Il XVII secolo fu di particolare importanza per la formazione delle culture nazionali dei tempi moderni. In quest'epoca si completò il processo di localizzazione delle grandi scuole d'arte nazionali, la cui originalità fu determinata sia dalle condizioni di sviluppo storico che dalla tradizione artistica che si era sviluppata in ciascun paese: Italia, Fiandre, Olanda, Spagna, Francia . Ciò ci consente di considerare il XVII secolo come una nuova tappa nella storia dell'arte. L’identità nazionale non escludeva, tuttavia, tratti comuni. Sviluppando in molti modi le tradizioni del Rinascimento, gli artisti del XVII secolo ampliarono significativamente la gamma dei loro interessi e approfondirono la gamma cognitiva dell'arte.

Rispetto al Rinascimento, l'arte del XVII secolo è più complessa, contraddittoria nei contenuti e nelle forme artistiche. La percezione poetica olistica del mondo, caratteristica del Rinascimento, è distrutta, l'ideale di armonia e chiarezza è inaccessibile. Ma l'immagine dell'uomo resta al centro dell'attenzione dell'artista. I titani, cantati nelle opere d'arte del Rinascimento, hanno lasciato il posto a una persona consapevole della propria dipendenza dall'ambiente sociale e dalle leggi oggettive dell'essere. La sua incarnazione diventa più concreta, emotiva e psicologicamente complessa. Rivela l'infinita diversità e ricchezza del mondo interiore, le caratteristiche nazionali risaltano in modo più luminoso e definito e viene mostrato il suo posto nella società. La vita reale è rivelata dagli artisti del XVII secolo in una varietà di drammatiche collisioni e conflitti, situazioni grottesco-satiriche e comiche. Nella letteratura, questo è il periodo di massimo splendore della tragedia e della commedia (Shakespeare, Lope de Vega, Calderon, Corneille, Racine, Molière).

La cultura artistica del XVII secolo riflette la complessità dell'epoca che preparò la strada alla vittoria del sistema capitalista nei paesi economicamente sviluppati dell'Europa. All’inizio del XVII secolo, in Olanda, il primo paese capitalista d’Europa, si stavano realizzando conquiste rivoluzionarie. In Inghilterra, la rivoluzione borghese del 1640-1660 si svolge su scala paneuropea. In Francia sta prendendo forma un modello classico di Stato assolutista. Al servizio degli interessi della nobiltà feudale, l'assolutismo francese assicurò la crescita della borghesia attraverso la sua politica protezionistica. Tuttavia, il feudalesimo era ancora forte. La Spagna, che nel XVI secolo era la potenza più forte del mondo, si trasformò in uno degli stati arretrati e reazionari d’Europa. In Italia e in Germania, pur mantenendo la frammentazione feudale, si sta formando una piccola potenza principesca; dispotismo. Anche in Inghilterra la borghesia condivide il potere con l’aristocrazia terriera.

I movimenti popolari hanno svolto un ruolo importante nella lotta per lo sviluppo progressivo degli stati europei. La protesta delle masse contro l'oppressione assolutista e la predazione dell'era dell'accumulazione primitiva fu il contenuto principale della vita sociale del XVII secolo. Lo sviluppo della cultura in un modo o nell'altro ne è stato influenzato. I discorsi dei pensatori avanzati contro il feudalesimo erano associati alla critica alla Chiesa cattolica, che rafforza ancora una volta la sua influenza e incatena il pensiero sociale.

Allo stesso tempo, la crescita generale dell'economia nei paesi avanzati dell'Europa, il fiorire dell'industria manifatturiera e del commercio hanno creato le basi per il progresso delle scienze esatte e naturali. Le grandi scoperte di Galileo, Keplero, Newton, Leibniz, Cartesio in matematica, astronomia, fisica, filosofia hanno contribuito all'approvazione delle idee materialistiche (Bacon, Hobbes, Locke, Spinoza), all'espansione e all'approfondimento delle idee sulla natura e sull'universo. Mentre per gli scienziati del Rinascimento la determinazione di modelli di fenomeni era basata sull'osservazione sperimentale di un singolo individuo, i pensatori del XVII secolo procedevano nelle loro teorie scientifiche da sistemi integrali e visioni del mondo. Una percezione più olistica e profonda della realtà si afferma anche nel lavoro degli artisti. Riceve una nuova interpretazione del concetto di sintesi delle arti.

I singoli tipi d'arte, così come le singole opere, perdono il loro isolamento e tendono a unirsi tra loro. Gli edifici sono organicamente inclusi nello spazio della strada, della piazza, del parco. La scultura diventa dinamica, invade l'architettura e lo spazio del giardino. La pittura decorativa con effetti spaziali e prospettici completa ciò che è inerente all'interno architettonico. Il desiderio di un'ampia rappresentazione della realtà portò nel XVII secolo a una varietà di forme di genere. Nelle arti visive, insieme ai generi mitologici e biblici tradizionali, quelli secolari stanno guadagnando un posto indipendente: genere quotidiano, paesaggio, ritratto, natura morta.

Le relazioni complesse e la lotta delle forze sociali danno origine a una varietà di tendenze artistiche e ideologiche. A differenza dei periodi storici precedenti, quando l'arte si sviluppava nell'ambito di grandi stili omogenei (romanico, gotico, rinascimentale), il XVII secolo è caratterizzato da due grandi stili: il barocco e il classicismo, i cui elementi sono chiaramente espressi nell'architettura e in una nuova comprensione della sintesi delle arti. L'arte barocca rivela l'essenza della vita nel movimento e nella lotta di forze elementali mutevoli casuali. Nelle manifestazioni estreme, l'arte barocca arriva all'irrazionalismo, al misticismo, colpisce l'immaginazione e i sentimenti dello spettatore con tensione drammatica, espressione di forme. Gli eventi sono interpretati in modo grandioso, gli artisti preferiscono rappresentare scene di tormento, estasi o panegirici di imprese, trionfi.

La base dell'arte del classicismo è un principio razionale. Bello dal punto di vista del classicismo è solo ciò che è ordinato, ragionevole, armonioso. Gli eroi del classicismo subordinano i loro sentimenti al controllo della mente, sono sobri e maestosi. La teoria del classicismo conferma la divisione in generi alti e bassi. Nell'arte del classicismo, l'unità si ottiene collegando e abbinando tutte le parti dell'insieme, che tuttavia mantengono il loro significato indipendente. Sia il Barocco che il Classicismo sono caratterizzati da un desiderio di generalizzazione, ma i maestri barocchi tendono a masse dinamiche, a insiemi complessi ed estesi. Spesso le caratteristiche di questi due grandi stili si intrecciano nell'arte di un paese e anche nell'opera dello stesso artista, dando origine a contraddizioni in esso.

Insieme al barocco e al classicismo, nelle arti visive appare una riflessione realistica della vita più diretta, potente, priva di elementi stilistici. La direzione realistica è una pietra miliare importante nell'evoluzione dell'arte dell'Europa occidentale. Le sue manifestazioni sono insolitamente varie e vivide, sia nelle varie scuole nazionali che tra i singoli maestri. I più grandi maestri del realismo appartengono al XVII secolo: Caravaggio, Velazquez, Rembrandt, Hals, Vermeer di Delft. Nel XVII secolo vennero alla ribalta quelle scuole nazionali nella cui arte furono raggiunti i più alti risultati creativi. Italia, Spagna, Fiandre, Olanda, Francia stanno rapidamente diventando centri artistici influenti. In altri paesi europei - Inghilterra, Germania, Austria, Repubblica Ceca, Polonia, Danimarca, la cultura artistica conserva l'impronta delle proprietà locali e dei rapporti con la tradizione delle epoche precedenti.

Il XVIII secolo è un periodo in cui si sono verificate trasformazioni colossali in tutte le sfere: politica, sociale, pubblica. L'Europa introduce nuovi generi nella pittura russa: paesaggio, storico, vita quotidiana. La direzione realistica della pittura diventa predominante. Una persona vivente è un eroe e portatore degli ideali estetici di quel tempo.

Il Settecento entra nella storia dell'arte come l'epoca dei ritratti pittorici. Tutti volevano avere il proprio ritratto: dalla regina al semplice funzionario delle province.

Tendenze europee nella pittura russa

Famosi artisti russi del XVIII secolo furono costretti a seguire la moda occidentale per volere di Pietro I, che voleva europeizzare la Russia. Attribuiva grande importanza allo sviluppo delle belle arti e progettò persino di costruire un'istituzione educativa specializzata.

Gli artisti russi del XVIII secolo padroneggiarono le nuove tecniche della pittura europea e raffigurarono sulle loro tele non solo re, ma anche vari boiardi, mercanti, patriarchi, che cercarono di stare al passo con la moda e spesso commissionarono ad artisti locali la pittura di un ritratto. Allo stesso tempo, gli artisti dell'epoca cercarono di arricchire i ritratti con oggetti domestici, elementi del costume nazionale, natura e così via. L'attenzione si è concentrata su mobili costosi, grandi vasi, abiti lussuosi, pose interessanti. L'immagine delle persone di quel tempo è percepita oggi come una storia poetica degli artisti sul loro tempo.

Eppure, i ritratti degli artisti russi del XVIII secolo differiscono dai ritratti dei pittori stranieri invitati in un sorprendente contrasto. Vale la pena ricordare che artisti di altri paesi sono stati invitati a formare artisti russi.

Tipi di ritratti

L'inizio del XVIII secolo fu segnato dall'appello dei ritrattisti alle vedute semi-cerimoniali e da camera. I ritratti dei pittori della seconda metà del XVIII secolo danno origine a tipologie come frontale, semi-cerimoniale, da camera, intimo.

Quello anteriore differisce dagli altri nell'immagine di una persona in piena crescita. Scintillio di lusso - sia nei vestiti che negli articoli per la casa.

Un look semi-cerimoniale è l'immagine di un modello al ginocchio o alla vita.

Se una persona è raffigurata su uno sfondo neutro fino al petto o alla vita, questo tipo di ritratto è chiamato camera.

L'aspetto intimo del ritratto suggerisce un appello al mondo interiore dell'eroe dell'immagine, mentre lo sfondo viene ignorato.

immagini di ritratti

Spesso gli artisti russi del XVIII secolo erano costretti a incarnare l'idea di se stesso del cliente in un ritratto, ma in nessun modo un'immagine reale. Era importante tenere conto dell'opinione pubblica su questa o quella persona. Molti storici dell'arte hanno da tempo concluso che la regola principale di quel tempo era quella di rappresentare una persona non tanto come era realmente, o come vorrebbe essere, ma come potrebbe essere nella sua migliore riflessione. Cioè, nei ritratti di qualsiasi persona abbiano cercato di ritrarre come ideale.

I primi artisti

Gli artisti russi del XVIII secolo, la cui lista è generalmente piccola, sono, in particolare, I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D G. Levitsky.

Tra i primi pittori del XVIII secolo ci sono i nomi di Nikitin, Antropov, Argunov. Il ruolo di questi primi artisti russi del XVIII secolo fu insignificante. Si è ridotto solo a scrivere un numero enorme di immagini reali, ritratti di nobili russi. Artisti russi del XVIII secolo: maestri dei ritratti. Anche se spesso aiutavano semplicemente gli artigiani stranieri a dipingere le pareti di un gran numero di palazzi e a realizzare scenografie teatrali.

Il nome del pittore Ivan Nikitich Nikitin si trova nella corrispondenza di Pietro I con sua moglie. Il suo pennello appartiene al ritratto del re stesso, il cancelliere G. I. Golovin. Non c'è nulla di artificiale nel suo ritratto dell'etman all'aperto. L'apparenza non viene alterata da una parrucca o da un abito di corte. L'artista ha mostrato l'etman come nella vita reale. È nella verità della vita che risiede il vantaggio principale dei ritratti di Nikitin.

L'opera di Antropov è conservata nelle immagini della Cattedrale di Sant'Andrea a Kiev e nei ritratti del Sinodo. Queste opere si distinguono per la predilezione dell'artista per i colori gialli e olivastri, perché è un pittore che ha studiato con il maestro della pittura di icone. Tra le sue opere famose ci sono i ritratti di Elisabetta Petrovna, Pietro I, la principessa Trubetskoy, Ataman F. Krasnoshchekov. Il lavoro di Antropov combinava le tradizioni della pittura russa originale del XVII secolo e i canoni delle belle arti dell'era petrina.

Ivan Petrovich Argunov è un famoso ritrattista servo del conte Sheremetyev. I suoi ritratti sono aggraziati, le pose delle persone da lui raffigurate sono libere e mobili, tutto nel suo lavoro è preciso e semplice. È l'autore di un ritratto da camera, che diventerà poi intimo. Opere significative dell'artista: gli Sheremetyev, P. B. Sheremetyev durante l'infanzia.

Non dovresti pensare che a quel tempo non esistessero altri generi in Russia, ma i grandi artisti russi del XVIII secolo crearono le opere più significative nel genere dei ritratti.

L'apice del XVIII secolo fu opera di Rokotov, Levitsky e Borovikovsky. La persona nei ritratti degli artisti è degna di ammirazione, attenzione e rispetto. L'umanità dei sentimenti è un segno distintivo dei loro ritratti.

Fëdor Stepanovich Rokotov (1735-1808)

Non si sa quasi nulla di Fyodor Stepanovich Rokotov, un artista russo del XVIII secolo proveniente dai servi del principe I. Repnin. Questo artista dipinge ritratti di donne in modo dolce e arioso. La bellezza interiore è sentita da Rokotov e trova i mezzi per incarnarla sulla tela. Anche la forma ovale dei ritratti sottolinea solo l'aspetto fragile ed elegante delle donne.

Il genere principale del suo lavoro è un ritratto a metà vestito. Tra le sue opere ci sono i ritratti di Grigory Orlov e Pietro III, della principessa Yusupova e del principe Pavel Petrovich.

Dmitrij Grigorievich Levitskij (1735-1822)

Il famoso artista russo del XVIII secolo, Dmitry Grigoryevich Levitsky, uno studente di A. Antropov, è stato in grado di catturare e ricreare sensibilmente nei suoi dipinti gli stati mentali e le caratteristiche delle persone. Raffigurando i ricchi, rimane sincero e imparziale, i suoi ritratti escludono ossequiosità e bugie. Il suo pennello possiede un'intera galleria di ritratti di grandi personaggi del XVIII secolo. È nel ritratto cerimoniale che Levitsky si rivela un maestro. Trova pose espressive, gesti, mostrando nobili nobili. La storia russa nei volti: così viene spesso chiamata il lavoro di Levitsky.
Dipinti appartenenti al pennello dell'artista: ritratti di M. A. Lvova, E. I. Nelidova, N. I. Novikov, i Mitrofanov.

Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825)

Gli artisti russi dei secoli XVIII e XIX si distinguono per il loro appello al cosiddetto ritratto sentimentale. L'artista Vladimir Lukich Borovikovsky dipinge ragazze pensierose, che sono raffigurate nei suoi ritratti con colori chiari, sono ariose e innocenti. Le sue eroine non sono solo contadine russe in abiti tradizionali, ma anche rispettate signore dell'alta società. Questi sono i ritratti di Naryshkina, Lopukhina, la principessa Suvorova, Arsenyeva. Le immagini sono in qualche modo simili, ma è impossibile dimenticarle. si distingue per la sorprendente sottigliezza dei personaggi trasmessi, le caratteristiche quasi sfuggenti delle esperienze emotive e il sentimento di tenerezza che unisce tutte le immagini. Nelle sue opere Borovikovsky rivela tutta la bellezza di una donna di quel tempo.

L'eredità di Borovikovsky è molto varia ed estesa. Ci sono nella sua opera sia ritratti cerimoniali, sia tele in miniatura e intime. Tra le opere di Borovikovsky, i più famosi furono i ritratti di V. A. Zhukovsky, G. R. Derzhavin, A. B. Kurakin e Paolo I.

Dipinti di artisti russi

I dipinti del XVIII secolo di artisti russi sono scritti con amore per una persona, il suo mondo interiore e rispetto per le virtù morali. Lo stile di ogni artista, da un lato, è molto individuale, dall'altro ha diverse caratteristiche comuni con gli altri. Questo momento ha determinato lo stile stesso che sottolinea il carattere dell'arte russa nel XVIII secolo.

La maggior parte degli artisti russi del XVIII secolo:

1. "Giovane pittore" Seconda metà degli anni Sessanta del Settecento L'autore Ivan Firsov è l'artista più enigmatico del XVIII secolo. Il dipinto raffigura un ragazzo in uniforme che dipinge il ritratto di una bellissima bambina.
2. “Addio di Ettore ad Andromaca”, 1773 Autore Anton Pavlovich Losenko. L'ultimo dipinto dell'artista. Raffigura una scena del sesto canto dell'Iliade di Omero.
3. "Ponte di pietra a Gatchina vicino a Connetable Square", 1799-1801. Autore Semyon Fedorovich Shchedrin. L'immagine mostra una vista orizzontale.

E ancora

Gli artisti russi del XVIII secolo cercavano ancora di rivelare la verità e i veri caratteri delle persone, nonostante le condizioni di servitù della gleba e i desideri dei ricchi clienti. Il genere dei ritratti nel XVIII secolo incarnava le caratteristiche specifiche del popolo russo.

Indubbiamente, si può dire che, per quanto l'arte del XVIII secolo sia stata influenzata dalla cultura europea, ha comunque portato allo sviluppo delle tradizioni nazionali russe.

Olanda. 17 ° secolo Il paese sta vivendo una prosperità senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo diverse province del paese ottennero l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi protestanti hanno preso la loro strada. E le Fiandre cattoliche (ora Belgio) sotto l'ala della Spagna sono le sue.

Nell'Olanda indipendente, quasi nessuno aveva bisogno della pittura religiosa. La Chiesa protestante non approvava il lusso delle decorazioni. Ma questa circostanza "ha fatto il gioco" della pittura secolare.

Letteralmente ogni abitante del nuovo paese ha risvegliato l'amore per questo tipo di arte. Gli olandesi volevano vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti sono andati volentieri loro incontro.

Mai prima d’ora la realtà circostante è stata rappresentata così tanto. Gente comune, stanze normali e la colazione più ordinaria di un abitante della città.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo sarà un degno concorrente dell'accademismo con le sue ninfe e dee greche.

Questi artisti sono chiamati "piccoli" olandesi. Perché? I dipinti erano di piccole dimensioni, perché realizzati per piccole case. Quindi, quasi tutti i dipinti di Jan Vermeer non sono alti più di mezzo metro.

Ma mi piace di più l'altra versione. Nei Paesi Bassi, nel XVII secolo, visse e lavorò un grande maestro, un “grande” olandese. E tutti gli altri erano "piccoli" in confronto a lui.

Stiamo parlando, ovviamente, di Rembrandt. Cominciamo con lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto all'età di 63 anni. 1669 Galleria Nazionale di Londra

Rembrandt ha avuto la possibilità di provare la più ampia gamma di emozioni durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori c'è così tanto divertimento e spavalderia. E tanti sentimenti complessi - in quelli successivi.

Eccolo giovane e spensierato nel dipinto “Il figliol prodigo nella taverna”. In ginocchio c'è l'amata moglie di Saskia. È un artista popolare. Gli ordini fioccano.

Rembrandt. Il figliol prodigo nella taverna. 1635 Galleria dei Maestri Antichi, Dresda

Ma tutto questo scomparirà tra circa 10 anni. Saskia morirà di tisi. La popolarità scomparirà come fumo. Una grande casa con una collezione unica verrà portata via per debiti.

Ma apparirà lo stesso Rembrandt, che rimarrà per secoli. I sentimenti nudi dei personaggi. I loro pensieri più segreti.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitano d'Arte, New York

Frans Hals è uno dei più grandi ritrattisti di tutti i tempi. Pertanto lo classificherei anche tra i "grandi" olandesi.

In Olanda a quel tempo era consuetudine commissionare ritratti di gruppo. Quindi c'erano molte opere simili raffiguranti persone che lavoravano insieme: tiratori della stessa corporazione, medici della stessa città, che gestivano una casa di cura.

In questo genere, Hals si distingue di più. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti sembrava un mazzo di carte. Le persone si siedono al tavolo con la stessa espressione sui volti e si limitano a guardare. Hals era diverso.

Guarda il suo ritratto di gruppo "Frecce della Gilda di S. Giorgio".

Frans Hals. Frecce della Gilda di S. Giorgio. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella postura o nell'espressione facciale. Allo stesso tempo, non c'è caos qui. I personaggi sono tanti, ma nessuno sembra superfluo. Grazie alla disposizione sorprendentemente corretta delle figure.

Sì, e in un unico ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone dell'alta società nei suoi dipinti sono prive di grandiosità inverosimile e le modelle dal basso non sembrano umiliate.

E i suoi personaggi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, questo "Gypsy" dallo sguardo sornione.

Frans Hals. Zingaro. 1625-1630

Hals, come Rembrandt, concluse la sua vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo andava contro i gusti dei clienti. Chi voleva abbellire il proprio aspetto. Hals non ha scelto apertamente l'adulazione, e così ha firmato la sua frase: "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerardo Terborch. Auto ritratto. 1668 Galleria reale Mauritshuis, L'Aia, Paesi Bassi

Terborch era un maestro del genere domestico. I ricchi e non molto borghesi parlano lentamente, le donne leggono le lettere e una mezzana osserva il corteggiamento. Due o tre figure ravvicinate.

Fu questo maestro a sviluppare i canoni del genere domestico. Che verrà poi preso in prestito da Jan Vermeer, Pieter de Hooch e tanti altri “piccoli” olandesi.

Gerardo Terborch. Un bicchiere di limonata. 1660. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

A Glass of Lemonade è una delle opere famose di Terborch. Mostra un altro vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

Terborch ha anche opere insolite. Il che parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "Grinder" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e stanze pulite nelle foto dei “piccoli” olandesi. Ma Terborch ha osato mostrare l'Olanda poco attraente.

Gerardo Terborch. Macinino. 1653-1655 Musei statali di Berlino

Come hai capito, tali lavori non erano richiesti. E sono un evento raro anche a Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Non si sa con certezza che aspetto avesse Jan Vermeer. È ovvio solo che nel dipinto "Bottega dell'artista" ha raffigurato se stesso. Vero da dietro.

Pertanto, è sorprendente che recentemente sia diventato noto un fatto nuovo della vita del maestro. È associato al suo capolavoro "Via di Delft".

Jan Vermeer. Via Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam

Si è scoperto che Vermeer ha trascorso la sua infanzia in questa strada. La casa nella foto apparteneva a sua zia. Ha cresciuto lì i suoi cinque figli. Potrebbe essere seduta sulla soglia di casa a cucire mentre i suoi due figli giocano sul marciapiede. Lo stesso Vermeer viveva nella casa di fronte.

Ma più spesso raffigurava l'interno di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una bella signora, una ricca cittadina, che controlla il lavoro della sua bilancia.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663 Galleria Nazionale d'Arte, Washington

In che modo Vermeer si distingueva tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un insuperabile maestro della luce. Nel dipinto “Donna con la bilancia”, la luce avvolge delicatamente il volto dell'eroina, i tessuti e le pareti. Conferire all'immagine una spiritualità sconosciuta.

E le composizioni dei dipinti di Vermeer sono attentamente verificate. Non troverai un singolo dettaglio in più. Basta rimuoverne uno, l'immagine “si sbriciolerà” e la magia scomparirà.

Tutto questo non è stato facile per Vermeer. Una qualità così straordinaria ha richiesto un lavoro scrupoloso. Solo 2-3 dipinti all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato anche come mercante d'arte, vendendo opere di altri artisti.

5. Pieter de Hooch (1629-1884)

Pietro de Hooch. Auto ritratto. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoch è spesso paragonato a Vermeer. Lavoravano nello stesso periodo, c'è stato addirittura un periodo nella stessa città. E in un genere: quello domestico. In Hoch vediamo anche una o due figure in accoglienti cortili o stanze olandesi.

Le porte e le finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertente. E le figure si inseriscono in questo spazio in modo molto armonioso. Come, ad esempio, nel suo dipinto "Servo con una ragazza nel cortile".

Pietro de Hooch. Cameriera con una ragazza nel cortile. 1658 Galleria Nazionale di Londra

Fino al XX secolo l'Hoch era molto apprezzato. Ma pochi notarono le poche opere del suo concorrente Vermeer.

Ma nel XX secolo tutto è cambiato. La gloria di Hoch svanì. Tuttavia, è difficile non riconoscere i suoi successi nella pittura. Poche persone potrebbero combinare l'ambiente e le persone in modo così competente.

Pietro de Hooch. Giocatori di carte nella veranda. 1658 Collezione d'arte reale, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sulla tela "Giocatori di carte" c'è un'immagine in una cornice costosa.

Ciò parla ancora una volta di quanto fosse popolare la pittura tra gli olandesi comuni. Le immagini adornavano ogni casa: la casa di un ricco borghese, un modesto abitante della città e persino un contadino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Stan. Autoritratto con liuto. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen è forse il "piccolo" olandese più allegro. Ma amare il moralismo. Raffigurava spesso taverne o case povere in cui si trovava il vizio.

I suoi personaggi principali sono festaioli e donne di facili virtù. Voleva intrattenere lo spettatore, ma implicitamente metterlo in guardia contro una vita viziosa.

Jan Stan. Caos. 1663 Museo di Storia dell'Arte, Vienna

Stan ha anche lavori più tranquilli. Come, ad esempio, "Toilette mattutina". Ma anche qui l'artista sorprende lo spettatore con dettagli troppo franchi. Ci sono tracce di gomma da calza e non di un vaso da notte vuoto. E in qualche modo non è affatto così che il cane giace sul cuscino.

Jan Stan. Toilette mattutina. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ma nonostante tutta la frivolezza, gli schemi di colori di Stan sono molto professionali. In questo superò molti dei "piccoli olandesi". Guarda come la calza rossa si abbina perfettamente alla giacca blu e al tappeto beige brillante.

7. Jacobs Van Ruysdael (1629-1882)

Ritratto di Ruisdael. Litografia da un libro del XIX secolo. Dettagli Categoria: Belle arti e architettura della fine del XVI-XVIII secolo Pubblicato il 06.02.2017 15:37 Visualizzazioni: 2498

Nel nostro articolo parleremo di due artisti: Jan van Goyene E Jacob van Ruisdale.

Entrambi vissero nell'era della liberazione dell'Olanda dal giogo straniero, e quella fu l'età d'oro della pittura olandese. Fu nell'arte olandese che iniziarono a svilupparsi i seguenti generi: ritratto, paesaggio, genere quotidiano, natura morta. Ciò non è stato osservato allora nemmeno nei centri d'arte eccezionali - in Italia o in Francia. L'arte dell'Olanda nel XVII secolo. divenne un fenomeno peculiare nel mondo artistico europeo del XVII secolo. I maestri olandesi aprirono la strada agli artisti di altre scuole d'arte nazionali europee.

Jan van Goyen (1596-1656)

Terborch "Ritratto di van Goyen" (1560 circa)

Jan van Goyen è uno dei primi artisti a rappresentare la natura in modo naturale, semplice, senza abbellimenti. È il creatore del paesaggio nazionale olandese. La natura del suo paese gli ha dato abbastanza soggetti per tutta la sua vita.
Jan van Goyen nacque nel 1596 a Leida da una famiglia di calzolai.
Sebbene Jan van Goyen abbia trascorso qualche tempo a Parigi nella sua giovinezza, l'amore per un paesaggio semplice era sconosciuto in Francia, quindi non vale la pena parlare dell'influenza dei rappresentanti della pittura francese sul suo lavoro.
Nel suo paese ha avuto diversi insegnanti di pittura, ma ha trascorso un anno solo nello studio di Isaiah van de Velde e ha comunicato ancora meno con il resto dei mentori.

Jan van Goyen "Paesaggio con dune" (1630-1635). Kunsthistorisches Museum (Vienna)

Creazione

All'inizio, Goyen dipinse villaggi o dintorni olandesi con la loro vegetazione, poi le vedute costiere iniziarono a predominare nei suoi dipinti, dove la maggior parte dei dipinti erano occupati dal cielo e dall'acqua.

Jan van Goyen "Veduta del fiume" (1655). Mauritshuis (L'Aia)

Alberi, capanne o edifici cittadini svolgono un ruolo secondario nei suoi dipinti, ma hanno un aspetto molto pittoresco, così come piccole navi a vela e a remi con figure di pescatori, timonieri e passeggeri.
I dipinti di Goyen sono prevalentemente monotoni. L'artista amava la semplicità del colore, ma allo stesso tempo i suoi colori sono armoniosi. Ha applicato la vernice con uno strato leggero.

Jan van Goyen Veduta della Merwede vicino a Dordrecht (1645 circa). Rijksmuseum (Amsterdam)

Le ultime opere dell'artista si distinguono per una tavolozza quasi monocromatica e il fondo traslucido conferisce loro una profondità speciale e un fascino unico.

Jan van Goyen Paesaggio con due querce (1641). Rijksmuseum (Amsterdam)

I suoi dipinti sono piacevoli proprio per la loro semplicità e realismo. L'artista ha realizzato numerose tele artistiche, ma non sempre il suo lavoro è stato degnamente ricompensato. Pertanto, Goyen dovette guadagnare denaro extra in altri modi: commerciava tulipani, si occupava della valutazione e della vendita di opere d'arte, immobili e terreni. Ma i tentativi di imprenditorialità di solito non portavano al successo.

Jan van Goyen "Scena invernale sul ghiaccio"

Ora il suo lavoro è apprezzato e qualsiasi museo considera i suoi dipinti oggetti preziosi.
All'Ermitage si trovano anche diversi dipinti di Jan van Goyen: “Vista del fiume. Mosa, vicino a Dortrecht", "Costa di Scheveningen, vicino a L'Aia", "Paesaggio invernale", "Vista sul fiume. Mosa", "Vista rurale", "Paesaggio con quercia", ecc.

Jan van Goyen "Paesaggio con quercia"

Oltre alla pittura, Goyen era impegnato nell'acquaforte (un tipo di incisione su metallo) e nel disegno.

Nel 1632, Goyen si trasferì con la sua famiglia all'Aia, dove visse fino alla fine della sua vita, fino al 1656.

Jacob van Ruisdael (1628/1629-1682)

Jacob Isaacs van Ruisdael è nato e morto ad Haarlem (Paesi Bassi). Non ci sono ritratti esatti di lui. Questo ritratto è solo speculativo.
Attualmente Ruisdael è considerato il più importante paesaggista olandese, ma durante la sua vita il suo talento non fu apprezzato nella giusta misura. Il suo insegnante potrebbe essere suo zio, l'artista Solomon van Ruysdael.
Ruisdael era anche un chirurgo praticante con sede ad Amsterdam.

Creazione

L'artista ha abilmente trasmesso le emozioni umane attraverso il paesaggio. E per lui, qualsiasi componente del paesaggio era importante: un ramo di un albero piegato da una folata di vento, un filo d'erba schiacciato, una nuvola temporalesca, un sentiero calpestato ... E tutte queste componenti erano armoniosamente combinate nei suoi dipinti in un unico NATURA.
Ha scritto a piccoli tratti. Gli piaceva dipingere boschetti, paludi, cascate, piccole città o villaggi olandesi e, soprattutto, un cielo trionfante. I paesaggi di Ruisdael sono comprensibili a qualsiasi persona di qualsiasi nazionalità, perché esprimono un'unità comune con la natura per tutte le persone.
Ruisdael ha creato circa 450 dipinti. Altre fonti danno il numero come 600. La maggior parte dei suoi paesaggi sono dedicati alla natura dei suoi Paesi Bassi nativi, ma dipinse anche le foreste di querce della Germania e le cascate della Norvegia.

Il diciassettesimo secolo è il periodo di massimo splendore del periodo feudale in Russia. In questo periodo il sistema feudale-servizio si rafforzò e lungo il cammino nacquero legami borghesi nel profondo dello stesso sistema. Il rapido sviluppo delle città e della società in generale ha portato al fiorire della cultura. Anche la pittura nel XVII secolo in Russia si rafforzò. Le masse iniziarono a concentrarsi nelle grandi città, che a loro volta furono la ragione principale di un così rapido sviluppo della cultura. Gli orizzonti del popolo russo furono ampliati anche dall'inizio della produzione industriale, che lo costrinse a dare uno sguardo più da vicino alle lontane regioni del paese. Vari elementi secolari permeano la pittura russa del XVII secolo. I dipinti stanno diventando sempre più popolari.

L'impatto della chiesa sull'arte

Anche la chiesa si rese conto della grande forza d'impatto dell'arte, in particolare della pittura. I rappresentanti del clero hanno cercato di controllare la scrittura delle immagini, cercando di subordinarle al dogma religioso. Maestri popolari: i pittori che, a loro avviso, si discostavano dai canoni stabiliti, furono sottoposti a persecuzione.

La pittura nel XVII secolo in Russia era ancora lontana dalle tendenze realistiche e si sviluppava in modo estremamente lento. In primo piano c'era ancora una visione astratta, dogmatica e allegorica della pittura. Icone e murales erano congestionati da piccole scene e oggetti attorno all'immagine principale. Caratteristiche dell'epoca erano anche le iscrizioni esplicative sulle immagini.

Personalità e dipinti del XVII secolo

Descrivendo la pittura del XVII secolo in Russia, non si può non menzionare l'artista Simon Fedorovich Ushakov, autore di dipinti famosi come "Il Salvatore non fatto a mano", "Trinità" e "Piantare l'albero dello stato russo". ”. Un fenomeno notevole nella pittura è stato l'interesse per l'uomo come persona. Ciò è stato evidenziato dalla diffusa ritrattistica del XVII secolo in Russia.

Va notato che il ritratto divenne proprietà delle masse solo dalla metà del XVIII secolo, e fino ad allora solo chi era vicino al potere supremo poteva lasciare un ricordo di sé sulla tela dell'artista. Numerosi dipinti cerimoniali e decorativi furono realizzati per grandi spazi pubblici come l'Accademia delle Arti, il Senato, l'Ammiragliato e i Palazzi Imperiali. Le famiglie potevano anche ordinare dei ritratti, ma non li ostentavano, ma li lasciavano nella propria cerchia. Potrebbero decorare anche i poveri appartamenti dell'intellighenzia di San Pietroburgo, che cercavano di seguire le tendenze e la moda della società.

Influenza sulla pittura russa della cultura dell'Europa occidentale

Va notato che la pittura nel XVII secolo in Russia è cambiata molto, soprattutto la ritrattistica. Il mondo reale con destini e processi reali cominciò a venire alla ribalta. Tutto è diventato più secolare e realistico. Un’enorme influenza proveniva dall’Occidente. I gusti estetici dell'Occidente iniziarono gradualmente a confluire in Russia. Ciò valeva non solo per l'arte in generale, ma anche per oggetti artistici come piatti, carrozze, vestiti e molto altro. È diventato popolare dedicarsi ai ritratti come hobby. Era di moda portare in dono al re dipinti raffiguranti monarchi. Oltre a ciò, gli inviati non erano contrari ad acquisire ritratti di loro interesse nelle capitali del mondo. Un po 'più tardi divenne popolare imitare l'abilità di dipingere su tela di artisti stranieri. Compaiono i primi "Titolari", in cui sono raffigurati ritratti di sovrani stranieri e russi.

Nonostante il fatto che la resistenza di alcuni circoli crescesse in maniera direttamente proporzionale all'aumento della popolarità dell'arte popolare, era semplicemente impossibile contenere il movimento. Nella seconda metà del secolo, la pittura del XVII secolo guadagnò slancio in Russia. Uno dei principali laboratori dei centri d'arte era quello in cui più di cento dipinti furono dipinti da due dozzine di maestri sotto la guida di Loputsky, Wukhters e Bezmin. Le loro opere riflettevano le tendenze contraddittorie esistenti nella pittura. Alcuni dipinti sono stati realizzati nello stile ufficiale e l'altra parte nello stile dell'Europa occidentale.

Novità nella ritrattistica

La pittura nel XVII secolo in Russia cambiò aspetto. Il genere secolare, il ritratto, ha assunto una nuova forma. L'uomo è diventato il tema principale dell'arte. Si può concludere che il ruolo dell'individuo come persona è aumentato. I "volti" canonici passarono in secondo piano e lasciarono il posto alle relazioni mondane e alla personalità nel suo insieme. La poesia è diventata degna di una persona reale, e non solo di un divino o di un santo. Il ritratto cerimoniale ha lasciato la scena dell'arte russa. Naturalmente la sua influenza non è finita oggi, ma è diventata meno significativa. Nel periodo petrino trova posto anche sul suolo russo, ed esiste addirittura alla pari del ritratto europeo.

Conclusione

È così che si è sviluppata la pittura del XVII secolo in Russia. In breve, possiamo concludere che fu in questo secolo che si verificò una svolta nell'arte, che influenzò la cultura del paese e il suo ulteriore sviluppo.