Nella loro lotta con la tradizione gotica, gli artisti del primo Rinascimento cercarono sostegno nell'antichità e nell'arte del Protorinascimento. Ciò che i maestri del Protorinascimento cercavano solo intuitivamente, al tatto, si basa ora su una conoscenza precisa. L'arte italiana del XV secolo si distingue per una grande diversità. La diversità delle condizioni in cui si formano le scuole locali dà origine a una varietà di movimenti artistici. La nuova arte, che trionfò nella Firenze avanzata all'inizio del XV secolo, non ottenne subito riconoscimento e si diffuse in altre regioni del Paese.
Mentre Bruneleschi, Masaccio e Donatello lavoravano a Firenze, le tradizioni dell'arte bizantina e gotica erano ancora vive nell'Italia settentrionale, solo gradualmente soppiantate dal Rinascimento.
Quattrocento
Dalla fine del XIV secolo. Il potere a Firenze passa alla casata dei banchieri Medici. Il suo capo, Cosimo de' Medici, divenne il sovrano non ufficiale di Firenze. Scrittori, poeti, scienziati, architetti e artisti affollano la corte di Cosimo de' Medici (e poi di suo nipote Lorenzo, soprannominato il Magnifico). Inizia l’era della cultura medica. I primi segni di una nuova cultura borghese e l'emergere di una nuova visione del mondo borghese si manifestarono particolarmente chiaramente nel XV secolo, durante il Quattrocento.
Ma proprio perché durante questo periodo il processo di formazione di una nuova cultura e di una nuova visione del mondo non fu completato (ciò accadde più tardi, nell'era della decomposizione finale e del crollo delle relazioni feudali), il XV secolo è pieno di libertà creativa, audacia audace e ammirazione per l’individualità umana. Questa è veramente l’era dell’umanesimo. Inoltre, questa è un'era piena di fede nel potere illimitato della mente, un'era di intellettualismo. La percezione della realtà è testata dall'esperienza, dall'esperimento e controllata dalla ragione. Da qui lo spirito di ordine e misura che è così caratteristico dell'arte del Rinascimento. La geometria, la matematica, l'anatomia, lo studio delle proporzioni del corpo umano sono di grande importanza per gli artisti; è allora che cominciano a studiare attentamente la struttura dell'uomo; nel XV secolo Gli artisti italiani risolsero anche il problema della prospettiva rettilinea, già maturato nell'arte del Trecento.
L'antichità ha svolto un ruolo enorme nella formazione della cultura secolare del Quattrocento. Il XV secolo mostra collegamenti diretti con la cultura rinascimentale.
Scultura
Nel XV secolo. La scultura italiana era fiorente. Acquisì un significato indipendente, indipendente dall'architettura, e in esso apparvero nuovi generi. La pratica della vita artistica cominciò ad includere commesse da ricchi ambienti mercantili e artigianali per la decorazione di edifici pubblici; i concorsi artistici acquisirono il carattere di ampi eventi pubblici. L'evento che apre un nuovo periodo nello sviluppo della scultura rinascimentale italiana è considerato il concorso, svoltosi nel 1401, per realizzare in bronzo la seconda porta settentrionale del Battistero fiorentino. Tra i partecipanti al concorso c'erano giovani maestri: Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti (circa 1381-1455). Il brillante disegnatore Ghiberti vinse il concorso. Una delle persone più colte del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, Ghiberti, nella cui opera la cosa principale era l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine, dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. La sua ricerca raggiunse l’apice nella realizzazione delle porte orientali del Battistero fiorentino (1425-1452), che Michelangelo definì “Porte del Paradiso”. Le dieci composizioni quadrate in bronzo dorato che le compongono trasmettono la profondità dello spazio in cui si fondono figure, natura e architettura. Assomigliano ai dipinti nella loro espressività. La bottega di Ghiberti divenne una vera e propria scuola per un'intera generazione di artisti. Il giovane Donatello, il futuro grande riformatore della scultura italiana, lavorò nella sua bottega come assistente. Donato di Niccolò di Betto Bardi, detto Donatello (1386 ca.-1466), nacque a Firenze nella famiglia di un cardatore di lana. Lavorò a Firenze, Siena, Roma, Padova. Tuttavia, l’enorme fama non ha cambiato il suo stile di vita semplice. Si diceva che l'altruista Donatello appendesse un portafoglio con i soldi alla porta del suo laboratorio, e i suoi amici e studenti prendessero dal portafoglio quanto avevano bisogno.
Da un lato Donatello desiderava la verità nella vita nell'arte. D'altro canto diede alle sue opere tratti di sublime eroismo. Queste qualità erano già evidenti nelle prime opere del maestro: statue di santi destinate alle nicchie esterne delle facciate della Chiesa di Or San Michele a Firenze, e profeti dell'Antico Testamento del campanile fiorentino. Le statue erano nelle nicchie, ma attirarono subito l'attenzione con la dura espressività e la forza interiore delle immagini. Particolarmente famoso è "San Giorgio" (1416) - un giovane guerriero con uno scudo in mano. Ha uno sguardo concentrato, profondo; sta saldamente a terra, le gambe divaricate. Nelle statue dei profeti Donatello ne sottolinea soprattutto i tratti caratteristici, a volte ruvidi, disadorni, anche brutti, ma vivi e naturali. I profeti di Donatello, Geremia e Abacuc, sono nature integre e spiritualmente ricche. Le loro figure forti sono nascoste da pesanti pieghe di mantelli. La vita solcò il volto sbiadito di Avvakum con rughe profonde; egli divenne completamente calvo, per questo a Firenze lo soprannominarono Zuccone (Zucca).
Nel 1430 Donatello creò il David, la prima statua nuda nella scultura rinascimentale italiana.
Un viaggio a Roma con Brunelleschi ampliò notevolmente le capacità artistiche di Donatello; il suo lavoro si arricchì di nuove immagini e tecniche, influenzate dall'antichità. Un nuovo periodo è iniziato nel lavoro del maestro. Nel 1433 completò il pulpito marmoreo del Duomo di Firenze. L'intero campo del pulpito è occupato da una giubilante danza rotonda di putti danzanti - qualcosa di simile ad antichi amorini e allo stesso tempo angeli medievali sotto forma di ragazzi nudi, a volte alati, raffigurati in movimento. Questo è un motivo preferito nella scultura del Rinascimento italiano, che successivamente si diffuse nell'arte dei secoli XVII-XVIII.
La seconda generazione di scultori fiorentini gravitava verso un'arte più lirica, pacifica e secolare. Il ruolo principale in esso apparteneva alla famiglia di scultori della Robbia. Il capofamiglia, Lucca della Robbia (1399 o 1400-1482), contemporaneo di Brunelleschi e Donatello, divenne famoso per l'uso delle tecniche dello smalto nella scultura circolare e nel rilievo, spesso combinandole con l'architettura. La tecnica dello smalto (maiolica), nota fin dall'antichità ai popoli dell'Asia occidentale, fu portata nella penisola iberica e nell'isola di Maiorca nel Medioevo, da cui prese il nome, per poi diffondersi ampiamente in Italia. Lucca della Robbia realizzò medaglioni con rilievi su fondo azzurro intenso per edifici e altari, ghirlande di fiori e frutti, busti in maiolica della Madonna, Cristo e Giovanni Battista. L'arte allegra, elegante e gentile di questo maestro ha ricevuto il meritato riconoscimento dai suoi contemporanei. Anche suo nipote Andrea della Robbia (1435-1525) raggiunse una grande perfezione nella tecnica della maiolica.
Pittura
L'enorme ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento e Donatello nella scultura appartenne a Masaccio nella pittura. Brunelleschi e Donatello erano al culmine della creatività quando nacque Masaccio. Secondo Vasari, “Masaccio cercò di rappresentare le figure con grande vivacità e con la massima spontaneità, come la realtà”. Masaccio morì giovane, non raggiungendo i 27 anni, eppure riuscì a fare tante cose nuove nella pittura che nessun altro maestro riuscì a fare in tutta la sua vita.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, detto Masaccio (1401 – 1428), nacque nel comune di San Valdarno vicino a Firenze, dove si recò da giovane per studiare pittura. Si ipotizzò che suo maestro fosse Masolino de Panicale, con il quale poi collaborò; ora è stato rifiutato dai ricercatori. Masaccio lavorò a Firenze, Pisa e Roma. Un classico esempio di composizione d'altare fu la sua “Trinità” (1427-1428), realizzata per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze. L'affresco è stato dipinto su una parete che scende in profondità nella cappella, costruita a forma di nicchia ad arco rinascimentale. Il dipinto mostra un crocifisso, le figure di Maria e Giovanni Battista. L'immagine di Dio Padre li adombra. In primo piano dell'affresco sono raffigurati i clienti inginocchiati, come se si trovassero nell'edificio della chiesa stessa. Nella parte inferiore dell'affresco si trova l'immagine di un sarcofago su cui giace lo scheletro di Adamo. L'iscrizione sopra il sarcofago contiene il tradizionale detto medievale: "Una volta ero come te e tu sarai come me".
Fino agli anni '50. XX secolo quest'opera di Masaccio agli occhi degli amanti dell'arte e degli scienziati passava in secondo piano davanti al suo famoso ciclo di dipinti della Cappella Brancacci. Dopo che l'affresco fu spostato nella sua posizione originaria nel tempio nel 1952, lavato, restaurato e quando fu scoperta la sua parte inferiore con un sarcofago, la “Trinità” attirò l'attenzione di ricercatori e amanti dell'arte. La creazione di Masaccio è notevole sotto ogni aspetto. Il maestoso distacco delle immagini si combina qui con una realtà spaziale e architettonica finora mai vista, con il volume delle figure, le caratteristiche espressive del ritratto dei volti dei clienti e con l'immagine della Madre di Dio, sorprendente nella sua potenza di sentimento trattenuto. In quegli stessi anni Masaccio (in collaborazione con Masolino) realizzò il murale della Cappella Brancacci nella Chiesa di Santa Maria del Carmine, dal nome di un facoltoso cliente fiorentino.
Il pittore si trovava di fronte al compito di costruire uno spazio utilizzando la prospettiva lineare e aerea, inserendovi potenti figure di personaggi, raffigurandone fedelmente i movimenti, le pose, i gesti, e quindi collegando la scala e il colore delle figure con lo sfondo naturale o architettonico . Masaccio non solo ha affrontato con successo questo compito, ma è anche riuscito a trasmettere la tensione interna e la profondità psicologica delle immagini.
I soggetti dei dipinti sono principalmente dedicati alla storia dell'apostolo Pietro. La composizione più famosa, "Il miracolo dello statere", racconta come un esattore delle tasse fermò Cristo e i suoi discepoli alle porte della città di Cafarnao, chiedendo loro denaro per mantenere il tempio. Cristo comandò all'apostolo Pietro di pescare nel lago Gennesaret e di estrarne uno statir. A sinistra sullo sfondo lo spettatore vede questa scena. A destra Pietro consegna il denaro all'esattore. La composizione collega quindi tre episodi in tempi diversi, in cui l'apostolo appare tre volte. Nella pittura sostanzialmente innovativa di Masaccio, questa tecnica è un tardivo omaggio alla tradizione medievale della narrazione pittorica; molti maestri l'avevano già abbandonata a quel tempo e più di un secolo fa lo stesso Giotto. Ma questo non disturba l'impressione di audace novità, che contraddistingue l'intera struttura figurativa del dipinto, la sua drammaturgia, i personaggi vitalmente convincenti, leggermente rude. A volte nell'esprimere la forza e l'acutezza dei sentimenti, Masaccio è in anticipo sui tempi. Ecco l'affresco “La Cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso” nella stessa Cappella Brancacci. Lo spettatore crede che Adamo ed Eva, che hanno violato il divieto divino, siano stati effettivamente espulsi dal paradiso da un angelo con una spada in mano. La cosa principale qui non è la trama biblica e i dettagli esterni, ma il sentimento di sconfinata disperazione umana che travolge Adamo, coprendosi il viso con le mani, e singhiozzando Eva, con gli occhi infossati e un buco scuro nella bocca distorta da un urlo. Nell'agosto del 1428 Masaccio partì per Roma senza finire il dipinto e presto morì improvvisamente. La Cappella Brancacci divenne luogo di pellegrinaggio per i pittori che adottarono le tecniche di Masaccio. Tuttavia, gran parte di esso è creativo; L'eredità di Masaccio fu apprezzata solo dalle generazioni successive. Nell’opera del suo contemporaneo Paolo Uccello (1397-1475), che apparteneva alla generazione di maestri che operarono dopo la morte di Masaccio, il desiderio di fiabe eleganti a volte acquisì una sfumatura ingenua. Questa caratteristica dello stile creativo dell’artista è diventata il suo biglietto da visita unico. Il suo primo piccolo dipinto "San Giorgio" è affascinante. Un drago verde con una coda a forma di vite e ali modellate, come se fosse scolpito nello stagno, cammina con decisione su due gambe. Non è spaventoso, ma divertente. L'artista stesso probabilmente ha sorriso mentre creava questa immagine. Ma nell’opera di Uccello, la fantasia ribelle si combinava con la passione per lo studio della prospettiva. Vasari descrisse come eccentricità gli esperimenti, i disegni e gli schizzi a cui dedicò notti insonni. Nel frattempo Paolo Uccello entrò nella storia della pittura come uno di quei pittori che per primo iniziò ad utilizzare la tecnica della prospettiva lineare nelle sue tele. In gioventù Uccello lavorò nella bottega del Ghiberti, poi realizzò mosaici per la Cattedrale di San Marco a Venezia e, tornato a Firenze, conobbe i dipinti di Masaccio nella Cappella Brancacci, che ebbero una grande influenza su di lui. La sua passione per la prospettiva si riflette nella prima opera di Uccello, un ritratto che dipinse nel 1436 del condottiero inglese John Hawkwood, noto agli italiani come Giovanni Acuto. L'enorme affresco monocromatico (monocolore) raffigura non una persona vivente, ma una sua statua equestre, che lo spettatore guarda dal basso verso l'alto. Le audaci ricerche di Uccello trovarono espressione in tre dei suoi famosi dipinti, commissionati da Cosimo de' Medici e dedicati alla battaglia di due comandanti fiorentini con le truppe senesi a San Romano. Negli straordinari dipinti di Uccello, sullo sfondo di un paesaggio giocattolo, i cavalieri si scontrarono in una feroce battaglia e i guerrieri mescolavano lance, scudi e aste di stendardi. Eppure la battaglia sembra convenzionale, congelata in una decorazione dorata estremamente bella e scintillante con figure di cavalli in rosso, rosa e persino blu.
Il risveglio sorse e si manifestò più chiaramente in Italia. Quando oggi si parla di Rinascimento, lo si intende principalmente.
Lo stesso Rinascimento italiano è convenzionalmente suddiviso in una serie di fasi:
- - Primo Rinascimento (Trecento e Quattrocento) - metà XIV - XV secolo;
- - Alto Rinascimento (cinquecento) - fino al secondo terzo del XVI secolo;
- - Tardo Rinascimento - secondo terzo del XVI - prima metà del XVII secolo.
Oltre a dividere il Rinascimento in periodi storici, per la sua comprensione è importante la suddivisione in scuole d’arte. L'intera era del Rinascimento italiano passò sotto il segno della competizione creativa di due grandi scuole: fiorentina e veneziana. Il primo ha dominato il primo e l'alto rinascimento, il secondo l'alto e il tardo.
Il fondatore della scuola fiorentina fu Giotto (secoli XII-XIV). All'inizio del XV secolo la scuola fiorentina divenne l'avanguardia dell'arte umanistica del Rinascimento (architetti F. Brunelleschi, L.B. Alberti, scultori Donatello, L. Ghiberti, pittori Masaccio, A. Verrocchio, S. Botticelli). Raggiunse il suo apice nell'arte di Leonardo da Vinci e Michelangelo. Questa scuola è caratterizzata da un principio religioso profondo, una percezione mitologica del mondo e un sottile psicologismo.
La scuola veneziana conobbe il suo massimo splendore nella seconda metà del Rinascimento, nei secoli XV-XVI. (famiglia Bellini, V. Carpaccio, Giorgione, Tiziano, P. Veronese, J. Tintoretto), e poi nel XVIII secolo. (G.-B. Tiepolo, A. Canaletto, P. Longhi, F. Guardi). La scuola veneziana è caratterizzata da un principio secolare di affermazione della vita, una percezione poetica del mondo, dell'uomo e della natura e un sottile colorismo.
Se parliamo di cronologia, di solito il proto-rinascimento si distingue come una fase indipendente (il periodo dal XIII all'inizio del XIV secolo). Non è attribuito al Rinascimento in sé, ma alla fase preparatoria. Il Protorinascimento fu segnato dall'opera del sommo poeta Dante Alighieri (1265-1321), dell'architetto Arnolfo di Cambio, dello scultore Niccollo Nisano, dei pittori Pietro Cavallini e soprattutto di Giotto di Bondone (1266/1266-337), che aprì la strada all'arte del Rinascimento.
Il Trecento (XIV secolo) è caratterizzato da innovazioni culturali in più ambiti contemporaneamente: la poesia di Dante e i sonetti di Petrarca aprono una nuova pagina nella letteratura; l'inimitabile Giotto apparve in pittura; gli architetti eressero bellissime strutture di nuova architettura (la Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze e altre). Allo stesso tempo, le città del nord Italia - Firenze e Bologna, Padova e Pisa, Perugia e Rimini - crearono la propria ars nova (nuova arte) nella musica.
Delle numerose opere del grande poeta rinascimentale Dante (un ciclo di sonetti, canzoni e ballate, trattati filosofici e politici), la più significativa è considerata la "Divina Commedia" - un poema epico in tre parti ("Inferno", "Purgatorio ”, “Paradiso”) e 100 canzoni, chiamate l'enciclopedia poetica del Medioevo. Proprio come A.S. Pushkin è il creatore della lingua letteraria russa, Dante è considerato il creatore della lingua letteraria italiana.
Se Dante gettò le basi della moderna letteratura europea, allora un altro genio - Giotto - fu il fondatore della moderna pittura europea. Rompendo con i canoni medievali, introdusse un elemento terreno nelle scene religiose, raffigurando le leggende del Vangelo con una convincenza realistica senza precedenti. Giotto non solo aprì una nuova tappa nella storia della pittura, ma ne divenne uno dei più brillanti riformatori. Utilizzando una serie di tecniche conosciute ai suoi tempi - prospettive angolari, semplificate, la cosiddetta prospettiva antica - ha conferito l'illusione della profondità allo spazio artistico, ha sviluppato tecniche per la modellazione tonale di luci e ombre utilizzando il graduale schiarimento del tono principale saturo , che ha permesso di conferire alle forme un volume quasi scultoreo.
L'opera letteraria di due più grandi poeti risale al primo Rinascimento: Francesca Petrarca (1304-1374) e Giovanni Boccaccio (1313-1375). Insieme a Dante sono considerati i creatori della lingua letteraria italiana. Petrarca rimase nella storia del Rinascimento come il primo umanista che pose l'uomo, e non Dio, al centro della sua opera. I sonetti di Petrarca sulla vita e la morte di Madonna Laura, inseriti nella raccolta “Libro dei Cantici”, divennero famosi in tutto il mondo.
Il grande umanista Boccaccio creò poesie basate sulla mitologia antica, il racconto psicologico “Fiammetta” (1343), pastorali e sonetti. L'opera d'arte più significativa di Boccaccio fu il suo Decameron, una raccolta di 100 racconti.
Sandro Botticelli (1445-1510) è considerato un eccezionale maestro del primo Rinascimento. Tra le sue opere, il dipinto “La nascita di Venere” divenne il più famoso. Le sue opere sono basate su soggetti religiosi e mitologici, sono caratterizzate da poesia spirituale, gioco di ritmi lineari e colori tenui.
Rappresentanti del primo Rinascimento furono l'architetto Filippo Brunelleschi (1377-1446), che costruì la cupola del Duomo di Firenze e diede un grande contributo alla scienza fondamentale (la teoria della prospettiva lineare), e lo scultore Donatello (c. 1386-1466 ), che per primo presentò il corpo nudo nella scultura, creando un nuovo tipo di statua rotonda e gruppo scultoreo, rilievo pittorico.
Da allora, gli edifici secolari - edifici pubblici, palazzi, case cittadine - iniziarono a svolgere un ruolo di primo piano nell'architettura. Usando la divisione ordinata di pareti, gallerie ad arco, colonnati, volte, cupole, gli architetti hanno dato ai loro edifici maestosa chiarezza, armonia e proporzionalità all'uomo.
Il periodo dell'Alto Rinascimento fu relativamente breve ed è associato principalmente ai nomi di tre brillanti maestri: Leonardo da Vinci (1452-1519), Raffaello Santi (1483-1520) e Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Il periodo di massimo splendore della cultura rinascimentale si è verificato, stranamente, durante il periodo di declino economico e politico in Italia.
Leonardo da Vinci è stata la personalità più sorprendente, mostrando al mondo l'ideale dell '"uomo universale" del Rinascimento. Combinando lo sviluppo di nuovi mezzi di linguaggio artistico con generalizzazioni teoriche, ha creato tele maestose, tra cui le più famose sono “L'Ultima Cena” e “La Gioconda”. Divenne famoso anche come scienziato e ingegnere. A lui si devono numerose scoperte, progetti e ricerche sperimentali nei campi della matematica, delle scienze naturali e della meccanica. Leonardo da Vinci ha arricchito di idee quasi tutte le aree della conoscenza, considerando i suoi disegni come schizzi per una gigantesca enciclopedia filosofica naturale.
Il più giovane contemporaneo di Leonardo, il grande pittore Raffaello, passò alla storia come creatore di una serie di capolavori legati all'immagine delle Madonne (immagini artistiche della Madre di Dio). La più grande creazione di Raffaello è la Madonna Sistina. Il maestro ottenne fama anche grazie ai suoi progetti architettonici di palazzi, ville e alla pittura delle sale di rappresentanza del Palazzo Vaticano. Come Leonardo da Vinci, Raffaello lavora molto dal vero, studiando anatomia, meccanica dei movimenti, pose e angoli complessi, alla ricerca di formule compositive compatte e ritmicamente equilibrate. Raffaello ebbe un'enorme influenza sul successivo sviluppo della pittura italiana ed europea, divenendo, insieme ai maestri dell'antichità, il più alto esempio di perfezione artistica.
L'ultimo titano dell'Alto Rinascimento fu Michelangelo, un grande scultore, pittore, architetto e poeta. Nonostante i suoi talenti versatili, è definito il primo disegnatore d'Italia grazie all'opera più significativa dell'artista già maturo: dipinge la volta della Cappella Sistina nel Palazzo Vaticano (1508-1512). La superficie totale dell'affresco è di 600 mq. metri. È un'illustrazione artistica di scene bibliche della creazione del mondo. Tra i dipinti del maestro spicca soprattutto l’affresco della parete dell’altare della Cappella Sistina “Il Giudizio Universale”. Come scultore, Michelangelo divenne famoso per la sua prima opera "David", e come architetto, diventando progettista e direttore dei lavori della parte principale dell'edificio della Basilica di San Pietro a Roma, che rimane ancora la più grande chiesa cattolica in il mondo.
Il periodo dell'Alto e Tardo Rinascimento vide il periodo di massimo splendore dell'arte della scuola veneziana, tra i cui rappresentanti spiccano due grandi pittori: Giorgione (1476-1510), che immortalò il suo nome con i dipinti “Giuditta”, “Venere dormiente” , “Concerto rurale”, Tiziano (c. 1489/90-1576), che dopo la morte prematura di Giorgione, nella cui bottega aveva studiato, divenne il capo della scuola veneziana. Ciò che Giorgione e il primo Tiziano hanno in comune è la marcata natura secolare della pittura e i motivi che affermano la vita. A differenza dei cupi fiorentini, i veneziani sembrano trovare nella vita solo il lato positivo. La pittura armoniosa e ricca di sfumature di Giorgione esprime un sentimento poetico di innamoramento della bellezza dell’esistenza terrena, dell’unità dell’uomo e della natura.
Il periodo tardo rinascimentale fu segnato da una serie di importanti cambiamenti nell'arte. Molti pittori, poeti, scultori e architetti abbandonarono le idee dell'umanesimo, ereditando solo la maniera e la tecnica (il cosiddetto manierismo) dei grandi maestri del Rinascimento.
Tra i maggiori fondatori del Manierismo vi sono Jacopo Pontormo (1494-1557) e Angelo Bronzino (1503-1572), che lavorarono principalmente nel genere della ritrattistica. L'opera di Jacopo Tintoretto (1518-1594), rappresentante della scuola veneziana del tardo Rinascimento, che cercò di competere con Michelangelo nella grandiosità dei suoi progetti, può essere attribuita interamente al manierismo. Crea un mondo surreale in cui le emozioni personali dell’artista sono sempre presenti. Un altro rappresentante della scuola veneziana, il grande pittore Paolo Veronese (1528-1588), che creò molti dipinti festivi e di spirito secolare, applicò tuttavia il manierismo alla decorazione dei palazzi come tecnica consapevole, sviluppando uno dei temi preferiti del manierismo - un paesaggio fantastico o un paesaggio con rovine.
Il fondatore del movimento realistico nella pittura europea del XVII secolo è Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Le tele del maestro si distinguono per la semplicità compositiva e la tensione emotiva espressa attraverso i contrasti di luce e ombra. Caravaggio fu il primo a contrapporre al movimento imitativo della pittura (manierismo) scene realistiche di vita popolare. In sostanza, Caravaggio avviò una grande rivoluzione nella pittura, che influenzò anche gli artisti stranieri. La sua arte ha avuto un'enorme influenza non tanto sugli italiani, ma sui principali maestri dell'Europa occidentale del XVII secolo: olandesi, fiamminghi, francesi, spagnoli: Rubens, Jordaens, Georges de La Tour, Zurbaran, Velazquez, Rembrandt. Il caravaggismo ha dato origine a due generi popolari: la natura morta e le scene della vita popolare, che sono diventate particolarmente popolari in Europa. L'Europa accettò lo spirito innovativo dell'italiano, e in Italia la Chiesa respinse decisamente il naturalismo di Caravaggio. E, a quanto pare, non a caso, perché il Rinascimento italiano è già finito. L'Italia ha detto quasi tutto quello che poteva dire. È la volta del Rinascimento nordeuropeo.
Capitolo “Introduzione”, sezione “Arte d'Italia”. Storia generale dell'arte. Volume III. Arte rinascimentale. Autore: E.I. Rotenberg; sotto la direzione generale di Yu.D. Kolpinsky e E.I. Rotenberg (Mosca, Casa editrice statale "Arte", 1962)
L'Italia ha dato un contributo di eccezionale importanza alla storia della cultura artistica del Rinascimento. La scala stessa della più grande fioritura che segnò il Rinascimento italiano sembra particolarmente sorprendente in contrasto con le piccole dimensioni territoriali di quelle repubbliche urbane dove nacque e conobbe la sua massima ascesa la cultura di quest'epoca. L'arte in questi secoli occupava una posizione senza precedenti nella vita pubblica. La creazione artistica sembrava diventare un bisogno insaziabile delle persone dell'epoca rinascimentale, espressione della loro inesauribile energia. Nei centri avanzati d'Italia, la passione per l'arte ha catturato gli strati più ampi della società, dai circoli dominanti alla gente comune. La costruzione di edifici pubblici, l'installazione di monumenti e la decorazione dei principali edifici della città erano una questione di importanza nazionale e oggetto dell'attenzione degli alti funzionari. L'apparizione di eccezionali opere d'arte si è trasformata in un importante evento sociale. L'ammirazione universale per i maestri eccezionali può essere testimoniata dal fatto che i più grandi geni dell'epoca - Leonardo, Raffaello, Michelangelo - ricevettero il nome divino - divino dai loro contemporanei.
In termini di produttività, il Rinascimento, che durò circa tre secoli in Italia, è abbastanza paragonabile all'intero millennio durante il quale si sviluppò l'arte del Medioevo. La scala fisica di tutto ciò che è stato creato dai maestri del Rinascimento italiano suscita stupore: maestosi edifici comunali e enormi cattedrali, magnifici palazzi e ville patrizie, opere di scultura in tutte le sue forme, innumerevoli monumenti di pittura - cicli di affreschi, altari monumentali composizioni e dipinti da cavalletto. Disegno e incisione, miniature scritte a mano e grafica stampata emergente, arti decorative e applicate in tutte le sue forme: in sostanza, non c'era un solo ambito della vita artistica che non conoscesse una rapida ascesa. Ma forse ancora più sorprendente è il livello artistico insolitamente alto dell'arte del Rinascimento italiano, il suo significato veramente globale come uno dei picchi della cultura umana.
La cultura del Rinascimento non era proprietà solo dell'Italia: la sua sfera di distribuzione copriva molti paesi d'Europa. Allo stesso tempo, in un paese o nell'altro, le singole fasi dell'evoluzione dell'arte rinascimentale trovarono la loro espressione primaria. Ma in Italia, una nuova cultura non solo è nata prima che in altri paesi, ma il percorso stesso del suo sviluppo è stato caratterizzato da una sequenza eccezionale di tutte le fasi - dal Proto-Rinascimento al tardo Rinascimento, e in ciascuna di queste fasi l'arte italiana ha dato risultati elevati, superando la maggior parte dei casi di conseguimento delle scuole d'arte di altri paesi (Nella storia dell'arte, per tradizione, i nomi italiani di quei secoli in cui cadono la nascita e lo sviluppo dell'arte rinascimentale in Italia (ciascuno dei secoli nominati rappresenta un certo pietra miliare in questa evoluzione). Così il XIII secolo è chiamato Ducento, il XIV - trecento, il XV - quattrocento, il XVI - cinquecento.). Grazie a ciò, la cultura artistica rinascimentale raggiunse in Italia una speciale pienezza espressiva, presentandosi, per così dire, nella sua forma più integra e classicamente compiuta.
La spiegazione di questo fatto è legata alle condizioni specifiche in cui si è svolto lo sviluppo storico dell'Italia rinascimentale. La base sociale che ha contribuito all'emergere di una nuova cultura è stata determinata qui molto presto. Già nei secoli XII-XIII, quando Bisanzio e gli arabi in seguito alle Crociate furono allontanati dalle tradizionali rotte commerciali nel Mediterraneo, le città dell’Italia settentrionale, e soprattutto Venezia, Pisa e Genova, presero nelle loro mani tutti gli intermediari commercio tra l’Europa occidentale e l’Oriente. Durante questi stessi secoli, la produzione artigianale conobbe il suo sviluppo in centri come Mila, Firenze, Siena e Bologna. La ricchezza accumulata veniva investita su larga scala nell’industria, nel commercio e nel settore bancario. Il potere politico nelle città era occupato dal ceto popolano, cioè da artigiani e mercanti riuniti in corporazioni. Facendo affidamento sul loro crescente potere economico e politico, iniziarono a combattere i feudatari locali, cercando la completa privazione dei loro diritti politici. Il rafforzamento delle città italiane permise loro di respingere con successo l'assalto di altri stati, principalmente degli imperatori tedeschi.
A questo punto, anche le città di altri paesi europei avevano intrapreso la strada della difesa dei propri diritti comunali dalle pretese di potenti signori feudali. Sotto questo aspetto, però, le ricche città italiane si differenziavano dai centri urbani d'Oltralpe per un aspetto decisivo. In condizioni eccezionalmente favorevoli di indipendenza politica e libertà dalle istituzioni feudali, nelle città d'Italia sorsero forme di un nuovo stile di vita capitalista. Le prime forme di produzione capitalistica si manifestarono più chiaramente nell’industria tessile delle città italiane, in primo luogo Firenze, dove erano già in uso forme di produzione diffusa e centralizzata, e le cosiddette corporazioni senior, che erano unioni di imprenditori, istituirono un sistema del brutale sfruttamento dei lavoratori salariati. La prova di quanto l'Italia fosse avanti rispetto agli altri paesi sulla via dello sviluppo economico e sociale può essere vista nel fatto che già nel XIV secolo. L’Italia conobbe non solo i movimenti antifeudali dei contadini che si verificarono in alcune regioni del paese (ad esempio, la rivolta di Fra Dolcino nel 1307), o le insurrezioni della plebe urbana (il movimento guidato da Cola di Rienzi a Roma nel 1347- 1354), ma anche rivolte degli operai oppressi contro gli imprenditori dei centri industriali più avanzati (rivolta dei Ciompi a Firenze nel 1374). In Italia, prima che altrove, iniziò la formazione della prima borghesia, quella nuova classe sociale che rappresentavano i circoli polaniani. È importante sottolineare che questa prima borghesia portava in sé segni di una differenza fondamentale rispetto ai borghesi medievali. L'essenza di questa differenza è associata principalmente a fattori economici, poiché è stato in Italia che sono emerse le prime forme di produzione capitaliste. Ma non meno importante è il fatto che nei centri avanzati vive la borghesia italiana del XIV secolo. possedeva pieno potere politico, estendendolo ai possedimenti terrieri adiacenti alle città. I borghesi non conoscevano un potere così completo in altri paesi europei, i cui diritti politici di solito non andavano oltre i limiti dei privilegi municipali. Fu l'unità del potere economico e politico a conferire alla classe popolana d'Italia quelle peculiarità che la distinguevano sia dai borghesi medievali sia dalla borghesia dell'epoca postrinascimentale negli stati assolutisti del XVII secolo.
Il crollo del sistema di classi feudali e l’emergere di nuove relazioni sociali comportarono cambiamenti fondamentali nella visione del mondo e nella cultura. Il carattere rivoluzionario della rivoluzione sociale che costituì l'essenza del Rinascimento si manifestò nelle repubbliche urbane avanzate d'Italia con eccezionale luminosità.
In termini sociali e ideologici, il Rinascimento in Italia fu un processo complesso e contraddittorio di distruzione del vecchio e formazione del nuovo, quando elementi reazionari e progressisti erano in uno stato di intensa lotta, e le istituzioni giuridiche, l'ordine sociale, i costumi , così come gli stessi fondamenti ideologici, non hanno ancora acquisito l'inviolabilità santificata dal tempo e dall'autorità stato-ecclesiastica. Pertanto, tali qualità delle persone di quel tempo come l'energia personale e l'iniziativa, il coraggio e la perseveranza nel raggiungere i propri obiettivi trovarono un terreno estremamente favorevole in Italia e potevano essere rivelate qui nella massima misura. Non per niente è stato in Italia che il tipo stesso dell'uomo rinascimentale si è sviluppato nella sua massima luminosità e completezza.
Il fatto che l’Italia abbia fornito un esempio unico di evoluzione a lungo termine e insolitamente fruttuosa dell’arte rinascimentale in tutte le sue fasi è dovuto principalmente al fatto che la reale influenza dei circoli sociali progressisti nella sfera economica e politica rimase qui fino ai primi decenni del XVI secolo. Tale influsso fu efficace anche nel periodo in cui in molti centri del paese iniziò il passaggio dal sistema comunale alle cosiddette tirannie (dal XIV secolo). Il rafforzamento del potere centralizzato trasferendolo nelle mani di un sovrano (che proveniva da famiglie feudali o mercantili più ricche) fu una conseguenza dell'intensificarsi della lotta di classe tra i circoli borghesi dominanti e la massa delle classi inferiori urbane. Ma la stessa struttura economica e sociale delle città italiane era ancora in gran parte basata su precedenti conquiste, e non senza ragione l’abuso di potere da parte di quei governanti che tentavano di instaurare un regime di aperta dittatura personale fu seguito da attive proteste. da ampi settori della popolazione urbana, portando spesso alla cacciata dei tiranni. Questi o quei cambiamenti nelle forme di potere politico avvenuti nel periodo in esame non poterono distruggere lo spirito stesso delle città libere, che nei centri avanzati d'Italia si conservò fino al tragico finale del Rinascimento.
Questa situazione distingueva l’Italia rinascimentale dagli altri paesi europei, dove nuove forze sociali sostituirono successivamente il vecchio ordinamento giuridico e la durata cronologica del Rinascimento stesso fu quindi corrispondentemente più breve. E poiché in questi paesi la nuova classe sociale non riuscì ad assumere posizioni così forti come in Italia, la rivoluzione rinascimentale si espresse in essi in forme meno decise e gli stessi cambiamenti nella cultura artistica non ebbero un carattere rivoluzionario così pronunciato.
Tuttavia, precedendo altri paesi sulla via del progresso sociale e culturale, l'Italia si è trovata dietro di loro in un'altra importante questione storica: l'unità politica del Paese, la sua trasformazione in uno stato forte e centralizzato era per lei impossibile. Qui affondano le radici della tragedia storica italiana. Da quando le grandi monarchie confinanti, e soprattutto la Francia, nonché il Sacro Romano Impero, che comprendeva gli Stati tedeschi e la Spagna, divennero potenze potenti, l’Italia, divisa in molte regioni in guerra, si trovò indifesa contro l’assalto dei eserciti stranieri. La campagna d'Italia intrapresa dai francesi nel 1494 inaugurò un periodo di guerre di conquista che terminò a metà del XVI secolo. il sequestro di quasi tutto il territorio del paese da parte degli spagnoli e la perdita della sua indipendenza per diversi secoli. Gli appelli all'unificazione d'Italia da parte delle migliori menti del paese e i singoli tentativi pratici in questa direzione non sono riusciti a superare il tradizionale separatismo degli stati italiani.
Le radici di questo separatismo vanno ricercate non solo nelle politiche egoistiche dei singoli governanti, soprattutto dei papi, questi peggiori nemici dell'unità d'Italia, ma soprattutto nelle basi stesse del sistema economico e sociale istituito durante il Rinascimento nel periodo regioni e centri avanzati del Paese. La diffusione di un nuovo assetto economico e sociale nell'ambito di un unico Stato tutto italiano si rivelò allora impraticabile, non solo perché le forme dell'ordinamento comunale delle repubbliche urbane non potevano essere trasferite alla gestione dell'intero territorio paese, ma anche per fattori economici: la creazione di un sistema economico unitario su vasta scala, cosa che all’epoca era impossibile per l’Italia a livello di forze produttive. Lo sviluppo diffuso della prima borghesia, dotata di pieni diritti politici, caratteristici dell'Italia, poteva avvenire solo entro i confini delle piccole repubbliche urbane. In altre parole, la frammentazione del paese era uno dei prerequisiti inevitabili per il fiorire di una cultura rinascimentale così potente come la cultura italiana, poiché tale fioritura era possibile solo nelle condizioni di città-stato indipendenti e separate. Come ha dimostrato il corso degli eventi storici, nelle monarchie centralizzate l'arte rinascimentale non acquisì un carattere rivoluzionario così pronunciato come in Italia. Questa conclusione è confermata dal fatto che se, politicamente, l'Italia col tempo divenne dipendente da potenze assolutiste forti come Francia e Spagna, allora in termini culturali e artistici - anche durante il periodo in cui l'Italia perse la sua indipendenza - la dipendenza fu opposta. .
Così, nelle premesse stesse della massima ascesa della cultura del Rinascimento italiano, risiedono le ragioni del crollo che lo attendeva. Ciò, ovviamente, non significa affatto che le richieste di unificazione del Paese, che si intensificarono soprattutto durante il periodo di grave crisi politica in Italia nei primi decenni del XVI secolo, non fossero di carattere progressista. Questi appelli non solo corrispondevano alle aspirazioni di ampi settori della popolazione, le cui conquiste sociali e la cui indipendenza erano minacciate, ma riflettevano anche il reale processo di crescente consolidamento culturale di diverse regioni d'Italia. Disunite all'alba del Rinascimento a causa della disuguaglianza del loro sviluppo culturale, molte regioni del paese erano già collegate da una profonda unità spirituale nel XVI secolo. Ciò che restava impossibile nella sfera della politica statale, è stato realizzato nella sfera ideologica e artistica. La Firenze repubblicana e la Roma papale erano stati in guerra, ma i più grandi maestri fiorentini lavorarono sia a Firenze che a Roma, e il contenuto artistico delle loro opere romane era al livello degli ideali più progressisti della Repubblica fiorentina amante della libertà.
Lo sviluppo eccezionalmente fruttuoso dell'arte rinascimentale in Italia fu facilitato non solo da fattori sociali, ma anche storici e artistici. L'arte rinascimentale italiana non deve la sua origine a nessuno, ma a diverse fonti. Nel periodo precedente il Rinascimento, l'Italia fu un punto d'incontro di diverse culture medievali. A differenza di altri paesi, entrambe le principali linee dell'arte medievale in Europa - bizantina e romano-gotica, complicate in alcune zone d'Italia dall'influenza dell'arte orientale - trovarono qui un'espressione altrettanto significativa. Entrambe le linee hanno contribuito con la loro parte allo sviluppo dell'arte rinascimentale. Dalla pittura bizantina, il protorinascimento italiano adottò una struttura idealmente bella di immagini e forme di cicli pittorici monumentali; Il sistema figurativo gotico contribuì alla penetrazione dell'eccitazione emotiva e di una percezione più specifica della realtà nell'arte del XIV secolo. Ma ancora più importante era il fatto che l’Italia era custode del patrimonio artistico del mondo antico. In una forma o nell'altra, l'antica tradizione trovava la sua rifrazione già nell'arte medievale italiana, ad esempio nella scultura dell'epoca degli Hohenstaufen, ma solo nel Rinascimento, a partire dal XV secolo, l'arte antica si aprì agli occhi degli artisti nella sua vera luce come espressione esteticamente perfetta delle leggi della realtà stessa. La combinazione di questi fattori creò in Italia il terreno più favorevole per l'emergere e l'ascesa dell'arte rinascimentale.
Uno degli indicatori del più alto livello di sviluppo dell'arte rinascimentale italiana era il suo caratteristico ampio sviluppo del pensiero scientifico e teorico. La prima apparizione di opere teoriche in Italia fu di per sé la prova del fatto importante che i rappresentanti dell'arte italiana avanzata realizzarono l'essenza della rivoluzione avvenuta nella cultura. Questa consapevolezza dell'attività creativa ha fortemente stimolato il progresso artistico, poiché ha permesso ai maestri italiani di andare avanti non a tentoni, ma impostando e risolvendo intenzionalmente determinati problemi.
L'interesse degli artisti per i problemi scientifici a quel tempo era tanto più naturale perché nella loro conoscenza oggettiva del mondo si basavano non solo sulla sua percezione emotiva, ma anche su una comprensione razionale delle leggi sottostanti. La fusione delle conoscenze scientifiche e artistiche caratteristica del Rinascimento fu la ragione per cui molti artisti furono allo stesso tempo scienziati eccezionali. Questa caratteristica è espressa nella forma più vivida nella personalità di Leonardo da Vinci, ma in un modo o nell'altro era caratteristica di molte figure della cultura artistica italiana.
Il pensiero teorico nell'Italia rinascimentale si è sviluppato in due direzioni principali. Da un lato, questo è il problema dell'ideale estetico, nella risoluzione del quale gli artisti si sono affidati alle idee degli umanisti italiani sull'alto scopo dell'uomo, sugli standard etici, sul posto che occupa nella natura e nella società. D'altra parte, queste sono questioni pratiche per realizzare questo ideale artistico attraverso i mezzi della nuova arte rinascimentale. La conoscenza dei maestri del Rinascimento nel campo dell'anatomia, della teoria della prospettiva e della dottrina delle proporzioni, che era il risultato della comprensione scientifica del mondo, contribuì allo sviluppo di quei mezzi di linguaggio visivo con l'aiuto dei quali questi maestri erano in grado di riflettere oggettivamente la realtà nell'arte. I lavori teorici dedicati a vari tipi di arte hanno esaminato un'ampia varietà di questioni della pratica artistica. Basti citare come esempio lo sviluppo delle questioni della prospettiva matematica e della sua applicazione nella pittura, portato avanti da Brunelleschi, Alberti e Piero della Francesca, un corpo completo di conoscenze artistiche e conclusioni teoriche, che comprende innumerevoli note di Leonardo da Vinci, scritti e dichiarazioni sulla scultura di Ghiberti, Michelangelo e Cellini, trattati di architettura di Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Infine, nella persona di Giorgio Vasari, la cultura del Rinascimento italiano propone il primo storico dell'arte che, nelle sue biografie di artisti italiani, tentò di comprendere in termini storici l'arte della sua epoca. Il contenuto e l'ampiezza della copertura di queste opere è confermato dal fatto che le idee e le conclusioni dei teorici italiani conservarono il loro significato pratico per molti secoli dopo la loro comparsa.
Ciò vale in misura ancora maggiore per le conquiste molto creative dei maestri del Rinascimento italiano, che hanno dato un contributo importante a tutti i tipi di arti plastiche, spesso predeterminando i percorsi del loro sviluppo nelle epoche successive.
Nell'architettura dell'Italia rinascimentale furono creati i principali tipi di edifici pubblici e residenziali utilizzati da allora nell'architettura europea e furono sviluppati quei mezzi di linguaggio architettonico che divennero la base del pensiero architettonico per un lungo periodo storico. Il predominio del principio secolare nell'architettura italiana si esprimeva non solo nella predominanza di edifici pubblici e privati per scopi secolari, ma anche nel fatto che nel contenuto stesso figurativo degli edifici religiosi venivano eliminati gli elementi spiritualistici - cedevano il posto a nuovi , ideali umanistici. Nell'architettura secolare, il posto di primo piano era occupato dal tipo di casa-palazzo residenziale cittadino (palazzo) - inizialmente residenza di rappresentanti di ricche famiglie di mercanti o uomini d'affari, e nel XVI secolo. - residenza di un nobile o sovrano dello stato. Acquisendo nel tempo le caratteristiche di un edificio non solo privato, ma anche pubblico, il palazzo rinascimentale servì da prototipo anche per gli edifici pubblici dei secoli successivi. Nell'architettura ecclesiastica italiana, particolare attenzione è stata prestata all'immagine di una struttura a cupola centrica. Questa immagine corrispondeva all’idea prevalente di una forma architettonica perfetta durante il Rinascimento, che esprimeva l’idea di una personalità rinascimentale in armonioso equilibrio con il mondo circostante. Le soluzioni più mature a questo problema furono date da Bramante e Michelangelo nei loro progetti per la Cattedrale di S. Pietro a Roma.
Per quanto riguarda il linguaggio stesso dell'architettura, qui il fattore decisivo è stato il risveglio e lo sviluppo su nuove basi dell'antico sistema di ordine. Per gli architetti dell'Italia rinascimentale, l'ordine era un sistema architettonico progettato per esprimere visivamente la struttura tettonica dell'edificio. La proporzionalità inerente all'ordine dell'uomo era considerata uno dei fondamenti del contenuto ideologico umanistico dell'immagine architettonica. Gli architetti italiani hanno ampliato le capacità compositive dell'ordine rispetto agli antichi maestri, riuscendo a trovare una combinazione organica con muro, arco e volta. Immaginano che l'intero volume dell'edificio sia permeato da una struttura ordinata, che raggiunge una profonda unità figurativa della struttura con l'ambiente naturale circostante, poiché gli stessi ordini classici riflettono determinati modelli naturali.
Nella pianificazione urbana, gli architetti dell'Italia rinascimentale dovettero affrontare grandi difficoltà, soprattutto nel primo periodo, poiché la maggior parte delle città aveva già nel Medioevo edifici densi di capitale. Tuttavia, i teorici e i professionisti avanzati dell’architettura del primo Rinascimento si ponevano importanti problemi di pianificazione urbana, considerandoli come compiti urgenti del futuro. Se i loro audaci piani urbanistici a quel tempo non erano pienamente realizzabili e quindi rimanevano proprietà dei trattati di architettura, allora alcuni compiti importanti, in particolare il problema della creazione di un centro cittadino - lo sviluppo di principi per lo sviluppo della piazza principale della città - erano ritrovato nel XVI secolo. la sua brillante soluzione, ad esempio, in Piazza San Marco a Venezia e in Piazza Campidoglio a Roma.
Nelle belle arti, l'Italia rinascimentale ha fornito l'esempio più lampante dell'autodeterminazione dei singoli tipi di arte, che prima, per tutto il Medioevo, dipendevano in modo subordinato dall'architettura, ma ora hanno acquisito una completa indipendenza figurativa. In termini ideologici, questo processo significava la liberazione della scultura e della pittura dai dogmi religioso-spiritualistici del Medioevo che le incatenavano e una svolta verso immagini sature di nuovi contenuti umanistici. Parallelamente a ciò, ebbe luogo l'emergere e la formazione di nuovi tipi e generi di belle arti, in cui si esprimeva un nuovo contenuto ideologico. La scultura, ad esempio, dopo una pausa di migliaia di anni, ha finalmente riacquistato le basi della sua espressività figurativa, rivolgendosi alla statua e al gruppo a sé stanti. Anche la portata della copertura figurativa della scultura si è ampliata. Insieme alle immagini tradizionali associate al culto cristiano e alla mitologia antica, che riflettevano idee generali sull'uomo, il suo oggetto si rivelò anche la specifica individualità umana, che si manifestava nella creazione di monumenti monumentali a sovrani e condottieri, così come nella diffusione diffusa di ritratti scultorei nelle forme del busto ritratto. Anche un tipo di scultura, come il rilievo, così sviluppato nel Medioevo, sta subendo una radicale trasformazione, le cui possibilità figurative, grazie all'uso di tecniche di rappresentazione pittorico-prospettica dello spazio, vengono ampliate grazie a un visualizzazione più completa e completa dell'ambiente di vita che circonda una persona.
Per quanto riguarda la pittura, qui, insieme alla fioritura senza precedenti della monumentale composizione ad affresco, è necessario sottolineare in particolare il fatto dell'emergere della pittura da cavalletto, che segnò l'inizio di una nuova fase nell'evoluzione delle belle arti. Tra i generi pittorici, insieme alle composizioni su temi biblici e mitologici, che occupavano una posizione dominante nella pittura rinascimentale in Italia, va evidenziato il ritratto, che conobbe la sua prima fioritura in quest'epoca. I primi passi importanti furono compiuti anche in nuovi generi come la pittura storica propriamente detta e il paesaggio.
Avendo svolto un ruolo decisivo nel processo di emancipazione di alcuni tipi di belle arti, il Rinascimento italiano allo stesso tempo preservò e sviluppò una delle qualità più preziose della cultura artistica medievale: il principio di sintesi di vari tipi di arte, la loro unificazione in un insieme figurativo comune. Ciò è stato facilitato dall'accresciuto senso di organizzazione artistica inerente ai maestri italiani, che si manifesta in loro sia nella progettazione generale di qualsiasi complesso architettonico e artistico complesso, sia in ogni dettaglio di una singola opera inclusa in questo complesso. Allo stesso tempo, in contrasto con la comprensione medievale della sintesi, dove la scultura e la pittura sono subordinate all'architettura, i principi della sintesi rinascimentale si basano sulla peculiare uguaglianza di ogni tipo di arte, grazie alla quale le qualità specifiche della scultura e della pittura nell'ambito dell'ensemble artistico generale acquisiscono una maggiore efficienza di impatto estetico. Qui è importante sottolineare che i segni di partecipazione a un ampio sistema figurativo sono portati non solo da opere che sono direttamente incluse in qualsiasi complesso artistico per lo scopo previsto, ma anche da singoli monumenti indipendenti di scultura e pittura. Che si tratti del colossale David di Michelangelo o della miniatura Madonna Connestabile di Raffaello, ciascuna di queste opere contiene potenzialmente qualità che le consentono di essere considerata come una possibile parte di un insieme artistico generale.
Questo magazzino monumentale-sintetico specificamente italiano dell'arte rinascimentale è stato facilitato dalla natura stessa delle immagini artistiche della scultura e della pittura. In Italia, a differenza di altri paesi europei, l'ideale estetico dell'uomo rinascimentale si è sviluppato molto presto, risalendo all'insegnamento umanista sull'uomo universale, sull'uomo perfetto, nel quale bellezza fisica e forza dello spirito si coniugano armoniosamente. La caratteristica principale di questa immagine è il concetto di virtù (valore), che ha un significato molto ampio ed esprime il principio attivo in una persona, la determinazione della sua volontà, la capacità di realizzare i suoi nobili piani nonostante tutti gli ostacoli. Questa qualità specifica dell'ideale figurativo rinascimentale non è espressa da tutti gli artisti italiani in una forma così aperta, come, ad esempio, da Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna e Michelangelo - maestri la cui opera è dominata da immagini di natura eroica. Ma è sempre presente nelle immagini di natura armoniosa, ad esempio in Raffaello e Giorgione, perché l'armonia delle immagini rinascimentali è lontana dalla pace rilassata - dietro di essa si può sempre sentire l'attività interna dell'eroe e la sua consapevolezza della sua forza morale. .
Nel corso dei secoli XV e XVI questo ideale estetico non rimase immutato: a seconda delle singole fasi dell'evoluzione dell'arte rinascimentale se ne delinearono i diversi aspetti. Nelle immagini del primo Rinascimento, ad esempio, le caratteristiche di incrollabile integrità interna sono espresse più chiaramente. Il mondo spirituale degli eroi dell'Alto Rinascimento è più complesso e ricco e fornisce l'esempio più eclatante dell'armoniosa visione del mondo caratteristica dell'arte di questo periodo. Nei decenni successivi, con la crescita di contraddizioni sociali insolubili, nelle immagini dei maestri italiani si intensificò la tensione interna, apparve un sentimento di dissonanza e tragico conflitto. Ma durante tutto il Rinascimento, scultori e pittori italiani rimasero fedeli a un'immagine collettiva, a un linguaggio artistico generalizzato. Fu proprio grazie al desiderio di espressione più generale degli ideali artistici che i maestri italiani furono in grado, in misura maggiore rispetto ai maestri di altri paesi, di creare immagini dal suono così ampio. Questa è la radice della peculiare universalità del loro linguaggio figurativo, che si rivelò una sorta di norma ed esempio dell'arte rinascimentale in generale.
L'enorme ruolo per l'arte italiana delle idee umanistiche profondamente sviluppate si era già manifestato nella posizione incondizionatamente dominante che l'immagine umana trovava in essa - uno degli indicatori di ciò era la tipica ammirazione italiana per il bel corpo umano, considerato dagli umanisti e artisti come ricettacolo di un'anima bella. L'ambiente quotidiano e naturale che circonda l'uomo nella maggior parte dei casi non è diventato oggetto della stessa attenzione per i maestri italiani. Questo pronunciato antropocentrismo, la capacità di rivelare le proprie idee sul mondo principalmente attraverso l'immagine di una persona, conferisce agli eroi dei maestri del Rinascimento italiano una profondità di contenuto così completa. Il percorso dal generale all'individuo, dall'insieme al particolare, è caratteristico degli italiani non solo nelle immagini monumentali, dove le loro stesse qualità ideali sono una forma necessaria di generalizzazione artistica, ma anche in un genere come la ritrattistica. E nei suoi ritratti, il pittore italiano procede da un certo tipo di personalità umana, in relazione alla quale percepisce ogni modello specifico. In conformità con ciò, nel ritratto rinascimentale italiano, a differenza delle immagini dei ritratti nell'arte di altri paesi, il principio tipizzante prevale sulle tendenze individualizzanti.
Ma il predominio di un certo ideale nell'arte italiana non significava affatto livellamento ed eccessiva uniformità delle soluzioni artistiche. L'unità delle premesse ideologiche e figurative non solo non escludeva la diversità dei talenti creativi di ciascuno dell'enorme numero di maestri operanti in quest'epoca, ma, al contrario, ne evidenziava ancora più chiaramente le caratteristiche individuali. Anche all'interno di una, e per di più, la fase più breve dell'arte rinascimentale - quei tre decenni in cui cade l'Alto Rinascimento, possiamo facilmente discernere le differenze nella percezione dell'immagine umana tra i più grandi maestri di questo periodo. I personaggi di Leonardo si distinguono quindi per la loro profonda spiritualità e ricchezza intellettuale; L'arte di Raffaello è dominata da un senso di chiarezza armonica; Le immagini titaniche di Michelangelo forniscono l'espressione più vivida dell'efficacia eroica dell'uomo di quest'epoca. Se ci rivolgiamo ai pittori veneziani, le immagini di Giorgione attraggono con il loro sottile lirismo, mentre la pienezza sensuale e la varietà dei movimenti emotivi di Tiziano sono più pronunciate. Lo stesso vale per il linguaggio visivo dei pittori italiani: se tra i maestri fiorentino-romani dominano i mezzi espressivi lineare-plastici, allora tra i veneziani il principio coloristico è di decisiva importanza.
Certi aspetti della percezione figurativa rinascimentale ricevettero rifrazioni diverse nell'arte del Rinascimento italiano, a seconda delle varie fasi della sua evoluzione e delle tradizioni che si svilupparono nelle singole scuole artistiche territoriali. Poiché lo sviluppo economico e culturale degli stati italiani non fu uniforme, il loro contributo all'arte del Rinascimento fu corrispondentemente diverso nei singoli periodi. Tra i tanti centri artistici del Paese, vanno individuati tre: Firenze, Roma e Venezia, la cui arte, in una certa sequenza storica, per tre secoli ha rappresentato la linea principale del Rinascimento italiano.
Il ruolo storico di Firenze nel plasmare la cultura del Rinascimento è particolarmente significativo. Firenze fu in prima linea nella nuova arte dal tempo del Proto-Rinascimento fino all'Alto Rinascimento. Il capoluogo della Toscana si rivelò essere il fulcro della vita economica, politica e culturale dell'Italia dal XIII all'inizio del XVI secolo e gli eventi della sua storia, avendo perso il loro carattere puramente locale, acquisirono un significato panitaliano . Lo stesso vale del tutto per l'arte fiorentina di questi secoli. Firenze è stata la culla o il luogo dell'attività creativa di molti dei più grandi maestri da Giotto a Michelangelo.
Dalla fine del XV all'inizio del XVI secolo. Roma, insieme a Firenze, sta emergendo come il centro principale della vita artistica del Paese. Sfruttando la sua speciale posizione di capitale del mondo cattolico, Roma diventa uno degli stati più forti d'Italia, rivendicando tra questi un ruolo di primo piano. Di conseguenza, si sta sviluppando la politica artistica dei papi romani, i quali, per rafforzare l'autorità del pontificato romano, attirano alla loro corte i più grandi architetti, scultori e pittori. L'ascesa di Roma come principale centro artistico del paese coincise con l'inizio dell'Alto Rinascimento; Roma mantenne la sua posizione di leadership durante i primi tre decenni del XVI secolo. Le migliori opere realizzate in questi anni da Bramante, Raffaello, Michelangelo e molti altri maestri operanti a Roma segnarono l'apice del Rinascimento. Ma con la perdita dell'indipendenza politica da parte degli stati italiani, durante la crisi della cultura rinascimentale, la Roma papale si trasformò in una roccaforte della reazione ideologica, assumendo la forma della controriforma. Dagli anni '40, quando la Controriforma aprì un ampio attacco alle conquiste della cultura rinascimentale, il terzo centro artistico più grande, Venezia, è stato custode e continuatore degli ideali progressisti del Rinascimento.
Venezia fu l'ultima delle forti repubbliche italiane a difendere la propria indipendenza e a conservare una parte considerevole delle sue enormi ricchezze. Rimanendo fino alla fine del XVI secolo. importante centro della cultura rinascimentale, divenne una roccaforte delle speranze dell'Italia schiava. Fu Venezia a fornire la rivelazione più fruttuosa delle qualità figurative del tardo Rinascimento italiano. L'opera di Tiziano nell'ultimo periodo della sua attività, nonché i maggiori rappresentanti della seconda generazione di pittori veneziani del XVI secolo. - Veronese e Tintoretto non furono solo l'espressione dei principi realistici dell'arte rinascimentale in una nuova fase storica - aprirono la strada a quegli elementi storicamente più promettenti del realismo rinascimentale, che furono continuati e sviluppati in una nuova grande era artistica - nel dipinto del XVII secolo.
Già all’epoca l’arte del Rinascimento italiano aveva un significato paneuropeo eccezionalmente ampio. In vantaggio rispetto al resto d'Europa nel percorso di evoluzione dell'arte rinascimentale in termini cronologici. L'Italia era anche avanti a loro nel risolvere molti dei più importanti problemi artistici posti dall'epoca. Pertanto, per tutte le altre culture rinascimentali nazionali, il ricorso all'opera dei maestri italiani ha comportato un netto balzo nella formazione di un'arte nuova e realistica. Già nel XVI secolo, raggiungere un certo livello di maturità artistica nei paesi europei era impossibile senza una profonda padronanza creativa delle conquiste dell'arte italiana. Grandi pittori come Dürer e Holbein in Germania, El Greco in Spagna, grandi architetti come l'olandese Cornelis Floris, lo spagnolo Juan de Herrera, l'inglese Pnigo Jones, devono molto allo studio dell'arte dell'Italia rinascimentale. L'ambito di attività degli stessi architetti e pittori italiani fu eccezionale per la sua vastità, estendendosi in tutta Europa, dalla Spagna all'antica Rus'. Ma forse ancora più significativo è il ruolo del Rinascimento italiano come fondamento della cultura dei tempi moderni, come una delle più alte incarnazioni dell’arte realistica e la più grande scuola di eccellenza artistica.
Storia d'Italia.
Rinascimento.
Nei secoli XIV e XV l'Italia, nonostante la sua frammentazione politica, subì profonde, seppur graduali, trasformazioni. I disordini politici, l'accumulo di ricchezza in questo centro del commercio mondiale e, infine, la ricca storia d'Italia hanno contribuito al Rinascimento: la rinascita delle tradizioni delle antiche civiltà della Grecia e di Roma.
La crescita della prosperità fu accompagnata dalla formazione di una società urbana, secolare e profondamente individualista. Le città, che risalgono all'epoca romana e non sono mai scomparse del tutto, rinascono grazie ad un enorme boom del commercio e dell'industria. Inoltre, le faide tra imperatori e papi permisero alle città, manovrando tra le due parti, di liberarsi dal controllo esterno. Ovunque, ad eccezione del sud della penisola appenninica, le città cominciarono ad estendere il loro potere alle campagne circostanti. La nobiltà feudale dovette abbandonare il proprio stile di vita abituale e partecipare alle attività intellettuali e spirituali nelle città.
Politicamente, l’anarchia feudale lasciò il posto al caos completo. Ad eccezione del Regno di Napoli situato a sud, la penisola appenninica era divisa in tante piccole città-stato, quasi del tutto indipendenti sia dall'imperatore che dal papa. Naturalmente si sono verificati vari tipi di acquisizioni e fusioni, ma molte città sono riuscite a cavarsela da sole con successo e nessun accordo o forza ha potuto costringerle a unirsi. Allo stesso tempo, le forti contraddizioni sociali nelle città stesse e la necessità di formare un fronte unito contro i nemici esterni contribuirono alla caduta di molti regimi repubblicani, il che rese più facile ai despoti prendere il potere. Le persone, stanche dell'instabilità, cercavano o approvavano l'emergere di tali tiranni che governavano con l'aiuto di mercenari (condottieri), ma allo stesso tempo cercavano di ottenere rispetto e sostegno dai cittadini. Durante questo periodo, ci fu una significativa espansione degli stati più grandi a scapito di quelli più piccoli, e nel 1494 rimasero solo cinque grandi stati e ancora meno città-stato.
Il Ducato di Milano, le Repubbliche Fiorentina e Veneziana, lo Stato Pontificio e il Regno di Napoli furono le entità politiche più significative della penisola appenninica. Milano, sotto il controllo della famiglia Sforza, divenne uno degli stati più ricchi e un centro artistico ed educativo.
Proprio come Milano dominava la pianura lombarda e controllava i valichi alpini che portavano al Nord Europa, Venezia, costruita su isole lagunari, dominava il mare Adriatico. Restando estranea alle complesse vicissitudini della politica italiana, Venezia, grazie alla sua posizione geografica, svolse il ruolo di intermediario negli scambi commerciali tra l'Europa occidentale e quella orientale. Venezia era governata da famiglie benestanti che eleggevano tra loro il Doge, capo a vita della città, che governava con l'aiuto del Senato e del Consiglio dei Dieci. Secondo il trattato del 1454 concluso tra Venezia e Milano, quest'ultima riconosceva Venezia come stato continentale nella Lombardia orientale e sulla sponda settentrionale del Mare Adriatico.
Firenze mantenne l'apparenza di una forma di governo repubblicana, ma i frequenti colpi di stato, le lotte intestine tra i partiti e il predominio di un'oligarchia composta da una ristretta cerchia di famiglie benestanti portarono nel 1434 al riconoscimento da parte dei cittadini del potere della famiglia Medici. Formalmente venne mantenuta la forma di governo repubblicana, ma in realtà Cosimo de' Medici ed i suoi successori si comportarono come veri e propri despoti. La dinastia fiorì sotto Lorenzo il Magnifico (regnò dal 1469 al 1492), poeta, mecenate delle arti e delle scienze, statista e diplomatico.
Lo Stato Pontificio occupava gran parte dell'Italia centrale, compresa la Romagna, e ad est raggiungeva quasi i confini di Venezia. Nominalmente questo territorio era governato dal papa, ma di fatto era frammentato in numerosi feudi, dove i sovrani stabilivano i propri ordini. Molti papi del Rinascimento erano laici quanto i sovrani italiani e mantenevano corti lussuose. I Papi Nicola V (1447–1455), che fondò la Biblioteca Vaticana, e Pio II (1458–1464) fecero molto per far rivivere l’istruzione nello spirito dell’antichità. Il Rinascimento fiorì durante i regni dei papi Giulio II (1503–1513) e Leone X (1513–1521).Il Regno di Napoli comprendeva il territorio italiano a sud dei confini dello Stato Pontificio. È vero, fino al 1435 la Sicilia era un regno separato, governato dalla dinastia angioina di Francia fino al trasferimento del potere al re Alfonso I della dinastia aragonese. Sotto il governo di Alfonso, Napoli conobbe un periodo di crescita economica e di fioritura delle arti, sebbene il regno si differenziasse politicamente dalle città-stato dell'Italia settentrionale. Nel 1504 Napoli fu conquistata dalla Spagna e nel corso dei due secoli successivi perse progressivamente la propria indipendenza.
Durante il Rinascimento l'Italia fiorì grazie al delicato equilibrio di fattori politici e culturali che allora esisteva in Europa e nel mondo nel suo insieme. Nel XIV - prima metà del XV secolo. il paese era frammentato in molti stati indipendenti. Fattori dinastici, istituzionali e sociali impedirono alla comunità culturale italiana di trasformarsi in una reale forma di unità politica. Come sostenevano Machiavelli e altri pensatori italiani dell’epoca, le radici dello splendore e della tragedia del Rinascimento italiano dovrebbero essere ricercate nel paradosso storico prevalente. La caduta dei due sistemi di potere universale del Medioevo – il Sacro Romano Impero e il Papato – stimolò ripetutamente tentativi di unificazione dell’Italia.
A questo scopo furono rivolti per più di cento anni (1305-1414) vigorosi sforzi provenienti dal Nord, dal Centro e dal Sud dell'Italia. Il loro obiettivo era quello di raggiungere una qualche forma di unità nazionale, o almeno di riunire molti stati sotto un’autorità politica comune. I più significativi di questi sforzi furono successivamente sostenuti da Roberto di Napoli (1308–1343), Cola di Rienzo a Roma (1347–1354), dall'arcivescovo Giovanni Visconti di Milano (1349–1359) e dal cardinale romano Egidio Albornoz (1352–1367 ). Gli ultimi due seri tentativi rispettivamente nel Nord e nel Sud furono compiuti sotto la guida di Gian Galeazzo Visconti di Milano (1385–1402) e del re napoletano Ladislao (1402–1414). In tutti questi casi, coalizioni di altre forze in Italia si sono riunite sotto la bandiera della “Libertà d’Italia” e hanno resistito con successo al desiderio di imporre un governo unificato al Paese. Dopo la sconfitta di Gian Galeazzo e Vladislav seguirono una serie di guerre tra i cinque maggiori stati italiani.
A metà del XV secolo. L’Italia si trovò di fronte a due nuovi fattori sfavorevoli nella vita internazionale. In Occidente, al di là delle Alpi, la lunga lotta tra le dinastie feudali d'Europa, in particolare il conflitto anglo-francese, volgeva al termine. C'era quindi da aspettarsi che i grandi stati continentali - Francia, Spagna e Austria - sarebbero presto intervenuti negli affari italiani. Sui fianchi orientali dell'Italia - Mediterraneo e Adriatico - apparve una minaccia da parte degli Ottomani.
Gli statisti lungimiranti di ciascuno dei cinque maggiori Stati italiani si resero presto conto che la lunga “guerra civile” italiana doveva finire. Iniziarono i negoziati di pace. Su iniziativa del fiorentino Cosimo de' Medici e di papa Niccolò V, il doge di Venezia, Francesco Foscari, e il duca di Milano, Francesco Sforza, conclusero la pace di Lodia nell'aprile 1454. Nacque una federazione alla quale si unirono il re napoletano Alfonso d'Aragona e successivamente gli stati italiani più piccoli sotto la guida del papa. La Lega Santa degli Stati italiani vietò i conflitti all'interno della penisola appenninica e creò una nuova struttura per la convivenza pacifica.
Per quasi quarant'anni, dal 1454 al 1494, l'Italia godette della pace e del fiorire della cultura rinascimentale, manifestata nell'arte, nella scienza e nella filosofia. Fino al 1492 Lorenzo de' Medici agì come arbitro della politica e governò l'Italia senza coinvolgerla in alleanze con potenze straniere europee. Tuttavia, a meno di due anni dalla morte di Lorenzo, la paura, l’ambizione e l’egoismo fecero nascere un clima di reciproca sfiducia tra i governanti degli stati italiani.
Il re francese Carlo VIII si assunse la missione di liberare l'Italia dai disagi reali e in parte immaginari provocati dalle azioni dei sovrani egoisti. Il leader religioso fiorentino Savonarola condannò apertamente queste azioni. Nel 1494 Carlo VIII invase l'Italia ed entrò a Roma il 22 febbraio 1495; poi seguirono altre invasioni. Nel 1527 Roma venne saccheggiata dalle truppe dell'imperatore Carlo V della dinastia degli Asburgo. Secondo la pace conclusa a Cambrai nel 1529, i francesi dovettero abbandonare le loro pretese in Italia, ma in seguito fecero nuovi tentativi altrettanto infruttuosi di espellere gli Asburgo dall'Italia. Le guerre italiane terminarono nel 1559 con la pace di Cateau Cambresi, con la quale gran parte dell'Italia fu inclusa nell'Impero asburgico.
Con la vittoria della Spagna sulla Francia nella penisola appenninica, venne messa fine all'indipendenza degli stati italiani, molti dei quali rimasero dipendenti da potenze straniere per quasi due secoli. Il rapido sviluppo del commercio mediterraneo, che alimentò le conquiste culturali del Rinascimento in Italia, rallentò nel XVI secolo, quando, in seguito alla scoperta dell'America, le principali rotte commerciali si spostarono verso l'Atlantico. Genova e Venezia sopravvissero come repubbliche indipendenti, ma anche le loro economie declinarono. Il più potente dei sovrani italiani si rivelò ora il papa, non solo come capo secolare dello Stato Pontificio, ma anche come leader della Controriforma. La riforma della dottrina cattolica adottata dal Concilio di Trento (1545–1563) influenzò la vita politica, culturale e religiosa dell'Italia, e già sotto Papa Paolo IV (1555–1559) la Chiesa cattolica iniziò a sradicare le eresie. Le attività dell'Inquisizione divennero più dure. Tra le sue vittime ci furono il prete domenicano dal libero pensiero Giordano Bruno, che fu bruciato sul rogo come eretico, e Galileo Galilei, che fu costretto ad abbandonare le sue innovative teorie scientifiche.
Il dominio spagnolo nella penisola appenninica continuò nel XVII secolo, sebbene fu ripetutamente contestato dalla Francia, soprattutto sotto Luigi XIV. Tuttavia, quando la Francia fu sconfitta nella guerra di successione spagnola (1701-1714), con la pace di Utrecht del 1713 gli Asburgo austriaci divennero la principale forza dominante in Italia. Il trattato concluso ad Aix-la-Chapelle nel 1748, che pose fine alla guerra di successione austriaca, portò finalmente negli stati italiani la pace tanto attesa. Da allora, i loro confini sono rimasti pressoché invariati per più di 100 anni fino all’unificazione del Paese. L'evento più importante fu la concessione dell'autonomia reale al Piemonte e a Napoli (il primo fu governato dalla dinastia dei Savoia, la seconda dai Borboni spagnoli). A metà del XVIII secolo. tutta l'Italia stava vivendo un periodo di rinascita economica e culturale, e Milano, Firenze e Napoli divennero i maggiori centri dell'illuminismo europeo. Composizione di Cesare Beccaria (1738–1794) Crimini e punizioni gettò le basi della criminologia e del diritto penale moderni e fu presto tradotto in molte lingue europee. Quest'opera contribuì notevolmente alla stesura di un nuovo codice di leggi introdotto dal duca Leopoldo di Toscana, uno dei sovrani italiani più progressisti del XVIII secolo. A Napoli, dove anche i Borboni al potere erano attivi sostenitori delle riforme, Antonio Genovesi (1712–1769) fu nominato capo del primo dipartimento europeo di economia politica.
Grazie alla partecipazione di tanti italiani alla vita pubblica dell'Illuminismo, l'Italia riemerse come una forza trainante nella storia europea, mentre cresceva la necessità di riforme. Importanti riforme sociali furono attuate dal governo austriaco in Lombardia, così come nel Regno di Sardegna, nel Ducato di Toscana e nel Mezzogiorno, ma incontrarono resistenze locali in altre parti della penisola appenninica (soprattutto nello Stato Pontificio, nel Repubbliche Veneziana e Genovese), dove le riforme ebbero scarso effetto.
Un’influenza decisiva sugli stati italiani e sul loro sviluppo ebbe la Rivoluzione francese del 1789. La rivoluzione confermò la necessità di una trasformazione radicale della società e quando le truppe francesi guidate da Napoleone Bonaparte (1769–1821) invasero l’Italia settentrionale nel 1796, i sostenitori della la rivoluzione riuscì a stabilire il governo repubblicano sotto la protezione dell'esercito francese. Genova divenne così la Repubblica Ligure (giugno 1797), Milano divenne il centro della Repubblica Cisalpina (luglio 1797), e l'avanzata dell'esercito francese verso sud portò alla nascita della Repubblica Romana (febbraio 1798). Infine a Napoli venne costituita la Repubblica Partenopea (gennaio 1799).
Questo esperimento “repubblicano”, tuttavia, si rivelò di breve durata. Nell'aprile 1799, le truppe francesi nel nord Italia furono sconfitte da un esercito austro-russo unito sotto il comando del generale A.V. Suvorov. Quando i francesi si ritirarono, le repubbliche italiane caddero e coloro che sostenevano i francesi furono sottoposti a brutali rappresaglie. Tuttavia, il colpo di stato di Napoleone in Francia nel 1799 e la sua impressionante vittoria sugli austriaci nella battaglia di Marengo nel 1800 crearono i presupposti per un'occupazione francese più lunga e il successivo ridisegno della mappa della penisola appenninica. Il Piemonte fu trasformato in uno stato dipendente dalla Francia sul sito dell'ex Repubblica Cisalpina. Si chiamò Repubblica Italiana e dal 1804, quando Napoleone si autoproclamò imperatore e accettò la corona di Re d'Italia nel Duomo di Milano, fu ribattezzata Regno d'Italia. Il Regno d'Italia comprendeva la Lombardia, Venezia (Napoleone abolì la repubblica esistente da molti secoli) e gran parte dell'Emilia. Il generale Eugenio Beauharnais (figlio dell'imperatrice Giuseppina) divenne viceré. Nel 1806 Napoleone invase Napoli. Il re e la sua corte fuggirono in Sicilia, dove rimasero fino al 1814 sotto la protezione della flotta britannica. Napoleone nominò suo fratello Giuseppe re di Napoli. Tuttavia, nel 1808 si trasferì a Madrid e divenne re di Spagna, e il trono di Napoli fu trasferito al genero di Napoleone, Gioacchino Murat. Lo Stato Pontificio rimase indipendente fino al litigio di Napoleone con Papa Pio VII (1800–1823) e all'annessione di Roma alla Francia nel 1809.
Fino al 1814 gli stati italiani rimasero parte dell'impero napoleonico. Il dominio francese aiutò gli italiani a modernizzare il loro governo. Le autorità finanziarie e amministrative furono riorganizzate e i codici legali cambiarono nello spirito del codice civile francese. Quando l'impero iniziò a disintegrarsi dopo la sconfitta dell'esercito di Napoleone nella battaglia di Lipsia (1813), in Italia insorse l'opposizione, chiedendo la creazione di un governo costituzionale. Alla fine dell'impero, Gioacchino Murat nel 1814 da Rimini invitò gli italiani a unirsi per creare uno stato indipendente. Anche le opere dello scrittore italiano Ugo Foscolo (1778–1827) testimoniano la crescita dell'autocoscienza nazionale. Dopo la caduta dell'Impero napoleonico, il Congresso di Vienna (1814-1815), ignorando tali richiami, restaurò il potere degli ex sovrani degli stati italiani. Ciò implicò un ritorno alla situazione politica esistente prima della Rivoluzione francese, anche se con alcuni cambiamenti. La Repubblica di Venezia non fu riportata alla sua forma originaria e le terre un tempo soggette a Venezia facevano ora parte del Regno di Lombardia e Venezia, governato da un viceré austriaco con sede a Milano. Anche se la dominazione austriaca e la politica di conquista di Metternich furono l'obiettivo principale degli attacchi dei nazionalisti italiani, all'inizio del XIX secolo. Furono la Lombardia e Venezia a differire favorevolmente nella natura del governo dalle altre terre italiane. In alcune località gli ex sovrani riconquistarono il trono, ma quasi ovunque l’Austria li sostenne. Membri della famiglia degli Asburgo governarono in Toscana e nei piccoli ducati di Parma e Modena. Il Papa restaurò i suoi possedimenti nello Stato Pontificio e nominò emissari nelle città di Bologna e Ferrara. Nel sud, Napoli e la Sicilia furono unite in una monarchia guidata dai Borboni di ritorno, chiamata Regno delle Due Sicilie. A parte Napoli, solo il Piemonte (Regno di Sardegna) godeva di una vera e propria autonomia, ed i possedimenti della dinastia sabauda si espansero a causa dell'annessione dell'ex Repubblica Genovese. Tuttavia, i governanti piemontesi temevano la rivoluzione e consideravano l'Austria il loro principale alleato.
L’Italia è il posto migliore per comprendere facilmente la storia dell’arte. Ci sono capolavori letteralmente ad ogni passo qui.
Da questo articolo imparerai:
“Rinascimento”: ri - “di nuovo” + nasci - “nato”
Spero che tutti abbiano sentito il concetto di “rinascimento”. Nato di nuovo, nato di nuovo. Oppure - il Rinascimento. Quasi sempre questo concetto viene applicato al campo dell’arte: pittura, letteratura, architettura, ecc. A proposito, anche la scienza può essere inclusa qui.
Botticelli, Nascita di Venere
Ora capiamolo, cosa è nato di nuovo esattamente? Questo è un tipo speciale di cultura che è già andato oltre il Medioevo, ma precede solo l'Illuminismo.
Il termine fu introdotto per la prima volta da Giorgio Vasari (umanista italiano). Ciò significa qualche significativo passo avanti in tutte le sfere della vita sociale, e soprattutto in quella culturale. Fiorente, uscita dall'ombra, trasformazione.
La lotta tra Medioevo e Antichità
Se non è ancora molto chiaro lo spiego più semplicemente. Il fatto è che la cultura medievale, la pittura, la poesia e la vita stessa delle persone dipendevano molto dalla chiesa, dalla gerarchia sociale e dalla religione. L'arte medievale è arte religiosa, qui si perde la personalità, non importa.
A proposito, ci sono diverse lingue straniere sulle pagine del mio blog!
Ricorda gli affreschi e i dipinti cattolici medievali. Queste sono immagini molto spaventose che piacciono alla Chiesa. Ci sono santi, persone giuste e, in contrasto con il Giudizio Universale, terribili demoni, mostri. Si è creata una situazione in cui essere se stessi, avere passioni e desideri umani comuni era una strada sicura per l'inferno. Solo un cristiano retto e dal cuore puro può sperare nella salvezza e nel perdono.
Domanico Veneziano, Madonna col Bambino
Il Rinascimento è caratterizzato dall'antropocentrismo e. Al centro c'è una persona, le sue attività, pensieri, aspirazioni. Questo approccio è caratteristico dell'era della cultura antica. Questa è l'antica Roma, in Grecia. In Europa il paganesimo viene sostituito dal cristianesimo e allo stesso tempo i canoni dell'arte stanno cambiando completamente.
Rafael Santi, Madonna nel verde
Ora una persona era considerata un individuo, una componente importante della società. L'uomo ha ricevuto nell'arte la libertà che le rigide leggi della cultura religiosa del Medioevo non gli hanno mai dato.
Il Rinascimento, scusate la tautologia, fa rivivere il periodo dell'Antichità, ma questo è già il suo livello più alto e moderno. L'Europa subì la sua influenza nel periodo dal XV al XVI secolo. In Italia ci sarà un quadro cronologico del Rinascimento leggermente diverso, ve lo racconterò poco dopo.
Dove è iniziato tutto?
Tutto iniziò con la caduta dell'Impero bizantino. Se l'Europa è stata a lungo sotto il dominio della chiesa, allora a Bisanzio nessuno ha dimenticato l'arte del periodo antico. La gente fuggì dall'impero fatiscente. Hanno portato con sé libri, dipinti, hanno portato sculture e nuove idee in Europa.
Caduta dell'Impero bizantino
Cosimo de' Medici fondò a Firenze l'Accademia di Platone. Anzi, lo ravviva. Tutto ciò è stato ispirato dal discorso di un docente bizantino.
Le città stanno crescendo e l’influenza delle classi sociali, come artigiani, commercianti, banchieri e artigiani, sta crescendo. Per loro il sistema di valori gerarchico non è assolutamente importante. L'umile spirito dell'arte religiosa è loro incomprensibile ed estraneo.
Appare un movimento moderno: l'umanesimo. È proprio questo che ha una potente influenza sulla nuova arte del Rinascimento. Le città europee cercarono di sviluppare centri progressisti di scienza e arte.
Questa zona passò sotto l'influenza della Chiesa. Naturalmente il Medioevo, con i suoi falò e i roghi di libri, ha ritardato di decenni lo sviluppo della civiltà. Ora, a passi da gigante, il Rinascimento cercava di mettersi al passo.
Rinascimento italiano
Le belle arti stanno diventando non solo una componente importante dell'epoca, ma anche un'attività necessaria. Le persone ora hanno bisogno dell’arte. Perché?
Raffaello Santi, ritratto
Si avvicina un periodo di ripresa economica e con esso un gigantesco cambiamento nella mente delle persone. L'intera coscienza di una persona non era più finalizzata solo alla sopravvivenza, apparivano nuovi bisogni.
Ritrarre il mondo così com'è, mostrare la vera bellezza e i veri problemi: questo è il compito di coloro che sono diventati figure iconiche del Rinascimento italiano.
Si ritiene che questo movimento sia apparso in Italia. Inoltre, è sorto dal 13 ° secolo. Poi i primi inizi di un nuovo movimento compaiono nelle opere di Paramoni, Pisano, poi Giotto e Orcagna. Alla fine mise radici solo negli anni venti del Quattrocento.
In totale, si possono distinguere 4 fasi principali nella formazione dell'era:
- Protorinascimento (cosa è successo in Italia);
- Primo Rinascimento;
- Alto Rinascimento;
- Tardo Rinascimento.
Diamo un'occhiata a ciascun periodo in modo più dettagliato.
Protorinascimento
Ancora strettamente associato al Medioevo. Questo è un periodo di transizione graduale dalle tradizioni dei vecchi tempi a quelle nuove. Ha avuto luogo nel periodo che va dalla seconda metà del XIII secolo al XIV secolo. Il suo sviluppo ha leggermente rallentato a causa dell'epidemia globale di peste in Italia.
Protorinascimento, Andrea Mantegna, pala di San Zeno a Verona
La pittura di questo periodo è caratterizzata al meglio dalle opere dei maestri fiorentini Cimabue, Giotto, così come della scuola senese - Duccio, Simone Martini. Naturalmente, la figura più importante del protorinascimento è considerata il maestro Giotto. Davvero un riformatore dei canoni della pittura.
Primo Rinascimento
Questo è il periodo dal 1420 al 1500. Possiamo dire che questo è il momento di una transizione graduale verso una nuova tendenza. Prende ancora molto in prestito dall'arte del passato. Vi si mescolano nuove tendenze e immagini e si aggiungono molti motivi quotidiani. Pittura e architettura, la letteratura diventa sempre meno figurativa, sempre più “umana”.
Primo Rinascimento, Basilica di Santa Maria del Carmine, Firenze
Alto Rinascimento
Il magnifico periodo di massimo splendore del Rinascimento si verificò tra il 1500 e il 1527 in Italia. La sua sede viene trasferita da Firenze a Roma. Papa Giulio II favorisce il nuovo clima, che aiuta notevolmente gli artigiani.
Madonna Sistina, Raffaello Santi, Alto Rinascimento
È un uomo intraprendente e moderno e stanzia fondi per creare opere d'arte. In Italia si dipingono i migliori affreschi, si costruiscono chiese, edifici, palazzi. Si ritiene del tutto appropriato prendere in prestito le caratteristiche dell'antichità nella creazione anche di edifici religiosi.
Gli artisti più iconici dell'Italia durante l'Alto Rinascimento sono Leonardo da Vinci e Raffaello Santi.
Ero al Louvre nel marzo del 2012, non c'erano molti turisti e con calma e piacere ho potuto guardare il dipinto “La Gioconda”, chiamato anche “La Gioconda”. In effetti, non importa da quale parte della sala vai, i suoi occhi ti guardano sempre. Miracolo! Non è questo?
Monna Lisa, Leonardo da Vinci
Tardo Rinascimento
Ha avuto luogo dal 1530 al 1590-1620. Gli storici hanno accettato di ridurre il lavoro di questo periodo in un unico solo in modo condizionale. C'erano così tante nuove direzioni che era vertiginoso. Questo vale per tutti i tipi di creatività.
Poi la Controriforma trionfò nell’Europa meridionale. Cominciarono a guardare con molta diffidenza all'eccessiva glorificazione del corpo umano. C'erano molti oppositori a un brillante ritorno all'antichità.
Veronese, Nozze di Cana, Tardo Rinascimento
Come risultato di tale lotta, appare lo stile dell '"arte nervosa": il manierismo. Ci sono linee spezzate, colori e immagini artificiosi, a volte troppo ambigui, a volte esagerati.
Parallelamente a ciò apparvero le opere di Tiziano e Palladio. La loro opera è considerata significativa per il tardo Rinascimento e non è assolutamente influenzata dalle tendenze di crisi di quel secolo.
La filosofia di quei periodi trova un nuovo oggetto di studio: la persona “universale”. Qui le tendenze filosofiche si intrecciano con la pittura. Ad esempio, Leonardo da Vinci. Le sue opere rappresentano l'idea dell'assenza di confini, limiti per la mente umana.
Se tu o tuo figlio avete bisogno di prepararvi per l'esame di stato unificato e l'esame di stato, sul sito web di Foxford per gli scolari potete farlo. Formazione per studenti dalle classi 5 a 11 in tutte le discipline presenti nelle scuole russe. Oltre ai corsi base nelle materie di base, nel portale sono presenti corsi specializzati in preparazione all'Esame di Stato Unificato, all'Esame di Stato e alle Olimpiadi. Discipline disponibili per la formazione: matematica, studi sociali, lingua russa, fisica, informatica, chimica, storia, inglese, biologia.
L'era prende il sopravvento sul Nord
Sì, tutto è iniziato in Italia. Poi la corrente è andata avanti. Vorrei dire solo poche parole sul Rinascimento del Nord. Successivamente è arrivato nei Paesi Bassi, in Germania e in Francia. Non ci fu il Rinascimento in senso classico, ma il nuovo stile conquistò l’Europa.
L'arte gotica prevale e la conoscenza umana passa in secondo piano. Spiccano Albrecht Dürer, Hans Holbein il Giovane, Lucas Cranach il Vecchio, Pieter Bruegel il Vecchio.
I migliori rappresentanti di tutta l'epoca
Abbiamo parlato della storia di questo periodo interessante. Vediamo ora più da vicino tutte le sue componenti.
Uomo rinascimentale
La cosa principale è capire: chi è l'uomo del Rinascimento?
I filosofi ci aiuteranno qui. Per loro, l'oggetto di studio era la mente e le capacità della persona che crea. È la mente che distingue l'Uomo da tutto il resto. La ragione lo rende simile a Dio, perché l'Uomo può creare, creare. Questo è un Creatore, una persona che crea cose nuove, una persona in costante sviluppo.
È all'intersezione tra natura e modernità. La natura gli ha fatto un dono incredibile: un corpo perfetto e un intelletto potente. Il mondo moderno apre infinite possibilità. Educazione, fantasia e sua attuazione. Non ci sono limiti a ciò di cui una persona è capace.
L'uomo vitruviano, Leonardo Da Vinci
L'ideale della personalità umana è ora: gentilezza, forza, eroismo, capacità di creare e creare un nuovo mondo attorno a sé. La cosa più importante qui è la libertà personale.
L'idea di una persona sta cambiando: ora è libera, piena di forza ed entusiasmo. Naturalmente, una tale idea delle persone le ha motivate a fare qualcosa di grande, significativo, importante.
"La nobiltà è come una sorta di splendore che emana dalla virtù e illumina i suoi proprietari, qualunque sia la loro origine." (Poggio Bracciolini, XV secolo).
Sviluppo della scienza
Il periodo dei secoli XIV-XVI divenne significativo nello sviluppo della scienza. Cosa sta succedendo in Europa?
- Questo è il periodo delle grandi scoperte geografiche;
- Nicolaus Copernicus cambia la comprensione della Terra da parte delle persone, dimostra che la Terra gira attorno al Sole;
- Paracelso e Vesalio fanno enormi passi avanti nella medicina e nell'anatomia. Per molto tempo la dissezione e lo studio dell'anatomia umana sono stati un crimine, una profanazione del corpo. La conoscenza della medicina era completamente incompleta e ogni ricerca era vietata;
- Niccolò Machiavelli esplora la sociologia, il comportamento delle persone in gruppo;
- Appare l’idea di una “società ideale”, la “Città del Sole” di Campanella;
- Dal XV secolo la stampa si è sviluppata attivamente, molte opere sono state pubblicate per il popolo, opere scientifiche e storiche stanno diventando accessibili a chiunque;
- Inizia lo studio attivo delle lingue antiche e le traduzioni di libri antichi.
Illustrazione per il libro Città del Sole, Campanella
Letteratura e filosofia
Il rappresentante più importante dell'epoca è Dante Alighieri. La sua “Commedia” o “Divina Commedia” fu ammirata dai suoi contemporanei e divenne un esempio di pura letteratura del Rinascimento.
In generale, il periodo può essere caratterizzato come la glorificazione di una personalità armoniosa, libera, creativa e completamente sviluppata.
I sonetti gratuiti di Francesco Petrarca sull'amore rivelano le profondità dell'animo umano. In essi vediamo un mondo segreto e nascosto di sentimenti, sofferenza e gioia dall'amore. Le emozioni di una persona vengono prima.
Petrarca e Laura
Giovanni Boccaccio, Niccolò Machiavelli, Ludovico Ariosto e Torquato Tasso glorificarono l'epoca con le loro opere di stili completamente diversi. Ma sono diventati classici per il Rinascimento.
Naturalmente storie romantiche, storie d'amore e di amicizia, storie divertenti e romanzi tragici. Ecco il Decameron di Boccaccio, per esempio.
Decamerone, Boccaccio
Pico della Mirandola scriveva: “O altissima e deliziosa felicità dell’uomo, al quale è dato di possedere ciò che vuole e di essere ciò che vuole”.
Famosi filosofi di questa epoca:
- Leonardo Bruni;
- Galileo Galilei;
- Niccolò Machiavelli;
- Giordano Bruno;
- Gianozzo Manetti;
- Pietro Pomponazzi;
- Tommaso Campanella;
- Marsilio Ficino;
- Giovanni Pico della Mirandola.
L'interesse per la filosofia è in forte crescita. Il libero pensiero cessa di essere qualcosa di proibito. Gli argomenti da analizzare sono molto diversi, moderni e attuali. Non ci sono più argomenti considerati inappropriati e le riflessioni dei filosofi non servono più solo a compiacere la Chiesa.
arte
Uno dei settori in più rapida crescita è la pittura. Naturalmente sono apparsi tanti nuovi argomenti. Ora l'artista diventa anche filosofo. Mostra la sua visione delle leggi della natura, dell'anatomia, delle prospettive di vita, delle idee, della luce. Non ci sono più divieti per chi ha talento e vuole creare.
Pensi che il tema della pittura religiosa non sia più rilevante? Piuttosto il contrario. I maestri del Rinascimento crearono nuovi straordinari dipinti. I vecchi canoni stanno scomparendo, il loro posto è preso da composizioni tridimensionali, compaiono paesaggi e attributi “mondani”. I santi si vestono in modo realistico, diventano più vicini, più umani.
Michelangelo, La Creazione di Adamo
Gli scultori amano anche usare temi religiosi. La loro creatività diventa più libera e franca. Il corpo umano e i dettagli anatomici non sono più un tabù. Ritorna il tema degli antichi dei.
La bellezza, l'armonia, l'equilibrio, il corpo femminile e maschile vengono al primo posto. Non c'è divieto, modestia o depravazione nella bellezza del corpo umano.
Architettura
Ritornano i principi e le forme dell'arte antica romana. Ora prevalgono la geometria e la simmetria e molta attenzione viene posta nella ricerca delle proporzioni ideali.
Di nuovo di moda:
- nicchie, emisferi di cupole, archi;
- edicole;
- linee morbide.
Hanno sostituito i freddi contorni gotici. Ad esempio, la famosa Cattedrale di Santa Maria del Fiore, Villa Rotonda. Fu allora che apparvero le prime ville: costruzioni suburbane. Solitamente grandi complessi con giardini e terrazze.
Cattedrale di Santa Maria del Fiore
Enormi contributi all'architettura sono stati dati da:
- Filippo Brunelleschi è considerato il “padre” dell’architettura rinascimentale. Ha sviluppato la teoria del prospetto e il sistema degli ordini. Fu lui a realizzare la cupola del Duomo di Firenze.
- Leon Battista Alberti - divenne famoso per aver ripensato i motivi delle basiliche paleocristiane* dell'epoca di Costantino.
- Donato Bramante - lavorò durante l'Alto Rinascimento. Famoso per le sue proporzioni precise.
- Michelangelo Buonarroti - il principale architetto del tardo Rinascimento. Realizzò la Basilica di San Pietro e la Scala Laurenziana.
- Andrea Palladio è il fondatore del classicismo. Ha creato il suo movimento, chiamato Palladianesimo. Lavorò a Venezia, progettando le più grandi cattedrali e palazzi.
Durante il Primo e l'Alto Rinascimento furono costruiti i migliori palazzi d'Italia. Ad esempio Villa Medici a Poggio a Caiano. Inoltre Palazzo Pitti.
I colori predominanti erano il blu, il giallo, il viola, il marrone.
In generale, l'architettura di quel tempo si distingueva per la sua stabilità da un lato e, dall'altro, per linee morbide, transizioni semicircolari e archi complessi.
I locali erano spaziosi, con soffitti alti. Decorato con ornamenti in legno o fogliame.
*Basilica - chiesa, cattedrale. Ha forma rettangolare e una o più navate (numero dispari). Caratteristico del periodo paleocristiano, la forma stessa trae origine da antichi edifici templari greci e romani.
Si iniziarono ad utilizzare nuovi materiali da costruzione. La base è in blocchi di pietra. Ha iniziato a essere elaborato in diversi modi. Stanno emergendo nuove soluzioni costruttive. Questo è anche un periodo di uso attivo del gesso.
Il mattone diventa un materiale decorativo e strutturale. Vengono utilizzati anche mattoni smaltati, terracotta e maioliche. Molta attenzione è prestata ai dettagli decorativi e alla qualità della loro lavorazione.
Ora i metalli vengono utilizzati anche per la lavorazione decorativa. Questi sono rame, stagno e bronzo. Lo sviluppo della falegnameria consente di realizzare elementi traforati sorprendentemente belli in legno duro.
Musica
L'influenza della musica popolare sta diventando sempre più forte. La polifonia vocale e vocale-strumentale si sta sviluppando rapidamente. Qui ebbe particolare successo la Scuola Veneziana. In Italia compaiono nuovi stili musicali: frottola e villanelle.
Caravaggio, Musicista con liuto
L'Italia è famosa per i suoi strumenti ad arco. C'è addirittura una lotta tra viola e violino per la migliore esecuzione delle stesse melodie. Nuovi stili di canto stanno conquistando l'Europa: canto solista, cantata, oratorio e opera.
Perchè l'Italia?
A proposito, perché il Rinascimento è iniziato in Italia? Il fatto è che la maggior parte della popolazione viveva nelle città. Sì, questa è una situazione insolita per il periodo dei secoli XIII-XV. Ma, se non ci fossero circostanze particolari, apparirebbero tutti i capolavori dell'Epoca?
Il commercio e l'artigianato si svilupparono rapidamente. Era semplicemente necessario studiare, inventare e migliorare i prodotti del proprio lavoro. Così apparivano pensatori, scultori e artisti. I prodotti dovevano essere resi più attraenti, i libri con illustrazioni venduti meglio.
Il commercio significa sempre viaggiare. La gente aveva bisogno delle lingue. Hanno visto molte cose nuove durante i loro viaggi e hanno cercato di introdurle nella vita della loro città.
Vasari, Firenze
D'altra parte, l'Italia è l'erede del Grande Impero Romano. L'amore per la bellezza, i resti della cultura antica: tutto questo è concentrato nelle città d'Italia. Un'atmosfera del genere semplicemente non poteva fare a meno di incoraggiare le persone di talento a fare nuove scoperte.
Gli scienziati ritengono che un altro motivo sia il tipo di religione cristiana occidentale, e non orientale. Si ritiene che questa sia una forma speciale di cristianesimo. L'esterno della vita cattolica del paese consentiva una certa libertà di pensiero.
Ad esempio, l’emergere degli “antipapi”! Quindi gli stessi pontefici hanno sostenuto il potere, utilizzando metodi disumani e del tutto illegali per raggiungere i loro obiettivi. La gente ha seguito questo, rendendosi conto che nella vita reale i principi e la morale cattolica non sempre funzionano.
Ora Dio è diventato un oggetto di conoscenza teorica e non il centro della vita umana. L’uomo era chiaramente separato da Dio. Naturalmente, questo ha dato origine a ogni sorta di dubbi. La scienza e la cultura si sviluppano in tali condizioni. Naturalmente l’arte si separa dalla religione.
Amici, grazie per aver letto i miei articoli! Spero che questo abbia chiarito alcuni punti importanti sul Rinascimento italiano.
Leggi anche dell'Italia e dei corsi di italiano, dove potrai visitare facilmente i luoghi più interessanti e belli del paese.
Iscriviti agli aggiornamenti, ripubblica i miei articoli. Inoltre, al momento dell'abbonamento riceverai in regalo, in modo completamente gratuito, un ottimo frasario di base in tre lingue, inglese, tedesco e francese. Il suo vantaggio principale è che esiste la trascrizione russa, quindi anche senza conoscere la lingua puoi facilmente padroneggiare le frasi colloquiali. Arrivederci!
Ero con te, Natalya Glukhova, ti auguro una buona giornata!