Arte italiana e antica. Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Firenze

Mosca. Arcobaleno. 1990

Giulio Carlo Argan è un noto storico dell'arte italiano, uno dei massimi rappresentanti della storia dell'arte contemporanea e della critica d'arte. La sua opera fondamentale copre la storia dell'arte italiana, dall'antichità e dal Medioevo al romanticismo e al futurismo, sebbene l'attenzione principale sia rivolta, ovviamente, ai maestri del Rinascimento italiano.

PRIMA PARTE.
CAPITOLO PRIMO.
Origini.
CAPITOLO SECONDO La cultura dell'Egeo.
Arte minoica.
Arte micenea.
CAPITOLO TERZO L'arte greca.
Architettura.
scultura arcaica.
scultura classica.
Scultura ellenistica.
Urbanistica e architettura.
pittura greca.
CAPITOLO QUATTRO arte antica in Italia.
Grande Grecia.
Arte etrusca.
Architettura.
Pittura.
Scultura.
CAPITOLO V Antica arte romana.
Architettura.
pittura monumentale.
Pittura.
Scultura.
CAPITOLO SESTO Arte paleocristiana.
Arte delle catacombe.
Le prime basiliche
Altri centri di cultura tardoantica: Milano e Ravenna.
Arte di Bisanzio e tribù barbare nel Medioevo.
La prima manifestazione nazionale italiana di belle arti medievali.
CAPITOLO SETTIMO Arte romanica.
Architettura del Nord Italia.
Centro Italia.
Sud Italia e Sicilia.
Scultura.
Pittura.
CAPITOLO OTTO Arte gotica.
Architettura gotica.
Architettura gotica in Italia.
Tardo gotico.
Ingegneria Civile.
Scultura.
Pittura.
SECONDA PARTE.
CAPITOLO PRIMO Trecento.
Giotto.
Simone Martini.
Pietro e Ambrogio Lorenzetti.
Lo sviluppo della pittura trecentesca.
CAPITOLO SECONDO Gotico internazionale.
Arte tardogotica in Italia.
CAPITOLO TERZO Quattrocento.
Un nuovo concetto di natura e storia.
Polemica con il gotico.
Concorso del 1401.
Secondo decennio del Quattrocento.
Cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze.
Tre "Adorazione dei Magi".
Brunelleschi-Donatello-Masaccio.
Altre tendenze della cultura artistica toscana.
Pittura senese del XV secolo.
La teoria artistica nell'umanesimo di Leon Battista Alberti.
sviluppo dell'architettura toscana.
scultura toscana.
Spazio teorico ed empirico.
Sintesi di verità razionali e ideali.
Le principali tendenze della pittura fiorentina della seconda metà del XV secolo.
Le tendenze contraddittorie nella pittura del tardo Quattrocento.
Debutto fiorentino di Leonardo.
Arti Visive nel Centro Italia.
Umanesimo dentro belle arti Nord Italia.
Scuola di Squarcione.
Pittura ferrarese del Quattrocento.
Sud Italia: Antonello da Messina.
La nuova arte di Venezia.
Mito e realtà nell'arte di Vittore Carpaccio.
Architettura e scultura a Venezia.
L'umanesimo nelle belle arti lombarde.
Bramante e Leonardo a Milano.

L'Italia è famosa per le tradizioni culturali più ricche del mondo. Le conquiste degli italiani nell'arte, nell'architettura, nella letteratura, nella musica e nella scienza grande influenza sullo sviluppo della cultura in molti altri paesi.

Molto prima dell'ascesa della civiltà dell'Antica Roma, si svilupparono le culture degli Etruschi in Toscana e dei Greci nell'Italia meridionale. Dopo la caduta dell'Impero Romano in Italia, la cultura cadde in declino e solo nell'XI secolo. ci furono i primi segni della sua rinascita. Raggiunse il suo nuovo periodo di massimo splendore nel XIV secolo. Durante il Rinascimento, gli italiani ebbero un ruolo di primo piano scienza europea e arte. Poi hanno fatto tale artisti eccezionali e scultori come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo, scrittori Dante, Petrarca e Boccaccio.

Letteratura.

La letteratura italiana è entrata tardi nell'arena europea. Il latino fu usato come lingua letteraria fino al XIII secolo. e mantenne il suo significato fino al XVI secolo. L'italiano parlato ha lentamente rafforzato la sua posizione nella letteratura. Le origini della letteratura italiana risalgono alla tradizione delle liriche d'amor cortese, dettate dalla scuola siciliana ad imitazione dei modelli provenzali. Questa poesia fiorì alla corte di Federico II a Palermo all'inizio del XIII secolo. Nello stesso periodo in Umbria, sotto l'influsso degli scritti di S. Francesco d'Assisi ha creato poesie su argomenti religiosi.

Tuttavia, fu solo in Toscana che furono poste le basi della lingua italiana letteraria. Il poeta toscano più eccezionale fu Dante Alighieri, nativo di Firenze, autore della Divina Commedia, uno dei più grandi capolavori della letteratura mondiale. Ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo della letteratura del tardo medioevo, che ha contribuito notevolmente alla trasformazione del dialetto toscano in una comune lingua letteraria italiana. Dopo Dante apparvero altri scrittori del primo Rinascimento: Francesco Petrarca, autore di poesie liriche e sonetti, e Giovanni Boccaccio, che divenne famoso in tutto il mondo per la sua raccolta di racconti Decameron.

Dante, Petrarca e Boccaccio predeterminarono l'ulteriore sviluppo della letteratura in italiano e nel XV secolo. nuovamente temporaneamente ravvivato l'interesse per la lingua latina. Nel XVI secolo lavorarono due eccezionali poeti italiani: Ludovico Ariosto, l'autore dell'eroico poema cavalleresco Roland furioso, che è un esempio dell'Alto Rinascimento, e Torquato Tasso, l'autore del poema Gerusalemme liberata, permeato dello spirito del cattolicesimo militante. Nel 18 ° secolo rivivono la commedia classica (Carlo Goldoni), la tragedia (Vittorio Alfieri) e la poesia (Giuseppe Parini). Nel 19 ° secolo il movimento di riforma e indipendenza ha stimolato lo sviluppo della letteratura. Alessandro Manzoni - poeta, drammaturgo, critico e romanziere - è diventato famoso per il suo straordinario romanzo storico I Promessi Sposi. La poesia di Giacomo Leopardi ne era permeata sentimento profondo amore per la patria. Dopo l'unificazione del paese, Giosue Carducci divenne la figura principale della letteratura italiana. Nel 1906 fu il primo italiano a ricevere il Premio Nobel per le sue poesie, poesie e studi sulla storia della letteratura italiana.

A poco a poco, la narrativa italiana ha iniziato a padroneggiare il nuovo generi letterari. Lo scrittore siciliano Giovanni Verga, autore di racconti sulla vita dei contadini e dei pescatori dell'Italia meridionale, fondò la scuola del verismo (realismo). La sua storia Rural Honor ha ispirato il compositore Pietro Mascagni a comporre un'opera con lo stesso nome. Grazia Deledda, che ha ricevuto il Premio Nobel per la letteratura nel 1926, ha scritto più di 30 romanzi e diverse raccolte di racconti sulla vita della gente della sua nativa Sardegna. All'inizio del XX secolo si distinse lo scrittore Gabriele D'Annunzio, nei cui romanzi si glorificava il culto personalità forte e ha criticato la società italiana.

Nell'immediato dopoguerra Alfredo Panzini, acuto e profondo umorista, acquisì una notevole fama. La sua opera migliore, The Tales of Virtue, espone le passioni umane e i problemi economici della società moderna. Italo Svevo è famoso per il romanzo Autoconoscenza di Zeno. Contemporaneamente lavoravano gli scrittori della vecchia generazione Riccardo Bacchelli, autore della trilogia storica Il Mulino sul Po; Aldo Palazzeschi, che creò una brillante satira nei romanzi delle Suore di Meterassi e del Codice di Pearlá; Giovanni Papini, noto per i suoi libri La storia di Cristo, The Goner e la satira intellettuale Gog; e Corrado Alvaro, che descrisse la vita dei contadini calabresi.

Una figura di spicco della letteratura italiana della prima metà del Novecento. fu Benedetto Croce, filosofo, umanista e critico. Oltre alle attività scientifiche, Croce era un politico che si oppose attivamente al fascismo. Durante gli anni della dittatura fascista molti scrittori italiani furono costretti ad emigrare; tra loro c'è lo scrittore di sinistra Ignazio Silone. Ha scritto romanzi sulla vita delle persone che vivono nella zona collinare vicino a Roma (Fontamara, Pane e vino) e un opuscolo satirico Scuola per dittatori. Carlo Levi, medico, artista e scrittore, fu esiliato nell'Italia meridionale, dove descrisse la povertà vita di villaggio nel romanzo Cristo si è fermato a Eboli.

Il fascismo, la guerra e il movimento di resistenza si riflettevano nell'italiano finzione. Il romanzo di Alberto Moravia Gli indifferenti descrive il conformismo della società italiana durante il regno del fascismo. Questo tema è discusso anche nei suoi scritti del dopoguerra, ad esempio in Il conformista. Le opere più famose della Moravia sono Due donne, Donna romana, Amore coniugale, Racconti romani e Nuovi racconti romani. Come nel cinema, il neorealismo dominò la letteratura nel secondo dopoguerra e giocò un ruolo decisivo nella rinascita del romanzo in Italia. Notevoli esempi di neorealismo sono i romanzi di Giuseppe Marotta (L'oro di Napoli e San Gennaro non dice mai di no!) e di Vasco Pratolini (Un eroe del nostro tempo e La storia dei poveri amanti), prodotti rispettivamente a Napoli ea Firenze. Negli anni '60, scrittori come Giorgio Bassani (Finzi Contini Garden) e Natalia Ginzburg (Family Lexicon) si sono occupati principalmente di problemi di personalità. In queste opere, il neorealismo ha lasciato il posto al neoavanguardia. Nuove direzioni sviluppate sotto forte influenza idee dello scrittore Carlo Emilio Gadda.

Lo scrittore siciliano Leonardo Shasha (Salt in the Wound, Mafia Vendetta, Death of the Inquisitor, Egyptian Council, Blessing) ha guadagnato fama internazionale. Il riconoscimento internazionale come maestro delle fiabe moderne e teorico letterario è stato ottenuto anche da Italo Calvino (La via dei nidi di ragno, I nostri antenati, Italian racconti popolari, Kosmikomiks, L'inizio del conto alla rovescia, Se un viaggiatore è in una notte d'inverno). Il romanzo di Umberto Eco Il nome della rosa è diventato un bestseller mondiale all'inizio degli anni '80. Tra i precedenti bestseller italiani spiccano i racconti di Giovanni Guareschi su Don Camillo, un parroco che si oppose al sindaco comunista locale. Nel 1958 Il Gattopardo di Giuseppe Tomasi di Lampedusa diventa il primo romanzo italiano a vendere 100.000 copie in un anno. Carlo Cassola e Giorgio Bassani sono stati gli scrittori italiani più letti negli anni Sessanta e nel 1974 il romanzo di Elsa Morante Storia ha battuto tutti i precedenti record di popolarità. Dino Buzzati, Mario Soldati, Ottiero Ottieri, Beppe Fenoglio e Pier Paolo Pasolini divennero famosi come romanzieri, e molti autori italiani superarono facilmente le barriere tra generi letterari e tra letteratura e giornalismo.

Il più grande drammaturgo italiano tra la fine dell'Ottocento e l'inizio del Novecento. c'era Luigi Pirandello, premio Nobel nel 1934. Tra le sue opere migliori ci sono Sei personaggi in cerca d'autore, Enrico IV, hai ragione; sono tutte connesse con il conflitto tra illusione e realtà e con i problemi del nostro tempo, che per loro stessa natura sono insolubili. Perù Sema Benelli possiede Mask Brutai Cena del ridicolo - tragedie storiche in versi sciolti. Tristano e Isotta Ettore Moschino, Il fantastico castello dei sogni di Enrico Butti, Orione e GlaucoE. L. Morselli sono anche scritti in versi sciolti molto espressivi. La fama di Roberto Bracco come drammaturgo è legata al suo Piccolo Santo, uno dei capolavori della drammaturgia italiana moderna. Molte delle sue opere hanno motivazioni chiaramente femministe, sono tragedie psicologiche e spirituali. Il processo a Gesù di Diego Fabbri andò in scena in tutta Europa. A partire dalla seconda metà degli anni Cinquanta si affermano anche i drammaturghi Dario Fo e Frank Ramé Riconoscimento internazionale con i suoi brillanti scritti satirici.

La poesia italiana, come l'arte italiana, nel primo Novecento. fu influenzato dal futurismo, un movimento che cercava di riflettere le nuove realtà della vita moderna. Alle sue origini (1909) fu il poeta Filippo Tommaso Marinetti. Il futurismo attirò pochi importanti poeti italiani, ma ebbe un profondo effetto sulla vita spirituale del paese. Tuttavia, l'eccezionale poeta dell'Italia del XX secolo. Salvatore Quasimodo non aveva niente a che fare con il futurismo. La sua poesia "ermetica" incarnava un inizio profondamente individuale e si distingueva per alta abilità, stile elegante, che rifletteva il lirismo dell'ispirazione poetica. Altri riconosciuti rappresentanti dell'ermetismo in poesia sono Giuseppe Ungaretti ed Eugenio Montale. Quasimodo è stato insignito del Premio Nobel per la letteratura nel 1959 e Montale nel 1975. Poeti più giovani che hanno ottenuto riconoscimenti dopo la seconda guerra mondiale sono Pier Paolo Pasolini, Franco Fortini, Margherita Guidacci, Rocco Scotellaro, Andrea Zanotto, Antonio Rinaldi e Michele Pierri

Arte.

Le origini della grandezza artistica d'Italia risalgono al XIV secolo, ai dipinti della scuola fiorentina, il cui massimo rappresentante fu Giotto di Bondone. Giotto ha rotto con lo stile pittorico bizantino che dominava l'arte medievale italiana e ha dato un calore e un'emozione naturali alle figure raffigurate nei suoi grandi affreschi a Firenze, Assisi e Ravenna. I principi naturalistici di Giotto e dei suoi seguaci furono continuati da Masaccio, che realizzò maestosi affreschi realistici con una magistrale resa del chiaroscuro. Altri rappresentanti di spicco della scuola fiorentina del primo Rinascimento sono il pittore Beato Angelico e lo scultore e gioielliere Lorenzo Ghiberti.

All'inizio del XV secolo Firenze è diventata un importante centro dell'arte italiana. Paolo Uccello ha raggiunto un alto livello di padronanza nella resa della prospettiva lineare. Donatello, allievo del Ghiberti, creò la prima scultura di nudo autoportante e statua equestre dai tempi dell'antica Roma. Filippo Brunelleschi trasferì lo stile rinascimentale nell'architettura, Fra Filippo Lippi e suo figlio Filippino dipinsero eleganti quadri su temi religiosi. L'abilità grafica della scuola pittorica fiorentina fu sviluppata da artisti del XV secolo come Domenico Ghirlandaio e Sandro Botticelli.

Alla fine del XV - inizio del XVI secolo. tre maestri eccezionali si sono distinti nell'arte italiana. Michelangelo Buonarroti, la più grande delle figure del Rinascimento, divenne famoso come scultore (Pietà, David, Mosè), pittore che dipinse il soffitto della Cappella Sistina e architetto che progettò la cupola di San Pietro. Pietro a Roma. I dipinti di Leonardo da Vinci dell'Ultima Cena e della Gioconda sono tra i capolavori dell'arte mondiale. Raffaello Santi nelle sue tele (Madonna Sistina, San Giorgio e il drago, ecc.) incarnava gli ideali di affermazione della vita del Rinascimento.

La fioritura dell'arte a Venezia venne più tardi che a Firenze, e durò molto più a lungo. Gli artisti veneziani rispetto ai fiorentini erano meno associati certa direzione, ma sulle loro tele si può sentire l'ebollizione della vita, la saturazione emotiva e un tripudio di colori, che ha fornito loro una gloria immutabile. Tiziano, il più grande degli artisti veneziani, arricchì notevolmente la pittura applicando una scrittura libera con una pennellata aperta e il più fine cromatismo colorato. Nel XVI secolo insieme a Tiziano, Giorgione, Palma Vecchio, Tintoretto e Paolo Veronese dominò la pittura veneziana.

Principale maestro italiano del XVII secolo. fu lo scultore e architetto Giovanni Lorenzo Bernini, che realizzò il disegno del colonnato nella piazza antistante la Cattedrale di S. Pietro, così come molte sculture monumentali a Roma. Caravaggioi Carracci ha creato importanti nuove tendenze nella pittura. La pittura veneziana conobbe un breve periodo di ascesa nel XVIII secolo, quando lavorarono il paesaggista Canaletto e il creatore di dipinti decorativi e affreschi Giovanni Battista Tiepolo. Tra gli artisti italiani del XVIII-XIX secolo. spiccano l'incisore Giovanni Battista Piranesi, divenuto famoso per i suoi dipinti delle rovine dell'antica Roma; lo scultore Antonio Canova, che operò in stile neoclassico; un gruppo di pittori fiorentini, esponenti della corrente democratica in pittura italiana 1860-1880 - Macchiaioli.

L'Italia ha dato al mondo molti pittori di talento e nel XX secolo. Amedeo Modigliani divenne famoso per i suoi nudi malinconici con i caratteristici volti ovali allungati e gli occhi a mandorla. Giorgio de Chirico e Filippo de Pisis hanno sviluppato le tendenze metafisiche e surrealiste nella pittura che hanno guadagnato popolarità dopo la prima guerra mondiale. Molti artisti italiani, tra cui Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Cerverini, appartenevano al movimento futurista in voga negli anni '10-'30. I rappresentanti di questa tendenza ereditarono in parte la tecnica cubista e forme geometriche regolari ampiamente utilizzate.

Dopo la seconda guerra mondiale, una generazione più giovane di artisti si è rivolta all'arte astratta alla ricerca di nuove strade. Lucio Fontana, Alberto Burri ed Emilio Vedova ebbero un ruolo chiave nella rinascita postbellica della pittura italiana. Hanno gettato le basi per quella che in seguito fu chiamata "l'arte della povertà" (arte povera). Recentemente Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi e Francesco Clemente hanno ottenuto riconoscimenti internazionali.

Tra i più importanti scultori italiani moderni, spiccano lo svizzero Alberto Giacometti, famoso per le sue opere in bronzo e terracotta, Mirko Basaldella, che crea monumentali composizioni astratte in metallo, Giacomo Manzù e Marino Marini. In architettura, Pier Luigi Nervi è famoso soprattutto per l'utilizzo di nuovi principi ingegneristici nella costruzione di stadi, hangar per aerei e fabbriche.

Musica.

A partire dal IV sec. dC, quando S. Ambrogio introdusse lo stile greco nel canto in chiesa in Occidente, l'Italia iniziò a guidare la creazione e lo sviluppo di nuove forme vocali. Fu qui, grazie all'opera di Pietro Casella, amico del sommo poeta Dante Alighieri, che nacque il madrigale. Questa forma raggiunse il suo massimo sviluppo nel XVI secolo. nei madrigali lirici ed emozionali di Luca Marenzio, che ricordano le opere dissonanti del compositore Carlo Gesualdo di Venosa. In zona musica da chiesa L'Italia del Rinascimento ha dato al mondo uno dei più grandi compositori, Giovanni Pierluigi de Palestrina, le cui messe e mottetti sono ancora usati come perfetti esempi di abilità musicale.

L'arte musicale italiana raggiunse il punto più alto del suo sviluppo principalmente nell'opera. Probabilmente la prima opera fu Daphne di Jacopo Peri, scritta nel 1594. Insieme ad un'altra opera di Peri, Euridice, servì da impulso all'opera del grande Claudio Monteverdi, divenuto poi famoso per i suoi celebri madrigali. In Orpheus, Monteverdi ha creato per la prima volta un dramma musicale veramente moderno. Da quel momento, l'opera è stata la forma dominante di arte musicale in Europa per più di 100 anni, con compositori italiani che hanno dato il tono.

L'opera italiana raggiunse il suo apice nel XIX secolo. I grandi compositori all'inizio di questo secolo furono Gioacchino Rossini, che divenne famoso Barbiere di Siviglia e Semiramide, ei suoi contemporanei Gaetano Donizetti e Vincenzo Bellini. A metà del XIX secolo iniziò una nuova ondata di musica operistica. Giuseppe Verdi ha dimostrato maestria in capolavori drammatici come Rigoletto, La Traviata, Aida e Otello. Alla fine del XIX - inizio del XX secolo. il realismo nell'opera raggiunge il suo più alto stadio di sviluppo nelle opere di Pietro Mascagni (Onore nazionale), Ruggero Leoncavallo (Pagliacci), Umberto Giordano (André Chenier) e Giacomo Puccini (La Boheme, Tosca, Madama Butterfly). Sebbene gli italiani preferiscano ancora le famose opere del passato, la popolarità delle opere moderne sta gradualmente crescendo. Tra i migliori compositori d'opera 20 ° secolo nota Ildebrando Pizzetti (Clitennestra e Ifigenia); Franco Alfano (dott. Antonioi Sakuntala); Pietro Canonica (sposa corinzia di Medea); Luigi Dallapiccola (Prigioniero) e Goffredo Petrassi (Cordovano).

Il Teatro dell'Opera di Roma e La Scala di Milano, dove vengono messi in scena spettacoli d'opera, hanno guadagnato fama mondiale. Insieme a molti teatri d'opera in Italia, sono sovvenzionati dallo Stato. Magnifiche stagioni liriche si svolgono a Napoli, Palermo, Venezia, Firenze, Bologna e Torino. Durante l'estate, spettacoli all'aperto organizzare nelle Terme di Caracalla a Roma, nell'antica arena romana a Verona, nel castello Sforzesco a Milano, circa. San Giorgio di Venezia e al Teatro Mediterraneo di Napoli. L'Italia ha dato al mondo molti eccezionali cantanti lirici tra cui i tenori Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Tito Skipa, Mario del Monaco, Carlo Bergonzi e Luciano Pavarotti; i baritoni Antonio Scotti, Tito Gobbi e Giuseppe Taddei; i bassi Ezio Pinza e Cesare Siepi; i soprani Adeline Patti, Amelita Galli-Curci, Renata Tibaldi, Renata Scotto e Mirella Freni; mezzosoprano Cecilia Bartoli.

Gli italiani hanno mostrato talenti musicali non solo nell'arte dell'opera. Hanno agito come innovatori anche in altre aree della musica. Nell'XI secolo il monaco Guido D "Arezzo inventò un sistema di notazione musicale (compresi i segni chiave), che divenne il precursore della moderna alfabetizzazione musicale. Lo sviluppo della musica strumentale in Occidente fu notevolmente facilitato dal lavoro del compositore rinascimentale Andrea Gabrieli e di suo nipote Giovanni Gabrieli Nel XVII secolo Girolamo Frescobaldi arricchì la musica organistica Arcangelo Corelli e Antonio Vivaldi ne furono i creatori genere musicale concerto grosso, Alessandro Scarlatti ha posto le basi armoniche musica sinfonica, e suo figlio Domenico Scarlatti ne fu uno dei fondatori gioco virtuoso sul clavicembalo.

I direttori d'orchestra italiani hanno svolto un ruolo di primo piano nella vita musicale moderna. Arturo Toscanini e Victor de Sabata sono stati tra i migliori direttori della prima metà del XX secolo. Nel 1992, tre dei cinque incarichi di direttore d'orchestra più prestigiosi erano ricoperti da italiani: Claudio Abbado a Berlino, Riccardo Caili ad Amsterdam e Riccardo Muti a Filadelfia. Carlo Maria Giulini (nato nel 1914) raggiunse l'apice di questa professione.

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Firenze

• Introduzione;
• Cronologia delle principali tappe storiche, periodo romano;
• XIII secolo:
  Architettura: gotico francese in Italia;
  gotico italiano;
  La scultura, da Nicola Pisano ad Arnolfo di Cambio;
• Mutamenti architettonici e urbanistici tra XIII e XIV secolo;
• Firenze e Siena nel XIV secolo:
  Cimabue e Duccio;
  Giotto;
  Simone Martini ei fratelli Lorenzetti;
• Firenze nella seconda metà del secolo;
  Tracce di gotico internazionale.
• Brunelleschi e la rivoluzione della prospettiva:
  Tre padri del Rinascimento italiano: Brunelleschi, Donatello, Masaccio;
• Primo Rinascimento:
  Firenze nella prima metà del XV secolo;
• Firenze nella seconda metà del XV secolo:
  Uomini d'arte alla corte di Lorenzo il Magnifico, Botticelli;
• Leonardo Da Vinci
• Raffaello e Michelangelo

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Milano

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Milano

Il programma del corso si compone di due parti:

• Lezioni teoriche che introducono gli studenti alla storia d'Italia e alla storia dell'arte italiana, con particolare attenzione ai periodi legati alla storia di Milano;
• Lezioni all'aperto organizzate nella parte finale del corso. Lo scopo di queste lezioni è l'approfondimento delle sezioni del corso che sono di particolare interesse per gli studenti; visitare le bellezze culturali di Milano

Durante le lezioni vengono utilizzati materiali audio e video. Periodi dell'arte, caratteristiche principali e opere chiave (pittura, scultura, strutture architettoniche, ecc.). I materiali didattici sono integrati da illustrazioni, video, registrazioni audio e altri materiali.

Esempio di programma:

• Dalle tribù celtiche all'impero romano: i primi insediamenti di culto e l'arrivo dei romani. Reperti archeologici dell'epoca dell'Antica Roma; analisi dei primi centri urbani. Analisi di tre stili architettonici sull'esempio della Basilica di San Lorenzo;
• Dalla Milano paleocristiana alla fondazione di un Comune: Sant'Ambrogio, le culture cristiane e l'invasione longobarda. Basilica di San Simpliciano e Sant'Ambrogio: analisi e caratterizzazione dello stile romanico;
• La Milano medievale e la Signoria Visconti: una cronologia dell'albero genealogico della dinastia dei Visconti;
• Milano e i suoi monumenti medievali come Piazza dei Mercanti e la Basilica di Sant'Eustorgio;
• Caratteristiche generali dell'architettura gotica e dei monumenti gotici di Milano come Piazza San Marco e il Duomo;
• Dinastia Sforzesca e Rinascimento: Corte Sforzesca e Castello Sforzesco.
  Analisi e caratteristiche dell'inizio del Rinascimento a Firenze. Rinascimento a Milano sull'esempio dell'analisi del lavoro di architetti, sculture, artisti milanesi, tra cui Filarete e Bramante, nonché monumenti architettonici come la Chiesa di Santa Maria delle Grazie, Santa Maria e San Satiro;
• Leonardo da Vinci: vita e opere, periodo della vita a Milano: storia e analisi del dipinto "L'ultima cena", capolavoro unico del grande maestro;
• Influenza spagnola: periodo manierista, Caravaggio, Carracci e Rubens.
  Analisi e caratterizzazione dell'architettura barocca: Chiesa di S. Alessandro, Palazzo Parino, Palazzo del Senato, Casa Omenoni e Palazzo Durini;
• Influenza francese e austriaca: Maria Teresa d'Austria e la riforma di Napoleone Bonaparte;
• Architettura neoclassica: Palazzo di Brera, Palazzo Reale, Teatro alla Scala, Foro Bonaparte, Parco Sempione, Villa Reale, Arco della Pace;
• Restaurazione, Rinascimento, Regno d'Italia: Restaurazione Austriaca e Guerra d'Indipendenza italiana, epoca garibaldina;
• rivoluzione industriale. Analisi Eclettica: Cimitero Monumentale, Galleria Vittorio Emanuele;
• Fascismo e razionalismo: Mussolini e l'architettura fascista a Milano (Piacentini). Stile Liberty.
  Analisi delle principali caratteristiche del razionalismo. Muzio e Gio Ponti: Stazione Centrale, Piazza San Babila, Palazzo di Giustizia

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Roma

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Roma

Introduzione a Roma, la Città Eterna:

Antica Roma:
- Foro Romano (Foro Romano);
- Palatino (Palatino);
- Fori Imperiali;
- Colosseo;
- Campidoglio

Roma medievale:
- Trastevere;
- Santa Maria in Trastevere;
- Basilica di Santa Cecilia;
- Santa Maria in Cosmedin e "Bocca della Verità";
- San Clemente

Vaticano:
- San Pietro;
- Piazza San Pietro;
- Musei Vaticani

Barocco:
- Gian Lorenzo Bernini - Piazza Navona, Obelisco dell'Elefante, Santa Maria sopra Minerva;
- Francesco Borromini - Sant'Ivo alla Sapienza;
- Michelangelo Merisi da Caravaggio - San Luigi dei Francesi, Sant'Agostino e Santa Maria del Popolo;
- Galleria Borghese

Razionalismo del Quartiere Romano:
- EURO

Roma moderna:
- Ara Pacis;
- Auditorium

Una vacanza a Roma è un'affascinante introduzione alla storia e all'arte della Città Eterna, una grande varietà di attrazioni culturali e luoghi di interesse.

Il nostro corso di storia dell'arte a Roma è una grande opportunità per conoscere la città facendo molte scoperte storiche e culturali. Il programma del corso inizia con una panoramica epoca classica studiare la creatività scrittori antichi e luoghi che sono giunti fino ai nostri giorni.
La tappa successiva è il cristianesimo, il primo periodo di intenso sviluppo della città: lo studio delle opere arte religiosa nelle chiese e nei monasteri locali.
I partecipanti al corso potranno apprezzare gli straordinari capolavori dell'epoca barocca e rococò che adornano le piazze e le strade della città.
L'ultima parte del corso sarà dedicata alle opere d'arte e architettura dopo il 1870, quando Roma divenne capitale d'Italia.

Il corso di storia dell'arte a Roma comprende lezioni in aula e tour della città. Il programma è concepito come un'intera serie di emozionanti viaggi con obiettivo principale- Conoscenza delle meraviglie e dei monumenti di Roma.

La prima parte del corso si svolge in aula: lezioni con testi, illustrazioni e mappe, introducono alla storia di Roma.

Roma, Passato Imperiale: Questa parte del corso esamina siti del periodo classico, come il Foro Romano, il Colosseo e il Pantheon, illustrando l'evoluzione politica e culturale di Roma dal periodo dell'Impero alla Repubblica.

Roma paleocristiana e medievale (IV-III secolo): chiese e monasteri che divennero l'incarnazione visiva della religione cristiana, architetture, mosaici, affreschi e pale d'altare realizzati da artisti come Cavallini, Torriti, Rusuti e altri.

Roma rinascimentale (secoli XV e XVI): capolavori di Michelangelo, Raffaello e Bramante, visite a chiese e palazzi dove sono custoditi (ad esempio la Basilica Vaticana e Villa Farnesina, oltre a nuove aree urbane dell'epoca, come Piazza Campidoglio e via Giulia.

Roma barocca (XVII e XVIII secolo): trionfo della fantasia delle fontane, palazzi e chiese costruiti da Bernini e Borromini e dai loro seguaci, Piazza Navona, Piazza del Quirinale e Piazza di Spagna.

Roma capitale (1870) e Roma sotto il fascismo: un'analisi del periodo in cui Roma si trasformò in una moderna capitale con strade e piazze spaziose. Più tardi, sotto Mussolini, Roma riacquistò il suo ruolo centrale di simbolo della cultura classica: ne troverete testimonianza nello studio dell'Eur e del Foro Italico.

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Siena

Il programma del corso "Storia dell'arte italiana" a Siena

Gli studenti stanno aspettando un emozionante viaggio nel mondo arte classica e la conoscenza del lavoro di eccezionali artisti, scultori, architetti italiani che hanno vissuto e lavorato a Siena, la perla della Toscana, dove oggi sono custoditi con cura numerosi capolavori.
Le lezioni in aula sono integrate da passeggiate in città ed escursioni

Programma del corso:

Medioevo
Cultura romantica e gotica. Influenza della Francia e del Nord Europa. Architettura religiosa e profana: Firenze, Siena, Pisa, Venezia.
Chiese e palazzi comunali. Esempi locali di abbazie come Sant'Antimo e San Galgano.
Nicola e Giovanni Pisano, Pulpiti a Pisa, Siena, Pistoia: dall'antichità al gotico. Cimabue, Giotto, Duccio e la tecnica dell'affresco. Basilica di San Francesco ad Assisi.

Dipinto senese del XVI secolo
Il dopo Duccio: Simone Martini, i fratelli Lorenzetti e il Rinascimento fiorentino.
L'importanza della scuola pittorica senese in Italia.

rinascita
Firenze, XV secolo. Brunelleschi, Donatello, Masaccio, Jacopo della Quercia, fratelli della Robbia. I grandiosi edifici del Battistero e del Duomo. Esplorare la prospettiva e la vita artistica nelle città europee. . La padronanza della prospettiva e la direzione artistica della citta in Europa. tribunali italiani.

Esempi di arte rinascimentale
Italia: Mantova, Urbino, Milano, Pienza
Influenza sull'arte del Papa e dei mecenati. Cresce la fama di artisti, scultori, architetti.
Nuove tecniche: tela, olio, stampa. I geni di Michelangelo, Raffaello, Leognardo, Tiziano.
L'antichità e la natura come fonte di ispirazione.

Manierismo
Crisi del Seicento in architettura, scultura e pittura. Giorgio Vasari, Pontormo, Domenico Beccafumi, Giambologna.

Arte italiana

Architettura.- Italiano. l'arte ha origine nei monumenti dei primi secoli del cristianesimo e nelle memorie dell'arte del mondo antico. La diversità dell'architettura romanica, che ha preceduto il gotico, si è espressa nella conservazione della forma dell'antica basilica cristiana (il Duomo di Pisa, S. Minyaso a Firenze) e nell'uso della forma bizantina (il Duomo di San Marco a Venezia, a croce greca con cinque cupole). Inoltre, le decorazioni che erano utilizzate solo all'interno del tempio vengono trasferite alle parti esterne, alle pareti e alle colonne. In questa direzione già nell'XI secolo. gestisce una scuola sorta in Toscana. Le crociate portarono a conoscere la brillante civiltà dell'Oriente, e in quel momento le forme architettoniche dell'Oriente penetrarono nell'Occidente, per esempio. l'arco è a sesto acuto ea forma di ferro di cavallo, colonne di forma più snella, ecc. Pertanto, lo stile "di transizione" precede lo stile gotico. L'antica basilica cristiana rimane il tipo canonico nell'architettura religiosa in Occidente per cinquecento anni, ma subisce una serie di modifiche. La basilica più antica sopravvissuta fino ai tempi moderni è la Cattedrale di S. Paolo a Roma, costruito nel 386. Il monumento è puramente bizantino. stile - la chiesa di S. Vitalius a Ravenna, costruita durante il regno degli Ostrogoti. Gotico lo stile nasce in Italia con lo sviluppo degli ordini mendicanti e passa qui dalla Germania. Gli Italiani, chiamando questo stile Gotico, ne indicarono così l'origine barbarica. Infatti, sebbene l'arco a sesto acuto fosse già utilizzato nello stile moresco, fu sviluppato in Germania, e prima di trasferirsi in. Italia, lo stile gotico si è già diffuso e affermato al Nord. Gli architetti italiani non si preoccupavano della purezza del nuovo e lo usavano solo principalmente come aiuto. Per la prima volta trovò applicazione nella costruzione di una chiesa sopra la tomba di Francesco d'Assisi nella sua terra natale ad Assisi. In questo periodo, in quasi tutte le città d'Italia, venivano erette chiese monastiche francescane e domenicane. Il Duomo di Padova è un interessante esempio della volontà di coniugare l'impianto gotico con le tanto amate cupole bizantine, come la cattedrale greca di S. Marco a Venezia. Nello stesso genere compaiono nel XIII secolo. le splendide cattedrali di Firenze, che la Repubblica volle rendere le più maestose di tutte; il duomo di Milano, tutto di marmo bianco e anch'esso di proporzioni colossali; cattedrali a Siena, Orvieto e alcuni altri edifici secolari: a Firenze - Palazzo Vecchio e Loggia de Lanzi; a Venezia - i palazzi del Doge e Cà-d "oro; a Siena Palazzo publico, ecc. Nel XV secolo l'alba del Rinascimento invase tutta l'Italia e si rifletteva un nuovo sguardo audace e luminoso sulla vita e sulla natura principalmente nell'architettura Lo stile gotico ha ceduto Stile rinascimentale. Il ritorno ai modelli antichi trovò un inimitabile interprete nell'architetto Filippo Bruneleschi, che realizzò, tra l'altro, la celebre cupola del Duomo fiorentino.

1. Il nucleo della colonna della chiesa di Alosta. 2. Chiesa cattolica a Dresda. 3. Il nucleo della colonna del Palas Municippal di Parigi. 4. Cartiglio nello stile di Luigi XV. 5. Padiglione del Trianon a Versailles. 6. Cartiglio del Palazzo del Louvre. 7. Ornamento. 8. Galleria a Dresda. 9. Ornamento.

IN primo periodo Rinascimento, l'ordine corinzio gode di una preferenza speciale, i cui capitelli, tuttavia, variano di volta in volta. L'architettura dei palazzi si sviluppa dall'architettura dei castelli medievali: stravagante e lussuosa, corrispondente al carattere peculiare e all'ampiezza della vita feudale. Nella maggior parte dei casi vengono utilizzate arcate con sottili colonne corinzie. Le gallerie aperte sono liberamente depositate sulle stesse colonne o pilastri. Tutte le opere di questo periodo portano il segno della giovinezza. La libertà dell'immaginazione, che ha scacciato l'oppressione della paura mistica, è particolarmente evidente negli ornamenti decorativi, in numerose opere di raffinata architettura, come, ad esempio. lapidi, altari, pulpiti. Trovato ovunque applicazione gratuita motivi classici. Firenze - "culla belle arti Qui, più che altrove, si raggiungeva la perfezione in tutte le arti. Strade e piazze fermano lo sguardo quasi ad ogni passo. L'arte fiorì non solo nella città stessa, ma anche nei castelli e nei monasteri sparsi sui colli e nelle valli oltre le mura della città. Il grandioso edificio di Firenze - il Duomo di Santa Maria del Fiore, fu costruito nel corso di 176 anni. È coronato dalla menzionata cupola del Bruneleschi. La cupola è ottagonale e il suo diametro supera il diametro della cupola di San Pietro da un intero sazhen.La cattedrale è decorata con magnifiche opere scultoree: Bandanelli, Donatello , Ghiberti, ecc.La bellissima chiesa fiorentina di Santa Croce funge da pantheon dei grandi fiorentini.Dante, Michelangelo, Galileo , Machiavelli e molti altri riposano qui, una rupe, i palazzi dei Medici, Tornabuoni (ora Corsi), ecc. decorato con un magnifico colonnato. Infine, vediamo la piena espressione dello stile rinascimentale in Palazzo Pitti, costruito secondo il progetto del Bruneleschi. A Siena - Palazzo Piccolomini, a Pavia - la famosa Certosa.

1. Palazzo Pesaro a Venezia. 2. Capoluogo della Certosa presso Pavia. 3. Ghirlanda di frutti - Sansovino. 4. Capoluogo della Certosa presso Pavia. 5. Il cortile di Palazzo Borghese a Roma.

Gli architetti più famosi la cui attività risale a questo secolo, pur appartenendo in parte al Cinquecento, sono Michelozzo, Alberti, Giuliano e Antonio de Sangallo, Rossellino, Giuliano e Benedetto da Mayano, Simone Cronacca e altri.

In Lombardia il suo stile si sviluppa lentamente e raggiunge una sorta di grandezza sotto i sovrani della famiglia Sforza, sotto l'influenza del Bramante, di Urbino. Stile veneziano differisce non tanto per grandezza quanto per l'originaria mescolanza di influenze orientali, meridionali italiane, gotiche e bizantine. Questo stile è caratterizzato da ornamenti lussuosi, ad esempio una ricca selezione di materiali. marmi policromi, ecc., e la bellezza dei dettagli invece della grandezza colossale e della grandiosità delle strutture fiorentine e di altre. Fine del XV e inizio XVI v. segnato in architettura dall'attività del Bramante. Fu uno dei primi famosi maestri che Papa Giulio II attirò a Roma da tutta Italia; il trasferimento del Bramante alla corte pontificia segna l'inizio del fiorente periodo del Rinascimento. Roma diventa il centro di tutte le arti. L'età di Giulio II è l'età di Pericle per I. art. Questa è un'età dell'oro, su tutte le creazioni di cui c'è un'impronta classica, dovuta al fatto che le antiche tradizioni in questo momento sono studiate a fondo e non solo servono come esempi di arte, ma entrano nella vita stessa. Lo splendore del Rinascimento si manifesta nell'architettura secolare, nei palazzi sorprendenti nelle loro proporzioni, nei ricchi ornamenti, nei portici, nei colonnati, nei monumenti funerari eretti dal papa e dai funzionari di alto rango durante la sua vita, ecc. Bramante possiede la Cancellena Palazzo, con cortile, circondato da colonne. Secondo il suo progetto, la Cattedrale di St. Petra in una nuova forma. Questa costruzione continuò sotto la direzione di Raffaello e Peruzzi, e infine culminò nella famosa cupola - la creazione di Michelangelo. All'interno, la cattedrale impressiona, indipendentemente dalle sue dimensioni, con pilastri, decorazioni a mosaico e abbondanza di luce; dall'esterno attira l'attenzione con la bellezza della forma a cupola. Bramante ha informato lo stile di severità, correttezza e fermezza del Bruneleschi. Il suo stile, pur conservando una vivida espressione del moderno sentire e comprendere la bellezza delle forme, nello stesso tempo va oltre nel senso di ravvivare lo spirito antico e, allontanandosi dall'eccessiva fantasia decorativa, con la sua correttezza e semplicità, arriva più vicino all'architettura dell'antica Roma nell'era della sua prosperità. Bramante possiede anche il piano di Casa Santa, a Loretto. Il successore di Bramante, Balthazar Peruzzi (1481-1536), costruttore della Villa Farnese (Farnesina), è un seguace stretto del maestro. Inoltre, Raffaello, pittore geniale, ha lasciato un segno anche nell'architettura; completò le logge vaticane e compose, pur non avendo il tempo di terminare, un proprio progetto per la Cattedrale di S. Peter. Infine, Michelangelo creò la massiccia cupola di questa cattedrale. Per tutto il XVI secolo sulle opere d'arte risiede il carattere della nobiltà classica e della rigorosa bellezza. La metà del secolo è il periodo di massima fioritura dell'architettura a Roma. Nel resto del secolo l'architettura conserva l'impronta della grandiosità e della perfezione per quanto riguarda la regolarità delle forme, ma verso la fine del secolo si fa meno ardita, e nello stesso tempo si nota un declino dell'originalità creativa e della forza. La volontà di mantenere il senso della proporzione e il rigore delle proporzioni e di salvare il gusto dalla degenerazione e dal deterioramento si trova in un trattato scritto dall'architetto Vignola (cfr. resp. articolo). Tuttavia, I. architetti del XVI secolo. diventare i legislatori d'Europa. Lo stile di Andrea Palladio è ampiamente utilizzato e sviluppato in quasi tutta Europa, grazie alla sua profonda comprensione dei modelli antichi, alla chiarezza e correttezza delle forme e alla nobiltà dello stile, pieno di semplicità e grandiosità. I successori di Palladio continuano a lavorare nella stessa direzione e lottano a lungo con l'afflusso di un nuovo stile. Barocco. Quest'ultimo, rappresentando in sostanza una distorsione nel senso di esagerazione e confusione di forme e ornamenti, durante il XVII secolo. prevale, invece, in tutta Europa. Ha esordito nell'Alta Italia. I fiorentini Ammanati, Vasari (discepoli di Michelangelo in tal senso) e il veneziano Scamozzi gli diedero una singolare grandezza e su poco tempo ha raggiunto il meglio del suo tempo. Nel XVIII sec. cercano di allontanarsi da queste esagerazioni e tornare a modelli classici, ma ciò è ostacolato dal declino della creatività, dalla povertà e dalla freddezza dell'immaginazione e del sentimento. A quel tempo, l'influenza di Francia e Inghilterra, dove è in atto il rinnovamento, sta aumentando. Il classicismo continua a svilupparsi in questi paesi, terminando all'inizio del XIX secolo. In Italia, parallelamente a questo movimento, l'influenza del Rinascimento è più pronunciata che in altri paesi. Allo stesso tempo, lo stile gotico non perde i suoi aderenti, e il Duomo di Milano finisce in questo stile nel 1813, dagli architetti Amati e Zanoia. Il corretto sviluppo dell'arte nel secolo attuale è stato ostacolato dalla frammentazione dell'Italia in piccoli possedimenti e dal dominio degli stranieri. Con la fine del dominio austriaco, l'attività architettonica è notevolmente ripresa. Dal 1865 Milano si è adornata di numerosi edifici, tra cui la magnifica Galleria Vittorio Emanuele con annessi edifici eretti da Giuseppe Mengoni, un bellissimo cimitero, ecc. A Torino, Palazzo Carignano, Palazzo dell'Industria (costruito dal Carrera), magnifico sinagoga (Antonelli) sono in costruzione. A Firenze il Palazzo Fenni e altri, Bologna si adorna di Piazza Cavour, il bel Palazzo Sylvani, in stile rinascimentale, e la Banca Nazionale. Numerosi restauri ispirano gli ultimi artisti con lo spirito dell'antica grandezza. Allo stesso tempo, l'ampio sviluppo dell'industria, soprattutto a Genova, provoca la costruzione di porti, palazzi industriali ed edifici. Qui, Via Romana, la Galleria Mazzini, Corso Solferino e l'austera maestosità del Campo Santo suscitano sorpresa. A Napoli, la passeggiata a mare è lussuosamente decorata con edifici. In seguito all'occupazione di Roma da parte dei re italiani. truppe, la febbre edilizia copre la città eterna; si posano nuove strade, l'uscita al Tevere dal Corso è il monumento a Vittorio Emanuele in Campidoglio; su V da Santa Maria Maggiore, un intero nuova città, con vie disposte secondo tutte le regole dell'architettura più recente, e con edifici grandiosi, come il Palazzo di Giustizia, l'edificio del Ministero delle Finanze, il Policlinico del Podestà, il Teatro di Prosa, la Banca Nazionale, l'Acquario, le chiese , eccetera.

Scultura. Dopo il fiorire dell'arte cristiana, I. scultura del VI secolo. cadere piuttosto che progredire. Gli artisti si limitano a intagliare Avorio, la fabbricazione di gioielli in oro e argento, ecc. A Roma, l'arte del mosaico in marmo è stata conservata fin dai tempi antichi e ne sono decorati muri, pavimenti, colonne, ecc .. In generale, l'inizio dei 1000 anni era segnata da un declino del gusto, della comprensione e della tecnologia, caratteristica del tempo precedente. Tutto doveva essere acquistato prima. Questo declino è testimoniato dai monumenti sopravvissuti di questo periodo: le facciate delle cattedrali di Modena e Ferrara, il battesimale di Parma e Pisa. Ovunque troviamo immagini di figure immobili, insensibili, pose innaturali, tratti del viso privi di espressione, pieghe innaturali dei vestiti, ecc. Solo a metà del XIII secolo. l'ascesa dell'arte in Toscana è notevole. Niccolò Pisano fu il primo a manifestare desiderio di verità e vitalità delle immagini. studiando monumenti antichi e allo stesso tempo, osservando i fenomeni della natura, ottenne risultati sorprendenti per l'epoca e diede impulso allo sviluppo della scultura. Campioni del suo lavoro sono nel Battista di Pisa. Suo figlio, Andrea Pisano, è andato anche oltre il padre; la sua porta in ferro del battesimale di Firenze può essere considerata un'opera che da tempo non ha eguali. Nel desiderio di realismo grezzo di suo padre, ha introdotto la moderazione, il gusto e la semplicità. Lo studio della natura attraverso l'osservazione e l'esperienza diventa il filo conduttore di un'intera scuola di artisti del XIV secolo, e su questa base nel XV secolo. stanno crescendo numerosi grandi talenti, creandone molti opere scultoree. Monumento celebre di questo periodo fu la porta del Battesimale fiorentino, opera del Ghiberti, opera di stile molto espressivo, ulteriore sviluppo dovuto a Donatello. Lucca della Robia, pur senza allontanarsi dalla natura, introdusse nelle sue opere l'ingenuità e l'ideale tenerezza dei suoi predecessori e maestri. Da allora si notano due correnti: alcune seguono l'indirizzo strettamente naturalistico della scuola di Donatello, altre si avvicinano alla Robia. Nella scultura e nella pittura, così come nell'architettura, la Toscana, e in particolare Firenze, è la culla del Rinascimento. La ragione di ciò va vista nel fatto che Firenze, nella lotta del papato e degli imperatori per il possesso dell'Italia, fin dall'inizio del Medioevo, conservò l'indipendenza di una repubblica democratica. La natura bella e abbondante della Toscana ha contribuito allo sviluppo e all'arricchimento del paese. Libertà e ricchezza vi vanno di pari passo, ei cittadini più ricchi (i Medici e altri) diventano mecenati delle scienze e delle arti. Qui ebbe luogo la rivoluzione pacifica del Rinascimento nella persona degli umanisti. Ma la scienza precede l'arte. Dal dialetto della Toscana, Dante ha creato un linguaggio nazionale fresco ed espressivo. La passione risvegliata per la ricerca ha portato a un riavvicinamento con la natura, e le opere degli umanisti hanno lasciato il segno dell'antico mondo pagano in tutta l'epoca. A Firenze iniziarono le aspirazioni creative di Michelangelo, che si conclusero già nel nuovo centro dell'arte, a Roma, sotto gli auspici e il mecenatismo dei papi Giulio II e Leone X. Infatti, nel XIV e anche nel XV secolo, la scultura era quasi esclusivamente dedicato alle immagini della chiesa, e solo con il revival letteratura classica I. l'arte si libera da questa esclusività e comincia ad assumere soggetti storici o tratti dall'allegoria e dalla mitologia. Petrarca, intriso di un desiderio per la natura, abita già nei dintorni di Firenze con un intero mondo di creature mitiche create dalla sua fantasia nello spirito del mondo antico. Le sue immagini erano un'espressione delle sue simpatie e aspirazioni contemporanee, ma erano lontane dalla natura circostante. Nuove idee si riflettevano nella scultura. Le opere di Giovanni Rustici, Andrea e Jacopo Sansovino da Ferrara, Antonio Bocharelli da Modena e Giovanni da Nolli costituiscono un passaggio verso una nuova direzione. Infine, alla fine del XV secolo, regna su tutti il ​​Michelangelo fiorentino. Ha dato l'immagine più perfetta del corpo umano in tutta la sua bellezza, varietà e potenza. Il Rinascimento è talvolta chiamato l'era della "scoperta dell'uomo". La vita interiore, l'anima, il carattere di una persona diventa l'obiettivo principale della riproduzione, ma l'espressione richiede una tecnica basata su una conoscenza accurata. Pertanto, i geni del secolo, come Michelangelo e Leonardo da Vinci, lasciano volentieri lo scalpello e il pennello per il coltello anatomico, e nel silenzio monastico, sotto gli auspici di persone forti e nobili, contrariamente alla superstizione imperante, la dissezione dei cadaveri comincia. La scienza è debitrice agli artisti per molte opere in questo e in altri campi correlati. Quindi, Leonardo da Vinci ha lasciato la ricerca sul volo degli uccelli, ecc. Anche la matematica e l'astronomia sono incluse nel circolo di studio, fornendo motivi per il successo dell'architettura, dell'ingegneria e dell'arte e della meccanica militare. Gli antichi vedevano ovunque e sempre un corpo vivente; nel Rinascimento tornò alla ribalta la bellezza del corpo, come elemento principale nell'arte, ma i vestiti interferivano già con l'occhio dell'artista. Allo stesso tempo, le idee del cristianesimo portavano alla comprensione di una bellezza diversa, che andava cercata e trovata nella persona della Madonna, il Salvatore, in immagini bibliche e nelle sofferenze dei martiri. Una bellissima statua in marmo conosciuta come La pietà, - un monumento al soggiorno di Michelangelo a Roma e, allo stesso tempo, un monumento dell'epoca. La Santa Vergine siede su una pietra; sulle sue ginocchia riposa il corpo esanime di Cristo, deposto dalla croce; lo sostiene con la mano. Tutta Roma si meravigliò di quest'opera. Secondo Vasari, anche gli scultori antichi non raggiunsero tale perfezione. I calchi in gesso del corpo del Salvatore furono inviati a varie scuole e accademie. Un'altra opera di Michelangelo, una colossale statua del David in marmo, fu chiamata "Il Gigante" e per tre secoli ornò Piazza Oignoria. Nel 1873 fu sostituito con uno in bronzo e l'originale in marmo fu trasferito all'Accademia. Inoltre, dalle opere di Michelangelo, sono famosi gli "Schiavi", "Mosè", "Notte" e altre statue nella tomba dei Medici e molte figure che ancora adornano edifici e chiese a Roma, Firenze, Bologna e altre città. Già i predecessori di Michelangelo avevano aperto la strada alla libera scelta dei soggetti, e nel Cinquecento non restava che seguire la strada dei pionieri pisani e soprattutto di Donatello. In questa direzione sono interessanti le opere dei citati contemporanei di Michelangelo - Rustici, Andrea e Jacopo Sansovino. Quest'ultimo possiede le colossali statue di Marte e Nettuno sullo scalone dei giganti di Palazzo Ducale a Venezia. Gli studenti ei migliori successori di Michelangelo - Ugo della Porta, Benvenuto Cellini, Tribolo e altri.Il suo rivale tra i suoi contemporanei, Baccio Bandinelli, ne fu inconsapevolmente influenzato. Nel 17 ° secolo la sensualità altamente sviluppata e la ricerca della vistosità fanno deviare gli artisti dalle leggi della plasticità e la maggior parte di loro cade nel manierismo e nella raffinatezza. Le posture diventano innaturali, lente; nei lineamenti si avverte l'artificialità, la costrizione; l'eccesso di decorazioni sostituisce la semplicità, ma allo stesso tempo si trovano spesso ricchezza di fantasia, leggerezza di contorno, raffinatezza di decorazione. Le opere eminenti di questo secolo sono quelle di Alessandro Algardi, di Bologna, e Lorenzo Bernini, di Napoli. Entrambi erano famosi architetti allo stesso tempo. Il primo appartiene al bassorilievo a Roma: "Il ritorno di Attila", nella Cattedrale di S. Peter; il secondo, in una serie di numerose opere, è il gruppo di S. Teresa in Santa Maria della Vittoria. Le carenze del nuovo stile erano impresse in modo particolarmente vivido sulle statue di Sammartino, Corradini e Queirolo nella cappella di S. Maria della Pietà de Sangri, a Napoli. La mancanza di gusto in queste opere si unisce alla perfezione tecnica. Un'eccezione alla generale corruzione del gusto è St. Cecilia nell'omonima chiesa di Roma, opera di Stefano Maderno, e S. Andrea nella Cattedrale di S. Petra, di Fiammingo. A metà del XVIII secolo. ritorno ai vecchi schemi. Il veneziano Antonio Canova fu il primo a restaurare I. plastica. L'influenza di lui e Thorvaldsen si estende in tutta Italia, e così sorgono due scuole. Ai primi appartengono Barudzi di Imola, Finelli di Carrara, i romani Tadolini e Finelli; al secondo - il più significativo Pietro Tenerani da Carrara, che, a sua volta, fonda una numerosa scuola. Più indipendente, anche se non esente dall'influenza del Canova, è il toscano Lorenzo Bartolini, che unì nel suo lavoro uno studio rigoroso della natura e dell'antiquariato. Vanno annoverati gli scultori più talentuosi dei tempi moderni: i lombardi Tantardini (1879), Vela, Tabaqui e Monteverdi, la cui maniera si distingue per una veridicità insolitamente reale.

Pittura.- In realtà la pittura è preceduta in Italia da un mosaico. È stato ampiamente utilizzato dall'XI secolo, grazie ai maestri bizantini in visita. Nel XIII sec. si notano deboli tentativi di creatività autonoma, e alla fine di questo secolo Cimabue rivela già qualche creatività individuale. Ci sono segni di vita e movimento nelle sue figure e teste sostitutive; una certa varietà viene introdotta negli abiti, ma la composizione generalmente non si discosta dallo stile primitivo. Il capostipite di uno stile più lifestyle è Giotto di Bondone. Ha ampliato la gamma dei compiti dell'arte e, abbandonando l'ieratica immutabilità nel campo delle forme, ha trovato il proprio modo di esprimere la vita, attraverso il quale ha intrapreso un nuovo percorso realistico. Inoltre, nelle sue opere si nota la capacità di utilizzare l'allegoria, l'inizio di idee storiche e un ritratto. Ha anche apportato un cambiamento nella tecnica dei colori, a seguito della quale i dipinti hanno vinto nell'illuminazione, sono diventati più chiari, più accoglienti, in contrasto con i precedenti, di colore scuro e con un carattere cupo. L'attività di Giotto non si limitò a Firenze, ma si diffuse in tutta Italia. La sua influenza sui suoi contemporanei fu enorme. Il suo stile e le sue maniere si riflettevano in quasi tutti gli artisti del XIV secolo. Molti dei suoi contemporanei e studenti portarono la loro individualità nell'arte e la pittura cessò di andare esclusivamente per imitazione della precedente. Ci sono scuole di vario genere. Tra gli allievi di Giotto, Taddeo Gaddi occupa il primo posto. Tra coloro che ovviamente hanno risentito molto della sua influenza, spiccano Orcagna e altri, tra cui Lorenzo Monaco, l'ultimo eminente rappresentante scuola di Giotto, si colloca a cavallo del XV secolo. In questo secolo c'è il desiderio di armonizzare la forma con la natura e la perfezione tecnica. I primi passi in questa direzione li compie Uccello a Firenze. Andarono oltre: Masaccio, che con un attento studio della natura e nuove tecniche di chiaroscuro evitò l'antica spigolosità delle immagini e fece progressi nella pittura anche in relazione alla composizione; Fra Filippo Lippi, che si è adoperato per una rappresentazione fedele dei fenomeni della vita, e Beato Angelico da Fiesole, nelle cui opere i volti riflettono la vita spirituale. La rappresentazione di un profondo sentimento religioso nei tratti delle persone rappresentate diventa l'esigenza ideale del secolo. Invece di queste aspirazioni spirituali, nella pittura continua a prevalere il desiderio di avvicinarsi il più possibile alla natura. La conoscenza della pittura delle Fiandre è una sorta di scuola, soprattutto per quanto riguarda la tecnica artistica. Così vengono creati bellissime opere Sandro Botticelli, Filippino Lippi e altri Il successo della scuola fiorentina nella sua ricerca del vero realismo, quando l'arte diventa un riflesso diretto della vita reale del loro paese natale e del loro tempo, è particolarmente chiaramente espresso nelle opere di Benozzo Gotzoli e Domenico Ghirlandaio. Parallelamente alla scuola fiorentina, impegnata con le immagini di S. Scrittura, e in cui il ritratto, l'abbigliamento e in parte il paesaggio servono come principali mezzi ausiliari, nasce una scuola in cui il corpo e la sua anatomia diventano oggetto di sviluppo. Luca Signorelli è riconosciuto come il più felice in questa direzione. Molti, alla ricerca di campioni di gusto rigoroso e perfetto, tornano all'antichità classica. L'artista padovano Francesco Squarcione, viaggiando attraverso l'Italia e la Grecia, raccoglie resti e campioni di opere antiche e poi apre una scuola a Padova, attirando numerosi studenti. Andrea Mantegna viene da questa scuola. Ha studiato con zelo l'anatomia, la prospettiva, le opere degli antichi, la loro arte di disporre i vestiti e utilizzare vari attributi. Le sue opere mostrano una corretta comprensione della natura e un desiderio di fedeltà storica. Infine, Pietro Perugino, il caposcuola umbro, con tutta una galassia di imitatori e allievi più o meno vicini a lui, chiude il secondo periodo del fiorire delle arti in Italia. Una peculiare trasmissione di uno stato d'animo ingenuo-religioso, purezza soprannaturale e chiarezza spirituale è passata alla generazione successiva di artisti e si è riflessa nel genio di Raffaello. Allo stesso tempo, Perugino ha già introdotto elementi antichi nelle sue immagini. I suoi martiri e altri eroi del cristianesimo sono gli eroi della Grecia e di Roma, non del Medioevo. I "profeti" del Perugino sono tali che la domanda è se abbia mai aperto la Bibbia. Così, l'inizio del XVI secolo. caratterizzato da una forte ascesa della pittura, grazie a numerosi talenti e all'emergere di scuole in Toscana, Umbria, Bologna, Ferrara, Padova, Venezia, ed altre, ma l'arte è ancora lontana dalla perfezione, dalla completezza della tecnica e dall'integrità di rappresentanza. Raggiunge la piena fioritura con la formazione di un centro a Roma, sotto il patrocinio dei papi Giulio II e Leone X, grazie all'impegno di alcuni geniali maestri. Leonardo da Vinci, con la sua Ultima Cena e altre opere, segnò l'inizio di una nuova era. Michelangelo e Raffaello lo seguono. Questi tre geni si distinguono per versatilità, comprensione della natura, profonda animazione e correttezza del disegno, basati su una conoscenza accurata e sull'osservazione dal vivo. Raggiungono la perfezione nel rappresentare il corpo in ogni sorta di giri e pose, senza perdere la profondità e l'ingenuità del sentimento religioso. La rivalità tra Raffaello e Michelangelo segna un periodo nella storia dell'arte che verrà ricordato in tutto il mondo. Michelangelo scambiò lo scalpello con un pennello per volere di Giulio II. Decise di premiarsi mettendo in quest'opera tutta la sua energia e ampiezza di pensiero, utilizzando i mezzi del papa e lo spazio messo a sua disposizione sulle pareti e sul soffitto della Cappella Sistina. Gli affreschi che ha creato qui sono diventati davvero il punto di partenza di una nuova direzione artistica. Rimandando per i dettagli ad altri articoli (Michelangelo, Cappella Sistina), si segnala solo questo pittura ad affresco(a partire dal XIV secolo) da allora si è ampiamente sviluppato. A causa dell'umidità, i dipinti impallidirono presto, scomparvero o si coprirono di macchie. Solo l'energia e l'instancabile curiosità di Michelangelo trovarono i mezzi per superare gli ostacoli e aprire anche qui una nuova strada all'arte. Ma il più brillante di tutti nel Rinascimento è Raffaello. L'amore per le forme corporee rischiava di trasformarsi in una passione frenetica, in un rozzo culto della sensualità. Il tatto innato e l'estro geniale hanno aiutato Raphael a raggiungere un incredibile senso delle proporzioni in questo senso. Ha creato tipi in cui la perfezione fisica è stata coronata dalla nobiltà morale. L'immagine rigorosa e pura della Madonna è un soggetto prediletto del suo pennello. Il culto della bellezza ha trovato completa soddisfazione in questa storia; Il simbolismo cattolico ha lasciato il posto all'ideale della donna e della madre. Una caratteristica essenziale del Rinascimento è senso sviluppato individualità. Questo tratto ha trovato espressione nel ritratto. Quest'ultimo è penetrato anche in dipinti di contenuto religioso e storico. Nel dipinto "La risurrezione di Cristo", scritto per la chiesa francescana e ora nella Pinacoteca Vaticana, Raffaello, sotto le spoglie di due guardie dormienti, raffigurò se stesso e il Perugino. Nell'affresco raffigurante la Religione (Disputa), negli uomini più vicini all'altare, che discutono appassionatamente di dogmi, si riconoscono i ritratti di Dante, Savonarola e Bramante. Il potere della chiesa rimane l'idea dominante e si manifesta in dipinti e affreschi. D'altra parte, i dipinti testimoniano la dipendenza del genio dai concetti e dalle tendenze del suo tempo. Così, nell'affresco principale, da cui prende il nome la sala in Vaticano, Raffaello ha raffigurato "La cacciata di Iliodoro dal tempio" (3 ° capitolo, 2 libri dei Maccabei) a Gerusalemme. I nemici derubano il tempio; Geova li mette in fuga; il popolo guarda con timore e gioia al miracolo, ma tra la folla compare, tra lo stupore dello spettatore, Giulio II, che i drabanti portano nel tempio. Ovviamente il quadro fu dipinto con lo scopo di glorificare papa Giulio II, la sua vittoria sui francesi e la liberazione quasi miracolosa dalla prigionia di Bologna, nel 1509.

Raffaello è seguito dai suoi contemporanei e allievi, i cui nomi formano, per così dire, via Lattea gloria i.arte. Correggio divenne famoso per la sua padronanza del chiaroscuro. Ha usato i colori con straordinaria abilità, riproducendo i toni più delicati e introducendo una grazia e una bellezza peculiari soprattutto nell'immagine del corpo. A Venezia, Tiziano raggiunse una potente espressione di carattere e la sua colorazione divenne per la maggior parte degli artisti un ideale irraggiungibile di vitalità e calore. Altri famosi pittori del Rinascimento - Fra Bartolomeo e Andrea del Sarto, a Firenze, Palma Vecchio, a Venezia, Luini - a Milano. Tra gli allievi di Raffaello, il primo posto è occupato da Giulio Romano. Degli allievi di Michelangelo, il principale è Danielo da Volterra. Il Correggio trovò nel Parmigianino un degno imitatore. Fra Sebastiano del Piombo - rivale di Michelangelo nella pittura - il migliore degli studenti del predecessore di Tiziano, Giorgione. Lo stesso Tiziano ebbe pochi allievi, ma molti imitatori, come, ad esempio, Bonifacio Veneziano e Buonvicino.

Iniziando con metà del XVI v. la caduta di I. la pittura è già evidente, e più va avanti, più diventa sempre più forte. Il periodo di massimo splendore è seguito da un periodo imitativo. I tratti individuali dei maestri geniali sono trasformati dai loro imitatori in impotenza e manierismo; sì, fascino ingenuo bellezza femminile L. da Vinci degenera in dolcezza e civetteria leziosa. Molti famosi maestri, con tutta la perfezione della loro tecnica e la riuscita approssimazione ai modelli, mancano del senso delle proporzioni, la prima condizione per la bellezza e la seria dignità. La scuola veneziana conserva quest'ultima per lungo tempo. Tra i suoi maestri spiccano nella seconda metà del XVI secolo. Tintoretto e Paolo Veronese. L'invasione di nuove idee protestanti e la lotta contro il cattolicesimo ha portato dubbi nelle menti e nei cuori e ha minato in molti modi l'antica fede ingenua e l'ideale di bellezza. Coloro che rimasero fedeli alle loro opinioni precedenti iniziarono a cadere dal principio nell'esagerazione. Un monumento alle aspirazioni di quest'epoca per ricreare antichi ideali sono alcune immagini di natura severa, in uno stile strettamente religioso: Mater dolorosa, Cristo nella corona di spine, ecc. Baroccio e altri dietro di lui, per esempio. i fiorentini Cigoli, Allori, da Empoli, tentano di arrestare la caduta, ma non giungono alla meta, pur lasciando dietro di sé opere di bellezza nel colore e nel disegno. I più riusciti nella ricerca della rinascita dell'arte sono i Caracci a Bologna. Lodovico Caracci basava le sue aspirazioni, da un lato, sullo studio diretto della natura, dall'altro, sul tentativo di unire i meriti di diversi maestri; da Raffaello ha preso in prestito l'arte della composizione e dell'espressione, da Michelangelo - disegno e movimento, da Correggio - l'arte del chiaroscuro, da Tiziano - tecnica della pittura e del pennello. Fondò l'Accademia di pittura, che allevò molti famosi maestri: Domenichino, Guido Reni, Tverchino e altri.Accanto a questa e ad altre scuole simili, c'è parallelamente una tendenza puramente naturalistica, riconoscendo la natura come unica base dell'arte. Il capo dei naturalisti è Amérigi da Caravaggio. Grazie alla sottile intuizione e all'esecuzione magistrale, ha creato opere insolitamente vitali ed espressive. Alcuni dei suoi dipinti fanno un'impressione ripugnante, poiché, secondo il principio di fedeltà alla natura, non si è tirato indietro prima di rappresentare fenomeni anche brutti e brutti. Tuttavia, trovò numerosi seguaci in Italia, tra cui Ribeira, Bartolommeo Manfredi (Mantova), Stancioni e Baccaro (Napoli), Bernardo Strozzi (Genova) e Domenico Feti (Roma). Dalla metà del XVII secolo fino alla metà del XVIII secolo. l'arte continua a marciare irresistibilmente sulla via della degenerazione. Tra i numerosi artisti di questo tempo, che stanno cercando di far risorgere le tradizioni estinte dello spirito religioso, spicca un piccolo gruppo, seguendo il percorso tracciato da Caravaggio. Il capo di questo gruppo è Salvator Rosa. Gli artisti di questo tempo, non raggiungendo l'antica grandezza, possiedono individualmente l'una o l'altra qualità. I migliori monumenti di questo periodo sono gli affreschi di L. Giordano nel Palazzo Medici-Ricardi, a Firenze (1632), e del Tiepolo, nel Palazzo Labia, a Venezia. Le opere, anch'esse impareggiabili, sono di Grimaldi, Canaletto e del suo allievo Francesco Guardi. Poi, dal campo del genere, sebbene in generale non abbia mai avuto una distribuzione significativa in Italia, ci sono notevoli quadri di battaglia Anniello Falcone e Kerkvozzi. - Giovanni Benedetto Castiglione dipinse magnificamente un paesaggio con figure di persone e animali. Mario de Fiori - fiori; ma né l'uno né l'altro di questi artisti raggiunsero la perfezione dei maestri scuola olandese. Dei pittori storici nel XVIII secolo. solo Buttoni si distingue, ma non ha lasciato nulla che sarebbe rimasto un monumento per sempre. Anche di poca importanza sono artisti del XIX v. Alcuni di essi sono presi a modello dagli ex ecletticisti della scuola del Caravaggio e altri.Tra i rappresentanti di questo gruppo, Vincenzo Camuccini, a Roma, è notevole. Altri cercano appoggio nella scuola francese del David, come Andrea Appiani a Milano e Pietro Benvenutto a Firenze. Alcuni, come Francesco Cochetti (1804-1875), ad esempio, appartengono alla scuola tedesca, che all'inizio del secolo portò a Roma una tendenza romantica. Roma, Milano, Venezia, Napoli rimangono i centri dell'arte in Italia, e ciascuno di questi punti sviluppa una propria scuola più o meno peculiare di pittura storica o ecclesiastica. L'influenza tedesca ebbe origine principalmente nel famoso acquarellista Karl Werner, a Venezia. Questa influenza diede origine a numerose opere di pittori di genere, tra i quali giunsero alla fama Giacomo Favreto, Alessandro Zezzos, Ettore, Tito Conti, Antonio, Rotta, Egisto, Lanceroto, Luigi Mion. Nel resto d'Italia si aggiunsero Angelo dell'Eca (Bianca Verona) e gli austriaci Eugene Blaas, Tsetsil von Gaonen. Il paesaggio è stato sviluppato da Gulielmo Ciardi, Fragiacomo, Bezzi, Laurenti, famoso per la sua produttività Mainella e altri.Pittura a Napoli, nelle opere di Domenico Morelli e due Palizzi, rappresentanti del realismo nell'arte, che hanno lavorato molto in Oriente , ha ricevuto uno sviluppo più indipendente. La generazione più giovane si è affermata in particolare con la freschezza dei colori, soprattutto in termini di genere, spesso con una direzione francese; il posto principale qui appartiene ad Alberto Passini, che lavora a Parigi. Dei milanesi si distinguono per la forza espressiva e la freschezza del colore di Filippo Carcano. Leonardo Bazzaro, Adolfo Feragutti, P. Marianni e G. Sartori. Sono imparentati con i torinesi, capeggiati dal Gastaldi; oltre a lui si possono citare Enrico Gamba, Mosso, Viotti, Deleani, Quadroni e altri.Il milanese G. Segantini supera gli altri per maestria negli effetti di luce e profondità di contenuto. In generale, la pittura indiana moderna si distingue per una grande perfezione tecnica, a volte a scapito del contenuto; ma la sua direzione, a quanto pare, sta cambiando, e in essa, a poco a poco, si nota un desiderio di profonda riflessione sugli argomenti e di trasferimento dell'essenza interiore di oggetti e fenomeni.

Il periodo dell'Alto Rinascimento rappresenta l'apice del Rinascimento, il culmine di tutta questa grande cultura. La sua lunghezza cronologica è piccola e copre solo circa tre decenni. Tuttavia, anche in termini quantitativi - in termini di abbondanza e vastità di monumenti d'arte creati in quel momento, per non parlare del loro più alto livello artistico e del loro colossale significato storico, si potrebbe dire di questi decenni che valgono altri secoli.

Con il cambiamento della scala del mondo è cambiata anche l'idea della scala dell'uomo stesso: le sue azioni reali e le sue azioni audaci hanno confermato, se non superato, molte delle previsioni degli umanisti, la loro valutazione delle sue capacità. È vero, l'Italia poteva solo contribuire spiritualmente a questa "scoperta del mondo" - l'attuazione molto pratica di questo compito, così come la ridivisione di questo mondo, era già toccata alla sorte di altri stati. Inoltre, forse, per nessun altro paese europeo, gli esiti delle Grandi scoperte geografiche furono così tragiche nelle loro conseguenze come lo furono per l'Italia. Ma allo stesso tempo è stata l'Italia, di tutti i paesi d'Europa, a rivelarsi il più preparato a esprimere tutta la complessità e la gigantesca scala. esistenza storica di quest'epoca. L'arte italiana dell'Alto Rinascimento era principalmente un'espressione artistica della realtà storica dell'Italia stessa, ma, in quanto massima incarnazione della cultura del suo tempo, era anche un'espressione della realtà storica in un ambito più ampio e globale. Per risolvere i problemi posti dall'era a venire, il tipo stesso di artista doveva prima di tutto cambiare, perché gli orizzonti dell'artista del XV secolo, nella sua posizione sociale e visione sociale ancora in gran parte associati alla classe di artigiani, erano troppo limitati per questo. I grandi maestri del XVI secolo hanno dato un esempio di un nuovo tipo di artista: una persona creativa attiva, libera dalle precedenti piccole restrizioni corporative, che possiede la pienezza dell'autocoscienza artistica e capace di far fare i conti con se stessi ai potenti di questo mondo . Queste sono persone di grande conoscenza, che possiedono la totalità delle conquiste della cultura del loro tempo.

L'insieme delle condizioni complesse di questo periodo storico ha avuto un impatto sulla formazione delle basi dell'Alto Rinascimento italiano, sulla formazione della percezione figurativa dei suoi artisti, sulla struttura visiva delle loro opere. Dal periodo precedente - l'arte del Quattrocento - le loro immagini differiscono principalmente per la loro scala maggiore. Esternamente, ciò si manifesta nel fatto che, insieme alla distribuzione incomparabilmente maggiore di opere di grandi forme in architettura, pittura e scultura rispetto al XV secolo, compaiono anche immagini di dimensioni straordinarie, esempi delle quali sono il "David" di Michelangelo e le sue enormi figure di profeti e sibille nella pittura del soffitto della Cappella Sistina. Si amplia anche la scala degli stessi complessi architettonici e artistici (i più famosi sono il Belvedere Bramante, le Stanze vaticane di Raffaello, la volta Sistina di Michelangelo) e le dimensioni dei singoli composizioni pittoresche, affresco e cavalletto, soprattutto pale d'altare. Ma la nuova comprensione della scala è collegata non solo alla dimensione: anche le piccole tele di Leonardo e Raffaello si distinguono per una visione diversa, più ampia, quando ogni immagine porta l'impronta di una grandezza speciale. Questa qualità è indissolubilmente legata ad un'altra importante caratteristica dell'arte dell'Alto Rinascimento: la generalizzazione del linguaggio artistico. La capacità di vedere la cosa principale in ogni cosa, la cosa principale, senza essere soggetta a particolari, si riflette nella scelta dell'argomento, nella costruzione della trama, e in un raggruppamento chiaro e distinto di figure, in una descrizione esterna e interna generalizzata dei personaggi. Il coscienzioso empirismo di molti quattrocentisti fu finalmente superato; il loro pathos di studio analitico della natura in tutti i suoi dettagli ha lasciato il posto a un potente impulso sintetico, estraendo la loro stessa essenza dai fenomeni della realtà. Il desiderio di sintesi, di generalizzazione, si riflette già nel fatto che nelle opere dei maestri dell'Alto Rinascimento, a differenza del Quattrocento, il posto principale è occupato da immagine collettiva una persona idealmente bella, perfetta fisicamente e spiritualmente. Ma i maestri del Rinascimento erano i meno inclini alla normatività astratta, a contrapporre le loro creazioni alla realtà. Al contrario, l'idealità delle immagini nella loro comprensione significava l'espressione più concentrata delle qualità della realtà stessa. Per non parlare degli eroi di un magazzino vividamente drammatico - anche in immagini piene di chiarezza armonica, ci si sente enormi forza interiore uomo, una calma coscienza del suo significato. In combinazione con una grande scala, queste qualità conferiscono alle immagini dell'Alto Rinascimento un carattere veramente titanico, quel grado di efficacia eroica, che l'arte del primo o del tardo Rinascimento non raggiunse mai.

Coprendo solo circa tre decenni, l'arte dell'Alto Rinascimento fa comunque molta strada. È proprio la particolare concentrazione della sua evoluzione, associata alla saturazione di questa fase storica con eventi di importanza decisiva, che spiega il contrasto tra immagini armoniche un po' più cameristiche all'inizio del periodo considerato e immagini monumentali immagini drammatiche, già segnata dal sigillo di conflitti irrisolvibili, al suo termine. La straordinaria "densificazione" dell'arte dell'Alto Rinascimento si riflette già nel fatto che è quasi impossibile trovare un altro esempio nell'intera storia dell'arte quando così tanti artisti geniali hanno lavorato contemporaneamente in un paese per un breve periodo storico. Basti citare maestri come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo a Firenze e Roma, come Giovanni Bellini, Giorgione e Tiziano a Venezia. Tra i maestri di minore scala troviamo nomi illustri come il pittore parmigiano Correggio, i fiorentini Fra Bartolomeo e Andrea del Sarto, i veneziani Palma Vecchio e Lorenzo Lotto, Savoldo e Moretto, che operò a Brescia, Savoldo e Moretto, non per citare molti pittori meno significativi. L'opera della maggior parte di questi maestri è stata rivelata nella sua interezza o nella sua parte principale durante il periodo in esame; alcuni di loro, e soprattutto Michelangelo e Tiziano, che hanno vissuto una vita molto lunga, catturano il successivo fase artistica- l'arte del tardo Rinascimento.

Come l'arte stessa dell'Alto Rinascimento, la teoria dell'arte di questo tempo è una sintesi su una nuova base delle conquiste del XV secolo e allo stesso tempo un nuovo salto qualitativo. Leonardo da Vinci è al centro della scena qui. Le sue idee, esposte nel famoso "Trattato della pittura" (il cui materiale fu preparato principalmente nel 1498 e presto si diffuse in elenchi), così come in molti altri suoi appunti, furono una vera e propria enciclopedia di idee teoriche e pratiche conoscenza del suo tempo. Per quanto riguarda i suoi predecessori, l'arte e la scienza per Leonardo sono inseparabili: questi sono i due lati del processo generale di conoscenza della natura. "E veramente", dice, "la pittura è una scienza e la figlia legittima della natura, poiché è generata dalla natura". La natura è la "maestra dei maestri" e il pittore deve essere suo figlio. Il soggetto della pittura è la bellezza delle creazioni della natura. La creazione più perfetta della natura è l'uomo, e negli appunti di Leonardo numerose sezioni sono dedicate allo studio del corpo umano, alla dottrina delle proporzioni, alle informazioni sull'anatomia, nel campo di cui la conoscenza di Leonardo era sorprendentemente profonda. Quindi stabilisce una relazione tra movimenti del corpo, espressioni facciali e stato emozionale persona. Leonardo presta molta attenzione al problema del chiaroscuro, della modellazione volumetrica, della prospettiva lineare e aerea. Nel campo della scultura, Michelangelo espresse idee profonde riguardo al rapporto tra l'immagine artistica e la materia. Ha anche avanzato l'idea del disegno come base formativa per tutti e tre i tipi di arti plastiche: scultura, pittura e architettura. Come prima, le questioni della teoria delle arti rimasero strettamente legate alle idee umanistiche. Nei primi decenni del Cinquecento una particolare attenzione nell'ambito del pensiero umanistico fu riservata al problema dell'uomo perfetto. Questo tema è stato considerato, da un lato, in termini di formazione di un tipo di persona diversificato fisicamente e spiritualmente (come lo sviluppò Baldassarre Castiglione nel suo trattato sul cortigiano ideale), dall'altro, in termini di analisi le norme di bellezza applicate alla bellezza fisica di una persona (questo lato è stato sviluppato da Firenzuola nel suo Trattato sulla bellezza delle donne).

L'Alto Rinascimento ha causato importanti cambiamenti nel rapporto tra le scuole d'arte locali in Italia. La culla di quest'arte, il luogo della sua origine e della formazione delle sue fondamenta fu Firenze. Qui Leonardo, Michelangelo e Raffaello iniziarono il loro cammino o si formarono come artisti. Ciò era del tutto naturale, perché l'arte di un nuovo palcoscenico non poteva che nascere sul suolo della più avanzata delle repubbliche italiane. Ma a cavallo tra il XV e il XVI secolo, Roma fu proposta come un altro importante centro del paese. Il fatto che la Roma si sia rivelata concentrata i migliori maestri L'Italia, e il fatto che l'arte di questi maestri sia apparsa qui in una nuova qualità aveva le sue ragioni specifiche. Si è detto sopra che nella loro politica i governanti dello Stato Pontificio differivano poco dai governanti secolari delle tirannie e dei principati italiani. Ma allo stesso tempo Roma era la capitale spirituale dell'intero mondo cattolico. Va ricordato che i confini di questo mondo erano a quel tempo molto più ampi che in seguito, e si estendevano a quasi tutto l'Occidente e Europa centrale, poiché la riforma della fine del XV secolo ha finora interessato solo pochi paesi. L'aspettativa di una risposta diversa e più ampia era quella di portare nelle creazioni degli artisti operanti a Roma una scala più ampia rispetto alla scala dei monumenti nei centri comunali d'Italia. Pertanto, per quanto monumentali siano gli edifici comunali e i palazzi delle famiglie più ricche di Firenze o Venezia, per quanto maestose siano le cattedrali di queste città - il palazzo papale in Vaticano e il tempio principale del mondo cattolico - la Cattedrale di San Pietro - sarebbe dovuto diventare ancora più grandioso. Riguarda non tanto per le dimensioni dei singoli edifici e degli insiemi artistici, ma per l'ampliamento dello stile stesso, per la nuova "scala interna" delle opere del Rinascimento romano. Questo cambio di stile è avvenuto a Roma tanto più organicamente perché qui, come in nessun altro luogo in Italia, il antica tradizione. I resti di antiche strutture riempivano il territorio della città; gli scavi hanno rivelato al mondo monumenti di scultura antica. Inutile dire che, con l'accresciuta sensibilità degli artisti rinascimentali verso tutto ciò che è antico, qualsiasi loro opera significativa nella Città Eterna è stata creata in confronto interno con i monumenti dell'arte antica. L'idea stessa di una struttura come la Cattedrale di St. Petra, poteva sorgere solo nella città dove si conservavano il Pantheon e il Colosseo.

Ma, sebbene Roma fosse il centro del cattolicesimo mondiale, opere d'arte, creati qui durante l'Alto Rinascimento, furono meno che mai i portatori dell'idea religiosa. La libertà degli artisti dall'oppressione religiosa si spiegava, oltre che con altri fattori comuni a tutto il Rinascimento, anche con il fatto che il ruolo sociale dell'arte in Italia era eccezionalmente grande, e lo stesso mecenatismo era quindi una delle forme più efficaci per quella volta. lotta politica corte pontificia per rafforzare la sua autorità. In sostanza, fu la Roma papale a dare il primo esempio di un ampio "sviluppo" statale di una nuova cultura nelle condizioni di uno stato autoritario, anticipando per certi aspetti la politica artistica dei monarchi delle maggiori potenze europee. Nacque così un fenomeno peculiare, quasi paradossale: fu il papato a fornire le sue colossali opportunità finanziarie e organizzative per l'espressione di idee umanistiche progressiste, che in sostanza portano la negazione del clericalismo reazionario. Questo stato di cose non poteva durare. La forza della crescente protesta degli strati democratici nella stessa Italia, il movimento di riforma in altri paesi costrinse i governanti spirituali d'Europa a definire più chiaramente le loro posizioni ideologiche, e alla fine degli anni '20 del XVI secolo, la Roma papale era a il capo della reazione politica e spirituale. Di conseguenza, la sua politica artistica fu ristrutturata, d'ora in poi si oppose sempre più risolutamente ai luminosi ideali del Rinascimento. Pertanto, rilevando l'importanza del contributo di Roma all'arte dell'Alto Rinascimento, va sottolineato ancora una volta che Firenze rimase una fonte altrettanto importante per la formazione di idee sociali progressiste, l'ambiente più favorevole per il loro emergere, che mantenne questo posizione fino al 1530, anno della tragica fine della Repubblica fiorentina. Solo nella duplice unità di Firenze e Roma, in una comprensione obiettiva del ruolo reale di ciascuno di questi centri, si può comprendere la natura complessa e contraddittoria della cultura dell'Alto Rinascimento nell'Italia centrale.

Il periodo del tardo Rinascimento che ha sostituito l'Alto Rinascimento ha portato una serie di importanti differenze qualitative rispetto alla fase precedente. La metà e la seconda metà del XVI secolo furono un periodo di crescente reazione pubblica. L'ulteriore declino dell'economia italiana nelle condizioni di dominio straniero, che si estese a gran parte del paese, fu accompagnato dalla liquidazione delle precedenti conquiste sociali. Il cattolicesimo romano ha risposto al movimento di riforma che si stava svolgendo in molti paesi d'Europa con la controriforma, che ha significato un forte aumento dell'oppressione della chiesa. La lunga crisi si impadronì non solo degli stati dell'Italia centrale, che gemevano sotto il tallone dei despoti italiani e stranieri, ma investì anche Venezia, che, essendosi fortemente indebolita, conservò tuttavia l'indipendenza statale, una parte considerevole della sua enorme ricchezza e la brillantezza dei suoi cultura. Questa crisi ha avuto pesanti ripercussioni anche sull'art. L'ideologia umanistica progressista che sorse sulla base democratica delle repubbliche urbane fu soppiantata in molti centri del paese dalla cultura di corte, i cui centri per la formazione erano le corti dei piccoli governanti assolutisti. Ma anche in queste difficili condizioni, le forze artistiche progressiste che rappresentavano la linea dell'arte rinascimentale realistica di questo periodo non furono affatto schiacciate. Venezia divenne il loro principale sostegno. Gli stessi motivi che prolungarono qui il periodo dell'Alto Rinascimento fino alla fine degli anni Trenta del Cinquecento contribuirono al fruttuoso sviluppo dell'arte veneziana del tardo Rinascimento. I nomi di Tiziano (nell'ultimo periodo della sua attività), Veronese, Tintoretto, Bassano e dei pittori bergamaschi e bresciani testimoniano un nuovo slancio nell'arte di questa parte dell'Italia settentrionale. Al contrario, la Toscana e lo Stato Pontificio (che comprendeva, in particolare, Parma) furono i principali centri di un'altra linea, essenzialmente antirinascimentale, rappresentata dall'arte del Manierismo. La perdita degli ideali umanistici, l'allontanamento dalla realtà nel mondo delle esperienze soggettive, la dipendenza dai circoli di corte reazionari hanno portato al fatto che nell'arte manierista sono emerse un senso di disarmonia, confusione interna, caratteristiche dell'arbitrarietà soggettivista - qualità che presto degenerano in uno sterile vuoto di immagini pretenziose e di maniera. Al di sopra della massa generale dei maestri dell'Italia centrale schiacciata dalla reazione artistica, si erge solo una figura titanica: Michelangelo Buonarroti, che per tutta la vita ha portato fedeltà ad alti ideali etici. Conservata la pienezza della sua attività creativa, ha saputo, in diverse condizioni storiche, delineare nuovi percorsi vari tipi arti plastiche - in architettura, scultura, pittura e grafica. Il suo lavoro successivo insieme all'arte dei maestri veneziani, costituisce un altro importante tassello della cultura artistica del tardo Rinascimento.

impegno successo creativo maestri progressisti del tardo Rinascimento non fu una mite adesione ai principi sviluppati durante il periodo precedente dell'arte rinascimentale, ma una loro attuazione profondamente creativa secondo i requisiti di una nuova fase storica. Avendo preservato le basi della visione del mondo rinascimentale: la fede nell'uomo, nel suo significato e nella sua bellezza, hanno invaso audacemente il suo mondo spirituale, rivelandolo in tutta la sua complessità e talvolta incoerenza. Dall'immagine di un individuo, si è passati all'immagine della squadra umana; in modo più ampio ed esteso, hanno mostrato la relazione attiva tra i personaggi e l'ambiente reale in cui operano. La realtà stessa ha ricevuto un'incarnazione più concreta nelle loro opere che nelle immagini idealmente generalizzate dei maestri dell'Alto Rinascimento. In accordo con questi compiti, hanno sviluppato nuovi mezzi artistici, nuove soluzioni visive.

Erano proprio queste qualità dell'arte del tardo Rinascimento ad essere particolarmente storicamente promettenti, poiché contenevano la formulazione iniziale di molti importanti principi dell'arte del successivo XVII secolo. L'arte dell'ultima fase del Rinascimento porta quindi i tratti della fase di transizione tra le due grandi epoche artistiche: il Rinascimento e il XVII secolo. Questa transitività è uno dei motivi per cui il termine "tardo Rinascimento" non è così comune nella scienza come i termini "primo" e "alto Rinascimento". Inoltre, in termini cronologici, la fine dell'intero Rinascimento non può essere determinata con sufficiente chiarezza. Una delle ragioni di ciò risiede nel fatto che nella seconda metà del XVI secolo si svilupparono una serie di tendenze nella lotta reciproca. Anche prima di entrare ultimi decenni"Nel XVI secolo i maggiori rappresentanti del tardo Rinascimento completarono il loro percorso creativo - nell'architettura di Palladio e nella pittura di Tintoretto - in Italia furono realizzati i primi campioni completati di opere del nuovo stile, che nella loro le caratteristiche erano già in linea con le principali tendenze del Seicento: già nel 1575 si fa riferimento alla costruzione della facciata barocca della Chiesa del Gesù a Roma (architetto Giacomo della Porta), e negli anni Novanta del Cinquecento l'arte dei fondatori dell'Accademia bolognese, i fratelli Carracci, che inizia negli anni Trenta del Cinquecento e termina alla fine del secolo, è ancora del tutto evidente che non è possibile ridurla solo a una fase transitoria, intermedia. L'arte italiana del tardo Rinascimento non aveva lo stesso orientamento generale che, nonostante il gran numero e la ramificazione delle scuole locali, distingueva l'arte del primo e dell'Alto Rinascimento. Fu durante questo periodo che per la prima volta nell'arte mondiale su così vasta scala emerse un netto antagonismo tra le tendenze artistiche progressiste e reazionarie. Ma né il dominio a lungo termine del Manierismo, né la prima formazione delle basi del Barocco e dell'Academicismo devono oscurare il fatto che durante la fase tarda del Rinascimento, il ruolo di primo piano rimase con la linea progressista, rappresentata dai nomi di Michelangelo, Palladio e dei grandi veneziani e che costituiscono la parte più preziosa del patrimonio artistico di questo palcoscenico. Nella loro arte si esprime abbastanza chiaramente sia il retroterra umanistico rinascimentale - anche dove appare in una tragica rifrazione - sia il successivo collegamento con l'Alto Rinascimento. Il periodo del tardo Rinascimento in Italia è un grandioso epilogo del tutto grande epoca Rinascimento.
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