Główne innowacje w kulturze, które powstały w pierwszej połowie XX wieku, ukształtowały się głównie w nurcie modernizmu, który stał się swoistą drogą artystycznej degeneracji problemów tego stulecia. Tradycja została zdecydowanie odrzucona na rzecz awangardy. Jego głównymi cechami są odejście od wartości kulturowych XVIII i XIX wieku, przede wszystkim od zasady realizmu, głoszenie niezależności sztuki od rzeczywistości, tworzenie nowych, niepowtarzalnych stylów języka i treści w pięknym sztuka.

Jednym z najsłynniejszych ruchów modernizmu pierwszej dekady XX wieku był fowizm (od francuskiego fanve – dziki), reprezentowany przez nazwiska malarzy francuskich – A. Matisse’a, A. Marqueta, J. Rouaulta, A. Deraina. i inni.Połączyła ich chęć tworzenia obrazy artystyczne wyłącznie za pomocą jasnych, przenikliwych kolorów. Przyrodę i pejzaż wykorzystywali nie tyle jako obiekty obrazu, ile jako powód do tworzenia intensywnych kompozycji kolorystycznych.

W pierwszej ćwierci XX wieku jeden z najmodniejszych i najbardziej wpływowych metody artystyczne był ekspresjonizm (od francuskiego wyrażenia - ekspresja). Opierając się na filozoficznym intuicjonizmie A. Bergsona i fenomenologii E. Husserla, mistrzowie tego ruchu artystycznego (niemieccy artyści F. Mark, E. Nolde, P. Klee, rosyjski artysta V. Kandinsky, austriaccy kompozytorzy A. Schoenberg, A. Berg i in.) głosili, że celem sztuki nie jest przedstawienie współczesnej rzeczywistości, lecz niepowtarzalne wyrażenie jej istoty w subiektywnym świecie człowieka. Starali się za pomocą środków wizualnych, muzycznych, sztuka literacka(F. Kafka) przekazują napięcie ludzkie emocje, irracjonalność obrazów, które powstają w człowieku. Deformacja normalnych postaci na rzecz wzmożenia transmisji ludzkich lęków i cierpień, często objawiających się w postaci zbioru fantastycznych, koszmarnych wizji, staje się głównym kierunkiem ich twórczości. Przedstawiają otaczający świat w nieskończonym ruchu, niezrozumiałym chaotycznym starciu sił wrogich naturalnemu stanowi człowieka. Rażące sprzeczności w życiu Europy na początku stulecia, które były szczególnie dotkliwe podczas I wojny światowej i Rewolucja październikowa w Rosji, a następnie w Niemczech, dał w twórczości ekspresjonistów ostry protest przeciwko wojnie i przemocy, wezwanie do powszechnego braterstwa ludzi.

Jednym z wpływowych ruchów artystycznych pierwszej ćwierci XX wieku był kubizm (od francuskiego sześcian – sześcian) – awangardowy ruch w sztuce, który kładł nacisk na konstruowanie form wolumetrycznych na płaszczyźnie i stosowanie płytkiej perspektywy wielowymiarowej , co umożliwiło przedstawienie przedstawionego obiektu w postaci wielu przecinających się linii i kształtów geometrycznych - sześcianu, stożka, walca. Według autora terminu „kubizm” L. Vossela w obrazach ten kierunek dominuje „wiele kostek”. Za rok powstania tego nurtu przyjmuje się rok 1907, kiedy to wybitny artysta P. Picasso wystawił swój programowy sześcienny obraz „Les Demoiselles d'Avignon” – dużą tablicę przedstawiającą scenę burdelu. Postacie kobiece na zdjęciu prawie nie są trójwymiarowe, płaskie, postacie są przedstawione w różowawym kolorze, w formie geometrycznej, ich twarze są pomalowane szorstkimi pociągnięciami. Najsłynniejsi przedstawiciele kubizmu P. Picasso, J. Braque, H. Gris, F. Picabia, M. Duchamp, F. Leger i inni swoją twórczością demonstrowali odmowę odtwarzania przestrzeni poprzez perspektywa liniowa, zastępując go jednoczesnym obrazem obiektu z kilku różnych punktów widzenia. Jeśli na pierwszym etapie rozwoju kubizmu (1907-1913), zwanym „analitycznym”, wszystkie obrazy zostaną rozbite na małe płaszczyzny i sześciany, co zdaniem autorów pozwala na głębszy wgląd w istotę przedmiotów i zjawisk, to na etapie syntezy coraz większą uwagę zwraca się na kolor, obrazy stają się bardziej abstrakcyjne, dekoracyjne i uogólnione, a ascetyczne odcienie zielonkawe, brązowawe i szare ustępują miejsca jaśniejszym i bardziej kontrastowym. Kubizm miał duży wpływ na rozwój sztuki awangardowej, przyczynił się do powstania abstrakcjonizmu, futuryzmu i suprematyzmu.

Abstrakcjonizm zyskał szeroką popularność i wielki wpływ w pierwszej połowie XX wieku - metoda twórcza sztuka abstrakcyjna, czyli nieobiektywna, niefiguratywna, zwłaszcza malarstwo. Credo estetyczne Metodę tę nakreślił wybitny rosyjski artysta W. Kandinsky w książce „O sztuce duchowej” (1910), w której argumentował, że artysta jest prorokiem i działaczem, ciągnącym ze wszystkich sił do przodu „utknięty wóz ludzkości”. Można tego jednak dokonać jedynie poprzez stworzenie „nowej rzeczywistości”, która nie jest niczym innym jak wewnętrzną, subiektywną rzeczywistością, wynikającą z intelektu i uczuć artysty. Istotą sztuki abstrakcyjnej, zdaniem jej zwolenników (W. Kandinsky'ego, P. Mondriana, F. Kupki i in.), jest to, że malarstwo uwolnione od przedstawiania form widzialnej rzeczywistości może wyrazić to, co obiektywnie istnieje znacznie głębiej i pełniej .

W sztuce abstrakcyjnej można wyróżnić dwa główne kierunki. Pierwszy z nich, na który wskazują prace V. Kandinsky'ego, F. Kupki i innych, kładzie główny nacisk na niezależną wartość wyrazową plamy barwnej, jej kolorystyczne bogactwo relacji barwnych, za pomocą których artysta stara się wyrażają głębokie „prawdy istnienia”, odwieczne „esencje duchowe”, niepodlegające szorstkiej obiektywności rzeczywistości. Jest to najbardziej wyraziste w obrazie V. Kandinsky'ego „Szkic 1 do kompozycji VII” (1913), na którym panuje zamieszanie w kolorach czerwonym, pomarańczowym, żółtym, niebieskawo-zielonkawym, przeplatanym czarnymi paskami, nad którymi wznosi się czerwona figura, przypominająca zarówno twarz, jak i wiolonczelę, powinna zgodnie z zamysłem artysty wyrażać złożoną melodię pozornie brzmiących uczuć, emocji i przeżyć człowieka. Nazywano to ekspresjonizmem abstrakcyjnym.

Drugi kierunek sztuki abstrakcyjnej, który ma swoje korzenie w twórczości wielkich Malarz francuski P. Cezanne’a i kubistów, charakteryzujących się powstaniem nowych typów przestrzeń artystycznałącząc wszelkiego rodzaju kształty geometryczne, kolorowe płaszczyzny, linie proste i przerywane (K. Malewicz, P. Mondrian, T. van Doesburg itp.) Wyraża się to w kilku odmianach: Suprematyzm (od łacińskiego najwyższego, ostatniego) K. Malewicz, Rayonizm M. Larionow, nieobiektywność P. Mondriana. Wybitny artysta K. Malewicz, działający przez kilka lat w Witebsku, zyskał światową sławę dzięki swojemu „czarnemu kwadratowi”, który uważał nie za „pusty kwadrat”, ale za „podatność na absolutną pustkę”. Po czerni pojawiły się inne obrazy kwadratów - czerwone, a nawet białe na białym tle. W 1914 roku ukazał się obraz „Dynamiczny suprematyzm”, od którego wzięła się nazwa tego ruchu artystycznego. Na białym tle dotyka się trójkąta różne miejsca z innymi kształtami geometrycznymi, trójkątami, kołami o różnych rozmiarach. Suprematyzm Malewicz uważał za absolutną dominację w działalności artystycznej „czystej” sensacji, pozbawionej jakiegokolwiek związku z obiektywną rzeczywistością.

Innowacyjne techniki opracowane przez zwolenników sztuki abstrakcyjnej wywarły ogromny wpływ na powstanie i rozwój pop-artu, op-artu i są szeroko stosowane we współczesnym designie, sztuce projektowania, teatrze, kinie i telewizji.

Futuryzm to jeden z awangardowych ruchów w kulturze pierwszej ćwierci XX wieku, rozpowszechniony głównie we Włoszech i Rosji. Jej punktem wyjścia była publikacja w paryskiej gazecie Le Figaro 20 lutego 1910 roku przez włoskiego poetę F. Marinettiego Manifestu Futurystów. Istotą tego ruchu jest buntowniczy, anarchiczny protest przeciwko tradycyjnej kulturze, apologia najnowszych osiągnięć naukowych i technologicznych oraz gloryfikacja ryku nowoczesnych miast przemysłowych. Próbowali wyciąć „raka” tradycyjnej kultury skalpelem technicyzmu, urbanistyki i nowej nauki. Główny sposób oczyszczenia świata ze starych śmieci włoscy futuryści U. Boccioni, G. Balla, G. Severini i inni byli widziani w wojnach i rewolucjach. Wielu z nich z radością powitało I wojnę światową i zgłosiło się do walki na ochotnika, po czym zginęło. Ich hasło: „Wojna to jedyna higiena na świecie!” Część z nich po wojnie wstąpiła do partii faszystowskiej włoskiego dyktatora B. Mussoliniego. Poezja futurystów jest zawiła, ma na celu zniszczenie żywego języka i przedstawia przemoc wobec słownictwa i składni. W malarstwie i kulturze charakteryzuje je zaprzeczenie harmonii jako podstawowej zasady sztuki. Zapoznanie się z popularnymi przedstawieniami osiągnięć fizyki i psychologii rodzi wśród futurystów chęć przedstawiania nie samych obiektów, ale tworzących je pól energetycznych, magnetycznych i psychologicznych, a ruch ukazany jest poprzez nałożenie na jeden obraz kolejnych faz. W rezultacie na obrazie pojawiają się „rozmyte” kadry przedstawiające konia o dwudziestu nogach i samochód o wielu kołach. Jeszcze jeden ważna cecha Futuryzm polegał na chęci wprowadzenia do sztuk wizualnych odgłosów i dźwięków świata technicznego za pomocą środków wizualnych. J. Balla na przykład nazywa swój obraz „Prędkość samochodu + światło + hałas”.

Futuryzm w Rosji znacznie różnił się od swojego włoskiego odpowiednika. Jej twórców A. Kruchenich, W. Majakowski, W. Chlebnikow, W. Kamenski i bracia Burliuk charakteryzowali się chęcią tworzenia nowych zasad w oparciu o paradoksy semantyczne, innowacyjne „tworzenie słów i innowację słów”, co wyraźnie przejawiało się w zawiłość W. Chlebnikowa. Wyróżniało ich wzmożone poczucie nadchodzącej „rewolucji światowej”, nieuniknionego „upadku starego” i pojawienia się „nowej ludzkości”. Starali się oddać swoją sztukę na służbę rewolucji, ale w wieku 20 lat nie spodobali się nowym władzom, zostali poddani ostrej krytyce, a ich grupy zostały rozwiązane.

Jednym z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych w kulturze XX wieku był surrealizm (od francuskiego surrealizmu, dosłownie superrealizm, nadrealizm), który rozwinął się w latach dwudziestych XX wieku. Jej głównymi przedstawicielami są pisarze A. Breton, G. Appolinaire, P. Eluard, F. Soupault, artyści S. Dali, P. Bloom, M. Ernst, H. Miro, dramatopisarze A. Artaud, J. Cheale, filmowcy I. Bergman, A. Hitchcock i in.) za źródło sztuki uznawali sferę podświadomości – instynkty, sny, halucynacje, urojenia, wspomnienia z dzieciństwa, a główną metodę – zastąpienie powiązań logicznych wolnymi skojarzeniami. Zadaniem artysty w ich rozumieniu było przeniknięcie za pomocą linii, płaszczyzn, kształtów i kolorów w głąb ludzkiej podświadomości, która objawiając się w snach, łączy rzeczywistość i nierzeczywistość w jedną całość. Bardzo sławny artysta w tym kierunku – Salvador Dali swoje podejście do twórczości nazywa „metodą paranoiczno-krytyczną”, która pozwala dobrze znanym umysłowi obrazom – ludziom, zwierzętom, budynkom, krajobrazom – łączyć w groteskowy sposób tak, że np. kończyny zamieniają się w ryby, torsy kobiet w konie, a otwarte kobiece usta w różowawą sofę. W swoim słynnym obrazie Miękka konstrukcja z gotowaną fasolą: przeczucie wojna domowa w Hiszpanii (1936)” seks i horror przeplatają się: miękkie kobiece ciało pośrodku kontrastuje z szorstkimi, stwardniałymi dłońmi, jedna ściska pierś, druga wciska się w ziemię jak stary korzeń winorośl jedzenie gotowanej fasoli, symbolizujące zwykli ludzie którzy stali się ofiarami wojny.

Zszokowany katastrofami XX wieku Dali szokuje widza fantastycznymi, po mistrzowsku wykonanymi kompozycjami, w których misternie splatają się lęki kompleksu Edypa, uosabianymi w portretach W.I. Lenina, osadzonych w klawiaturze czarnego fortepianu („Stronnicza halucynacja : pojawienie się sześciu głów Lenina na fortepianie” (1931) oraz na fotografii faszystowskiego dyktatora na złoconej płycie w ponurym cieniu czarnego telefonu, wiszącego na ściętym drzewie i wypuszczającego z rurki ogromną łzę („ Tajemnica Hitlera” (1939), z okropnościami wojny „Oblicze wojny” (1940-1941), gdzie czaszka, oczy i usta śmiercionośnej głowy są przechylone nad innymi czaszkami. Wyłanianie się z podświadomych, zmysłowych snów , koszmary i paranoiczne fantazje, zamieniając się w ukrytą rzeczywistość, tworzą pływający, kołyszący się, pełen dynamiki obraz, w centrum którego często znajduje się obraz ciasno ubranej, na wpół ubranej i zupełnie nagiej Gali (z domu Rosjanka Elena Deluvina -Dyakonova) była uwielbianą żoną artysty, którą określił jako bardzo seksowną i namiętną.

Surrealizm wywarł potężny wpływ na różne sfery kultury, jego wpływ odczuwała sztuka fotograficzna (F. Nadara, D. Cameron i in.), „teatr absurdu” (E. Ionesco, S. Becket), kino (A Tarkowski i inni ).

kultura artystyczna katharsis

Wiek XX stanowi znaczący punkt zwrotny w dziejach człowieka i formach jego aktywności kulturalnej. Zgadzając się z tym, co wskazywał początek XX wieku ważny etap W rozwoju świadomości artystycznej ludzkości notujemy nie tylko granicę w zmianie obrazów świata, ale pewne globalne zerwanie z dotychczasowymi trendami w sztuce. To nie znaczy tego mówimy o o narodzinach na początku stulecia nowego wszechstronnego stylu, o kształtowaniu się nowych technik wyrazu artystycznego, prowadzących do ukształtowania się trwałego i powszechnie znaczącego stylu formy artystyczne. Wręcz przeciwnie, jesteśmy świadkami mozaikowych poszukiwań artystycznych, które nie mieszczą się w jednej formule.

Nie można jednak zapominać, że już wiek XIX jawił się jako panorama, której nie dało się sprowadzić do jednej formuły poszukiwań artystycznych. Niemniej jednak procesy artystyczne XIX wieku można w ten czy inny sposób wyróżnić, choć krótkie, ale dobrze określone okresy dominującego rozwoju realizmu, naturalizmu, impresjonizmu i symboliki. Podstawowa różnica procesy artystyczne XX w. polega na tym, że heterogeniczne ruchy artystyczne rozwijają się nie sekwencyjnie, lecz równolegle, a jednocześnie są postrzegane jako równorzędne. Cała ich różnorodność (modernizm, abstrakcjonizm, surrealizm, postmodernizm itp.) tworzy całość portret zbiorowy człowiek XX wieku.

Termin modernizm (z francuskiego - nowy) oznacza nowy, Sztuka współczesna, który powstał pod koniec XIX wieku i jest związany z kryzysem światowym kultura europejska Prochorow A. M. Radziecki słownik encyklopedyczny. M., 1985. Subiektywność światopoglądu polega na tym, że podstawą każdego eksperymentu estetycznego jest osobista, indywidualne podejście. Demonstracyjne przeciwstawienie nowych form w stosunku do harmonijnych form sztuki klasycznej. Kryzys sztuki XX wieku był konsekwencją kryzysu światowego przełom XIX-XX stuleci (wojny światowe, rewolucje, konflikty etniczne – elementy niestabilności epoki przejściowej). Kryzys wyraził się we wszystkich sferach kultury: w nauce, filozofii, etyce, prawie, ale przede wszystkim w sztuce, przede wszystkim w malarstwie. Platformą ideową nowych form modernistycznych była filozofia Nietzschego, psychoanaliza Freuda i Junga oraz egzystencjalizm Heideggera i Jaspersa. Znaczenie tej filozofii jest takie, że na świecie nie ma i nie może być nadziei, człowiek musi zdać sobie sprawę, że żyje tylko dzisiaj, a nie jutro, czyli nie ma przyszłości, a jeśli jest, to nie będzie to jego przyszłość. i dla tych, którzy przyjdą po nim, ale dla nich nie jest to już przyszłość, ale teraźniejszość, dlatego trzeba żyć w teraźniejszości, żyć w teraźniejszości i działać w teraźniejszości. Tylko troszcząc się o przyszłość można żyć, dopóki nie spotka się z absurdem. To absurd sprawia, że ​​człowiek patrzy na świat z otwartymi oczami nie w pokorze i nie poddawaniu się losowi, dlatego człowiek jest zobowiązany żyć zgodnie z normami zachowania i działań, które odpowiadają jego strukturze psychicznej, nie powodować dyskomfortu wobec siebie, a jeśli wymaga to wymuszonej samotności, musi wypaść zwykłego społeczeństwa. Sztuka modernistyczna jest syntezą romantyzmu i sentymentalizmu XIX i XVIII wieku oraz ideologii filozoficznej XX wieku. Moderniści wychodzili z założenia, że ​​sprzeczności są nierozwiązywalne era nowożytna i ostatecznie doszedł do zaprzeczenia prawdom duchowym i moralnym.

Poszukiwanie czegoś nowego przerodziło się w chęć przywrócenia integralności i organiczności ludzka egzystencja w ramach jednego systemu kosmologicznego za pomocą środków artystycznych, czyli w sztuce powrócił do metody mitotwórczej, do form sztuka prymitywna, do formularzy kreatywność dzieci, czyli do tych form, w których człowiek czuł się harmonijnie na tym świecie, gdzie nie było fałszu, gdzie nie było przemocy wobec osoby ludzkiej

Kryzys sztuki najdobitniej objawił się w malarstwie: większość artystów XX wieku odeszła od przedstawiania świata takim, jakim go widzimy. Świat wydawał się chwilami zdeformowany nie do poznania, gdyż twórcy kierowali się bardziej własną wyobraźnią, odejście od realizmu nie było pustym kaprysem, artyści chcieli powiedzieć: „świat wcale nie jest taki, jakim go widzimy: jest jest z natury pozbawione znaczenia i absurdalne, tak jak pokazujemy to na naszych obrazach”.

Awangarda to ruch w kulturze artystycznej XX wieku, zrywający z dotychczasowymi normami i tradycjami, przekształcający nowość wyraziste środki jako cel sam w sobie. Prochorow A. M. Radziecki słownik encyklopedyczny. M., 1985. Awangarda jest ściśle związana z modernizmem, pojęcie modernizmu jest szersze niż awangarda, która odnosi się jedynie do kultury artystycznej, a nowoczesność do wszystkiego, co nowe. W awangardzie XX wieku istniało wiele kierunków, trendów, które istniały obok siebie, równolegle, często krzyżowały się ze sobą, zastępowały lub znosiły. Status wieczności uzyskały trzy ruchy: abstrakcjonizm, kubizm, surrealizm (superrealizm). Pierwsze wrażenie po spotkaniu z awangardą jest takie, że wszystko jest nie tak. Jego główna formuła: jeśli nigdy wcześniej tego nie robiono, to trzeba to zrobić, stały znak: świadome obalanie tradycyjnych pomysłów. Awangarda starała się zrodzić nie sztukę, lecz metodę poznania i zastąpić ją tradycyjną filozofią. Dlatego artyści awangardowi tworzą w swojej twórczości coś wyjątkowego, co obejmuje problem myślenia abstrakcyjnego, pośredniej idei bytu i skoncentrowanego świata idei. Zatem sztuka abstrakcyjna nie jest stylem, jest sposobem myślenia. Okresy: od secesji (XIX) do „Les Demoiselles d'Avignon” (pierwszy sześcienny obraz Picassa) charakteryzują się przebudową tradycyjnego rodzaju sztuki; język awangardy nie został jeszcze rozwinięty, dlatego artyści zmuszeni są sami wyjaśniać podstawowe postulaty swego stanowiska.

Abstrakcjonizm to kierunek w sztuce, który powstał w latach 10. XX wieku, odmawiając przedstawiania rzeczywistych obiektów i zjawisk Prochorow A. M. Radziecki słownik encyklopedyczny. M., 1985. Sztuka abstrakcyjna negowanie zadań poznawczych kreatywność artystyczna, jest skrajnym przejawem modernizmu. Za twórcę sztuki abstrakcyjnej uważa się Wassily'ego Kandinsky'ego. Istotą tego ruchu jest to, że za pomocą pędzla i ołówka można stworzyć szczególną wibrację duszy i wprowadzić ją w ducha muzyki. Media artystyczne: plamy świetlne, linie, kształty geometryczne, abstrakcje. Sztuka abstrakcyjna przypomina muzykę, a Kandinsky stworzył własny abstrakcyjny język malarstwa, w którym każdy kolor miał określone znaczenie symboliczne. Kolejnym przedstawicielem sztuki abstrakcyjnej jest Kazimierz Malewicz. Jego praca „Czarny kwadrat” (1913) została wystawiona jako swego rodzaju nowy znak planetarny.

Ruch modernistyczny – surrealizm, kojarzony z Salvadorem Dali, powstał na przełomie lat 20. XX w., ustabilizował się w latach 25-26. Surrealizm głosił, że źródłem sztuki jest sfera nieświadomości (instynktów, snów, halucynacji), a metodą sztuki rozbijanie powiązań logicznych na rzecz subiektywnych skojarzeń.Tamże..Świat realny to świat, który jest w naszej podświadomości . Surrealizm przejawiał się nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie i kinie.

Postmodernizm to rewolucja estetyczna, która miała miejsce w Europie w latach 60-70. Jako termin zaczęto go używać w 1979 r. Nie jest to styl, to cytowanie znanych przykładów, ale w sposób celowy nonsens, a główną cechą charakterystyczną jest eklektyzm (połączenie różnych elementów – Wschodu, Zachodu, Afryki, kultury europejskiej). Ta ścieżka umieściła punkt początkowy i punkt po jednej stronie wyższy rozwój. Postmodernizm jest efektem ruchów studenckich, był reakcją na społeczeństwo konsumpcyjne. Próbowali wprowadzić nową superideę do pozbawionego ideologicznie społeczeństwa. Prawdziwego artystę na świecie otaczają wrogowie, dlatego postmodernizm jest formą buntu estetycznego, a jego wyrazem jest idea nowej rewolucji seksualnej i nowej zmysłowości. Zarówno modernizm, jak i postmodernizm nie mogą pochwalić się dużą popularnością, to znaczy powstały jako elitarne, jednak nowoczesność i postmodernizm stały się tym etapem rozwoju kultury XX wieku, który nie tylko nakreślił wszystkie jej punkty bólowe, ale stała się także sztuką łączącą epokę XX wieku z Odwiecznym, zapomnianym w zgiełku.

Inwazja nie formy klasyczne„Krivtsun w sztukach wizualnych, muzyce i literaturze był początkowo postrzegany jako jednoznaczny znak śmierci sztuki, jako zniszczenie czegoś bardzo ważnego, co zachowało się jeszcze w praktyce artystycznej końca XIX wieku. Zdaniem Krivtsuna, aby możliwe było odrodzenie się nowej fazy jej rozwoju, należało głosić tezę o śmierci sztuki. Wyjątkowość nowego etapu twórczości artystycznej polegała na tym, że zrewidowała wszystkie dotychczasowe wyobrażenia o możliwościach i celu sztuki.

ogólna charakterystyka kultura artystyczna XX wiek. Podstawowy wydarzenia historyczne. Etapy rozwoju kultury europejskiej XX wieku. Rozwój procesów integracyjnych w sferze ekonomii i kultury. Wojny światowe, rewolucje i ich wpływ na rozwój kultury artystycznej. Rewolucja naukowo-technologiczna, rewolucja „elektroniczna” i ich wpływ na kulturę artystyczną. Przyspieszenie tempa rozwoju kultury artystycznej. Globalne kataklizmy epoki i ich ucieleśnienie w sztuce (P. Picasso, I. Strawiński, M. Gorky, R. Tagore, T. Mann, B. Brecht, A. Berg, A. Skriabin, S. Eisenstein, A. Płatonow , F. Kafka, D. Orwell, itp.). Rozwój kultur narodowych i dialog między nimi. Narodowa i uniwersalna w kulturze artystycznej XX wieku.

Poszerzenie granic specyficznych i gatunkowych sztuki, zmiana struktury morfologicznej świata sztuki. Artyfikacja form granicznych działalność twórcza. Nowe rodzaje sztuki. Dominująca rola spektakularnych form kultury artystycznej i różnorodność ich gatunków.

Kultury masowe i elitarne, ich artystyczne modyfikacje. Kultura i sztuka „trzeciego kierunku”. Nowość w funkcjonowaniu kultury artystycznej. Dalszy rozwójśrodki masowego przekazu, techniczne środki utrwalania, przechowywania i nadawania, powielanie art. Nowe sposoby produkcji artystycznej i formy konsumpcji sztuki (tworzenie filmów, nagrywanie dźwięku, nagrywanie wideo), sztuka komputerowa", audycje telewizyjne i radiowe itp.). Edukacja plastyczna i edukacji w XX wieku.

Podstawowy kierunki artystyczne i ich przedstawiciele.

Realizm, jego narodowe i społeczne modyfikacje (B. Brecht, T. Mann, E. Remarque, A. Barbusse, L. Aragon, R. Rolland, M. Carne, T. Dreiser, C. Chaplin, M. Shołokhov, A. Fadeev, A. Tołstoj, S. Eisenstein i inni)

Ekspresjonizm jako zjawisko kultury niemieckiej i europejskiej pierwszej tercji XX wieku. Specyfika światopoglądu i postawy ucieleśnionej w sztuce ekspresjonistycznej. Kultywowanie skrajnych, negatywnych stanów emocjonalnych, odwoływanie się do negatywnych stron rzeczywistości. Oryginalność środków wyrazu i form sztuki ekspresjonistycznej. „Nowa Szkoła Wiedeńska” w muzyce, zespoły „Bridge” i „Blue Rider” w malarstwie, ekspresjonizm w kinie („Homunculus” R. Reinerta, „Gabinet Doktora Caligari” R. Wiene’a i in.)

Kubizm w malarstwie (P. Picasso, J. Braque). Rosyjski kubofuturyzm (grupa „ Jack Diamentów„). Suprematyzm (K. Malewicz i stowarzyszenie Unovis). Wpływ suprematyzmu na sztukę rosyjską i europejską pierwszej tercji XX wieku. Abstrakcyjny ekspresjonizm V. Kandinsky'ego. Jego traktat „O duchowości w sztuce”. Rola twórczości V. Kandinsky'ego i A. Skriabina w powstaniu muzyki kolorowej.

Surrealizm. Poprzednicy surrealizmu. Manifesty surrealizmu. Odwołaj się do „rzeczywistości snów”. Motywy i obrazy dzieł surrealistycznych. Techniki i środki wyrazu. Surrealizm w poezji (L. Aragon, A. Breton, R. Vitrac, R. Desnos, M. Moriz i in.), malarstwie (S. Dali, R. Magritte, I. Tanguy i in.), kinie (L. Buñuela).

Inne szkoły i ruchy w sztuce XX wieku.

13. Kultura artystyczna Rosji. Główne etapy powstawania i rozwoju. Starożytna Ruś Ruś Kijowska (X-XII w.) Specyficzny okres historii Starożytna Ruś(druga tercja XII - połowa XV w.) Ruś Moskiewska (druga połowa XV - XVI w.) Przyjęcie chrześcijaństwa. Jego wpływ na kulturę, w tym sztukę. Wzajemne oddziaływanie pogaństwa i chrześcijaństwa. Narodziny pisma. Kształtowanie się tradycji książek rękopiśmiennych. Policentryzm kultury rosyjskiej XII–XV wieku. Główne ośrodki kultury kościelnej i religijnej. Architektura sakralna. Główne zabytki. Projekt architektoniczny kościoła krzyżowo-kopułowego. Semantyka wystroju zewnętrznego. Dekoracja wnętrzświątynia (freski, mozaiki, ikony). Wpływ kanonu bizantyjskiego. Główne szkoły malowania ikon. Cechy regionalnych szkół malowania ikon. Tworzenie zjednoczonej kultury rosyjskiej. Moskwa jako centrum kulturalne starożytnej Rusi drugiej poł. XV – XVI wiek Kreml moskiewski. Cechy architektoniczne. Styl namiotowy w architekturze. Dekoracja ikonograficzna katedr moskiewskiego Kremla. Dzieło F. Greka, A. Rublowa, Dionizego jako najwyższe osiągnięcie starożytnego rosyjskiego malarstwa ikonowego. Sekularyzacja kultury rosyjskiej w XVII wieku. Rzemiosło i sztuka i rzemiosło. „Naryshkinskoe (Moskwa) barok” w architekturze. Zmiany język graficzny i znaczenie ikon. S. Uszakow. Parsun. Teatr dworski.

Kultura artystyczna XX wieku.

Wiek XX naznaczony był wieloma innowacjami w sztuce i literaturze, związanymi z katastrofalnymi zmianami świadomość społeczna w okresie rewolucji i wojen światowych, a także gwałtowny skok naukowy rozwój techniczny społeczeństwo. Nowe warunki rzeczywistości społecznej wpłynęły na całą kulturę artystyczną jako całość, z jednej strony dając nowy oddech tradycji klasycznej, z drugiej rodząc nową sztukę - Awangarda(od francuskiego „avant” - zaawansowany i „strażnik” - oddział) lub Modernizm(od łac. modernus – nowy, nowoczesny), który najpełniej oddawał oblicze czasu. Zasadniczo termin „modernizm” odnosi się do trendy artystyczne, ruchy, szkoły i działalność poszczególnych mistrzów XX wieku, którzy głosili wolność słowa jako podstawę swojej metody twórczej.

Architekci stanęli przed zadaniem: przezwyciężyć eklektyzm, powrócić do stylistycznej organizacji architektury i jednocześnie odejść od klasycznych form, regularnego planowania, odpowiedzią na to wyzwanie było nowoczesny. Nowoczesną architekturę wyróżnia odrzucenie linii prostych i kątów na rzecz linii bardziej naturalnych, „naturalnych” oraz wykorzystanie nowych technologii (metal, szkło). Podobnie jak wiele innych stylów, architekturę współczesną również wyróżnia chęć tworzenia budynków zarówno pięknych estetycznie, jak i funkcjonalnych. Najbardziej kompletny styl secesyjny wyrażał się w indywidualnej konstrukcji pałaców, rezydencji i typie budynków mieszkalnych, preferując asymetrię w grupowaniu brył budynków oraz w rozmieszczeniu otworów okiennych i drzwiowych. Secesja wywarła wpływ na sztukę i rzemiosło oraz kulturę życia codziennego. Nie tylko poświęcono wiele uwagi wygląd budynków, ale także wnętrza, które zostały szczegółowo opracowane. Wszystkie elementy konstrukcyjne: schody, drzwi, filary, balkony zostały poddane artystycznej obróbce.
Stawiając sobie zadanie estetycznej harmonizacji społeczeństwa, architekci w swoich poszukiwaniach dotknęli oczywiście nie tylko budownictwa indywidualnego, ale także wznoszenia budynków przemysłowych, dworców kolejowych, instytucji publicznych i komercyjnych, budynków sakralnych, dochodowych apartamentowców, w tym domy „tanich mieszkań” dla pracowników. W wielu miastach domy te nadal stanowią większość zabudowy mieszkaniowej w ich historycznych centrach. Cokolwiek projektowali architekci secesji, zaczynali od wnętrza, od jak najbardziej optymalnego, wygodnego rozplanowania przestrzeni wnętrz zgodnie z ich przeznaczeniem funkcjonalnym. Tu jednak zaczyna się nowoczesna sztuka projektowania wnętrz współcześni mistrzowie odbiegają od swoich poprzedników pod względem perfekcji organizacji przestrzeni wewnętrznych i ich funkcjonalności.

Casa Mila w Barcelonie. Łuk. A. Gaudiego

Podstawy dla „ nowa architektura» S. E. Le Corbusier (1887-1965) poszukiwał form czysto geometrycznych, linii pod kątem prostym, nienagannych połączeń poziomu i pionu oraz absolutnej bieli. Słynna Villa Savoy wyróżnia się niezwykłą perfekcją form i wyrazistością proporcji, organiczną jednością z naturą oraz możliwością całkowitej prywatności.

Budynek mieszkalny w Marsylii- rodzaj modelu idealnego domu dla człowieka. Zaprojektowany dla 350 rodzin, wyraźnie ucieleśnia ideę autora, że ​​„dom to maszyna do życia”. Obejmuje 337 dwupoziomowych mieszkań, sklepy, hotele, ogród na dachu, siłownię, basen, przedszkole, czyli wszystko, czego człowiek potrzebuje do wygodnego życia.

Kultura artystyczna przeżywała niespotykany dotąd rozpad na radykalnie różne ruchy. W tych tętniących życiem i licznych ruchach artystycznych można wyróżnić kilka głównych: Fowizm, Ekspresjonizm, Abstrakcjonizm, Futuryzm, Kubizm, Surrealizm, Puryzm, Orfizm, Konstruktywizm.
Fowizm(od francuskiego Les Fauves – „dziki, drapieżniki”) opierała się na niezwykłej jasności koloru i celowej szorstkości formy. Fauves maksymalizowali wyrazistość plamy barwnej poprzez kontrast z dodatkowymi tonami, nie dbając o rzeczywistą barwę przedmiotów. Jednocześnie nadmierna barwność ich obrazów, pewna „wizualna agresywność”, prowadziła do nieuniknionego uproszczenia formy, pojawienia się ostrych konturów oddzielających jasne plamy koloru. Fauwy pracowali głównie w gatunku pejzażu, czasami przedstawiając różne sceny we wnętrzu. Rzadko sięgali po portret, a jeśli już to miało miejsce, to ich portret wyróżniał się lekką ironią w stosunku do portretowanej modelki. Rozważany jest dyrektor tej szkoły Artysta francuski Henri Matisse, który całkowicie zerwał z kolor optyczny. Na jego malarstwie nos kobiety mógłby być zielony, gdyby to nadawało mu wyrazistości i kompozycji. Matisse stwierdził: „Nie maluję kobiet; Rysuję obrazy”.

Istota przepływu abstrakcjonizm(od łac. abstrakcja – rozproszenie, usunięcie) polegała na całkowitej odmowie ukazywania rzeczywistych obiektów i zjawisk w malarstwie, grafice i rzeźbie, wyobcowaniu artysty od rzeczywistości. Według niemieckiego artysty Paula Klee „im straszniejszy stawał się świat, tym bardziej abstrakcyjna stawała się sztuka”. Największym przedstawicielem sztuki abstrakcyjnej był rosyjski artysta Wasilija Kandinsky’ego(1866-1944), w którego twórczości widzimy absolutną dominację koloru nad obrazem. W jego kompozycjach kolorowe koła, kwadraty, trójkąty połączone z prostymi czarnymi liniami na białym tle wywoływały różnego rodzaju skojarzenia tematyczne. Kandinsky kojarzył kolory z pewnym stanem umysłu i dźwiękami obiektywny świat(„fioletowe skrzypce”, „żółty dźwięk”).

Wasilij Kandinsky „Kozacy”

Tworzenie kubizm(od francuskiego kubizmu, wywodzącego się od sześcianu – sześcianu) jako samodzielny nurt w sztukach plastycznych wypromowała wystawa obrazów Cezanne’a w 1904 roku, która wzywała artystów do sprowadzenia całego widzialnego świata do najprostszych form geometrycznych. Wybitnymi przedstawicielami kredo kubizmu byli Francuz Georges Braque (1882-1963) i Hiszpan Pablo Picasso (1881-1973). Braque upraszczał formy do małych kostek, tworzył kombinacje splecionych ze sobą płaszczyzn, ukazywał obiekt jakby od razu różne kąty, tak napisano „Port w Normandii”. Picasso pod wpływem „dzikiej” plastyczności rzeźby murzyńskiej poddał się naturalne formy deformacja geometryczna. To nie przypadek, że jego malarstwo, programowe dla kubizmu, „Dziewczyny z Awinionu” wywołał skandal i został nazwany „znakiem burdelu”. Znajdujące się w nim ciała, rozcięte dużymi, płaskimi krawędziami, cieniowane kolorem, tworzą twardy, dynamiczny relief.

Georges Braque „Port w Normandii”

Surrealizm jako jeden z nurtów w sztuce, ukształtował się we Francji na początku lat dwudziestych XX wieku. Nowy ruch wziął swoją nazwę od francuskiego słowa „surrealizm”, co oznacza „superrealizm”. Osobliwość tym kierunkiem było zastosowanie kombinacji paradoksalnych różne formy i aluzje. Podstawą wszystkich koncepcji surrealizmu jest surrealizm, wyrażający się w połączeniu rzeczywistości ze snem. Jako główny kreatywne podejście surrealiści zaproponowali sprzeczne, absurdalne połączenie naturalistycznych obrazów. Główny cel nastąpiło oddzielenie tego, co duchowe od materialnego i jego wywyższenie.
Artyści z fotograficzną precyzją tworzyli nielogiczne, przerażające obrazy zwykłych przedmiotów lub stosowali niestandardowe techniki malarskie, które pozwalały wyrazić podświadomość. Aby dotrzeć w głąb swojej podświadomości, artyści sięgali po różnorodne, czasem radykalne metody. Często zdarzały się przypadki, gdy surrealiści pracowali pod wpływem głodu, narkotyków, hipnozy, braku snu lub znieczulenia. Pomimo całkowitego chaosu obrazów, nadal można było w nich okresowo dostrzec pewną zamyślenie. Najsłynniejsi surrealiści: Salvador Dali (1904-1989), Rene Magritte (1898-1967) Salvador Dali wiedział, jak nadać efekt swoim obrazom złudzenie optyczne, łącząc naturalistyczne przedstawienie z absurdalnymi motywami. Na jednym ze swoich najsłynniejszych obrazów "Trwałość pamięci" prezentowane na pustynnym tle dziwne stworzenie przypominający szczątki jakiegoś zwierzęcia morskiego. Można w nim jednocześnie zobaczyć rysy twarzy osoby i ślimaka bez muszli. Wokół są zegary, które każą myśleć o kruchości ludzkiego życia, płynności i monotonii czasu.

Salvador Dali „Trwałość pamięci”

Narodziło się pod koniec XIX wieku film. Pierwszy krótkie filmy(15-20 metrów, około 1,5 minuty pokazu) to głównie filmy dokumentalne, ale już w komediowej dramaturgii braci Lumiere „Wodnik na wodzie” widoczne są tendencje związane z pojawieniem się filmu fabularnego.
Niewielka długość pierwszych filmów wynikała z niedoskonałości technicznych sprzętu filmowego, jednak do początku XX wieku długość filmów wzrosła do 200-300 metrów (15-20 minut pokazu). Ulepszenia technologii filmowania i projekcji przyczyniły się do dalszego wzrostu długości filmów, jakościowego i ilościowego wzrostu artystycznych technik filmowania, aktorstwa i reżyserii. A szeroka dystrybucja i popularność kina zapewniła jego rentowność ekonomiczną, co jednak nie mogło nie wpłynąć na wartość artystyczną kręconych filmów. W tym okresie, w miarę jak fabuła filmów stawała się coraz bardziej złożona i wydłużana, zaczęły kształtować się gatunki filmowe, kształtowała się ich oryginalność artystyczna, stworzono zestaw technik wizualnych specyficznych dla każdego gatunku.
Kino „nieme” osiągnęło swój szczyt w latach 20. XX wieku, kiedy to było już w pełni ukształtowane jako niezależna forma sztuki. mając swój własny środki artystyczne. Filmy komiksowe z Charliem Chaplinem w roli głównej odniosły ogromny sukces. Pierwsze filmy dźwiękowe pojawiły się w 1928 roku i nie od razu zostały przyjęte. Po I wojnie światowej kino europejskie przeżyło upadek, na pierwszym miejscu znalazło się kino amerykańskie.
W malowniczej okolicy niedaleko Los Angeles zaczynają skupiać się największe amerykańskie studia filmowe. Oficjalna data urodzenia Hollywood to rok 1913. Pierwszy Wielki sukces trafił do Walta Disneya (1901-1966) w 1929 roku z filmem Silly Symphonies i pierwszą na świecie pełnometrażową animacją Królewna Śnieżka i siedmiu krasnoludków (1937). Pomiędzy tymi filmami narodzili się Pluton i Goofy – inne popularne bohaterowie Disneya, a także pierwszy kolorowy film z Myszką Miki – „Koncert”. Popularyzacji nowej formy sztuki sprzyjały nagrody przyznawane za osiągnięcia w dziedzinie kinematografii. Pierwsze wręczenie nagrody odbyło się 19 maja 1929 roku i to właśnie tutaj zapadła decyzja o ustanowieniu nagrody rocznej, którą nazwano Oscarem. Tradycja organizowania międzynarodowych festiwali filmowych w Europie sięga 1932 roku. Pierwszy międzynarodowy festiwal filmowy odbył się w Wenecji, a w 1935 roku pierwszy międzynarodowy festiwal filmowy odbył się w Moskwie.

Po zapoznaniu się z prezentowanymi materiałami należy dokonać weryfikacji i zadania kontrolne, prezentowane tutaj. Jeśli to konieczne, materiały kontrolne wysyłane są na adres e-mail nauczyciela: [e-mail chroniony]

Kultura artystyczna. Rosyjska kultura artystyczna początku XX wieku

Rosyjska kultura artystyczna początek XX wieku znajdował się w stanie duchowego kryzysu związanego z nastrojem „pogranicza”, wzrostem tendencji indywidualistycznych, zaprzeczeniem realizmu i uspołecznienia w sztuce. Zdaniem M.V. Niestierowa nadeszła era „powszechnego przewartościowania wartości”. Jednym ze zjawisk tamtych czasów była dekadencja – dominacja motywów dekadenckich, beznadzieja i odrzucenie życia; było to najczęściej nieodłącznym elementem ruchów modernistycznych. Pojęcie „modernizmu” (franc. moderne – modern) implikowało nowe nurty w literaturze i sztuce, sprzeczne z realistycznymi tradycjami poprzednich lat. Zwolennicy modernizmu poszukiwali sposobów wyrażenia jednostki w sztuce, oddalając się od obiektywnej rzeczywistości i demonstracyjnie odmawiając jej prawdziwego odzwierciedlenia. Neoromantyzm dominował w literaturze, malarstwie i muzyce.

Dla literatury rosyjskiej początek XX wieku. - okres specjalny. Czas ten wyznacza ostatnie lata życia i twórczości L.N. Tołstoj. W powieści „Zmartwychwstanie” (1899) pisarz potępił niesprawiedliwość społeczną i wyraził współczucie dla sił rewolucyjnych. Zerwanie Tołstoja z kościołem (1901) przekształciło „Tołstoja” w sektę wrogą prawosławiu. Praca A.P. zyskała dużą popularność. Czechow, który w tamtych latach napisał swoje najlepsze powieści i opowiadania - „Moje życie”, „Mężczyźni”, „Dom z antresolą”, „Dama z psem”, „Panna młoda”, a także dramaty „Mewa” i „Wiśniowy sad” wystawiony na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Dzieła Czechowa stały się kroniką życia rosyjskiej inteligencji przełomu wieków. Obcy „polityce” Czechow przewidywał nowe, szczęśliwe życie dla swoich rodaków, którzy muszą pracować „w trosce o wspaniałą przyszłość”. Działa przez A.M. „Stara kobieta Izergil”, „Chelkash”, „Dziewczyna i śmierć”, „Pieśń sokoła”, „Pieśń Petrela” i inne wychwalają ludzkie pragnienie wolności i miłości, jego gotowość do poświęcenia w walce o wysokie ideały. Gorki ogłosił nowy kierunek w literaturze - „realizm heroiczny”, który nie tylko przedstawia życie, ale także potrafi być „ponad nim, lepszym, piękniejszym”. W 1906 roku Gorki napisał dramat „Wrogowie” i powieść „Matka”. Wyrażając solidarność z rewolucjonistami, zyskał reputację pisarza proletariackiego. Na przełomie wieków literaturę rosyjską uzupełniono nazwiskami młodych utalentowanych pisarzy - I.A. Bunin i A.I. Kuprina, który kontynuował realistyczne tradycje XIX wieku.

Przeciwwagą dla realizmu w literaturze była ruchy modernistyczne– symbolika, akmeizm, futuryzm.

Zasady symboliki, które powstały w latach 90. XIX wieku, ogłosił D.S. Mereżkowski i K.D. Balmonta. Mereżkowski uważał, że przyczyną upadku literatury była dominacja realizmu, przeciwstawiając go „boskiemu idealizmowi”. Podstawą nowej sztuki, jego zdaniem, miała stać się „treść mistyczna” wyrażana za pomocą „symboli”. Symboliści – A.A. Blok, V.Ya. Bryusow, K.D. Balmont, A. Bely, F.K. Sołogub, D.S. Mereżkowski i inni zachęcali czytelnika bajecznie idealny świat, żyjąc zgodnie z prawami „wiecznego piękna”. Zafascynowani „czystą” sztuką, która sprawiała twórcom przyjemność estetyczną, symboliści preferowali indywidualizm, narcyzm i poszukiwali świętego świata, w którym zatriumfowałby ich „spontaniczny geniusz”. To zbliżyło ich do idei „nadczłowieka” F. Nietzschego. Symboliści unikali rzeczywistości społecznej. W 1905 r. z entuzjazmem przyjęli „czerwone sztandary rewolucji” (A. Bieły), ale ten ich „rewolucjonizm” był jedynie buntem „estetycznym”, dalekim od prawdziwego dramat historyczny. Tylko najbardziej utalentowani symboliści potrafili wznieść się ponad „czystą” estetykę. AA Blok napisał cykle wierszy „Ojczyzna” i „Na polu Kulikowo”, poruszając tematykę życia ludowego i historii Rosji. Twórczość Bloka i A. Bely'ego tamtych lat była poniżej silny wpływ poezja N.A. Niekrasowa.

Acmeizm (gr. „acme” – najwyższy punkt, czas rozkwitu) w poezji rosyjskiej powstał jako reakcja na symbolikę i jej zaprzeczenie rzeczywistości. Założycielami Acmeism byli N.S. Gumilow i S.M. Gorodecki. W 1910 r. Gumilow wygłosił „mowę pogrzebową” dotyczącą symboliki, a w 1911 r. utworzył koło literackie „Warsztat Poetów”. Acmeists N.S. Gumilew, AA Achmatowa, O.E. Mandelstam, MA Kuźmin, G.V. Iwanow i wsp. zwrócili się ku prawdziwym „ziemskim problemom” z jego estetyką i zmysłowe obrazy. Uważali poezję za zawód, rzemiosło (stąd nazwa „cech”) i próbowali przemyśleć na nowo proste codzienne prawdy, świadomie unikając poszukiwań społeczno-filozoficznych. Pierwszy zbiór poezji Anny Achmatowej „Wieczór” spotkał się z żywym odzewem publiczności. Odnotowano akademizm jej stylu i penetrację świata ludzka dusza, zaufanie. Wybitnym poetą akmeistycznym był Gumilow. Jego wiersze o tematyce historycznej i przyrodniczo-egzotycznej charakteryzują się wyjątkową precyzją i precyzją. Ideałem bohatera lirycznego dla Gumilowa była osobowość samowystarczalna i o silnej woli.

W latach 1910-1912 W poezji rosyjskiej pojawił się futuryzm. Nazwa tego ruchu wskazywała na pragnienie jego wyznawców, aby być poetami „przyszłości”. Było kilka kręgów futurystycznych. Najwięksi - kubo-futuryści - D.D. Burlyuk, V.V. Chlebnikow, A.E. Kruchenykh, V.V. Kamensky, V.V. Majakowski. Liderem egofuturystów był I.V. Mieszkaniec Północy. B.L. Pasternak i N.N. Aseev rozpoczął karierę twórczą w futurystycznym kręgu „Wirówka”. Futuryzm głosił wolność słowa poetyckiego, kosmopolityzm i odrzucenie tradycji literackich w imię nowego słowa, nowego stylu, nowego bohatera, nowego świata. Chlebnikow ogłosił się „Przewodniczącym Świata” i przepowiedział „odrodzenie języka” - utworzenie „języka nieobecnego”, który zjednoczy narody. W manifeście „Uderzenie w gust publiczny” (1912) futuryści wzywali do wyrzucenia Puszkina, Dostojewskiego i Tołstoja z „parowca nowoczesności”, a na swoim zjeździe w 1913 r. utworzyli Teatr Budetlanin, symbol który wkrótce stał się „czarnym kwadratem” Malewicza. Szczególne miejsce zajmowała twórczość Majakowskiego. Jego wczesne wiersze są pełne liryzmu, dowcipu, szczerego protestu przeciwko bigoterii i rozkładowi społecznemu, a także chęci uczestniczenia w praktycznym tworzeniu czegoś nowego.

Prawdziwy fenomen literatury rosyjskiej początku XX wieku. stali się „poetami ludu” o zupełnie nowym spojrzeniu estetycznym. SA Jesienin, N.A. Klyuev, SA Klychkov, P.V. Oreshin, A.V. Shiryaevets, PA Radimov i inni z duszą śpiewali o naturze, duchu i tradycjach chłopskiej Rosji, prawosławnej wierze ludu, ich pragnieniu lepszego życia (zbiory „Radunitsa” i „Rural Book of Hours” Jesienina, „Pines Chime” i „Pesnoslov ” Klyueva, „Pieśni” i „Tajemniczy ogród” Klychkowa, liryczna i buntownicza poezja Oreshina). Poeci chłopscy byli członkami różnych kół i stowarzyszeń - monarchicznego w duchu „Towarzystwa Odrodzenia Rusi Artystycznej” przy Soborze Suwerennym Fiodorowskim w Carskim Siole (1915), grupy „Piękno” (1915) i towarzystwa „Strada” (1915-1917) w Piotrogrodzie. Do 1917 r. Temat rewolucji i „walki klasowej” nie był zbyt zauważalny w ich twórczości, chociaż Kłyczkow brał udział w powstaniu moskiewskim w 1905 r., a Klyuev przebywał w więzieniu przez 6 miesięcy pod zarzutami „politycznymi”. Obaj poeci sympatyzowali z rewolucjonistami. Klyuev podziwiał ich ofiarną służbę dla „świętej sprawy”, porównywał ich z pierwszymi chrześcijańskimi męczennikami i opłakiwał „spalonych, zgiętych, zabitych”. Poetycki światopogląd Oreshina był mniej sentymentalny. Jego bohaterem był pozbawiony środków do życia chłop. „Poeci ludowi” są zjednoczeni w swoich wyobrażeniach o przeszłości, teraźniejszości i przyszłości wielkorosyjskiego chłopstwa z jego „rajem z kory brzozowej” lub, jak u Klyueva, „przestrzenią chaty” i własnym „chłopskim Zbawicielem”.

W sztukach pięknych najważniejsza rzecz związek twórczy pozostało Stowarzyszenie Wędrowców, które zjednoczyło najlepsi malarze Rosja. Na początku XX wieku. obejmował V.I. Surikow, V.M. Wasnetsow, I.E. Repin, V.E. Makovsky, V.D. Polenov, I.I. Lewitan, AI Kuindzhi i in. Ich obrazy wyróżniają się niezwykle pomysłowym i wiernym przedstawieniem życia ludowego, tematów historii Rosji, rodzima przyroda. Artyści A.P. byli blisko Wędrowców. Ryabushkin, A.M. Wasnetsow, V.V. Vereshchagin i in. Tradycje tej szkoły w dużej mierze odziedziczyli malarze, którzy zyskali sławę na początku XX wieku: M.A. Vrubel, VA Serow, K.A. Korowin, M.V. Niestierow i inni.

Impresjonizm stał się nowym kierunkiem w malarstwie, którego wybitnymi przedstawicielami byli K.A. Korovin, V.A. Serow, I.E. Grabar, FA Malyavin i inni W swoich pracach bezstronnie uchwycili dynamiczny i szybko zmieniający się otaczający ich świat. Twórczość Sierowa przepojona jest entuzjastyczną poetyzacją człowieka. Student I.E. Repina, Serow umiejętnie przedstawił głęboki psychologizm ludzkich obrazów, a także zyskał sławę dzięki swoim pejzażom i obrazom historycznym. Symbolizm przedstawiony jest w pracach M.A. Vrubel, który stworzył swoją fantastyczną świat wróżek i dążenie do ukazania złożonego wewnętrznego świata człowieka, a V.E. Borisova-Musatova. Secesja rozwinęła się w twórczości światowych artystów: A.N. Benois, AI Kuindzhi, E.E. Lansere i in. Natomiast artyści K.S. Petrov-Vodkin, M.F. Larionow i inni kontynuowali tradycje rosyjskiej popularnej grafiki i malarstwa ikon. Na przełomie wieków tematyka starożytnej Rusi przyciągnęła uwagę artystów. Znalazło to wyraźne odzwierciedlenie w pracach V.M. Vasnetsova, N.K. Roerich, I.Ya. Bilibina. Rozumienie filozoficzne Prawosławne podstawowe zasady życia Rosjan, historyczne i duchowe dziedzictwo narodu rosyjskiego znajdują się w wczesne prace M.V. Nesterowa.

Po rewolucji 1905 roku nasiliły się radykalne nurty modernistyczne w malarstwie. W 1910 r. Powstała awangarda, która obejmuje futuryzm A.V. Lentulov, abstrakcjonizm V.V. Kandinsky i K.S. Malewicz itp. W latach 1910-1911. Awangardowi artyści utworzyli stowarzyszenie „Jack of Diamonds”. Według definicji Malewicza awangarda to sztuka „czystych” form i nieobiektywności. W 1915 roku na wystawie w Piotrogrodzie zaprezentowano konceptualną twórczość Malewicza „Czarny kwadrat”. Eksperymenty V.V. Kandinsky, R.R. Falka, P.N. Filonova, M.Z. Chagall i inni artyści awangardowi nie skupiali się na szczegółach prawdziwy świat, ale do wyimaginowanych schematów struktury świata.

Temat życiowych i społecznych dążeń chłopstwa, jego pragnienia sprawiedliwej reorganizacji społecznej („ogólnego dobrobytu”) w przededniu i po rewolucji 1917 r. został wszechstronnie ujawniony w pracach E.V. Chestnyakov i inni twórcy ludowi.

Industrializacja kraju doprowadziła do rewolucji w architekturze. Nowe materiały budowlane (żelbet, konstrukcje metalowe) przyspieszyły tempo rozwoju miast i zmieniły wygląd miast. W architekturze dominował styl secesyjny i neorosyjski. Styl neorosyjski, nawiązujący do tradycji i ducha starożytnej architektury rosyjskiej, harmonijnie łączy się z trendami modernistycznymi. Przedstawiciele stylu secesyjnego i neorosyjskiego - F.O. Szektel, L.N. Kekushev, V.M. Wasnetsow, A.V. Shchusev i inni zajmowali się budową budynków, których cel został określony przez potrzeby epoki. Oprócz kościołów i dworów były to dworce kolejowe, banki, giełdy, telegrafy, fabryki, fabryki i sklepy, które stały się ozdobą rosyjskich miast.

Ważnym kamieniem milowym w historii rosyjskiej sztuki teatralnej było otwarcie w 1898 roku Moskiewskiego Teatru Artystycznego (MAT), stworzonego przez K.S. Stanisławski i V.I. Niemirowicz-Danczenko – twórcy Nowa szkoła aktorstwo i reżyseria. Stanisławski zaproponował uczynienie nowego teatru „rozsądnym, moralnym, dostępnym dla wszystkich”. Pierwszą produkcją Moskiewskiego Teatru Artystycznego był dramat A.K. Tołstoja „Cara Fiodora Ioannowicza”, a pod koniec 1898 roku odbyła się premiera „Mewy” Czechowa, która później stała się godłem Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Repertuar teatru składał się niemal wyłącznie z dramaturgii Czechowa i Gorkiego. W 1902 roku ufundowany przez filantropa S.T. Morozowa zbudowano budynek Moskiewskiego Teatru Artystycznego (architekt F.O. Szektel). Moskiewski Teatr Artystyczny stał się przykładem umiejętnego połączenia klasycznych tradycji teatralnych z pilnymi potrzebami naszych czasów. Doświadczenia Moskiewskiego Teatru Artystycznego nabrały ogromnego znaczenia społecznego, a chęć przekazania na scenie „prawdy życia” wywołała gorącą dyskusję. Zaciekłymi przeciwnikami Moskiewskiego Teatru Artystycznego byli symboliści V.Ya. Bryusow i V.E. Meyerholda. Bryusow skrytykował Moskiewski Teatr Artystyczny za „niepotrzebną prawdę”. Meyerhold przeciwstawił realistyczne i demokratyczne zasady Moskiewskiego Teatru Artystycznego estetycznym eksperymentom teatru konwencjonalnego. W 1904 roku otwarto Petersburg Teatr Dramatyczny V.F. Komissarzhevskaya, bliska duchem Moskiewskiemu Teatrowi Artystycznemu i demokratycznej inteligencji.

Legendarna baletnica A.P. przyniosła światową sławę rosyjskiemu baletowi. Pavlova i słynny choreograf M.M. Fokina. Szkic choreograficzny „Umierający łabędź” kompozytora C. Saint-Saensa wykonała Anna Pavlova, a uchwycił artysta V.A. Serow, stając się symbolem sztuki baletowej. W 1911 roku Diagilew stworzył z najlepsi artyści balet, zebrany za udział w „Porach Rosyjskich”, stały zespół „Balety Rosyjskie Siergieja Diagilewa”. Asystentem Diagilewa był niestrudzony innowator M.M. Fokine’a, który widział w balecie „wspólnotę tańca, muzyki i malarstwa”.

Rozwój języka rosyjskiego sztuka muzyczna ucieleśnione w kreatywności wybitni kompozytorzy i w tworzeniu systemu Edukacja muzyczna. Na początku XX wieku. Otwarto nowe ogrody zimowe w Saratowie, Odessie i Kijowie. Pojawiły się formy pozaszkolnej edukacji muzycznej: w 1906 roku w Moskwie z inicjatywy S.I. Taneyev otworzył oranżerię ludową.

Obserwuje się wzrost zainteresowania muzyką wewnętrzny świat osobą „znakiem czasu” było wzmocnienie zasady lirycznej. Wielki rosyjski kompozytor N.A. Rimski-Korsakow, spadkobierca tradycji „Potężnej Garści”, napisał operę liryczną „Narzeczona cara” (1898). Motywy liryczne odzwierciedlone w pracach S.V. Rachmaninow i A.N. Skriabin – absolwenci Konserwatorium Moskiewskiego. Mistrz oryginalnych rozwiązań Rachmaninow kontynuował jednak tradycje klasyki rosyjskiej i był wiernym uczniem P.I. Czajkowski. Praca Skriabina była bardziej złożona, nowatorska i filozoficzna. Muzyka: I.F. Strawiński odnosił sukcesy na scenie baletowej (balety „Ognisty ptak”, „Pietruszka”, „Święto wiosny”). Kompozytor interesował się odległą przeszłością historyczną narodu rosyjskiego i jego folklorem.

Ośrodkami życia muzycznego pozostały Maryjski i Moskwa Teatry Bolszoj. Występowali tu znakomici śpiewacy operowi – F.I. Shalyapin, L.V. Sobinow, A.V. Nieżdanow. Wzrósł jednak także autorytet prywatnej opery S.I. Mamontow, następnie S.I. Zimina. Na scenie opery Mamontow po raz pierwszy ujawnił się wyjątkowy talent aktor i piosenkarz Chaliapin, który według A.M. Gorki, ta sama „epoka” w sztuce rosyjskiej, „jak Puszkin”.

Kino stało się nową i bardzo popularną formą sztuki. Pierwszy rosyjski przedsiębiorca filmowy A.A. Chanżonkow w latach 1907–1908. rozpoczął produkcję krajowych filmów fabularnych. Zbudował fabrykę filmową w Moskwie, a także kina „Khudozhestvenny”, „Moskwa” (obecnie Dom Chanżonkowa) itp. Do pierwszych rosyjskich filmów fabularnych należą „Książę Silver” (1907), „Stenka Razin i księżniczka ” (1908), „ Piotr Wielki” (1910), „Obrona Sewastopola” (1911).

Pytania kontrolne i zadania

1. Jakie są główne cechy struktury polityczno-administracyjnej Imperium Rosyjskie na początku XX wieku?

2. Jakie czynniki determinowały przejście od podziału klasowego społeczeństwa rosyjskiego do podziału klasowego?

3. Jakie są skutki i konsekwencje społeczno-polityczne rewolucji 1905-1907?

4. Na podstawie treści Ustaw Zasadniczych z 1906 r. przeanalizuj charakter zmian w system państwowy Rosja. Czy ten system stał się konstytucyjny?

5. Jakie są przyczyny niekompletności stołypińskiej reformy rolnej?

6. Jakimi motywami kierowała się Rosja przy wyborze sojuszników w polityce zagranicznej na początku XX wieku? Jakie były trudności w wyborze sojuszników?

7. Jakie są główne sprzeczności w rozwoju kultury rosyjskiej? Srebrny wiek»?

Literatura:

1. Władza i reformy. Od autokratycznego do sowiecka Rosja/ Reprezentant. wyd. B.V. Ananich. M., 2006.

2. Dzienniki cesarza Mikołaja II i cesarzowej Aleksandry Fiodorowna: w 2 tomach / Rep. wyd., komp. V.M. Chrustalew. M., 2012.

3. Kiryanov Yu.I. Partie prawicowe w Rosji. 1911-1917 M., 2001.

4. Pierwsza rewolucja w Rosji: spojrzenie na stulecie. M., 2005.

5. Partie polityczne Rosji. Koniec XIX – pierwsza tercja XX wieku. Encyklopedia. M., 1996.

6. Repnikov A.V. Konserwatywne koncepcje odbudowy Rosji. M., 2007.

7. Tyukavkin V.G.. Wielkorosyjskie chłopstwo i stołypińska reforma rolna. M., 2001.

8. Shatsillo K.F.. Od pokoju w Portsmouth do pierwszej wojny światowej. Generałowie i polityka. M., 2000.

9. Szełochajew V.V.. Ideologia i organizacja polityczna rosyjskiej burżuazji liberalnej: 1907-1914. M., 1991.