Dettagli Categoria: Generi e varietà della pittura Pubblicato il 30.11.2015 18:35 Visualizzazioni: 5414

La pittura di paesaggio in Russia si è sviluppata molto intensamente. È rappresentato da molti artisti meravigliosi, i cui dipinti sono capolavori mondiali della pittura di paesaggio.

Il genere del paesaggio in Russia si è finalmente formato nel XVIII secolo. S.F. è considerato il suo fondatore. Shchedrin.

L'era del classicismo

Semyon Fedorovich Shchedrin (1745-1804)

Laureato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, S. Shchedrin divenne professore di pittura di paesaggio all'Accademia. Ha lavorato nello stile del classicismo accademico, che ha continuato a occupare una posizione dominante nell'arte russa della pittura di paesaggio all'inizio del XIX secolo. Ha lavorato molto all'aria aperta. I suoi paesaggi sono emotivamente espressivi.
Le sue opere più famose sono vedute di parchi e palazzi a Pavlovsk, Gatchina e Peterhof.

S. Shchedrin "Veduta del Palazzo Gatchina dal Lago d'Argento" (1798)
F. Matveev e F. Alekseev hanno lavorato nello stesso stile.

Fyodor Mikhailovich Matveev (1758-1826)

Si è anche laureato all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Ma il suo lavoro, a differenza del lavoro di S. Shchedrin, è principalmente dedicato ai paesaggi d'Italia, dove ha vissuto per 47 anni e dove è morto.
I suoi paesaggi si distinguono per facilità di esecuzione, accuratezza, colori caldi e un'abilità speciale nel rappresentare piani lontani.

F. Matveev "Quartiere vicino a Tivoli" (1819). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

Fyodor Yakovlevich Alekseev (1753/1755-1824)

F. Alekseev - uno dei fondatori del paesaggio urbano russo, il più grande maestro della veduta russa.
Si diploma all'Accademia di Belle Arti, si perfeziona a Venezia come artista teatrale, ma allo stesso tempo dipinge paesaggi. Successivamente, ha completamente abbandonato il lavoro sulla scenografia teatrale e ha ripreso la sua cosa preferita: il paesaggio. I suoi paesaggi urbani si distinguono per il lirismo e la sottigliezza dell'esecuzione.

F. Alekseev "Vista del castello Mikhailovsky a San Pietroburgo dalla Fontanka". Museo Russo (Pietroburgo)

Andrej Efimovič Martynov (1768-1826)

Pittore paesaggista russo. Laureato all'Accademia delle Arti. Visse a lungo a Roma, poi tornò in Russia e divenne un accademico di pittura. Viaggiò con l'ambasciata russa a Pechino e dipinse molte vedute di località siberiane e cinesi; poi visitò la Crimea e le rive del Volga, da dove prese in prestito anche soggetti per i suoi paesaggi. Intraprese un secondo viaggio in Italia e morì a Roma.

A. Martynov "Veduta del fiume Selenga in Siberia"

L'era del romanticismo

Durante questo periodo, i paesaggisti più importanti furono S. Shchedrin (1791-1830), V. Sadovnikov (1800-1879), M. Lebedev (1811-1837), G. Soroka (1823-1864) e A. Venetsianov ( 1780-1847).

Sylvester Feodosievich Shchedrin (1791-1830)

S. Shchedrin "Autoritratto" (1817)
Nato nella famiglia del famoso scultore F.F. Shchedrin. L'artista Semyon Shchedrin è suo zio. È stato accettato nel numero di alunni dell'Accademia delle arti all'età di 9 anni.
I suoi primi dipinti sono stati dipinti nello stile del classicismo, fedele alla natura, ma non hanno ancora sviluppato una grafia individuale dell'artista.
Autore di marine italiane.
Nei paesaggi del 1828-30. c'è già un'euforia romantica, un desiderio di effetti luminosi e cromatici complessi. Le immagini sono drammaticamente inquietanti.

S. Shchedrin "Notte al chiaro di luna a Napoli"

Grigory Vasilievich Soroka (vero nome Vasiliev) (1823-1864)

G. Soroka "Autoritratto"

Pittore russo della fortezza. Ha studiato pittura con A. G. Venetsianov ed è stato uno dei suoi studenti preferiti. Venetsianov ha chiesto al proprietario terriero di concedere a Grigory la sua libertà in modo che potesse continuare la sua educazione all'Accademia delle arti, ma non è riuscito a raggiungere questo obiettivo: il proprietario terriero lo ha preparato per i giardinieri. Dopo la riforma contadina, partecipò ai disordini contadini contro il proprietario terriero. Ha scritto denunce della comunità contadina contro il suo proprietario terriero, per le quali è stato arrestato per 3 giorni. Si ritiene che questo arresto abbia causato il suicidio dell'artista.
Come la maggior parte degli artisti della scuola Venetsianov, G. Soroka dipinse paesaggi urbani e rurali, interni e nature morte. Le opere della scuola veneziana sono segnate dall'immediatezza poetica della rappresentazione della vita circostante.

G. Soroka "View in Spassky" (seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento)

Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847)

A. Venetsianov "Autoritratto" (1811)
Uno dei primi a mostrare il fascino della natura oscura della striscia della Russia centrale.
La famiglia veneziana proveniva dalla Grecia.
A. G. Venetsianov era famoso soprattutto per le immagini dei contadini che dipingeva. Ma in molti dei suoi dipinti c'è un paesaggio: l'artista è stato perfettamente in grado di trasmettere il chiaroscuro.
A. Venetsianov è autore di articoli teorici e note sulla pittura.

A. Venetsianov "Il pastore addormentato" (1823-1824)

Dipinto di paesaggio della seconda metà del XIX secolo

Nella seconda metà del XIX sec. la pittura di paesaggio in Russia iniziò a svilupparsi in stili diversi: M. Vorobyov, I. Aivazovsky, L. Lagorio, A. Bogolyubov continuarono a dipingere in stile romantico.
P. Sukhodolsky (1835-1903) ha lavorato nella tecnica seppia. Seppia- una tecnica dell'immagine comune nella pittura, nel disegno e nella fotografia. Letteralmente, la parola "seppia" è tradotta come "seppia" - originariamente la vernice di questo colore per gli artisti è composta da sacchi di inchiostro di seppie e calamari. Questa borsa aiuta le vongole a nascondersi dal pericolo: lancia una vernice che si diffonde istantaneamente e rende migliaia di litri d'acqua completamente opachi al predatore. Attualmente esiste anche il seppia artificiale per gli artisti, ma viene utilizzato anche il seppia naturale, che viene portato dallo Sri Lanka. Si ritiene che sia il seppia naturale ad avere un colore più saturo, è più resistente di quello artificiale.

P. Sukhodolsky "Nel villaggio in inverno" (1893)
Molti pittori iniziarono a lavorare in uno stile realistico (I. Shishkin), una forma favolosamente poetica (V. Vasnetsov), in un genere epico (M. Klodt), ecc. È impossibile raccontare il lavoro di tutti gli artisti di questo periodo, ci soffermeremo solo su alcuni nomi.

Fëdor Aleksandrovich Vasiliev (1850-1873)

F. Vasiliev "Autoritratto"

Pittore paesaggista russo morto giovanissimo, ma che ha lasciato molti meravigliosi paesaggi.
Il suo dipinto "The Thaw" è diventato immediatamente un evento nella vita artistica russa. La ripetizione del suo autore, in colori più caldi, fu esposta all'Esposizione Mondiale del 1872 a Londra.

F. Vasiliev "Scongelamento" (1871). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
PM Tretyakov ha acquistato il dipinto anche prima dell'inizio della mostra. La ripetizione del dipinto fu ordinata dall'imperatore Alessandro III, era questa copia che si trovava a Londra.

F. Vasiliev "Prato umido" (1872). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905)

V. Borisov-Musatov "Autoritratto"

Questo artista, dall'anima sorprendentemente pura, gravitava verso immagini generalizzate, paesaggi colorati e decorativi.

V. Borisov-Musatov "Primavera" (1898-1901)
Sapeva come esprimere lo stato d'animo attraverso lo stato di natura. La primavera, con alberi in fiore e denti di leone "soffici", immerge una persona in uno stato di luminosa gioia e speranza.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927)

B. Kustodiev "Autoritratto" (1912)
B. Kustodiev è considerato un maestro del ritratto. Ma molte delle sue opere sono andate oltre: si è rivolto al paesaggio. All'inizio del 1900, per diversi anni consecutivi si recò nella provincia di Kostroma per il lavoro sul campo e creò molti dipinti del genere domestico e paesaggistico. Ha attribuito grande importanza alla linea, al disegno, alla macchia di colore.

B. Kustodiev "Shrovetide" (1903). Museo Statale Russo (Pietroburgo)
Nello stesso periodo, il plein air si è finalmente affermato nella pittura paesaggistica russa. Nell'ulteriore sviluppo del paesaggio, il ruolo più importante è stato svolto dall'impressionismo, che ha influenzato il lavoro di quasi tutti i pittori seri in Russia.

Alexei Kondratievich Savrasov (1830-1897)

A. Savrasov (1870)
A.K. Savrasov è diventato il fondatore del paesaggio lirico, è riuscito a mostrare la bellezza e la tenerezza involontarie della discreta natura russa.
A. Savrasov si è laureato alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Il nome di Savrasov è stato reso famoso dall'opera "Veduta del Cremlino dal ponte di Crimea in caso di maltempo". Secondo lo storico dell'arte N. A. Ramazanov, l'artista “ha trasmesso ... il momento in modo estremamente fedele e vitale. Vedi il movimento delle nuvole e senti il ​​​​rumore dei rami degli alberi e l'erba vorticosa: ci sarà un acquazzone.

A. Savrasov "Vista del Cremlino dal ponte di Crimea in caso di maltempo" (1851)
L'opera più famosa di A. Savrasov è il dipinto "The Rooks Have Arrived". Ma è diventato così iconico che ha messo in ombra tutti i suoi altri meravigliosi paesaggi.
La vita dell'artista non fu molto felice e finì tragicamente. Il suo amato studente Isaac Levitan ha scritto: “Da quando Savrasov è apparso nei testi nella pittura di paesaggio e nell'amore sconfinato per la sua terra natale.<...>e questo suo indubbio merito non sarà mai dimenticato nel campo dell'arte russa. E il critico letterario I. Gronsky credeva che "ci sono pochi Savrasov nella pittura russa ... Savrasov è bravo in una sorta di intimo, solo la sua caratteristica percezione della natura".

Mikhail Vasilievich Nesterov (1862-1942)

M. Nesterov "Autoritratto" (1915)
Anche M. Nesterov, allievo di A. Savrasov, ha ritratto la discreta bellezza della natura della Russia centrale. Ha creato un tipo di paesaggio unico, vicino nello spirito a I. Levitan: lirico, privo di vistosità e colori vivaci, intriso di amore per la Russia. Questo paesaggio è stato quindi chiamato "Nesterovsky". Gli invariabili "personaggi" del suo paesaggio sono sottili betulle dal tronco bianco, abeti rachitici, verde tenue di una foresta primaverile o autunnale, mazzi scarlatti di sorbo, salici con amenti irsuti, fiori appena percettibili, distese infinite, silenziose, immobili acque con foreste riflesse in esse come se fossero ghiacciate. Un'altra caratteristica del paesaggio di Nesterov è che la natura spiritualizzata sulle sue tele si fonde sempre in armonia con l'umore lirico dei personaggi, entra in empatia con il loro destino.

M. Nesterov "Visione al giovane Bartolomeo"

Arkhip Ivanovich Kuindzhi (1841 o 1842-1910)

V. Vasnetsov "Ritratto di Kuindzhi" (1869)
Artista russo di origine greca. Era molto povero, guadagnava soldi come ritoccatore, faceva tentativi infruttuosi di entrare all'Accademia delle arti. Solo al terzo tentativo è diventato volontario presso l'Accademia Imperiale delle Arti. In quel momento, incontrò gli Erranti, tra i quali I. N. Kramskoy e I. E. Repin. Questa conoscenza ha avuto una grande influenza sul lavoro di Kuindzhi, segnando l'inizio della sua percezione realistica della realtà.
Ma in futuro, l'Associazione dei vagabondi è diventata per lui in molti modi limitante, limitando il suo talento a limiti rigorosi, quindi c'è stata una rottura con lui.
Kuindzhi era attratto dal pittoresco gioco di luci e aria. E questo, come già sappiamo, è un segno di impressionismo.

A. Kuindzhi "Notte al chiaro di luna sul Dnepr" (1880). Museo Statale Russo (Pietroburgo)

A. Kuindzhi "Boschetto di betulle" (1879). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Altri notevoli paesaggisti del XIX secolo: Vasily Polenov (1844-1927), Konstantin Korovin (1861-1939), Ilya Repin (1844-1930), Nikolai Ge (1831-1894), Valentin Serov (1865-1911), Kiriak Kostandi ( 1852-1921), Nikolai Dubovskoy (1859-1918) e altri, questi sono gli artisti dell'impressionismo russo.
Il destino di molti di loro non è stato facile a causa dell'atteggiamento negativo nei confronti del "lavoro di studio" iniziato negli anni '30, il loro lavoro ha cominciato a essere valutato con insinuazioni, evitando una caratterizzazione diretta del loro stile.
Diamo solo uno sguardo ai loro meravigliosi paesaggi.

V. Borisov-Musatov "Canzone d'autunno" (1905)

I. Repin "Che spazio!" (1903)

K. Korovin "Paesaggio autunnale" (1909)

La pittura di paesaggio nel XX secolo

Nella pittura di paesaggio del XX secolo. si svilupparono tradizioni e tendenze stabilite nel XIX secolo: Pyotr Konchalovsky (1876-1956), Igor Grabar (1871-1960), Konstantin Yuon (1875-1968) e altri artisti.

I. Grabar "Neve di marzo" (1904)
Inizia quindi la ricerca di nuovi mezzi espressivi per veicolare il paesaggio. E qui dovremmo menzionare i nomi degli artisti d'avanguardia Kazimir Malevich (1879-1935), Wassily Kandinsky (1866-1944), Natalia Goncharova (1881-1962).

K. Malevich “Paesaggio. Inverno "(1909)
Pavel Kuznetsov (1878-1968), Nikolai Krymov (1884-1958), Martiros Saryan (1880-1972) e altri hanno creato i loro paesaggi nello spirito del simbolismo.

P. Kuznetsov “Nella steppa. Miraggio (1911)
Nell'era del metodo del realismo socialista, nuove forme, stili individuali e tecniche hanno continuato a svilupparsi. Tra i paesaggisti si possono distinguere Vasily Baksheev (1862-1958), Nikolai Krymov (1884-1958), Nikolai Romadin (1903-1987) e altri, che hanno sviluppato la linea lirica del paesaggio.

V. Baksheev "Blue Spring" (1930). Galleria Statale Tretyakov (Mosca)
Konstantin Bogaevsky (1872-1943), Alexander Samokhvalov (1894-1971) e altri hanno lavorato nel genere del paesaggio industriale.
Alexander Deineka (1899-1969), Georgy Nissky (1903-1987), Boris Ugarov (1922-1991), Oleg Loshakov (1936) hanno lavorato nello "stile severo" che hanno sviluppato.

G. Nissky "La strada verde" (1959)
Il paesaggio è un tema eterno e un genere eterno, è inesauribile.

Artista moderno A. Savchenko "In estate"

La maestosa e diversificata pittura russa soddisfa sempre il pubblico con la sua incostanza e perfezione delle forme d'arte. Questa è la particolarità delle opere di famosi maestri d'arte. Hanno sempre sorpreso con il loro approccio insolito al lavoro, l'atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti e delle sensazioni di ogni persona. Forse è per questo che gli artisti russi raffiguravano così spesso composizioni di ritratti che combinavano vividamente immagini emotive e motivi epicamente calmi. Non c'è da stupirsi che Maxim Gorky una volta abbia detto che un artista è il cuore del suo paese, la voce dell'intera epoca. In effetti, i dipinti maestosi ed eleganti degli artisti russi trasmettono vividamente l'ispirazione del loro tempo. Come le aspirazioni del famoso autore Anton Cechov, molti hanno cercato di portare nei dipinti russi il sapore unico della loro gente, così come il sogno inestinguibile della bellezza. È difficile sottovalutare le straordinarie tele di questi maestri dell'arte maestosa, perché sotto il loro pennello sono nate opere davvero straordinarie di vari generi. Pittura accademica, ritratto, pittura storica, paesaggio, opere di romanticismo, modernismo o simbolismo: tutti portano ancora gioia e ispirazione ai loro spettatori. Tutti trovano in loro qualcosa di più dei colori colorati, delle linee aggraziate e dei generi inimitabili dell'arte mondiale. Forse una tale abbondanza di forme e immagini con cui sorprende la pittura russa è collegata all'enorme potenziale del mondo circostante degli artisti. Levitan ha anche affermato che in ogni nota di natura rigogliosa c'è una tavolozza di colori maestosa e insolita. Con un tale inizio, appare una magnifica distesa per il pennello dell'artista. Pertanto, tutti i dipinti russi si distinguono per la squisita severità e la bellezza attraente, da cui è così difficile staccarsi.

La pittura russa si distingue giustamente dall'arte mondiale. Il fatto è che fino al XVII secolo la pittura domestica era associata esclusivamente a un tema religioso. La situazione cambiò con l'avvento al potere dello zar riformatore, Pietro il Grande. Grazie alle sue riforme, i maestri russi iniziarono a dedicarsi alla pittura secolare e la pittura di icone si separò come una direzione separata. Il diciassettesimo secolo è il tempo di artisti come Simon Ushakov e Iosif Vladimirov. Poi, nel mondo dell'arte russa, è nato il ritratto, che è diventato rapidamente popolare. Nel diciottesimo secolo apparvero i primi artisti che passarono dalla ritrattistica alla pittura di paesaggio. Si nota la spiccata simpatia dei maestri per i panorami invernali. Il Settecento è ricordato anche per la nascita della pittura quotidiana. Nel diciannovesimo secolo, tre tendenze hanno guadagnato popolarità in Russia: romanticismo, realismo e classicismo. Come prima, gli artisti russi hanno continuato a rivolgersi al genere del ritratto. Fu allora che apparvero ritratti e autoritratti di fama mondiale di O. Kiprensky e V. Tropinin. Nella seconda metà del diciannovesimo secolo, gli artisti ritraggono sempre più spesso il semplice popolo russo nel suo stato di oppressione. Il realismo diventa la tendenza centrale della pittura di questo periodo. Fu allora che apparvero gli Erranti, raffiguranti solo la vita reale e reale. Bene, il ventesimo secolo è, ovviamente, l'avanguardia. Gli artisti di quel tempo hanno influenzato in modo significativo sia i loro seguaci in Russia che in tutto il mondo. I loro dipinti divennero i precursori dell'astrattismo. La pittura russa è un enorme mondo meraviglioso di artisti di talento che hanno glorificato la Russia con le loro creazioni

Lev Kamenev (1833 - 1886) "Paesaggio con capanna"

Il paesaggio, come genere pittorico indipendente, si affermò in Russia intorno alla metà del XVIII secolo. E prima di questo periodo, il paesaggio faceva da sfondo all'immagine di composizioni di icone o parte di illustrazioni di libri.

Molto è stato scritto sul paesaggio russo dell'Ottocento e tali, senza esagerare, grandi esperti nel campo della pittura hanno scritto che io, in sostanza, non ho nulla da aggiungere.

I pionieri della pittura paesaggistica russa si chiamano Semyon Shchedrin, Fyodor Alekseev e Fyodor Matveev. Tutti questi artisti hanno studiato pittura in Europa, che ha lasciato una certa impronta sul loro lavoro futuro.

Shchedrin (1749-1804) divenne famoso come autore di opere raffiguranti parchi di campagna imperiali. Alekseev (1753 - 1824) fu soprannominato il Canaletto russo per i paesaggi raffiguranti monumenti architettonici di San Pietroburgo, Gatchina e Pavlovsk, Mosca. Matveev (1758 - 1826) ha lavorato la maggior parte della sua vita in Italia e ha scritto nello spirito del suo maestro Hackert. Le opere di questo talentuoso artista italiano furono imitate anche da M.M. Ivanov (1748-1828).

Gli esperti notano due fasi nello sviluppo della pittura paesaggistica russa del XIX secolo, che non sono organicamente collegate tra loro, ma sono chiaramente distinguibili. Questi due passaggi sono:

• realistico;
• romantico.

Il confine tra queste aree era chiaramente formato dalla metà degli anni '20 del XIX secolo. Entro la metà del Settecento la pittura russa comincia ad emanciparsi dal razionalismo della pittura classica del Settecento. E il romanticismo russo, come fenomeno separato nella pittura russa, è di grande importanza in questi cambiamenti.

Il paesaggio romantico russo si è sviluppato in tre direzioni:

1. paesaggio urbano basato su opere della natura;
2. lo studio della natura russa sulla base del "suolo italiano";
3. Paesaggio nazionale russo.

E ora ti invito alla galleria di opere di artisti russi del XIX secolo che hanno dipinto paesaggi. Ho preso solo un pezzo da ogni artista, altrimenti questa galleria era infinita.

Se hai un desiderio, puoi leggere del lavoro di ogni artista (e, di conseguenza, ricordare il lavoro dell'artista) su questo sito.

Paesaggi russi del XIX secolo

Vladimir Muravyov (1861 - 1940), Foresta blu

Vladimir Orlovsky (1842 - 1914), "Giorno d'estate"

Pyotr Sukhodolsky (1835 - 1903), Giorno della Trinità

Ivan Shishkin (1832 - 1898), "Segale"

Efim Volkov (1844 - 1920), Lago della foresta

Nikolaj Astudin (1847 - 1925), "Strada di montagna"

Nikolai Sergeev (1855 - 1919), "Stagno estivo"

Konstantin Kryzhitsky1 (1858-1911), "Zvenigorod"

Alexey Pisemsky (1859 - 1913), "Fiume della foresta"

Joseph Krachkovsky (1854 - 1914), "Glicine"

Isaac Levitan (1860 - 1900), "Boschetto di betulle"

Vasily Polenov (1844-1927), Il vecchio mulino

Mikhail Klodt (1832 - 1902), Boschetto di querce

Apollinary Vasnetsov (1856-1933), Okhtyrka. Tipo di fattoria»

I primi paesaggi pittoreschi apparvero in Russia nella seconda metà del XVIII secolo, dopo l'apertura dell'Accademia Imperiale delle Arti a San Pietroburgo nel 1757, sul modello delle accademie europee, dove, tra le altre classi di genere, c'è anche una classe di pittura di paesaggio. C'è anche una richiesta di "rimozione di vedute" di luoghi memorabili e architettonicamente significativi. Il classicismo - e questa volta del suo predominio - adatta l'occhio alla percezione solo di ciò che provoca alte associazioni: edifici maestosi, alberi possenti, panorami, che ricordano l'antico eroismo. Sia la natura che la veduta urbana Il genere della veduta (dall'italiano veduta - vista) era l'immagine della città da un punto di vista particolarmente vantaggioso. devono essere presentati nella loro veste ideale, come dovrebbero essere.

Vista del Palazzo Gatchina da Long Island. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1796

Torre del mulino e della buccia a Pavlovsk. Dipinto di Semyon Shchedrin. 1792Museo d'arte regionale di Samara

Piazza Rossa di Mosca. Dipinto di Fyodor Alekseev. 1801Galleria Statale Tretyakov

Veduta della Borsa e dell'Ammiragliato dalla Fortezza di Pietro e Paolo. Dipinto di Fyodor Alekseev. 1810Galleria Statale Tretyakov

I paesaggi sono dipinti dalla natura, ma sono certamente finalizzati in bottega: lo spazio è diviso in tre piani intelligibili, la prospettiva è ravvivata da figure umane - il cosiddetto staffage - e l'ordine compositivo è rafforzato dal colore condizionale. Quindi, Semyon Shchedrin raffigura Gatchina e Pavlovsk, e Fyodor Alekseev raffigura le piazze di Mosca e gli argini di San Pietroburgo; A proposito, entrambi hanno completato la loro educazione artistica in Italia.

2. Perché gli artisti russi dipingono paesaggi italiani

In misura ancora maggiore, la fase successiva nello sviluppo del paesaggio russo, la fase romantica, sarà collegata all'Italia. Andando lì come pensionati, cioè per uno stage dopo essersi diplomati con successo all'Accademia, gli artisti della prima metà del XIX secolo, di regola, non hanno fretta di tornare. Lo stesso clima meridionale sembra loro un segno della mancanza di libertà nella loro patria, e l'attenzione al clima è il desiderio di rappresentarlo: la luce concreta e l'aria di una terra calda e libera, dove l'estate dura sempre. Questo apre la possibilità di padroneggiare la pittura plein air - la capacità di costruire una combinazione di colori in base all'illuminazione e all'atmosfera reali. Il primo paesaggio classicista richiedeva uno scenario eroico, incentrato sul significativo, sull'eterno. Ora la natura sta diventando l'ambiente in cui vivono le persone. Certo, un paesaggio romantico (come tutti gli altri) comporta anche una selezione: solo ciò che sembra bello entra nell'inquadratura: solo questa è un'altra cosa bella. Paesaggi che esistono indipendentemente dall'uomo, ma a lui favorevoli: un'idea del genere della natura "corretta" coincide con la realtà italiana.

Notte di luna a Napoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria Statale Tretyakov

Grotta di Matromanio sull'isola di Capri. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1827Galleria Statale Tretyakov

Cascate di Tivoli. Dipinto di Sylvester Shchedrin. Primi anni 1820Galleria Statale Tretyakov

Veranda ricoperta di uva. Dipinto di Sylvester Shchedrin. 1828Galleria Statale Tretyakov

Sylvester Shchedrin ha vissuto in Italia per 12 anni e durante questo periodo è riuscito a creare una sorta di dizionario tematico di motivi paesaggistici romantici: una notte di luna, un mare e una grotta da cui si apre il mare, cascate e terrazze. La sua natura unisce l'universale e l'intimo, lo spazio e la possibilità di nascondersi all'ombra di un pergolato di vite. Questi pergolati o terrazze sono come recinti interni nell'infinito, dove, con vista sul golfo di Napoli, i vagabondi lazzaroni si abbandonano a beati ozi. Sembrano far parte della composizione stessa del paesaggio: figli liberi della natura selvaggia. Shchedrin, come previsto, ha finalizzato i suoi dipinti in studio, ma il suo stile pittorico dimostra un'eccitazione romantica: una pennellata aperta scolpisce le forme e le trame delle cose, come al ritmo della loro immediata comprensione e risposta emotiva.

Apparizione del Messia (Apparizione di Cristo al popolo). Dipinto di Aleksandr Ivanov. 1837–1857Galleria Statale Tretyakov

Apparizione di Cristo al popolo. Schizzo iniziale. 1834

Apparizione di Cristo al popolo. Uno schizzo scritto dopo un viaggio a Venezia. 1839Galleria Statale Tretyakov

Apparizione di Cristo al popolo. Schizzo "Stroganov". 1830Galleria Statale Tretyakov

Ma Alexander Ivanov, un contemporaneo più giovane di Shchedrin, scopre una natura diversa, non collegata ai sentimenti umani. Per più di 20 anni ha lavorato al dipinto “L'apparizione del Messia”, ei paesaggi, come tutto il resto, sono stati realizzati in connessione indiretta con esso: infatti, sono stati spesso concepiti dall'autore come schizzi, ma sono sono stati eseguiti con completezza pittorica. Da un lato, si tratta di panorami deserti delle pianure e delle paludi italiane (un mondo non ancora umanizzato dal cristianesimo), dall'altro, primi piani di elementi della natura: un ramo, pietre in un ruscello e anche solo secco terreno, dato anche panoramicamente da un interminabile fregio orizzontale Ad esempio, nel dipinto “Il terreno presso le porte della chiesa di San Paolo in Albano”, dipinto negli anni Quaranta dell'Ottocento.. L'attenzione ai dettagli è anche irta di attenzione agli effetti plein-air: a come il cielo si riflette nell'acqua e il terreno accidentato cattura i riflessi del sole - ma tutta questa accuratezza si trasforma in qualcosa di fondamentale, un'immagine della natura eterna nella sua fondamenti fondamentali. Si presume che Ivanov abbia utilizzato una fotocamera lucida, un dispositivo che aiuta a frammentare il visibile. Probabilmente lo usò anche Shchedrin, ma con un risultato diverso.

3. Come è apparso il primo paesaggio russo

Per il momento la natura è bella e quindi estranea: la bellezza è negata alla propria. Gli "italiani russi" non si ispirano alla fredda Russia: il suo clima è associato alla mancanza di libertà, al torpore della vita. Ma in un circolo diverso, tali associazioni non sorgono. Nikifor Krylov, uno studente di Alexei Gavrilovich Venetsianov, che non viaggiava fuori dalla patria ed era lontano da una visione romantica del mondo, probabilmente non conosceva le parole di Karl Bryullov sull'impossibilità di scrivere neve e inverno ("tutto verrà fuori latte versato ”). E nel 1827 creò il primo paesaggio nazionale, solo invernale.

Paesaggio invernale (inverno russo). Dipinto di Nikifor Krylov. 1827 Museo Statale Russo

Alla scuola che ha aperto nel villaggio di Safonko-vo Ora Venetsianovo., Venetsianov ha insegnato “a non ritrarre nulla di diverso da come è in natura, e ad obbedire solo ad esso” (all'Accademia, al contrario, hanno insegnato a concentrarsi sui campioni, sul collaudato e sull'ideale). Dall'alta sponda del Tosna la natura si apriva panoramicamente - in un'ampia prospettiva. Il panorama è ritmicamente abitato, e le figure di persone non si perdono nello spazio, gli sono congeniali. Molto tempo dopo, proprio questi tipi di “persone felici” – un uomo che conduce un cavallo, una contadina con una mente corta – acquisiranno un accento un po' ricordo nella pittura, ma finora questa è la loro prima apparizione e loro sono disegnati con cura per la visione da vicino. La luce uniforme della neve e del cielo, le ombre blu e gli alberi trasparenti rappresentano il mondo come un idillio, come il centro della pace e del giusto ordine. Ancora più nitida questa percezione del mondo sarà incarnata nei paesaggi di un altro studente di Venetsianov, Grigory Soroka.

L'artista servo (Venetsianov, che era amico del suo "padrone", non è mai riuscito a liberare il suo amato studente) Gazza è il rappresentante più talentuoso del cosiddetto Biedermeier russo (come l'arte degli allievi della scuola Venetsianov è chiamato). Per tutta la vita dipinse gli interni e i dintorni della tenuta, e dopo la riforma del 1861 divenne un attivista contadino, per il quale fu brevemente arrestato e, forse, punito corporalmente, dopodiché si impiccò. Altri dettagli della sua biografia sono sconosciuti, poche opere sono state conservate.

Pescatori. Visualizza in Spasskoye. Dipinto di Grigorij Soroka. Seconda metà del 1840 Museo Statale Russo

I suoi "Pescatori" sembrano essere il quadro più "tranquillo" dell'intero corpus della pittura russa. E il più "equilibrato". Tutto si riflette in tutto e fa rima con tutto: il lago, il cielo, gli edifici e gli alberi, le ombre e le luci, le persone in abiti bianchi fatti in casa. Un remo calato nell'acqua non provoca spruzzi e nemmeno un'onda sulla superficie dell'acqua. Le tonalità perlate nei bianchi della tela e nei verdi scuri trasformano il colore in una luce, forse serale, ma più trascendente, celeste: una radiosità diffusa e calma. Sembra che pescare implichi azione, ma non esiste: le figure immobili non introducono nello spazio un elemento di genere. E queste stesse figure in pantaloni e camicie da contadini non sembrano contadini, ma personaggi di un racconto o di una canzone epica. Un paesaggio concreto con un lago nel villaggio di Spasskoye si trasforma in un'immagine ideale della natura, silenziosa e leggermente sognante.

4. Come il paesaggio russo cattura la vita russa

La pittura dei veneziani nel campo generale dell'arte russa occupava un posto modesto e non cadeva nel mainstream. Fino ai primi anni Settanta dell'Ottocento il paesaggio si sviluppò secondo la tradizione romantica, accrescendo effetti e sfarzo; era dominato da monumenti e rovine italiane, vedute del mare al tramonto e notti di luna (tali paesaggi si possono trovare, ad esempio, ad Aivazovsky, e successivamente a Kuindzhi). E a cavallo tra il 1860 e il 1870, si verifica un netto ritaglio. In primo luogo, è collegato all'apparizione sul palcoscenico della natura domestica e, in secondo luogo, al fatto che questa natura è dichiaratamente priva di ogni segno di bellezza romantica. Nel 1871 Fyodor Vasilyev dipinse The Thaw, che Pavel Mikhailovich Tretyakov acquistò immediatamente per la collezione; nello stesso anno, Alexei Savrasov mostrò i suoi successivi famosi "Rooks" alla prima mostra itinerante (allora il dipinto si chiamava "Here the Rooks Arrived").

Scongelare. Dipinto di Fyodor Vasiliev. 1871 Galleria Statale Tretyakov

Sia in "The Thaw" che in "Rooks" la stagione non è definita: non è più inverno, non è ancora primavera. Il critico Stasov ha ammirato il modo in cui Savrasov "ha sentito l'inverno", mentre altri spettatori "hanno sentito" solo la primavera. Lo stato di natura transitorio e fluttuante ha permesso di saturare il dipinto di sottili riflessi atmosferici, di renderlo dinamico. Ma per il resto, questi paesaggi parlano di cose diverse.

I Corvi sono arrivati. Dipinto di Alexei Savrasov. 1871 Galleria Statale Tretyakov

Vasiliev concettualizza la colata di fango: è proiettata sulla vita sociale moderna: la stessa atemporalità, noiosa e senza speranza. Tutta la letteratura domestica, dagli scritti rivoluzionario-democratici di Vasily Sleptsov ai romanzi anti-nichilisti di Nikolai Leskov (il titolo di uno di questi romanzi - "Nowhere" - potrebbe diventare il nome dell'immagine), ha fissato l'impossibilità del percorso - quell'impasse in cui un uomo e un ragazzo si perdono nel paesaggio. Sì, e in orizzontale, giusto? Lo spazio è privo di coordinate paesaggistiche, fatta eccezione per miserabili capanne innevate, rifiuti legnosi impantanati nella fanghiglia e alberi sbilenchi su un ombrellone di montagna. È panoramico, ma schiacciato dal cielo grigio, non meritevole di luce e colore - uno spazio in cui non c'è ordine. Savrasov ha qualcos'altro. Sembra sottolineare anche il prosaismo del motivo: la chiesa, che potrebbe diventare oggetto di “fotografia”, ha lasciato il posto al boccascena di betulle storte, narici-quelle nevi e pozzanghere di acqua sciolta. "Russo" significa "povero", sgradevole: "natura magra", come in Tyutchev. Ma lo stesso Tyutchev, cantando "la terra della sua longanimità nativa", ha scritto: "Non capirà e non si accorgerà / Lo sguardo orgoglioso di uno straniero, / Ciò che traspare e risplende segretamente / Nella tua umile nudità", - e in "Rooks" questa luce segreta è . Il cielo occupa metà della tela, e da qui un “raggio celeste” del tutto romantico arriva sulla terra, illuminando il muro del tempio, la recinzione, l'acqua dello stagno - segna i primi passi della primavera e dona al paesaggio il suo aspetto emotivo e colorazione lirica. Tuttavia, il disgelo di Vasiliev promette anche la primavera, e questa sfumatura di significato è possibile anche qui se desideri vederlo - o leggerlo qui.

5. Come si è sviluppata la scuola paesaggistica russa

Strada di campagna. Dipinto di Alexei Savrasov. 1873Galleria Statale Tretyakov

Sera. Volo degli uccelli. Dipinto di Alexei Savrasov. 1874Museo d'arte di Odessa

Savrasov è uno dei migliori coloristi russi e uno dei più “multilingue”: è stato ugualmente capace di dipingere lo sterrato stradale (“Country Road”) con colori intensi e festosi o costruire la più raffinata armonia minimalista in un paesaggio composto solo da terra e cielo (" Volo serale degli uccelli). Insegnante alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, ha influenzato molti; il suo stile pittorico virtuoso e aperto continuerà con Po-le-nov e Levitan, e i motivi risuoneranno con Serov, Korovin e persino Shishkin (grandi querce). Ma proprio Shishkin incarna un'ideologia diversa del paesaggio paterno. Questa è un'idea di eroismo (persuasione leggermente epica), della solenne grandezza, forza e gloria del "nazionale" e del "popolare". Una sorta di pathos patriottico: possenti pini, gli stessi in ogni periodo dell'anno (la variabilità plein air era decisamente estranea a Shishkin, e preferiva dipingere le conifere), raccolte in un set forestale, ed erbe, scritte con ogni cura , formano anche un insieme di erbe simili che non rappresentano la diversità botanica. È caratteristico che, ad esempio, nel dipinto "Segale" gli alberi dello sfondo, diminuendo di dimensioni secondo la prospettiva lineare, non perdano la nitidezza dei contorni, che sarebbe inevitabile se si tiene conto della prospettiva aerea, ma l'inviolabilità delle forme è importante per l'artista. Non sorprende che il suo primo tentativo di rappresentare l'ambiente luce-aria nel dipinto “Morning in a Pine Forest” (scritto in collaborazione con Konstantin Savitsky - gli orsi del suo pennello) abbia causato un epigramma di giornale: “Ivan Ivanovich, è quello Voi? Cosa, padre, hanno lasciato entrare la nebbia.

Segale. Dipinto di Ivan Shishkin. 1878Galleria Statale Tretyakov

Mattina in una pineta. Dipinto di Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. 1889Galleria Statale Tretyakov

Shishkin non aveva seguaci e, in generale, la scuola paesaggistica russa si sviluppò, relativamente parlando, lungo la linea di Savrasov. Cioè, sperimentare l'interesse per le dinamiche atmosferiche e coltivare la freschezza dello studio e un modo di scrivere aperto. A ciò si sovrappone anche la passione per l'impressionismo, quasi universale negli anni Novanta dell'Ottocento, e, in generale, la sete di emancipazione, almeno quella del colore e della tecnica del pennello. Ad esempio, in Polenov - e in nessun altro - non c'è quasi differenza tra uno studio e un dipinto. Gli studenti di Savrasov, e poi Levitan, che ha sostituito Savrasov alla guida della classe di paesaggio della Scuola di Mosca, hanno reagito bruscamente in modo impressionista-sionista agli stati istantanei della natura, alla luce casuale e a un improvviso cambiamento del tempo - e questa nitidezza e velocità di reazione si esprimevano nell'esposizione delle tecniche, nel modo in cui attraverso il motivo e sopra il motivo diventava comprensibile il processo stesso di creazione di un'immagine e la volontà dell'artista che sceglie questi o quei mezzi espressivi. Il paesaggio ha cessato di essere del tutto oggettivo, la personalità dell'autore ha affermato di affermare la propria posizione indipendente, finora in equilibrio con la specie data. Levitan ha dovuto designare questa posizione per intero.

6. Come finì il secolo del paesaggio

Isaac Levitan è considerato il creatore del “mood landscape”, cioè un artista che proietta in gran parte i propri sentimenti sulla natura. E in effetti, nelle opere di Levitan questo grado è alto e la gamma delle emozioni è suonata su tutta la tastiera, dalla quieta tristezza alla gioia trionfante.

Chiudendo la storia del paesaggio russo del XIX secolo, Levitan sembra sintetizzare tutti i suoi movimenti, mostrandoli alla fine con tutta chiarezza. Nella sua pittura si possono trovare sia rapidi schizzi scritti magistralmente che panorami epici. Ha ugualmente padroneggiato sia la tecnica impressionista di scolpire il volume con tratti colorati separati (a volte superando la "norma" impressionista nelle trame frazionate), sia il metodo sionista post-impressionista di muratura colorata e pastosa. Sapeva vedere gli angoli da camera, la natura intima - ma mostrava anche un amore per gli spazi aperti (forse era così che veniva compensato il ricordo delle Pale of Settlement - l'umiliante probabilità di sfratto da Mosca incombeva sull'artista come una spada di Damocle anche all'epoca della fama, costringendolo due volte alla fuga totale frettolosa dalla città).

Sopra l'eterno riposo. Dipinto di Isaac Levitan. 1894Galleria Statale Tretyakov

Chiamata serale, campana serale. Dipinto di Isaac Levitan. 1892Galleria Statale Tretyakov

Le "Viste lontane" potrebbero essere associate sia a una sensazione di spazio patriotticamente colorato ("Fresh wind. Volga"), sia esprimere un malinconico desiderio - come nel dipinto "Vladimirka", dove il drammatico ricordo del luogo (hanno condotto in Siberia lungo questo duro lavoro stradale scorta) si legge senza ulteriori dintorni nell'immagine stessa della strada, allentata da piogge o precedenti processioni, sotto un cielo cupo. E, infine, una sorta di scoperta di Levitan - elegie paesaggistiche di natura filosofica, dove la natura diventa occasione di riflessione sul cerchio dell'essere e sulla ricerca di un'armonia irraggiungibile: “Quiet Abode”, “Above Eternal Peace”, “Evening Campane”.

Probabilmente il suo ultimo dipinto, “Lago. Rus'”, potrebbe appartenere a questa serie. È stata concepita come un'immagine olistica della natura russa. Levitan voleva chiamarlo "Rus", ma ha optato per una versione più neutra; il doppio nome è rimasto in seguito., però, rimase incompiuto e forse, anche per questo, vi si combinarono posizioni contraddittorie: il paesaggio russo nella sua eterna esistenza e la tecnica impressionistica, attenta alle “cose fugaci”.

Lago. Russia. Dipinto di Isaac Levitan. 1899-1900 anni Museo Statale Russo

Non possiamo sapere se questa romantica forzatura di colore e portata del polso sarebbe rimasta nella versione finale. Ma questo stato intermedio è una sintesi in un quadro. Un panorama epico, una realtà naturale eterna e irremovibile, ma al suo interno tutto si muove: nuvole, vento, increspature, ombre e riflessi. I tratti ampi catturano ciò che non è diventato, ma ciò che sta diventando, cambiando, come se cercasse di essere nel tempo. Da un lato la pienezza del periodo di massimo splendore estivo, la solenne tromba maggiore, dall'altro l'intensità della vita, pronta al cambiamento. Estate 1900; sta arrivando una nuova era in cui la pittura di paesaggio - e non solo la pittura di paesaggio - avrà un aspetto completamente diverso.

Fonti

• Boemo K. Storia dei generi. Scenario.
• Fedorov-Davydov A.A. Paesaggio russo del XVIII - inizio XX secolo.

Pubblicato: 26 marzo 2018

Questo elenco di famosi pittori di paesaggi è stato compilato dal nostro editore, Neil Collins, M.A., LL.B. Rappresenta la sua opinione personale sui dieci migliori rappresentanti dell'arte di genere. Come ogni raccolta di questo tipo, rivela più i gusti personali del compilatore che la posizione dei paesaggisti. Quindi i primi dieci paesaggisti e i loro paesaggi.

#10 Thomas Cole (1801-1848) e Frederick Edwin Church (1826-1900)

Al decimo posto, due artisti americani contemporaneamente.

Thomas Cole: Il più grande paesaggista americano del primo Ottocento e fondatore della Hudson River School, Thomas Cole nacque in Inghilterra, dove lavorò come apprendista incisore prima di emigrare negli Stati Uniti nel 1818, dove ottenne rapidamente il riconoscimento come un paesaggista, stabilendosi nel villaggio di Catskill nella Hudson Valley. Ammiratore di Claude Lorraine e Turner, visitò l'Inghilterra e l'Italia tra il 1829 e il 1832, dopodiché (grazie anche all'incoraggiamento ricevuto da John Martin e Turner) iniziò a concentrarsi meno sugli scenari naturali e più su grandiosi allegorici e storici temi. . In gran parte impressionato dalla bellezza naturale del paesaggio americano, Cole ha impregnato gran parte della sua arte paesaggistica con grande sentimento e evidente splendore romantico.

Famosi paesaggi di Thomas Cole:

- "Veduta delle Catskills - Inizio autunno" (1837), olio su tela, Metropolitan Museum, New York

- "American Lake" (1844), olio su tela, Detroit Institute of Arts

Chiesa di Federico Edwin

Chiesa di Federico Edwin: L'allievo di Cole, Church, potrebbe aver superato il suo insegnante in monumentali panorami romantici, ognuno dei quali trasmetteva una certa spiritualità della natura. La chiesa dipinse viste impressionanti di paesaggi naturali in tutto il continente americano dal Labrador alle Ande.

Famosi paesaggi di Frederic Church:

- "Cascate del Niagara" (1857), Corcoran, Washington

- "Cuore delle Ande" (1859), Metropolitan Museum of Art, New York

- "Cotopaxi" (1862), Detroit Institute of Arts

#9 Caspar David Friedrich (1774-1840)

Riflessivo, malinconico e un po' solitario, Caspar David Friedrich è il più grande paesaggista della tradizione romantica. Nato vicino al Mar Baltico, si stabilì a Dresda, dove si concentrò esclusivamente sulle connessioni spirituali e sul significato del paesaggio, ispirato dalla quiete silenziosa della foresta, così come dalla luce (alba, tramonto, chiaro di luna) e dalle stagioni. Il suo genio risiede nella sua capacità di catturare una dimensione spirituale finora sconosciuta nella natura, che conferisce al paesaggio un misticismo emotivo e incomparabile.

Famosi paesaggi di Caspar David Friedrich:

- "Paesaggio invernale" (1811), olio su tela, National Gallery, Londra

- "Paesaggio nel Riesengebirge" (1830), olio su tela, Museo Pushkin, Mosca

- Uomo e donna che guardano la luna (1830-1835), olio, National Gallery, Berlino

#8 Alfred Sisley (1839-1899)

Spesso chiamato "l'impressionista dimenticato", l'anglo-francese Alfred Sisley fu secondo solo a Monet nella sua devozione al plein airismo spontaneo: fu l'unico impressionista che si dedicò esclusivamente alla pittura di paesaggio. La sua reputazione seriamente sottovalutata si basa sulla sua capacità di catturare gli effetti unici della luce e delle stagioni in ampi paesaggi, scene di mare e fiume. La sua rappresentazione dell'alba e di una giornata nuvolosa è particolarmente memorabile. Oggi non è molto popolare, ma è ancora considerato uno dei massimi rappresentanti della pittura di paesaggio impressionista. Potrebbe essere sopravvalutato, perché, a differenza di Monet, il suo lavoro non ha mai sofferto di mancanza di forma.

Famosi paesaggi di Alfred Sisley:

- Mattino nebbioso (1874), olio su tela, Musée d'Orsay

- "Neve a Louveciennes" (1878), olio su tela, Musée d'Orsay, Parigi

- Morette Ponte al Sole (1892), olio su tela, collezione privata

#7 Alberto Cuyp (1620-1691)

Pittore realista olandese, Aelbert Kuip è uno dei più famosi paesaggisti olandesi. Le sue viste panoramiche più magnifiche, scene fluviali e paesaggi con bestiame calmo, mostrano maestosa serenità e gestione magistrale della luce intensa (sole mattutino o serale) in stile italiano è un segno della grande influenza di Klodeev. Questa luce dorata spesso cattura solo i lati e i bordi di piante, nuvole o animali attraverso effetti di luce impastati. In questo modo, Cuyp ha trasformato la sua nativa Dordrecht in un mondo immaginario, riflettendolo all'inizio o alla fine di una giornata ideale, con un senso onnicomprensivo di quiete e sicurezza, e l'armonia di tutto con la natura. Popolare in Olanda, era molto apprezzato e raccolto in Inghilterra.

Famosi paesaggi di Albert Cuyp:

- "Veduta di Dordrecht da nord" (1650), olio su tela, collezione di Anthony de Rothschild

- “Paesaggio fluviale con cavaliere e contadini” (1658), olio, National Gallery, Londra

#6 Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)

Jean-Baptiste Corot, uno dei più grandi paesaggisti dello stile romantico, è famoso per la sua indimenticabile rappresentazione pittoresca della natura. Il suo approccio particolarmente sottile alla distanza, alla luce e alla forma dipendeva dal tono piuttosto che dal disegno e dal colore, conferendo alla composizione finale un'aria di romanticismo senza fine. Meno vincolati dalla teoria pittorica, le opere di Corot sono comunque tra i paesaggi più apprezzati al mondo. Partecipante regolare al Salon di Parigi dal 1827 e membro della Scuola di Barbizon, guidata da Theodore Rousseau (1812-1867), ebbe una grande influenza su altri artisti plein air come Charles-Francois Doubigny (1817-1878), Camille Pissarro (1830-1903) e Alfred Sisley (1839-1899). Era anche un uomo insolitamente generoso che spendeva la maggior parte dei suoi soldi per artisti bisognosi.

Famosi paesaggi di Jean-Baptiste Corot:

- "Il ponte a Narni" (1826), olio su tela, Louvre

- Ville d'Avrey (ca. 1867), olio su tela, Brooklyn Museum of Art, New York

- "Paesaggio rurale" (1875), olio su tela, Musée Toulouse-Lautrec, Albi, Francia

#5 Jacob van Ruisdael (1628-1682)

Il lavoro di Jacob van Ruisdael, ora considerato il più grande di tutti i paesaggisti realisti olandesi, ebbe un enorme impatto sulla successiva arte paesaggistica europea, nonostante fosse meno popolare durante la sua vita rispetto ai pittori in stile italiano. I suoi soggetti includevano mulini a vento, fiumi, foreste, campi, spiagge e paesaggi marini, raffigurati con una sensazione insolitamente commovente, utilizzando forme audaci, colori densi e pennellate energiche e spesse, invece della solita attenzione al tono. Jacob, allievo di suo zio Salomon van Ruisdael, a sua volta insegnò al famoso Meindert Hobbem (1638-1709), e ammirò molto i maestri inglesi come Thomas Gainsborough e John Constable, nonché membri della Barbizon School.

Famosi paesaggi di Jacob van Ruisdael:

- Paesaggio con pastori e contadini (1665), olio su tela, Galleria degli Uffizi

- "The Mill at Wijk near Duarsted" (1670), olio su tela, Rijksmuseum

- "Cimitero ebraico a Ouderkerk" (1670), Galleria dei vecchi maestri, Dresda

N. 4 Claude Lorrain (1600-1682)

Pittore, disegnatore e incisore francese attivo a Roma, considerato da molti storici dell'arte come il più grande pittore di paesaggi idilliaci della storia dell'arte. Poiché il paesaggio puro (cioè secolare e non classico), così come la normale natura morta o la pittura di genere, mancavano di pesantezza morale (nel XVII secolo a Roma), Claude Lorrain introdusse elementi classici e temi mitologici nelle sue composizioni, tra cui divinità, eroi e santi. Inoltre il suo ambiente d'elezione, la campagna intorno a Roma, era ricco di antiche rovine. Questi classici paesaggi pastorali italiani erano anche pieni di una luce poetica che rappresenta il suo contributo unico all'arte della pittura di paesaggio. Claude Lorraine influenzò particolarmente i pittori inglesi, sia durante la sua vita che per i due secoli successivi: John Constable lo definì "il miglior paesaggista che il mondo abbia mai visto".

Famosi paesaggi di Claude Lorrain:

- "Roma moderna - Campo Vaccino" (1636), olio su tela, Louvre

- "Paesaggio con le nozze di Isacco e Rebecca" (1648), olio, National Gallery

- "Paesaggio con Tobio e l'angelo" (1663), olio, Hermitage, San Pietroburgo

#3 John Constable (1776-1837)

Si colloca accanto a Turner come uno dei migliori paesaggisti inglesi, non da ultimo per la sua eccezionale capacità di ricreare i colori, il clima e lo scenario rustico della romantica campagna inglese, ma anche per il suo ruolo pionieristico nello sviluppo del plein airismo. In contrasto con lo stile decisamente interpretativo di Turner, John Constable si è concentrato sulla natura, dipingendo i paesaggi di Suffolk e Hampstead che conosceva così bene. Tuttavia, le sue composizioni spontanee e fresche erano spesso ricostruzioni meticolose, che dovevano molto al suo attento studio del realismo olandese e alle opere italianizzate nella vena di Claude Lorrain. Il famoso pittore Henry Fuseli una volta commentò che le raffigurazioni naturalistiche realistiche di Constable lo facevano sempre chiedere la loro protezione!

Famosi paesaggi di John Constable:

- "Building a boat at Flatford" (1815), olio, Victoria and Albert Museum, Londra

- "Carro di fieno" (1821), olio su tela, National Gallery, Londra

N. 2 Claude Monet (1840-1926)

Il più grande paesaggista moderno e gigante della pittura francese, Monet fu la figura di spicco del movimento impressionista incredibilmente influente, ai cui principi di pittura spontanea plein air rimase fedele per il resto della sua vita. Amico intimo dei pittori impressionisti Renoir e Pissarro, il suo desiderio di verità ottica, principalmente nella rappresentazione della luce, è rappresentato da una serie di tele raffiguranti lo stesso oggetto in diverse condizioni di luce e in diversi momenti della giornata, come " Haystacks" (1888), The Poplars (1891), Rouen Cathedral (1892) e The River Thames (1899). Questo metodo culminò nella famosa serie delle Ninfee (tra tutti i paesaggi più famosi) realizzata a partire dal 1883 nel suo giardino a Giverny. La sua ultima serie di disegni monumentali di ninfee dai colori cangianti è stata interpretata da diversi storici dell'arte e pittori come un importante precursore dell'arte astratta, e da altri come l'esempio supremo della ricerca di Monet per il naturalismo spontaneo.