importante notare che tutte queste immagini erano di natura rituale magica e, quindi, erano una sorta di forma di trasmissione del pensiero umano. Su questa base nacque e si sviluppò successivamente la scrittura, prima pittografica (disegno), poi ideografica, dove a ogni segno corrispondeva una parola o parte di essa, e, infine, alfa-suono. L'uomo primitivo ha acquisito abilità nel disegno attraverso l'osservazione diretta e l'imitazione. Non c'era istruzione in quanto tale nell'era paleolitica.

La natura agricola e artigianale del Neolitico mutò l'atteggiamento dell'uomo nei confronti dell'arte. La capacità di disegnare una persona ha iniziato a essere usata per decorare oggetti del loro mestiere, il principale modo di produzione della ceramica. Gli oggetti in ceramica erano ricoperti di ornamenti. In diversi paesi, aveva i suoi tipi e caratteristiche. A questo proposito, iniziarono ad emergere metodi di insegnamento. L'artista-artigiano non rimaneva più indifferente al successo del suo allievo. Così iniziarono a svilupparsi tecniche e metodi di insegnamento. Ma non c'erano ancora principi di allenamento chiaramente sviluppati. Il vero insegnamento delle arti, con l'organizzazione delle scuole, è sorto solo nell'era della civiltà.

Organizzazione delle scuole nell'antico Egitto. Il sistema di istruzione e formazione, i canoni nell'antico Egitto. Documenti storici testimoniano che nell'antico Egitto il disegno veniva insegnato nelle scuole insieme al disegno. Dopo essersi diplomato, il giovane doveva essere in grado di misurare e disegnare l'area del campo, disegnare una planimetria, disegnare e disegnare un diagramma del canale. Così, per la prima volta incontriamo il disegno come materia educativa generale tra gli antichi egizi.

Quando si insegnava ai bambini a leggere e scrivere, il disegno riceveva l'attenzione principale, poiché la natura stessa della scrittura geroglifica richiedeva la rappresentazione di tutti i tipi di oggetti. Nell'antico Egitto, per la prima volta, il disegno divenne oggetto di scolarizzazione, che non fu più sporadica, ma sistematica. Il metodo e il sistema di insegnamento per tutti gli artisti-insegnanti erano gli stessi, perché canoni e regole approvati prescrivevano la più rigorosa osservanza di tutte le norme stabilite.

Va anche notato che gli egiziani hanno gettato le basi per la fondatezza teorica della pratica del disegno. Sono stati i primi a stabilire le leggi dell'immagine e le hanno insegnate a una nuova generazione. Non è noto se esistesse una teoria del processo di apprendimento stesso - la didattica, ma a quanto pare c'era qualcosa del genere, poiché l'esistenza stessa dei canoni parla di regole e leggi chiare dell'immagine, che gli studenti dovevano osservare rigorosamente.

Imparare a disegnare nell'antico Egitto non si basava sulla conoscenza del mondo circostante, ma su memorizzare schemi e canoni, copiare campioni.

Formazione e istruzione nell'antica Grecia Gli artisti della Grecia antica affrontarono il problema della formazione e dell'istruzione in modo nuovo e arricchirono notevolmente i metodi di insegnamento. Hanno esortato i giovani artisti a studiare attentamente la realtà, a trovare armonia in essa e hanno sostenuto che la cosa più bella della vita è una persona. Nelle loro opere teoriche, gli artisti greci hanno sottolineato che nel mondo regna una rigida regolarità e l'essenza della bellezza risiede in un ordine armonioso, nella simmetria, nell'armonia delle parti e del tutto, nelle corrette relazioni matematiche. Quindi, nel 432 a.C. e. a Sikyone, lo scultore Polikleitos di Argos ha scritto l'opera "Canon" sul rapporto proporzionale ideale tra le parti del corpo umano. Per illustrare le sue posizioni teoriche, creò la statua "Dorifor", o "Spearman", che iniziò ad essere utilizzata come ausilio educativo e visivo. I disegni sono stati realizzati da questa scultura non solo da giovani che studiano belle arti, ma anche da studenti di scuole di istruzione generale. Gli artisti-educatori greci stabilirono per primi il metodo di insegnamento del disegno, in che si basava sul disegno della natura. Nell'antica Grecia, il disegno cominciò a essere considerato una materia educativa generale.

L'era dell'antica Roma sembrerebbe che avrebbe dovuto sviluppare le conquiste degli artisti-insegnanti greci. I romani rispettavano le opere d'arte eccezionali. Hanno particolarmente apprezzato le opere degli artisti greci. Le persone ricche accumularono collezioni di dipinti e gli imperatori costruirono pinacoteche pubbliche (musei).

Tuttavia, in realtà, i romani non hanno aggiunto nulla di nuovo alla metodologia e al sistema di insegnamento. Hanno usato solo i risultati degli artisti greci; inoltre, non sono riusciti a preservare molte preziose disposizioni del metodo di insegnamento del disegno.

Nel Medioevo le conquiste dell'arte realistica sarebbero state respinte. Gli artisti del Medioevo non conoscevano né i principi della costruzione di un'immagine su un piano, né i metodi di insegnamento sviluppati dai greci. Durante la formazione del cristianesimo, le opere teoriche dei grandi maestri della Grecia, così come molte famose opere d'arte, furono barbaramente distrutte.

Il Rinascimento apre una nuova era sia nella storia dello sviluppo delle belle arti che nel campo dei metodi per insegnare il disegno. Sebbene il disegno come materia accademica non fosse inclusa nel curriculum scolastico, il Rinascimento ha dato un grande contributo alla teoria dei metodi di insegnamento del disegno sia per l'istruzione professionale che generale. Gli artisti di questo periodo stanno rielaborando la teoria delle belle arti e, allo stesso tempo, i metodi di insegnamento del disegno.

Dando una giustificazione scientifica al metodo di insegnamento, Alberti considera così il disegno non come un esercizio meccanico, ma come un esercizio della mente. Questo saggio atteggiamento diede poi modo a Michelangelo di dire: "Disegnano con la testa, non con le mani".

Prestiamo attenzione alla sequenza metodica di presentazione del materiale educativo nel lavoro di Albert. Nel primo libro, stabilisce un rigoroso sistema di istruzione. La conoscenza inizia con un punto e linee rette, poi c'è una conoscenza con vari angoli, poi con piani e, infine, con corpi tridimensionali. Seguendo la sequenza, Alberti introduce lo studente alle disposizioni di base della prospettiva lineare, spiega le proprietà dei raggi visivi. Qui si occupa anche di questioni di prospettiva aerea. Alberti attribuisce grande importanza alla dimostrazione personale dell'insegnante.

Il lavoro successivo, che ha avuto una grande influenza sullo sviluppo del metodo di insegnamento del disegno, è Il libro della pittura di Leonardo da Vinci. Questo libro tocca le questioni del disegno e, soprattutto, Leonardo considera il disegno come una seria disciplina scientifica. Era impegnato nella ricerca anatomica, stabilendo le leggi di proporzionalità del corpo umano, dedicando molto tempo alla fondatezza scientifica della teoria del disegno.

Riassumendo le attività degli artisti del Rinascimento, notiamo innanzitutto il lavoro colossale che hanno svolto nel campo della fondatezza scientifica e teorica delle regole del disegno. Il loro lavoro sulla prospettiva ha aiutato gli artisti ad affrontare il difficile problema di costruire un'immagine di una forma tridimensionale di oggetti su un piano. Molti artisti del Rinascimento, affascinati dalla prospettiva, dedicarono interamente il loro tempo a questa materia.

Questo importante lavoro è iniziato accademia delle arti, inaugurato alla fine del XVI secolo. Da quel momento in poi, il disegno iniziò ad essere insegnato in apposite istituzioni educative. È impossibile padroneggiare il disegno senza una seria conoscenza scientifica. Essendo impegnato nel disegno, lo studente impara contemporaneamente il mondo. Da qui la conclusione: le lezioni di disegno sono utili a tutti. Questa idea inizia ad occupare le menti non solo delle persone d'arte, ma anche delle figure della pubblica istruzione.

La posizione sui vantaggi del disegno come materia educativa generale è stata espressa dal grande insegnante ceco JA Komensky nella sua "Grande didattica". È vero, Comenius non osava ancora includere il disegno nel curriculum scolastico come materia obbligatoria. Ma il valore dei suoi pensieri sul disegno era che erano strettamente legati a questioni di pedagogia. Di particolare valore per noi sono le riflessioni di Comenius sulla necessità di studiare i metodi didattici.

Quasi contemporaneamente a Comenius, il valore educativo generale del disegno cominciò a essere difeso dal maestro e filosofo inglese John Locke. Tuttavia, non essendo uno specialista, J. Locke non poteva dare istruzioni metodologiche nell'insegnamento del disegno. Si è limitato a discussioni generali sui vantaggi dell'apprendimento

Il filosofo-enciclopedista francese Jacques-Jean Rousseau ha parlato in modo più dettagliato del disegno come materia educativa generale. Credeva che il disegno dovesse essere insegnato esclusivamente dalla natura e che un bambino non dovesse avere altro maestro che la natura stessa.

Molte preziose riflessioni sul metodo di insegnamento del disegno sono state espresse da Johann Wolfgang Goethe. Per padroneggiare l'arte del disegno hai bisogno di conoscenza, conoscenza e conoscenza, ha detto.

Tuttavia, nonostante affermazioni autorevoli sull'enorme ruolo del disegno come materia educativa generale, né nel XVII né nel XVIII secolo il disegno fu introdotto nei programmi scolastici. Solo all'inizio dell'Ottocento iniziò ad entrare nel circolo delle attività scolastiche. L'iniziativa in questa materia apparteneva all'insegnante svizzero Johann Heinrich Pestalozzi. Dopo Pestalozzi, il disegno si sta saldamente affermando nelle scuole di istruzione generale. Non a caso gli insegnanti d'arte lo hanno definito il padre della metodologia scolastica.

Un ruolo speciale, secondo Pestalozzi, dovrebbe spettare al disegno nella scuola elementare. Il disegno, sostiene Pestalozzi, dovrebbe precedere la scrittura, non solo perché facilita il processo di padronanza dell'iscrizione delle lettere, ma anche perché è più facile da assimilare. Pestalozzi credeva che l'apprendimento del disegno dovesse avvenire dalla natura, poiché la natura è accessibile all'osservazione, al tatto e alla misurazione.

Il merito di Pestalozzi è di essere stato il primo a coniugare la scienza dell'insegnamento scolastico con l'arte, sollevando la questione della necessità di uno sviluppo metodologico di ogni posizione del disegno. Pestalozzi credeva che per lo sviluppo dell'occhio dovesse esserci un metodo, per comprendere le forme - un altro, per la tecnologia - un terzo. Questo lavoro è stato svolto dai suoi studenti e seguaci.

Celebri le opere di Joseph Schmidt, allievo del Pestalozzi, Peter Schmid, Soldan, dei fratelli Dupuis, Galliard. Quando insegnava a disegnare, I. Schmidt riteneva necessario sviluppare esercizi speciali: 1) sviluppare la mano e prepararla al disegno; 2) creare e trovare belle forme; 3) per lo sviluppo dell'immaginazione; 4) nel disegno geometrico degli oggetti; 5) in prospettiva.

Il ruolo delle belle arti nell'educazione estetica è enorme, tuttavia, la scienza pedagogica domestica considera il problema dell'educazione estetica in modo più ampio, non lo riduce solo all'educazione mediante l'arte. I mezzi dell'educazione estetica sono sia la realtà che ci circonda sia la conoscenza scientifica del mondo, rivelando la bellezza delle leggi oggettive della natura; e lavoro, relazioni sociali delle persone, vita e molto altro.

Nel 1735, un libro di testo sul disegno di I. D. Preisler "The Fundamental Rules, or a Brief Guide to Drawing Art" fu pubblicato in non tedesco e allo stesso tempo in russo. La formazione secondo il sistema Preisler inizia con il disegno di linee rette e curve, figure geometriche e corpi tridimensionali, dopodiché lo studente passa a disegnare parti del corpo umano, poi la testa e infine l'intera figura. insegnanti, Preisler ha posto la geometria e il disegno dalla natura come base per insegnare il disegno. Tuttavia, Preisler avverte che l'uso di figure geometriche deve essere combinato con una conoscenza delle regole e delle leggi della prospettiva, oltre che dell'anatomia.

Metodi di insegnamento del disegno nella scuola sovietica.

Negli anni '20. nella scuola sovietica, il disegno divenne parte del curriculum completo.

La base dei nuovi programmi non era l'insegnamento dell'alfabetizzazione visiva, ma tentativi unilaterali di sviluppare capacità creative, fornendo ai bambini completa libertà. All'inizio degli anni '20, in molte scuole, ai bambini non veniva insegnato un disegno corretto e realistico. I trucchi formalisti non solo hanno negato il significato della metodologia, ma hanno anche distorto gli scopi e gli obiettivi dell'insegnamento del disegno in una scuola di educazione generale. Il disegno non solo non ha dato ai bambini nulla per lo sviluppo mentale, ma ha sostanzialmente interferito con la loro educazione estetica.

Negli anni '40, la scuola di disegno sovietica stava prendendo decisamente la strada dell'arte realistica. Si approvano i principi e le modalità di insegnamento del disegno. C'è bisogno di una soluzione scientifica più profonda ai problemi del disegno educativo.

Negli anni '50 e '60 apparvero numerosi lavori di ricerca scientifica che per molti versi arricchirono la teoria dei metodi di insegnamento. Questi lavori hanno aiutato i metodologi del disegno ad avvicinarsi più correttamente alla soluzione dei loro problemi.

Per snellire il lavoro metodologico nelle scuole negli anni '50, è nata l'idea di creare speciali libri di testo sul disegno. In precedenza, i libri di testo di disegno per le scuole di istruzione generale junior e secondaria non venivano pubblicati né in Russia né all'estero.

Nel 1957 furono pubblicati i primi libri di testo di prova per la prima e la seconda elementare (autore N. N. Rostovtsev), e poi una nota metodologica per loro. Nel 1961 furono pubblicati altri due libri di testo: per la terza e la quarta elementare (autore N.N. Rostovtsev). Tutti questi libri di testo erano basati sul sistema di P.P. Chistyakova, che insegna ai bambini a disegnare dalla natura fin dai primi passi dell'apprendimento. Da quel momento - dall'inizio degli anni '60 - iniziarono ad apparire sistematicamente libri di testo sperimentali sul disegno, ma non abbastanza.

Nel 1970 furono rivisti e approvati nuovi curricula, dove furono formulati gli scopi e gli obiettivi dell'insegnamento delle belle arti e fu determinato il contenuto del materiale didattico. L'ampliamento dei compiti dell'educazione estetica, la conoscenza del lavoro di grandi artisti del passato e di eccezionali artisti contemporanei ha portato al fatto che al posto della materia "disegno" è nata una nuova materia: "belle arti". cose sono state introdotte nel sistema generale delle scuole di istruzione generale: la scuola primaria è cambiata da quattro anni a tre anni; e ancora per quattro anni; sono stati introdotti speciali insegnamenti opzionali per l'approfondimento di singole materie, comprese le belle arti.

La metodologia dell'insegnamento delle belle arti negli istituti di istruzione generale si sta attualmente sviluppando molto intensamente. Molti sviluppi interessanti da autori come E.I. Kubyshkina, V.S. Kuzin, T.S. Komarova, B.M. Nemensky, E.E. Rozhkova, N.N., E.V. Shorokhov, A.S. Khvorostov, T.Ya. Per la prima volta da molti anni sono stati pubblicati libri di testo di arti visive per le scuole primarie e secondarie.

Pittura - il tipo più antico di belle arti, le cui opere vengono create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie. Tradizionalmente, la pittura da cavalletto comprende opere realizzate ad olio su tela, tavola e altri materiali simili.

Arti grafiche (dal greco grapho - scrivo, disegno, disegno) - un tipo di arte che utilizza linee, tratti, macchie e punti come mezzi visivi principali. Il colore nella grafica, a differenza della pittura, svolge un ruolo ausiliario. Tradizionalmente, la grafica da cavalletto include: acquerello, pastello, gouache, tempera, inchiostro, carboncino, matita, salsa, sanguigna, seppia, ecc. Sebbene questi confini siano molto arbitrari: acquerello, guazzo, pastello, tempera possono essere utilizzati per creare opere sia grafiche che pittoriche nel carattere e nello stile.

stampa (dal francese estampe) - un'opera d'arte grafica, che è un'incisione o altra stampa su carta da una lastra di stampa. A seconda del metodo di elaborazione della forma stampata, la stampa è suddivisa in tipologie: litografia, serigrafia, monotipo, linoleografia, xilografia, acquaforte, puntasecca, acquatinta, mezzatinta, riserva, linea tratteggiata, taglierina, lavis, incisione su cartone .

Scultura (dal lat. sculpo - scolpire, ritagliare) - un tipo di belle arti che dà un'immagine tridimensionale degli oggetti. La scultura è rotonda: monumentale, cavalletto, piccole forme e rilievo: bassorilievo - quando meno della metà del volume sporge dal piano, altorilievo - più della metà.

Batik - questo è il nome generico di una varietà di metodi e tecniche di pittura artistica su tessuto. L'arte di realizzare batik si basa sul principio della prenotazione: applicare una certa composizione al tessuto per preservare ed evidenziare i colori del motivo o dello sfondo. Esistono diversi tipi di batik: caldo, freddo, pittura libera, differiscono solo per il modo in cui il tessuto è riservato.

Arazzo (dal francese gobelin) - un tipo di arti e mestieri, un'immagine di tappeto senza pelucchi tessuta a mano con una trama o una composizione ornamentale. C'è un altro nome meno comune per un arazzo: arazzo.

smalto a caldo - una sorta di arti e mestieri, quando un motivo viene applicato su una superficie metallica appositamente trattata con vernici a smalto, che viene poi cotta, risultando in uno strato vetroso colorato.

Mosaico (dal francese mosaique letteralmente - dedicato alle muse) - uno dei tipi di arte monumentale e decorativa - un'immagine o un motivo fatto di particelle dello stesso o di un materiale diverso: pietra, smalto, vetro, piastrelle di ceramica, legno, ecc.

vetrate (dal francese vitrage - vetro) - il tipo più antico di pittura monumentale, la cui base è una composizione decorativa ornamentale o narrativa in vetro o altro materiale che trasmette luce. Esistono diversi tipi di vetro colorato a seconda della tecnica di produzione: vetro colorato classico (tecnologia Tiffany), vetro colorato, vetro colorato dipinto, vetro colorato con pellicola e vetro colorato combinato.

imbiancatura - uno dei tipi più antichi di arte monumentale e decorativa. Le opere possono essere realizzate in vari materiali e tecniche: affresco (pittura con colori a tempera su intonaco fresco), graffito (graffiando il sottile strato superiore di intonaco fino a lasciare scoperto lo strato inferiore), colori acrilici su intonaco o cartongesso, ecc.

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Per un colloquio di successo, gli studenti devono conoscere alcune questioni della teoria delle belle arti. L'arte nel senso ampio del termine si divide in:

1) arte temporanea (musica, drammaturgia);

2) arte sintetica (cinema, balletto);

3) arti plastiche (arti spaziali, visive): belle arti (grafica, pittura, scultura, architettura, design), arti e mestieri.

L'arte plastica è divisa in monumentale e da cavalletto. arte monumentale rappresentano opere che si distinguono per le loro grandi dimensioni monumentali e per l'alto significato estetico e sociale.

Nella scultura - monumenti e monumenti. Nella pittura - pittura, affreschi, mosaici e vetrate.

arte del cavalletto- arte museale, opere realizzate a macchina.

Macchina scultura. Nella pittura - su un cavalletto. Nella grafica, una macchina da stampa.

Tipi d'arte

Architettura- (lat. arhitektura, dal greco archi - capo e tektos - costruire, erigere), architettura (ze - argilla russa, erigere) - arte costruttiva.

Tre tipi di architettura:

1. Edifici volumetrici - religiosi (chiese, templi), pubblici (scuole, teatri, stadi, negozi), industriali (fabbriche, fabbriche) e altri edifici.

2. Architettura del paesaggio: gazebo, ponti, fontane e scale per piazze, viali, parchi.

3. Pianificazione urbana - la creazione di nuove città e la ricostruzione di quelle vecchie.

materiali: plastilina, argilla, cera, legno, gesso, pietra (granito, marmo, calcare, ecc.), metallo (bronzo, ghisa, ferro, acciaio inossidabile).

Su appuntamento, la scultura è:

– monumentale (monumenti, complessi commemorativi);

– cavalletto (museo: statue, ritratti, scene di genere);

- monumentale e decorativo (scultura decorativa in giardini e parchi, rilievi e statue);

- scultura di piccole forme.

Per genere, la scultura è divisa in:

Ritratto;

Genere (famiglia - riproduzione di varie scene quotidiane);

Animale (immagine di animali);

Storico (ritratti di personaggi storici e scene storiche)

Tipi di scultura:

girare, posizionati liberamente nello spazio reale:

- Testa; torace; gruppo scultoreo.

Sollievo(tradotto dal francese - sollevare) - una forma d'arte in cui le immagini tridimensionali si trovano su un piano - un tipo di scultura, progettato principalmente per la percezione frontale.

Controrilievo: un profondo rilievo utilizzato per le immagini stampate o per la visualizzazione attraverso la luce.

Un rilievo con un contorno profondo e una modellazione convessa della forma era usato nell'antico Egitto.

Bassorilievo (fr. bassorilievo - bassorilievo) - una sorta di rilievo convesso, in cui l'immagine (figura, oggetto, ornamento) sporge sopra il piano di meno della metà del suo volume.

L'altorilievo (fr. hout-relief - altorilievo) è un tipo di rilievo in cui le immagini (figure, oggetti) sporgono sopra il piano per più della metà del loro volume e le singole parti possono deviare completamente dal piano.

Pittura- uno dei principali tipi di belle arti, le cui opere (dipinti, affreschi, murales, ecc.) Riflettono la realtà, hanno un impatto sui pensieri e sui sentimenti del pubblico.

Dipingere significa “scrivere la vita”, “scrivere vividamente”, cioè trasmettere in modo completo e convincente la realtà. La pittura è l'arte del colore.

Viene chiamata un'opera d'arte realizzata con colori (olio, tempera, acquarello, gouache, ecc.) applicati su qualsiasi superficie pittura.

Tempera - vernice vegetale, macinata su tuorlo d'uovo, era usata nell'antico Egitto (ora acetato di polivinile, sintetico, olio di caseina). La tempera viene diluita con acqua e non viene lavata via dopo l'asciugatura.

I colori ad olio iniziarono ad essere usati dal Rinascimento nel XVI secolo.

Gouache - colori opachi, opachi, densi, diluiti con acqua, ogni pittura a guazzo contiene bianco, apparso nel Medioevo.

Acquerello - dipinge su colla vegetale, diluita con acqua. Sono apparsi nel XVI secolo.

Pittura da cavalletto - quadri dipinti su tela, carta, cartone, montati su cavalletto.

Pittura monumentale - dipinti di grandi dimensioni sui campi interni ed esterni degli edifici (pareti, soffitti, colonne, pilastri, sostegni, ecc.), affreschi, pannelli, dipinti, mosaici.

Va anche notato tipi di pittura come pittura decorativa, pittura di icone, miniatura, teatrale e decorativa.

Il mosaico (dal latino musiqum, letteralmente - dedicato alle muse) è uno dei tipi di arte monumentale. Le immagini e gli ornamenti nel mosaico sono costituiti da pezzi di varie pietre, vetro (smalto), ceramica, legno e altri materiali.

La grafica comprende un disegno e vari tipi di grafica stampata (incisione su legno (xilografia), su metallo (acquaforte), linocut - su linoleum, litografia su pietra).

Secondo lo scopo del programma è suddiviso nei seguenti tipi:

- cavalletto - il disegno vero e proprio;

- libro e giornale-rivista;

- applicato - biglietti di auguri, calendari colorati, buste per dischi;

- grafica industriale - etichette per imballaggi vari, design di prodotti industriali e alimentari;

- poster (tradotto dal francese - annuncio, poster) - un tipo di grafica, immagine concisa, accattivante, progettata per l'attenzione di tutti, accompagnata da testo (politico, propagandistico, educativo, pubblicitario, ambientale, sportivo, teatrale, pubblicitario cinematografico, ecc. );

- graphic design - caratteri e varie immagini iconiche.

arte decorativa(dal lat. dekoro - decorare) - uno dei tipi di arti plastiche. È suddiviso in:

monumentale e decorativo: vetrata (lat. vitrum - vetro) - un'opera d'arte decorativa in vetro colorato; dipinti, affreschi; scultura a mosaico, decorativa, paesaggistica;

DPI - il campo dell'arte decorativa: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita di tutti i giorni e si distinguono per l'uniformità decorativa. Gli oggetti non dovrebbero essere solo comodi, ma dovrebbero portare piacere estetico a una persona.

Il design (design inglese - progettare, costruire, disegnare) è il processo di creazione di nuovi oggetti, strumenti, attrezzature, formazione di un'area tematica. Il suo obiettivo è organizzare un ambiente estetico olistico per la vita umana. Area design - elettrodomestici, stoviglie, mobili, macchine utensili, veicoli, grafica industriale, abbigliamento, make-up, phytodesign, ecc.

Generi di pittura

Ritratto ( fr. immagine) - un'immagine di una persona o di un gruppo di persone. Oltre alle somiglianze esterne, gli artisti si sforzano di trasmettere in un ritratto il carattere di una persona, il suo mondo spirituale.

Distinguere intimo, cerimoniale, di gruppo, per bambini ritratti.

auto ritratto - La rappresentazione dell'artista di se stesso.

Scenario (fr. paus - località, patria) - un'immagine della natura, dei tipi di terreno, del paesaggio. Il paesaggio si suddivide in: rurale, urbano, industriale, marino, ecc.; può essere storico, eroico, fantastico, lirico, epico.

Natura morta (fr. nature morte - natura morta) - un'immagine di oggetti inanimati (verdura, frutta, fiori, articoli per la casa, utensili, cibo, gioco, attributi artistici).

Genere di battaglia (dal francese bataille - battaglia, battaglia) è dedicato ai temi della guerra, delle battaglie, delle campagne e degli episodi della vita militare.

Storico - dedicato a fenomeni ed eventi storici... Molto spesso questi due generi si trovano in un'unica opera, in formazione battaglia storica genere.

Domestico riflette la vita quotidiana delle persone, lo stile di vita sociale e nazionale, i costumi e lo stile di vita di un certo periodo storico.

animalesco (dal lat. animale - animale) è associato all'immagine degli animali nella pittura, nella grafica, nella scultura.

Mitologico O favolosamente epico dedicato a eventi ed eroi, che vengono raccontati da miti, leggende, leggende, racconti e fiabe, epopee dei popoli del mondo.

Per memorizzare in modo rapido ed efficace le definizioni di alcuni generi di pittura, si può chiedere ai bambini di memorizzarle in forma poetica:

Se vedi nella foto

Il fiume è disegnato

O abete rosso e gelo bianco,

O un giardino e le nuvole

O un nevaio

O un campo e una capanna,

È un'immagine simile

Si chiama paesaggio! Se vedi nella foto

Una tazza di tè sul tavolo

O succo in una grande caraffa,

O una rosa in cristallo

O un vaso di bronzo

O un libro o una torta

O tutti gli elementi in una volta,

Sappi che questa è una natura morta! Se vedi cosa c'è nella foto

Qualcuno ti sta guardando

O un principe in un vecchio mantello,

O uno scalatore in tunica,

Chef o ballerina

O Kolya, il tuo vicino, -

È un'immagine simile

Si chiama ritratto!

L'obiettivo principale delle belle arti è lo sviluppo spirituale e creativo dell'individuo, l'educazione di uno spettatore competente che ama l'arte. Attualmente, quando le scuole lavorano secondo programmi variabili, le lezioni di belle arti possono essere condotte secondo il programma di V.S. Cugino, quando il disegno dal vero è assunto come base dell'allenamento; se l'enfasi è sullo sviluppo emotivo degli scolari, in questo caso lavorano secondo il B.M. Nemensky; secondo il metodo di T.Ya. Shpikalova sono insegnanti che prestano maggiore attenzione allo studio dell'arte popolare. Le lezioni di belle arti sono di grande importanza per l'educazione morale ed estetica degli scolari. Elementi di cultura, conoscenza delle persone e del mondo che li circonda, del bene e del male, del brutto e del bello nella vita e nell'arte sono vividamente percepiti dai bambini. Naturalmente, per padroneggiare i segreti dell'abilità pedagogica, è necessario migliorare costantemente le capacità grafiche, pittoriche, decorative e progettuali, nonché molti anni e una pratica variegata nell'insegnamento delle belle arti a scuola.

Arte - un gruppo di tipi di creatività artistica, che riproduce la realtà visivamente percepita. AI comprende: pittura, grafica, scultura, architettura, arti e mestieri.

Pittura - uno dei principali tipi di IA; rappresentazione artistica del mondo su un piano per mezzo di materiali colorati. Questa è l'intelligenza artificiale, la creazione di immagini artistiche con i colori.

Arti grafiche - uno dei tipi di IA. A differenza della pittura, il mezzo principale per esprimere la grafica è il disegno. La grafica (dal greco - scrivo) più di altri tipi di intelligenza artificiale è più vicina alla scrittura, al disegno, al segno convenzionale, perché il suo importante mezzo visivo è il piano stesso di un foglio di carta bianco con linee, punti, tratti e punti applicati su di esso . La grafica è vicina alla pittura, ma se lì il colore è il principale mezzo di espressione artistica e agisce indissolubilmente legato alla linea, che non sempre è netta, può essere ovattata, sfumata di chiaroscuri, a volte appena intuita, allora nella grafica la linea è il principali mezzi espressivi. La grafica più che la pittura, schematizza, razionalizza e costruisce il soggetto. Il concetto di "grafica", secondo il metodo di creazione di un'immagine, è diviso in 2 tipi: "grafica stampata o di circolazione" e "grafica unica". Grafica unica - la creazione di opere in un'unica copia (disegno, monotipo, appliqué, ecc.) Grafica stampata - la creazione di forme di stampa da cui è possibile ottenere più stampe. A seconda dello scopo del programma, è suddiviso in tipi: grafica da cavalletto (disegno da cavalletto, stampa); grafica del libro (illustrazioni, vignette, splash screen, copertina, ecc.); grafica per riviste e giornali; grafica applicata (poster, ecc.); computer grafica; grafica industriale.

Scultura - ( lat. Ritaglio, intaglio) - un tipo di intelligenza artificiale, le cui opere hanno una forma tridimensionale e sono realizzate in materiali solidi o plastici.

Tipi di scultura:

1.girare(puoi passeggiare, guardare da tutte le parti), monumentale (promuove eventi pubblici significativi, progettati per la percezione di massa + parco - fontane, vasi, figure varie); cavalletto (ritratti scultorei, figure, gruppi scultorei in musei e saloni d'arte); decorativo.

2. sollievo- un oggetto raffigurato su un lato e che rappresenta un'immagine convessa sporgente sopra il piano. L'immagine in rilievo ha due varietà: bassorilievo- un'immagine convessa di singole figure umane, interi gruppi o qualsiasi oggetto in argilla, marmo, legno, ecc. Altorilievo - si tratta di un altorilievo della figura, sporgente per oltre la metà del volume. Ha a che fare con l'architettura. Insieme al rilievo convesso, ce n'è un'altra varietà: un rilievo profondo, un controrilievo. Controrilievo - rilievo in profondità, ottenuto da un'impronta meccanica di un rilievo convenzionale in un materiale morbido (argilla, cera) o durante la rimozione di uno stampo in gesso dal rilievo.

Architettura- (greco "capo costruttore") - arte costruttiva, architettura. Uno dei più antichi tipi di arte, che esprime la visione del mondo delle persone in un'epoca storica specifica in edifici religiosi e pubblici, che determina lo stile artistico. L'architettura è percepita in sintesi con ogni tipo di arte e creatività artistica, con l'attività umana in generale. I principali mezzi espressivi utilizzati in architettura sono la plasticità dei volumi, la scala, il ritmo, la proporzionalità, nonché la trama e il colore delle superfici. Le strutture architettoniche riflettono lo stile artistico dell'epoca, come le opere di qualsiasi altra forma d'arte.

Arti decorative e applicate -(lat. "Io decoro") un tipo di arte che ha il suo significato artistico speciale e le sue immagini decorative, e allo stesso tempo è direttamente correlata ai bisogni quotidiani delle persone. Classificazione: 1. secondo il materiale: metallo, ceramica, tessuti, legno. 2. Secondo la tecnica di esecuzione (intaglio, pittura, ricamo, stampa, fusione, cesellatura, intarsio, ecc.). 3. Secondo le caratteristiche funzionali dell'uso dell'articolo (mobili, giocattoli).

ISTITUTO EDUCATIVO AUTONOMO COMUNALE D/S O/V n. 13

Consultazione sul tema

"Arte. I principali tipi di arte. Generi di pittura».

Eseguita:

Selezneva NE,

insegnante del II gruppo junior

Slavyansk-on-Kuban

Il mondo dell'arte è ricco e complesso. Guardiamo tele pittoresche, guardiamo statue nei musei, ascoltiamo musica, leggiamo letteratura, ammiriamo la bellezza di vecchi edifici, guardiamo spettacoli teatrali di artisti, guardiamo film. E questi fenomeni apparentemente diversi sono chiamati in una parola: arte.

Arte (dall'antico termine slavo iskocity ) è un'opera d'arte in generale. Quando parlano di forme d'arte, intendono varie opere che possono essere combinate secondo qualche caratteristica comune. I principali tipi di arte sono: architettura, pittura, grafica, arti applicate, letteratura, musica, cinema, danza, fotografia, teatro, ecc.

I principali tipi di belle arti sono:

Pittura (lavoro svolto a colori, vernici, sull'aereo)
Grafica (lavoro svolto con linee, tratti, su un piano senza colori)
Scultura (opera realizzata in volume mediante intaglio, modellazione, fusione)
Architettura (l'arte di creare edifici, strutture, un complesso di strutture)
Arti e mestieri (l'arte di decorare)

Fino al XIX secolo si consideravano i tre tipi principali:

Architettura (architettura)
Scultura (intaglio)
Pittura (scrivere vivace)

Poi è arrivato un altro tipo di arte

Grafica (disegno)

Scultura (latino sculptura, da sculpo - ritaglio, scolpisco), scultura, plastica, un tipo di belle arti, le cui opere hanno una forma tridimensionale, tridimensionale e sono realizzate in materiali solidi o plastici.

Pittura , un tipo di belle arti, le cui opere vengono create utilizzando vernici applicate su qualsiasi superficie.

Architettura (lat. architectura, dal greco architéktôn - costruttore) (architettura), l'arte di progettare e costruire edifici e altre strutture (così come i loro complessi) che creano un ambiente materialmente organizzato.

Arti grafiche (Greco graphikë, da gráphô - io scrivo), un tipo di belle arti, che comprende il disegno e le immagini artistiche stampate (incisione, litografia, monotipo, ecc.), basate sull'arte del disegno, ma dotate di propri mezzi visivi e possibilità espressive ...

Arti e mestieri, il campo dell'arte decorativa: la creazione di prodotti artistici che hanno uno scopo pratico nella vita pubblica e privata e la lavorazione artistica di oggetti utilitaristici (utensili, mobili, tessuti, utensili, veicoli, abbigliamento, gioielli, giocattoli, ecc.) .

Generi artistici.

Genere - un tipo di lavoro artistico, caratterizzato da determinati temi.

I generi di belle arti includono:

Il paesaggio è un'immagine della natura. Accade:

Nautico
Rustico
Architettonico
Urbano
Dalle stagioni

Natura morta - l'immagine degli oggetti: fiori, selvaggina, utensili(diapositiva)
Ritratto: l'immagine di una persona(diapositiva)
Animale: l'immagine degli animali(diapositiva)
Famiglia: un'immagine della vita delle persone(diapositiva)
Battaglia: l'immagine delle ostilità(diapositiva)
Fairy-epic: l'immagine degli eroi delle fiabe(diapositiva)
Storico - rappresentazione di eventi storici(diapositiva)

I generi sono storicamente transitori. Quindi, ad esempio, nell'antica pittura russa, che era interamente rivolta alla mitologia cristiana, c'erano generi propri: immagini, vite di santi, festività e alcuni altri. A partire dalla cultura secolare del Rinascimento, nella pittura europea si sono formati dei generi, dove lo sguardo dell'artista è rivolto alla realtà: genere storico, ritratto, genere quotidiano, paesaggio, natura morta.
Foto tematica- concetto molto ampio. Questa categoria comprende gli eventi del passato ei fenomeni più attuali della nostra vita, la scena quotidiana e una visione filosofica generalizzata delle persone e della natura. A volte questi elementi sono combinati in modo stravagante in un'unica immagine.
La gamma di compiti che l'artista si pone in un quadro tematico è varia. Può cercare di mostrare la vita così com'è, rivelando le radici sociali dei tipici fenomeni sociali. Può incarnare le idee e gli ideali sociali fondamentali nella foto. Il suo sguardo può essere rivolto al passato e scoprire in esso i tratti del presente; nel moderno per cercare di prevedere i germogli del futuro.
Ritratto possono anche essere molto diversi nei loro compiti. In alcuni casi, quando un ritratto ha lo scopo di perpetuare l'aspetto di persone di spicco, le sue qualità distintive sono l'accuratezza del trasferimento dell'aspetto e della moderazione esterna, la rappresentatività. In altri, l'attenzione dell'artista è rivolta ai tratti caratteriali stabili del modello, alla correlazione nel carattere delle qualità individuali e tipiche per molte persone: queste opere sono chiamate ritratti sociali o psicologici.
Scenario - un genere che è stato a lungo considerato minore. I principali problemi paesaggistici sono: come trasmettere luce solare, ombre, riflessi su fogliame e corpi, rifrazione della luce in un flusso veloce di un ruscello, come posizionare naturalmente le figure delle persone nella natura.
Occorre fare una distinzione tra uno studio di paesaggio e un dipinto di paesaggio. Uno studio, che è scritto direttamente dalla natura, di solito rapidamente, in una o più sessioni, non pretende di creare un'immagine completa della natura. Il fascino dello schizzo sta nella rapidità, nell'accuratezza delle singole osservazioni superficiali, nel trasferimento veritiero dello stato momentaneo del paesaggio, nell'emotività del dipinto.
Un dipinto di paesaggio è più spesso creato in un laboratorio, così come opere di altri generi. Questo è un lavoro finito, eseguito con cura e attenzione (l'attenzione non deve essere confusa con i dettagli del disegno), che esprime idee generali sulla natura.
Dovrebbe essere considerato come un genere separatoporto turistico, paesaggio marino. Ha una serie di caratteristiche associate all'immagine del mare.
Un genere speciale di pittura, chiamato natura morta (natura morta), è costituito da dipinti raffiguranti oggetti che ci circondano.
Natura morta a volte indicato come un laboratorio creativo. In questo "laboratorio", gli artisti possono concentrarsi sulla rappresentazione degli oggetti attraverso la forma d'arte stessa, non complicata dalla trama e da altri compiti. In alcuni casi, l'artista si occupa principalmente del trasferimento del materiale, della trama degli oggetti, in altri della plasticità delle forme.
La funzione principale dei generi- organizzazione dei contenuti. Quindi, considerando il quadro tematico, non cerchiamo di comprendere la natura di ciascuno dei personaggi in sé, prima di tutto l'attenzione è rivolta all'interazione dei personaggi; in un ritratto, al contrario, non è l'interazione ad essere essenziale, ma il personaggio stesso.
Il genere con il suo stile storicamente consolidato, alcuni compiti tematici indirizzano la percezione nella giusta direzione. Per noi è importante che l'appartenenza al genere spieghi in gran parte le specificità dei compiti pittorici veri e propri, l'originalità della forma pittorica dell'opera.