DISEGNO COME RAPPRESENTATO: COMPOSIZIONE DA CORPI GEOMETRICI. GUIDA PASSO A PASSO. REVISIONE
Composizione volumetrica dei corpi geometrici. Come disegnare?
Una composizione di corpi geometrici è un gruppo di corpi di natura geometrica, le cui proporzioni sono regolate secondo la tabella dei moduli tagliati l'uno nell'altro e formando così un unico array. Spesso un tale gruppo è anche chiamato disegno architettonico e composizione architettonica. Sebbene la formazione della composizione, come qualsiasi altra produzione, inizi con un'idea di schizzo - in cui è possibile determinare la disposizione generale e la silhouette, il primo piano e lo sfondo, il lavoro deve essere "costruito" in sequenza. In altre parole, avere come inizio un nucleo compositivo, e solo allora, attraverso le sezioni calcolate, “acquisire” nuovi volumi. Inoltre, ciò consente di evitare difetti accidentali: dimensioni "sconosciute", rientranze troppo piccole, tagli ridicoli. Sì, dobbiamo immediatamente riservarci che argomenti sollevati da quasi tutti i libri di testo di disegno come "Organizzazione del posto di lavoro", "Varietà di colori, matite e gomme" e così via non vengano considerati qui.
Composizione di forme geometriche, disegno
Prima di procedere all'esercizio d'esame - "Composizione di forme geometriche tridimensionali", devi ovviamente imparare a rappresentare i corpi geometrici stessi. E solo dopo puoi andare direttamente alla composizione spaziale dei corpi geometrici.
Come disegnare correttamente un cubo?
Sull'esempio dei corpi geometrici, è più facile padroneggiare le basi del disegno: prospettiva, formazione di un disegno volumetrico-spaziale di un oggetto, schemi di chiaroscuro. Lo studio della costruzione di corpi geometrici non consente di essere distratti da piccoli dettagli, il che significa che consente di apprendere meglio le basi del disegno. L'immagine di primitive geometriche tridimensionali contribuisce a un'immagine competente di forme geometriche più complesse. Raffigurare con competenza l'oggetto osservato significa mostrare la struttura nascosta dell'oggetto. Ma per raggiungere questo obiettivo non bastano gli strumenti esistenti, anche le principali università. Quindi, sul lato sinistro, c'è un cubo, controllato nel modo "standard", ampiamente utilizzato nella maggior parte delle scuole d'arte, college e università. Tuttavia, se controlli un tale cubo usando la stessa geometria descrittiva, presentandolo in pianta, si scopre che questo non è affatto un cubo, ma è un corpo geometrico, con un certo angolo, probabilmente la posizione della linea dell'orizzonte , e i suoi punti di fuga ricordano solo.
Cuba. La sinistra è sbagliata, la destra è giusta
Non basta mettere un cubo e chiedere di raffigurarlo. Molto spesso, tale compito porta a errori proporzionali e prospettici, tra i quali i più famosi sono: prospettiva inversa, parziale sostituzione della prospettiva angolare con quella frontale, cioè sostituzione di un'immagine prospettica con una assonometrica. Non c'è dubbio che questi errori siano causati da un'incomprensione delle leggi della prospettiva. Conoscere la prospettiva aiuta non solo a mettere in guardia contro errori grossolani nelle primissime fasi di costruzione di una forma, ma stimola anche ad analizzare il proprio lavoro.
Prospettiva. Cubi nello spazio
Corpi geometrici
Qui vengono mostrate proiezioni ortogonali combinate di corpi geometrici, vale a dire: un cubo, una palla, un prisma tetraedrico, un cilindro, un prisma esagonale, un cono e una piramide. Nella parte in alto a sinistra della figura sono mostrate proiezioni laterali di corpi geometrici, in basso - una vista dall'alto o una pianta. Tale immagine è anche chiamata schema modulare, poiché regola le dimensioni dei corpi nella composizione raffigurata. Quindi, dalla figura si può vedere che alla base tutti i corpi geometrici hanno un modulo (il lato del quadrato), e in altezza i prismi cilindrici, piramidali, conici, tetraedrici ed esagonali sono pari a 1,5 cubi.
Corpi geometrici
Natura morta di forme geometriche: andiamo alla composizione per gradi
Tuttavia, prima di passare alla composizione, è opportuno completare un paio di nature morte costituite da corpi geometrici. Ancora più utile sarà l'esercizio “Natura morta di corpi geometrici in proiezioni ortogonali”. L'esercizio è abbastanza difficile, che dovrebbe essere preso con la dovuta serietà. Diciamo di più: senza comprendere la prospettiva lineare, sarà tanto più difficile padroneggiare una natura morta secondo proiezioni ortogonali.
Natura morta di corpi geometrici
Cornici del corpo geometriche
Inserti di corpi geometrici - questa è una disposizione così reciproca di corpi geometrici, quando un corpo entra parzialmente in un altro - si schianta. Lo studio delle variazioni di cornice sarà utile per ogni disegnatore, perché provoca l'analisi di una forma o dell'altra, architettonica o abitativa in egual misura. Qualsiasi oggetto raffigurato è sempre più utile ed efficiente da considerare dal punto di vista dell'analisi geometrica. I tie-in possono essere condizionatamente suddivisi in semplici e complessi, ma va notato che i cosiddetti "semplici tie-in" richiedono grande responsabilità nell'approccio all'esercizio. Cioè, per rendere il taglio esattamente semplice, dovresti decidere in anticipo dove vorresti posizionare il corpo tagliato. L'opzione più semplice è una tale disposizione quando il corpo è spostato dal precedente in tutte e tre le coordinate della metà della dimensione del modulo (cioè metà del lato del quadrato). Il principio generale di ricerca per tutti gli inserti è la costruzione di un corpo di inserto dalla sua parte interna, cioè l'inserto di un corpo, così come la sua stessa formazione, inizia con una sezione.
Piani di sezione
Composizione di forme geometriche, esercizio passo dopo passo
È opinione diffusa che la disposizione dei corpi nello spazio attraverso l'imposizione “caotica” delle loro sagome l'una sull'altra renda più facile e veloce la formazione di una composizione. Forse questo è ciò che spinge molti insegnanti a richiedere la presenza di un piano e di una facciata nelle condizioni degli incarichi. Quindi, almeno, l'esercizio è già presentato nelle principali università nazionali di architettura.
Composizione volumetrico-spaziale di corpi geometrici considerati per stadi
Chiaroscuro
Il chiaroscuro è la distribuzione dell'illuminazione osservata su un oggetto. Nella figura, si manifesta attraverso il tono. Il tono è un mezzo visivo che permette di trasmettere rapporti naturali di luci e ombre. È la relazione, poiché anche materiali grafici come il carboncino e la carta bianca di solito non sono in grado di trasmettere con precisione la profondità delle ombre naturali e la luminosità della luce naturale.
Concetti basilari
Conclusione
Va detto che la precisione geometrica non è insita nel disegno; Quindi, nelle università e nelle scuole specializzate, l'uso di un righello in classe è severamente vietato. Cercare di correggere il disegno con un righello porta a ancora più errori. Pertanto, è difficile sminuire l'importanza dell'esperienza pratica, poiché solo l'esperienza è in grado di allenare l'occhio, consolidare le abilità e migliorare l'estro artistico. Allo stesso tempo, solo con l'aiuto dell'esecuzione coerente dell'immagine dei corpi geometrici, dei loro reciproci inserti, della conoscenza dell'analisi prospettica, della prospettiva aerea, è possibile sviluppare le competenze necessarie. In altre parole, la capacità di raffigurare corpi geometrici semplici, la capacità di rappresentarli nello spazio, la capacità di collegarli tra loro e, non meno importante, con proiezioni ortogonali, apre ampie prospettive per padroneggiare forme geometriche più complesse, sia sono oggetti per la casa o una figura e una testa umane, strutture architettoniche e dettagli o paesaggi urbani.
Ogni disegno inizia con il posizionamento compositivo delle immagini su un foglio di carta. L'impressione generale dell'immagine dipende in gran parte da come è organizzata questa o quell'immagine. È necessario studiare il principio della disposizione degli oggetti su un piano.
Parola composizione tradotto dal latino, significa letteralmente redigere, legare, collegare parti. La costruzione di un'opera d'arte, per il suo contenuto, carattere e scopo, e che ne determina in gran parte la percezione. La composizione è il momento organizzativo più importante della forma artistica, dando unità e integrità all'opera, subordinando i suoi elementi gli uni agli altri e all'insieme. Nel processo di creazione di una composizione decorativa, il posizionamento e la distribuzione degli elementi pittorici avviene secondo un certo schema in una sequenza logica stabilita dall'autore. Mezzi grafici e tratti stilistici devono essere coordinati, subordinati all'insieme, senza dimenticare i dettagli che giocano un ruolo molto importante. ruolo importante.
In altre parole, la composizione è la corretta distribuzione degli oggetti su un foglio: la selezione dell'oggetto principale, il riempimento dell'intero piano del foglio, l'equilibrio dei bordi destro e sinistro, la presenza di un piano o idea comune. Prima che qualcosa possa essere disegnato, l'artista deve inventarlo.
1° consiglio:
Per creare una composizione emotiva e figurativa, è necessario osservare e vedere eventi, personaggi, motivi e diversi stati di natura interessanti nella vita circostante. Tutto ciò consente di costruire composizioni interessanti e originali.
2° consiglio:
Quando si sceglie un formato di composizione, è necessario tenere conto che:
Il formato allungato verso l'alto renderà l'immagine sottile e sublime;
Il formato orizzontale trasmette il senso della cornice, dell'ampiezza e dell'illimitatezza dello spazio;
Il formato quadrato è utilizzato al meglio per creare composizioni equilibrate e statiche;
Il formato ovale viene utilizzato per raffigurare un ritratto di una persona, poiché la sua configurazione è facilmente correlata all'ovale del viso o al contorno dell'immagine del torace;
In un formato rotondo, una composizione floreale o vegetale è ben disposta.
3° consiglio:
Evita i seguenti errori:
Non mettere nulla sull'orlo stesso del foglio, l'eccezione è un oggetto che parte dall'orlo del foglio ed è fatto in frammenti;
Gli articoli non devono toccare i bordi laterali e superiori del foglio;
Non disegnare tutto troppo piccolo;
Non fare le cose troppo grandi.
4° consiglio:
Ricorda le leggi della prospettiva. Sul piano del foglio sottostante è raffigurato un oggetto prospetticamente più vicino a noi. E quello che è più lontano da noi è più alto. COSÌ, più vicino - più basso, più lontano - più alto.
5° consiglio:
Quando lavori a colori, pensa alle leggi della prospettiva aerea. Evidenzia il centro della composizione con una macchia e un colore. Lavora in dettaglio sugli oggetti in primo piano ed evidenziali con colori più luminosi e ricchi, ma non più forti del centro della composizione. Più ci si avvicina alla linea dell'orizzonte, più la luminosità e il temperamento del colore si indeboliscono, diventa più freddo e trasparente. Scrivi piani lontani con colori bluastri, viola, blu, grigi, argentei.
6° consiglio:
Arrivare all'ultima fase del lavoro - generalizzazione, controllo:
È il centro della composizione evidenziato in colore o tono;
Il primo piano è stato elaborato in dettaglio?
È il primo piano evidenziato a colori;
Qualcosa esce dall'idea generale della composizione;
Le due parti del foglio composito sono bilanciate?
Si osservano le leggi della prospettiva aerea;
La composizione attira l'attenzione, è piacevole da guardare.
Una composizione correttamente costruita non può suscitare dubbi e sentimenti di incertezza. Dovrebbe avere una chiarezza visiva calmante delle relazioni, delle proporzioni.
Soggetto: Schemi di contrasto, sfumatura come mezzo per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile (punto 1.2.8).
Sequenza di esecuzione dell'attività:
Il foglio è condizionatamente diviso in due parti. Nella prima parte del foglio:
1. Eseguire una composizione grafica in bianco e nero sovrapponendo elementi semplici (forme geometriche) uno sopra l'altro utilizzando il contrasto di dimensioni e forma.
Riso. 29. Organizzazione dell'aereo utilizzando elementi simili
Riso. 30. Organizzazione dell'aereo con l'ausilio di elementi simili
Riso. 31. Modelli di metro e ritmo come mezzo per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile
Riso. 32. Modelli di metro e ritmo come mezzo per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile
Riso. 33. Modelli di metro e ritmo come mezzo per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile
2. Eseguire una composizione grafica in bianco e nero sovrapponendo elementi uno sopra l'altro utilizzando relazioni sfumate di dimensioni e forma.
Sulla seconda parte del foglio: creare una composizione figurativa utilizzando l'applicazione del contrasto o della sfumatura. La composizione deve essere chiaramente definita. Esempi di questo lavoro sono mostrati in (Fig. 34, 35, 36, 37).
Errori tipici:
il contrasto o la sfumatura non sono sufficientemente espressi in modo coerente. La composizione è al limite;
non c'è equilibrio di forme.
Materiali: Formato foglio A-3, carta colorata, colla vinilica, inchiostro, pennarello, forbici.
Riso. 34. Organizzazione del piano con l'ausilio di relazioni di contrasto e sfumatura
Riso. 35. Organizzazione piana con rapporti di contrasto e sfumatura
Riso. 36. Organizzazione del piano con l'ausilio di relazioni di contrasto e sfumatura
Riso. 37. Organizzazione del piano con l'aiuto di relazioni di contrasto e sfumatura
Scegli uno o due dei migliori schizzi e racchiudili in scatole le cui proporzioni corrispondono alle proporzioni del futuro disegno. Quindi, un foglio A-3 che misura 30 per 40 centimetri ha un puntello da 3 a 4. (Figura 172) Alla ricerca della composizione più riuscita del foglio, potrebbe essere necessario correggere il punto di vista e in alcuni casi anche fare modifiche all'impostazione stessa.
Quando componi il foglio, dovresti anche tenere conto della posizione delle superfici illuminate e in ombra, nonché dei confini delle ombre che cadono. Ricorda che il chiaroscuro può interrompere l'armonia compositiva di un disegno al tratto.
Fase 1
Figura 173 Iniziando un disegno su un foglio grande, prova a trasferire accuratamente su di esso la disposizione degli oggetti fissata nel miglior schizzo. Segna la posizione di ciascun corpo geometrico con linee chiare. Ancora una volta controlla le dimensioni dell'intera composizione, nonché la sua conformità con le dimensioni del foglio. Apporta le modifiche necessarie al disegno e continua a lavorare, affinando la dimensione di ciascun corpo geometrico in relazione ad altri corpi e all'intera composizione nel suo insieme.
Fase 2
Figura 174. Linearizzare tutti i corpi geometrici. Nel corso del lavoro, prestare particolare attenzione alla corrispondenza della divulgazione di quadrati ed ellissi che giacciono su piani orizzontali e verticali.
Fase 3
Figura 175. In questa fase, è necessario rafforzare quelle linee che sono più vicine allo spettatore, quindi creerai l'effetto della profondità dello spazio già nel disegno lineare-costruttivo. Segna le linee delle tue ombre e quelle che cadono e copri tutte le ombre con un tratto leggero.
Fase 4
Figura 176. Continuare a lavorare nelle ombre, rendendole più intense verso lo spettatore e la fonte di luce, e le ombre cadenti anche verso il soggetto che proietta l'ombra. Passa gradualmente a lavorare alla luce. Modellare con cura la forma utilizzando la conoscenza della distribuzione di luci e ombre sui corpi geometrici. Su superfici rotonde, crea transizioni di luci e ombre uniformi; su corpi formati da piani - nitidi e chiari.
Confrontando i toni chiari e scuri del gesso in natura, bisogna sforzarsi di trasmettere correttamente la loro relazione nel disegno, tuttavia, bisogna anche essere consapevoli di tecniche speciali che aiutano il disegnatore a creare un senso di spazio tridimensionale su un foglio piatto:
1. Separazione della scala tonale in parti di luce e ombra: nella figura, il punto più chiaro nell'ombra dovrebbe essere più scuro del punto più scuro nella luce, in altre parole, l'ombra dovrebbe essere sempre più scura della luce. In natura, non è sempre così. Ad esempio, quando una superficie sufficientemente illuminata si trova vicino alla produzione, i suoi riflessi in natura possono essere luminosi come la luce. Devono essere "smorzati" rendendoli più scuri, altrimenti distruggeranno la forma degli oggetti raffigurati nel tuo disegno.
2. "Prospettiva aerea". Questo fenomeno, che abbiamo già accennato, può essere osservato in natura a grandi distanze, quando gli oggetti molto lontani dall'osservatore appaiono meno contrastati a causa dello spessore del mezzo aereo, che indebolisce l'ombra e oscura la luce. Se la dimensione della produzione raffigurata è piccola, questo effetto non può essere osservato. È creato artificialmente nel disegno: i corpi geometrici in primo piano hanno un contrasto tra luce e ombra maggiore rispetto ai corpi sullo sfondo, mentre in natura la differenza di illuminazione dei piani vicini e lontani può essere quasi impercettibile.
Il compito principale di un disegno architettonico non è trasmettere lo stato di un oggetto, ma, se possibile, ver
nuova immagine della forma, creazione del volume. Ecco perché, quando disegniamo, non copiamo la natura, ma proviamo
cercando di vedere, selezionare e trasferire nel nostro lavoro solo alcune caratteristiche che ci aiutano a ri-
cucire questo compito.
Fase 5
Figura 177 Riassumi il disegno. Ancora una volta, segui attentamente la soluzione tonale delle superfici illuminate e in ombra. Nella fase finale, il pittore non lavora con un singolo oggetto, dettaglio, parte dell'immagine, ma contemporaneamente con l'intero foglio, raggiungendo l'integrità dell'opera, l'armoniosa subordinazione delle sue parti. Per fare ciò, se necessario, aumentare il tono delle superfici illuminate sullo sfondo e delle superfici in ombra in primo piano.
Capitolo 70
Capitolo 72
disegno in bianco e nero di corpi geometrici semplici 73
Capitolo 74
Disegno lineare-costruttivo di una composizione di corpi geometrici secondo la rappresentazione.
Fai uno schizzo della composizione, osservando le proporzioni date dei corpi geometrici (Fig. 178). Determina la natura generale della composizione futura, la posizione della linea dell'orizzonte, la direzione dei bordi orizzontali, i collegamenti principali. Ti avviseremo subito di un tipico errore che spesso viene commesso da chi lavora alla sua prima composizione per sottomissione. Posizionando corpi geometrici su un foglio, un disegnatore alle prime armi affianca abbastanza liberamente corpi rotondi (ad esempio una palla e un cono) o corpi rotondi e corpi con piani inclinati (ad esempio una palla e un prisma esagonale). L'inserimento di tali corpi l'uno nell'altro è molto complesso. Tenendo conto del tempo limitato per completare il compito d'esame, sarebbe più corretto utilizzare semplici inserti nella composizione, quando corpi rotondi e corpi con superfici inclinate intersecano piani orizzontali e verticali.
Non disegnare uno schizzo con eccessiva attenzione: su piccola scala, non puoi ancora risolvere tutti i problemi compositivi. Anche uno schizzo molto dettagliato non può essere trasferito con precisione su un foglio di grandi dimensioni. Gli elementi secondari e insignificanti subiranno inevitabilmente cambiamenti piuttosto seri, quindi non dovresti prestare loro troppa attenzione in fase di disegno. Racchiudere lo schizzo in una cornice di proporzioni adeguate (3x4), apportare le modifiche necessarie alla composizione e iniziare a lavorare su un foglio di grande formato, cercando di mantenere l'idea principale definita nello schizzo, i principali schemi e movimenti di grandi masse.
Continuando a lavorare sulla composizione, specificare le dimensioni e le proporzioni dei corpi geometrici. Segui la corrispondenza della rivelazione di quadrati e cerchi giacenti nei piani orizzontale e verticale, nonché la convergenza uniforme di linee parallele in prospettiva. Costruisci con cura inserti di corpi geometrici, raffiguranti le linee di intersezione di superfici non solo visibili, ma anche invisibili allo spettatore. Quando lavori su singoli elementi, cerca di subordinarli all'idea compositiva generale, raggiungi l'integrità e l'armonia nel tuo lavoro.
Il disegno dovrebbe essere realizzato con linee chiare ed espressive e facilmente elaborato in un tono condizionale: determinare la posizione della fonte di luce e coprire le superfici in ombra con diversi strati di tratti. Si considerino le figure 179,180,181,182,183 raffiguranti esempi di tali composizioni.
disegno in bianco e nero di semplici corpi geometrici
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Capitolo 80
Capitolo IV. disegno di particolari architettonici
I dettagli architettonici includono profili architettonici (oca, tacco, fusto, quarto di fusto, filetto, scozia), ornamenti geometrici e floreali, capitelli, rosette, vasi, ionici, mensole, pietre di sostegno e chiusura di archi, trabeazione. Da tutta questa varietà sono stati scelti un vaso, un capitello e uno ionico per l'esecuzione di disegni didattici nei corsi preparatori serali dell'Istituto di architettura di Mosca.
Quando inizi a disegnare un dettaglio architettonico, determina prima la sua base geometrica, immagina una forma complessa come una combinazione di semplici corpi geometrici. Dopo aver raffigurato su un foglio uno schema semplificato in prospettiva, complicarlo gradualmente, saturandolo di dettagli e studiando attentamente i singoli elementi in un disegno lineare-costruttivo. Pianifica contemporaneamente volumi simmetrici accoppiati, in questa condizione è più facile seguire le riduzioni promettenti. Se l'immagine di una qualsiasi parte del dettaglio architettonico ti causa delle difficoltà, fai dei piccoli schizzi ai margini del tuo disegno: schizzi prospettici da punti diversi e proiezioni ortogonali. Al termine della fase lineare, introduci nel disegno un tono leggero, avendo precedentemente delineato le linee delle ombre proprie e cadenti: questo ti consentirà di affinare le masse principali e identificare possibili errori prima di iniziare il lavoro tonale.
Il chiaroscuro sui dettagli architettonici è distribuito anche secondo le leggi del disegno di corpi geometrici semplici. Su superfici curve, le transizioni dalla luce all'ombra sono morbide, graduali, su superfici sfaccettate - nitide, chiare. Più la luce e l'ombra sull'oggetto sono vicine al disegno e alla fonte di luce, più forte è il contrasto di luce e ombra e, al contrario, le parti distanti degli oggetti hanno una luce più fioca e un'ombra sbiadita. Le ombre che cadono sono più sature di tono, le proprie sono evidenziate dai riflessi, e quindi più ariose e trasparenti. Sia in un disegno lineare-costruttivo che in un disegno in bianco e nero, cerca di lavorare uniformemente sull'intero foglio, confrontando costantemente le singole parti dell'immagine con il tutto. Nella fase finale, perfeziona la soluzione tonale e riassumi il lavoro, cercando un senso di completezza e armonia.
Disegno del vaso.
Come oggetto per il disegno, ti viene offerto un calco in gesso di un vaso greco (anfora) risalente al IV secolo a.C. I maestri di quel tempo si distinguevano per uno straordinario senso delle proporzioni e logica costruttiva.
Inizia a disegnare un vaso, come disegneresti qualsiasi dettaglio architettonico complesso, analizzandone la forma. Esaminare attentamente il vaso (Fig. 184). Dividilo mentalmente in volumi separati e confrontali con semplici corpi geometrici. Il corpo del vaso ha una complessa forma a goccia, che può essere condizionatamente rappresentata come una combinazione di due sfere e un cono, quindi il contorno del corpo del vaso può essere diviso in tre parti in altezza, ognuna delle quali ha il proprio curvatura. Il collo del vaso è simile a un cilindro, che presenta un notevole assottigliamento al centro, ed è delimitato sopra e sotto da strette mensole. Il vaso è coronato da un massiccio collo a forma di quarto di fusto. La parte portante (base) del vaso è costituita da due cilindri di diverso diametro, collegati da un profilo a collo d'oca. Le anse del vaso hanno una complessa struttura in tre parti e si ispessiscono nei punti di attacco al collo e al corpo del vaso.
Continuando lo studio della natura, fai un disegno della proiezione frontale del vaso. Per fare ciò, dovrai utilizzare non solo il metodo di avvistamento, ma anche una lunga striscia di carta e persino un righello. La proiezione dovrebbe essere abbastanza grande, solo allora potrai riflettere in essa tutte le informazioni che hai ricevuto: il rapporto proporzionale delle masse principali, le dimensioni delle singole parti in altezza e larghezza.
disegno di particolari architettonici 81
rine, la loro relazione, subordinazione e validità funzionale. Cerca di trasmettere con precisione le proporzioni del vaso, nota quante volte la sua larghezza si adatta all'altezza, quante volte il collo si adatta al corpo del vaso orizzontalmente e verticalmente, ecc. (figura 185).
Nel raffigurare la facciata del vaso, noterai che in questa proiezione il collo del vaso sembra troppo spesso, il corpo è più massiccio, la base è più leggera ed elegante che in natura. Di tutti i modi di rappresentare la prospettiva è il più vicino alla reale percezione dell'occhio umano. La proiezione ortogonale di un oggetto è sempre diversa dalla sua percezione in natura. Ma sono le proiezioni ortogonali, per la loro accuratezza e informatività, che ti aiuteranno a studiare nel migliore dei modi la complessa forma architettonica ora, e in futuro diventeranno un mezzo comodo e naturale della tua comunicazione professionale.
Torniamo alla natura. Come hai già notato, il volume principale del vaso è una forma simmetrica. Tutte le sue sezioni orizzontali sono cerchi di diverso diametro con il centro che giace sulla stessa verticale (l'asse del vaso). In un disegno prospettico, questi cerchi sono raffigurati come ellissi di varie dimensioni e aperture. Gli assi minori di queste ellissi coincidono con l'asse del vaso, mentre gli assi maggiori sono ad esso perpendicolari.
Cambiando la tua posizione verticale rispetto alla natura (e, di conseguenza, il livello della linea dell'orizzonte), segui la riduzione delle dimensioni verticali dei singoli elementi e dell'intero vaso, nonché il modo in cui alcune parti del vaso si sovrappongono ad altre.
Scegliere un punto da cui i tagli verticali prospettici siano trascurabili (ad esempio, quando la linea dell'orizzonte è leggermente al di sopra dell'imboccatura del vaso o al di sotto della base del vaso). La posizione in cui la linea dell'orizzonte passa attraverso il corpo del vaso è sconsigliata a causa di alcune difficoltà che un disegnatore alle prime armi può avere nel determinare l'apertura delle ellissi. Inoltre, questa posizione è la meno efficace per creare uno schema espressivo.
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Capitolo 82
Fase 1
Figura 186. Determinare le dimensioni del vaso sul foglio, segnare il suo asse al centro del foglio. Spezza la dimensione verticale totale in segmenti corrispondenti alle parti grandi del vaso: collo, collo, corpo, base. Segna la larghezza di questi elementi.
Fase 2
Figura 187. Indicare la posizione e le dimensioni delle parti piccole del vaso in figura.
Fase 3
Figura 188. Delineare il contorno del vaso in proiezione ortogonale. Tale contorno non tiene conto dei cambiamenti futuri, ma è una chiara base costruttiva per ulteriori lavori.
Fase 4
Figura 189. Sugli assi orizzontali, nei punti delle sezioni caratteristiche, disegnare ellissi. Ricorda che l'ellisse si espande quanto più è lontana dall'orizzonte. Collega le ellissi con archi tangenti alle giunzioni di una forma con un'altra. Disegna le maniglie del vaso, generalizzandole a una semplice forma rettangolare, e solo dopo esserti assicurato che le relazioni di base siano corrette, elabora i loro dettagli.
Fase 5
Figura 190. L'ultimo stadio è lo studio tonale. Inizia come al solito definendo le tue linee e rilascia l'ombra. Per fare ciò, usa la natura e le conoscenze già acquisite sulla natura del chiaroscuro su corpi geometrici semplici. Le proprie ombre sul collo del vaso, cinture, mensole della base, nonché maniglie - sono simili alle ombre sul cilindro; l'ombra sul collo è come l'ombra sulla palla; l'ombra sul corpo del vaso può essere rappresentata come una complessa combinazione dell'ombra su due sfere e un cono. Considera attentamente le ombre che cadono sul vaso. Analizza le forme da cui cadono le ombre sul collo del vaso, sul suo corpo, sulla base, sui manici. A volte è conveniente farlo con una matita. Se muovi lentamente la punta della matita lungo la linea della tua ombra sul vaso, anche l'ombra della punta della matita si sposterà lungo la linea dell'ombra che cade, fissando in ogni momento di questo movimento una certa coppia: un punto e un'ombra da esso.
Dopo aver determinato la posizione delle linee delle ombre proprie e cadenti, continuare il disegno tonale nella consueta sequenza. Innanzitutto, ottieni abbastanza tono nelle ombre, separandole dalla luce. Quindi devi rafforzare le tue ombre verso lo spettatore e la fonte di luce, e le ombre che cadono, anche verso la fonte dell'ombra che cade. Continuando a lavorare nell'ombra, passa gradualmente alla semina, creando morbide transizioni di luce e ombra su superfici sferiche e cilindriche. Completando il disegno, generalizza i rapporti di luce e ombra, cercando di subordinare armoniosamente tutti gli elementi dell'immagine al disegno tonale generale.
La messa in scena dell'opera proposta non è casuale: contiene una regola importante, obbligatoria per tutti, e specialmente per i disegnatori principianti: disegnare dal generale al particolare e dal particolare al generale. Inizia sempre a disegnare con la massa totale e solo successivamente procedi ai dettagli. Ma non elaborare immediatamente uno dei dettagli fino alla fine. Conduci il disegno su tutto il foglio, spostandoti da una parte all'altra, confrontando le parti con il generale, coprendo costantemente il tutto con gli occhi. Questa regola vale sia per i disegni lineare-costruttivi che per quelli in bianco e nero.
Naturalmente il tuo desiderio è vedere il risultato finale il più velocemente possibile, per passare alla fase successiva senza finire quella precedente. Se vuoi - prova a farlo - e vedrai come un lavoro logico e calmo si trasforma in un caotico lancio da un dettaglio all'altro nel tentativo di mettere insieme un disegno che "si sbriciola" davanti ai tuoi occhi.
Ricorda anche che il design è la base di qualsiasi forme. Gli errori di costruzione non possono essere nascosti dallo studio tonale più virtuoso. Pertanto, gli errori di costruzione e di proporzioni scoperti durante i lavori devono essere corretti immediatamente.
disegno di particolari architettonici 83
Capitolo 86
disegno di dettagli architettonici 87
Capitolo 88
Disegno di un capitello dorico.
Il capitello è chiamato la parte superiore della colonna, che a sua volta fa parte dell'architettura del nuovo ordine. Un ordine è un sistema artistico rigorosamente verificato che esprime l'essenza del lavoro di una struttura a cremagliera. Il nome order deriva dal latino "ordo" - ordine, ordine. Gli ordini classici - dorico e ionico - si formarono nell'antica Grecia. Un po 'più tardi, nell'architettura di Roma, hanno ricevuto il loro ulteriore sviluppo. L'ordine è composto da elementi portanti e portati, il carico viene trasferito dagli elementi sovrastanti a quelli posti sotto. Dalla trabeazione (parte portante) alla colonna (portante), il carico viene trasferito attraverso il capitello, che diventa una delle componenti più importanti dell'intera composizione dell'ordine.
Come oggetto da disegnare, ti viene offerto un capitello dell'ordine dorico romano. Gli ordini romani sono un po' più aridi nelle loro forme rispetto a quelli greci, tuttavia, come tutti i sistemi di ordine, si distinguono per una rigida logica di modellatura, proporzioni equilibrate e semplicità. L'ordine dorico è il più conciso, severo e coraggioso di tutti. Un architetto alle prime armi deve imparare a comprendere e sentire la logica della struttura, espressa in una forma artistica, che si chiama tettonica in architettura. Provate a sentire nel disegno dei capitelli come cambia la forma dalle parti superiori, quadrate, a quelle inferiori, rotonde, come ognuno dei profili è progettato per sostenere gli elementi posti sopra e per trasferire la pressione dall'alto verso il basso.
Inizia il tuo disegno analizzando la forma del capitello (Fig. 191). La parte superiore del capitello è quadrata in termini di pallottoliere (abaco), un piatto con tacco e mensola. Echin è un quarto del fusto e si accoppia con il collo della colonna attraverso tre cinture successivamente decrescenti. L'astragalo, costituito da un rullo e una mensola, passa nel tronco della colonna attraverso un raccordo. Il tronco della colonna è decorato con venti lunghe scanalature, a pianta semicircolare, - scanalature, che hanno estremità semicircolari.
Fai un disegno della proiezione frontale del capitello. Il disegno dovrebbe essere abbastanza grande in modo che i dettagli siano chiaramente visibili. Firma i nomi di tutte le parti della capitale nella foto. In questo modo ti sarà più facile ricordarli. Analizzare le proporzioni principali del capitello, selezionare come unità di misura l'altezza totale dell'echino e della cintura. Confronta il tuo disegno con il disegno 192.
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| Fig.191 |
Continuando a studiare la forma, gira intorno alla capitale ed esaminala da diversi punti. Noterai che il volume principale, che è una forma rotonda simmetrica, rimane invariato. Cambia solo la posizione dell'abaco quadrato. Scegli un punto di vista per il disegno in modo che un lato dell'abaco sia più aperto e l'altro meno. Il rapporto ottimale è 1/2-1/3. La linea dell'orizzonte dovrebbe passare appena sotto la capitale, quindi le sue proporzioni saranno vicine all'ortogonale. Se necessario, fai uno schizzo per determinare con maggiore precisione la composizione del foglio.
disegno di particolari architettonici
Palcoscenico 1.
Figura 193. Posiziona l'immagine futura sul foglio, determinandone le dimensioni verticalmente e orizzontalmente. Segna gli angoli dell'abaco, l'asse principale, e determina anche le dimensioni corrispondenti alle parti principali del capitello. È molto importante in questa fase del disegno lineare trovare il corretto rapporto tra l'apertura dell'ellisse superiore dell'echino e il quadrato dell'abaco. Tradizionalmente, i disegnatori disegnano prima l'abaco e poi hanno notevoli difficoltà ad inserirvi l'ellisse. Fallo diversamente: dopo aver deciso la dimensione e l'apertura dell'ellisse, disegnala. Quindi descrivi un quadrato attorno all'ellisse, confrontando le direzioni dei suoi lati con la natura. Fase 2
Figura 194. Contrassegna verticalmente tutte le parti del capitello e determina le loro dimensioni orizzontali. Disegna le masse principali, tenendo conto dei tagli prospettici. Raffiguranti le ellissi della cintura, del collo, dell'astragalo e della sezione inferiore della colonna, correlano le loro aperture tra loro e con l'ellisse dell'echino superiore già disegnata. Fase 3
Figura 195. Disegna flauti. Ritrarli correttamente ti aiuterà a pianificare il tronco della colonna. Se non hai l'opportunità di posizionare il piano sul disegno stesso, fissa un foglio di carta in più sul tuo lavoro. I punti trasferiti dalla pianta all'immagine prospettica renderanno il disegno accurato e convincente. In questa fase il disegno è per lo più lineare, ma nella rifinitura degli elementi principali è possibile applicare una tonalità che aiuti a rivelare graficamente il "movimento" delle superfici principali. Allo stesso tempo, il tono dovrebbe essere molto leggero, suggerendo un'ulteriore elaborazione costruttiva della forma. Fase 4
Figura 196. Rivelare la forma del capitello mediante il chiaroscuro. Una chiara comprensione della reciproca posizione nello spazio della fonte di luce, dell'oggetto e del pittore consente di comprendere la geometria delle ombre proprie e cadenti, nonché di identificare le principali relazioni tonali. Quando definisci le linee delle ombre proprie e cadenti, usa la conoscenza della natura del chiaroscuro su semplice Forme: dividi mentalmente il capitello in volumi separati e confrontali con i corpi geometrici a te già noti.
Fase 5
Figura 197 Elaborare in dettaglio le forme nelle ombre e nella luce, generalizzare i rapporti di luce e ombra
immagini, le subordinano armoniosamente l'una all'altra, tenendo conto della prospettiva aerea.
Capitolo 92
disegno di dettagli architettonici 93
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Capitolo 94
disegno di dettagli architettonici 95
Disegno ionico.
Lo ionico è un elemento ornamentale architettonico, costituito da una forma ovoidale mozzata dall'alto, incorniciata da una “conchiglia”, un rullo profilato, e da foglie lanceolate rivolte verso il basso. In architettura, gli ionici sono ampiamente utilizzati su capitelli e cornici di ordine ionico e corinzio. Lo ionico ha due assi di simmetria, uno dei quali corre lungo la forma a forma di uovo, l'altro - nel mezzo della foglia di lancetta. Studiando la forma, crea una pianta, una facciata e una facciata laterale (Fig. 198). Questo ti aiuterà a capire meglio la struttura dello ionico e faciliterà anche notevolmente l'ulteriore lavoro sul disegno.
Fase 1
Figura 199. Delinea le dimensioni dell'immagine futura sul foglio. Disegna in prospettiva una lastra rettangolare che è la base per lo ionico.
Fase 2
Figura 200. Disegna le diagonali della piastra di base ionica e disegna una linea mediana verticale - l'asse principale di simmetria. Immagina la forma generalizzata dello ionico come un solido quarto di albero con una sommità smussata, a cui un piccolo rullo confina dal basso. Disegnarne la pianta sulla superficie superiore dello ionico, separare il volume ovoidale centrale dai volumi laterali, delineare gli assi di simmetria passanti per il centro delle foglie lanceolate e specificare l'asse principale. In questa fase, prestare particolare attenzione alla riduzione prospettica di segmenti orizzontali di uguale lunghezza.
Fase 3
Figura 201. Disegna i dettagli: uovo, gusci, rullo profilato, foglie. Raffigurando le foglie, rendile una grande vista frontale nei campi (Fig. 202). Questo ti aiuterà a disegnare correttamente le foglie in prospettiva.
Fase 4
Figura 203. Disegna linee di ombre proprie e cadenti. Inizia, come al solito, con le zone d'ombra e accarezzale più volte, separandole dalla luce. Quindi è necessario rafforzare le ombre che cadono verso l'oggetto che proietta l'ombra, lo spettatore e la fonte di luce. Allo stesso tempo, rafforza le linee delle tue ombre, formando zone di riflessi. In questa fase non lasciarti trasportare dai dettagli, "scolpisci" la forma generale secondo la legge della prospettiva aerea e i principi fondamentali della distribuzione di luci e ombre su corpi geometrici semplici.
Fase 5
Figura 204. Continuando a lavorare, vai alla rivettatura di una grande forma alla luce e poi ai dettagli. Completa il disegno con una generalizzazione della forma, un'armoniosa subordinazione di tutte le sue parti.
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Capitolo 98
testa in gesso disegno 99
Disegno testa in gesso
La testa umana è la struttura naturale più complessa. Ciò è dovuto alla sua complessa funzione nel corpo umano. Puoi iniziare a disegnare una testa solo con una rappresentazione spaziale sufficientemente sviluppata, una conoscenza approfondita delle disposizioni generali del disegno e una buona pratica nella rappresentazione di forme più semplici.
La sezione pratica "Disegnare una testa di gesso" inizia con l'esame della sua forma esterna in un "disegno introduttivo". Questa prima esperienza costituirà la base di ulteriori analisi più approfondite. Nel disegno del cranio viene analizzata la struttura della base ossea della testa. Nel disegno dell'ecorche di Houdon, vengono studiati la posizione e il principio di funzionamento dei muscoli principali, nonché i tessuti cartilaginei. Per un esame approfondito del cranio e dei muscoli sarebbe opportuno fare riferimento ad atlanti e manuali anatomici. Nei disegni seguenti, viene prestata particolare attenzione ai dettagli principali della testa: naso, labbra, occhi e orecchio. E, infine, tornando a disegnare una testa in gesso a un nuovo livello di comprensione della sua architettura (cioè il rapporto tra la struttura interna e la forma esterna), potrai consolidare e migliorare gradualmente le tue abilità nel disegnare calchi in gesso da antiche sculture: Cesare, Afrodite, Doriforo, Diadumen, Socrate, Antinoo e Apoxyomenos, tradizionalmente offerti per il disegno agli esami di ammissione all'Istituto di architettura di Mosca.
Disegnare "oggetti d'antiquariato" è una continuazione delle antiche tradizioni accademiche. La perfezione plastica della scultura classica, la sua staticità e la straordinaria espressività ti permetteranno di comprendere rapidamente la struttura tridimensionale generale della testa, comprenderne i dettagli e le proporzioni di base.
24. Disegno introduttivo. Testa di Doriforo.
La scultura del Doriforo fu realizzata nel V secolo a.C. dallo scultore greco Policleto, rappresentante della scuola del Peloponneso. Polikleitos non era solo uno scultore, ma anche un teorico dell'arte. Ha creato il trattato "Canon", in cui sono state sviluppate in modo molto dettagliato le proporzioni ideali del corpo umano. La figura di Doriforo - un giovane guerriero oplita (lanciere) - era l'incarnazione di questo canone. Allo stesso tempo, sarebbe diventata la personificazione del cittadino ideale della polis greca: un uomo come gli dei immortali, altrettanto bello nel corpo e nello spirito, coraggioso difensore della sua città natale. Il volto di Doryfor è schematico, è privo di tratti ed espressioni individuali, motivo per cui la testa di Doryfor viene proposta per il primo lavoro "introduttivo", a seguito del quale si avrà una prima idea, ampiamente semplificata, di la forma della testa.
La testa ha un cervello e parti facciali. La sua plasticità esterna è nota con l'aiuto di una serie di punti anatomici: nodi (punti di riferimento o fari) e linee. Quindi, sulla testa sono ben visibili: i tubercoli del mento, la linea della mascella inferiore, gli angoli della bocca, le linee che delimitano l'area della bocca, la linea dell'incisione delle labbra, il filtro, il base, la punta e le ali del naso, il dorso del naso, gli zigomi, le arcate zigomatiche, i bordi orbitali, le creste lacrimali, le arcate sopracciliari, linee che delimitano le arcate sopracciliari, tubercoli frontali, linee temporali, corona, padiglioni auricolari , aperture uditive, processi mastoidei delle ossa temporali, tubercoli parietali e occipitali, linea nucale, bordo del collo e del mento, fossa giugulare e protrusione della settima vertebra cervicale. Trova tutti questi punti e linee nelle figure 205 e 206, e poi sulla testa di gesso.
Conoscendo i punti anatomici - fari e linee caratteristiche, non ti confonderai mai nei dettagli e sarai sempre in grado di distinguere il principale dall'accidentale. Per una migliore comprensione delle relazioni spaziali esterne dei punti della testa, viene spesso utilizzato un diagramma semplificato, che rappresenta la sua struttura sotto forma di un poliedro irregolare. È impossibile, tuttavia, abusare di tali schemi nel disegno. Sono necessari solo come ausili visivi per un'immagine competente e convincente di una testa umana.
Capitolo 100
disegno di dettagli architettonici 101
Disegna dal disegno di P.I.Churilin
dal libro di testo "La struttura della testa umana"
Capitolo 102
Disegna dal disegno di PIChurilin
dal libro di testo "La struttura della testa umana"
È anche consuetudine studiare la testa umana analizzando le sue sezioni in tre piani reciprocamente perpendicolari: sagittale, orizzontale e frontale (Fig. 207).
Il piano sagittale è il piano di simmetria del corpo. Il suo nome deriva dal latino "sagttta" - una freccia. Un taglio su questo piano ci dà la linea mediana, che è la base della linea professionale del viso ed è molto importante per il disegno della testa.
Il piano orizzontale passa per la base dell'occipite e la base del naso.
Frontale aereo perpendicolare alle prime due e "taglia" la testa nel suo punto più largo. Attraversa la sommità della testa, i tubercoli parietali e il fulcro del cranio sulla colonna vertebrale. Lo studio di queste sezioni, così come le proiezioni ortogonali della testa: viste frontali, posteriori, laterali e dall'alto aiuteranno a te comprendere meglio la plasticità esterna della testa e trasmetterla più accuratamente nel disegno.
testa in gesso disegno 103
Il compito del disegno "introduttivo" è una buona composizione sul foglio, il volume totale trasmesso correttamente, nonché l'esatta posizione e dimensione di ogni dettaglio della testa.
Fase 1
Figura 208. Iniziando il lavoro, determinare la posizione della linea dell'orizzonte e l'angolo. Per fare questo, racchiudi mentalmente la tua testa in un cubo. Trova le dimensioni complessive e posiziona l'immagine futura sul foglio usando brevi serif. Ricorda che se disegni la testa davanti - gli spazi a sinistra e a destra dovrebbero essere uguali in modo che l'immagine non "cada", ma se disegni la testa di profilo, in 3/4 o 7/8 - il lo spazio del foglio davanti alla testa (dalla faccia laterale) dovrebbe essere più grande che dalla parte posteriore della testa. Con linee leggere delineare il contorno della testa (contorno).
Fase 2
Figura 209. Disegna le parti grandi principali: separa la massa della testa dal collo, delinea la parte anteriore, il suo piano anteriore e disegna facilmente una linea del profilo assiale. Specificando la linea del profilo, trova i punti caratteristici adagiati su di essa: il punto della sommità della fronte (sull'attaccatura dei capelli), il punto tra le sopracciglia, il punto della base delle ali del naso e il punto di frattura del il mento. Questi punti determinano i principali rapporti proporzionali canonici delle parti della testa. Secondo il canone classico greco, le distanze tra questi punti devono essere uguali. Disegna linee orizzontali attraverso questi punti (nella figura che si estende fino al punto di fuga sull'orizzonte) e segna su di essi, rispettivamente, la larghezza della fronte, la base del naso e il mento. Per la corretta scelta delle direzioni di queste linee, utilizzare il metodo di avvistamento.
Secondo l'antico canone, lungo la linea degli occhi, l'antica testa è divisa in due parti uguali: dalla sommità della testa alla linea degli occhi e dalla linea degli occhi alla base del mento. Il segmento dalle arcate sopracciliari (il punto tra le sopracciglia) alla base delle ali del naso è diviso in tre parti uguali: la linea degli occhi passa lungo la linea di divisione superiore e la base e le ali del naso sono separati lungo la linea inferiore. Anche il segmento compreso tra la punta della base delle ali del naso e la frattura del mento è diviso in tre parti uguali. La linea mediana della bocca passa lungo la linea di divisione superiore, detta anche linea di taglio delle labbra, la linea inferiore divide il mento a metà. La distanza tra gli occhi è uguale alla lunghezza dell'occhio, cioè anche la linea degli occhi è divisa in tre parti uguali. L'altezza dell'orecchio è uguale alla lunghezza del naso.
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Data di creazione della pagina: 2016-02-13
Molto spesso nel mondo degli artisti ci sono dipinti che sono in gran parte diversi dai dipinti ad olio e dai pastelli. Sono più simili a disegni, motivi, schizzi e sono completamente incomprensibili per un semplice spettatore. Ora parleremo di composizioni di forme geometriche, discuteremo di cosa sono, quale carico portano e perché generalmente occupano un posto così onorevole nell'arte del disegno e della pittura.
Composizioni semplici
Ogni maestro di pennelli che ha iniziato la sua carriera da una scuola d'arte ti risponderà che le linee esatte e le loro combinazioni sono la prima cosa che insegnano lì. La nostra visione e il nostro cervello sono disposti in modo tale che se inizialmente impari a combinare armoniosamente forme semplici tra loro, in futuro sarà più facile disegnare immagini complesse. Le composizioni di forme geometriche ci consentono di sentire l'equilibrio dell'immagine, determinarne visivamente il centro, calcolare l'incidenza della luce e determinare le proprietà dei suoi componenti.
Vale la pena notare che, nonostante la chiarezza e l'immediatezza di tali immagini, sono disegnate esclusivamente a mano, senza righelli e altri elementi ausiliari. I parametri delle figure vengono misurati utilizzando le proporzioni, che possono essere collocate in una dimensione bidimensionale (un'immagine piatta), oppure possono andare in prospettiva, in un unico punto di fuga di tutte le linee.
Gli artisti principianti disegnano composizioni di forme geometriche in due dimensioni. Per tali dipinti viene scelto uno dei lati: un piano o una facciata. Nel primo caso, tutte le figure sono raffigurate in una "vista dall'alto", cioè il cono e il cilindro diventano un cerchio, il prisma assume la forma della sua base. Se le figure sono raffigurate nella facciata, viene mostrato uno dei loro lati, molto spesso il davanti. Nell'immagine vediamo triangoli, quadrati, parallelogrammi e così via.
Quadri 3D
Per sviluppare il senso della prospettiva, gli artisti imparano a rappresentare composizioni da figure geometriche tridimensionali che vanno in prospettiva. Tale immagine è considerata tridimensionale e per trasferirla su carta è necessario immaginare chiaramente tutto. Tecniche di disegno simili sono rilevanti nelle università di costruzione e architettura, sono utilizzate come esercizi. Tuttavia, gli studenti spesso trasformano questi "studi pittoreschi" in studi reali disegnando incredibili inserti di figure, sezionando composizioni con piani e semipiani, raffigurando immagini in sezione.
In generale, possiamo dire che la chiarezza, la linearità sono le proprietà principali di qualsiasi composizione di forme geometriche. Allo stesso tempo, un disegno può essere statico o dinamico, a seconda del tipo di figure rappresentate e della loro posizione. Se l'immagine è dominata da coni, prismi triedrici, palline, allora sembra "volare" - questa è decisamente dinamica. Cilindri, quadrati, prismi tetraedrici sono statici.
Esempi in pittura
Le forme geometriche hanno trovato il loro posto nella pittura, insieme al romanticismo e ad altre tendenze. Un vivido esempio di ciò è l'artista Juan Gris e il suo dipinto più famoso "Man in a Cafe", che, come un mosaico, è composto da triangoli, quadrati e cerchi. Un'altra composizione astratta di forme geometriche è la tela "Pierrot", artista B. Kubista. Immagine luminosa, chiara e molto distintiva.