La vita del villaggio russo era dura. La cosiddetta questione del reinsediamento preoccupava in quegli anni molti rappresentanti della cultura e dell'arte russa avanzata. Anche V. G. Perov, il fondatore del realismo critico, non è passato da questo argomento. Conosciuto, ad esempio, il suo disegno "La morte di un colono".
I coloni fecero un'impressione dolorosa su A.P. Cechov, che viaggiò nel 1890 sulla strada per Sakhalin attraverso tutta la Siberia. Sotto l'influenza delle conversazioni con Cechov, viaggiò lungo il Volga e Kama, negli Urali e da lì in Siberia e N. Teleshov. "Al di là degli Urali, ho visto la vita estenuante dei nostri coloni", ha ricordato, "le difficoltà e le difficoltà quasi favolose della vita contadina del popolo".
Ivanov ha trascorso una buona metà della sua vita viaggiando per la Russia, con attenzione, con vivo interesse, conoscendo la vita dei lavoratori multiformi. In questi incessanti vagabondaggi conobbe anche la vita dei coloni. “Molte dozzine di miglia ha camminato con loro nella polvere delle strade, sotto la pioggia, il maltempo e il sole cocente nelle steppe”, raccontano gli amici di Ivanov, “ha trascorso molte notti con loro, riempiendo i suoi album di disegni e appunti , molte scene tragiche sono passate davanti ai suoi occhi.
Incapace di aiutare queste persone, l'artista ha pensato con dolore all'immensa tragedia della loro situazione e all'inganno dei loro sogni di "felicità", che non erano destinati a trovare nelle condizioni della Russia zarista.
Alla fine del 1880, Ivanov concepì una vasta serie di dipinti che raccontavano costantemente la vita dei coloni. Nella prima foto - "Rus' is coming" - l'artista ha voluto mostrare l'inizio del loro viaggio, quando le persone sono ancora allegre, sane e piene di brillanti speranze. “Reinsediamento. Camminatori. 1886 .
Una delle immagini finali del ciclo è “On the road. The Death of a Settler” è il lavoro più forte della serie pianificata. Altre opere su questo argomento, realizzate prima e poi da numerosi scrittori e artisti, non hanno rivelato così profondamente e allo stesso tempo così semplicemente la tragedia dei coloni in tutta la sua terribile verità.
"Sulla strada. Morte di un migrante. 1889
Calore incandescente della steppa. Una leggera foschia spegne la linea dell'orizzonte. Questa terra desertica bruciata dal sole sembra sconfinata. Ecco una famiglia di immigrati solitaria. A quanto pare, l'ultimo estremo l'ha costretta a fermarsi in questo luogo spoglio, che non era protetto da nulla dal sole cocente.
Il capofamiglia, il capofamiglia, è morto. Cosa attende la sfortunata madre e figlia in futuro: una domanda del genere che tutti si pongono involontariamente guardando l'immagine. E la risposta è chiara. Si legge nella figura di una madre distesa sulla nuda terra. Non ci sono parole né lacrime per una donna dal cuore spezzato.
In muta disperazione, gratta la terra secca con le dita ricurve. Si legge la stessa risposta nel volto smarrito, annerito, come un tizzone spento, della ragazza, nei suoi occhi congelati dall'orrore, in tutta la sua figura intorpidita ed emaciata. Non c'è speranza per nessun aiuto!
Ma di recente, la vita brillava in una piccola casa di trasporto. Il fuoco scoppiettava, si stava preparando una magra cena, la padrona di casa era impegnata vicino al fuoco. L'intera famiglia sognava che da qualche parte lontano, in una terra sconosciuta e benedetta, sarebbe presto iniziata per lei una nuova vita felice.
Ora è crollato tutto. L'operaio principale è morto, ovviamente, è caduto anche il cavallo esausto. Il collare e l'arco non servono più: vengono gettati con noncuranza vicino al carro. Il fuoco nel focolare si spense. Un secchio rovesciato, le aste nude di un treppiede vuoto, tese, come braccia, aste vuote in muta angoscia - com'è irrimediabilmente triste e tragico tutto questo!
Coloni (coloni di ritorno), 1888
Ivanov ha cercato consapevolmente proprio una tale impressione. Come Perov in "Seeing the Dead", ha chiuso il dolore con una ristretta cerchia familiare, abbandonando le figure di donne comprensive che erano nello schizzo preliminare del quadro. Volendo sottolineare ulteriormente il destino dei coloni, l'artista ha deciso di non includere nel quadro il cavallo, che era anche nello schizzo..
Il potere della pittura di Ivanov non si limita alla trasmissione veritiera di un particolare momento. Quest'opera è un'immagine tipica della vita contadina nella Russia post-riforma.
Fonti.
http://www.russianculture.ru/formp.asp?ID=80&full
http://www.rodon.org/art-080808191839
La generazione più giovane degli Erranti ha dato un grande contributo allo sviluppo dell'arte democratica russa, riflettendo in modi diversi la fase proletaria del movimento di liberazione in Russia. Il contenuto ideologico e i mezzi espressivi dell'arte si sono notevolmente arricchiti e le individualità creative si sono manifestate in vari modi.
SA Korovin(1858-1908). In tutto il lavoro di Sergei Alekseevich Korovin, il tema contadino scorre come un filo rosso. La stratificazione della campagna russa, l'emergere di pugni divoratori di mondo che opprimevano i contadini senza terra, è rivelata in modo vivido ed espressivo nel suo dipinto "On the World" (1893, ill. 181). Il villaggio qui è apparso completamente nuovo: non esiste un ex patriarcato, è cambiato anche l'aspetto dei contadini, i rapporti tra loro sono cambiati. Korovin ha lavorato a lungo alla composizione, ha scritto molti schizzi. In tutto si vede l'occhio attento di un artista che conosceva bene la moderna psicologia contadina.
La composizione introduce immediatamente lo spettatore nello spazio del quadro, rivelando la trama: una disputa tra il povero e il pugno. E la colorazione, sostenuta in una tonalità grigio-ocra, trasmette lo stato di una giornata nuvolosa, sottolineando il contenuto drammatico della trama.
Mostra in modo veritiero e convincente lo stato d'animo generale di coloro che si sono riuniti all'incontro. La maggioranza non è ancora in grado di comprendere l'essenza dei cambiamenti che hanno preso forma con l'invasione della vita delle campagne da parte dell'ordine capitalista. La folla di contadini è incatenata in silenzio, su alcuni volti - smarrimento. Un grave dubbio è espresso nel vecchio seduto con le spalle allo spettatore.
Korovin contrapponeva la chiusura della folla di contadini a un'aperta manifestazione di sentimenti tra gli stessi che discutevano. Il volto del pover'uomo, distorto dal dolore, il movimento brusco della figura raffigura l'angoscia mentale di un uomo spinto alla disperazione. Nell'immagine di un pugno: calma, ipocrisia e astuzia.
In modo profondo e appropriato, evitando dettagli meschini, ma trasmettendo accuratamente la situazione, Korovin rivela il significato delle contraddizioni sociali nel villaggio, rivelando una distinta posizione civica. Il significato artistico e cognitivo dell'immagine è grande: questo documento dell'epoca rivive nelle immagini.
AE Arkhipov(1862-1930). Tra i giovani Wanderers spicca l'artista dal talento originale, Abram Efimovich Arkhipov. Veniva da contadini e conosceva bene la vita forzata del popolo. La maggior parte delle sue opere, come quelle di S. A. Korovin, sono dedicate al tema contadino. Sono laconici nella composizione e sono sempre pieni di luce, aria, reperti pittoreschi.
In uno dei primi dipinti di Arkhipov, "Visita ai malati" (1885), l'attenzione è rivolta a una rappresentazione completa e veritiera della vita di una povera famiglia di contadini e di una triste conversazione tra due donne anziane. Il paesaggio soleggiato nella porta aperta parla di nuove ricerche coloristiche.
Un'opera eccezionale fu il dipinto "Sul fiume Oka" (1889, ill. 182), dove Arkhipov raffigurava un gruppo di contadini seduti su una chiatta. Sono così caratteristici, scritti con tale calore e conoscenza dei personaggi popolari, e il paesaggio estivo è così luminoso e bello che l'immagine è stata accolta dai contemporanei come una rivelazione artistica.
Arkhipov amava la modesta bellezza della natura russa e l'ha catturata poeticamente. Il suo "Reverse" (1896) è profondamente lirico. La composizione è originariamente costruita: la sedia a sdraio è per metà tagliata dal bordo inferiore della tela, il cocchiere si siede con le spalle allo spettatore - sembra che noi stessi stiamo guidando attraverso questo ampio campo, il campanello suona e una canzone selvaggia e piena di sentimento flussi. I toni rosati che si sciolgono del cielo che sbiadisce, il colore tenue dell'erba e la strada polverosa trasmettono sottilmente l'atmosfera del giorno morente e una leggera tristezza inspiegabile.
L'immagine di una lavoratrice è dedicata da Arkhipov al dipinto "Lavoratori a giornata in una fonderia di ferro" (1896); Più chiaramente, la sorte senza speranza del lavoratore russo si riflette in una delle migliori opere di Arkhipov, Le lavandaie, conosciuta in due versioni: nella Galleria Statale Tretyakov e nel Museo Statale Russo (fine 1890, riproduz. XIII).
L'artista porta lo spettatore nel seminterrato buio e soffocante di una misera lavanderia, raffigurandolo in frammenti. La composizione sembra strappata alla vita. Come per caso, abbiamo guardato in questa stanza e ci siamo fermati davanti allo spettacolo aperto. Con rapidi tratti ampi di toni sbiaditi, Arkhipov ha trasmesso le figure delle lavandaie che lavorano, il pavimento bagnato della lavanderia, l'aria satura di umidità, la luce del crepuscolo che si riversa dalla finestra. Indimenticabile è l'immagine di una donna anziana in primo piano, seduta per riposare: una schiena stancamente curva, una testa che le cade sulla mano, un pensiero pesante sul viso. L'artista sembra parlare del destino di tutti i lavoratori.
Riflettendo la vita desolata dei lavoratori, Arkhipov non ha mai perso la fiducia nella sua forza inesauribile, speranza per un futuro migliore. Un brillante inizio ottimista dominava nella maggior parte delle sue opere, particolarmente evidente nel 1900, alla vigilia dei grandi eventi rivoluzionari.
Nei paesaggi settentrionali di Arkhipov ci sono motivi semplici ea prima vista insignificanti di natura aspra. Capanne solitarie, il bordo del cielo, a volte trasparente, a volte nuvoloso, la superficie liscia del fiume. Ma quale fascino l'artista estrae da questi motivi e dalla modesta scala di grigi! I dipinti di Arkhipov sono intrisi di un sentimento allegro e affermativo di una persona russa semplice, nata in stretta comunione con la sua natura nativa.
Il sole splendente permea le opere di Arkhipov, dedicate alla vita contadina. Le sue tele colorate esprimono ammirazione per la salute fisica e morale del popolo russo. Non a caso anche la sua tavolozza è cambiata, diventando più contrastante e decorativamente generosa. Arkhipov ha continuato questa serie di lavori dopo la Grande Rivoluzione Socialista d'Ottobre.
SV Ivanov(1864-1910). Uno dei seguaci più coerenti delle tradizioni del realismo critico fu Sergei Vasilyevich Ivanov. Nelle nuove condizioni storiche, ha potuto vedere le profonde contraddizioni della realtà russa e ha risposto a molte domande urgenti con le sue opere.
Ivanov ha dedicato una vasta serie di opere al difficile destino dei contadini migranti, ai loro vagabondaggi forzati intorno alla Rus'. Il triste destino di una famiglia che ha perso il suo capofamiglia si riflette nella migliore immagine di questa serie: "On the Road. Death of a Settler" (1889, ill. 184).
Con un incorruttibile senso della verità, SV Ivanov conduce una storia pittoresca piena di contenuto sincero. L'intera scena, i dettagli quotidiani accuratamente selezionati sono scritti con mano attenta e conferiscono alla trama l'autenticità di un evento dal vivo che si svolge davanti ai nostri occhi. La scala delle figure è sapientemente trovata in relazione allo spazio del paesaggio: avvicinandosi all'orizzonte lontano, ricorda un lungo e difficile viaggio attraverso la terra arida dal caldo. Una persona sola, indifesa, sofferente in mezzo al silenzio della natura è l'essenza del concetto creativo dell'artista.
All'inizio degli anni 1890, Ivanov divenne uno dei primi cronisti della lotta rivoluzionaria in Russia. Già nel 1889 dipinse il dipinto "Riot in the Village", che racconta la crescente protesta sociale tra i contadini, e nel 1891 - "Stage". Colpì l'artista la terribile vista dei prigionieri sdraiati fianco a fianco sul pavimento nel punto di transito, i piedi nudi in catene. Solo nel profondo noti lo sguardo penetrante di qualche condannato rivolto a te.
A metà degli anni 1890, Ivanov si rivolgeva spesso a temi della storia russa dei secoli XVI-XVII. Nei suoi dipinti storici ci sono caratteristiche comuni al lavoro della maggior parte dei pittori contemporanei: interpretazione quotidiana di trame e colore decorativo. Ma a differenza di molti Ivanov non ha perso interesse per il lato sociale del raffigurato. Tali, ad esempio, sono i dipinti "Arrivo degli stranieri a Mosca del XVII secolo" (1901, ill. 185), che trasmettevano perfettamente l'aspetto storicamente corretto dell'antica capitale e i caratteri dei suoi abitanti, e "Zar. XVI secolo" (1902), percepito dai contemporanei come un'immagine satirica dell'autocrazia.
Gli eventi della rivoluzione del 1905-1907 catturarono Ivanov e provocarono una nuova impennata creativa. Anche alla vigilia, ha dedicato il dipinto "Lo sciopero" agli operai che si ribellarono in fabbrica. In tutta la sua forza, il suo talento si è manifestato nella tela relativamente piccola "Esecuzione" (1905). È una delle opere più significative che riflette il sanguinoso massacro dello zarismo sul popolo. Questa è un'immagine severa e laconica, costruita sul contrasto di chiari piani pittoreschi.
Sulla tela c'è una piazza deserta, inondata dal sole della sera, chiusa da una fila di case ombreggiate e una sagoma scura e solitaria di un operaio assassinato. Da questo grande piano luminoso e figura immobile, l'artista conduce l'occhio dello spettatore nelle profondità. A sinistra puoi vedere le prime file di cosacchi in fumo di polvere, a destra - i manifestanti. Lo stendardo rosso - il punto più luminoso - evidenzia questa parte della composizione. Dà l'impressione di un evento vivo e tragico che si svolge davanti ai nostri occhi.
Il dipinto di Ivanov è percepito come un simbolo non solo del massacro del popolo insorto, come intendeva l'artista, ma dell'intero destino della prima rivoluzione russa, brutalmente repressa dallo zarismo.
N. A. Kasatkin(1859-1930). Uno studente di V. G. Perov, Nikolai Alekseevich Kasatkin, nei suoi primi lavori, si è rivolto a immagini popolari e trame drammatiche. Presto il tema principale del suo lavoro fu la vita della classe operaia e la lotta rivoluzionaria del proletariato russo.
Già nel 1892 Kasatkin dipinse il dipinto "It's Hard", raffigurante il triste appuntamento di un giovane operaio ferito con la sua sposa, una povera sarta. L'espressione di tristezza e ansia sul volto della ragazza contrasta con la determinazione e la sicurezza dell'operaio. Inizialmente il dipinto si chiamava "Petrel", ma l'artista fu costretto a cambiare nome per motivi di censura. Eppure il contenuto politico della tela ha raggiunto lo spettatore, ricordando gli scioperi che allora divampavano costantemente.
Nello stesso anno Kasatkin visitò per la prima volta il bacino del Donets e da allora, per nove anni, è stato costantemente tra i minatori, studiandone la vita e il lavoro. All'inizio erano diffidenti nei confronti dell'artista, scambiandolo per una spia inviata, ma poi si innamorarono sinceramente. Lo hanno aiutato molto a lavorare su immagini che l'arte russa non conosceva ancora.
Il primo lavoro di Kasatkin sulla vita dei minatori di Donetsk fu il dipinto "Raccogliere carbone dai poveri in una miniera fatiscente" (1894). Immagini tipiche vivaci, disegno accurato e pittura modesta sostenuta in una tonalità comune contraddistinguono questa tela.
Lo stesso Kasatkin scese sottoterra, osservò le incredibili condizioni di vero duro lavoro dei minatori e scrisse con amarezza: "... dove un animale non può lavorare, una persona lo sostituisce". Questa idea si riflette in un piccolo dipinto "The miner-tagolytsik" (1896). Colore scuro con riflessi rossastri dei bulbi di minatore; come una bestia da soma, un operaio striscia sotto le volte a strapiombo del carro trainato da una slitta carica di carbone.
Il risultato del lavoro di Kasatkin sul tema della vita del minatore e di numerosi schizzi è la tela "Coal Miners. Change" (1895, ill. 186). È stata la prima opera della pittura russa che ha mostrato la crescente solidarietà della classe operaia. Le deboli luci delle lampade del minatore e il bianco tremolante degli occhi nell'oscurità impenetrabile danno tensione all'immagine. Al centro della composizione c'è un anziano minatore. Con il calcio tra le mani, cammina dritto verso lo spettatore come una formidabile forza incombente.
In numerose opere, Kasatkin ha rivelato in molti modi e con grande sentimento il mondo spirituale del proletario oppresso. L'artista ha raggiunto uno speciale potere di penetrazione nell'immagine nella tela "La moglie dell'operaio" (1901), rimossa dalla mostra dalla censura zarista.
Sembra che tutto il triste destino di una donna ancora giovane, ma molto esperta, sia colto in una figura stancamente cadente, in uno sguardo fisso, una mano che le cade sulle ginocchia. Uno stato d'animo difficile è trasmesso su un viso esausto. Qui, dolore, amarezza e rabbia nascente: tutto ciò che era naturalmente associato agli eventi politici di quel tempo e faceva riflettere lo spettatore. I colori tenui degli abiti sono immersi in un ambiente grigio-ocra. Il pallore terroso del viso è enfatizzato da una sciarpa bianca gettata sulle spalle.
Il merito di Kasatkin è enorme in quanto ha visto non solo la difficile situazione della classe operaia in Russia, ma è stato in grado di notare e incarnare la sua forza, energia e ottimismo. Dall'immagine del "Minatore" (1894, ill. 187) traspira la poesia della vita, della giovinezza, della salute fisica e spirituale. Il caldo colore argento di questa tela è armonioso. Sorprendentemente vero è il movimento rilassato della figura, dolcemente inscritto in un paesaggio leggero.
Kasatkin, che conosceva bene la vita e gli stati d'animo dei lavoratori, simpatizzava profondamente con loro, incontrò con entusiasmo la rivoluzione del 1905-1907. Aveva fretta di catturare nuove situazioni e immagini, cercando nuovi soggetti. Molti schizzi, schizzi e dipinti sono stati il risultato di un grande lavoro creativo.
Nelle difficili condizioni dei tempi turbolenti, non tutto ciò che ha colpito Kasatkin ha potuto trovare una visualizzazione completa e completa, ma ognuno, anche uno schizzo superficiale, aveva un importante valore documentario e artistico. I dipinti dell'artista, realizzati in quel periodo, sono significativi nel contenuto ideologico e testimoniano la ricerca di una composizione emotivamente intensa. Un esempio è il dipinto "The Last Path of a Spy" (1905).
Kasatkin ha lavorato con entusiasmo alla composizione a più figure "Attack of the Factory by Workers" (1906), che ha svolto un'azione drammatica complessa. Con l'espressione, il movimento di un'enorme folla ribollente, qui vengono trasmessi una varietà di gesti. Si ricordano i singoli schizzi per questo dipinto, in particolare l'immagine di una donna anziana, arrabbiata, che invoca una rivolta.
Eccezionale significato ideologico e artistico di una piccola tela "Un operaio-militante" (1905, ill. 188). Kasatkin ha visto e catturato il tipo caratteristico di un partecipante attivo alla prima rivoluzione russa. Aspetto, postura, andatura, viso severo - tutto parla del mondo spirituale di un uomo dei tempi moderni - coraggio e determinazione, calma e inflessibilità, consapevolezza dell'importanza del proprio obiettivo e nobile modestia. Una persona del genere potrebbe davvero andare a capo di distaccamenti combattenti rivoluzionari. L'immagine riecheggia l'eroe della storia "Madre" di A. M. Gorky.
LV Popov(1873-1914). Anche Lukyan Vasilyevich Popov appartiene ai rappresentanti più giovani degli Erranti. Con particolare sensibilità, ha notato i cambiamenti sociali nelle campagne, che in quel momento stavano penetrando attivamente nei sentimenti rivoluzionari. I suoi dipinti To Sunset Agitator in the Village (1906), In the Village (Alzati, alzati! Eroi - un vero documento della vita contadina alla vigilia e del periodo della rivoluzione del 1905-1907.
Anche il lavoro di A.P. Ryabushkin e M.V. Nesterov era associato alle tradizioni degli Erranti. Tuttavia, nelle loro opere, nuove ricerche creative sono apparse in modo speciale e precedente nel tempo, che sono diventate tipiche dell'arte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.
A. P. Ryabushkin(1861-1904). Andrei Petrovich Ryabushkin può essere definito un artista popolare. Tutta la sua vita e il suo lavoro dopo gli anni da studente trascorsi alla Scuola di Pittura, Scultura e Architettura, nonché all'Accademia delle Arti, si sono svolti nel villaggio. La sua arte è stata una sorta di reazione ai processi storici della capitalizzazione della Russia, quando "le vecchie fondamenta dell'economia contadina e della vita contadina, fondamenta che hanno resistito davvero per secoli, sono state demolite con straordinaria velocità" * . Ryabushkin ha poeticizzato l'antichità a lui cara, il tradizionale stile di vita quotidiano, le caratteristiche stabili dell'immagine nazionale.
* (Lenin V. I. Leo Tolstoy come specchio della rivoluzione russa. - Pieno. coll. cit., vol.17, p. 210.)
I dipinti di genere di Ryabushkin sono caratterizzati da tratti di calma e silenzio. Raffigurando l'ambientazione patriarcale di un matrimonio di villaggio ("Aspettando gli sposi dalla corona nella provincia di Novgorod", 1891), l'artista sottolinea la calma e il decoro dei contadini seduti.
Nel 1890, Ryabushkin apparve come il maestro originale della pittura storica e quotidiana russa. Nel lontano passato della Russia, è molto attratto dalla vita quotidiana della vecchia Mosca. Il risveglio regna durante il disgelo primaverile nel dipinto "Via di Mosca del XVII secolo in vacanza" (1895). Ecco una ragazza con un cappotto estivo rosso, che porta con cura una candela, ragazzi rustici con abiti a maniche lunghe, un boiardo arrogante che guida lungo una strada sporca e un mendicante cieco. Abiti colorati decorati con ornamenti russi, riflessi blu del cielo nelle pozzanghere, cupole colorate delle chiese e la vivacità generale del movimento rendono festosa questa immagine.
La brillante individualità di Ryabushkin era espressa in modo più completo nei dipinti del 1901 "Stanno arrivando" (ill. 189) e "Treno nuziale a Mosca (XVII secolo)" (ill. 190). Il primo di essi, caratterizzato da una composizione audace e insolita, raffigura residenti di Mosca in attesa di stranieri. È, per così dire, un frammento strappato al quadro della vita del popolo russo del XVII secolo. Curiosità, ingenuità e autostima si riflettevano sui loro volti. Grandi macchie di colore nei caftani gialli, rossi e verdi degli arcieri e negli abiti variopinti dei cittadini conferiscono al quadro un tono importante e un marcato carattere decorativo.
La poesia dell'antichità russa è intrisa del dipinto "Treno nuziale a Mosca (XVII secolo)". Il silenzio della sera primaverile, in cui Mosca è immersa in una foschia lilla, e la figura solitaria di una triste donna moscovita si oppongono al magnifico strascico festivo che si muove rapidamente. Pittura abbozzata, in contrasto con un paesaggio dipinto più densamente, luce, come un affresco, colore, ritmo sottilmente trovato nell'intero gruppo centrale: tutto ciò ha permesso a Ryabushkin di trasmettere l'aspetto quotidiano di una città russa di un tempo lontano.
"Tea Party" (1903) di Ryabushkin, scritto un anno prima della sua morte, è insolitamente espressivo e figurativamente succinto. Questo è un lavoro socio-critico. Se prima per i suoi dipinti di genere Ryabushkin selezionava il positivo, gentile, bello nella vita contadina, ora raffigurava il mondo del villaggio ricco. C'è qualcosa di piccolo borghese nell'eleganza e nella fredda formalità del bere il tè; nel grottesco delle immagini, nella rigidità della plasticità pittorica, insolita per Ryabushkin, che ricorda gli antichi parsuns, si legge il rifiuto dell'artista di questo mondo alieno.
MV Nesterov(1862-1942). Il periodo pre-rivoluzionario dell'opera di Mikhail Vasilyevich Nesterov è complesso e contraddittorio.
Iniziò il suo percorso artistico con dipinti di genere vicini a quelli degli Erranti, ma alla fine degli anni Ottanta dell'Ottocento si verificò una brusca svolta nel suo lavoro. L'artista entra nel mondo dell'idealmente bello, cantando la purezza dei sentimenti religiosi, raffigurando gli abitanti di monasteri e sketes.
La vecchia eremita Nesterova nel dipinto "L'eremita" (1888-1889), vagando lentamente lungo la riva di un lago liscio come uno specchio, è infinitamente lontana dalle preoccupazioni della vita. La sua immagine è indissolubilmente legata alla bellezza della natura pacifica, alla sua serena tranquillità.
Il paesaggio gioca un ruolo enorme nel lavoro di Nesterov. Il poeta della natura russa Nesterov, potendo penetrare profondamente nel mondo interiore di una persona, collega sempre le esperienze dei suoi eroi con lo stato e il carattere del paesaggio.
Nel dipinto "Visione al fanciullo Bartolomeo" (1889-1890, ill. 191), l'unico personaggio è un fanciullo pallido dalle mani magre convulsamente serrate in un'estasi di preghiera. Ma il personaggio principale dell'artista è ancora il paesaggio della striscia della Russia centrale, natura spiritualizzata, dove l'artista dà veramente vita a ogni filo d'erba, ognuno partecipa alla glorificazione della madrepatria.
Tra la fine degli anni 1890 e l'inizio del 1900, l'artista realizzò una serie di dipinti dedicati al tragico destino di una donna russa, sottomessa e sofferente ("Oltre il Volga", "Sulle montagne"). In "Grande tonsura" (1898), mostra una triste processione degli abitanti di un piccolo skit, nascosto in mezzo a una fitta foresta, che scorta al monastero una donna giovane, ancora piena di forza. Facce tristi, sagome scure di figure, luci tremolanti di enormi candele... La tristezza è profonda, ma accanto c'è di nuovo il meraviglioso mondo della natura, foreste vergini e le giovani betulle dal gambo sottile di Nesterov.
All'inizio del 1900 prese forma l'abilità di Nesterov come ritrattista. Qui il lato realistico del lavoro dell'artista si è manifestato al massimo. La maggior parte dei ritratti di questo periodo, Nesterov scrive sullo sfondo del paesaggio, così come nei dipinti, affermando il legame inestricabile tra uomo e natura. Nel ritratto di O. M. Nesterova (1906, ill. 192), la figura di una ragazza in un'amazzone nera si staglia in una bella silhouette sullo sfondo di un paesaggio serale lirico. Graziosa e aggraziata, con uno sguardo pieno di sentimento, leggermente sognante, questa ragazza personifica per l'artista l'ideale della giovinezza, la bellezza della vita e l'armonia.
Nel 1880 si stava formando il lavoro di tre eccezionali artisti russi, K. A. Korovin, M. A. Vrubel e V. A. Serov. Hanno determinato in modo più completo i risultati artistici dell'epoca, la sua complessità e ricchezza.
V. A. Serov(1865-1911). Il più grande artista della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo fu Valentin Aleksandrovich Serov. Il suo lavoro ha continuato lo sviluppo dell'arte realistica, approfondendone il contenuto e ampliandone le possibilità espressive.
L'arte di Serov è brillante e diversificata. Prima di tutto, è un maestro della ritrattistica psicologica, pittorica e grafica, ma il suo talento si è manifestato anche nel paesaggio, nel genere storico, nell'illustrazione di libri, nell'arte decorativa decorativa e monumentale. Fin dall'infanzia, Serov era circondato da un'atmosfera artistica. Suo padre, A. N. Serov, è un famoso compositore e musicista, e sua madre è una pianista di talento. Gli insegnanti di Serov erano I. E. Repin e all'Accademia delle arti - P. P. Chistyakov. Il primo ha contribuito in gran parte alla formazione delle basi democratiche dell'opera di Serov e al risveglio dell'interesse per lo studio curioso della vita, il secondo è stato debitore di una profonda comprensione delle leggi professionali della forma.
Già i primi lavori di Serov - i suoi famosi ritratti "Girl with Peaches" (1887, ill. X) e "Girl Illuminated by the Sun" (1888) - glorificavano il giovane artista e caratterizzavano in modo più completo l'arte del primo Serov.
"Girl with Peaches" è stato scritto in "Abramtsevo", la tenuta di S. I. Mamontov, da sua figlia Vera. In questo eccellente ritratto, l'immagine creata dall'artista, grazie alla pienezza della vita, supera la struttura di un ritratto individuale, incarnando il principio umano universale. In un'adolescente dal viso serio e dallo sguardo severo, nella sua calma moderazione e spontaneità, l'artista è riuscita a trasmettere l'alta poesia della giovinezza luminosa e pura.
Questo ritratto è incredibilmente bello nella sua pittura. È scritto in piena luce, molto leggero e allo stesso tempo materialmente. I suoi colori trasparenti, insolitamente puri, sono pieni di luce, aria e trasmettono vividamente i riflessi dell'illuminazione. La freschezza della colorazione di "Ragazza con le pesche", che un tempo colpì tanto i contemporanei, così come la naturale semplicità della composizione ben congegnata, mettono il quadro alla pari delle migliori opere della pittura mondiale.
Serov sviluppa lo stesso tema della giovinezza in "La ragazza illuminata dal sole". Il contenuto del ritratto è la stessa sensazione gratificante della bellezza spirituale di una persona e della pienezza del suo essere.
Gli anni 1890 sono la fase successiva del lavoro di Serov. In questi anni, l'artista dipinge più spesso persone d'arte, e ora vuole prima di tutto rivelare la loro individualità creativa. Con uno sguardo speciale di N. S. Leskov (1894), trasmette la vigilanza di uno scrittore realista curioso. La premurosità di I. I. Levitan è simile ai sentimenti poetici dell'artista, la facilità di postura di K. A. Korovin (1891, ill. 193) è una sorta di espressione della libertà e immediatezza della sua arte.
Nel 1880, oltre ai ritratti, Serov dipinse anche paesaggi. Molto spesso, ha trovato motivi ad Abramtsevo e Domotkanov, dove si trovava la tenuta dei suoi amici Dervizov. Negli anni 1890, l'immagine della semplice natura rurale iniziò a occupare un posto crescente nell'arte paesaggistica di Serov. Spesso l'artista introduce nei suoi quadri figure di contadini, come se avvicinasse il paesaggio al genere quotidiano ("October. Domotkanovo", 1895, ill. 194, "Una donna con cavallo", 1898). I. E. Grabar ha chiamato l'artista "contadino Serov" proprio per i paesaggi. Il democratismo della sua arte era particolarmente evidente in loro.
Nel 1900, il lavoro di Serov divenne notevolmente più complesso. Il posto principale in esso è ancora occupato dai ritratti. Inoltre, continua a dipingere paesaggi, lavorando alle illustrazioni per le favole di I. A. Krylov, iniziate negli anni Novanta dell'Ottocento. La cerchia dei suoi interessi comprende ormai costantemente la pittura storica e monumentale-decorativa.
Nel 1900, i ritratti di Serov divennero molto più diversificati. Ai ritratti di persone a lui vicine si aggiungono numerosi ritratti cerimoniali secolari. L'artista rimane ancora incorruttibilmente veritiero nelle sue caratteristiche e inesorabilmente esigente con se stesso, non permettendo la minima incuria o umidità nella sua performance. Come prima, la divulgazione psicologica dell'immagine rimane la base della sua ritrattistica, ma Serov ora concentra la sua attenzione sulle caratteristiche sociali dei modelli. Nei ritratti dei principali rappresentanti dell'intellighenzia russa, si sforza di catturare ed enfatizzare le loro qualità sociali più tipiche ed eccezionali con maggiore chiarezza di prima. Nel ritratto di A. M. Gorky (1905, ill. 195), l'artista sottolinea la democrazia dello scrittore proletario con la semplicità di tutto il suo aspetto, gli abiti di un artigiano, il gesto di un agitatore. Il ritratto di M. N. Yermolova (1905, ill. 196) è una sorta di maestoso monumento alla famosa attrice tragica. E l'artista subordina tutti i mezzi visivi alla rivelazione di questo pensiero. L'atrio della villa di Yermolova, in cui ha posato per Serov, è percepito come un palcoscenico e, grazie al riflesso nello specchio di un frammento del colonnato, come un auditorium. La stessa Yermolova, nel suo abito nero rigoroso e solenne, adornato solo da un filo di perle, è maestosa e ispirata.
I ritratti di Serov dei suoi nobili clienti sono completamente diversi. I ritratti cerimoniali degli sposi Yusupovs, S. M. Botkina, O. K. Orlova (ill. 197) e molti altri ricordano i ritratti del XVIII - prima metà del XIX secolo, arredi raffinati, eleganti bagni da donna sono scritti con brillante abilità. Nella rappresentazione delle persone stesse, Serov ha sottolineato le loro tipiche qualità sociali che caratterizzano la classe a cui appartenevano. Questi ritratti, come diceva V. Ya Bryusov, sono sempre una prova per i contemporanei, tanto più terribile perché l'abilità dell'artista rende questa prova categorica.
Tra questi ritratti di Serov, uno dei primi posti è occupato dal ritratto di M. A. Morozov (1902), raffigurato sullo sfondo del soggiorno della sua villa splendidamente arredata. Quest'uomo è istruito, noto per le sue ampie attività filantropiche e la comprensione dell'arte, ma in lui è ancora viva la base del mercante estirpatore di denaro dei tempi di Ostrovsky. Eccolo, come se fosse vivo, questo commerciante europeizzato della fine del XIX secolo, che riempie il formato stretto della tela con una figura pesante e guarda dritto davanti a sé con uno sguardo penetrante. L'autorità di Morozov non è solo sua proprietà personale, tradisce in lui un industriale, così come l'arroganza della principessa O. K. Orlova la rende una tipica rappresentante dei circoli aristocratici dell'alta società dell'inizio del XX secolo. In questo periodo Serov raggiunge una grande espressività dei ritratti grazie alla ricchezza dei mezzi visivi utilizzati, alla variazione del modo artistico a seconda delle caratteristiche dell'opera che si sta creando. Così, nel ritratto del banchiere V. O. Girshman (1911), Serov è laconico come un poster, e nel ritratto della principessa Orlova il suo pennello diventa raffinato e freddo.
Come accennato in precedenza, un posto significativo nell'opera di Serov nel 1900 è occupato dal lavoro sulle composizioni storiche. È particolarmente affascinato dal burrascoso, impetuoso nel suo sviluppo della vita della Russia ai tempi di Pietro il Grande. Nella migliore immagine di questo ciclo, "Pietro I" (1907, ill. 198), l'artista raffigura Pietro come un potente riformatore dello stato. Non è un caso che sia molto più alto dei suoi compagni. Il movimento impetuoso di Pietro e dei cortigiani che gli tengono a malapena il passo, il ritmo teso di linee impetuose e spigolose che delineano nettamente le sagome, l'eccitazione del paesaggio: tutto ciò crea l'atmosfera dell'era tempestosa di Pietro.
Affascinato dalla vibrante bellezza della Grecia, che Serov visitò nel 1907, lavorò a lungo e con entusiasmo anche su soggetti mitologici ("Il ratto di Europa", "Odisseo e Nausicaa"). Come sempre, costruisce queste opere sulla base del lavoro naturale, di attente osservazioni. Ma, risolvendoli in termini di pannello monumentale-decorativo, l'artista in qualche modo semplifica e primitivizza la forma plastica, pur conservando la vitalità dell'impressione.
Una delle opere significative di Serov della fine degli anni 1890 - inizio 1900 - una serie di illustrazioni per le favole di I. A. Krylov - fu oggetto della sua instancabile cura e attenzione. L'artista ha superato la descrittività, che lo ha ostacolato nei fogli del periodo iniziale di lavoro sulle favole, e ha acquisito il saggio laconicismo e l'espressività di una forma abilmente trovata. I migliori di questi fogli sono capolavori dell'arte di Serov. Seguendo Krylov, l'artista non ha distrutto l'allegoria delle favole e ha cercato di trasmettere il loro significato moralizzante nei disegni. Qualità puramente umane sono state rivelate nelle immagini degli animali: il leone di Serov è sempre l'incarnazione di forza, intelligenza e grandezza, l'asino, come previsto, la personificazione della stupidità, la lepre è un codardo incorreggibile.
I l. 199. VA Serov. "Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la vostra gloria?" K., tempera. 47,5 X 71,5. 1905. GR
Il lavoro di Serov lo caratterizza come un artista democratico, in prima linea tra le figure progressiste della cultura russa. Serov dimostrò la sua lealtà ai principi democratici non solo con la sua arte, ma anche con la sua posizione sociale, soprattutto durante la rivoluzione del 1905-1907. Come testimone della Bloody Sunday del 9 gennaio, ha lasciato la piena appartenenza all'Accademia delle arti, perché il comandante delle truppe che hanno massacrato il popolo era il presidente dell'Accademia, il granduca Vladimir Alexandrovich. Un'aspra protesta contro la violenza e la crudeltà dell'autocrazia si sente anche negli audaci disegni accusatori dell'artista, pubblicati su riviste satiriche durante i giorni della rivoluzione ("Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la vostra gloria?" (ill. 199) , “Vedute del raccolto”, “Dispersione della manifestazione").
KA Korovin(1861-1939). Konstantin Alekseevich Korovin è uno di quei maestri che aprono nuove strade nell'arte e il cui lavoro è una scuola per molti artisti delle generazioni successive.
Korovin è allievo della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, il laboratorio di paesaggio di A. K. Savrasov, V. D. Polenov. Il suo lavoro si è formato in linea con la pittura russa plein-air degli anni Ottanta dell'Ottocento ("Bridge", "Northern Idyll", "By the Balcony. Spaniards Leonora and Ampara", ill. XI).
Dal 1890, è giunto il momento della maturità creativa di Korovin. Il suo talento si rivela altrettanto brillantemente sia nella pittura da cavalletto, principalmente nel paesaggio, sia nell'arte teatrale e decorativa.
Il fascino dell'arte di Korovin risiede nel calore, nella luce solare, nella capacità dell'artista di trasmettere direttamente e vividamente impressioni, nella generosità della sua tavolozza, nella ricchezza cromatica della pittura artistica.
Negli stessi anni 1890, si verificarono cambiamenti significativi nel lavoro di Korovin. Tende a trasmettere il visibile a volte in modo imitazionisticamente fluente. L'osservazione prolungata della natura lascia il posto alla trasmissione delle sue sensazioni. Anche la struttura pittorica e plastica dell'arte di Korovin sta cambiando. Aumenta il ruolo delle forme etude della pittura, mentre essa stessa diventa più impulsiva, pastosa, ampia; il colore assume una maggiore sonorità decorativa, tensione e ricchezza ("In Winter", 1894, ill. 200; "In Summer", 1895; "Roses and Violets", 1912, ill. 201; "Wind", 1916).
La creatività teatrale di Korovin si è formata nell'ambiente delle figure dell'Opera privata russa S. I. Mamontov, ma ha raggiunto la massima fama lavorando nei teatri imperiali negli anni '90 e '10. Per più di vent'anni Korovin ha diretto il dipartimento di produzione del Teatro Bolshoi. Partecipò attivamente alla lotta contro il conservatorismo e la routine che prevalevano sulla scena ufficiale, portando in questi teatri un'alta cultura pittorica e, insieme a numerosi altri famosi maestri, elevò l'importanza di un artista teatrale al livello di un coautore di uno spettacolo. Korovin è un brillante maestro dello scenario pittorico, efficace, emotivo, fedele alla vita. Le sue esibizioni sono state davvero una festa per gli occhi.
Le migliori opere teatrali di Korovin sono solitamente associate a temi nazionali, alla Russia, alla sua epica e fiaba, alla sua storia e, soprattutto, alla sua natura (opera di N. A. Rimsky-Korsakov The Snow Maiden, 1909; opera di M. P. Mussorgsky Khovanshchina , 1911) .
MA Vrubel(1856-1910). La natura è stata generosa con Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Lo ha dotato di brillanti capacità coloristiche, un raro dono di un muralista, ha disegnato magnificamente, il volo della sua immaginazione è davvero sorprendente. Il lavoro di Vrubel è profondamente significativo e complesso. Era sempre preoccupato per gli alti ideali e i grandi sentimenti umani. Sognava di "risvegliare l'anima dalle piccole cose della vita quotidiana con immagini maestose". La sua arte, estranea all'indifferenza, è sempre romanticamente agitata e piena di sentimento.
Ma gli ideali di Vrubel si sono sviluppati nel duro ambiente della vita. Volendo allontanarsi dalle sue contraddizioni urlanti, l'artista ha cercato di ritirarsi nel mondo delle immagini astratte. Tuttavia, essendo un grande artista, non riusciva ancora a isolarsi dalla realtà. La sua arte lo riflette, porta i tratti dell'epoca.
Anche nei suoi anni da studente, Vrubel era diverso dai suoi coetanei. È andato alla padronanza, quasi aggirando la timidezza e la rigidità della scuola. Ciò si manifestava nelle sue composizioni a più figure su un determinato tema, che gli venivano insolitamente facilmente ("Il fidanzamento di Maria con Giuseppe"), e nella fluidità della tecnica dell'acquerello e nella fine plasticità dei suoi ritratti.
Un ruolo importante nel plasmare il lavoro di Vrubel è stato svolto dal suo insegnante P. P. Chistyakov, che ha instillato in lui una comprensione costruttiva della forma nell'arte, nonché da artisti di spicco, membri del circolo Abramtsevo. Vrubel deve queste connessioni, così come la sua conoscenza con N. A. Rimsky-Korsakov, alla formazione di fondazioni nazionali nel suo lavoro.
Vrubel è rimasto all'Accademia delle arti per quattro anni. Nel 1884 partì per Kyiv per restaurare e rinnovare le pitture murali della chiesa di San Cirillo. Già in queste opere e negli schizzi non realizzati per i murales della Cattedrale di Vladimir si rivela l'enorme dono dell'artista. Utilizzando le tradizioni della pittura bizantina e dell'antica Russia, l'arte del Rinascimento, Vrubel rimane profondamente originale. L'espressione enfatizzata dei sentimenti, la colorazione intensa, il temperamento della scrittura conferiscono alle sue immagini un dramma speciale.
Nel 1889 Vrubel si trasferì a Mosca. Da quel momento in poi, è stato il momento della sua fioritura creativa. È esperto in molti generi d'arte. Questo è un dipinto da cavalletto, un'illustrazione di un libro, un pannello monumentale e decorativo e uno scenario teatrale. Vrubel attinge molto dalla natura, ama la maiolica. L'artista migliora instancabilmente le sue capacità, è sicuro che "la tecnica è il linguaggio dell'artista", che senza di essa non potrà raccontare alla gente i suoi sentimenti, la bellezza che ha visto. L'espressività delle sue opere aumenta ancora di più grazie alla pittura dinamica, al colore che luccica come un gioiello e al disegno spiritualizzato.
Uno dei temi centrali nell'opera di Vrubel è il tema del Demone, ispirato al poema di M. Yu Lermontov. Catturato dall'alto romanticismo del poema, lo illustra ("Tamara in the Coffin", 1890-1891) e crea immagini dei personaggi centrali vicine a Lermontov per spirito, forza espressiva e abilità. Allo stesso tempo, l'artista li dota di caratteristiche di maggiore espressività e rottura, che presto diventeranno il sigillo del suo tempo. Per più di dieci anni, Vrubel torna ancora e ancora all'immagine del Demone. La sua evoluzione è una sorta di tragica confessione dell'artista. Immaginava questo spirito malvagio del paradiso bello, orgoglioso, ma infinitamente solo. Dapprima potente, nel pieno della sua vita, ancora convinto di trovare la felicità sulla terra ("Il demone seduto", 1890, ill. XIV), il Demone viene successivamente raffigurato come invitto, ma già spezzato, con un corpo, disteso tra le fredde montagne di pietra ("Demone sconfitto", 1902). Nei suoi occhi ardenti di rabbia e nella bocca ostinatamente compressa, si può sentire sia uno spirito ribelle che un tragico destino.
Negli anni 1890, il lavoro di Vrubel divenne gradualmente dominato da un altro tema, il folklore primordialmente russo. L'artista è ancora attratto da titanici eroi forti, ma ora portano in sé bontà e pace. Nel pannello monumentale e decorativo "Mikula Selyaninovich" (1896), Vrubel ha ritratto l'eroe epico come un semplice contadino, vedendo in lui la personificazione della forza della terra russa. Tale è il "Bogatiro" (1898), come se si fondesse con il suo cavallo, un potente cavaliere - non in guerra, ma a guardia vigile della pace della sua patria.
Meravigliose immagini da favola di Vrubel. Combinano felicemente la verità dell'osservazione, la poesia profonda, il romanticismo sublime e la fantasia che trasforma tutto ciò che è ordinario. È indissolubilmente legato alla natura. Infatti, la spiritualizzazione della natura, la sua personificazione poetica è alla base delle fiabe di Vrubel. Misteriosamente, misteriosamente, il suo "Verso la notte" (1900). In "Pan" (1899, ill. 204), raffigurante il dio delle foreste dai piedi di capra, c'è molta umanità. Nei suoi occhi sbiaditi, sbiaditi da molto tempo, brillano sia la gentilezza che la saggezza secolare. Allo stesso tempo, è come un tronco di betulla rianimato. Riccioli grigi, come riccioli di corteccia bianca e dita - nodi goffi. "The Swan Princess" (1900, ill. 203) è sia una principessa dagli occhi azzurri con una lunga treccia fino alla vita sia un uccello dalla bellezza regale con ali di cigno che galleggia nel mare blu.
Grandi pensieri e sentimenti, un'ampia gamma di fantasie hanno attirato Vrubel nel mondo dell'arte monumentale, che è diventata una delle direzioni principali del suo lavoro. Dagli anni Novanta dell'Ottocento, trovata la forma di pannelli monumentali e decorativi, l'artista li eseguì su commissione di illuminati mecenati delle arti (tavola "Spagna", ill. 202, "Venezia", una serie dedicata al poema di Goethe "Faust") . Nonostante la monumentale integrità della forma, hanno sempre mantenuto la sottigliezza dello sviluppo plastico e la profondità psicologica dell'immagine.
I ritratti di Vrubel si distinguono anche per originalità e significato artistico. Sono profondi e molto espressivi, l'artista ha dato a ogni modello una spiritualità speciale, e talvolta anche drammaticità. Tali sono i ritratti di S. I. Mamontov (1897), il poeta Valery Bryusov (1906), numerosi autoritratti (ad esempio, 1904, ill. 205) e ritratti di sua moglie, la famosa cantante N. I. Zabela-Vrubel.
Gli ultimi dieci anni della sua vita sono stati dolorosi per Vrubel. Il suo meraviglioso dono ha lottato a lungo con gravi malattie mentali. Non potendo più tenere in mano un pennello, dipinge molto, colpendo chi lo circonda con la purezza delle forme strutturali del disegno. Visione gradualmente sbiadita. Vrubel è morto nel pieno della sua vita creativa.
V. E. Borisov-Musatov(1870-1905). La tendenza alla poetizzazione delle immagini, caratteristica dell'arte russa negli anni 1890 e all'inizio del 1900, trovò espressione nell'opera di Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov. Il suo talento lirico iniziò a manifestarsi fin dai primi anni da studente in immagini gentili di natura poetica, ma solo dalla fine degli anni Novanta dell'Ottocento si determinò la cerchia dei temi preferiti di Musatov e il sistema pittorico-figurativo della sua arte. Con tutte le sue forze, l'artista si sforza di comprendere l'armonia nel mondo e, non vedendola in giro, cerca di ricrearla nella sua immaginazione.
Le migliori opere di Musatov sono "Spring" (1901), "Reservoir" (1902, ill. 206), "Emerald Necklace" (1903-1904). L'artista è ancora vicino alla natura, ma sembra reincarnarsi in immagini elegiache del suo sogno sincero, come immagini di simbolismo letterario, perdendo la chiarezza dei contorni della vita nell'indeterminatezza dei contorni e nella fragilità delle macchie di colore. Abita i suoi parchi pensierosi con ragazze lente, come se sognassero, le veste con abiti d'altri tempi, avvolge loro e tutto intorno in una foschia di leggera tristezza.
"Il mondo dell'arte"- un fenomeno significativo nella vita artistica russa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, che ha svolto un ruolo importante nello sviluppo non solo delle belle arti in Russia, ma anche del teatro, della musica, dell'architettura e delle arti applicate.
La culla del "Mondo dell'Arte" era un circolo dell'intellighenzia di San Pietroburgo, sorto negli anni Novanta dell'Ottocento. Tra loro c'erano gli artisti A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst. Entro la fine di questo decennio, il "Mondo dell'Arte" ha preso forma come associazione ideologica e artistica. Vi ha preso parte V. A. Serov, sostenendolo con la sua autorità. Il nucleo del giovane gruppo è stato reintegrato da E. E. Lansere e M. V. Dobuzhinsky. S. P. Diaghilev, dedito agli interessi dell'arte, ha svolto un importante ruolo organizzativo. Dal 1899 al 1904, le figure del "Mondo dell'Arte" pubblicarono una rivista letteraria e artistica. Tuttavia, non era unificato nella sua direzione. Il suo dipartimento artistico, guidato da eccezionali maestri delle belle arti, differiva nettamente dal dipartimento letterario-filosofico, che era di natura simbolista-religiosa.
L'obiettivo principale del mondo dell'arte era il rinnovamento dell'arte russa, il miglioramento della sua cultura artistica, padronanza, ampia familiarizzazione con le tradizioni del patrimonio straniero e domestico. Hanno lavorato duramente e fruttuosamente non solo come artisti, ma anche come storici dell'arte, critici, divulgatori dell'arte classica e contemporanea.
Il mondo dell'arte ha svolto un ruolo particolarmente importante nella vita artistica russa durante il primo periodo della sua esistenza, che è durato circa dieci anni. Miriskusniki organizzò vaste mostre di arte nazionale e straniera e fu l'iniziatore di molti sforzi artistici. Poi si dichiararono oppositori sia dell'accademismo di routine che della meschina vita quotidiana di alcuni degli ultimi Erranti.
Nella loro pratica creativa, il World of Arts procedeva da specifiche osservazioni di vita, raffiguranti la natura e l'uomo contemporanei, e da materiali storici e artistici, facendo riferimento ai loro soggetti retrospettivi preferiti, ma allo stesso tempo cercavano di trasmettere il mondo in una forma trasformata , in forme decorative in rilievo e uno dei compiti principali era la ricerca dell'arte sintetica del "grande stile".
Nei primi anni di vita dell'associazione, il World of Art rende omaggio all'individualismo che permeava la cultura europea di quegli anni, e alla teoria dell'"arte per l'arte". Successivamente, nel decennio pre-rivoluzionario, hanno ampiamente rivisto le loro posizioni estetiche, riconoscendo l'individualismo come dannoso per l'arte. Durante questo periodo, il modernismo divenne il loro principale avversario ideologico.
In due tipi di arte, gli artisti del "Mondo dell'arte" hanno ottenuto un successo particolarmente significativo: nell'arte teatrale e decorativa, che incarnava il loro sogno dell'armonia delle arti, della loro sintesi, e nella grafica.
La grafica ha attratto il mondo delle arti come una delle forme d'arte di massa, sono rimasti colpiti anche dalle sue forme da camera, comuni in quegli anni in molte forme d'arte. Inoltre, la grafica richiedeva un'attenzione speciale, poiché era molto meno sviluppata della pittura. Infine, lo sviluppo della grafica è stato facilitato anche dai successi nella stampa domestica.
I paesaggi della vecchia San Pietroburgo e dei suoi sobborghi, la cui bellezza cantavano gli artisti, così come il ritratto, che nel loro lavoro occupava essenzialmente un posto uguale al pittoresco, divennero una particolarità della grafica da cavalletto del World of Art . A. P. Ostroumova-Lebedeva ha dato un grande contributo alla grafica dell'inizio del XX secolo; nel suo lavoro, la xilografia si afferma come una forma d'arte indipendente. Particolare era il lavoro romantico di V. D. Falileev, che sviluppò l'arte dell'incisione su linoleum.
Il fenomeno più significativo nel campo dell'incisione è stato il lavoro di V. A. Serov. Si distinguevano per semplicità, rigore della forma e ottima padronanza del disegno. Serov ha anche avanzato lo sviluppo della litografia, creando una serie di ritratti notevoli in questa tecnica, caratterizzati dalla loro espressività con una straordinaria economia di mezzi artistici.
I maestri del "mondo dell'arte" hanno ottenuto un grande successo nel campo dell'illustrazione del libro, elevando la cultura artistica del libro ad un livello elevato. Particolarmente significativo a questo proposito è il ruolo di A. N. Benois, E. E. Lansere e M. V. Dobuzhinsky. I. Ya Bilibin, D. N. Kardovsky, G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, S. V. Chekhonin e altri hanno lavorato fruttuosamente alla grafica dei libri.
Le migliori realizzazioni dell'arte della grafica all'inizio del secolo, e in primo luogo del "Mondo dell'arte", contenevano i prerequisiti per lo sviluppo diffuso della grafica sovietica.
A. N. Benois(1870-1960). Alexander Nikolaevich Benois ha agito come ideologo del "mondo dell'arte". Mente, ampia educazione, l'universalità della profonda conoscenza nel campo dell'arte caratterizzano Benois. Attività creativa insolitamente versatile di Benois. Ha ottenuto molto nella grafica di libri e cavalletti, è stato uno dei principali artisti e figure teatrali, critici d'arte e critici d'arte.
Come altri studiosi di World of Art, Benois preferiva temi di epoche passate. Era un poeta di Versailles (le più famose sono le sue due serie di Versailles - "Le ultime passeggiate di Luigi XIV", 1897-1898 e una serie del 1905-1906, ill. 208). L'immaginazione creativa dell'artista ha preso fuoco quando ha visitato i palazzi e i parchi della periferia di San Pietroburgo. La storia russa si riflette anche nel lavoro di Benois. Nel 1907-1910, insieme ad altri artisti russi, lavorò con entusiasmo a dipinti su questo argomento per la casa editrice I. Knebel ("Parade under Paul I", 1907; "Exit of Empress Catherine II in the Tsarskoye Selo Palace", 1909).
Benois ha popolato le sue dettagliate composizioni storiche, eseguite con grande immaginazione e abilità, con piccole figure di persone e monumenti d'arte riprodotti con cura e amore e l'aspetto quotidiano dell'epoca.
Benois ha dato un contributo importante alla grafica del libro. La maggior parte delle opere dell'artista in quest'area sono associate al lavoro di A. S. Pushkin. Nella sua opera migliore - illustrazioni per la poesia "Il cavaliere di bronzo" (1903-1923), Benois scelse la via di un artista-coautore, caratteristica del "Mondo dell'arte", caratteristica del "Mondo dell'arte". Ha seguito il testo riga per riga, anche se a volte ne ha deviato introducendo le proprie trame. Benois ha prestato l'attenzione principale alla bellezza della vecchia San Pietroburgo, riscoperta dal mondo dell'arte, seguendo Pushkin, raffigurando la città chiara e tranquilla, o romanticamente confusa nei terribili giorni dell'alluvione.
Anche le illustrazioni di Benois per La regina di picche di Pushkin sono eseguite con grande abilità professionale. Ma differiscono in un'interpretazione più libera del testo di Pushkin, a volte ignorando lo psicologismo che permea la storia.
Benois è stato impegnato in attività teatrali per quasi tutta la sua vita creativa. Si è dimostrato un eccellente artista teatrale, un sottile critico del teatro. Negli anni '10, all'epoca del suo massimo splendore creativo, Benois lavorò al Moscow Art Theatre insieme a K. S. Stanislavsky e V. I. Nemirovich-Danchenko, spesso non solo come artista, ma anche come regista, e nei primi anni della sua esistenza Le "stagioni russe" in Europa hanno svolto la loro direzione artistica. Le sue opere teatrali si caratterizzano anche per l'accuratezza nel ricreare i segni artistici e quotidiani dell'epoca, il rispetto dell'intenzione drammatica dell'autore e l'alto gusto artistico. L'idea teatrale preferita di Benois è il famoso balletto di I. F. Stravinsky "Petrushka" (1911). Benoit possedeva non solo il suo design. Fu l'autore del libretto e partecipò attivamente alla sua produzione.
KA Somov(1869-1939). Non meno tipico per il "mondo dell'arte" e il lavoro di Konstantin Andreevich Somov. A differenza di molti dei suoi colleghi nel mondo dell'arte, Somov ha ricevuto un'educazione artistica sistematica. Ha studiato all'Accademia delle arti, dove ha scelto il laboratorio di I. E. Repin. Le forti capacità professionali da lui acquisite qui Somov si affinarono instancabilmente in futuro e la sua brillante abilità divenne presto ampiamente nota.
Nei primi anni del suo lavoro, Somov seguì tradizioni realistiche (ritratto di suo padre, 1897). Nel dipinto "Lady in a Blue Dress" (ritratto dell'artista E. M. Martynova, 1897-1900), c'è anche una penetrazione psicologicamente sottile e profonda nell'immagine che porta il timbro del tragico destino del giovane artista. Tuttavia, il desiderio di Somov di collegarlo a un tempo lontano (Martynova è vestito con un abito antico), la scena di una signora e un gentiluomo che suonano musica con noncuranza nello spirito del XVIII secolo e il dipinto che è diventato più rigido araldo una nuova ricerca dell'artista.
All'inizio del 1900, il lavoro di Somov prese finalmente forma. Come tutto il mondo dell'arte, dipingeva volentieri paesaggi. Partendo sempre dalla natura, ha creato la sua immagine somiana della natura, romanticamente elevata, con un sottile pizzo di fogliame ghiacciato sugli alberi e un complesso motivo grafico dei loro rami, con una maggiore sonorità del colore. Ma il posto principale nel lavoro dell'artista era occupato da composizioni retrospettive. I loro personaggi abituali sono signore educate, simili a bambole, con parrucche incipriate e crinoline. Insieme a languidi signori, sognano, si divertono, flirtano. Somov ha dipinto questi dipinti chiaramente sotto l'influenza degli antichi maestri. La sua pittura diventa liscia, come verniciata, ma sofisticata in chiave moderna ("Winter. Skating rink", 1915, ill. 210).
Un posto significativo nel lavoro di Somov è un ritratto. La sua galleria di ritratti di rappresentanti dell'intellighenzia artistica è davvero un punto di riferimento dell'epoca. I migliori sono i ritratti di A. A. Blok (1907, ill. 209), M. A. Kuzmin e S. V. Rachmaninov. Si distinguono per accuratezza, espressività delle caratteristiche e abilità artistica della performance. L'artista, per così dire, eleva tutti i modelli al di sopra della vita quotidiana, dotandoli delle qualità ideali generali dell'eroe del suo tempo: intelletto e raffinatezza.
E. E. Lansere(1875-1946). Evgeny Evgenievich Lansere è uno dei poliedrici maestri del "Mondo dell'Arte". Era impegnato nella pittura da cavalletto e monumentale, grafica, era un artista teatrale, creava schizzi per opere d'arte applicata. Il suo lavoro è caratteristico del "Mondo dell'Arte" e, allo stesso tempo, una brillante originalità distingue Lansere dall'ambiente del Mondo dell'Arte. Era anche attratto dal XVIII secolo, gli piaceva creare composizioni impressionanti su questo argomento, ma si distinguono per una maggiore varietà di interpretazioni del contenuto e democratizzazione delle immagini. Così, il dipinto "Le navi dei tempi di Pietro I" (1909, 1911) è alimentato dallo spirito dell'eroico romanzo dei tempi di Pietro il Grande, e la gouache "Imperatrice Elizaveta Petrovna a Tsarskoye Selo" (1905) è caratterizzata da una sobria, realistica verità di immagini.
Il posto più significativo nel lavoro di Lansere è occupato dalla grafica: cavalletto, libro e rivista. Le sue opere grafiche sono eleganti, a volte sofisticatamente modellate, intrise dello spirito dell'epoca e classicamente chiare. L'opera centrale dell'artista è una vasta serie di illustrazioni per la storia di L. N. Tolstoy "Hadji Murad". In essi, Lancer è riuscito a ricreare la saggia semplicità di Tolstoj con uno stato d'animo generale romantico e caratteri espressivi brillanti. In futuro, Lansere ha lavorato molto e fruttuosamente come artista sovietico.
MV Dobuzhinsky(1875-1957). Come Lancer, Dobuzhinsky apparteneva alla generazione più giovane di artisti del mondo dell'arte. Il suo lavoro, come Lansere, è tipico di questa associazione e allo stesso tempo profondamente originale. Nell'arte da cavalletto, Dobuzhinsky preferiva il paesaggio urbano. Ma non era solo il suo cantante, ma anche uno psicologo, non solo cantava le sue bellezze, ma rappresentava il rovescio di una moderna città capitalista, freddamente meccanicistica, una città polpo ("Il diavolo", 1906), persone spiritualmente devastanti ( "L'uomo con gli occhiali", 1905-1906).
Sia nella grafica del libro che nell'arte teatrale e decorativa, Dobuzhinsky è caratterizzato da un approccio psicologico individuale all'interpretazione dell'opera illustrata. L'artista anderseniano è gentile e spiritoso negli eleganti disegni a colori per la fiaba "Il guardiano dei porci", lirico e teneramente sentimentale nelle illustrazioni per "La povera Lisa" di N. M. Karamzin e profondamente drammatico nella famosa serie di illustrazioni per il racconto di F. M. Dostoevskij "Notti bianche" (1922). Le migliori opere teatrali di Dobuzhinsky sono quelle che ha eseguito al Moscow Art Theatre ("Un mese in campagna" di I. S. Turgenev, 1909, "Nikolai Stavrogin" di F. M. Dostoevskij, 1913).
Il lavoro di molti maestri dell'inizio del secolo - V. A. Serov, Z. E. Serebryakova, I. Ya Bilibin, B. M. Kustodiev, I. E. Grabar e altri - è collegato al "mondo dell'arte" in un modo o nell'altro. Nella stessa fila - Nicola Roerich(1874-1947) - artista avanzato, scienziato, personaggio pubblico di spicco. Nell'ambiente artistico di quel tempo, Roerich si distinse per il suo amore per la storia e l'archeologia della Russia antica, per l'arte dell'antica Rus'. Nel suo lavoro ha cercato di penetrare in profondità nei secoli, nel mondo vivo e integro di lontani antenati, per collegarlo al progressivo sviluppo dell'umanità, con gli ideali di umanesimo, eroismo e bellezza ("Ospiti d'oltremare", 1902, ill. 211; "La città si costruisce", 1902 ).
"Unione degli artisti russi". L'Unione degli artisti russi (1903-1923) ha svolto un ruolo significativo nella vita artistica della Russia all'inizio del secolo. La sua preistoria furono le "Mostre di 36 artisti" organizzate nel 1901 e nel 1902 a Mosca. L '"Unione degli artisti russi" è stata fondata su iniziativa dei moscoviti per rafforzare la giovane organizzazione artistica. Molti dei principali maestri di entrambe le capitali ne divennero membri, ma il nucleo dell '"Unione degli artisti russi" continuò ad essere i pittori di Mosca: K. A. Korovin, A. E. Arkhipov, S. A. Vinogradov, S. Yu Zhukovsky, L. V. Turzhansky , A. M. Vasnetsov, S. V. Malyutin , AS Stepanov. A. A. Rylov, K. F. Yuon, I. I. Brodsky, F. A. Malyavin erano vicini all'Unione degli artisti russi nelle loro posizioni artistiche e partecipanti attivi alle sue mostre. Nel 1910, l '"Unione degli artisti russi" fu divisa. Dalla sua composizione emerse un gruppo di artisti di San Pietroburgo, che ripristinò l'antico nome "World of Art", raggruppamento che cessò di esistere come unione espositiva nel 1903.
Il paesaggio è il genere principale nell'arte della maggior parte dei maestri dell '"Unione degli artisti russi". Erano i successori della pittura di paesaggio della seconda metà del 19 ° secolo, ampliarono la gamma di argomenti: raffiguravano la natura e la Russia centrale, il soleggiato sud e l'aspro nord e le antiche città russe con i loro meravigliosi monumenti architettonici e poetici vecchie tenute, spesso introducevano elementi del genere nelle loro tele, a volte nature morte. Traevano la gioia di vivere dalla natura e amavano dipingere direttamente dalla natura con un pennello ampio e capriccioso succoso, luminoso e colorato, sviluppando e moltiplicando le conquiste della pittura plein air e impressionista.
Le opere dei maestri dell '"Unione degli artisti russi" esprimevano chiaramente l'individualità creativa di ciascuno, ma avevano anche molte caratteristiche simili: un accresciuto interesse per la rapida copertura visiva del mondo, il desiderio di una composizione dinamica frammentaria, la cancellazione confini netti tra un'immagine compositiva e uno studio naturale. La loro pittura era caratterizzata dall'integrità della copertura plastico-colorata della tela, un'ampia pennellata a rilievo che plasmava la forma e la sonorità del colore.
Arte 1905-1907. Gli eventi della prima rivoluzione russa, che hanno lasciato il segno nell'intero corso successivo della storia russa e mondiale, si sono chiaramente riflessi nelle belle arti. Mai prima d'ora l'arte russa ha svolto un ruolo così efficace nella vita politica del paese come oggi. "I disegni stessi eccitano una rivolta", ha informato il ministro dell'Interno I. N. Durnovo in un rapporto allo zar.
Con la massima profondità, la rivoluzione del 1905-1907 si rifletteva nella pittura da cavalletto nelle opere di I. E. Repin ("Manifestazione in onore del 17 ottobre 1905"), V. E. Makovsky ("9 gennaio 1905 sull'isola Vasilyevsky"), e I. Brodsky ("Funerale rosso"), V. A. Serov ("Il funerale di Bauman"), S. V. Ivanov ("Esecuzione"). Abbiamo già citato numerosi lavori sul tema rivoluzionario di N. A. Kasatkin, in particolare su tele come "Worker-Militant".
Nella rivoluzione del 1905-1907, la grafica satirica raggiunse una fioritura senza precedenti: la forma d'arte più mobile e di massa. Sono noti 380 titoli di riviste satiriche, pubblicati nel 1905-1907 per un importo di 40 milioni di copie. A causa della sua ampia portata, la rivoluzione ha riunito artisti di varie tendenze in un grande e amichevole distacco. Tra i partecipanti alle riviste satiriche c'erano grandi maestri come V. A. Serov, B. M. Kustodiev, E. E. Lansere, M. V. Dobuzhinsky, I. Ya Bilibin e studenti di scuole d'arte e artisti non professionisti.
La maggior parte delle riviste satiriche aveva una direzione liberale. Il governo zarista, pur emanando un manifesto sulla libertà di stampa, di fatto non consentì la pubblicazione di riviste satiriche politiche del partito bolscevico. L'unica rivista di orientamento bolscevico - Sting, a cui partecipava A. M. Gorky, fu bandita dopo l'uscita del primo numero e la sua redazione fu distrutta. Tuttavia, le migliori riviste satiriche del 1905-1907, per il loro contenuto accusatorio, l'acutezza del pensiero politico di attualità e la determinazione, erano di grande valore educativo.
Molto spesso la loro satira, sia nel testo che nella parte pittorica, era diretta contro l'autocrazia. L'élite al potere della Russia e lo stesso zar Nicola II furono criticati in modo particolarmente aspro. Tema comune fu anche la denuncia delle sanguinose repressioni del governo zarista.
Una rivista molto audace di quegli anni era Machine Gun, che doveva molto all'impresa e all'ingegnosità del suo editore N. G. Shebuev e dell'artista I. M. Grabovsky. Sulle sue lenzuola sono apparse ripetutamente immagini generalizzate dei partecipanti alla rivoluzione - un operaio, un soldato, un marinaio, un contadino. Sulla copertina di uno dei numeri di "Machine Gun", sullo sfondo delle ciminiere fumanti delle fabbriche, Grabovsky ha posto l'immagine di un operaio e ha fatto una significativa iscrizione "Sua Maestà lavoratrice il proletario tutto russo".
I l. 212. MV Dobuzhinsky. Idillio di ottobre. "Bogey", 1905, n. 1
Un tono combattivo caratterizzò molte riviste ("The Spectator", la più longeva di esse, "Leshy", "Zhupel" e la sua continuazione "Hell's Mail"). VA Serov e molti membri del World of Art hanno collaborato alle ultime due riviste. Entrambe queste riviste si distinguevano per l'arte delle loro illustrazioni. Le famose composizioni di Serov "Soldati, bambini coraggiosi, dov'è la tua gloria?" sono apparse nella prima. (ill. 199), Dobuzhinsky "October idyll" (ill. 212), Lansere - "Feast" (ill. 213); nel secondo - Kustodievsky "Olympus" - caricature caustiche di membri del Consiglio di Stato. Spesso i disegni delle riviste satiriche avevano la natura di schizzi quotidiani: scene sull'argomento del giorno. L'allegoria, a volte usando opere popolari da cavalletto di artisti russi, a volte usando immagini folcloristiche, era una forma comune di travestimento per la satira. L'attività della maggior parte delle riviste satiriche del 1905-1907 nacque dalla rivoluzione e si congelò insieme all'intensificarsi della reazione del governo.
Arte 1907-1917. Il decennio precedente a ottobre in Russia dopo la sconfitta della rivoluzione del 1905-1907 è un periodo di dure prove, dilagante reazione dei Cento Neri. Nel 1914 iniziò la prima guerra imperialista mondiale. In condizioni difficili, il partito bolscevico raccolse le forze per l'offensiva, e dal 1910 crebbe un'ondata di una nuova impennata del movimento rivoluzionario, erano in corso i preparativi per il rovesciamento dell'autocrazia. La Russia era alla vigilia dei più grandi eventi storici.
La situazione tesa nel paese complicò ulteriormente la vita artistica russa. Molti artisti erano in preda a confusione, stati d'animo vaghi, slanci passionali ma infondati, esperienze soggettive infruttuose, lotte tra movimenti artistici. Si diffusero varie teorie idealistiche che separavano l'arte dalla realtà e dalle tradizioni democratiche. Queste teorie furono sottoposte a critiche spietate da V. I. Lenin.
Ma anche in una situazione così difficile, lo sviluppo dell'arte realistica russa non si è fermato. Un certo numero di eminenti erranti e membri dell'Unione degli artisti russi hanno continuato a lavorare attivamente. Tra gli artisti delle più grandi associazioni creative, ci sono state tendenze di riavvicinamento, punti di contatto su alcune questioni fondamentali. In questi anni, il World of Art ha criticato la diffusione dell'individualismo, ha sostenuto il rafforzamento di una scuola d'arte professionale e la loro ricerca di un'arte di grande stile è diventata ancora più propositiva. N. K. Roerich ha espresso l'idea che la lotta direzionale non escluda la possibilità di alzare la bandiera del "realismo eroico" corrispondente al tempo.
L'interazione dei singoli generi di pittura si è intensificata, l'eredità domestica e classica è stata ripensata, V. A. Serov è stato uno dei primi nel XX secolo a ripulire la mitologia antica dalla vecchia interpretazione pseudo-classica accademica e ha rivelato in essa un inizio realistico. Nel decennio pre-rivoluzionario fu creato solo un piccolo numero di dipinti grandi e significativi, ma non a caso apparve in quel momento "Stepan Razin" di V. I. Surikov, che soddisfa l'alto obiettivo dell'arte nazionale: riflettere il grande idee di modernità. Una prova significativa del progresso dell'arte russa era il desiderio di un certo numero di pittori - A. E. Arkhipov, L. V. Popov, K. S. Petrov-Vodkin, Z. E. Serebryakova e altri - di collegare l'immagine delle persone con il pensiero della Patria, con il loro nativo terra.
ZE Serebryakova(1884-1967). Zinaida Evgenievna Serebryakova ha cantato nelle sue opere migliori la vita contadina dei lavoratori. Un ruolo importante nella formazione della sua arte è stato svolto dall'eredità di A. G. Venetsianov e dei grandi maestri del Rinascimento. L'austerità delle immagini monumentali, l'armonia e l'equilibrio della composizione, i colori solidi e densi contraddistinguono i suoi migliori dipinti. Spiccano in particolare la "Mietitura" (1915) e "L'imbiancamento della tela" (1917, ill. XII), in cui le figure rappresentate dal basso sono così grandiose, e il ritmo dei movimenti è maestoso. La tela è percepita come un monumento al lavoro contadino.
KS Petrov-Vodkin(1878-1939). Nel primo periodo del suo lavoro, Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin ha reso omaggio alle tendenze simboliste astratte. Uno studio approfondito delle migliori tradizioni del Rinascimento europeo e, soprattutto, la linea dell'arte russa che si può rintracciare nelle opere dei pittori dell'antica Rus' ha aiutato l'artista a mostrare una visione democratica del mondo. Nelle tele "Madre" (1913 e 1915, ill. 214) e "Mattina" (1917), le immagini delle contadine riflettono l'elevata purezza morale del mondo spirituale di una persona russa. Il dipinto "Bathing the Red Horse" (1912) è intriso di una premonizione di futuri cambiamenti sociali. L'alto contenuto ideologico corrisponde al laconicismo della composizione, alla dinamica dello spazio, al rigore classico del disegno e all'armonia del colore, costruito sui colori principali dello spettro.
PV Kuznetsov(1878-1968). All'inizio della sua carriera, anche Pavel Varfolomeevich Kuznetsov ha sperimentato l'influenza del simbolismo. La suite kirghisa dei suoi dipinti ("Mirage in the Steppe", 1912, ill. 215; "Sheep Shearing", 1912) rifletteva una comprensione poetica dell'immagine di una persona che lavora nel mondo che lo circonda. Semplici scene di vita, gesti senza fretta e volti calmi di persone impegnate nel loro lavoro abituale nella loro terra natale, la struttura musicale del colore, la solennità del paesaggio: tutto ricrea un'immagine olistica e armoniosa.
I l. 215. PV Kuznetsov. Miraggio nella steppa. X., tempera. 95 X 103. 1912. Galleria Tretyakov
MS Saryan(1880-1972). In una serie di dipinti basati sulle impressioni dei viaggi nei paesi dell'Est, Martiros Sergeevich Saryan poeticizza anche la vita popolare da lui rappresentata ("Street. Noon. Constantinople", 1910; "Date Palm. Egypt", 1911, ecc. .). Le sue opere laconiche sono costruite su sagome luminose e di colore solido, contrasti di ritmo, luci e ombre. I colori sono enfaticamente decorativi, i piani spaziali sono chiaramente disegnati. La natura poetica delle immagini artistiche di Saryan è determinata dalla sua capacità di preservare un vivido senso della vita con un'intensa sonorità e bellezza della tavolozza pittorica.
Le migliori opere degli artisti sopra menzionati, che in seguito diedero un contributo inestimabile all'arte sovietica, aprirono la prospettiva di un ulteriore sviluppo dell'arte realistica monumentale, la cui creazione apparteneva già a una nuova era storica.
ritratti con immagini psicologiche approfondite non hanno ricevuto uno sviluppo così ampio nel decennio pre-rivoluzionario come nel periodo precedente, tuttavia, numerosi esempi mostrano il loro arricchimento nel lavoro di maestri eccezionali. Basti ricordare gli autoritratti di V. I. Surikov e M. V. Nesterov, dove si rivela il complesso mondo spirituale di un uomo d'arte con le sue ansie, riflessioni sulla vita o le nitide caratteristiche del ritratto di V. A. Serov.
La continuazione di questa linea del genere dei ritratti può essere vista anche nelle opere di S. V. Malyutin (ad esempio, ritratti di V. N. Baksheev, 1914, ill. 216, K. F. Yuon, 1916). Postura, postura, gesti ed espressioni facciali trasmettono carattere, testimoniano l'originalità della personalità dei rappresentanti dell'arte russa. Nello stesso piano, I. I. Brodsky ha dipinto un ritratto di A. M. Gorky (1910).
Significativo nell'interpretazione psicologica dell'immagine è il dipinto "The Nun" (1908, ill. 218) di B. M. Kustodiev. Sebbene l'autore non si sia posto il compito di creare un'opera accusatoria, il potere della penetrazione realistica nel mondo spirituale della persona ritratta ha conferito a questa immagine un certo significato simbolico. Davanti a noi c'è il custode delle fondamenta della chiesa: gentile, astuto, gentile e prepotente, spietato. Tuttavia, piena di ottimismo, l'arte di Kustodiev è principalmente attratta dalle tradizioni dell'antichità russa, dai costumi e dalle feste popolari. Nelle sue tele combina una vivace osservazione della natura, delle immagini e una brillante decoratività ("Merchant", 1915, ill. 219; "Maslenitsa", 1916).
Gli anni '10 sono associati a un grande successo nel campo di un nuovo genere - il ritratto teatrale, in cui l'artista affronta un difficile compito creativo - per mostrare l'ispirazione dell'attore, la sua trasformazione in un'immagine scenica. Il campionato qui appartiene ad A. Ya Golovin. Conoscendo perfettamente le caratteristiche del palcoscenico e della drammaturgia, ha creato un'immagine maestosa e tragica nel ritratto di F. I. Chaliapin nel ruolo di Boris Godunov (1912, ill. 220).
Il paesaggio in un modo o nell'altro ha attratto tutti gli artisti: erano uniti in questo genere da ricerche pittoriche e coloristiche. Tuttavia, per molti, l'immagine della natura si è trasformata in una soluzione a uno studio, piuttosto che in un problema di immagine, come nel XIX secolo. Nel periodo pre-rivoluzionario, solo pochi grandi maestri riuscirono a trasmettere il sentimento epico della patria raffigurando la natura: prevalevano i motivi lirici. A. A. Rylov (Green Noise, 1904, ill. 217) si è rivolto alle tradizioni della pittura di paesaggio. La sua tela romantica "Swans over the Kama" (1912) prefigurava il dipinto "In the Blue Space", creato dopo la Grande Rivoluzione Socialista d'Ottobre. Il sempre crescente interesse per il patrimonio nazionale ha causato la comparsa di una serie di suite pittoriche dedicate alle antiche città russe. Includendo scene quotidiane nella composizione, gli artisti hanno mostrato la natura e l'uomo che agiscono allo stesso modo in un dipinto di paesaggio ("In Sergiev Posad" di K. F. Yuon e altri).
I paesaggisti, per lo più rappresentanti dell '"Unione degli artisti russi", hanno notevolmente arricchito le loro capacità pittoriche. Fu qui che prevalsero gli studi, l'interpretazione lirica di motivi, spesso rurali, risalenti ad A.K. Savrasov, V.D. Polenov e II Levitan, che testimoniavano la conservazione delle tradizioni democratiche. La pittura plein air è stata riempita con paesaggi così colorati e poetici come "Kem" (1917) di K. A. Korovin, "Verso sera" di N. P. Krymov, le migliori opere di S. A. Vinogradov ("Giardino fiorito", "Primavera", 1911, ill. 221) e S. Yu Zhukovsky ("Dam", 1909, ill. 222; "Joyful May", 1912).
Lo sviluppo intensivo è in corso natura morta. Ora questo genere è rappresentato dalle opere di numerosi artisti di varie associazioni creative, diverse per motivi, contenuti e compiti. Nelle sue numerose nature morte, K. A. Korovin attribuiva grande importanza alla decoratività, alla bellezza del colore. Lo stesso inizio è tipico delle opere di S. Yu Sudeikin e N. N. Sapunov. I. E. Grabar ha arricchito il dipinto con le conquiste dell'impressionismo ("The Untidy Table", 1907, ill. 223, ecc.).
Nel campo della natura morta, oltre che del paesaggio e del ritratto, hanno lavorato attivamente gli artisti dell'associazione Jack of Diamonds, nata nel 1910: P. P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Lentulov, A. V. Kuprin e altri. Alla ricerca dell'identità nazionale dell'arte, hanno utilizzato le tradizioni del primitivo nazionale (lubok, insegne, vassoi dipinti, ecc.), Ma hanno anche trovato collegamenti con l'arte francese contemporanea, principalmente con Cézanne e i suoi seguaci. Nelle migliori opere dei maestri di questo gruppo, scritte con peso materico, con portata decorativa, allegria e grande cultura pittorica colpite. Tali, ad esempio, sono il grottesco "Ritratto di G. B. Yakulov" (1910, ill. 224) e la natura morta "Agave" (1916) di P. P. Konchalovsky, "Zucca" (1914, ill. 225) e "Natura morta con Broccato" (1917) I. I. Mashkov.
Arte teatrale e decorativa conobbe una brillante fioritura: molti importanti pittori lavorarono per il teatro. Basta citare i nomi di V. A. Simov, V. A. Serov, A. Ya. Golovin, A. N. Benois, K. A. Korovin, L. S. Bakst, N. K. Roerich, I. Ya. Bilibin , B. M. Kustodiev e una serie di spettacoli progettati da loro (" Petrushka" di I. F. Stravinsky - A. N. Benois; "Prince Igor" di A. N. Borodin - N. K. Roerich; "Masquerade" di M. Yu Lermontov - A. Ya. Golovina e altri). "Russian Seasons" a Parigi e in altre città dell'Europa occidentale, organizzate da S. P. Diaghilev, nella progettazione di produzioni a cui hanno partecipato molti di questi maestri, ha glorificato l'arte russa sulla scena internazionale. L'alto livello artistico di scenografie e costumi, l'intero aspetto dell'azione scenica ha stupito gli stranieri con una sintesi delle arti, uno spettacolo di straordinaria bellezza e originalità nazionale.
Come accennato in precedenza, il processo di sviluppo del realismo nel 1907-1917 fu complicato dalla crisi della cultura borghese. La parte meno stabile dell'intellighenzia artistica, sebbene catturata dallo spirito generale di protesta contro la realtà borghese, soccombeva a stati d'animo decadenti, si allontanava dalla modernità e dalla vita sociale, negava le tradizioni democratiche nell'arte, mentre questa stessa protesta aveva solitamente il carattere di una rivolta anarchica. In precedenza, questi fenomeni negativi hanno interessato le opere esposte alla mostra Blue Rose, organizzata nel 1907 e che riunisce artisti simbolisti. I membri di questo gruppo di breve durata affermarono il predominio dell'intuizionismo nella creatività artistica, entrarono nel mondo delle mistiche fantasie spettrali. Ma i più dotati e propositivi (P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan e alcuni altri) già nel decennio precedente a ottobre hanno intrapreso la via democratica dello sviluppo nel loro lavoro.
Un certo numero di artisti, soprattutto giovani, furono coinvolti negli anni '10 nel mainstream delle correnti moderniste. Alcuni di loro - sostenitori del cubismo, del futurismo - sostenevano che la loro creazione di forme corrispondesse all'era dell'ingegneria e della tecnologia, altri - primitivisti - al contrario, cercavano di tornare all'immediatezza della percezione del mondo da parte di una persona incivile. Tutte queste correnti erano intrecciate in modo intricato nell'arte del decennio precedente a ottobre. Hanno toccato il dipinto del "Fante di quadri", mentre le tendenze stilistiche e primitiviste erano particolarmente evidenti tra i rappresentanti del gruppo dal nome audacemente scioccante "Coda d'asino". Alla fine, tutte le varietà di formalismo che si sono poi diffuse nell'arte russa hanno portato a una distorsione della realtà, alla distruzione del mondo oggettivo o, infine, al vicolo cieco dell'astrattismo (Rayonismo, Suprematismo) - l'estrema espressione del modernismo.
Le contraddizioni nella vita artistica russa nel 1907-1917 non hanno fermato il progressivo sviluppo dell'arte realistica durante questo periodo difficile. I principali maestri russi hanno sentito l'avvicinarsi del cambiamento sociale, hanno sentito consapevolmente o intuitivamente la necessità di allineare il loro lavoro alla scala degli eventi di un'era storica turbolenta. Dopo la Grande Rivoluzione d'Ottobre, artisti di tutte le generazioni, alcuni prima, altri dopo, si unirono nella costruzione di una nuova cultura socialista, mettendo la loro arte al servizio del popolo rivoluzionario; sotto l'influenza della realtà sovietica, ci fu una ristrutturazione di coloro che in precedenza avevano rifiutato il realismo come metodo.
Tela, olio. 71x122 cm
Galleria Statale Tretyakov, Mosca
La vita del villaggio russo post-riforma era dura. Tutta la crescente mancanza di terra dei contadini, i frequenti fallimenti dei raccolti, la mano inesorabile della fame costrinsero gli abitanti di molte province della Russia a lasciare la loro miserabile ma familiare casa. "Come un drago da favola, il bisogno ha tenuto le masse tra i suoi artigli, le ha guidate, barcollate, capovolte e strangolate", ha osservato lo scrittore realista N. Teleshov, uno scrittore di villaggio della vita quotidiana. Inseguiti dal bisogno, dalla mancanza di diritti e dall'arbitrarietà, i contadini andavano a lavorare in città. Molti si precipitarono in nuove terre, il più delle volte in Siberia, per trovare salvezza dalla fame e dal bisogno nelle sue vaste distese. I coloni, appesantiti da miseri averi, si alzavano in interi villaggi dalle loro case, dove i loro padri, nonni e bisnonni avevano vissuto per secoli, e si stendevano in lunghe file lungo le polverose strade della Russia da Kursk, Tambov, Penza, Yaroslavl, province di Chernigov. Pochi sopravvissero alla prova dell'arduo viaggio. Malattie, fame e freddo, arbitrarietà dei funzionari zaristi, completa mancanza di difesa: questo è ciò che è diventato il loro destino d'ora in poi. La morte ha falciato senza pietà i ranghi dei coloni che si assottigliavano rapidamente. Spesso, dopo aver speso tutti i fondi per strada, tornavano indietro, e coloro che raggiungevano il luogo erano attesi dalla stessa povertà e dagli stessi ordini e funzionari della loro patria.
La cosiddetta questione del reinsediamento preoccupava in quegli anni molti rappresentanti della cultura e dell'arte russa avanzata. Anche V. G. Perov, il fondatore del realismo critico, non è passato da questo argomento. Conosciuto, ad esempio, il suo disegno "La morte di un colono".
I coloni fecero un'impressione dolorosa su A.P. Cechov, che viaggiò nel 1890 sulla strada per Sakhalin attraverso tutta la Siberia. Sotto l'influenza delle conversazioni con Cechov, viaggiò lungo il Volga e Kama, negli Urali e da lì in Siberia e N. Teleshov. "Al di là degli Urali, ho visto la vita estenuante dei nostri coloni", ha ricordato, "le difficoltà e le difficoltà quasi favolose della vita contadina del popolo". Una serie di storie di Teleshov, che descrivono il destino di queste persone, è l'analogia più vicina al dipinto di Sergei Vasilievich Ivanov “On the Road. Morte di un migrante.
Ivanov ha trascorso una buona metà della sua vita viaggiando per la Russia, con attenzione, con vivo interesse, conoscendo la vita dei lavoratori multiformi. In questi incessanti vagabondaggi conobbe anche la vita dei coloni. “Molte dozzine di miglia ha camminato con loro nella polvere delle strade, sotto la pioggia, il maltempo e il sole cocente nelle steppe”, raccontano gli amici di Ivanov, “ha trascorso molte notti con loro, riempiendo i suoi album di disegni e appunti , molte scene tragiche sono passate davanti ai suoi occhi. Incapace di aiutare queste persone, l'artista ha pensato con dolore all'immensa tragedia della loro situazione e all'inganno dei loro sogni di "felicità", che non erano destinati a trovare nelle condizioni della Russia zarista.
Alla fine del 1880, Ivanov concepì una vasta serie di dipinti che raccontavano costantemente la vita dei coloni. Nella prima foto - "Rus' is coming" - l'artista ha voluto mostrare l'inizio del loro viaggio, quando le persone sono ancora allegre, sane e piene di brillanti speranze. Nelle immagini seguenti, avrebbe dovuto far conoscere allo spettatore le difficoltà della strada e le prime difficoltà. La serie doveva concludersi con scene drammatiche di sofferenza e tragica morte dei coloni. Tuttavia, solo alcuni anelli di questo ciclo sono stati portati a compimento dall'artista. Ivanov ha incarnato in immagini artistiche solo le impressioni più caratteristiche e di vita che hanno inciso maggiormente nella sua coscienza.
Una delle immagini finali del ciclo è “On the road. The Death of a Settler” è il lavoro più forte della serie pianificata. Altre opere su questo argomento, realizzate prima e poi da numerosi scrittori e artisti, non hanno rivelato così profondamente e allo stesso tempo così semplicemente la tragedia dei coloni in tutta la sua terribile verità.
Calore incandescente della steppa. Una leggera foschia spegne la linea dell'orizzonte. Questa terra desertica bruciata dal sole sembra sconfinata. Ecco una famiglia di immigrati solitaria. A quanto pare, l'ultimo estremo l'ha costretta a fermarsi in questo luogo spoglio, che non era protetto da nulla dal sole cocente. Il capofamiglia, il capofamiglia, è morto. Cosa attende la sfortunata madre e figlia in futuro: una domanda del genere che tutti si pongono involontariamente guardando l'immagine. E la risposta è chiara. Si legge nella figura di una madre distesa sulla nuda terra. Non ci sono parole né lacrime per una donna dal cuore spezzato. In muta disperazione, gratta la terra secca con le dita ricurve. Si legge la stessa risposta nel volto smarrito, annerito, come un tizzone spento, della ragazza, nei suoi occhi congelati dall'orrore, in tutta la sua figura intorpidita ed emaciata. Non c'è speranza per nessun aiuto!
Ma di recente, la vita brillava in una piccola casa di trasporto. Il fuoco scoppiettava, si stava preparando una magra cena, la padrona di casa era impegnata vicino al fuoco. L'intera famiglia sognava che da qualche parte lontano, in una terra sconosciuta e benedetta, sarebbe presto iniziata per lei una nuova vita felice.
Ora è crollato tutto. L'operaio principale è morto, ovviamente, è caduto anche il cavallo esausto. Il collare e l'arco non servono più: vengono gettati con noncuranza vicino al carro. Il fuoco nel focolare si spense. Un secchio rovesciato, le aste nude di un treppiede vuoto, tese, come braccia, aste vuote in muta angoscia - com'è irrimediabilmente triste e tragico tutto questo!
Ivanov ha cercato consapevolmente proprio una tale impressione. Come Perov in "Seeing the Dead", ha chiuso il dolore con una ristretta cerchia familiare, abbandonando le figure di donne comprensive che erano nello schizzo preliminare del quadro. Volendo sottolineare ulteriormente il destino dei coloni, l'artista ha deciso di non includere nel quadro il cavallo, che era anche nello schizzo.
Il potere della pittura di Ivanov non si limita alla trasmissione veritiera di un particolare momento. Quest'opera è un'immagine tipica della vita contadina nella Russia post-riforma. Questo è il motivo per cui è stata accolta con feroce bestemmia dalla critica reazionaria, che sosteneva che la morte dei coloni lungo la strada fosse un fenomeno accidentale e per nulla tipico, e che il contenuto dell'immagine fosse stato inventato dall'artista all'interno delle mura della sua studio. Ivanov non è stato fermato dagli aspri attacchi dei nemici dell'arte avanzata e vitale. Il suo lavoro è stato solo uno dei primi risultati del profondo studio dell'artista sulla verità sociale della vita russa contemporanea. Seguono molte altre opere significative, nelle quali si esprime non solo la sofferenza del popolo, ma anche la rabbiosa protesta che cova tra le masse contro l'oppressione degli sfruttatori.
Biografia dell'artista, modo creativo. Galleria di immagini.
Ivanov Sergey Vasilievich
Sergej Ivanov
(1864 - 1910)
Ivanov Sergey Vasilyevich, pittore russo. Ha studiato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca (1878-82 e 1884-85) con I. M. Pryanishnikov, E. S. Sorokin e all'Accademia delle arti di San Pietroburgo (1882-84). Ha vissuto a Mosca. Ha viaggiato molto in Russia, nel 1894 ha visitato Austria, Italia, Francia. Membro dell'Associazione delle mostre d'arte itineranti (dal 1899) e uno dei fondatori dell'Unione degli artisti russi. Ha insegnato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca (dal 1900) e alla Scuola di arte industriale Stroganov di Mosca (dal 1899). Nella seconda metà degli anni 1880 - primi anni 1890. ha lavorato su dipinti di genere (in cui il paesaggio gioca un ruolo importante), disegni e litografie dedicate al tragico destino dei coloni contadini russi e dei prigionieri delle carceri zariste ("Al carcere", 1885, "Sulla strada. Morte di un colono" , 1889, entrambi dipinti nella Galleria Tretyakov). Prese parte agli eventi rivoluzionari del 1905 e fu uno dei primi tra gli artisti russi a dedicarsi al tema della lotta rivoluzionaria dei contadini russi e del proletariato ("Riot in the Village", 1889, "Shooting", 1905, entrambi i dipinti nel Museo della Rivoluzione dell'URSS a Mosca; "Stage" , 1891, l'immagine non è stata conservata; acqueforti "Esecuzione", "Al muro. Episodio del 1905", entrambi - tra il 1905 e il 1910).
Dal 1895 I. si dedicò alla pittura storica. La vita delle persone e i tratti del carattere nazionale, la loro connessione con i futuri destini della Russia - tale è la base della visione del mondo dei suoi dipinti storici, che incarnano il potere spontaneo del movimento popolare ("Trouble", 1897, Museo- appartamento di I. I. Brodsky, Leningrado), poi con grande persuasività e autenticità storica (a volte non priva di elementi di satira sociale) ricreando scene quotidiane del passato ("Arrivo di stranieri a Mosca nel XVII secolo", 1901, "Zar. XVI secolo ", 1902, entrambi nella Galleria Tretyakov). Nel lavoro di I., un orientamento socio-critico si unisce alla ricerca di nuove soluzioni compositive e cromatiche che arricchiscano emotivamente le possibilità espressive del genere e della pittura storica. Ha anche fatto illustrazioni.
Illuminato.: Granovsky I. N., SV Ivanov. Vita e creatività, M., 1962.
VM Petyushenko
TSB, 1969-1978
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Sergei Vasilievich Ivanov nacque il 16 giugno 1864 nella città di Ruza, provincia di Mosca, da una famiglia nobile povera. Le impressioni infantili del soggiorno nella patria dei suoi antenati sulla linea paterna e materna nelle province di Voronezh e Samara sono rimaste a lungo nella sua memoria e sono state successivamente incarnate nel suo lavoro.
Ha mostrato la sua capacità di disegnare molto presto, ma prima di entrare nel MUZHVZ, ha dovuto studiare al Moscow Land Survey Institute, dove venivano insegnati disegno e disegno, per volere dei suoi genitori. L'incontro del futuro artista con P.P. Sinebatov, diplomato all'Accademia delle arti, ha cambiato significativamente la sua vita. Approfittando dei suoi consigli, iniziò a copiare da solo, e poi nel 1878 si iscrisse alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, che frequentò dapprima come volontario. Nel 1882, dopo essersi diplomato al corso scientifico e alla classe di figura della scuola, si trasferì all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ma nel 1884 tornò a Mosca. Le qualità distintive del carattere di Ivanov - indipendenza e determinazione, hanno svolto un ruolo importante quando ha commesso un atto molto coraggioso. Nel 1885 lasciò la scuola senza nemmeno iniziare il lavoro di laurea. Affascinato dai temi della vita, irrequieto, desideroso di nuove esperienze, non era imbarazzato dal fatto che senza un quadro competitivo avrebbe ricevuto solo un certificato per il titolo di insegnante d'arte. L'idea di fare un grande viaggio in diverse province della Russia lo occupava molto di più. L'artista ha voluto vedere con i propri occhi come si è sviluppato il destino dei contadini migranti, spostandosi in grandi folle nell'est della Russia, dopo la riforma attuata da P.A. Stolypin, nella speranza di trovare terra e una vita migliore. Questo grande viaggio attraverso le province di Mosca, Ryazan, Vladimir, Samara, Orenburg e Voronezh iniziò nella primavera del 1885. Il risultato fu un'intera serie di disegni, studi e dipinti sulla vita dei coloni, tra i quali il maggior successo in termini di pittura fu una piccola tela "Colonista in carrozza". Il dipinto apparve a una mostra studentesca nel 1886 e fu acquistato da V.D. Polenov, che trattò il pittore alle prime armi con grande attenzione e cura. Devo dire che Ivanov, anche per tutta la vita, ha sperimentato un attaccamento amichevole a Polenov. Negli anni Ottanta dell'Ottocento era un assiduo frequentatore di casa sua, partecipando tra gli altri giovani alle serate di disegno di Polenov. “Il migrante in carrozza”, che per la freschezza della percezione è vicino a uno schizzo, è stato dipinto all'aria aperta, non senza l'influenza di Polenov, maestro della pittura en plein air. Il lavoro ha colpito per la vitalità della scena, la luce del sole e l'immagine abilmente catturata di una donna anziana seduta in una carrozza. Poco dopo sono apparsi altri schizzi e opere finite, tra cui: “Settlers. Solitario”, “In viaggio. Morte di un migrante. In essi, il tema della vita contadina senza speranza è portato all'estremo grado di nitidezza sociale e suona potente come nelle migliori opere degli Erranti. Dipinto «In viaggio. La morte di un colono" fu accettato per la XVII mostra itinerante, tenutasi nel 1889.
Oltre alle capacità artistiche, Ivanov aveva una mentalità scientifica. Durante i suoi viaggi, ha sempre prodotto interessanti schizzi etnografici, architettonici, quotidiani e descrizioni scientifiche. Nell'estate del 1886, nella provincia di Samara, si imbatté nei cimiteri dell'età della pietra e se ne interessò seriamente. Nel tempo ha raccolto una curiosa collezione paleontologica, parte della quale è stata donata a V.D. Polenov e collocata nella tenuta Borok. Gli interessi scientifici e artistici hanno spinto Ivanov a dedicarsi seriamente alla fotografia. Molte fotografie scattate durante i viaggi sono state poi utilizzate nel lavoro sui dipinti storici. L'artista era un membro a pieno titolo della Russian Photographic and Geographical Mining Society.
S.V. Ivanov ha viaggiato molto. Nell'estate del 1888, su sua iniziativa, fu organizzato un viaggio lungo il Volga insieme ad A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov ed E.M. Khruslov. Molti disegni e schizzi sono stati conservati da questo viaggio. Nell'agosto dello stesso anno Ivanov partì per una spedizione nel Caucaso, con l'obiettivo di visitare zone poco conosciute e raggiungere le vette del Grande e del Piccolo Ararat. Nel libro dei partecipanti alla spedizione - E.P. Kovalevsky ed E.S. Markov "Sulle montagne dell'Ararat", pubblicato nel 1889, sono inseriti numerosi disegni di S. Ivanov. Nel 1896 finì a Feodosia e poi viaggiò per il Daghestan. Nel 1898 fece un viaggio nella provincia di Vyatka, poi proseguì nelle steppe calmucche e kirghise e nel lago Baskunchak. Nel 1899 e nel 1901 fu nuovamente attratto dal Volga. Nel 1894 finì in Europa, visitando Parigi, Vienna, Venezia, Milano e Genova, ma le antiche città russe - Rostov, Yaroslavl, Vologda, Zaraysk, che visitò più di una volta - gli erano più care.
Dal 1889 l'artista fu catturato per diversi anni dal tema dei prigionieri. Dopo aver ricevuto il permesso ufficiale di visitare le carceri, Ivanov trascorre quasi tutto il suo tempo in prigione, disegnando quelli che sono lì. Ne parlano numerosi schizzi raffiguranti volti severi e teste rasate. Nel 1891, per un mese, visitò ogni giorno la prigione di transito di Saratov. Quindi, trasferitosi ad Atkarsk, dove venivano tenuti anche i prigionieri, si stabilì in una casa di fronte alla prigione e dipinse i quadri "Palcoscenico" e "Tataro in preghiera". Quest'ultimo raffigura un musulmano in piedi in tutta la sua altezza con una veste da prigioniero e uno zucchetto, che sta recitando la sua preghiera serale.
Anche mentre lavorava a una serie di illustrazioni per l'edizione in due volumi di M. Yu Lermontov, intrapresa da P. P. Konchalovsky nella casa editrice di Kushnerev, ha continuato la sua "serie di prigionieri". Delle quindici illustrazioni, quasi tutte, in un modo o nell'altro, sono legate a questo argomento. Illustrando le poesie: "Desiderio", "Prigioniero", "Prossimo", non ha cercato di trasmettere la natura romantica della poesia di Lermontov, ma le ha interpretate in modo letterale e affidabile, usando la natura e quegli schizzi che sono stati eseguiti nella prigione di Makariev.
Nel 1894, volendo ottenere nuove impressioni, oltre a rinnovare la sua arte, che, a suo avviso, si era fermata, S.V. Ivanov e sua moglie si recarono in Europa. L'artista intendeva trascorrere un anno intero in Francia, vivendo a Parigi, ma le impressioni ricevute da questa città e lo stato dell'arte moderna occidentale lo delusero profondamente. Ha scritto di questo viaggio all'artista AA Kiselev: “Adesso va bene in Russia. Anche se sono qui a Parigi solo da un mese, comincio a desiderare: non c'è spazio. Ho visto i Saloni e altre mostre, e non mi hanno dato quello che mi aspettavo, su 3.000 cose qui ne ho trovate solo 100, alle quali posso fermarmi... l'assenza di vita colpisce. In un'altra lettera allo stesso destinatario, afferma tristemente: "Non c'è niente di buono qui adesso, e non ha senso venire qui a studiare". Tre mesi dopo gli Ivanov tornarono a Mosca.
Tuttavia, questo viaggio non è stato vano, l'accresciuto sentimento di amore per la madrepatria che ha travolto l'Europa e la pittura francese moderna, per quanto negativamente lo percepisse il pittore, si rifletteva nel suo lavoro. Dal 1895, ha iniziato a genere storico, e il suo modo di scrivere notevolmente liberato. Anche lo studio della "Storia dello Stato russo" di N.M. Karamzin ha contribuito notevolmente alla passione per la storia.
La prima trama che interessava l'artista era legata alla storia del tempo dei guai. Una grande tela chiamata "Trouble" fu dipinta nel 1897, nell'antica città di Zaraysk. Nella foto, in pose espressive, è apparsa una folla inferocita, riparando il suo crudele processo a Grishka Otrepyev. Mentre ci lavorava, l'artista ha cercato di ricreare l'epoca nel modo più accurato possibile, raffigurando nell'opera costumi autentici e armi antiche: scudi, sciabole, asce, che aveva precedentemente abbozzato nel Museo dell'Ermitage. Al Novgorod Bazaar, è riuscito ad acquisire diverse cose antiche e le opere storiche, che ha studiato attentamente, lo hanno aiutato: "The Tale of Massa and Herkman about the Time of Troubles in Russia" e "Tales of Contemporaries about Dimitri the Pretender" . Tuttavia, nonostante l'attenta esecuzione, quest'opera, come previsto da Ivanov, non è stata accettata per nessuna mostra.
Ma il prossimo è “Nella foresta. In memory of Stephen of Perm and other educators of foreigners”, in cui trovò una riuscita forma compositiva per trasmettere la profonda idea cristiana dell'illuminazione delle tribù pagane, fu portato all'Esposizione itinerante del 1899, contemporaneamente è diventato un membro a pieno titolo dell'Associazione dei vagabondi.
Negli stessi anni, Ivanov ha lavorato parallelamente alle illustrazioni per le opere di AS Pushkin, pubblicate nel 1898-1899 dalla casa editrice di Kushnerev. È stato attratto dall'opportunità nella storia "The Captain's Daughter" e "Songs about the Prophetic Oleg", che ha scelto di illustrare, per riflettere la storia russa. L'artista era particolarmente interessato all'immagine di Emelyan Pugachev. Per lui ha dipinto diversi ritratti, tra cui il suo "Autoritratto con cappello", chiamato arrabbiato. Ma la cosa migliore era ancora l'illustrazione raffigurante il principe Oleg e il mago.
Nel 1901, S.V. Ivanov suscitò grande sorpresa mostrando la sua nuova creazione alla mostra di 36 - il dipinto “L'arrivo degli stranieri. XVII secolo", che P.M. Tretyakov ha acquistato poco prima dell'apertura della mostra. Sembrava che questa tela, così come la seguente - “Zar. XVI secolo" è stato scritto da un altro autore. Una libertà compositiva senza precedenti e l'uso di colori accesi, quasi locali, hanno reso il quadro insolito e decorativo. Enormi cumuli di neve soffice, piccole case di tronchi, chiese dipinte con grande sentimento, trasmettendo una sensazione di aria gelida e conforto patriarcale hanno permesso di riempire di poesia la scena del passato e darle realtà. Figure molto espressive e volti incorniciati di un vecchio con una lunga pelliccia con un grosso mazzo di bagel in mano e una giovane donna, che si affretta a portare via. Lo scrittore e pubblicista G.A.Machtet, congratulandosi con l'artista con questa immagine, ha scritto: “Come il genio colossale di Viktor Vasnetsov, essendosi immerso nell'alta epopea nativa, ce lo dà in immagini, ricreando le idee delle persone, i loro concetti, i loro "bellezza", insegnandoci a capire " l'anima delle persone" - così tu, nella tua foto "Arrivo degli ospiti", ricrea per noi il nostro passato e distante ... Ho respirato quella Mosca selvaggia - non riuscivo a staccare gli occhi da questo aspro barbaro, allontanando la stupida e timida Fedora dall '"occhio" del nemico.
Nel 1903 Ivanov visitò il villaggio di Svistukha, distretto di Dmitrovsky, provincia di Mosca, e fu immediatamente affascinato da un luogo tranquillo e pittoresco sulle rive del fiume Yakhroma. Qui ha vissuto negli ultimi sette anni, costruendo una piccola casa e un laboratorio secondo il suo progetto. Qui dipinse uno dei suoi quadri migliori, La famiglia. È dipinto su una grande tela, il che, ovviamente, indica l'importanza che l'artista attribuiva al suo lavoro. Raffigura una fila di persone che marciano attraverso la neve soffice attraverso l'intero villaggio con particolare solennità e grandezza. La tela è eseguita in un modo pittorico libero e impastato utilizzando una tavolozza dai colori vivaci, dominata dai toni del bianco, del giallo, del rosso e del blu. Colpisce con uno stato d'animo ottimista e di affermazione della vita. Un ruolo enorme nel rivelare la struttura emotiva dell'opera è stato svolto dal paesaggio. È davvero diventato uno dei personaggi principali. La natura, così come gli schizzi dei contadini, Ivanov scriveva in inverno all'aria aperta, avendo progettato a questo scopo un'officina riscaldata appositamente su una slitta.
Nel 1903, S.V. Ivanov ha preso un ruolo importante nella creazione dell'associazione creativa "Unione degli artisti russi". In larga misura, è sorto grazie alle sue qualità organizzative e al carattere combattivo e decisivo. Subito dopo la comparsa dell '"Unione", l'artista ha lasciato l'Associazione delle mostre d'arte itineranti ed ha esposto solo qui fino alla fine dei suoi giorni. Il carattere appassionato di Ivanov, che letteralmente "lo ha gettato sulle barricate", è stato notato da tutti coloro che lo conoscevano. Durante la rivoluzione del 1905, non solo mostrò simpatia per i ribelli, ma, come V. A. Serov, creò molte opere grafiche e pittoriche su questo argomento, tra cui il dipinto "Esecuzione".
Un'interessante descrizione di S.V. Ivanov, ancora uno studente della scuola, è stata data da M.V. Nesterov nelle sue memorie. Ha scritto: “Sembrava uno studente ribelle, sfilacciato, gambe lunghe, testa vorticosa. Persona calda e ardente, hobby sinceri e caldi. Aiutava sempre la parola con il suo gesto, volutamente appassionato. Diretto, impeccabilmente onesto e tutto in lui attratto ... Ivanov, apparentemente severo, mostrava spesso il suo entusiasmo e la sua energia giovanile, contagiando gli altri. Gli piaceva fare l'allevatore di cavalli nelle imprese, ma se qualche impresa non riusciva, si scoraggiava. A volte i suoi compagni lo deridevano per questo. La natura ribelle del "piromane infernale" ... Ardente e caldo, a volte dava l'impressione di una persona acuta, persino dispotica, ma sotto questo si nascondeva una natura molto profonda e morbida. Questo bellissimo ritratto verbale completa quello visivo, realizzato nel 1903 dall'artista I.E. Braz. Da esso lo sguardo di una persona è diretto con grande dolore e tensione, guardando in questo mondo difficile.
SV Ivanov morì improvvisamente per un attacco di cuore il 16 agosto 1910 nel villaggio di Svistukha, dove visse tranquillamente negli ultimi anni.
Artista di brillante talento, Ivanov è nato a Ruza, nella provincia di Mosca, nella famiglia di un funzionario. Ha studiato alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca (1878-1882, 1884-1885) con I.M. Pryanishnikov e all'Accademia delle arti di San Pietroburgo.
Fin dall'inizio, la direzione delle sue opere è abbastanza ovvia: la storia della Russia nel passato e nel presente. La prima foto "Sulla strada. The Death of a Settler (1889), che ha portato fama all'artista, è stato scritto nello stile dei primi lavori di Wanderers, ma l'atteggiamento nei confronti di ciò che sta accadendo è già diverso. La morte del capofamiglia, la solitudine di una famiglia orfana - è sottolineata dal paesaggio desertico della steppa bruciata. Nella foto, l'artista ha utilizzato attivamente i mezzi artistici di composizione. Continuando le tradizioni, Ivanov si adoperò per l'arte drammatica, trasmettendo con sensibilità il "battito dell'anima umana", che si incarnava nei dipinti sulla vita dei contadini ("Al proprietario terriero con una richiesta", 1885) e nei temi del "prigioniero" (" Étap”, 1892).
La ricerca di Ivanov di nuove soluzioni compositive e cromatiche - angoli inaspettati, macchie di colore piatte decorative hanno portato l'artista a partecipare alla creazione dell'Unione degli artisti russi.
Nel 1900, l'influenza dell'impressionismo divenne sempre più evidente nell'opera di S. Ivanov. La trasmissione dell'ambiente luce-aria evidenzia gli oggetti principali delle composizioni. Le opere dell'artista sono caratterizzate da un'interpretazione concisa e mirata delle immagini.
Dalla fine degli anni 1890, l'artista ha lavorato principalmente su dipinti del passato russo. Nel passato della Russia, l'artista era principalmente attratto da acuti momenti drammatici, dalla forza dei personaggi popolari russi ("La campagna dei moscoviti. XVI secolo", 1903), dalla bellezza della vita antica ("Famiglia", 1910). L'ironia malvagia era intrisa delle opere di Ivanov della vita di un ragazzo, boiardi, che dimostravano le radici storiche di fenomeni come il denso filisteismo, la spavalderia dignitosa. Nel 1902, alla mostra Soyuz 36, Ivanov presentò il dipinto Zar. XVI secolo". In una giornata invernale, un corteo di parata si muove lungo la strada di Mosca, a capo della quale marciano solennemente i gridni (guardie) in caftani rossi. Su un cavallo magnificamente decorato, in abiti ricchi, il re cavalca, grasso e goffo, con un pomposo tiglio sollevato. Ma i Lyuli, sepolti nella neve in un impeto di sentimento servile, non possono apprezzare la "grandezza del momento". Utilizzando il metodo della "composizione colorata", l'artista ha portato l'immagine il più vicino possibile allo spettatore, come se creasse un "effetto di presenza" dentro di lui. Questo lavoro si distingue per un sistema di colori brillanti, espressività delle soluzioni di silhouette, pittura libera.
Alla ricerca di un nuovo linguaggio pittorico, Ivanov ha agito come un innovatore del genere storico: le sue tele assomigliavano a fotogrammi di film congelati, affascinando lo spettatore con il loro ritmo dinamico ("L'arrivo degli stranieri a Mosca nel XVII secolo", 1901). L'ultimo lavoro dell'artista era un ciclo sugli eventi del 1905 ("Esecuzione").
Impero russo
immagini della trama
Sergei Vasilievich Ivanov(4 (16) giugno, Ruza - 3 (16) agosto, il villaggio di Svistukha (ora distretto Dmitrovsky della regione di Mosca)) - Pittore russo.
Biografia
nei primi anni
L'ultimo periodo di studio comprende i dipinti "Malato" (1884, luogo sconosciuto), "All'osteria" (1885, luogo sconosciuto), "Al proprietario terriero con una richiesta" (1885, luogo sconosciuto), "Al carcere" (1884-1885, Galleria statale Tretyakov ), "Agitatore in carrozza" (1885, GTsMSIR). L'inizio dei lavori sul tema del reinsediamento risale a questo periodo (il ciclo del 1885-1890).
Tema della migrazione (1885-1890)
Già negli ultimi corsi, Sergei Ivanov si rivolge a gravi problemi sociali. In particolare, un fenomeno caratteristico del villaggio russo dell'ultimo quarto del XIX secolo attirò la sua attenzione: nella seconda metà degli anni Ottanta dell'Ottocento iniziò il reinsediamento in Siberia. Dopo la riforma del 1861 si rese necessario risolvere la questione fondiaria. Il governo ha visto una via d'uscita nel reinsediamento dei contadini senza terra in questa vasta regione scarsamente popolata. Solo negli ultimi decenni dell'Ottocento diversi milioni di contadini lasciarono i loro insignificanti orti, miserabili capanne e andarono alla ricerca di "terre fertili". Da soli, con mogli e figli, in piccoli gruppi, portando con sé i loro fragili averi, a piedi e sui carri, e se erano fortunati, poi su rotaia, si precipitavano, ispirati dai sogni utopici di "Belovodye" o "White Arapia ", verso dure prove e il più delle volte gravi delusioni. La tragedia dei contadini senza terra che lasciano i loro luoghi originari, dalle province centrali alla periferia del Paese - in Siberia e muoiono a centinaia lungo la strada - questa è l'idea principale del ciclo pittorico di Ivanov. Ha catturato le scene della vita contadina in immagini a colori volutamente noiose e "dolorose" sugli immigrati.
Dopo aver chiesto alla Moscow Art Society un certificato di "viaggio e residenza" in diverse province da Mosca a Orenburg, Ivanov si è separato dalla scuola senza nemmeno ricevere un certificato per il titolo di insegnante d'arte. Da quel momento, Ivanov è diventato una sorta di cronista di un tragico fenomeno nella vita dei contadini russi post-riforma.
Il critico d'arte Sergei Glagol (pseudonimo S.S. Goloushev) racconta questo periodo della vita e dell'opera di Ivanov:
“... Ha percorso decine di miglia con i coloni nella polvere delle strade russe, sotto la pioggia, il maltempo e il sole cocente nelle steppe, ha trascorso molte notti con loro, riempiendo il suo album di disegni e appunti, molte scene tragiche davanti ai suoi occhi, e una serie di immagini davvero capaci di raccontare l'epopea delle migrazioni russe.
I dipinti e i disegni di Ivanov raffigurano scene terrificanti della vita del reinsediamento. Speranza e disperazione, malattia e morte accanto a persone che vagano per le distese della Russia - “Coloni. Walkers "(, BGHM prende il nome da M.V. Nesterov)," Return colons "(1888, National Gallery of the Komi Republic) e il primo dipinto serio dell'artista" On the road. Death of a Settler" (, Galleria Statale Tretyakov), che ha portato la fama al giovane artista.
La sezione successiva dell'epopea sociale di Ivanov era la "serie del prigioniero". Il lavoro su di esso a volte si sovrapponeva al "ciclo di liquidazione"; allo stesso tempo, l'artista ha creato: "Fugitive", schizzo (1886, State Tretyakov Gallery), "Riot in the Village" (, GTsMSIR), "Sending Prisoners" (, GTsMSIR), "Vagabond" (, posizione sconosciuta) . Il dipinto "Stage" (, il dipinto è morto, una variante nel Museo d'arte statale di Saratov intitolato ad A.N. Radishchev) sembra riassumere la "serie del prigioniero".
A cavallo del 1889-1890, Sergei Ivanov, insieme a Serov, Levitan, Korovin, era un leader riconosciuto tra gli artisti di Mosca della generazione più giovane. Allo stesso tempo, ha partecipato alle "serate di disegno" di Polenov, organizzate da V. D. Polenov e sua moglie, e lì ha trovato sostegno e approvazione.
Periodo di lavori storici
Dalla metà degli anni '90 è iniziato un nuovo periodo nel lavoro dell'artista, associato alla creazione di opere storiche. Ci sono caratteristiche nella pittura storica di Ivanov che lo mettono in relazione con l'arte di Surikov e Ryabushkin. Il pittore comprende lo stato della massa eccitata in momenti drammatici acuti ("Trouble", , Museo-appartamento di I. I. Brodsky); "Secondo il verdetto del veche", , collezione privata), è attratto dalla forza dei personaggi popolari russi e, come Ryabushkin, trova la bellezza nei fenomeni della vita popolare, afferma la comprensione di questa bellezza da parte di una persona russa . Ivanov coglie con sensibilità la pittoresca ricerca del tempo; le sue opere di questi anni acquisiscono una speciale sonorità coloristica.
Tuttavia, è continuata la ricerca di altri temi e modi di esprimere lo stato interno. Ivanov, insoddisfatto (nelle sue parole) delle "scene carine" che prevalevano nel genere quotidiano degli Erranti, si adoperava per l'arte ostrodrammatica, trasmettendo con sensibilità il "battito dell'anima umana". A poco a poco, forse sotto l'influenza del lavoro all'aria aperta, ha cambiato disegno e tavolozza. Ciò è accaduto durante gli anni della creazione dell'Unione degli artisti russi, in cui Ivanov ha svolto un certo ruolo. L'artista si è rivolto al genere storico, ha dipinto ritratti dei suoi cari, illustrato libri. Rimase un artista realista, nonostante i tempi della ricerca, della modernità e del rifiuto dell'arte oggettiva.
Ivanov ha agito come un innovatore del genere storico, componendo episodi del Medioevo russo - nello spirito dello stile Art Nouveau - quasi come riprese cinematografiche, affascinando lo spettatore con il loro ritmo dinamico, "effetto presenza" (Arrivo di stranieri a Mosca nel XVII secolo); "Zar. XVI secolo” (1902), Campagna dei moscoviti. XVI secolo, 1903). In essi, l'artista ha dato uno sguardo nuovo al passato storico della madrepatria, raffigurando non i momenti eroici degli eventi, ma scene della vita quotidiana dell'antica vita russa. Alcune immagini sono scritte con un tocco di ironia, grottesche.
Anni rivoluzionari - ultimi anni
Successivamente, l'artista lavora al dipinto “Stanno arrivando! Distacco punitivo "(-, Galleria statale Tretyakov).
Insegnò alla Stroganov School of Industrial Art (1899-1906), alla Moscow School of Painting, Sculpture and Architecture (1900/1903-1910).
Partecipò alle mostre della Moscow Society of Art Lovers (1887, 1889, 1894), the Association of Wanderers (1887-1901), "36 Artists" (1901, 1902), "The World of Art" (1903) , l'Unione degli artisti russi (1903-1910).
Ha lavorato fruttuosamente come maestro dell'acquaforte e della litografia, nonché illustratore delle opere di N.V. Gogol, M.Yu. Lermontov, A.S. Pushkin e altri.
Ivanov è morto all'età di 46 anni per un attacco di cuore il 3 agosto (16), nella sua dacia nel villaggio di Svistukha, sulle rive del fiume Yakhroma.
Galleria
Letteratura
- "1989. Cento date memorabili. Calendario artistico. Edizione annuale illustrata. M. 1988. Articolo di V. Petrov.
- A. F. Dmitrienko, E. V. Kuznetsova, O. F. Petrova, N. A. Fedorova. "50 brevi biografie di maestri dell'arte russa". Leningrado, 1971. Articolo di A. F. Dmitrienko.