Podobnie jak inne rodzaje duchowej aktywności człowieka, muzyka jest środkiem poznania świata, danym człowiekowi, aby nauczył się rozumieć siebie, dostrzegać piękno Wszechświata i rozumieć sens życia. „Muzyka jest językiem uczuć” – powiedział Robert Schumann. Ale muzyka zaczęła uczyć się wyrażania uczuć dopiero pod koniec renesansu, na przełomie XVI-XVII wieku. Był to czas, kiedy człowiek uświadomił sobie, że jest zdolny do myślenia, odczuwania i tworzenia, kiedy rozkwitła sztuka świecka i narodziła się opera. Ekspresja ludzkich namiętności-afektów stała się naczelnym zadaniem sztuki muzycznej w XVIII wieku, a w epoce romantyzmu świat emocji i doznań staje się głównym obszarem, w którym kompozytorzy poszukują tematów, obrazów, a nawet środków ekspresji.
Uczucia, dźwięki, szkice otaczającego życia, ruch... Ale czy świat idei nie podlega muzyce? „Każde prawdziwie muzyczne dzieło ma swój pomysł” – powiedział Beethoven. Ideę wyrażoną w słynnej V Symfonii sam autor sformułował następująco: „Z ciemności do światła, przez walkę do zwycięstwa”. Wcale nie jest konieczne, aby słowa pomagały muzyce w ucieleśnieniu idei, czy to programu literackiego, libretta opery, epigrafu poetyckiego czy wyjaśnień autora. Nie znamy programu VI Symfonii Czajkowskiego, który według samego kompozytora istniał w jego wyobraźni, bardzo nieliczni znają fragmentaryczne wypowiedzi Czajkowskiego, konkretyzujące figuratywną i ideową treść dzieła. Jednak mało prawdopodobne jest, aby ktokolwiek miał wątpliwości, że jest to muzyka o życiu i śmierci, o pomieszaniu ludzkiego ducha, zrozumieniu tragicznej nieuchronności odejścia.
Emocje i doznania, ruch i zmiana, idee i wyobrażenia, codzienność i przyroda, rzeczywistość i fantastyka, najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i wielkie uogólnienia – wszystko jest dostępne dla muzyki, choć nie w takim samym stopniu. Jakimi środkami dysponuje sztuka muzyczna, na jakich prawidłowościach się opiera, w jakich formach wyraża tak różnorodne treści?
Muzyka istnieje w specjalnym układzie współrzędnych, którego najważniejszymi wymiarami są przestrzeń dźwiękowa i czas. Oba wymiary składają się na podstawowe, gatunkowe właściwości muzyki, choć tylko pierwszy jest jej specyficzny – wysokość. Spośród tysięcy dźwięków otaczającego świata tylko dźwięki muzyczne mogą stać się muzyką (efekty szumu i perkusji stosowane są bardzo wybiórczo nawet w utworach współczesnych kompozytorów awangardowych). Ale sam dźwięk muzyczny nie może być odbierany ani emocjonalnie, ani estetycznie. Jeszcze nie muzyka, ale zestaw muzycznych dźwięków, który można porównać do palety artysty lub zestawu słów, którymi dysponuje poeta.
Uważa się, że głównymi środkami wyrazu muzyki są melodia, harmonia i rytm.
Nośnikiem znaczenia i najmniejszą jednostką strukturalną języka muzycznego jest intonacja, której istnienie potwierdza głęboki związek między dwoma światami – słownym i dźwiękowym – i dowodzi, że także na początku muzyki „było słowo. " Jednak tutaj pojęcie intonacji nabiera innego, znacznie głębszego i bardziej wszechstronnego znaczenia. Akademik B. Asafiew bardzo trafnie powiedział: „Muzyka jest sztuką intonowanego znaczenia”. Przodkami wielu intonacji muzycznych były intonacje mowy ludzkiej, ale nie zwykłe, ale takie, które pojawiają się w momentach najżywszej ekspresji namiętności czy emocji. Intonacje płaczu, skargi, okrzyki czy pytania przywędrowały do muzyki z życia i nawet nie kojarząc się ze słowem (np. w gatunkach instrumentalnych), zachowują swoje pierwotne znaczenie emocjonalne i psychologiczne. Obowiązkowym atrybutem heroicznego początku w muzyce są intonacje rozkazujące, inwokacyjne - w szczególności kwarta wstępująca, na której ostatni dźwięk pada akcent metryczny.
W różne epoki u różnych kompozytorów pewne właściwości harmonii przejawiały się odmiennie: klasycy cenili w niej przede wszystkim umiejętność logicznego łączenia współbrzmień, aktywowania procesu rozwoju muzycznego i budowania kompozycji (co było szczególnie wyraźne w formie sonatowej); romantycy znacznie zwiększali rolę ekspresyjno-emocjonalnych walorów harmonii, choć nie byli obojętni na dźwiękowy blask; Kompozytorzy impresjoniści całkowicie pogrążyli się w podziwianiu barwy dźwięku – nieprzypadkowo sama nazwa tego kierunku nawiązuje bezpośrednio do podobnego nurtu w malarstwie europejskim.
Przejawy właściwości ekspresyjnych trybu są bardzo różnorodne. Znane wszystkim tonacje dur i moll mają dość określony koloryt emocjonalny i kolorystyczny: dur brzmi lekko, optymistycznie i kojarzy się z radosnymi, jasnymi obrazami, muzyka pisana tonacją moll jest z reguły ponura i kojarzona z ekspresją nastrojów smutno-melancholijnych lub żałobnych.
Duże znaczenie w muzyce ma tempo - czyli szybkość wykonania, która zależy od częstotliwości naprzemiennych uderzeń metrycznych. Tempa wolne, szybkie i umiarkowane kojarzą się nie tylko z różnymi rodzajami ruchu, ale także z pewnym obszarem ekspresji. Nie sposób sobie wyobrazić np. elegii-romansu w szybkim tempie czy Krakowiaka w tempie adagio. Tempo ma silny wpływ na „nastrój gatunkowy” - to powolny charakter części pozwala odróżnić marsz żałobny od marsza wojskowego lub marsza scherza, a bardziej radykalne zmiany tempa mogą całkowicie przemyśleć gatunek - zamienić powolnego lirycznego walca w zawrotne scherzo, a szarmanckiego menueta w majestatyczną - imponującą sarabandę. Często tempo i metrum odgrywają decydującą rolę w tworzeniu obrazu muzycznego. Porównajmy dwa najsłynniejsze dzieła Mozarta – temat pierwszej części 40. symfonii i arię Paminy z drugiego aktu opery „Czarodziejski flet”. Oparte są na tej samej intonacji skargi - lamento, utrzymanej w elegijnej tonacji g-moll. Muzyka pierwszej części symfonii przypomina wzburzoną mowę, w której wprost wylewa się uczucie, stwarza wrażenie drżącego, niemal romantycznego impulsu. Tekst arii jest smutny, głęboki, beznadziejny, jakby skuty od wewnątrz łańcuchem, ale pełen ukrytego napięcia. Decydujący wpływ na charakter obrazu lirycznego ma przy tym tempo: w pierwszym przypadku jest szybkie, w drugim powolne, a także wielkość: w symfonii jest dwugłosowa, z motywami jambicznymi dążącymi do mocnego uderzenia, w arii Paminy jest to pulsacja trzygłosowa, złagodzona i bardziej płynna.
Muzyka jest sztuką wypowiadania dźwięków, szczególnym rodzajem myślenia obrazami dźwiękowymi. Podobnie jak inne rodzaje sztuki, takie jak malarstwo, rzeźba, choreografia, muzyka odtwarza emocjonalne przeżycia ludzi i otaczającą ich rzeczywistość w żywej, figuratywnej formie.
Dzieła wielkich kompozytorów nawołują do walki o lepszą przyszłość, budzą szlachetne duchowe impulsy i aspiracje. Ten rodzaj muzyki nie jest dla każdego. Nie każdy może zrozumieć znaczenie jej projektu i piękno artystycznych obrazów.
Słynna powieść Jacka Londona opisuje zniechęcenie pracującego Martina Edena, który po raz pierwszy usłyszał wykonanie klasycznej muzyki fortepianowej.
Występ Ruth „oszołomił Martina, uderzył go jak mocny cios w głowę, ale oszołomiony i zmiażdżony, jednocześnie poruszył jego duszę”.
Zdolność muzyki o wielkiej imponującej mocy do przekazywania najsubtelniejszych odcieni uczuć w ruchu, w procesie ciągłego rozwoju, jest jednym z jej najpotężniejszych i najbardziej atrakcyjnych aspektów.
Charakteryzując muzykę jako obszar przede wszystkim przeżyć emocjonalnych, nie można powiedzieć, że treść jakiegokolwiek utworu muzycznego ogranicza się całkowicie do kręgu głęboko osobistych nastrojów i odczuć. Wyrażając uczucia w utworach muzycznych z wielkim moc artystyczna reprodukowana jest cała różnorodność otaczającej rzeczywistości. Poznawać najlepsze prace twórczość muzyczna widać wyraźnie, że ich treścią są nie tylko przeżycia i nastroje emocjonalne, ale także poważna refleksja, obraz różnych charakterów ludzkich w ich wzajemnych starciach i zmaganiach życiowych, wielkich konfliktach społecznych.
Jednym z wybitnych „malarzy” w muzyce był N.A. Rimskiego-Korsakowa.
Jak w każdej sztuce, treść utworu muzycznego przekształca się w obraz artystyczny, a często w cały system obrazów. Obrazy sztuki muzycznej są postrzegane przez ucho. Dlatego żaden, nawet najbardziej żywy słowny i literacki opis utworu muzycznego nie może dać prawdziwego wyobrażenia o jego bezpośrednim brzmieniu.
I to w każdym muzycznym obrazie – czy to będzie prosta melodia ludowej piosenki, czy też romans liryczny, cecha muzyczna bohater lub główna idea praca instrumentalna- zjawiska rzeczywistości są odtwarzane za pomocą określonych środków wyrazu języka muzycznego.
Pojęcie języka muzycznego obejmuje różnorodne elementy składowe i środki wyrazu sztuki muzycznej. Obejmuje to intonacyjno-metodyczny charakter muzyki, rytm, modalną organizację dźwięków. mowa muzyczna, prezentacja polifoniczna, tempo wykonania, wysokie lub niskie rejestry dźwięku, barwa i wiele więcej.
Ważnym aspektem muzyki jest organizacja rytmiczna. Za pomocą wyrazistych środków muzycznego rytmu odtwarzane są różne aspekty rzeczywistości. Rozwojowi muzyczno-rytmicznego uczucia u ludzi sprzyjały różne przejawy rytmicznej okresowości, począwszy od życiowej aktywności samego ludzkiego ciała: równomierny oddech i bicie serca, puls, regularność naturalnego kroku podczas chodzenia, uporządkowanie ruchów roboczych podczas ciosy siekiery, łopaty, zamach kosą. To nie przypadek, że jednym z najstarszych typów pieśni pochodzenia były tak zwane chóry pracy, które przyczyniły się do ustalenia miarowego rytmu pracy zespołu roboczego. Chóralne okrzyki takich piosenek („Jeszcze raz”, „Take”, „Let's move”, „Wow”) służyły jako sygnały do podjęcia wspólnego wysiłku pracy.
W nowoczesny świat wiele rodzajów muzyki. I każdy wybiera ten, który mu odpowiada. Ale najważniejsze jest to, aby dzieła muzyczne nie straciły swojej misji - poprawy życia, poprawy ludzkości, otwarcia drogi do przyszłości - promiennej i pięknej.
Muzyka jest najwyższą sztuką na świecie. (Lew Nikołajewicz Tołstoj)
Jeśli chcesz, aby Twoje dzieci zrobiły pierwszy możliwy krok w kierunku Nagrody Nobla, zacznij nie od chemii, ale od muzyki. Bo zdecydowana większość noblistów w dzieciństwie była otoczona muzyką. Bo muzyka jest pożywieniem dla mózgu, w strukturach muzyki wszystkie kolejne odkrycia naukowe. Zarówno Einstein ze skrzypcami, jak i Planck przy fortepianie nie są przypadkiem, nie kaprysem, ale Boską koniecznością. ". ( Michał Kazik)
Wieczór kreatywny M.Kazinik-Sekretne przejawy kultury„Spośród przyjemności życia muzyka jest gorsza od samej miłości, ale miłość jest także melodią!”
(AS Puszkin)
Muzyka jest jedynym językiem świata, nie trzeba jej tłumaczyć, w niej dusza przemawia do duszy. (Bertholda Auerbacha)
Muzyka jest prawdziwie uniwersalną ludzką mową. (Carl Juliusz Weber)
Muzyka jest potężnym źródłem myśli. Bez edukacji muzycznej pełny rozwój umysłowy jest niemożliwy. (Wasilij Aleksandrowicz Suchomlinski)
Muzyka jest potrzebą ludzi. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka jest pośrednikiem między życiem umysłu a życiem zmysłów. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka jest poezją powietrza. (JP Richter)
Muzyka jest uniwersalnym językiem ludzkości. (Henry Longfellow)
Muzyka to sztuka smutku i radości bez powodu. (Tadeusz Kotarbiński)
Muzyka to myślenie o hałasie. (Wiktor Marie Hugo)
Muzyka jest wyższym objawieniem niż mądrość i filozofia. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka to inteligencja zawarta w pięknych dźwiękach. (Iwan Siergiejewicz Turgieniew)
Muzyka to skrót od uczuć. (Lew Nikołajewicz Tołstoj)
Muzyka ma więcej wspólnego z moralnymi działaniami człowieka, niż się powszechnie uważa. (VF Odojewski)
Muzyka inspiruje cały świat, dodaje skrzydeł duszy, sprzyja ucieczce wyobraźni... (Platon)
Muzyka zmywa z duszy kurz codziennego życia. (Bertholda Auerbacha)
Muzyka zagłusza smutek. (William Szekspir)
Muzyka, nawet w najstraszniejszych, dramatycznych sytuacjach, musi zawsze wpadać w ucho, zawsze musi pozostać muzyką. (Wolfgang Amadeusz Mozart)
Muzyka jest dla mnie tą samą poezją, a ze wszystkich rodzajów poezji jest najbardziej zniewalająca.
(Romain Rolland)
Muzyka powinna rozpalać ogień w ludzkich sercach. (Ludwiga van Beethovena)
Muzyka jest nam droga, ponieważ jest najgłębszym wyrazem duszy, harmonijnym echem jej radości i smutków. (Romain Rolland)
Muzyka jest nieświadomym ćwiczeniem duszy w arytmetyce. (Gottfried Wilhelm Leibniz)
Muzyka jest skarbnicą, do której każda narodowość wnosi swój wkład dla wspólnego dobra. (PI Czajkowski)
Muzyka sprawia, że zapominam o sobie, o mojej prawdziwej pozycji, przenosi mnie do innej, a nie mojej pozycji ... (Lew Nikołajewicz Tołstoj)
Muzyka nie ma ojczyzny; jej ojczyzną jest cały wszechświat. (F.Chopin)
Muzyka nie może myśleć, ale może ucieleśniać myśl. (R. Wagnera)
Muzyka to nie tylko czynnik nobilitujący i wychowawczy. Muzyka jest uzdrowicielem zdrowia. (Władimir Bechteriew)
Muzyka nic nie mówi do umysłu: to doskonale ustrukturyzowany nonsens.
(Anthony Burgess)
Muzyka uszlachetnia moralność, ale moralność psuje muzykę. (Krzysztof Bilica)
Muzyka uszlachetnia moralność. (Arystoteles)
Muzyka stanowi środek między myślą a wyglądem. (Heinricha Heinego)
Muzyka łączy sferę moralną, emocjonalną i estetyczną człowieka. Muzyka jest językiem uczuć. (Wasilij Aleksandrowicz Suchomlinski)
Sama muzyka jest językiem świata i nie potrzebuje tłumaczenia, ponieważ przemawia do duszy.
(B. Awerbach)
Muzyka zachęca nas do elokwentnego myślenia. (Ralph Waldo Emerson)
Muzyka jest jak dramat. Królowa (melodia) ma większą moc, ale decyzja należy zawsze do króla. (Roberta Schumana)
Muzyka pokazuje człowiekowi możliwości wielkości, które są w jego duszy.
(Ralph Waldo Emerson)
Muzyka swoją melodią przenosi nas na skraj wieczności i daje możliwość zrozumienia jej wielkości w ciągu kilku minut. (Thomas Carlyle)
Muzyka tworzy uczucia, których nie ma w życiu. (Stanisław Witkiewicz)
Muzyka może wywierać pewien wpływ na etyczną stronę duszy. (Arystoteles)
Muzyka potrzebuje słów tak samo jak rzeźba. (Anton Grigoriewicz Rubinstein)
Muzyka, jak każdy inny ludzki język, musi być nierozerwalnie związana z ludźmi, z ziemią tego ludu, z jego rozwój historyczny. (Władimir Wasiljewicz Stasow)
Muzyka jest okropna, gdy nie ma w niej taktu ani miary. (William Szekspir)
Muzyka, jak deszcz, kropla po kropli, wnika w serce i ożywia je.
(Romain Rolland)
Muzyczna ignorancja zawsze lubiła chwytać dyrygencką batutę. (Borys Andriejew)
(PI Czajkowski)
prawdziwa muzyka zawsze rewolucyjny, jednoczy ludzi, niepokoi ich, powołuje do przodu. (Dmitrij Szostakowicz)
Prawdziwa muzyka jest w stanie wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko postępowe ludzkie idee. (Dmitrij Szostakowicz)
„Muzyka towarzyszy człowiekowi przez całe życie. Bez muzyki trudno wyobrazić sobie życie człowieka. Bez dźwięków muzyki byłoby ono niepełne, głuche, biedne… Ludzie potrzebują wszelkiego rodzaju muzyki – od prostej melodii flet przy dźwiękach wielkiej orkiestry symfonicznej, od bezpretensjonalnych pieśni ludowych po sonaty Beethovena” (D.D. Szostakowicz).
Nie wierz, że człowiek może od razu zrozumieć muzykę. To jest niemożliwe. Najpierw musisz się do tego przyzwyczaić. (VF Odojewski)
Nie wiem, czy aniołowie rzeczywiście grają Bacha tylko w obecności Boga; ale jestem pewien, że w swoim rodzinnym gronie grają Mozarta. (Karl Barth)
Nie my słuchamy muzyki, ale muzyka słucha nas. (Theodor Adorno)
Nie strzelaj do pianisty - robi co może. (Oskar Wilde)
Nic nie przywołuje przeszłości z taką siłą jak muzyka; osiąga więcej: kiedy ją przywołuje, wydaje się, jakby ona sama przechodziła przed nami, okryta, jak cienie tych, którzy są nam drodzy, tajemniczą i smutną zasłoną. (Germaine de Stael)
Potrzebujesz nowych uszu do nowej muzyki. (Fryderyk Nietzsche)
O muzyka! Echo odległego harmonijnego świata! Westchnienie anioła w naszej duszy! (JP Richter)
O muzyce musisz pisać notatki. (Bolesław Paszkowski)
Dziedziną muzyki jest duchowy niepokój. Celem muzyki jest wzbudzanie tych emocji, ona sama też się nimi inspiruje. (George Sand)
Muzyka, nawet w najstraszniejszych dramatycznych sytuacjach, zawsze musi urzekać ucho,
zawsze bądź muzyką.
(Wolfgang Amadeusz Mozart
Materiał muzyczny, czyli melodia, harmonia i rytm, jest z pewnością niewyczerpany.
(PI Czajkowski)
Muzyka to skrót od uczuć.
(L. Tołstoj)
Muzyka powstała w starożytność. Świadczą o tym liczne znalezione przedmioty z wizerunkami instrumentów muzycznych, wykonawców, chociaż dzieła muzyczne z odległych epok do nas nie dotarły.
Od czasów starożytnych muzyka była uznawana za ważny i niezbędny środek kształtowania cechy osobiste osoba, jego świat duchowy. W Starożytna Grecja istniała nawet doktryna, która uzasadniała wpływ muzyki na ludzkie emocje. Udowodniono, że niektóre melodie dodają odwagi i wytrzymałości, inne wręcz przeciwnie, rozpieszczają.
Na czym polega wyjątkowość muzyki jako sztuki? Porównaj to z malarstwem, rzeźbą, literaturą.
Muzyka nie może przedstawiać i opisywać zjawisk życiowych z taką samą konkretnością jak tego rodzaju sztuki (choć ma pewne możliwości reprezentacji).
Czy za pomocą dźwięków można przekazać określone treści? Co nazywamy treścią muzyki?
Wybitny psycholog B.M. Tepłow napisał: „W najbardziej bezpośrednim i bezpośrednim sensie treścią muzyki są uczucia, emocje, nastroje”. (Psychologia zdolności muzycznych. - M .; L., 1947. - S. 7.)
Osobliwością muzyki jest to, że może ona z wielką bezpośredniością i siłą przekazać stan emocjonalny osoby, całe bogactwo uczuć i odcieni, które istnieją w prawdziwym życiu.
Ze względu na to, że muzyka jest formą sztuki tymczasowej (w przeciwieństwie do malarstwa, rzeźby) ma zdolność przekazywania zmian nastrojów, przeżyć, dynamiki stanów emocjonalnych i psychicznych. Każdy utwór muzyczny ma więc określony „program sensoryczny” (określenie psychologa V. G. Razhnikova), który rozwija się w czasie.
Muzyka może również przedstawiać dowolne specyficzne zjawiska rzeczywistości - szum fal, wycie wiatru, plusk strumienia, śpiew ptaków - za pomocą onomatopei.
Istnieje tak zwana muzyka programowa, w której kompozytor albo wskazuje tytuł utworu, tj. tekst literacki. W muzyce programowej różne rodzaje obrazkowe chwile, ale ważne jest, aby pamiętać, że nawet jasne prace obrazkowe zawsze mają konotację emocjonalną: ćwierkanie ptaka może być przyjazne, wesołe lub może budzić niepokój; szum fal — spokojny lub groźny.
Dlatego ekspresyjność zawsze tkwi w muzyce, a reprezentacjonizm ma wartość pomocniczą. Figuratywność nie jest obecna w każdym dziele, ale nawet jaskrawo muzyka wizualna zawsze wyraża nastroje, stany emocjonalne i psychiczne.
Muzyka, także niezwiązana ze słowem, wyraża pewne myśli i skłania do uogólnień. Powstają jednak poprzez emocjonalne odbieranie dźwięków, melodii, kiedy słuchacz śledzi rozwój, zderzenie postaci, tematów, porównuje różne obrazy w partiach utworu.
Inną cechą muzyki w porównaniu z malarstwem, rzeźbą jest potrzeba pośrednika do jej odtworzenia.
Wybitny muzykolog kompozytor B.V. Asafiew zauważył, że muzyka istnieje w trójcy procesów jej tworzenia przez kompozytora, reprodukcji przez wykonawcę i odbioru przez słuchacza.
Wykonawca, będąc pośrednikiem kompozytora, musi ożywić, udźwignąć utwór muzyczny, twórczo go pojąć i wyrazić te myśli i uczucia, które chciał przekazać autor.
Na ogół możliwości ekspresyjne muzyki mają wystarczającą stałość. Na przykład muzyka żałobna jest postrzegana przez wszystkich ludzi jako żałobna, a delikatna muzyka jest postrzegana jako czuła. Słuchanie muzyki jest procesem twórczym, ponieważ sama praca daje początek różni ludzie różne występy muzyczne i pozamuzyczne w zależności od doświadczenie życiowe, doświadczenie percepcji muzyki.
Na czym opiera się ekspresyjność języka muzyki? Jakie są środki wyrazu muzycznego?
Należą do nich tempo, dynamika, rejestr, barwa, rytm, harmonia, tryb, melodia, intonacja itp.
Obraz muzyczny tworzy pewna kombinacja! środki wyrazu muzycznego. Na przykład groźny charakter może oddać dość głośna dynamika, niski rejestr połączony z powściągliwym tempem. Łagodny charakter - spokojne tempo, miękka dynamika i wyważony rytm. Rola poszczególnych środków muzycznych w kreowaniu obrazu; bywa nierówny. Każdy obraz muzyczny jest zdominowany przez pewne środki wyrazistość.
Wyrazistość języka muzyki jest pod wieloma względami podobna do wyrazistości mowy. Istnieje hipoteza o pochodzeniu muzyki od intonacji mowy, które zawsze mają zabarwienie emocjonalne.
Istnieje wiele podobieństw między muzyką a mową. Dźwięki muzyczne, takie jak mowa, są odbierane przez ucho. Za pomocą głosu przekazywane są stany emocjonalne człowieka: śmiech, płacz, niepokój, radość, czułość itp. Barwienie intonacji w mowie jest przekazywane za pomocą barwy, wysokości, siły głosu, tempa mowy, akcentów, pauz. Intonacja muzyczna ma te same możliwości ekspresyjne.
B. V. Asafiev naukowo uzasadnił pogląd na sztukę muzyczną jako sztukę intonacyjną, której specyfika polega na tym, że ucieleśnia ona emocjonalną i semantyczną treść muzyki, tak jak stan wewnętrzny człowieka jest ucieleśniony w intonacjach mowy. Intonacja mowy wyraża przede wszystkim uczucia, nastroje, myśli mówiącego, a także intonację muzyczną. Tak więc podekscytowana mowa osoby wyróżnia się szybkim tempem, ciągłością lub obecnością małych przerw, wzrostem tonu i obecnością akcentów. Muzyka, która przekazuje zamęt, ma zwykle te same cechy. Żałobna mowa osoby, podobnie jak żałobna muzyka (cicha, wolna), jest przerywana pauzami, okrzykami. I
BV Asafiev użył terminu intonacja w dwóch znaczeniach. | Pierwsza to najmniejsza ekspresyjna i semantyczna cząstka, „intonacja ziarna”, „komórka” obrazu. Na przykład intonacja dwóch dźwięków opadających z naciskiem na interwał pierwszy (drugi mały) wyraża zwykle ból, westchnienie, płacz, a skok w górę melodii o cztery dźwięki (co kwartę) z naciskiem na drugi dźwięk to aktywny początek.
Drugie znaczenie tego terminu jest używane w szerokim znaczeniu: jako intonacja równa długości utworu muzycznego. W tym sensie muzyka nie istnieje poza intonacją. Forma muzyczna to proces zmiany intonacji.
Forma muzyczna w szerokim znaczeniu to całokształt wszelkich środków muzycznych wyrażających treść. W węższym sensie struktura utworu muzycznego, jego stosunek oddzielne części i sekcje w ramach części, czyli strukturę utworu.
Temporalny charakter muzyki pozwala oddać procesy rozwoju, wszelkiego rodzaju przemian. Aby zrozumieć sens utworu, aby go poczuć, konieczne jest śledzenie rozwoju obrazów muzycznych.
Przy tworzeniu formy ważne są trzy zasady: powtórzenie, kontrast, rozwinięcie (wariacja).
Powtórzenie może się różnić. Fraza muzyczna powtórzona dwa razy z rzędu zastępuje stop, pomaga to wsłuchać się głębiej, zapamiętać melodię. W innym przypadku kontrastujący temat rozbrzmiewa między powtórzeniami. Rola takich powtórzeń jest bardzo duża: stanowią one podstawę dramaturgii muzycznej, gdyż pozwalają na stwierdzenie prymatu obrazu.
Jeśli między powtarzającymi się sekcjami występuje kontrastujący epizod, powstaje prosta trójdzielna forma. Schematycznie można to przedstawić w następujący sposób: ABA.
Wartość ekspresyjna powtórzenia tematu wzrasta, jeśli po pojawieniu się nowego obrazu (B) sam się zmienia. Konwencjonalnie jej „drugie pojawienie się jest oznaczone jako A1. W tym przypadku trójstronną formę można przedstawić za pomocą schematu ABA1.
Powtórzenie wiąże się z inną zasadą – kontrastami, co pozwala na wyeksponowanie powtórzenia. Kontrast pomaga wyrazić zmianę nastroju w muzyce, może brzmieć jak sprzeciw. Na przykład, jeśli pierwsza część była pełna beztroski, zabawy, środkowa część wprowadza kontrastowy obraz (niepokój, zło itp.). W części trzeciej, w zależności od tego, czy powtórzenie jest trafne, czy zmodyfikowane, można śledzić rozwój obrazu, dramaturgię muzyczną.
Kontrast wiąże się z inną zasadą kształtowania – rozwojem. Jeśli sam temat składa się z dwóch (lub więcej) kontrastujących ze sobą elementów lub fragmentu formularza – z kilku tematów, rodzi to konflikt, możliwość ich zderzenia, rozwinięcia. Zasada ta ma odmianę – wariacyjny rozwój, który wywodzi się z improwizacji ludowych.
Te trzy zasady kształtowania często występują razem. Za pomocą tych samych zasad powstają bardziej złożone formy muzyczne.
Scharakteryzujmy niektóre rodzaje muzyki - gatunki muzyczne.
Ogólnie muzykę można podzielić na wokalną i instrumentalną. muzyka wokalna związane ze słowem, tekstem poetyckim. Jej odmiany to muzyka solowa, zespołowa i chóralna. W muzyce instrumentalnej treść wyrażana jest bardziej ogólnie. Jego odmiany obejmują muzykę solową, zespołową i orkiestrową.
Ale podział muzyki tylko na wokalną i instrumentalną jest bardzo warunkowy. istnieje duża różnorodność gatunki muzyki ludowej i klasycznej.
Ludzie nie mogą żyć bez muzyki. Wszędzie słuchają muzyki, nawet w lesie, kiedy spacerują i słuchają śpiewu ptaków. Muzyka jest warunkowo podzielona na klasyczną i nowoczesną. Muzyka klasyczna wymaga dobrego zrozumienia, inaczej może wydawać się nudna i nieciekawa. Większość ludzi woli muzykę współczesną: pop, rock, disco, rap, techno itp.
Aby uczynić utwór muzyczny bardziej wyrazistym, jego twórcy często stosują różne style językowe. Pomimo powszechności zdecydowanej większości narzędzia językowe, każdy styl językowy ma swoje własne różnice językowe, które mają określone środki wyrazu.
Celem tej pracy jest rozważenie głównych typów i gatunków, analiza cech użycia środków językowych w piosenkach różnych stylów w języku angielskim.
Wybór tematu naszej pracy wynika z niedostatecznej wiedzy o cechach językowych współczesnych środków masowego przekazu. kultura muzyczna, a także wzrost zainteresowania młodych ludzi dziś najpopularniejszymi i współczesne gatunki i gatunków kultury muzycznej.
Praca składa się ze wstępu, 3 rozdziałów, zakończenia i aneksu. Pierwszy rozdział poświęcony jest zagadnieniu roli muzyki w życiu społeczeństwa. W tym rozdziale omówiono cechy muzyki jako formy sztuki. W drugim rozdziale zwracamy się do współczesnej masowej kultury muzycznej i ujawniamy jej główne typy i gatunki. W trzecim rozdziale analizujemy cechy implementacji stylów językowych w angielskich tekstach piosenek poprzez użycie określonych środków wyrazu. W załączniku podajemy przykłady tekstów na nasz temat.
Zastosowaliśmy takie metody badawcze jak obserwacja, analiza porównawcza, porównanie.
Wykorzystano szeroką gamę materiałów na nasz temat.
Muzyka ma silny wpływ na wewnętrzny świat osoba. Może sprawiać przyjemność lub wręcz przeciwnie, powodować silny niepokój psychiczny, skłaniać słuchacza do przemyśleń i otwierać przed nim nieznane dotąd aspekty życia. To muzyka jest dana do wyrażania uczuć tak złożonych, że czasami nie da się ich opisać słowami. Muzyka łączy ludzi w ich dążeniach do przyjaźni, pokoju, łączy ich myśli i uczucia w jeden strumień. Muzyka pozwala realizować złożone problemy nie tylko umysłem, ale i sercem, jakby czuć je od środka, nie tylko myśleć, ale także wczuwać się. Muzyka odgrywa dużą rolę w edukacji estetycznej ludzi. Pomaga ludziom nauczyć się doceniać i rozumieć piękno, wzbogaca intelekt i uczucia.
Istnieją instrumentalne i wokalne kompozycje muzyczne. Naukowcy twierdzą, że ludzkość istnieje na ziemi od około miliona lat. Kiedy ludzie dostali muzykę? Pierwsze instrumenty zdaniem badaczy pojawiły się równocześnie z pojawieniem się mowy, co oznacza, że język słów i język muzyki powstawały równolegle, wzajemnie się uzupełniając i wzbogacając. Początkowo muzyka pojawia się w ścisłym związku z procesami pracy. Innym powodem pojawienia się muzyki jest odwieczna potrzeba człowieka do wylewania swoich uczuć, nastrojów w melodiach, to znaczy pojawienie się muzyki wynika z emocjonalnej natury człowieka.
Muzyka jest sztuką, a zatem jest jedną z jej form świadomość publiczna. Jak każda sztuka, muzyka odzwierciedla życie w artystycznych obrazach. Muzyka to sztuka dźwięku. Potrafi wywołać w człowieku wyobrażenie o wielkości i pięknie natury, o burzach i tragediach życiowych, śpiewa o woli i odwadze bohatera, który wkracza do walki z żywiołami, sprawia, że słuchacz opłakuje jego śmierć lub raduje się z okazji zwycięstwa. Muzyka jest w stanie ujawnić najskrytsze impulsy duszy, uczucia i nastroje człowieka. Dlatego muzykę nazywa się sztuką ekspresyjną. Inną cechą muzyki jest wydajność. Aby utwór muzyczny stał się znany ludziom, musi być wykonany. W muzyce ważne jest również powiązanie wrażeń słuchowych z ludzką mową. Główne wzorce muzyczne określane są przede wszystkim przez ekspresyjność mowy ludzkiej, jej rytm, tempo i charakter.
Profesjonalna muzyka jest bardzo różnorodna. Tak zwana lekka, rozrywkowa muzyka jest tworzona dla relaksu i często jest postrzegana jako tło codzienności. Najtrudniejszą dziedziną profesjonalnej sztuki muzycznej jest muzyka klasyczna. Klasyka odnosi się do wieczne pytania istnienie. W centrum pism klasycznych są moralne, religijne i problemy filozoficzne. Szczególnym obszarem muzyki klasycznej są dzieła sakralne, zwykle przeznaczone do towarzyszenia nabożeństwom. Takie dzieła przekazują najgłębsze uczucia religijne człowieka. Kolejny ważny obszar twórczość zawodowa- muzyka jazzowa i rockowa. Oddają sposób postrzegania świata przez człowieka nowej epoki, którego życie diametralnie zmieniło rewolucja technologiczna, wojny światowe i katastrofy społeczne. Istnieje wiele odmian jazzu i rocka. Jedne są bliskie muzyce rozrywkowej, inne wręcz przeciwnie, wymagają poważnego, przygotowanego słuchacza.
Głębokie zrozumienie muzyki wymaga od słuchacza pewnego wysiłku, ale jak wiele zyskuje człowiek, który się na to włożył! Otwiera się przed nim wspaniały świat, wypełniony dźwiękami, które urzekają pięknem i duchowością. Ten świat jest otwarty dla ludzi, najważniejsze jest słuchanie muzyki.
Rozdział 2. Współczesna masowa kultura muzyczna. Rodzaje i gatunki
2. 1. Muzyka jazzowa
Handlarze niewolnikami, którzy w ciągu kilku wieków wyprowadzili z Afryki setki tysięcy Murzynów, nie mogli oczywiście przewidzieć, że muzyka tworzona przez potomków tych niewolników, swoim pięknem i oryginalnością, podbije świat i rozprzestrzeni się na niemal wszystkich kontynenty. Ta muzyka to jazz. Wśród pierwszych niewolników osiadłych w Ameryce te pieśni i rytmy wciąż niewiele różniły się od śpiewu afrykańskiego. Z czasem pamięć o muzyce afrykańskiej zatarła się, co znacznie ułatwił fakt, że misjonarze uczyli ich hymnów religijnych. Jednak Murzyni śpiewali te melodie po swojemu. W rzeczywistości były to już duchy, czyli religijne pieśni murzyńskie. Wiadomo, że muzyka murzyńska rozwijała się w odosobnieniu, tylko przelotnie i powierzchownie w kontakcie z muzyką białą. W tym okresie rozkwitła piosenka ludowa amerykańskich Murzynów, blues. Blues to skarga, krzyk protestu. Muzyka była ponura, ale nie za bardzo. Śpiewają o zawiedzionej miłości, o potrzebie, o ciężkiej pracy. Na bazie bluesa i spirytualizmu powstaje jazz - orkiestrowe opracowanie ludowych i religijnych pieśni Murzynów w USA. Termin jazz (pierwotnie jass) nie występował wcześniej przełom XIX- XX wieku. , może też pochodzić od francuskiego jaser (o znaczeniu „pogawędzić”, które zachowało się w amerykańskim slangu: jazz - „pieprzy”, „nonsens”) oraz od dowolnego słowa w jednym z języków afrykańskich. W najwyższych kręgach Nowego i Starego Świata słowo, które później stało się terminem czysto muzycznym, kojarzyło się z czymś hałaśliwym, niegrzecznym, brudnym. Rezultatem jest jazz długotrwała interakcja różnych warstw kultury muzycznej w całej Ameryce Północnej, wszędzie tam, gdzie murzyńscy niewolnicy z Afryki (głównie zachodniej) musieli opanować kulturę swoich białych panów. Są to hymny religijne - spirituale, oraz najpowszechniejsza forma muzyki codziennej (orkiestra dęta) i folkloru wiejskiego (Murzyni mają skiffle), a co najważniejsze - salonowy muzyka fortepianowa ragtime - ragtime (dosłownie „poszarpany rytm”). Istnieje kilka rodzajów muzyki jazzowej.
2. 1. 1. Folklor afrykański
Folklor afrykański obejmuje następujące gatunki pieśni: a) Work song/Work Song (ang. work song) – rodzaj pieśni roboczej, jeden z najwcześniejszych archaicznych gatunków folkloru afroamerykańskiego. Związany z afrykańskim pochodzeniem w więcej niż wszystkie inne gatunki folkloru murzyńskiego. Charakterystyczną cechą piosenki roboczej jest jej nieodłączna funkcja społeczna - akompaniament i rytmiczna organizacja procesu pracy.
b) Spirituals / Spiritual (duchowy) - archaiczny duchowy gatunek śpiewu chóralnego Murzynów z Ameryki Północnej. Przypuszczalnie wywodzi się z monofonicznych folklorystycznych hymnów murzyńskich, wykonywanych w formie pytanie-odpowiedź u zarania ery kolonialnej oraz w XIX wieku. rozwinęła się w oryginalną, skończoną formę polifonii.
c) Blues / Blues (od czuć się niebieskim - być smutnym lub od niebieskich diabłów melancholii, bluesa. Blues - pierwotnie zbiorowy mnogi oznaczający stan smutku, melancholii, przygnębienia) to tradycyjny gatunek muzyki afroamerykańskiej, będący jednym z najwyższych osiągnięć murzyńskiej kultury muzycznej. Blues to piosenka solowa (rzadko w duecie), której osobliwością jest wokalno-instrumentalny charakter. Odziedziczona po Afryce zasada budowania formy – krótkie pytanie solisty i ta sama krótka odpowiedź chóru w bluesie zamieniła się w zasadę wokalno-instrumentalną: piosenkarz-tekściarz zadaje pytanie i sam sobie odpowiada, najczęściej na gitarze .
d) Ragtime/Ragtime (od „czas rozdarty”) to oryginalny gatunek amerykański, który rozwinął się w ostatniej ćwierci XIX wieku w dziedzinie muzyki ludowej pod wpływem niektórych archaicznych odmian murzyńskiej muzyki instrumentalnej, a także pieśni kunsong i tańce keykuok. W dystrybucji i rozwoju ragtime'u wiodącą rolę odgrywali biali muzycy.
2. 1. 2. Jazz tradycyjny i swing Jazz tradycyjny.
a) Archaiczny (wczesny) jazz / Arhic (wczesny) jazz – określenie najstarszych, tradycyjnych odmian jazzu. W jazzie jego początki połączyły się w jeden kanał, co nastąpiło w drugiej połowie XIX i na początku XX wieku. Często oddzielne strumienie dowolnie się ze sobą łączyły: np. według jednej z afrykańskich tradycji orkiestry dęte grały marsze żałobne w drodze na cmentarz i w drodze powrotnej - zabawne tańce. W knajpach przy akompaniamencie fortepianu śpiewali wędrowni śpiewacy bluesowi, typowo salonowe orkiestry europejskie włączyły do swojego repertuaru pieśni i tańce swoich cakewalks (lub cakewalks, cake-walk - taniec do muzyki ragtime). Europa rozpoznała ragtime właśnie jako dodatek do tego ostatniego. Wszystkie te kombinacje są warunkowo nazywane archaicznym jazzem.
b) Classic jazz / Classic jazz - ogólna nazwa stylów, które rozwinęły się na gruncie archaicznego jazzu. Okres klasyczny datuje się na około 1890-1929. Skończyło się wraz z początkiem „ery swingu”. Chwile świetności klasyczny jazz- około 1917 (Nowy Orlean) i ponownie w połowie lat 20. (Chicago). Uważa się, że najkorzystniejsze okoliczności towarzyszyły powstawaniu jazzu w portowym mieście Nowy Orlean. W Nowym Orleanie współistniały obok siebie dwie kultury afroamerykańskie: stosunkowo wolni Kreole (francuskojęzyczni czarni, zwykle katolicy) i anglosascy protestanccy niewolnicy uwolnieni po wojnie secesyjnej. Kreole miały dostęp do kultury klasycznej pochodzenia europejskiego, której, powiedzmy, w purytańskiej Nowej Anglii pozbawiono nawet imigrantów z Europy. Orkiestry dęte w Nowym Orleanie, podobnie jak w Europie, były integralną częścią miejskiego życia. Ale w środowisku afroamerykańskim orkiestra dęta zmieniła się radykalnie. Z rytmicznego punktu widzenia ich muzyka była równie prymitywna jak europejskie tańce i marsze i nie miała nic wspólnego z przyszłym jazzem. Główny materiał melodyczny został racjonalnie i zwięźle rozdzielony pomiędzy trzy instrumenty: wszystkie trzy grały ten sam temat – kornet (trąbka) prowadził go mniej więcej blisko oryginału, mobilny klarnet zdawał się meandrować wokół głównej linii melodycznej, a puzon od czasu do czasu wstawiał rzadkie, ale potężne repliki. Liderami najsłynniejszych zespołów nie tylko w Nowym Orleanie, ale w całym stanie Luizjana byli Bank Johnson, Freddie Keppard i Charles „Buddy” Bolden. Równolegle środowisko jazzowe kształtowało się w Chicago, gdzie wielu mieszkańców Nowego Orleanu osiedliło się po przystąpieniu Stanów Zjednoczonych do I wojny światowej w 1917 roku. wojna światowa i w Nowym Orleanie ogłoszono stan wojenny. Szczególnie znany był „Creole Jazz Band” trębacza Joe „Kinga” Olivera. Sławę „Creole Jazz Band” przyniosło skoordynowane wykonanie dwóch kornetów jednocześnie – samego Olivera i jego młodego ucznia Louisa Armstronga. Pierwsze płyty Olivera – Armstrong, nagrane w 1923 roku ze słynnymi „przerwami” dwóch kornetów – przeszły do klasyki jazzu.
Epoka jazzu zaczyna się w latach 20. Louis Armstrong zapewnia pierwszeństwo improwizującego solisty w swoich zespołach Hot Five i Hot Seven; pianista-kompozytor Jelly Roll Morton zyskuje sławę w Nowym Orleanie. Nowy Jork zaczyna chlubić się własnymi siłami jazzowymi – harlemskimi orkiestrami Fletchera Hendersona, Louisa Russella (z obydwoma współpracował sam Armstrong) i Duke'a Ellingtona, który przeniósł się tu w 1926 roku z Waszyngtonu i szybko zdobył czołową pozycję w słynnej Cotton Klub. To właśnie w latach 20 główna zasada Jazz to nie forma, ale improwizacja. Uważa się, że w New Orleans Jazz/Dixieland ma on charakter kolektywny, choć nie jest to do końca trafne, gdyż w rzeczywistości materiał źródłowy (temat) nie jest jeszcze oddzielony od jego opracowania.
c) Huśtawka klasyczna / Huśtawka klasyczna. Ugruntowawszy się jako niezależny gatunek, jazz nieuchronnie dał początek serii odgałęzień. Najbardziej znanym z nich był swing, czyli jazz zaaranżowany na big bandy – duże orkiestry, czyli orkiestry popowe i taneczne, których skład został rozbudowany w stosunku do tradycyjnego. Klasyczny swing to dojrzały styl swingowy od lat 30. do 44. XX wieku. To nowy, wyższy etap w rozwoju wczesnego swingu. Rozkwit swingu przypadł na lata 1938 - 1942, po czym zaczął stopniowo tracić dominujące znaczenie w związku z rozwojem nowoczesnego jazzu. „Król swingu” nazywa się Benny Goodman. Jego kariera rozpoczęła się od kilku aranżacji Fletchera Hendersona. Ale nawet murzyńscy historycy przyznają, że orkiestra Goodmana, pierwotnie złożona z białych muzyków, grała lepiej niż własna orkiestra Hendersona. Lata pięćdziesiąte przyniosły odrodzenie klasycznego swingu w jego tradycyjnych i zmodernizowanych formach.
2. 1. 3. Jazz nowoczesny.
Modern jazz / Modern jazz - ogólne określenie stylów i kierunków jazzu, które powstały po zakończeniu epoki styl klasyczny i „ery swingu” (od końca lat 30. do współczesności). Bop jest uważany za pierwszy styl nowoczesnego jazzu.
a) Bop / Thief - styl jazzowy, który rozwinął się na początku lat 40. Bop zastąpił swing, wyłaniając się jako nowa, eksperymentalna forma murzyńskiego jazzu w małych zespołach. Najważniejszymi nurtami charakteryzującymi bop są unowocześnienie starego hot jazzu, kult swobodnej improwizacji solo, nowatorstwo w zakresie melodii, rytmu, harmonii, formy i innych środków wyrazu. Był nowy forma zewnętrzna- to była „muzyka dla muzyków”, nie było „instrukcji” do tańca w postaci wyraźnego rytmu, głośnych akordów na początku i na końcu, w nowej muzyce nie było prostych i rozpoznawalnych melodii. Muzycy grali popularne broadwayowskie piosenki i bluesa, ale zamiast znanych z tych piosenek melodii celowo zastosowali improwizacje. Bop jest uważany za pierwszy znaczący styl współczesnego gatunku. Mówi się, że trębacz Gillespie był pierwszym, który nazwał to, co robił ze swoimi kolegami, „ribop” lub „bebop” lub w skrócie „bop”.
b) Hard bop / Hard bop (od „hard, hard bop”) - odmiana stylu jazzu ze Wschodniego Wybrzeża, która wyrosła z bopu na początku lat 50. Różni się wyrazistym, sztywnym rytmem, orientacją na bluesową tradycję. Sercem hard bopu był kwintet Jazz Messengers.
c) Cool jazz / Cool jazz (cool / cold jazz) – styl współczesnego jazzu, który powstał pod koniec lat 40. Stworzyli go niektórzy murzyńscy jazzmani - bopperzy wzorując się na dokonaniach bopu, ale pod wieloma względami jest przeciwieństwem. Przede wszystkim przejawiało się to w odejściu od tradycji hot jazzu, który nastąpił po bopie, w odrzuceniu wrodzonej mu nadmiernej rytmiczności i podkreśleniu murzyńskiej specyfiki. Nowa Muzyka zakorzeniła się w elitarnych klubach. Centralną postacią tego czasu jest śpiewak "mikrofonowy" - Frank Sinatra. Inny pianista, którego nazwisko kojarzy się z cool, niewidomy Lenny Tristane, jako pierwszy wykorzystał możliwości studia nagraniowego (przyspieszenie taśmy, nałożenie jednej płyty na drugą). Tristane jako pierwszy zarejestrował swoje spontaniczne improwizacje, nieskrępowane kształtem kwadratu.
d) Progressive / Progressive (progresywny) - kierunek stylistyczny w jazzie, który powstał na początku lat 40. na bazie tradycji klasycznego swingu i bopu. Kojarzony głównie z praktyką big bandów i dużych orkiestr typu symfonicznego.
e) Free jazz / Free jazz (free jazz) – styl współczesnego jazzu kojarzony z radykalnymi eksperymentami w zakresie harmonii, formy, rytmu i technik improwizacji. Cechy charakterystyczne free jazzu: kult swobodnej improwizacji indywidualnej lub grupowej, stosowanie polimetrii i polirytmii, politonalności i atonalności, techniki seryjnej i dodekafonowej, form swobodnych, techniki modalnej itp. Już w pracy nad jednym z albumów orkiestrowych trębacz Davis, aranżer Evans zasugerował, aby trębacz improwizował w oparciu nie o sekwencję harmoniczną o określonym czasie trwania – kwadracie, ale o określoną skalę – o modus (tryb), również nieprzypadkowy, ale wydobyty z tego samego tematu, ale nie z akompaniament akordowy, ale raczej sama melodia. Zasada modalności, która nadal leży u podstaw całej profesjonalnej muzyki azjatyckiej, otworzyła naprawdę nieograniczone możliwości wzbogacania jazzu o doświadczenia światowej kultury muzycznej. A Davis i Evans nie omieszkali z tego skorzystać.
2. 2. Nowoczesny pop fajny pop i rock.
Muzyka popularna lub pop nie jest tak złożona jak muzyka klasyczna. Popularne utwory muzyczne są mniejsze i mają prostszą fakturę. W odległej przeszłości wszystkie rodzaje muzyki wyrosły z tych samych korzeni, z których pochodzą gatunki klasyczne Tańce ludowe i popularne - z pieśni ludowych. Ich drogi rozeszły się w czasie, gdy wraz ze wzrostem liczby orkiestr, pojawieniem się opery a przede wszystkim wygląd zapis nutowy. Jeśli chodzi o muzykę popularną, nie miała ona bogatej publiczności i nie mogła z nią konkurować muzyka klasyczna; Stanowisko to utrzymywało się do XIX wieku. Na wczesnym etapie muzyka popularna nie wykraczała poza to muzyka ludowa: publiczność, która nie miała specjalnego Edukacja muzyczna, ale spragniony muzyki, bawili się wędrowni muzycy, minstrele i trubadurzy. Tradycja ustna dała początek kolosalnej różnorodności popularnych pieśni ludowych. Kiedy później uczeni zainteresowali się folklorem muzycznym, notacja muzyczna rejestrowała, zwykle przez przypadek, jeden z wielu wariantów tej samej pieśni.
Pieśń ludowa z reguły zwracała się ku odwiecznym tematom. Wobec braku popularnej prasy i wydawnictw, zapotrzebowanie ogółu na utwory literackie iw mniejszym stopniu muzyczne zaspokajały proste i prymitywnie drukowane opowiadania - tzw. „ulotki balladowe”. W 1650 roku w Londynie ukazał się zbiór The Dancing Master opracowany przez Johna Playforda (1623-1686). Z pomocą innych muzyków Playford zebrał wiejskie melodie taneczne, nagrał je i przedstawił własne wyjaśnienia kroków tanecznych do wykorzystania na modnych balach plenerowych. Nauczyciel tańca stał się jednym z głównych źródeł dla angielskiego dramatopisarza Johna Gay'a (1685-1732) i kompozytora Johna Pepusha (1667-1752), gdy pracowali nad operą żebraczą. Około końca XVIII wieku. w Szwajcarii wynalazł pierwsze mechaniczne urządzenie do wydobywania melodii - organy beczkowe. Ponadto fortepian stał się powszechny, z małym instrument klawiszowy do salonu można było kupić za bardzo skromne uczciwa cena. Wydawcy starali się o wydanie utworów fortepianowych, sentymentalnych w treści i często celowo efektownych w formie, z wieloma pięknymi arpeggio, trudnymi tylko na pierwszy rzut oka, ale całkiem przystępnymi dla amatorów. Pojawiło się wiele długich piosenek, tzw. ballady salonowe, które w większości były po prostu „rozwodnione” arie operowe, naśladując kompozytorów takich jak Bellini i Donizetti. Indywidualne próby wydawców muzycznych, takich jak Playford i jego naśladowcy, którzy zgłębiali skarbnicę muzyki ludowej bardziej intuicyjnie niż z wiedzą, stopniowo przekonywali melomanów popularnych do bardziej konsekwentnych działań. Później dzieło to ukazało się w rozszerzonym wydaniu zatytułowanym Muzyka popularna naszej starożytności (1855-1859), co przyczyniło się do powstania „muzyki popularnej” jako niezależnego gatunku. Współczesna muzyka pop i rock jest reprezentowana przez kilka gatunków. Oto niektóre z nich: a) Country/Country (Country – wiejski, wiejski) – wyrosła z korzeni folklorystycznych i reprezentowana w Stanach Zjednoczonych przez wiele stylów i nurtów, tradycyjną pieśń i instrumentalną kulturę muzyczną białej ludności obszarów wiejskich . uformowany ten gatunek muzyka początku XX wieku. w wyniku długiego procesu mieszania form archaicznych folklor muzyczny różny narody europejskie. Pierwotnie grana na terenach wiejskich jako muzyka rolników, robotników rolnych, drwali. Country stał się kierunkiem muzycznym, który nie został wchłonięty przez potężną falę rock and rolla. I przejawiał się w pracy takich popularni artyści jak J. Carson (1868-1949), R. Puckett (1884-1946), J. Rogers (1897-1933) i grupa Carter Family. Gwiazdy country takie jak H. Williams, R. Acuff czy J. Cash umocniły status gatunku, zbliżając się do stylu rockowego, choć bez przejmowania jego charakterystycznej agresywności i głośności. W. Nelson, P. Kline, K. Wells, T. Wynette, R. Foley, E. Arnold, Loretta Lynn i Kanadyjczyk H. Snow stali się celebrytami w czasach, gdy muzyka country nabrała własnej, inspirowanej popem tekstury. Wśród innych gwiazd wersja tradycyjna kraj można nazwać D. Parton, R. Miller, G. Brooks, R. McIntyre i H. Williams Jr.
b) Rhythm and blues / Rhythm and blues (w skrócie R&B) - bluesowy styl wokalno-instrumentalny Czarna muzyka lat 30., które powstały pod wpływem swingu. Łączy w sobie elementy klasycznego bluesa, piosenki gospel, skoku z Harlemu, staroświeckiej murzyńskiej muzyki tanecznej. Rhythm and blues jest uważany za jeden z nich wczesne formy Murzyńska muzyka rockowa. Jego modyfikacje obejmują rock and roll i twist.
c) Beat / Beat (beat) - w szerokim znaczeniu - pulsacja metro-rytmiczna w muzyce. W jazzie o typie beatu decyduje interpretacja struktury metrycznej taktu, stosunek akcentów ułamkowych i rytmicznych, stopień ich zbieżności lub niedopasowania. Z reguły ściśle zorganizowany beat jest przeciwieństwem bardziej swobodnego i elastycznego rytmu. Pojawiające się nieustannie mikroprzesunięcia akcentów rytmicznych w stosunku do uderzeń taktu potęgują wrażenie impulsywności, wewnętrznego konfliktu i napięcia muzycznego ruchu.
d) Muzyka rockowa / Muzyka rockowa (rock - swing, shake) - rodzaj współczesnej muzyki pop, wywodzący się z gatunków pieśni i tańca murzyńskiego folkloru miejskiego lat 20-30, rytmu i bluesa, muzyki country i rocka -n- rolka. Ważne cechy muzyka rockowa to ona funkcje socjalne, formy istnienia, wyposażenie techniczne. Od strony muzycznej za jego najbardziej charakterystyczne cechy można uznać wykorzystanie elektrycznych instrumentów muzycznych (np. gitar elektrycznych) oraz nacisk na wyraźnie określony rytm i głośność dźwięku. Muzyka rockowa – główna odmiana muzyki popularnej, powstała około 1954 roku krótka historia muzyki rockowej wyraźnie zaznaczone są dwa etapy: okres rock and rolla (1954-1962) i okres rocka (od 1962 do obecnie). Rock and roll zyskał popularność w połowie lat pięćdziesiątych. Istnieją trzy połączone ze sobą źródła w sercu rock and rolla. Po pierwsze, muzyka murzyńskich zespołów rytmiczno-bluesowych jest analogią łagodniejszych i bardziej wyrafinowanych swingowych zespołów jazzowych. Nazwa rytm i blues dosłownie opisuje rodzaj muzyki, którą wykonywały te zespoły: podstawą melodii są 12-taktowe formy wiejskiego bluesa, oparte na akordach tonicznych, subdominantowych i dominujących; rytmy są ostro synkopowane i mocno akcentowane, najbardziej typowym rytmem w tle jest nacisk na drugi i czwarty takt w 4/4. Wokaliści takich grup musieli krzyczeć, aby zagłuszyć głośne brzmienie zespołu; później ten styl „wykrzyczanego” bluesa stał się akceptowanym sposobem śpiewania rock and rolla. Po drugie, czarna muzyka kościelna odegrała ważną rolę w powstaniu rock and rolla. grupy wokalne który zapożyczył styl śpiewu i harmonie z tradycji tzw. czarna ewangelia (hymn religijny). Główną cechą stylu jest formuła „pytanie – odpowiedź”: solista (a w kościele kaznodzieja) wypowiada zwrotkę, a chór mu odpowiada. Po trzecie, Elvis Presley wraz z innymi wykonawcami, takimi jak Buddy Holly, Carl Perkins czy bracia Everly, spontanicznie łączył elementy stylów muzycznych białego country i westernu, czarnego wiejskiego bluesa i rytmu i bluesa. We wczesnym rock and rollu dominowało wyraźne rytmiczne pulsowanie (beat), gitara elektryczna, przenikliwy saksofon tenorowy i histerycznie szalony wokal. Tematyka piosenek oscylowała wokół codziennego życia nastolatków: szkoły, rodziców, samochodów, a zwłaszcza młodzieńczej miłości. Pośrednio, a często bezpośrednio, muzyka ta kwestionowała normy społeczne.
e) Soul / Soul (soul) - to szeroko pojęta muzyka, cała muzyka murzyńska kojarzona z tradycją bluesową. Pod tym pojęciem rozumie się także styl wokalnej muzyki murzyńskiej, który powstał po II wojnie światowej na gruncie tradycji rytmu i bluesa oraz pieśni gospel (pieśń religijna o tematyce ewangelicznej). Soul jazz to odmiana hard bopu, która wyewoluowała z muzyki funky. Charakteryzuje się również orientacją na tradycje bluesa i folkloru afroamerykańskiego.
f) Funky / Funky (wymijający) - styl gry współczesnego jazzu, który wyróżniał się najbardziej intensywną intonacją bluesową, tendencją do znacznego odchylenia od systemu wyrównanego, ekspresyjną gorącą manierą dźwiękoterapii, poprzez niecodzienną, ekstatyczną ekstatykę, wskazującą na pokrewieństwo tego stylu wykonawczego z archaicznym kultowa muzyka murzynów. Styl funky został rozwinięty przez muzyków hard bop na przełomie lat 50. i 60.
2. 3. Współczesne młodzieżowe subkultury muzyczne.
a) Rock psychodeliczny (Rock psychodeliczny) - styl na żywo ekspresyjna muzyka zwykle za pomocą sprzętu elektronicznego.
b) Punk rock (Pank rock) – rodzaj muzyki rockowej. Punk rock, który po raz pierwszy dał się odczuć w latach 70., wprowadzał na scenę wykonawców w niewyobrażalnych strojach i niewyobrażalnych fryzurach, którzy nie dbali o czystość języka i dźwięku. Słowo punk („punk”) stało się oficjalnym terminem w połowie lat 70. na określenie najbardziej niemuzycznej wersji muzyki. „Naszym rzemiosłem nie jest muzyka, ale chaos” - powiedział jeden ze zwolenników tego stylu. Stopniowo zespoły punkowe, takie jak Sex Pistols – jeden z ich hitów nosił tytuł „Anarchy in the UK” („Anarchy in UK”, 1976) – przyzwyczaiły się do ciągłego przemieszczania się po scenie podczas występów.
c) Rap (rap) to styl muzyczny, który powstał w połowie lat 70. Jego charakterystyczne cechy: krótkie frazy, wyraźny rytm. Rap, potomek stylu calypso, był raczej gatunkiem konwersacyjnym niż piosenkowym, który zachwycał młodych słuchaczy i szokował ich rodziców, głównie agresywnymi i mizoginistycznymi tekstami. W latach 80. antyspołeczne ataki grup rapowych, takich jak Public Enemy, 2 Live Crew i Beastie Boys, skłoniły rząd USA do wymagania od wytwórni płytowych oznaczania ich produktów etykietami ostrzegawczymi.
d) Techno (techno) – rodzaj muzyki tanecznej wykonywany zwykle na instrumentach elektronicznych. Charakterystyczne cechy techno - "maszynowe" brzmienie, któremu czasem towarzyszy wokal.
e) Reggae to rodzaj muzyki, który kiedyś był popularny w Indiach Zachodnich. Muzyka o surowym, twardym rytmie.
Oprócz tych gatunków współczesnej masowej kultury muzycznej istnieją muzyka taneczna. Obejmuje następujące typy: a) taneczne modyfikacje bluesa: boogie-woogie, jive, jump, rock and roll, madison, halli-gully, twist, shake itp.
b) Tańce latynoamerykańskie: sambo, rumba, mambo, bolero, tango, cha-cha-cha itp.
c) Amerykański stepowanie stepowanie.
Rozdział 3. Implementacja stylów językowych i ich cech w utworach muzycznych różnych gatunków.
Aby piosenka była bardziej ekspresyjna, autorzy tekstów często używają różnych stylów językowych. Nauka zajmująca się badaniem stylów i użyciem odmiennych stylistycznie środków językowych nazywa się stylistyką. Z pomocą tej nauki możemy nauczyć się lepiej rozumieć dowolny utwór muzyczny, odcienie myśli i uczuć autora, rozwijać podatność emocjonalną i gust estetyczny.
Stylistyka funkcjonalna bada różne style języka - naukowy, potoczny, biznesowy, poetycki, krasomówczy, publicystyczny. Granice między stylami nie mogą oczywiście być bardzo sztywne. Każdy styl ma swój własny specyficzne cechy w słownictwie i frazeologii, w konstrukcjach składniowych, a czasem w fonetyce.
styl językowy większości kompozycje muzyczne uważany za styl konwersacyjny.
We współczesnych krajach anglojęzycznych nierzadko zdarza się, że mówcy celowo używają form potocznych jako ludowych, podkreślając w ten sposób swoją demokrację, przynależność do ludu. W pieśniach takie formy stosuje się w tym samym celu – dla zredukowania stylu wypowiedzi, nadając jej czasem lekkości, czasem większej prostoty i ludowości. W dziedzinie słownictwa zauważono:
1) powszechne używanie „zredukowanych” słów, czyli przede wszystkim znanych słów potocznych, a także słów slangowych: „Zatrzymuję się z chłopakami”.
tendencja do ciągłego zastępowania czasowników neutralnych lub książkowych czasownikami z elementami postpozytywnymi: zdejmować, brać na siebie, osiodłać, znacznie częściej niż w innych stylach specyficzne wtrącenia potoczne typu hej! Oh! Dlaczego!
Składnia znanego stylu potocznego ma następujące cechy wyróżniające:
1) przewaga połączenia sojuszniczego nad sojuszniczym w zdaniach złożonych: „Spójrz na te. Może ci się wydawać, że widzisz, kim naprawdę jestem. ".
2) powszechne stosowanie elipsy (czyli utrata łatwo przywracanych członków zdania z mowy). W szczególności często pomija się zaimek podmiotowy: „Uspokój się i idź od początku”.
Użycie powtórzeń: „Kiedy moje odbicie pokaże, kim jestem w środku? Kiedy moje odbicie pokaże, kim jestem w środku?
nadmierne użycie elementów wprowadzających, takich jak rzeczywiście, jasne, nie o.
5) stosowanie skróconych form strukturalnych form dokonanych z pominięciem czasownika posiłkowego mają: „. Lepiej pokaż mi, co masz.
użycie podwójnego przeczenia: Nie potrzebujesz pierścionków z brylantami.
użycie skróconych słów: „cos = ponieważ, formy: „t = to, zakończenia: dancin” = taniec.
8) użycie skróconych form czasownika: muszę (=mieć), zamierzam(=jestem/jestem/zamierzam), chcę (=chcę).
Od strony fonetycznej forma ustna znanego stylu potocznego wyróżnia się niestaranną wymową, czasem wręcz celowym stosowaniem wymowy dialektalnej (feller = towarzysz). Użycie skróconej formy czasowniki posiłkowe bardzo charakterystyczne dla tego stylu: to „s, to nie” t, ty „ve, my” II i. itp.
WNIOSEK
W artykule szczegółowo omówiono cechy muzyki jako formy sztuki. Główne rodzaje i gatunki współczesnego musicalu Kultura masowa. Po zapoznaniu się z tym dziełem dowiesz się, jakie są główne podziały współczesnej masowej kultury muzycznej, a także jakie są cechy każdym z gatunków.
W naszej pracy skupiliśmy się na testy porównawcze funkcje językowe utwory muzyczne. Przeanalizowaliśmy teksty main gatunki muzyczne i doszedł do wniosku, że wykonawcy muzyczni trzymają się swojsko-potocznego stylu, ponadto każdy z nich stosuje w swoich pracach podobne i różne techniki. Z jednej strony obecność wspólnych struktur muzycznych pomaga w uzyskaniu melodii i rytmu w pieśniach, z drugiej strony różnica w dominujących technikach każdego z wykonawców przyczynia się do ujawnienia intencja autora prezentacji kompozycji, podkreśla jej wyjątkowość i indywidualność.
Poruszane zagadnienia są interesujące nie tylko dla amatorów gatunek muzyczny ale także dla profesjonalnych muzyków.