Jakie tajemnice kryją obrazy znanych artystów? Tajemnice i tajemnice słynnych obrazów Tajemnice starych obrazów

23.06.2020

Sztuka to nie tylko sposób na wyrażenie inspiracji, ale także wielka tajemnica. Artyści często dodają do swoich obrazów ciekawostki lub zostawiają „przesłanie”, które na pierwszy rzut oka trudno dostrzec. Przygotowaliśmy listę słynnych arcydzieł malarstwa, które kryją nieoczekiwane tajemnice.

1. Złe ucho

Autoportret Vincenta van Gogha przedstawia artystę z uszkodzonym prawym uchem. Ale tak naprawdę odciął sobie lewe ucho, a nie prawe. Rozbieżność tę tłumaczy się faktem, że Van Gogh stworzył swój własny portret za pomocą lustra.

2. Malowanie pod obrazem

Jeśli przyjrzysz się uważnie „Staremu gitarzyście” Pabla Picassa, za głową mężczyzny dostrzeżesz słabą kobiecą sylwetkę. Naukowcy z Instytutu Sztuki w Chicago wykonali zdjęcia tego słynnego obrazu w podczerwieni i promieniach rentgenowskich i odkryli, że pod spodem ukrytych było kilka innych rysunków. Najprawdopodobniej artysta nie miał dość pieniędzy na zakup nowych płócien i musiał malować na starych.

3. „Nocna straż” przedstawia dzień, a nie noc

W 1947 roku odrestaurowano obraz Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej…” (lepiej znany jako „Straż nocna”). Po oczyszczeniu obrazu z grubej warstwy sadzy stało się jasne, że przedstawiona na nim scena nie rozgrywa się w nocy, ale w świetle dziennym.

4. Kaplica Sykstyńska

Obraz ludzkiego mózgu widoczny jest nie tylko w „Stworzeniu Adama” Michała Anioła, ale także w innym fresku zatytułowanym „Oddzielenie światła i ciemności”, który można zobaczyć w Kaplicy Sykstyńskiej. Spójrzcie na szyję Boga: idealnie pasuje do fotografii ludzkiego mózgu.

5. Symbol siły

Postacie Dawida i Goliata na fresku Michała Anioła tworzą hebrajską literę gimel, która w mistycznej tradycji kabalistycznej symbolizuje władzę.

6. Zez Rembrandta

Po przestudiowaniu autoportretów Rembrandta niektórzy naukowcy uznali, że artysta cierpiał na zeza. Ta cecha sprawiła, że postrzegał świat nieco inaczej: widział rzeczywistość w 2D, a nie w 3D. Być może jednak to zez pomógł Rembrandtowi stworzyć jego nieśmiertelne arcydzieła.

7. Zemsta na kochankach

Najsłynniejszy obraz Gustava Klimta przedstawia Adele Bloch-Bauer. Ten portret został zamówiony przez męża Adele, barona cukrowego Ferdinanda Blocha-Bauera. Dowiedział się, że Adele i Klimt są kochankami i zdecydował, że po setkach szkiców artysta znienawidzi swojego modela. I oszukany mąż miał rację. Wspólna praca naprawdę ochłodziła uczucia między Adele i Gustavem.

8. Świat na żółto

Prawie wszystkie swoje obrazy Vincent van Gogh wybrał kolor żółty. Naukowcy uważają, że jest to efekt uboczny leku na padaczkę, który zmienia postrzeganie kolorów. Być może artysta naprawdę widział świat taki, jaki przedstawił na swoich płótnach.

9. Przewidywanie końca świata

Włoska badaczka Sabrina Sforza Galizia proponuje bardzo nietypową interpretację „Ostatniej wieczerzy” Leonarda da Vinci. Mówi, że w tym obrazie ukryta jest przepowiednia końca świata, który nastąpi 21 marca 4006 roku. Badacz doszedł do takiego wniosku, rozszyfrowując kody matematyczne i astrologiczne obrazu.

Ale to nie jedyna tajemnica Ostatniej Wieczerzy. Ręce Chrystusa i apostołów wraz z chlebem na stole tworzą coś na wzór oznaczenia nut. Okazuje się, że to naprawdę brzmi jak melodia.

10. Mozart i masoni

Istnieją mocne dowody na to, że Wolfgang Amadeusz Mozart był masonem. Nawet na portrecie dziecka, który namalował Pietro Antonio Lorenzoni, widzimy symbol masoński: ukrytą rękę, wskazującą na hierarchiczną rangę w tajnym stowarzyszeniu.

11. Bezzębna Mona Lisa

Dentysta i krytyk sztuki Józef Borkowski, po zapoznaniu się z obrazem Leonarda da Vinci, jest pewien, że udało mu się odkryć tajemnicę uśmiechu Mony Lisy. Uważa, że nie miała przednich zębów i to właśnie wpłynęło na jej wyraz.

Niemal w każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, podwójne dno lub tajemnicza historia, którą pragniesz odkryć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejszego dzieła holenderskiego artysty nie ucichły od czasu jego pojawienia się. Na prawym skrzydle tryptyku zatytułowanego „Muzyczne piekło” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumentów muzycznych. Jeden z nich ma nadrukowane notatki na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przeniosła zapis z XVI wieku na współczesny i nagrała „pieśń piekielnego osła, która ma 500 lat”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna” i została namalowana przez mało znanego artystę Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, w których ubrana w kobiecą sukienkę Salai służyła jako wizerunek samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „Stary rybak”. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię Starca).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.

Wydawało się, że to zwykły krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Pisząc Ostatnią Wieczerzę Leonardo da Vinci przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunów. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. Było to kilka lat temu, gdy śpiewał w chórze kościelnym, Leonardo napisał od niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga” wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod tą nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W 1961 roku w nowojorskim Museum of Modern Art wystawiono obraz Henriego Matisse’a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z zawieszeniem obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Obecnie najbardziej wiarygodna wersja głosi, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w wyniku małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta przedstawiony jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. Faktycznie, lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek w sosnowym lesie”, 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotknięcie niedźwiedzia nie wyjdzie mu tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky namalował chyba najlepsze niedźwiedzie w historii malarstwa rosyjskiego, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a skończywszy na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metoda twórcza charakterystyczna dla Szyszkina”.

Niewinna historia „Gothic”

Grant Wood, „Amerykański gotyk”, 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom w stylu gotyckim i postanowił przedstawić tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaciach, które tak bardzo oburzyły mieszkańców Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postać w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało naświetlone promieniami rentgenowskimi. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans ze Zeusem, przypominała twarz Saskii, żony malarza, zmarłego w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertiera Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła sporo zębów. Oglądając powiększone fotografie arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, Swatanie majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wypuszczona przez kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie Delacroix namalował twarz kobiety słynnego paryskiego rewolucjonisty - praczki Anny-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu gwardzistów. Artystka przedstawiła jej nagą klatkę piersiową. Według jego planu ma to być symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak zwykły człowiek, nie nosi gorsetu.

kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, Plac Czarnych Suprematystów, 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor to efekt zmieszania różnych barw, wśród których nie było czerni. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale pryncypialne stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści Galerii Trietiakowskiej odkryli autorski napis na słynnym obrazie Malewicza. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do nazwy zabawnego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka widziała, jak gasną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno ochłonęli wobec siebie. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, dokąd artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka powlókł się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 r. Jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy holenderskich przysłów tamtych czasów. Na namalowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, jak np. „pływanie pod prąd”, „walenie głową w ścianę”, „uzbrojenie po zęby” czy „duża ryba zjada małe”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, Bretońska wioska pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami, gdy zobaczył na nim wodospad.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień wykazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Gdy tylko Picasso wpadł na nowy pomysł, chwycił za pędzel i urzeczywistnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza ”- historyk sztuki Patricia Favero wyjaśnia możliwą przyczynę tego.

Niedostępne Marokanki

Zinaida Serebryakova, Nago, 1928

Pewnego dnia Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę – wybrania się w twórczą podróż, aby portretować nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Na ratunek przybył tłumacz Zinaidzie, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt wcześniej i później nie był w stanie uchwycić nagich zamkniętych w sobie orientalnych kobiet.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ręce… I wtedy artysta przyszedł do głowy – oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Portret ten uznawany jest za najlepszy wizerunek ostatniego cesarza.

Znowu dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część trylogii artystycznej.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z obrzeży klasy robotniczej, szczyt roku szkolnego, tępy oszołom, który znów złapał dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim właśnie epizod z pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Kilku amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł faktycznie pozostawił ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wierzą, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że Café Terrace at Night Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. Pośrodku obrazu znajduje się kelner z długimi włosami i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na krzyż, umieszczony bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch opowiadał o idei jednego z najbardziej tajemniczych obrazów w malarstwie światowym: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – słońce zachodziło – nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - patrzyłem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miastem - moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem, drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że pomysł „Krzyku” narodził się przez Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Obfite ilości pyłu i popiołu rozprzestrzeniły się po całym świecie, docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego głównego zdjęcia. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol wierzył, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Raphael Santi, Szkoła ateńska, 1511.

Tworząc słynny fresk „Szkoła ateńska”, Rafael uwiecznił swoich przyjaciół i znajomych na obrazach starożytnych greckich filozofów. Jednym z nich był Michelangelo Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434

W lustrze za Arnolfinis możesz zobaczyć odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób najczęściej zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba spowodowała, że artysta lepiej postrzegał rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed nastaniem Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, historycy sztuki są pewni, że pogańska bogini miłości symbolizuje chrześcijański obraz na fresku: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnista, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggio pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na notatkach znajdujących się przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt’a „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta raczej nie mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w epoce Caravaggia uważana była za instrument męski.

Publikacje działu Muzea

Sekrety słynnych obrazów

Dzieła sztuki często zyskują szczególną popularność, jeśli są legendarne lub nagle okazują się inne niż na pierwszy rzut oka. „Kultura.RF” odkrywa tajemnice słynnego – i niezbyt – rosyjskiego malarstwa.

Zakonnica – Ilya Repin

Ilia Repin. Siostra zakonna. 1878. Państwowa Galeria Trietiakowska / Portret pod prześwietleniem

Młoda dziewczyna w surowym stroju klasztornym w zamyśleniu patrzy na widza z portretu. Obraz jest klasyczny i znajomy - prawdopodobnie nie wzbudziłby zainteresowania historyków sztuki, gdyby nie wspomnienia Ludmiły Szewcowej-Spore, siostrzenicy żony Repina. Mają ciekawą historię.

Nie przeszkodziło to artyście w wielokrotnym malowaniu portretów Zofii. Do jednego z nich dziewczyna pozowała w uroczystej sali balowej: lekka elegancka sukienka, koronkowe rękawy, wysokie włosy. Pracując nad obrazem, Repin poważnie pokłócił się z modelką. Jak wiadomo, każdy może obrazić artystę, ale niewielu potrafi zemścić się tak pomysłowo, jak zrobił to Repin. Obrażony artysta „ubrał” Zofię z portretu w stroje klasztorne.

Historia przypominająca żart została potwierdzona prześwietleniem. Badacze mieli szczęście: Repin nie oczyścił oryginalnej warstwy farby, co umożliwiło szczegółowe zbadanie oryginalnego stroju bohaterki.

„Park Alley” Izaaka Brodskiego

Izaak Brodski. Aleja parkowa. 1930. Państwowa Galeria Trietiakowska, Moskwa / Izaak Brodski. Aleja parkowa w Rzymie. 1911

Uczeń Repina, Izaak Brodski, pozostawił badaczom równie interesującą tajemnicę. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się jego obraz „Park Alley”, który na pierwszy rzut oka nie jest niczym niezwykłym: Brodski miał wiele prac na temat „parku”. Jednak im dalej w park tym warstwy są bardziej kolorowe.

Jeden z badaczy zauważył, że kompozycja obrazu podejrzanie przypomina inną pracę artysty - „Park Alley in Rome” (Brodski skąpił oryginalnych tytułów). Obraz ten przez długi czas uznawany był za zaginiony, a jego reprodukcję opublikowano dopiero w dość rzadkim wydaniu z 1929 roku. Za pomocą zdjęcia rentgenowskiego odnaleziono rzymską aleję, która w tajemniczy sposób zniknęła – tuż pod sowiecką. Artysta nie oczyścił już gotowego obrazu, dokonał po prostu szeregu prostych zmian: przebierał przechodniów w stylu lat 30. XX w., „zabierał” dzieciom serso, usunął marmurowe posągi i nieznacznie zmodyfikował drzewa. I tak słoneczny włoski park kilkoma lekkimi ruchami rąk zamienił się w wzorowy radziecki.

Na pytanie, dlaczego Brodski zdecydował się ukryć swoją rzymską aleję, nie znaleźli odpowiedzi. Można jednak przypuszczać, że ukazywanie „skromnego uroku burżuazji” w roku 1930 było już z ideologicznego punktu widzenia niewłaściwe. Niemniej jednak ze wszystkich porewolucyjnych pejzaży Brodskiego najciekawsza jest „Park Alley”: pomimo zmian obraz zachował uroczą elegancję nowoczesności, która niestety nie była już w sowieckim realizmie.

„Poranek w lesie sosnowym” Iwana Szyszkina

Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki. Ranek w sosnowym lesie. 1889. Państwowa Galeria Trietiakowska

Leśny pejzaż z młodymi bawiącymi się na zwalonym drzewie to chyba najsłynniejsze dzieło artysty. Właśnie taką ideę krajobrazu Iwan Szyszkin podsunął innemu artyście – Konstantinowi Savitskiemu. Namalował także niedźwiedzicę z trzema młodymi: niedźwiedziom, znawcy lasu, Szyszkinowi, w żaden sposób się to nie udało.

Szyszkin nienagannie rozumiał florę leśną, zauważył najmniejsze błędy na rysunkach swoich uczniów - albo kora brzozy nie jest przedstawiona w ten sam sposób, albo sosna wygląda jak fałszywa. Jednak ludzie i zwierzęta w jego twórczości zawsze były rzadkością. To tutaj Savitsky przybył na ratunek. Nawiasem mówiąc, zostawił z młodymi kilka rysunków przygotowawczych i szkiców - szukał odpowiednich póz. „Poranek w sosnowym lesie” pierwotnie nie był „Porankiem”: obraz nazywał się „Rodzina niedźwiedzi w lesie” i były na nim tylko dwa niedźwiedzie. Jako współautor Savitsky złożył swój podpis na płótnie.

Kiedy płótno zostało dostarczone kupcowi Pawłowi Tretiakowowi, był oburzony: zapłacił za Szyszkina (zamówił dzieło autora), ale otrzymał Szyszkina i Sawickiego. Szyszkin, jako uczciwy człowiek, nie przypisywał sobie autorstwa. Ale Tretiakow poszedł dla zasady i bluźnierczo usunął podpis Savickiego ze zdjęcia terpentyną. Savitsky później szlachetnie odmówił praw autorskich, a niedźwiedzie przez długi czas przypisywano Szyszkinowi.

„Portret chórzystki” – Konstantin Korovin

Konstanty Korowin. Portret dziewczyny z chóru. 1887. Państwowa Galeria Trietiakowska / Odwrotna strona portretu

Na odwrocie płótna badacze znaleźli wiadomość od Konstantina Korovina na tekturze, która okazała się niemal ciekawsza niż sam obraz:

„W 1883 roku w Charkowie portret chórzystki. Napisane na balkonie komercyjnego ogrodu publicznego. Repin powiedział, kiedy Mamontow S.I. pokazał mu ten szkic, że on, Korovin, pisze i szuka czegoś innego, ale po co to - to jest malowanie tylko do malowania. Sierow nie malował wówczas jeszcze portretów. A malowanie tego szkicu uznano za niezrozumiałe??!! Dlatego Polenov poprosił mnie o usunięcie tego szkicu z wystawy, ponieważ ani artystom, ani członkom – panu Mosołowowi i kilku innym – nie podoba się to. Modelką była brzydka kobieta, nawet trochę brzydka.
Konstanty Korowin

„List” rozbroił swoją bezpośredniością i śmiałym wyzwaniem rzuconym całemu środowisku artystycznemu: „Sierow wówczas jeszcze nie malował portretów” – ale namalował je on, Konstantin Korovin. I rzekomo jako pierwszy zastosował techniki charakterystyczne dla stylu, który później nazwano rosyjskim impresjonizmem. Wszystko to okazało się jednak mitem, który artysta stworzył celowo.

Harmonijna teoria „Korovin - prekursor rosyjskiego impresjonizmu” została bezlitośnie zniszczona przez obiektywne badania techniczne i technologiczne. Na przedniej stronie portretu odnaleziono podpis artysty wykonany farbą, nieco niżej – tuszem: „1883, Charków”. W Charkowie artysta pracował w maju - czerwcu 1887 r.: malował dekoracje do przedstawień rosyjskiej szeregowej Opery Mamontowa. Ponadto krytycy sztuki odkryli, że „Portret chórzystki” został wykonany w pewien artystyczny sposób – a la prima. Ta technika malarstwa olejnego umożliwiła namalowanie obrazu w jednej sesji. Korowin zaczął stosować tę technikę dopiero pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku.

Po przeanalizowaniu tych dwóch niespójności pracownicy Galerii Trietiakowskiej doszli do wniosku, że portret powstał dopiero w 1887 r., a Korowin dodał wcześniejszą datę, aby podkreślić własną innowacyjność.

„Człowiek i kołyska” Iwana Jakimowa

Iwan Jakimow. Człowiek i kołyska.1770. Państwowa Galeria Trietiakowska / Pełna wersja dzieła

Przez długi czas obraz Iwana Jakimowa „Człowiek i kołyska” intrygował krytyków sztuki. I nie chodziło nawet o to, że takie codzienne szkice były zupełnie nietypowe dla malarstwa XVIII-wiecznego – koń na biegunach w prawym dolnym rogu obrazu miał zbyt nienaturalnie rozciągniętą linę, która logicznie powinna leżeć na podłodze. Tak, a dla dziecka od kołyski było jeszcze za wcześnie na zabawę takimi zabawkami. Poza tym kominek nie zmieścił się nawet do połowy płótna, co wyglądało bardzo dziwnie.

„Oświecił” sytuację – w dosłownym tego słowa znaczeniu – prześwietlenie. Pokazała, że płótno zostało przycięte po prawej stronie i u góry.

Obraz trafił do Galerii Trietiakowskiej po sprzedaży kolekcji Pawła Pietrowicza Tugogoja-Svinina. Był właścicielem tzw. „Muzeum Rosyjskiego” – kolekcji obrazów, rzeźb i antyków. Jednak w 1834 r., z powodu problemów finansowych, zbiór musiał zostać sprzedany - a obraz „Człowiek i kołyska” trafił do Galerii Trietiakowskiej: nie cały, ale tylko jego lewa połowa. Prawy niestety zaginął, ale nadal można zobaczyć dzieło w całości, dzięki kolejnej wyjątkowej wystawie Galerii Trietiakowskiej. Pełna wersja twórczości Jakimowa została znaleziona w albumie „Kolekcja doskonałych dzieł rosyjskich artystów i ciekawych domowych antyków”, który zawiera rysunki z większości obrazów wchodzących w skład kolekcji Svinina.

Ewolucja malarstwa w Rosji od X do połowy XX wieku

Nawet te arcydzieła malarstwa, które wydają nam się znajome, mają swoje tajemnice. Ogólnie rzecz biorąc, w prawie każdym znaczącym dziele sztuki kryje się tajemnica, „podwójne dno” lub tajemnicza historia, którą chcesz odkryć.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku. W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddająca się sodomii za pomocą rogów własnej czystości”.

Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postać w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Żółta sypialnia Van Gogha

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, wygoda pomieszczenia: wszystko musiało sugerować relaks. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojących żółtych tonach. Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła sporo zębów. Oglądając powiększone fotografie arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Jest taka„ uśmiechnięta „ właśnie z powodu tego, co jej się przydarzyło” – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad etykiety szlacheckiej: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wypuszczona przez kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego wolność jest naga

kwadrat niekwadratowy

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele ze słynnym artystą. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić u Klimta portret Adele i zmusić go do wykonania setek szkiców, dopóki artysta nie zacznie się od niej odwracać. Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka widziała, jak gasną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno ochłonęli wobec siebie. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: „czyta się” je nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazury w lewym dolnym rogu). Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, dokąd artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka powlókł się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 r. Jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

stary rybak

W każdej osobie może być zarówno Bóg (zduplikowane prawe ramię Starego Człowieka), jak i Diabeł (zduplikowane lewe ramię Starca).

Wiele arcydzieł malarstwa jest nam dobrze znanych. Prawie każde dzieło sztuki niesie ze sobą tajemnicę lub sekretną historię. Postaramy się odkryć te tajemnice i podzielić się kilkoma z nich.

1. Jak Salvador Dali zemścił się na swojej siostrze

„Postać w oknie” to obraz namalowany przez Dalego w 1925 roku, gdy miał zaledwie 21 lat. Jego muzą była wówczas Ana Maria. Dali napisał kiedyś na swoim obrazie: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Potem relacje między bratem i siostrą zostały całkowicie zrujnowane, ponieważ Ana nie mogła mu tego wybaczyć. Kiedy w 1949 roku ukazała się książka „Salvador Dali oczami siostry”, w której Dali została przedstawiona bez pochwał, wpadł we wściekłość i na długo ją zapamiętał. Obraz „Młoda dziewica oddając się sodomii za pomocą rogów własnej czystości” pojawił się w 1954 roku, więc Dali zirytował swoją siostrę za jej książkę. Jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz pewne podobieństwa z obrazem „Postać w oknie”.

2. Danae dwulicowa

W latach 60. XX wieku odkryta została tajemnica słynnego obrazu Rembrandta. Po oświetleniu obrazu promieniami rentgenowskimi stwierdzono, że twarz jest bardzo podobna do twarzy Saskii, zmarłej w 1642 roku żony malarza. Na ostatnim zdjęciu twarz przypomina kochankę Rembrandta, Gertier Dirks. Artysta mieszkał z nią po śmierci żony.

3. Sypialnia w Arles – Van Gogh

Van Gogh był często źle rozumiany przez artystów i krytyków. W 1888 roku musiał uciekać na południe Francji, gdzie założył warsztat. Wyposaża jeden z czterech pokoi na sypialnię. Jesienią przychodzi mu do głowy pomysł, aby namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Chciał przedstawić komfort pokoju, tak aby na widok wszystkich myśli pojawiały się tylko o odpoczynku. Badacze jego pracy zauważyli, że obraz został wykonany w żółtych odcieniach i wyjaśnili to faktem, że Van Gogh wziął lekarstwo na padaczkę - naparstnicę, która, jak wiadomo, zmienia postrzeganie koloru i człowiek widzi wszystko w kolorze zielonym -żółte odcienie.

4. Perfekcja bez zębów

Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest nieskazitelny i tajemniczy. Większość ludzi tak uważa, ale nie krytyk sztuki z Ameryki. Józef Borkowski, z zawodu dentysta, po dokładnym zapoznaniu się z powiększonymi fotografiami stwierdził, że bohaterka straciła w życiu wiele zębów. Znalazł także blizny wokół ust. Ekspert uważa, że jej słynny uśmiech jest bardzo typowy dla osób, które pozostały bez przednich zębów.

Obraz artysty Fiedotowa „Major's Matchmaking” bardzo rozbawił publiczność. Na zdjęciu są ironiczne szczegóły, które zostały zrozumiane przez ówczesnych obserwatorów. Na przykład majorowi wyraźnie brakuje zasad etykiety właściwych szlachcie: przyszedł bez bukietów dla swojej narzeczonej i jej matki, jak oczekiwano. Rodzice zakładają pannie młodej suknię wieczorową, mimo że jest dzień (lampy w pokoju nie są zapalone). Na zdjęciu widzimy, że dziewczyna najprawdopodobniej po raz pierwszy założyła głęboko wyciętą sukienkę, więc jest bardzo zawstydzona i stara się na wszelkie możliwe sposoby uciec i ukryć się przed wszystkim, co się dzieje.

Znany historyk sztuki Etienne Julie uważa, że Delacroix skopiował twarz kobiety od słynnej paryskiej rewolucjonistki – Anny Charlotte. Po tragicznej śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy Anna udała się na barykady i bohatersko zabiła dziewięciu strażników. Na zdjęciu widzimy rewolucjonistę z nagą klatką piersiową. Naga pierś symbolizuje bezinteresowność i nieustraszoność oraz pokazuje wszystkim, że Swoboda nie zakłada gorsetu jak zwykły człowiek.

7. Kwadrat inny niż czarny

„Czarny kwadrat” cieszy się dużą popularnością, chociaż wielu nawet nie zdaje sobie sprawy, że nie jest on czarny i wcale nie jest kwadratowy. W czworokącie żaden z boków nie jest równoległy do żadnego innego, a nawet nie jest równoległy do żadnego z boków ramy, w której oprawiony jest obraz. Wiele osób uważa, że kwadrat jest czarny, jednak tak naprawdę kolor uzyskano przez zmieszanie różnych kolorów, a czerni w ogóle nie było. Jak twierdzą historycy sztuki, takie było zasadnicze stanowisko Kazimierza Malewicza, który dążył do stworzenia formy mobilnej, dynamicznej.

8. Stary rybak

Artysta Tivadar Kostka Chontvari z Węgier w 1902 roku namalował obraz „Stary rybak”. Wielu może wydawać się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, jednak artysta umieścił w swoim obrazie podtekst, który nigdy za jego życia nie został ujawniony. Niewielu pomyślałoby o umieszczeniu lustra na środku obrazu. Tivadar Kostka Chontvari chciał pokazać, że w każdym człowieku może być obecny zarówno Bóg, jak i Diabeł.

9. Sekretny romans

Klimt na swoim płótnie przedstawił żonę Ferdynanda Blocha-Bauera, magnata cukrowego z Austrii. Wielu było zaskoczonych i dyskutowało o powieści słynnego artysty i Adele. Mąż był strasznie zły i postanowił w niecodzienny sposób zemścić się na swoich kochankach. Bloch-Bauer zamówił u Klimta portret swojej żony i nakazał wykonanie ogromnej liczby szkiców, aby artysta zaczął z niej wychodzić. Planował, że praca będzie trwała kilka lat i tym samym wygasną uczucia kochanków. Ferdynand złożył kuszącą ofertę, której artysta nie mógł odmówić i wszystko potoczyło się zgodnie z planem oszukanego męża. Praca trwała 4 lata i w tym czasie kochankowie stracili do siebie uczucia, a Adele do końca swoich dni nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy związku z Klimtem.

10. Ożyłam dzięki obrazowi

Gauguin słynie z obrazu „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" co ma jedną cechę charakterystyczną: płótno należy czytać od prawej do lewej, a nie od lewej do prawej, jak wszyscy są przyzwyczajeni. Cała alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka przebiega w następującej kolejności: na początku rodzi się dusza (dziecko śpi w kącie), a na końcu nadchodzi nieunikniona godzina śmierci (ptak trzyma jaszczurkę w pazurach). Artysta w ciągu swojego życia często uciekał przed cywilizacją na Tahiti i pisał swoje dzieła. W tamtym momencie życie na Tahiti od początku nie układało się pomyślnie: globalna bieda wprawiła artystę w depresję. Po ukończeniu płótna Paul Gauguin wziął arszenik i udał się w góry, aby popełnić samobójstwo. Ale ponieważ nie obliczył dawki, pomysł samobójstwa nie powiódł się. Rano dotarł do chaty i zasnął, a po przebudzeniu poczuł pragnienie życia. Od 1898 roku w jego twórczości zaczęła się biała passa i sprawy potoczyły się w górę.