Una delle città più belle del mondo è Venezia.
Il periodo di massimo splendore di Venezia iniziò con il Rinascimento. Durante questo periodo Venezia era un'importante città commerciale, "la repubblica dei re mercantili". Venezia no guerre civili, eccelleva nel commercio, il culto religioso qui non era così rigido come in altre città. Vita pubblica sviluppato molto intensamente: cerimonie solenni, festeggiamenti, abiti brillanti. Anche Venezia aveva una propria scuola pittorica, in cui dominavano il principio decorativo, l'eleganza, la ricchezza di colori e l'abbondanza di effetti pittorici. Venezia ha dato al mondo molti pittori famosi, tra cui Bernardo Belotto (soprannominato Canaletto), Antonio Canaletto, Francesco Guardi - i più grandi maestri del paesaggio, "ritratti di Venezia", ​​inni dei suoi antichi palazzi, chiese, canali...
Ecco come appariva Venezia nei secoli XVII e XVIII dello scorso millennio.

Anche questa bellissima città non è stata risparmiata dagli artisti russi. Tra loro c'è Alberto Aleksandrovich Benois, Ivan Constantinovich Aivazovski.
Albert Alexandrovich Benois, dopo essersi diplomato alla Scuola Speciale di Architettura, ha viaggiato in Costa Azzurra, Corsica, Italia. Durante il suo viaggio, dipinse gli acquerelli più abili, ma soprattutto Albert Benois fu tentato dall'Italia e, prima di tutto, da Venezia, questo miracolo umano unico.
Anche Ivan Konstantinovich Aivazovsky ha visitato l'Italia. E come molti maestri, fu attratto da Venezia. Molti pittori hanno raffigurato il mare nei loro dipinti, ma solo lui ha dedicato tutto il suo talento alla pittura di paesaggi marini.
Venezia nelle opere degli artisti russi.

Parlando di Venezia, è impossibile non notare con quale amore gli stessi veneziani trattano la loro città. Con quale orgoglio sopportano i doveri di ospiti ospitali di questa bellissima città. Antiche strade e canali, archi e ponti, tutto questo, seppur segnato dal segno del tempo, attira ancora a Venezia artisti e turisti da tutti i paesi.
Parliamo di alcuni di loro, ma anche degli stessi veneziani, innamorati di questa città unica.

Ruben Bore. Nato nel 1949 a Tashkent. CON prima infanzia iniziò a mostrare interesse per l'arte, dall'età di 4 anni iniziò a disegnare. Nel 1965, Ruben si diplomò alla Tashkent Art School, dopo di che entrò all'Accademia delle arti. Repin e si laureò nel 1976.

L'artista ha viaggiato molto in tutta Europa, ampliando le sue conoscenze e acquisendo l'esperienza necessaria. Nel 1987, Ruben Boret è stato invitato a Milano come designer e restauratore di capolavori antichi e nel 1996 è stato invitato a "The Museo Metropolitano dell'Arte" di New York.
Ha esposto molto. Le sue opere luminose e poetiche, piene di luce solare, ottimismo e colore, sono state esposte a Tokyo e Parigi, Roma e Filadelfia, Israele.
Nel 1998 Ruben Boret ha aperto una galleria d'arte a Roma, dove tuttora lavora con il figlio Alberto, e nel 1999 un'altra galleria a New York, gestita dal figlio Eduard.
Attualmente l'artista vive a Parigi, dove continua a creare i suoi magnifici dipinti.

Un altro artista che raffigura Venezia nei suoi dipinti è Todd Williams. Todd Williams ha studiato pittura e illustrazione al Kansas City Art Institute.
Una caratteristica distintiva delle sue opere è la spontaneità delle pennellate e il virtuosismo creativo: c'è molta aria nei dipinti dell'artista. Sembra saturare la superficie della tela di atmosfera e luce, portando lo spettatore nelle profondità dell'immagine.

Il lavoro di Todd Williams è esposto in molti musei e gallerie come: Gilcrease Museum, Great Plains Art Museum, Montgomery Museum Of Fine Arts, The Maynard Dixon Museum, Cincinnati's Great American Artists Exhibition e Oil Painters of America National and Regional Exhibitions. .

Nato a Napoli il 13 agosto 1961. maestri dalla straordinaria espressività tecnica pittorica, caratterizzano il suo lavoro in modo molto più brillante, più dinamico di qualsiasi storico e critico d'arte. All'età di 34 anni, l'artista ha raggiunto ampia fama e popolarità, grazie alla sua straordinaria visione e all'indubbio talento di pittore.
Indipendentemente dal tema compositivo scelto dall'autore: dame o gentiluomini neoclassici in soggiorno, nudo femminile, paesaggio o nature morte di fiori il suo colpo è abile, abile, costruttivo.
Uno speciale senso di luce e tavolozza di colori riflette la realtà scelta dal maestro, questa sensazione permea sottilmente la composizione nel suo insieme.
Fiore è competente anche nel disegno, essenziale per un contorno ben congegnato e dettagliato del motivo raffigurato sulla tela. Emozionato dalla “concretezza” delle cose, il maestro unisce abilmente nel dipinto il dettaglio realistico del soggetto con il virtuosismo del pennello, questo talento determina la luminosità caratteristica distintiva il suo stile pittorico "personale".

I dipinti dell'artista sono diversi nel tema, ma indipendentemente dalla trama scelta, il passato e il presente rivivono nelle sue opere con la stessa potenza di percezione, assorbendo l'esperienza e la sensualità di questo pittore, allievo e seguace dei grandi maestri del passato.
Raffaele Fiore è un pittore, ritrattista e paesaggista dotato ed aggraziato, che ha imparato le lezioni delle vecchie scuole, diventando un artista "iperrealista" in senso moderno. Le sue opere sono conosciute e apprezzate sia nella sua nativa Italia che ben oltre i suoi confini.
Fiore è uno dei rari artisti di successo con un talento naturale per la visione interiore, che penetra profondamente nell'essenza e nella natura del mondo che ci circonda, che si manifesta in ogni opera del maestro.
Ogni anno le collezioni Raffaele Fiore vengono esposte nei luoghi più famosi e significativi mostre internazionali belle arti contemporanee.
Sarebbe possibile continuare l'esposizione dei dipinti degli artisti che hanno dipinto Venezia. Le loro creazioni sono pittoresche e liriche, come l'antica città stessa. Ma, forse, gli utenti stessi proveranno a cercare immagini di Venezia su Internet e ci presenteranno le opere che gli piacciono di più.

L'arte di Venezia rappresenta una versione speciale dello sviluppo dei principi stessi della cultura artistica del Rinascimento e in relazione a tutti gli altri centri dell'arte rinascimentale in Italia.

Cronologicamente, l'arte del Rinascimento prese forma a Venezia un po' più tardi che nella maggior parte degli altri paesi. centri maggiori L'Italia di quell'epoca. Si formò, in particolare, più tardi che a Firenze e in generale in Toscana. La formazione dei principi della cultura artistica del Rinascimento nelle belle arti di Venezia iniziò solo nel XV secolo. Ciò non fu affatto determinato dall'arretratezza economica di Venezia. Al contrario, Venezia, insieme a Firenze, Pisa, Genova, Milano, era a quel tempo uno dei centri economicamente più sviluppati d'Italia. Di questo ritardo è responsabile proprio la precoce trasformazione di Venezia in una grande potenza commerciale e, per di più, prevalentemente commerciale, piuttosto che produttiva, iniziata nel XII secolo e accelerata soprattutto durante le crociate.

La cultura di Venezia, questa finestra d'Italia e Europa centrale, "tagliato" nei paesi orientali, era strettamente associato alla magnifica grandezza e al lusso solenne dell'imperiale Cultura bizantina, e in parte dalla raffinata cultura decorativa del mondo arabo. Una ricca repubblica commerciale già nel XII secolo, cioè nell'epoca delle dominazioni Stile romanico in Europa, creando un'arte che afferma la sua ricchezza e potenza, si è ampiamente rivolto all'esperienza di Bisanzio, cioè la potenza medievale cristiana più ricca e sviluppata dell'epoca. In sostanza, la cultura artistica di Venezia già nel XIV secolo era una sorta di intreccio di forme magnifiche e festose dell'arte monumentale bizantina, ravvivata dall'influenza degli ornamenti colorati dell'Oriente e da un ripensamento particolarmente elegante degli elementi decorativi di arte gotica matura.

Un esempio caratteristico del temporaneo ritardo della cultura veneziana nel suo passaggio al Rinascimento rispetto ad altre zone d'Italia è l'architettura del Palazzo Ducale (XIV secolo). Nella pittura, una vitalità estremamente caratteristica tradizioni medievali si riflette chiaramente nell'opera tardogotica dei maestri della fine del XIV secolo, come Lorenzo e Stefano Veneziano. Si fanno sentire anche nell'opera di tali artisti del XV secolo, la cui arte aveva già un carattere completamente rinascimentale. Tali sono le "Madonne" di Bartolomeo, Alvise Vivarini, tale è l'opera di Carlo Crivelli, il maestro sottile ed elegante del primo Rinascimento. Nella sua arte si avvertono reminiscenze medievali molto più forti di quelle degli artisti toscani e umbri suoi contemporanei. È caratteristico che le tendenze protorinascimentali vere e proprie, simili all'arte di Cavalini e Giotto, che operarono anche nella Repubblica di Venezia (uno dei suoi cicli migliori fu realizzato per Padova), si fecero sentire debolmente e sporadicamente.

Solo approssimativamente dalla metà del XV secolo possiamo dire che l'inevitabile e naturale processo di transizione dell'arte veneziana verso posizioni secolari, caratteristico dell'intera cultura artistica del Rinascimento, comincia finalmente a realizzarsi pienamente. La particolarità del Quattrocento veneziano si rifletteva principalmente nel desiderio di una maggiore festività del colore, in una peculiare combinazione di sottile realismo con decoratività nella composizione, in un maggiore interesse per lo sfondo paesaggistico, per l'ambiente paesaggistico che circonda una persona; inoltre, è caratteristico che l'interesse per il paesaggio urbano, forse, fosse ancora più sviluppato dell'interesse per il paesaggio naturale. Fu nella seconda metà del Quattrocento che si verificò a Venezia la formazione della scuola rinascimentale, fenomeno significativo e originale che ebbe posto importante nell'arte del Rinascimento italiano. Fu in questo periodo che, insieme all'arte dell'arcaizzante Crivelli, prese forma l'opera di Antonello da Messina, teso a una percezione più olistica e generalizzata del mondo, una percezione poetico-decorativa e monumentale. Non molto tempo dopo appare una linea più narrativa nello sviluppo dell'arte di Gentile Bellini e Carpaccio.

Questo è naturale. Venezia verso la metà del XV secolo raggiunge il massimo grado del suo periodo di massimo splendore commerciale e politico. I possedimenti coloniali nella stazione commerciale della "Regina dell'Adriatico" coprivano non solo l'intera costa orientale del Mare Adriatico, ma si estendevano ampiamente anche in tutto il Mediterraneo orientale. A Cipro, a Rodi, a Creta sventola il vessillo del Leone di San Marco. Molte delle nobili famiglie patrizie che compongono l'élite dirigente dell'oligarchia veneziana agiscono come governanti d'oltremare grandi città o intere regioni. La flotta veneziana controlla saldamente quasi l'intero commercio di transito tra l'Europa orientale e occidentale.

È vero, la sconfitta dell'Impero bizantino da parte dei turchi, conclusasi con la cattura di Costantinopoli, scosse le posizioni commerciali di Venezia. Ma non si può assolutamente parlare del declino di Venezia nella seconda metà del XV secolo. Il tracollo generale del commercio orientale veneziano avvenne molto più tardi. I mercanti veneziani investirono per quel tempo ingenti fondi, in parte liberati dal commercio, nello sviluppo dell'artigianato e delle manifatture a Venezia, in parte nello sviluppo dell'agricoltura razionale nei loro possedimenti situati sulla penisola adiacente alla laguna (la cosiddetta terra farm ).

Inoltre, la repubblica ricca e ancora piena di vitalità nel 1509-1516, combinando la forza delle armi con una diplomazia flessibile, difese la sua indipendenza in una difficile lotta con una coalizione ostile di un certo numero di potenze europee. L'impennata generale causata dall'esito di questa difficile lotta, che temporaneamente radunò tutti i settori della società veneziana, provocò la crescita di tratti di ottimismo eroico e di festa monumentale che sono così caratteristici dell'arte dell'Alto Rinascimento a Venezia, a cominciare da Tiziano . Il fatto che Venezia mantenne la sua indipendenza e, in larga misura, la sua ricchezza, determinò la durata del periodo di massimo splendore dell'arte dell'Alto Rinascimento nella Repubblica Veneziana. La svolta verso il tardo Rinascimento si delinea a Venezia un po' più tardi che a Roma e Firenze, precisamente verso la metà degli anni Quaranta del XVI secolo.

arte

Il periodo di maturazione dei presupposti per il passaggio al pieno Rinascimento coincide, come nel resto d'Italia, con la fine del XV secolo. Fu in questi anni che, parallelamente all'arte narrativa di Gentile Bellini e Carpaccio, prese forma l'opera di alcuni maestri di una nuova direzione artistica, per così dire: Giovanni Bellini e Cima da Conegliano. Sebbene col tempo lavorino quasi contemporaneamente a Gentile Bellini e Carpaccio, rappresentano la fase successiva nella logica dello sviluppo dell'arte del Rinascimento veneziano. Questi erano i pittori, nella cui arte era più chiaramente delineata la transizione verso una nuova fase nello sviluppo della cultura rinascimentale. Ciò è stato particolarmente chiaramente rivelato nell'opera del maturo Giovanni Bellini, almeno in misura maggiore che anche nei dipinti del suo più giovane contemporaneo Cima da Conegliano o di suo fratello minore, Gentile Bellini.

Giovanni Bellini (nato apparentemente dopo il 1425 e prima del 1429; morto nel 1516) non solo sviluppa e migliora le conquiste accumulate dai suoi immediati predecessori, ma eleva anche l'arte veneziana e, più in generale, la cultura rinascimentale nel suo insieme a un livello superiore. L'artista ha uno straordinario senso del significato monumentale della forma, del suo contenuto figurativo-emotivo interiore. Nei suoi dipinti nasce la connessione tra l'atmosfera creata dal paesaggio e lo stato d'animo degli eroi della composizione, che è uno dei risultati notevoli della pittura moderna in generale. Allo stesso tempo, nell'arte di Giovanni Bellini - e questa è la cosa più importante - il significato del mondo morale della persona umana si rivela con forza straordinaria.

Nella fase iniziale del suo lavoro, i personaggi della composizione sono ancora molto statici, il disegno è piuttosto duro, le combinazioni di colori sono quasi nette. Ma la sensazione del significato interiore dello stato spirituale di una persona, la rivelazione della bellezza delle sue esperienze interiori, raggiungono già durante questo periodo un'enorme forza impressionante. Nel complesso, gradualmente, senza salti bruschi esterni, Giovanni Bellini, sviluppando organicamente le basi umanistiche del suo lavoro, si libera dai momenti dell'arte narrativa dei suoi immediati predecessori e contemporanei. La trama nelle sue composizioni riceve relativamente raramente una descrizione dettagliata sviluppo drammatico, ma soprattutto attraverso il suono emotivo del colore, attraverso l'espressività ritmica del disegno e la chiara semplicità delle composizioni, il significato monumentale della forma e, infine, attraverso la mimica sobria, ma piena di forza interiore, il si rivela la grandezza del mondo spirituale dell’uomo.

L'interesse di Bellini per il problema dell'illuminazione, per il problema della connessione delle figure umane con l'ambiente circostante ambiente naturale determinò anche il suo interesse per le realizzazioni dei maestri del Rinascimento olandese (caratteristica generalmente caratteristica di molti artisti del nord dell'arte italiana della seconda metà del XV secolo). Tuttavia, la chiara plasticità della forma, il desiderio di significato monumentale dell'immagine di una persona con tutta la naturale vitalità della sua interpretazione - ad esempio "Preghiera per la Coppa" - determinano la differenza decisiva tra Bellini come maestro Rinascimento italiano con il suo eroico umanesimo degli artisti del Rinascimento settentrionale, anche se proprio primo periodo della sua opera, l'artista si rivolse all'area nordica, più precisamente ai Paesi Bassi, alla ricerca di una caratterizzazione psicologica e narrativa dell'immagine talvolta enfaticamente tagliente ("Pieta" da Bergamo, 1450 circa). Peculiarità modo creativo Il veneziano nel confronto sia con Mantegna che con i maestri del Nord appare molto chiaramente nella sua "Madonna con iscrizione greca" (anni Settanta del Quattrocento, Milano, Brera). Questa immagine di Maria tristemente pensosa, che ricorda vagamente un'icona, che abbraccia dolcemente un bambino triste, parla anche di un'altra tradizione da cui il maestro respinge, la tradizione bizantina e, più in generale, dell'intera Europa pittura medievale Tuttavia, qui viene decisamente superata la spiritualità astratta dei ritmi lineari e degli accordi cromatici dell'icona: sobriamente rigorosi nella loro espressività, i rapporti cromatici sono vitalmente specifici. I colori sono veri, la modellatura solida della forma modellata tridimensionale è molto reale. La tristezza sottilmente chiara dei ritmi della silhouette è inseparabile dalla sobria espressività vitale del movimento delle figure stesse, dall'espressione umana vivente, e non astratta spiritualistica, del volto triste, triste e premuroso di Maria, dalla triste tenerezza di gli occhi spalancati del bambino. Un sentimento poeticamente ispirato, profondamente umano e non misticamente trasformato si esprime in questa composizione semplice e dall'aspetto modesto.

Durante gli anni Ottanta del Quattrocento Giovanni Bellini fece un passo avanti decisivo nella sua opera e divenne uno dei fondatori dell'arte dell'Alto Rinascimento. L'originalità dell'arte del maturo Giovanni Bellini emerge chiaramente se si confronta la sua "Trasfigurazione" (1480) con la sua prima "Trasfigurazione" (Venezia, Museo Correr). Nella "Trasfigurazione" del Museo Correr, le figure rigidamente tracciate di Cristo e dei profeti si trovano su una piccola roccia, che ricorda sia un grande piedistallo del monumento che un'iconica "orata". Le figure, alquanto spigolose nei movimenti, in cui l'unità della vita caratteristica e l'euforia poetica del gesto non sono ancora state raggiunte, si distinguono per la stereoscopicità. I colori chiari e freddi, quasi appariscenti delle figure modellate volumetricamente sono circondati da un'atmosfera fredda e trasparente. Le figure stesse, nonostante l'uso audace delle ombre colorate, si distinguono ancora per un'uniformità di illuminazione e un certo carattere statico.

La fase successiva all'arte di Giovanni Bellini e Cima da Conegliano fu l'opera di Giorgione, il primo maestro della scuola veneziana, che apparteneva interamente all'Alto Rinascimento. Giorgio Barbarelli del Castelfranco (1477/78 - 1510), soprannominato Giorgione, fu un giovane contemporaneo e allievo di Giovanni Bellini. Giorgione, come Leonardo da Vinci, rivela la raffinata armonia di una persona spiritualmente ricca e fisicamente perfetta. Proprio come Leonardo, l'opera di Giorgione si distingue per un profondo intellettualismo e, sembrerebbe, una razionalità cristallina. Ma, a differenza di Leonardo, il profondo lirismo della cui arte è molto nascosto e, per così dire, subordinato al pathos dell'intellettualismo razionale, in Giorgione il principio lirico, nel suo chiaro accordo con il principio razionale, si fa sentire più direttamente e con maggiore forza.

Nel dipinto di Giorgione, la natura, l'ambiente naturale cominciano a giocare di più ruolo importante che nelle opere di Bellini e Leonardo.

Se ancora non possiamo dire che Giorgione raffigura un unico ambiente aereo che collega le figure e gli oggetti del paesaggio in un unico insieme en plein air, allora abbiamo comunque il diritto di affermare che l'atmosfera emotiva figurativa in cui sia il personaggi e natura vivono in Giorgione è l'atmosfera è già otticamente comune sia per lo sfondo che per i personaggi in foto. Un esempio peculiare dell'introduzione di figure nell'ambiente naturale e della fusione dell'esperienza di Bellini e Leonardo in qualcosa di organicamente nuovo - "Giorgionev", è il suo disegno "Santa Elisabetta con il bambino Giovanni", in cui uno speciale, un po' L'atmosfera cristallina e fresca è trasmessa in modo molto sottile attraverso la grafica, così inerente alle creazioni di Giorgione.

Poche opere sia dello stesso Giorgione che della sua cerchia sono sopravvissute fino ai nostri giorni. Numerose attribuzioni sono controverse. Va tuttavia notato che la prima mostra completa delle opere di Giorgione e dei Giorgionesco, tenutasi a Venezia nel 1958, ha permesso non solo di fare alcuni chiarimenti nell'ambito delle opere del maestro, ma anche di attribuire a Giorgione una serie di opere precedentemente controverse hanno contribuito a presentare in modo più completo e chiaro il carattere della sua creatività in generale.

Tra le opere relativamente giovanili di Giorgione, completate prima del 1505, figurano l'Adorazione dei pastori al Washington Museum e l'Adorazione dei Magi alla National Gallery di Londra. Ne "L'Adorazione dei Magi" (Londra), nonostante la nota frammentazione del disegno e l'insormontabile rigidità del colore, si avverte già l'interesse del maestro nel trasmettere il mondo spirituale interiore dei personaggi. Il periodo iniziale di creatività Giorgione completa la sua meravigliosa composizione "Madonna di Castelfranco" (1504 circa, Castelfranco, Cattedrale).

Dal 1505 inizia il periodo maturità creativa artista, presto interrotto dalla sua mortale malattia. Durante questi brevi cinque anni furono creati i suoi principali capolavori: "Giuditta", "Temporale", "Venere dormiente", "Concerto" e la maggior parte dei pochi ritratti. È in queste opere che si rivela la padronanza delle particolari capacità espressive coloristiche e figurativamente inerenti ai grandi pittori della scuola veneziana. pittura ad olio. Devo dire che i veneziani, che non sono i primi ideatori e distributori tecnologia petrolifera, infatti, furono tra i primi a rivelare le possibilità e le caratteristiche specifiche della pittura a olio.

Va notato che i tratti caratteristici della scuola veneziana erano proprio lo sviluppo predominante della pittura ad olio e lo sviluppo molto più debole della pittura ad affresco. Durante il passaggio dal sistema medievale al sistema realistico rinascimentale della pittura monumentale, i veneziani, naturalmente, come la maggior parte dei popoli che passarono dal Medioevo alla fase rinascimentale nello sviluppo della cultura artistica, abbandonarono quasi completamente i mosaici. La sua cromaticità altamente brillante e decorativa non poteva più rispondere pienamente alle nuove sfide artistiche. Naturalmente la tecnica del mosaico ha continuato ad essere utilizzata, ma il suo ruolo sta diventando sempre meno evidente. Utilizzando la tecnica del mosaico era ancora possibile nel Rinascimento ottenere risultati che soddisfacessero relativamente le esigenze estetiche dell'epoca. Ma proprio le proprietà specifiche dello smaltino del mosaico, la sua luminosità sonora unica, il luccichio surreale e, allo stesso tempo, una maggiore decoratività dell'effetto complessivo non potevano essere ottenute nelle condizioni del nuovo ideale artistico la sua piena applicazione. È vero, la maggiore luminosità della pittura a mosaico iridescente e scintillante, sebbene trasformata, indirettamente, ma ha influenzato la pittura rinascimentale di Venezia, che ha sempre gravitato verso la chiarezza sonora e la radiosa ricchezza di colori. Ma lo stesso sistema stilistico a cui era associato il mosaico, e di conseguenza la sua tecnica, dovettero, salvo poche eccezioni, uscire dall'ambito della grande pittura monumentale. La stessa tecnica del mosaico, oggi sempre più utilizzata per scopi più privati ​​e ristretti, più di carattere decorativo e applicativo, non fu del tutto dimenticata dai veneziani. Inoltre, i laboratori di mosaico veneziano sono stati uno di quei centri che hanno portato ai nostri giorni le tradizioni della tecnologia del mosaico, in particolare dello smaltino.

Anche la pittura su vetro colorato conservò una certa importanza per la sua “luminosità”, anche se bisogna ammettere che non ebbe mai lo stesso significato né a Venezia né in tutta Italia come nella cultura gotica francese e tedesca. Un'idea di ripensamento plastico rinascimentale dello splendore visionario della pittura vetraria medievale è data dal "San Giorgio" (XVI secolo) di Mochetto nella chiesa di San Giovanni e Paolo.

In generale, nell'arte del Rinascimento, lo sviluppo della pittura monumentale procedette o nelle forme dell'affresco, oppure sulla base dello sviluppo parziale della tempera, e principalmente sull'uso monumentale e decorativo della pittura ad olio (pannelli murali). .

L'affresco è una tecnica con la quale furono creati capolavori come il ciclo di Masaccio, le stanze di Raffaello e i murali nel Primo e Alto Rinascimento cappella Sistina Michelangelo. Ma nel clima veneziano scoprì molto presto la sua instabilità e nel XVI secolo non ebbe grande diffusione. Così, gli affreschi del Complesso tedesco "Fondaco dei Tedeschi" (1508), eseguiti da Giorgione con la partecipazione del giovane Tiziano, furono quasi completamente distrutti. Sono sopravvissuti solo pochi frammenti semiscoloriti, rovinati dall'umidità, tra cui la figura di donna nuda, piena di fascino quasi prassitelesco, realizzata da Giorgione. Pertanto, il posto della pittura murale, nel senso proprio del termine, è stato preso da un pannello murale su tela, progettato per una stanza specifica ed eseguito utilizzando la tecnica della pittura ad olio.

La pittura ad olio ebbe però a Venezia uno sviluppo particolarmente ampio e ricco, non solo perché sembrava la soluzione più conveniente sostituire l'affresco con un'altra tecnica pittorica adatta al clima umido, ma anche perché il desiderio di trasmettere l'immagine di una persona in stretta connessione con l'ambiente naturale che lo circonda, interesse per l'incarnazione realistica della ricchezza tonale e coloristica del mondo visibile potrebbe essere rivelato con particolare completezza e flessibilità proprio nella tecnica della pittura ad olio. A questo proposito, la pittura a tempera su tavola in composizioni da cavalletto, gradevole per la sua grande forza cromatica e la sonorità chiaramente brillante, ma di natura più decorativa, dovrebbe naturalmente lasciare il posto all'olio, e questo processo di sostituzione della tempera con la pittura ad olio è stato eseguito in modo particolarmente coerente a Venezia. Non va dimenticato che per i pittori veneziani una proprietà particolarmente preziosa della pittura a olio era la sua capacità di essere più flessibile della tempera, e persino dell'affresco, nel trasmettere i colori chiari e le sfumature spaziali dell'ambiente umano, la capacità di riprodurre delicatamente e sonoramente scolpire la forma del corpo umano. Per Giorgione, che ha lavorato relativamente poco nel campo delle grandi composizioni monumentali (i suoi dipinti erano, in sostanza, o di natura da cavalletto, oppure erano monumentali nel loro suono generale, ma non collegati alla struttura della composizione architettonica circostante dell'interno ), queste possibilità inerenti alla pittura a olio erano particolarmente preziose. È caratteristico che anche la morbida modellatura della forma con chiaroscuro sia inerente ai suoi disegni.

un sentimento della misteriosa complessità del mondo spirituale interiore di una persona, nascosto dietro l'apparente bellezza trasparente e trasparente del suo nobile aspetto esteriore, trova espressione nella famosa "Giuditta" (prima del 1504, Leningrado, Ermitage). "Giuditta" è formalmente una composizione su un tema biblico. Inoltre, a differenza dei dipinti di molti quattrocentisti, si tratta di una composizione su un tema e non di un'illustrazione di un testo biblico. Il maestro non raffigura quindi alcun momento culminante dal punto di vista dello svolgimento dell'evento, come erano soliti fare i maestri del Quattrocento (Giuditta colpisce Oloferne con la spada o ne trasporta la testa mozzata insieme all'ancella).

Sullo sfondo di un tranquillo paesaggio pre-tramonto, sotto il baldacchino di una quercia, appoggiandosi pensierosamente alla balaustra, si trova la snella Giuditta. La morbida tenerezza della sua figura, al contrario, è messa in risalto dal massiccio tronco di un possente albero. Gli abiti di un tenue colore scarlatto sono permeati da un ritmo di pieghe inquieto e spezzato, come se fosse un'eco lontana di un turbine passeggero. Tiene in mano una grande spada a doppio taglio appoggiata a terra con la punta, il cui freddo splendore e la cui rettilineità sottolineano per contrasto la flessibilità della gamba seminuda che calpesta la testa di Oloferne. Un impercettibile mezzo sorriso scivola sul viso di Judith. Questa composizione, sembrerebbe, trasmette tutto il fascino dell'immagine di una giovane donna, freddamente bella, alla quale fa eco, come una sorta di accompagnamento musicale, morbida chiarezza della natura pacifica circostante. Allo stesso tempo, il freddo filo tagliente della spada, l'inaspettata crudeltà del motivo - il tenero piede nudo che calpesta la testa morta di Oloferne - portano una sensazione di vaga ansia e ansia in questo quadro apparentemente armonioso, quasi idilliaco nell'atmosfera.

Nel complesso, ovviamente, la purezza limpida e calma dell'atmosfera sognante rimane il motivo dominante. Tuttavia, il confronto tra la beatitudine dell'immagine e la misteriosa crudeltà del motivo della spada e della testa calpestata, la complessità quasi rebus di questo duplice stato d'animo, può gettare lo spettatore moderno in una certa confusione.

Ma i contemporanei di Giorgione, a quanto pare, furono meno colpiti dalla crudeltà del contrasto (l'umanesimo rinascimentale non fu mai eccessivamente sensibile), piuttosto che attratti da quella sottile trasmissione di echi di lontane tempeste e drammatici conflitti, contro cui si staglia l'acquisizione di raffinata armonia, il stato di serenità della bellezza sognante anima umana.

Nella letteratura, a volte c'è un tentativo di ridurre il significato dell'arte di Giorgione all'espressione degli ideali solo di una piccola élite patrizia umanisticamente illuminata della Venezia dell'epoca. Ciò però non è del tutto vero, o meglio, non solo. Il contenuto oggettivo dell'arte di Giorgione è incommensurabilmente più ampio e universale del mondo spirituale di quello ristretto strato sociale con cui la sua opera è direttamente connessa. Il sentimento della raffinata nobiltà dell'animo umano, il desiderio della perfezione ideale della bella immagine di una persona che vive in armonia con ambiente, con il mondo esterno, ha avuto un grande significato progressivo generale per lo sviluppo della cultura.

Come accennato, l'interesse per la nitidezza del ritratto non è caratteristico del lavoro di Giorgione. Ciò non significa affatto che i suoi personaggi, come le immagini dell'arte classica antica, siano privi di qualsiasi concreta originalità individuale. I suoi magi nella prima "Adorazione dei Magi" e i filosofi in "Tre filosofi" (1508 circa, Vienna, Kunsthistorisches Museum) differiscono tra loro non solo per età, ma anche per aspetto, carattere. Tuttavia, loro, e in particolare i "Tre Filosofi", con tutte le differenze individuali nelle immagini, sono percepiti da noi principalmente non tanto come individui unici, vividamente caratterizzati, o ancor più come un'immagine di tre età (un giovane , un marito maturo e un uomo anziano), ma come incarnazione di vari aspetti, diverse sfaccettature dello spirito umano. Non è casuale e in parte giustificato il desiderio di vedere in tre scienziati l'incarnazione di tre aspetti della saggezza: il misticismo umanistico dell'averroismo orientale (un uomo con turbante), l'aristotelismo (un vecchio) e l'umanesimo contemporaneo dell'artista ( un giovane che scruta con curiosità il mondo). È del tutto possibile che Giorgione abbia messo questo significato nell'immagine che ha creato.

Ma contenuto umano, la complessa ricchezza del mondo spirituale dei tre eroi del quadro è più ampia e ricca di qualsiasi loro interpretazione unilaterale.

In sostanza, il primo confronto di questo tipo nell'ambito dell'emergente sistema dell'arte Il Rinascimento è stato realizzato nell'arte di Giotto - nel suo affresco "Il bacio di Giuda". Tuttavia, lì il confronto tra Cristo e Giuda è stato letto molto chiaramente, poiché era collegato alla leggenda religiosa universalmente conosciuta di quel tempo, e questa opposizione ha il carattere di un profondo conflitto inconciliabile tra il bene e il male. Il volto maliziosamente traditore e ipocrita di Giuda fa da antipodo al volto nobile, esaltato e severo di Cristo. A causa della chiarezza della trama, il conflitto di queste due immagini ha un enorme contenuto etico immediatamente cosciente. La superiorità morale ed etica (più precisamente, morale ed etica nella loro fusione), inoltre, la vittoria morale di Cristo su Giuda in questo conflitto, ci è innegabilmente chiara.

In Giorgione, la giustapposizione tra la figura aristocratica esteriormente calma, libera di vincoli di un nobile marito e la figura di un personaggio un po 'maligno e vile che occupa una posizione dipendente rispetto a lei non è collegata a situazione di conflitto, in ogni caso, con quella chiara inconciliabilità contrastante dei personaggi e della loro lotta, che conferisce un significato tragico così alto a Giotto, riunito dal bacio del rettile Giuda e Cristo, bello nella sua spiritualità pacata e severa ( È curioso che l'abbraccio di Giuda, che prefigura il tormento del maestro sulla croce, riecheggia, per così dire, il motivo compositivo dell'incontro di Maria con Elisabetta, inserito da Giotto nel ciclo generale della vita di Cristo e trasmissione sulla prossima nascita del Messia.).

Chiaroveggente e armoniosa nella sua complessità e mistero nascosti, l'arte di Giorgione è estranea agli scontri aperti e alle lotte dei personaggi. E non è un caso che Giorgione non colga le drammatiche possibilità contrastanti nascoste nel motivo da lui raffigurato.

Questa è la sua differenza non solo da Giotto, ma anche dal suo brillante allievo Tiziano, il quale, nel periodo della prima fioritura della sua creatività ancora eroica e allegra, seppur in modo diverso da Giotto, colse nel suo "Denario di Cesare" , per così dire, il significato etico dell'opposizione estetica della nobiltà fisica e spirituale di Cristo alla forza vile e bruta del carattere del fariseo. Allo stesso tempo, è estremamente istruttivo che Tiziano si riferisca anche al noto episodio evangelico, enfaticamente contrastante nella natura della trama stessa, risolvendo questo argomento, ovviamente, in termini di vittoria assoluta della volontà razionale e armoniosa. di una persona che qui incarna l'ideale rinascimentale e umanistico rispetto al suo opposto.

Passando ai veri e propri ritratti di Giorgione, va riconosciuto che uno dei più ritratti caratteristici il suo periodo maturo di creatività è il meraviglioso "Ritratto di Antonio Brocardo" (1508 circa - 1510, Budapest, Museo di Belle Arti). Certamente trasmette accuratamente l'individuo caratteristiche del ritratto nobile gioventù, ma sono chiaramente ammorbiditi e, per così dire, intrecciati nell'immagine di un uomo perfetto.

Il movimento libero e senza costrizioni della mano del giovane, l'energia percepita nel corpo, seminascosta sotto abiti larghi, la nobile bellezza di un viso pallido e scuro, la sobria naturalezza di piantare la testa su un collo forte e snello, il bellezza del contorno di una bocca elasticamente definita, il sogno premuroso di una persona che guarda in lontananza e di lato dallo sguardo dello spettatore: tutto ciò crea un'immagine di una persona piena di nobile potere, colta da un chiaro, calmo e profondo Pensiero. La morbida curva della baia dalle acque tranquille, la silenziosa costa montuosa con gli edifici solennemente calmi formano uno sfondo paesaggistico ( A causa dello sfondo scuro del dipinto, il paesaggio nelle riproduzioni è indistinguibile.), che, come sempre con Giorgione, non ripete all'unanimità il ritmo e l'umore della figura principale, ma, per così dire, indirettamente consonante con questo stato d'animo.

La morbidezza della scultura ritagliata del viso e della mano ricorda in qualche modo lo sfumato di Leonardo. Leonardo e Giorgione hanno risolto contemporaneamente il problema di combinare l'architettura plasticamente chiara delle forme del corpo umano con la loro modellazione ammorbidita, che permette di trasmettere tutta la ricchezza delle sue sfumature plastiche e chiaroscurali - per così dire, lo stesso "respiro" del corpo umano. Se con Leonardo è piuttosto una gradazione di chiaro e scuro, la sfumatura più fine della forma, allora con Giorgione lo sfumato ha un carattere speciale: modella, per così dire, i volumi del corpo umano con un ampio flusso di luce soffusa .

I ritratti di Giorgione iniziano una notevole linea di sviluppo del ritratto veneziano dell'Alto Rinascimento. Le caratteristiche del ritratto di Giorgione saranno ulteriormente sviluppate da Tiziano, che però, a differenza di Giorgione, ha un senso molto più acuto e forte dell'unicità individuale del carattere umano raffigurato, una percezione più dinamica del mondo.

L'opera di Giorgione si conclude con due opere: "Venere dormiente" (1508 circa - 1510, Dresda, Galleria d'arte) e "Concerto" del Louvre (1508). Questi dipinti furono lasciati incompiuti e lo sfondo paesaggistico in essi contenuto fu completato dal più giovane amico e allievo di Giorgione, il grande Tiziano. La "Venere dormiente", inoltre, ha perso alcune delle sue qualità pittoriche a causa di numerosi danneggiamenti e restauri infruttuosi. Comunque sia, è stato in quest'opera che l'ideale dell'unità della bellezza fisica e spirituale dell'uomo si è rivelato con grande pienezza umanistica e chiarezza quasi antica.

Immersa in un sonno tranquillo, Venere nuda è raffigurata da Giorgione sullo sfondo paesaggio rurale, il ritmo calmo e gentile delle colline che è così in armonia con la sua immagine. L'atmosfera di una giornata nuvolosa ammorbidisce tutti i contorni e allo stesso tempo preserva l'espressività plastica delle forme. È caratteristico che qui si manifesti nuovamente la specifica correlazione tra la figura e lo sfondo, inteso come una sorta di accompagnamento. stato spirituale Personaggio principale. Non è un caso che il ritmo teso e calmo delle colline, combinato nel paesaggio con i ritmi ampi di prati e pascoli, entri in un contrasto particolarmente consonante con la morbidezza morbida e allungata dei contorni del corpo, che, a sua volta, si contrappone alle morbide pieghe inquiete del tessuto su cui si adagia la Venere nuda. Sebbene il paesaggio sia stato completato non dallo stesso Giorgione, ma da Tiziano, l'unità della struttura figurativa del quadro nel suo insieme si basa indiscutibilmente sul fatto che il paesaggio non è solo all'unisono con l'immagine di Venere e non indifferentemente correlato a esso, ma è in quel rapporto complesso in cui si trova nella musica la linea delle melodie del cantante e del coro che lo accompagna in contrasto. Giorgione trasferisce nella sfera del rapporto “uomo – natura” il principio di decisione che i greci del periodo classico utilizzavano nelle loro immagini statuarie, mostrando il rapporto tra la vita del corpo e i drappeggi di vesti leggere gettati su di esso. Lì il ritmo dei panneggi era, per così dire, un'eco, un'eco della vita e del movimento del corpo umano, sottomettendosi nel suo movimento allo stesso tempo a una natura diversa del suo essere inerte rispetto alla natura elastico-vivente di un corpo umano snello. Quindi nel gioco dei drappeggi delle statue del V-IV secolo a.C. e. si rivelava un ritmo che sfumava in modo contrastante la plasticità chiara, elasticamente “arrotondata” del corpo stesso.

Come altre creazioni dell'Alto Rinascimento, la Venere di Giorgio nella sua perfetta bellezza è chiusa e, per così dire, "alienata", e allo stesso tempo "reciprocamente correlata" sia allo spettatore che alla musica della natura che la circonda, consonante con la sua bellezza. Non è un caso che sia immersa nei sogni limpidi di un sonno tranquillo. La mano destra gettata dietro la testa crea un'unica curva ritmica che abbraccia il corpo e chiude tutte le forme in un unico contorno liscio.

Una fronte serenamente leggera, le sopracciglia arcuate con calma, le palpebre dolcemente abbassate e una bella bocca severa creano un'immagine di purezza trasparente indescrivibile a parole.

Tutto è pieno di quella trasparenza cristallina, che è raggiungibile solo quando uno spirito limpido e non offuscato vive in un corpo perfetto.

"Concerto" raffigura sullo sfondo di un paesaggio calmo e solenne, due giovani uomini in abiti magnifici e due donne nude, che formano un gruppo liberamente libero. Le chiome arrotondate degli alberi, il movimento calmo e lento delle nuvole umide sono in sorprendente armonia con i ritmi liberi e ampi degli abiti e dei movimenti dei giovani, con la lussuosa bellezza delle donne nude. La lacca scurita dal tempo conferiva al quadro un colore dorato caldo, quasi caldo. In origine, infatti, la sua pittura era caratterizzata da un tono complessivo equilibrato. È stato ottenuto da una giustapposizione armonica accurata e sottile di toni sobriamente freddi e moderatamente caldi. È stata questa sottile e complessa neutralità del tono generale, acquisita attraverso contrasti catturati con precisione, che non solo ha creato l'unità caratteristica di Giorgione tra la raffinata differenziazione delle sfumature e la calma chiarezza dell'insieme coloristico, ma ha anche in qualche modo ammorbidito quella gioiosamente sensuale inno alla magnifica bellezza e al godimento della vita, che è incarnato nell'immagine. .

In misura maggiore rispetto ad altre opere di Giorgione, il "Concerto" sembra preparare l'apparizione di Tiziano. Allo stesso tempo, il significato di quest'ultima opera di Giorgione non sta solo nel suo ruolo, per così dire, preparatorio, ma nel fatto che rivela ancora una volta, non ripetuto da nessuno in futuro, il fascino peculiare della sua personalità creativa. La gioia sensuale dell'essere in Tiziano suona anche come un inno luminoso, ottimista, emozionato alla felicità umana, al suo diritto naturale al godimento. In Giorgione, la gioia sensuale del motivo è ammorbidita dalla contemplazione sognante, subordinata all'armonia chiara, illuminata ed equilibrata di una visione olistica della vita.

Ultima delle città italiane, non prima della metà del XV secolo, Venezia era intrisa delle idee del Rinascimento. A differenza del resto dell’Italia, lei la viveva a modo suo. Città prospera che evitava conflitti militari, centro del commercio marittimo, Venezia era autosufficiente. I suoi maestri si tennero a tal punto lontani che quando il Vasari fiorentino, a metà del XVI secolo, cominciò a raccogliere materiale per le “Vite de' più famosi pittori, scultori e architetti”, non riuscì ad ottenere dettagli sulle biografie di persone vissute un secolo prima, e che univano tutti in un breve capitolo. .


Bellini. "Miracolo al ponte San Lorenzo". Dal punto di vista degli artisti veneziani, tutti i santi vivevano a Venezia e navigavano sulle gondole.

I maestri di Venezia non cercarono di studiare le antiche rovine di Roma. A loro piaceva molto di più Bisanzio e Oriente arabo, Con quale Repubblica di Venezia scambiato. Inoltre, non avevano fretta di rinunciare arte medievale. E i due edifici più famosi della città - la Cattedrale di San Marco e il Palazzo Ducale - sono due bellissimi "bouquet" architettonici: il primo contiene motivi dell'arte bizantina, e il secondo convive con un arco a sesto acuto medievale e un motivo arabo.

Leonardo da Vinci, il grande fiorentino, condannò i pittori che amavano troppo la bellezza del colore, considerando il rilievo il principale vantaggio della pittura. I veneziani avevano la loro opinione su questo argomento. Hanno anche imparato a creare l'illusione del volume, quasi senza ricorrere al colore e all'ombra, ma utilizzandoli sfumature diverse un colore. Così è scritta "Venere dormiente" di Giorgione.

Giorgione. "Tempesta". La trama del film rimane un mistero. Ma è chiaro che l'artista era più interessato all'umore, allo stato d'animo del personaggio nel presente, a questo caso pre-tempesta, momento.

Gli artisti del primo Rinascimento dipinsero dipinti e affreschi con la tempera, inventata nell'antichità. I colori ad olio sono conosciuti fin dall'antichità, ma i pittori furono intrisi di simpatia per loro solo nel XV secolo. I maestri olandesi furono i primi a migliorare la tecnica della pittura ad olio.

Poiché Venezia fu costruita su isole in mezzo al mare, gli affreschi furono rapidamente distrutti a causa dell'elevata umidità dell'aria. I maestri non potevano scrivere sulle tavole, come Botticelli scrisse la sua Adorazione dei Magi: intorno c'era molta acqua, ma poca foresta. Hanno dipinto su tela Dipinti ad olio, e in questo più degli altri pittori rinascimentali furono simili a quelli moderni.

Gli artisti veneziani trattavano la scienza con freddezza. Non differivano nella versatilità dei talenti, sapendo solo una cosa: la pittura. Ma erano sorprendentemente allegri e trasferivano volentieri sulla tela tutto ciò che piaceva alla vista: architettura veneziana, canali, ponti e barche con gondolieri, un paesaggio tempestoso. Giovanni Bellini, famoso artista a suo tempo in città, si lasciò trasportare, secondo Vasari, dalla ritrattistica e ne contagiò così i suoi concittadini che ogni veneziano che raggiunse una posizione significativa aveva fretta di ordinare il suo ritratto. E suo fratello Gentile sembrò scioccare il sultano turco nel profondo della sua anima dipingendolo dal vero: quando vide il suo “secondo sé”, il Sultano lo considerò un miracolo. Tiziano dipinse molti ritratti. Per gli artisti veneziani le persone viventi interessavano più degli eroi ideali.

Il fatto che Venezia sia stata ritardata con le innovazioni si è rivelato positivo. Fu lei a preservare, come meglio poté, le conquiste del Rinascimento italiano negli anni in cui si era affievolito in altre città. La scuola di pittura veneziana divenne un ponte tra il Rinascimento e l'arte che venne a sostituirlo.

La costante sete di celebrazione, un fiorente porto commerciale e l'influenza degli ideali di bellezza e grandezza dell'Alto Rinascimento contribuirono all'emergere di artisti a Venezia nel XV e XVI secolo con l'obiettivo di introdurre elementi di lusso nell'arte. mondo. La scuola veneziana, sorta in questo momento di fioritura culturale, ha dato nuova vita al mondo della pittura e dell'architettura, combinando l'ispirazione dei predecessori di orientamento classico e il nuovo desiderio di colori intensi, con una speciale adorazione veneziana per l'abbellimento. Gran parte del lavoro degli artisti di questo periodo, indipendentemente dal soggetto o dal contenuto, era intriso dell'idea che la vita dovesse essere vista attraverso il prisma del piacere e del divertimento.

Breve descrizione

La scuola veneziana si riferisce a un movimento artistico particolare e originale che si sviluppò nella Venezia rinascimentale a partire dalla fine del 1400 e che, guidato dai fratelli Giovanni e Gentile Bellini, si sviluppò fino al 1580. È anche chiamato Rinascimento veneziano e il suo stile condivide i valori umanistici, l'uso della prospettiva lineare e l'immaginario naturalistico dell'arte rinascimentale di Firenze e Roma. Il secondo termine associato a questo è la scuola di pittura veneziana. Apparve durante il primo Rinascimento ed esistette fino al XVIII secolo. I suoi rappresentanti sono artisti come Tiepolo, associato a due tendenze artistiche: rococò e barocco, Antonio Canaletto, noto per i suoi paesaggi urbani veneziani, Francesco Guardi e altri.

Idee chiave

L'enfasi innovativa e le peculiarità della scuola di pittura veneziana, associata all'uso del colore per creare forme, la rendevano diversa dal Rinascimento fiorentino, dove le forme erano dipinte piene di colore. Ciò ha portato all’emergere di un dinamismo rivoluzionario nelle opere, una ricchezza di colori senza precedenti e una speciale espressione psicologica.

Gli artisti veneziani dipingevano prevalentemente a olio, prima su pannelli di legno, e poi iniziarono a utilizzare la tela, che meglio si adattava al clima umido della città e enfatizzava il gioco di luci e atmosfere naturalistiche, nonché il movimento drammatico, a volte teatrale, delle persone.

In questo momento ci fu una rinascita della ritrattistica. Gli artisti si sono concentrati non sul ruolo idealizzato dell'uomo, ma sulla sua complessità psicologica. Durante questo periodo, i ritratti iniziarono a essere raffigurati maggior parte figure, non solo la testa e il busto.

Fu allora che apparvero nuovi generi, comprese immagini grandiose di soggetti mitici e nudi femminili, che non fungevano però da riflesso di ideali religiosi o religiosi. motivi storici. L'erotismo cominciò ad apparire in queste nuove forme di argomenti, non soggetti ad attacchi moralistici.

Nuovo direzione architettonica, che combinato influenze classiche insieme ai bassorilievi scolpiti e alle caratteristiche decorazioni veneziane, divenne così popolare che a Venezia sorse un'intera industria di progettazione di residenze private.

Cultura di Venezia

Sebbene la scuola veneziana fosse consapevole delle innovazioni dei maestri del Rinascimento come Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Donatello e Michelangelo, il suo stile rifletteva cultura speciale e della società della città di Venezia.

Grazie alla sua prosperità, Venezia era conosciuta in tutta Italia come “la città serena”. A causa sua posizione geografica sul mare Adriatico divenne importante centro commercio che collegava l’Occidente con l’Oriente. Di conseguenza, la città-stato era laica e cosmopolita, enfatizzando l’idea di gioia e ricchezza della vita piuttosto che essere guidata da dogmi religiosi. Gli abitanti erano orgogliosi della loro indipendenza e della stabilità del loro governo. Il primo doge o duca a governare Venezia fu eletto nel 697, e anche i governanti successivi furono eletti dal Gran Consiglio di Venezia, un parlamento composto da aristocratici e ricchi mercanti. Splendore, spettacoli divertenti e feste sontuose, durante le quali si tenevano carnevali che duravano diverse settimane, definirono la cultura veneziana.

A differenza di Firenze e Roma, che furono influenzate dalla Chiesa cattolica, Venezia era principalmente associata all'impero bizantino con sede a Costantinopoli che governò Venezia nel VI e VII secolo. Di conseguenza, l'arte veneziana fu influenzata dall'arte di Bisanzio, che era caratterizzata dall'uso di colori vivaci e oro nei mosaici delle chiese, e l'architettura veneziana si distingueva per l'uso di cupole, archi e pietre multicolori caratteristiche di Bisanzio, che, a sua volta, era associato all'influenza dell'architettura islamica dell'Asia centrale.

Verso la metà del 1400, la città stava guadagnando peso e influenza in Italia e artisti rinascimentali come Andrea Mantegna, Donatello, Andrea del Castagno e Antonello da Messina visitarono o vissero qui per lungo tempo. Lo stile della scuola veneziana sintetizzava il colore bizantino e la luce dorata con le innovazioni di questi artisti rinascimentali.

Andrea Mantegna

Presentato per la prima volta l'artista Andrea Mantegna prospettiva lineare, rappresentazione figurativa naturalistica e proporzioni classiche, che furono determinanti per l'arte del Rinascimento in generale e per gli artisti veneziani in particolare. L'influenza di Mantegna può essere vista nell'Orazione nell'orto di Giovanni Bellini (1459 ca.-1465), che riecheggia l'Agonia nell'orto di Mantegna (1458 ca.-1460).

Antonello da Messina

È considerato il primo Artista italiano, per il quale il ritratto individuale è diventato una forma d'arte indipendente.

Lavorò a Venezia dal 1475 al 1476 e ebbe una notevole influenza sui dipinti di Giovanni Bellini, la sua pittura ad olio. Fu de Messina a concentrarsi sulla ritrattistica. Antonello conobbe per la prima volta l'arte del Rinascimento nordeuropeo mentre era studente a Napoli. Di conseguenza, il suo lavoro fu una sintesi del Rinascimento italiano e dei principi dell'arte nordeuropea, influenzando lo sviluppo di uno stile particolare della scuola veneziana.

Giovanni Bellini, "padre della pittura veneziana"

Già nei suoi primi lavori, l'artista ha utilizzato ricchi e luce luminosa non solo nella rappresentazione di figure, ma anche nei paesaggi.

Lui e il fratello maggiore Gentile erano conosciuti per la bottega della famiglia Bellini che era nata ed era la più frequentata e famosa di Venezia. Nel primo periodo dell'opera dei fratelli Bellini, i temi religiosi erano i principali, ad esempio la “Processione della Vera Croce” (1479), scritta da Gentile, e le opere di Giovanni raffiguranti il ​​diluvio e l'Arca di Noè ( intorno al 1470). Giovanni Bellini era particolarmente apprezzato con le immagini della Madonna col Bambino. Questa immagine gli era molto vicina e le opere stesse erano piene di colore e luce, trasmettendo tutta la bellezza del mondo. Allo stesso tempo, questa enfasi di Giovanni sulla rappresentazione della luce naturale e la combinazione dei principi rinascimentali con uno speciale stile veneziano di resa cromatica lo hanno reso uno dei principali rappresentanti della scuola veneziana.

Concetti e tendenze nella ritrattistica

Giovanni Bellini fu il primo grande ritrattista tra i pittori veneziani, poiché il suo ritratto del doge Leonardo Loredan (1501) presentava un'immagine straordinaria che, essendo naturalistica e trasmettendo il gioco di luci e colori, idealizzava la persona raffigurata su di essa, e a allo stesso tempo sottolineò il suo ruolo sociale di capo di Venezia. opera famosa alimentò la richiesta di ritratti da parte di aristocratici e ricchi mercanti, che erano abbastanza soddisfatti dell'approccio naturalistico, che allo stesso tempo trasmetteva il loro significato sociale.

Giorgione e Tiziano furono i pionieri di un nuovo tipo di ritrattistica. Il Ritratto di giovane donna di Giorgione (1506) introdusse un nuovo genere di ritrattistica erotica, che successivamente si diffuse. Nei suoi dipinti, Tiziano amplia la visione del soggetto fino a includere la maggior parte della figura. Ciò è chiaramente visibile nel suo "Ritratto di Papa Paolo III" (1553). Qui l'artista ha sottolineato non il ruolo idealizzato del sacerdote, ma la componente psicologica dell'immagine.

Anche un eminente rappresentante della scuola pittorica veneziana, Paolo Veronese, dipinse ritratti di questo tipo, come si può vedere nell'esempio del “Ritratto di gentiluomo” (1576-1578 circa), che mostra un ritratto quasi a figura intera aristocratico vestito con abiti neri, in piedi davanti a un frontone con colonne.

Jacopo Tintoretto era noto anche per i suoi attraenti ritratti.

Visualizzazione della mitologia nei dipinti

Bellini utilizzò per la prima volta un soggetto mitologico nel suo Feast of the Gods (1504). Tiziano sviluppò ulteriormente il genere nelle raffigurazioni di Baccanali, come il suo Bacco e Arianna (1522-1523). Questi dipinti sono stati realizzati per galleria privata Duca di Ferrera. Bacco e Arianna di Tiziano (1522-1523) raffigura Bacco, il dio del vino, con i suoi seguaci nel momento drammatico in cui Arianna si è appena accorta di essere stata abbandonata dal suo amante.

I mecenati veneziani prestavano particolare attenzione all'arte basata sui miti greci classici, poiché tali immagini, non limitate a messaggi religiosi o moralistici, potevano essere utilizzate per mostrare erotismo ed edonismo. L'opera di Tiziano comprendeva un'ampia gamma di immagini mitologiche e creò sei grandi dipinti per il re Filippo II di Spagna, tra cui Danaë (1549-1550), una donna sedotta da Zeus come luce solare, e Venere e Adone (ca. 1552-1554) ), un dipinto raffigurante una dea e il suo amante mortale.

Anche i contesti mitologici hanno avuto un ruolo nell'emergere del genere del nudo femminile, in particolare la Venere dormiente di Giorgione (1508) è stato il primo dipinto di questo tipo. Tiziano sviluppò il tema sottolineando l'erotismo insito nello sguardo maschile, come nella Venere di Urbino (1534). A giudicare dai titoli, entrambe queste opere hanno un contesto mitologico, sebbene la loro rappresentazione pittorica delle immagini non abbia alcun riferimento visivo alla dea. Tra le altre opere simili di Tiziano si può citare il dipinto "Venere e Amore" (1550 circa).

La tendenza a rappresentare soggetti mitologici, così popolare tra i veneziani, influenzò anche lo stile di presentare scene agli artisti contemporanei, come spettacoli drammatici, come si vede nel Convito in casa di Levi di Paolo Veronese (1573), dipinto su scala monumentale. , dimensioni 555×1280 cm.

Influenza dell'arte veneziana

Il declino della scuola pittorica veneziana del XVI secolo iniziò intorno al 1580, in parte a causa dell'impatto della peste sulla città, che nel 1581 aveva perso un terzo della sua popolazione, e in parte a causa della morte degli ultimi maestri veronesi e Tintoretto. Di più lavori successivi entrambi i pittori rinascimentali veneziani, enfatizzando il movimento espressivo piuttosto che le proporzioni classiche e il naturalismo figurativo, ebbero una certa influenza sullo sviluppo dei manieristi, che in seguito dominarono l'Italia e si diffusero in tutta Europa.

Tuttavia, l'enfasi della scuola veneziana sul colore, sulla luce e sul godimento della vita sensuale, come si vede nell'opera di Tiziano, contrastava anche con l'approccio manierista e le opere barocche di Caravaggio e Annibale Carracci. Questa scuola ebbe un impatto ancora maggiore fuori Venezia, poiché re e aristocratici di tutta Europa collezionavano avidamente opere. Artisti di Anversa, Madrid, Amsterdam, Parigi e Londra, tra cui Rubens, Anthony van Dyck, Rembrandt, Poussin e Velasquez, furono fortemente influenzati dall'arte della scuola veneziana di pittura rinascimentale. La storia racconta che Rembrandt, quando era ancora un giovane artista, disse durante una visita in Italia che sarebbe stato più facile vedere ad Amsterdam arte italiana rinascimentale che viaggiare di città in città nella stessa Italia.

In architettura Palladio ebbe una grande influenza, soprattutto in Inghilterra, dove Christopher Wren, Elizabeth Wilbraham, Richard Boyle e William Kent adottarono il suo stile. Inigo Jones, detto "il padre architettura britannica, costruì la Queen's House (1613-1635), il primo edificio classico in Inghilterra su progetto del Palladio. Nel XVIII secolo i progetti di Palladio apparvero nell'architettura degli Stati Uniti. La casa di Thomas Jefferson a Monticello e il Campidoglio furono ampiamente influenzati da Palladio, tanto che Palladio fu nominato "padre dell'architettura americana" in un ordine esecutivo del Congresso degli Stati Uniti del 2010.

Oltre il Rinascimento

Le opere degli artisti della Scuola di Pittura Veneziana continuarono ad essere speciali. Di conseguenza, il termine continuò ad essere utilizzato fino al XVIII secolo. Rappresentanti della scuola di pittura veneziana, come Giovanni Battista Tiepolo, ampliarono il loro stile distinto sia nello stile rococò che in quello barocco. Sono noti anche altri artisti del XVIII secolo, come Antonio Canaletto, che dipinse paesaggi urbani veneziani, e Francesco Guardi. Il suo lavoro in seguito influenzò ampiamente gli impressionisti francesi.

Vittore Carpaccio (nato nel 1460, Venezia - morto nel 1525/26, Venezia) - uno dei i maggiori rappresentanti Artisti veneziani. Potrebbe essere stato allievo di Lazzaro Bastiani, ma la principale influenza su di lui primi lavori forniti dagli allievi di Gentile Bellini e Antonello da Messina. Lo stile delle sue opere suggerisce che potrebbe essere stato anche a Roma da giovane. Dei primi lavori di Vittore Carpaccio non si sa praticamente nulla perché non li firmò, e ci sono poche prove che li abbia scritti. Intorno al 1490 iniziò a realizzare per la Scuola di Santa Orsola un ciclo di scene della leggenda di Sant'Orsola, oggi nelle Gallerie dell'Accademia di Venezia. Durante questo periodo divenne un artista maturo. La scena di genere del sogno di Sant'Orsola fu particolarmente apprezzata per la ricchezza di dettagli naturalistici.

Le immagini panoramiche dei dipinti, delle processioni e di altri raduni pubblici di Carpaccio sono note per la loro ricchezza di dettagli realistici, colori solari e narrazioni drammatiche. La sua incorporazione di figure realistiche in uno spazio prospettico ordinato e coerente lo rese un precursore dei pittori di paesaggi urbani veneziani.

Francesco Guardi (1712-1793, nato e morto a Venezia), uno dei più importanti paesaggisti dell'epoca rococò.

L'artista stesso, insieme al fratello Nicolò (1715-86), studiò con Giovanni Antonio Guardi. La loro sorella Cecilia sposò Giovanni Battista Tiepolo. Per molto tempo i fratelli hanno lavorato insieme. Francesco è uno dei rappresentanti di spicco di questo direzione scenica, come una veduta, la cui caratteristica era una visualizzazione dettagliata del paesaggio urbano. Dipinse questi dipinti fino alla metà del 1750 circa.

Nel 1782 raffigurò i festeggiamenti ufficiali in onore della visita del Granduca Paolo a Venezia. Nello stesso anno la Repubblica gli commissionò di realizzare immagini simili della visita di Pio VI. Godette di un notevole sostegno da parte degli inglesi e di altri stranieri e fu eletto all'Accademia di Venezia nel 1784. Fu un artista estremamente prolifico, le cui immagini brillanti e romantiche contrastano nettamente con le trasparenti esposizioni dell'architettura di Canaletto, capofila della scuola della veduta.

Giambattista Pittoni (1687-1767) è stato uno dei principali pittori veneziani dell'inizio del XVIII secolo. Nacque a Venezia e studiò con lo zio Francesco. Da giovane dipinse affreschi come "La Giustizia e il Mondo della Giustizia" a Palazzo Pesaro, Venezia.

Francesco Fontebasso (Venezia, 1707-1769) è uno dei principali rappresentanti del Settecento, cosa alquanto insolita per la pittura veneziana. Un artista molto attivo e bravo, un decoratore esperto, che raffigura quasi tutto sulle sue tele, dalle scene di vita quotidiana e immagini storiche ai ritratti, ha anche dimostrato buone capacità e padronanza di un'ampia varietà di tecniche grafiche. Iniziò a lavorare su temi religiosi per Maninov, prima nella cappella di Villa Passariano (1732) e poi a Venezia in una chiesa dei Gesuiti, dove realizzò due affreschi sul soffitto con Elia catturato in cielo e angeli che appaiono davanti ad Abramo.

SCUOLA VENEZIANA di pittura, una delle principali scuole d'arte italiane, fondata a Venezia nei secoli XIV-XVIII. La scuola veneziana durante il suo periodo di massimo splendore si caratterizza per la perfetta padronanza delle possibilità espressive della pittura ad olio e per una particolare attenzione ai problemi del colore. La pittura veneziana del XIV secolo si distingue per ornamenti decorativi, sonorità festosa di colori, intrecci di tradizioni gotiche e bizantine (Lorenzo e Paolo Veneziano). A metà del XV secolo, nella pittura della scuola veneziana compaiono tendenze rinascimentali, rafforzate dall'influenza delle scuole fiorentina e olandese (attraverso la mediazione di Antonello da Messina). Nelle opere dei maestri del primo Rinascimento veneziano (metà e fine del XV secolo; Antonio, Bartolomeo e Alvise Vivarini, Jacopo e Gentile Bellini, Vittore Carpaccio, Carlo Crivelli, ecc.), cresce l'inizio secolare, il desiderio di un trasferimento realistico di spazio e volume si sta intensificando; storie religiose e storie di miracoli vengono interpretate come immagini colorate della vita quotidiana a Venezia. L'opera di Giovanni Bellini preparò il passaggio all'arte dell'Alto Rinascimento. Il periodo di massimo splendore della scuola veneziana nella prima metà del XVI secolo è associato ai nomi dei suoi studenti: Giorgione e Tiziano. La narrativa ingenua ha lasciato il posto ai tentativi di creare un'immagine generalizzata del mondo in cui l'uomo esiste in armonia naturale con la vita poeticamente ispirata della natura. Nelle opere successive di Tiziano si rivelano profondi conflitti drammatici, lo stile pittorico acquisisce un'eccezionale espressività emotiva. Nelle opere dei maestri della seconda metà del XVI secolo (P. Veronese e J. Tintoretto), il virtuosismo del trasferimento della ricchezza colorata del mondo, lo spettacolare fianco a fianco con un drammatico senso dell'infinito del natura e dinamica delle grandi masse umane.

Nel XVII secolo la scuola veneziana visse un periodo di declino. Nelle opere di D. Fetti, B. Strozzi e I. Liss convivono le tecniche della pittura barocca, le osservazioni realistiche e l'influenza del caravaggismo con il tradizionale interesse per le ricerche coloristiche degli artisti veneziani. La nuova fioritura della scuola veneziana del XVIII secolo è legata allo sviluppo della pittura monumentale e decorativa, che univa l'allegra festosità con dinamica spaziale e la squisita leggerezza della gamma colorata (G. B. Tiepolo). La pittura di genere si sta sviluppando, trasmettendo sottilmente l'atmosfera poetica della vita quotidiana a Venezia (G. B. Piazzetta e P. Longi), paesaggio architettonico (veduta), ricreando documentariamente l'immagine di Venezia (A. Canaletto, B. Bellotto). I paesaggi da camera di F. Guardi si distinguono per l'intimità lirica. Il vivo interesse per la rappresentazione dell'ambiente luminoso, caratteristico degli artisti veneziani, anticipa la ricerca dei pittori del XIX secolo nel campo del plein air. In tempi diversi, la scuola veneziana influenzò l'arte di H. Burgkmair, A. Dürer, El Greco e altri maestri europei.

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