Stylizacja postaci zwierzęcych w kompozycji. Podstawowe podejścia do stylizacji graficznej form naturalnych (na przykładzie okazów zwierzęcych i roślinnych). Stylizowane rośliny w twórczości artysty

PRACA METODOLOGICZNA

na temat:

„Stylizacja form roślinnych w ornamentie”

Polczuk Olga Wieniaminowna

Nauczycielka dziecięcego Zespołu Szkół Plastycznych nr 1 im. NP Shleyna.

Kostroma 2015

„Sztuka jest abstrakcją, wydobądź ją z natury, fantazjuj na jej podstawie i myśl bardziej o procesie tworzenia niż o wyniku”.

Paul Gauguin

Treść

1. Nota wyjaśniająca. Pojęcie ornamentu i jego rodzaje.

5. Podsumowanie lekcji na temat: „Stylizacja form roślinnych w ornamentach na lekcjach kompozycji dekoracyjnej”.

6. Wykaz piśmiennictwa.

7. Twórcza praca uczniów Dziecięcego Zespołu Szkół Plastycznych.

8. Wykaz dyplomów wystaw-konkursów miejskich, regionalnych, regionalnych, międzynarodowych.

1. Nota wyjaśniająca

Współczesna kultura światowa jest właścicielem ogromnego dziedzictwa w dziedzinie wszystkich rodzajów sztuk pięknych. Studiując najwspanialsze zabytki architektury, malarstwa, rzeźby oraz rzemiosła artystycznego i użytkowego nie można pominąć kolejnego obszaru twórczości artystycznej. Chodzi o dekorację.Ornament jest częścią kultury materialnej społeczeństwa. Uważne studiowanie i opracowywanie najbogatszego dziedzictwa tego składnika światowej kultury artystycznej przyczynia się do kultywowania artystycznego gustu, kształtowania się idei w dziedzinie historii kultury i sprawia, że ​​świat wewnętrzny staje się bardziej znaczący.

Literatura dotycząca ornamentu może być obszerna. Tekst we wszystkich utworach pełni rolę drugorzędną. Doszedłem do wniosku, że na lekcjach kompozycji trzeba mówić o ornamentach, które dawałyby uczniowi wyobrażenie o jego głównych formach. Dotknę więcej ornamentu kwiatowego. Swoją pracę zatytułowałem "Stylizacja form roślinnych w ornamentie", w niej chcę pokazać jak rośliny można przekształcić w formę sztuki.

Wiadomo, że natura i sztuka są ze sobą ściśle powiązane. Malarstwo i rzeźba opierają się na mniej lub bardziej bezpośrednim naśladowaniu natury. Ornament również opiera się na naśladowaniu natury i rzeczywiście, w przypadku ornamentu istnieje wiele prototypów w przyrodzie.

Pierwowzorem ornamentu są rośliny, zwierzęta, ludzie i dzieła sztuki ludzkiej pracy. Jak zatem artysta powinien przekształcić zaczerpnięty z natury wzór w formę i kolor, które w formie ornamentu mogłyby odpowiadać jego przeznaczeniu? Czym jest ozdoba w porównaniu z pierwowzorem w naturze? Jest to ozdoba wykonana ludzką ręką, przetworzona przez jego wyobraźnię.

Ornament- wzór oparty na powtarzalności i naprzemienności jego elementów składowych; przeznaczony do ozdabiania różnych przedmiotów. Ornament jest jednym z najstarszych rodzajów ludzkiej działalności malarskiej, który w odległej przeszłości miał znaczenie symboliczne i magiczne, symbolikę.

Powstanie ornamentu sięga wieków wstecz, a jego ślady po raz pierwszy uchwycono w epoce paleolitu (15-10 tys. lat p.n.e.). W kulturze neolitu ornament osiągnął już szeroką gamę form i zaczął dominować. Z czasem ornament traci swoją dominującą pozycję i znaczenie poznawcze, zachowując jednak ważną rolę usprawniającą i dekoracyjną w systemie sztuki plastycznej. Każda epoka, styl, konsekwentnie kształtująca się kultura narodowa wypracowała swój własny system; ornament jest zatem wiarygodnym znakiem przynależności dzieł do określonego czasu, ludu, kraju. Określono cel ozdoby - do dekoracji. Ornament osiąga szczególny rozwój tam, gdzie dominują uwarunkowane formy odzwierciedlenia rzeczywistości: na starożytnym Wschodzie, w Ameryce prekolumbijskiej, w kulturach azjatyckich starożytności i średniowiecza, w średniowieczu europejskim. W sztuce ludowej od czasów starożytnych ukształtowały się stałe zasady i formy zdobnictwa, które w dużej mierze determinują narodowe tradycje artystyczne.

Ozdoby można umieszczać w różnych miejscach, a charakter ozdoby powinien być zgodny z charakterem części przedmiotu, którą zdobi. Zatem ornament (dekoracja) to wzór zbudowany na rytmicznym powtarzaniu elementów geometrycznych - motywów roślinnych lub zwierzęcych i przeznaczony do ozdabiania różnych rzeczy (artykuły gospodarstwa domowego, meble, odzież, broń itp.), Obiekty architektoniczne.

W zależności od motywów (motyw jest częścią ornamentu, jego głównym elementem) ornamenty dzielą się na kilka grup:geometryczne, wegetatywne, zoomorficzne, antropomorficzne i kombinowane.

ornament geometryczny może składać się z punktów, linii, okręgów, rombów, wielościanów, gwiazd, krzyżyków, spiral itp.

kwiatowy ornament Składa się ze stylizowanych liści, kwiatów, owoców, gałęzi itp. Najczęstszym motywem wśród wszystkich ludów jest motyw „drzewa życia” - jest to ornament roślinny. Jest przedstawiany zarówno jako kwitnący krzew, jak i bardziej dekoracyjnie - w sposób uogólniony. Kompozycje takiego ornamentu są bardzo różnorodne.

ornament zoomorficzny przedstawia stylizowane postacie lub fragmenty postaci prawdziwych i fantastycznych zwierząt.

Ozdoba antropomorficzna wykorzystuje jako motywy stylizowane postacie męskie i żeńskie lub części twarzy i ciała osoby.

Ornament teratologiczny. Jej motywami są postacie stworzone przez fantazję człowieka, mogą mieć jednocześnie znaki różnych zwierząt lub zwierzęcia i ludzkiej syreny, centaurów, syren.

ozdoba kaligraficzna . Składa się z pojedynczych liter lub elementów tekstowych, czasem w skomplikowanych kombinacjach z elementami geometrycznymi lub kwiatowymi.

Heraldyczny ornament . Jako motywy wykorzystywane są znaki, emblematy, herby, elementy wyposażenia wojskowego - tarcze, broń, flagi.

Często we wzorach występują kombinacje różnych motywów. Taki ornament można nazwaćłączny.

Ze względu na kompozycję ozdoby dzielą się na kilka rodzajów: w pasku (fryzy), w kwadracie, w kole, w trójkącie (rozety).

Istnieją trzy rodzaje: ornamenty liniowe, komórkowe, zamknięte.

Liniowe ornamenty - są to ozdoby w pasie z pionową lub poziomą przemianą motywu.

Ornament komórkowy lub rapportowy - to motyw powtarzający się zarówno w pionie, jak iw poziomie, to niekończący się ornament we wszystkich kierunkach. Relacja jest elementem ornamentu, jego głównym motywem.

zamknięta ozdoba ułożone w prostokąt, kwadrat, koło. Motyw w nim albo się nie powtarza, albo powtarza się z zakrętem w samolocie.

Ornament może być symetryczny lub asymetryczny.

Symetria (od starożytnej Grecji - proporcjonalność) - zgodność, niezmienność, przejawiająca się we wszelkich zmianach, powtórzeniach, reprodukcji. Na przykład dwustronna symetria oznacza, że ​​prawa i lewa strona wyglądają tak samo względem pewnej płaszczyzny.Asymetria - brak lub naruszenie symetrii.

Oś symetrii to wyimaginowana linia dzieląca figurę na dwie równe części. W zależności od liczby osi symetrii figury są: z jedną osią symetrii, z dwiema, z czterema, aw okręgu jest na ogół nieskończona liczba osi symetrii.

W sztukach wizualnych symetria jest sposobem tworzenia formy artystycznej. Występuje w kompozycji ornamentalnej i jest jednym z przejawów rytmu w ornamentyce.

Rytm w kompozycji ornamentalnej nazywają wzór naprzemienności i powtórzeń motywów, figur i odstępów między nimi. Rytm jest główną właściwością każdej kompozycji ozdobnej. Cechą charakterystyczną ornamentu jest rytmiczna powtarzalność motywów i elementów tych motywów, ich pochyleń i zwrotów.

Rytmiczna konstrukcja - jest to wzajemne ułożenie motywów w kompozycji ornamentalnej. Rytm organizuje pewien ruch w ornamentie: przejścia od małych do dużych, od prostych do złożonych, od jasnych do ciemnych lub powtórzenia tych samych form w określonych odstępach czasu.

W zależności od rytmu wzór staje się statyczny lub dynamiczny.

Rytm nierówny nadaje kompozycji dynamikę, a jednolity uspokaja.

2. Cele i założenia metodycznej pracy i nauczania stylizacji na lekcjach kompozycji dekoracyjnej.

We współczesnej Rosji poważną rolę w edukacji dzieci i młodzieży odgrywa system edukacji dodatkowej, którego głównym celem jest motywowanie dziecka do wiedzy i kreatywności.

W szkole artystycznej chodzi nie tylko o zdobycie podstawowej wiedzy i umiejętności z zakresu alfabetyzacji wizualnej, ale także o rozwijanie zdolności twórczych.

Zajęcia w szkole plastycznej powinny uczyć dzieci konsekwentnego i kompetentnego prowadzenia pracy twórczej, rozwijać umiejętność myślenia obrazowego oraz umiejętność dostrzegania i odzwierciedlania tego, co ciekawe, ważne, zaskakujące. Aby to zrobić, nauczyciel stosuje szereg metodologicznych technik obserwacji, skojarzeń, emocji, które zachęcają dziecko do określonych doświadczeń. Różnorodne formy mające na celu rozwijanie potencjału twórczego dziecka. Zadaniem nauczyciela jest zachowanie cech charakterystycznych dla dzieci: świeżości i bezpośredniości percepcji, bogactwa wyobraźni, entuzjazmu dla procesu obrazowania.

Cała praca powinna opierać się na chęci zaszczepienia w uczniach umiejętności nie tylko przedstawiania rzeczywistości, ale także wyrażania swojego stosunku do niej, czyli tworzenia artystycznego obrazu.

Bogactwo emocjonalne zajęć, na których pracują z farbami i innymi materiałami, powinno być przemyślane. Nauczyciel musi wykształcić u dzieci wrażliwość na to, jakie uczucia, nastroje, kolory są w stanie wyrazić jako takie, ich gradacje i kombinacje. Pomaga w tym "technologia nastroju emocjonalnego". Przewiduje różne techniki: odwoływanie się do dziecięcej wyobraźni, rozbudzanie zainteresowania za pomocą momentów gry, słuchanie muzyki, tekstów itp.

Nowatorstwo sytuacji, niecodzienny początek pracy, piękna różnorodność materiałów pozwalają uniknąć monotonii i nudy. Wszystko to rozwija wyobraźnię, wrażliwość emocjonalną dzieci, ujawnia zdolności twórcze poprzez nawiązywanie powiązań między światem obrazów a światem uczuć i emocji. Prace są różne, ale każdy jest kreatywny.

Po wielu latach praktyki nauczycielskiej rozumiesz, że uczenie dziecka rysowania jest dość ekscytującą, intensywną, twórczą ścieżką. Dziecko, które przychodzi do szkoły, początkowo płonie chęcią nauki: jest uważne, skupione, gotowe do nauki, ale można je wystraszyć, po prostu „zaskoczyć” teorią plastyki.

moty, złożone pojęcia i wyrażenia. Więc wszystko zależy od nauczyciela.

Typowe programy nauczania mają na celu głównie nauczanie zasad i zadań akademickich i nie zawierają materiału do rozwijania zdolności twórczych, nie wprowadzają nowych technologii, technik i technik.

We współczesnym świecie szkoły dokształcające muszą stale wykazywać wysoki poziom aktywności, udział w różnego rodzaju konkursach, wystawach obliguje je do poznawania nowych materiałów plastycznych, nowoczesnych technik i metod pracy. To z kolei prowadzi do tego, że istnieje potrzeba restrukturyzacji ich pracy.

Praca metodologiczna jest opracowywana z uwzględnieniem trendu w sztukach pięknych naszych czasów. Zadania pracy metodycznej:

Poszerzanie i wzbogacanie wiedzy i pomysłów dzieci w zakresie umiejętności wizualnych, koloru, kształtu.

Rozwijanie zdolności estetycznych, kształtowanie gustu artystycznego uczniów.

Naucz się stosować metodę pokazową i technikę wizualizacji w nauczaniu (nie da się prowadzić zajęć bez tabel, makiet i rysunków).

Cele i zadania nauczania stylizacji.

Cele:

Artystyczny i estetyczny rozwój osobowości studentów na podstawie nabytej przez nich stylizacji w procesie opanowywania programu, umiejętności i zdolności przekładania własnych pomysłów na formy artystyczne.

Pomoc w kształtowaniu światopoglądu dziecka, pielęgnowanie myślenia plastycznego i figuratywnego, smaku, postrzegania piękna w przyrodzie.

Identyfikacja uzdolnionych dzieci w zakresie kompozycji dekoracyjnej, ich dalszy rozwój twórczy.

Zadania:

Wprowadzenie do technik stylizacji.

Dowiedz się, jak stylizować kształty roślin na różne sposoby.

Naucz się stosować techniki graficzne w stylizacji.

Naucz się umiejętności samodzielnej pracy ze szkicami.

Nabywanie przez studentów doświadczenia aktywności twórczej.

3. Sztuka dekoracyjna i użytkowa, stylizacja w ornamentyce.

Artyści sztuki i rzemiosła przez cały czas przywiązywali dużą wagę do badania różnych form świata roślin i ich przedstawiania na przedmiotach gospodarstwa domowego: naczyniach, tkaninach, produktach z drewna i nie tylko.

Rzemieślnicy ludowi tworzyli zupełnie inne obrazy świata roślin na płaszczyźnie lub w formie trójwymiarowej, opierając się na swojej wizji i zgodnie ze swoim gustem. Kwiaty i rośliny mogły być przez nich przedstawiane zarówno w formie rysunku linearnego, jak i złożonej formy przestrzennej. Zależało to od stopnia stylizacji motywu naturalnego. Artysta nie wykorzystuje motywów natury do ozdabiania przedmiotów pozbawionych jakiegokolwiek stopnia stylizacji. Stylizacja, która zmienia rzeczywisty wygląd przedstawianego, zawsze odbywa się poprzez jego uogólnienie. Celem stylizacji jest przedstawienie uogólnionego i uproszczonego obrazu przedstawianego przedmiotu, aby motyw był bardziej zrozumiały, jak najbardziej wyrazisty dla widza, a co ważne artysta był wygodny w wykonaniu. Materiał, na którym zostanie wykonany obraz, oraz miejsce przeznaczone na wystrój zmuszają artystę do wyboru jednej lub drugiej opcji stylizacji.

Rośliny - kwiaty, liście, owoce mogą być stylizowane w sposób uproszczony, oddane w sposób naturalistyczny lub ich wizerunek może być skomplikowany. Liście były przedstawiane jako masa listowia, czasami osobno jako liść papirusu w Egipcie, liść laurowy i liść akantu w Grecji. Kwiaty były ulubionym motywem, na przykład lilia w sztuce egejskiej, róża w gotyku, lotos i lilia w sztuce egipskiej, chryzantema w Japonii itp.

W XVIII wieku sam mistrz wynalazł produkt i sam go wykonywał aż do ostatniej operacji. Tworząc ornamentalny wzór zawsze skupiał się na wizualnym wzorze kanonicznym. Wielcy mistrzowie renesansu we Włoszech wykonywali rysunki na gobeliny, tkaniny i ceramikę. Motywy obrazkowe z tego okresu wyróżniają się realizmem i świąteczną kolorystyką.

Na początku XIX wieku w Europie wzrosło zainteresowanie motywami roślinnymi. Wizerunek roślin staje się osobnym tematem w sztuce. Powszechne stają się szkoły artystyczno-przemysłowe. Obsługa prężnie rozwijającej się produkcji wyrobów zdobionych ornamentami doprowadziła do powstania pierwszych metod przedstawiania różnych motywów, takich jak metoda „określania doskonałych form roślin” oraz stylizacja naturalnych szkiców roślin na ozdoby z przeszłości. Jednocześnie zachowano kopie przykładowych rysunków. Ta metoda jest klasyczna i istnieje w pierwszej połowie XIX wieku. Polegała ona na wykorzystaniu jako motywu zdobniczego wyidealizowanej formy rośliny lub jej części, uzyskanej w wyniku twórczego uogólnienia form naturalnych. Forma roślinna, zgodnie z metodą „form doskonałych”, została zinterpretowana przez artystę z uwzględnieniem ornamentyki minionych wieków i pewnych praw konstruowania artystycznego obrazu roślin. Twórcze uogólnienie rozumiane było w nim jako elementarna stylizacja – schematyzacja oparta na podobieństwie zarysu kwiatu, liścia, owocu o różnych kształtach geometrycznych (trójkąt, kwadrat, koło itp.).

Do drugiej połowy XIX wieku większość dzieł sztuki użytkowej była przesycona ornamentami roślinnymi, co powodowało powtarzanie opracowanych wcześniej motywów. Nadzieje na odnowienie motywów zdobniczych zaczęto wiązać z narastającym ruchem „powrotu do natury”. Są zadania do rysowania roślin z natury.

W Niemczech i Austrii wydawane są książki i podręczniki dotyczące rysunku i stylizacji roślin, w szczególności: „Kwiaty i ornamenty” Karla Krumboltsa, „Rośliny w sztuce” Josepha Rittera von Stocka, „Rysowanie roślin stylizowanych i naturalnych” Johanna Stauffagera, „Formy roślin. Próbki i wykorzystanie roślin w ornamentach” Meurer.

Wykonali szkice dwojakiego rodzaju. Pierwszy typ obejmuje szkice grup roślin z zachowaniem wszelkich przypadkowych kątów, proporcji, kolorystyki. Drugi typ wyróżnia się tym, że kąty przedstawiania roślin dobierane są z uwzględnieniem większej identyfikacji cech. Do pracy dołączona jest świetna analiza projektu i rysunku. Ozdobność uzyskano poprzez spłaszczenie naturalnego obrazu poprzez wprowadzenie konturu o tej samej grubości, równomierne wypełnienie kolorem, bez przepuszczania światłocienia.

M. Meurerowi udało się połączyć wszystkie zgromadzone osiągnięcia w jednej metodzie. Kurs porównawczych badań form roślin Meurera obejmował: teoretyczne studium podstaw botaniki, rysowanie roślin z życia, rysowanie zielnika, kopiowanie dawnych ozdób. Następnie uczniowie mogli przejść do modyfikowania naturalnych form roślinnych na artystyczne na podstawie własnej wyobraźni. Jednocześnie w procesie przekształcania form roślin trzeba było pomyśleć nie tylko o pięknie, ale także wziąć pod uwagę materiał, z którego miałby zostać wykonany ornament, oraz same rośliny, kwiaty i liście, powinien być rozpoznawalny.

Zatem,celkreatywna stylizacja w sztuce i rzemiośle - jest to tworzenie nowego obrazu artystycznego, który ma zwiększoną wyrazistość i dekoracyjność i stoi ponad naturą, ponad realnymi przedmiotami otaczającego świata.

4. Zasada stylizacji form roślinnych. Koncepcja stylizacji.

Czym zatem jest stylizacja?Termin „stylizacja” jest utożsamiany z pojęciem „dekoracyjny” w sztukach wizualnych.

Stylizacja – jest to celowe naśladowanie lub swobodna interpretacja języka artystycznego dowolnego stylu charakterystycznego dla danego autora, nurtu, kierunku, szkoły narodowej itp. w innym znaczeniu, odnoszącym się tylko do sztuk plastycznych,stylizacja - dekoracyjne uogólnienie przedstawionych postaci i przedmiotów za pomocą szeregu konwencjonalnych technik, upraszczając wzór i kształt, proporcje objętościowe i kolorystyczne. W sztuce dekoracyjnej stylizacja jest naturalną metodą rytmicznej organizacji całości; najbardziej typowa stylizacja ornamentu, w której motywem wzoru staje się przedmiot obrazu.

Zajęcia ze stylizacji są jednymi z najważniejszych w procesie kształtowania artystycznego myślenia figuratywnego studentów. Jak pokazała praktyka, zajęcia z stylizacji muszą być prowadzone w ścisłej współpracy z akademickim rysunkiem i malarstwem, a także w powiązaniach interdyscyplinarnych, np. z kompozycją, kolorystyką.

Przed nauczycielami stoi ważne zadanie – dziecko musi patrzeć na rzeczy, zjawiska, które nas otaczają, analizować wewnętrzną strukturę, stan przedmiotu, aby móc przekształcać, modyfikować, upraszczać, czynić go wygodniejszym, a w końcu stworzyć nowy, autorski model. Dlatego należy pomóc uczniom rozwinąć planarno-ozdobną wizję natury i myślenie figuratywno-skojarzeniowe.

Koncepcja stylizacji i stylu

W kompozycji dekoracyjnej ważną rolę odgrywa to, jak twórczo artysta potrafi przerobić otaczającą rzeczywistość i wnieść w nią swoje myśli i uczucia, indywidualne odcienie. To się nazywastylizacja .

Stylizacjaw jaki sposób proces pracy jest dekoracyjnym uogólnieniem przedstawionych obiektów (figur, obiektów) za pomocą szeregu warunkowych metod zmiany relacji kształtu, objętości i koloru.

W sztuce dekoracyjnej stylizacja jest metodą rytmicznej organizacji całości, dzięki której obraz nabiera cech wzmożonej dekoracyjności i jest postrzegany jako rodzaj motywu wzorniczego (wówczas mówimy o stylizacji dekoracyjnej w kompozycji).

Stylizację można podzielić na dwa rodzaje:

a) powierzchnia zewnętrzna , który nie ma indywidualnego charakteru, ale implikuje obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już utworzonego stylu (na przykład panel dekoracyjny wykonany techniką malowania Khokhloma);

b) dekoracyjny , w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny podporządkowany wcześniej wykształconemu środowisku wnętrza).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem ze środowiskiem przestrzennym. Dlatego dla pełnej jasności problemu rozważ koncepcję dekoracyjności. Dekoracyjność jest zwykle rozumiana jako artystyczna jakość dzieła, która powstaje w wyniku rozumienia przez autora związku jego dzieła ze środowiskiem podmiotowo-przestrzennym, dla którego jest przeznaczone. W tym przypadku osobny utwór jest pomyślany i zrealizowany jako element szerszej całości kompozycyjnej. Można tak powiedziećstyl to artystyczne przeżycie czasu, a stylizacja dekoracyjna to artystyczne przeżycie przestrzeni.

Cechą charakterystyczną stylizacji dekoracyjnej jest abstrakcja - mentalne odwrócenie uwagi od nieistotnych, przypadkowych z punktu widzenia artysty znaków w celu skupienia uwagi na szczegółach bardziej znaczących, oddających istotę przedmiotu.

Stylizacja naturalnych form

Otaczająca nas przyroda to doskonały obiekt do artystycznej stylizacji. Ten sam temat można studiować i prezentować nieskończoną ilość razy, odkrywając wciąż nowe jego aspekty, w zależności od zadania.

Stylizację form naturalnych można rozpocząć od wizerunku roślin. Mogą to być kwiaty, zioła, drzewa, mchy, porosty w połączeniu z owadami i ptakami.

W procesie dekoracyjnej stylizacji motywów naturalnych można przejść na dwa sposoby: najpierw szkicować przedmioty z natury, a następnie przetwarzać je w kierunku ujawnienia walorów dekoracyjnych lub od razu wykonać stylizowany szkic dekoracyjny, zaczynając od naturalnych cech przedmiotów . Oba sposoby są możliwe, w zależności od tego, który sposób obrazowania jest bliski autorowi. W pierwszym przypadku konieczne jest staranne rysowanie szczegółów i stopniowe studiowanie formularzy podczas pracy. W drugiej metodzie artysta długo i dokładnie studiuje detale przedmiotu i podkreśla jego najbardziej charakterystyczne cechy.

Na przykład kolczasty oset wyróżnia się obecnością cierni i kanciastości w postaci liści, dlatego podczas szkicowania można używać ostrych narożników, prostych linii, złamanej sylwetki, stosować kontrasty w graficznym przetwarzaniu kształtu, linii i punktowe, jasne i ciemne, z kolorystyką - kontrastem i różnymi tonacjami

Ten sam motyw można przetwarzać na różne sposoby: blisko natury lub w formie nawiązania do niej, asocjacyjnie; należy jednak unikać interpretacji zbyt naturalistycznej czy skrajnego schematyzmu, pozbawiającego rozpoznania. Możesz wziąć jedną cechę i uczynić ją dominującą, podczas gdy kształt obiektu zmienia się w kierunku charakterystycznej cechy, tak że staje się symboliczny.

Wstępna praca szkicowa jest bardzo ważnym etapem tworzenia rysunku stylizowanej kompozycji, ponieważ wykonując naturalne szkice, artysta głębiej studiuje naturę, ujawniając plastyczność form, rytm, wewnętrzną strukturę i fakturę naturalnych obiektów. Etap szkicu i szkicu jest kreatywny, każdy odnajduje i wypracowuje swój własny styl, swój indywidualny styl w przekazie znanych motywów.

Podkreślmy podstawowe wymagania dotyczące szkicowania form naturalnych:

Rozpoczynając pracę, ważne jest, aby zidentyfikować najbardziej wyraźne cechy kształtu rośliny, jej zwierzęcą sylwetkę, skróty perspektywiczne.

Podczas układania motywów należy zwrócić uwagę na ich plastyczną orientację (pionową, poziomą, ukośną) i odpowiednio umieścić rysunek.

Zwróć uwagę na charakter linii, które składają się na zarys przedstawionych elementów: stan kompozycji jako całości (statyczny lub dynamiczny) może zależeć od tego, czy ma ona proste, czy miękkie, opływowe konfiguracje.

Ważne jest, aby nie tylko naszkicować to, co się widzi, ale znaleźć rytm i ciekawe zestawienia form, dokonując selekcji widocznych detali w przedstawionym na arkuszu otoczeniu.

Główne cechy wspólne, które pojawiają się w procesie stylizacji dla przedmiotów i elementów kompozycji dekoracyjnej, jestprostota form, ich uogólnienie i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność, zmysłowość.

Przede wszystkim stylizacja dekoracyjna charakteryzuje się uogólnieniem i symboliką przedstawionych przedmiotów i form. Ta artystyczna metoda zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowości.Metoda stylizacji wymaga odseparowania od obrazu wszystkiego, co zbędne, drugorzędne, zaburzające wyraźny odbiór wzrokowy, aby wydobyć istotę przedstawionych przedmiotów, wyeksponować w nich to, co najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i wywołać odpowiadające mu żywe emocje w nim.

Aby wyraźniej i bardziej zmysłowo wyeksponować istotę stylizowanego przedmiotu, oddziela się od niego i usuwa wszystko, co zbędne, zbędne i drugorzędne.wykorzystuje się ich najbardziej charakterystyczne i najbardziej uderzające cechy, a jednocześnie z reguły cechy charakterystyczne przedstawianego obiektu są w różnym stopniu wyolbrzymione, a czasem zniekształcone w celu stworzenia abstrakcji. W przypadku takich artystycznych przesady formy naturalne (na przykład kształty liści), które są zbliżone do geometrycznych, są ostatecznie przekształcane w geometryczne, wszelkie wydłużone formy są jeszcze bardziej rozciągane, a zaokrąglone są zaokrąglane lub ściskane. Bardzo często spośród kilku cech charakterystycznych przedmiotu stylizowanego wybiera się jedną i czyni dominującą, podczas gdy inne cechy charakterystyczne przedmiotu są łagodzone, uogólniane, a nawet całkowicie odrzucane. W efekcie dochodzi do świadomego zniekształcenia i zniekształcenia rozmiarów i proporcji przedstawionych obiektów naturalnych, co ma na celu: zwiększenie dekoracyjności, wzmocnienie wyrazistości (ekspresji), ułatwienie i przyspieszenie dostrzeżenia przez widza intencji autora. W tym procesie twórczym spontanicznie powstaje sytuacja, w której im bardziej obraz zbliża się do istoty natury przedmiotu, tym bardziej staje się uogólniony i uwarunkowany. Z reguły stylizowany obraz można łatwo przekształcić w abstrakcyjny.

Efektem twórczej stylizacji jest obraz przedmiotu o uogólnionych cechach, które czynią obraz symbolicznym.

Wszystkie rodzaje i metody stylizacji przedmiotów naturalnych opierają się na jednej zasadzie obrazkowej -przemiana artystyczna prawdziwych obiektów naturalnych za pomocą różnych środków wizualnych i technik wizualnych.

Artystyczne przekształcanie obiektów naturalnych ma główny cel - przekształcanie rzeczywistych form naturalnych w stylizowane lub abstrakcyjne, obdarzone wyrazistością i emocjonalnością takiej siły,jasność i zapamiętywanie, które są nieosiągalne w realistycznych obrazach.

Podsumowanie lekcji na temat: „Stylizacja form roślinnych w ornamentie wstążkowym na lekcjach kompozycji dekoracyjnej”.

Temat lekcji : "Stylizacja form roślinnych w ornament pasiasty"

Cele Lekcji:

Edukacyjny: zapoznaćstudenciz osobliwościami stylizacji form roślinnych, ujawnić pojęcie „stylizacji”, opowiedzieć wszystko o ornamentie, jego typy. Opanowanie stylizacji jako sposobu przełożenia form zewnętrznych roślin na motywy zdobnicze.

Organizacja ornamentu wstęgowego składającego się z motywów roślinnych uzyskanych w procesie stylizacji.

Rozwój: brać w czymś udziałrozwój twórczego myślenia i umożliwienie jego realizacji poprzez stworzenie na zajęciach warunków do wyboru kreatywnego rozwiązania własnej kompozycji motywu roślinnego,poszerzanie horyzontów i wiedzy studentów w zakresie kompozycji dekoracyjnej.

Edukacyjny: zaszczepić uczniom poczucie miłości do sztuki, wyrobić poczucie kompozycji, zaszczepić dokładność w wykonywaniu pracy.

Zadania:

1. Napraw pojęcie „ozdoby”.

2. Podaj pojęcie stylizacji.

3. Badanie struktury form roślinnych.

4. Nauczenie stylizacji tych form roślinnych środkami wyrazu graficznego.

5. Napraw pojęcia symetrii, asymetrii.

6. Rozwój poczucia rytmu.

Metody: werbalne, wizualne,praktyczny.

Etapy pracy:

1. Przeanalizuj strukturę tej formy rośliny (w jakich kształtach geometrycznych można ją przedstawić na obrazie).

2. Stylizuj tę formę rośliny za pomocą wyrażenia graficznego:

Stwórz liniowy obraz motywu ornamentalnego, oparty na elementach geometrycznych (figurach).

Stwórz obraz motywu zdobniczego na podstawie plamy.

3. Korzystając z powstałego obrazu, utwórz motyw kwiatowy, który będzie relacją do ozdoby wstążki (praca nad szkicem).

4. Powiększ obraz ozdoby. Ornament powinien ograniczać się do 2-3 powtarzających się motywów roślinnych (raportów).

5. Wykonaj kolorowy obraz ozdoby.

Postęp kursu.

Zgłoszenie tematu, omówienie celu lekcji. Więc,Dzisiajtemat naszej lekcji: „Stylizacja form roślinnych w ornament wstęgowy”.

Celem lekcji jest zapoznanie się ze specyfiką stylizacji form roślinnych i zastosowanie zdobytej wiedzy w praktyce. Najpierw przypomnimy sobie, czym jest ozdoba i jakie są jej rodzaje, a następnie przejdziemy do stylizacji. Ornament to dekoracja.Pochodzenie ornamentu nie jest pewne. Pojawienie się ornamentu ma swoje korzenie głęboko w wiekach. Ornament to niezawodny znak przynależności dzieła do określonego czasu, narodu, kraju.

Ornament to wzór zbudowany na rytmicznym powtarzaniu się elementów geometrycznych – motywów roślinnych, zwierzęcych itp., przeznaczony do ozdabiania różnorodnych przedmiotów (artykuły gospodarstwa domowego, meble, odzież, broń, architektura).

W zależności od motywu ornamenty dzielą się na: geometryczne, roślinne, zwierzęce, antropomorficzne itp. Rozważymy kwiatowy ornament. Ozdoby roślinne wzorowane są na roślinach faktycznie występujących w przyrodzie: kwiatach, liściach, owocach itp. Ze względu na skład ozdoby dzielą się na kilka rodzajów: w pasku (co z tobą zrobimy), w kwadracie, w prostokącie, w kole. Na tej podstawie wyróżnia się trzy rodzaje ornamentu: liniowy, komórkowy, zamknięty.

Ornamenty liniowe to ornamenty w pasku z liniową przemianą motywu.

Ornamenty komórkowe to motyw, który powtarza się zarówno w pionie, jak iw poziomie. Ta ozdoba jest nieskończona we wszystkich kierunkach.

Zamknięte ornamenty układają się w prostokąt, kwadrat, koło.

Patrząc na te wszystkie ozdoby, zauważamy, że naturalna forma, dzięki sile wyobraźni za pomocą warunkowych linii, plam, zamienia się w coś nowego. Odgadujemy roślinę, choć to wciąż nie to samo, co w naturze. Istniejąca forma jest uproszczona do uogólnionej postaci geometrycznej. Pozwala to na wielokrotne powtarzanie motywu ornamentu bez dodatkowego wysiłku. To, co zostało utracone przez naturalną formę podczas uproszczeń i uogólnień, doprowadziło do płaskości obrazu. Tym właśnie jest stylizacja - dekoracyjnym uogólnieniem, uproszczeniem, spłaszczeniem przedstawionych przedmiotów, poprzez zmianę kształtu i koloru.

Jak formy naturalne zamieniają się w motywy zdobnicze? Najpierw wykonany jest szkic z natury. Dalej - reinkarnacja - przejście od szkicu do formy warunkowej. Konieczne jest uproszczenie, rozłożenie obrazu na proste geometryczne kształty. To przeróbka, stylizacja motywu. Stylizacja polega na odwróceniu uwagi od nieistotnych cech, skupiając się na bardziej znaczących cechach, które przekazują istotę (np. oset kolczasty). Z jednego szkicu możesz stworzyć różne ozdoby. Następnie, powtarzając motyw, powstaje Twoja własna, niepowtarzalna ozdoba.

Wstępne prace szkicowe to bardzo ważny etap w tworzeniu rysunku stylizowanej kompozycji. Praca na lekcji odbywa się w dwóch etapach: w pierwszym uczniowie wykonują szkic z natury, aw drugim tłumaczą go na formę geometryczną. Ta roślina powinna być rozpoznawalna.

Po pełnym przedstawieniu ornamentu zaczynamy myśleć o kolorze. Kolor jest jednym z ważnych środków w zdobnictwie i jest ściśle związany z kompozycją. Kombinacje kolorów można rytmicznie powtarzać. a także elementy formy. Mogą być ostre, kontrastowe lub miękkie. Kontrastowe zestawienia tworzone są za pomocą kolorów o różnej jasności i nasyceniu. Największy kontrast tworzy połączenie czerni z jasnymi kolorami. Bardziej miękka kombinacja tworzy połączenie z szarością. Kolory dopełniające, ciepłe i zimne odcienie są ostro oddzielone kontrastem. Miękkość kolorów uzyskano dzięki kolorom przyjętym w różnych tonacjach. Kolorowe kombinacje można tworzyć z różnymi odcieniami tego samego koloru.

1. Przykład, jak przetłumaczyć szkic kwiatu z natury na stylizowany kształt geometryczny, na lekcji kompozycji dekoracyjnej, bez naruszania wizerunku tej rośliny.

Sylwetka powinna pasować do prostych geometrycznych kształtów.

Przy opracowywaniu motywu ozdobnego wskazane jest przekształcenie formy wolumetryczno-przestrzennej w płaską. Jeśli potrzebujesz trójwymiarowego obrazu, pamiętaj o uogólnieniach, konwencjach.

2. Przykład kwiatu Trandoon, stylizowanego na różne kształty, w lekcji kompozycji dekoracyjnej. Ważne jest nie tylko naszkicowanie tego, co się widzi, ale znalezienie rytmu i ciekawych grup form (łodyżek, liści), dokonanie selekcji widocznychDetalew środowisku przedstawionym na arkuszu.

Ten sam motyw można przetwarzać na różne sposoby: blisko natury lub w formie jej namiastki,asocjacyjny; jednak żadna roślina nie powinna być pozbawiona rozpoznawalności podczas stylizacji (materiał poglądowy - fotografie i rysunki z przykładami stylizacji roślin).

Podczas pracy nadszkice motywów (kwiat.) należy zwrócić uwagę na jego charakterystyczne, najbardziej uderzające cechy, porzucając drugorzędne szczegóły. Jednocześnie cechy kwiatu można maksymalnie wyolbrzymić i sprowadzić do poziomu ikonicznego.

Jak zmienić kształt przedmiotu? Na przykład, jeśli dzwonek ma wydłużony kształt, można go bardziej aktywnie wydłużyć, a kwiat mniszka lekarskiego, zbliżony kształtem do koła, można maksymalnie zaokrąglić.

Ważne jest również zwrócenie uwagi na kąt przedstawianego obiektu. Naskład statyczny wskazane jest unikanie obrotu w trzech czwartych i stosowanie widoku z góry lub z boku, umieszczając motyw wzdłuż osi pionowej lub poziomej.

Wdynamiczna kompozycja rozsądniej jest używać kątów i nachyleń.

Przekształceniom podlega również barwa i barwa kompozycji ornamentalnej. Może być warunkowy, całkowicie oderwany od wersji naturalnej.

Prace dzieci wykonane na lekcjach kompozycji.

Metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki. Podstawowe środki wyrazowe grafiki. Stylizacja jako metoda przedstawiania obiektów w grafice. Zasady stylizacji w rozwoju formy. Przenoszenie właściwości tekstury obiektu, podejście do stylizacji.

Wyślij swoją dobrą pracę w bazie wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy korzystają z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Wam bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Ministerstwo Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej

Federalna Państwowa Budżetowa Instytucja Edukacyjna

wyższe wykształcenie zawodowe

„Naberezhnye Chelny Instytut Technologii i Zasobów Społecznych i Pedagogicznych”

(FGBOU VPO „NISPTR”)

Wydział Artystyczny i Graficzny

Katedra Grafiki i Metod Dydaktyki

PRACA KWALIFIKACYJNA KOŃCOWA

Podstawowe podejścia do graficznej stylizacji form naturalnych (na przykładzie próbek zwierzęcych i roślinnych)

Specjalność - 050000

Nabierieżnyje Czełny, 2015

Wstęp

1. Metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

1.1 Realistyczne metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

1.2 Twórcze metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

2. Główne środki wyrazu grafiki i ich zastosowanie w kompozycji stylizowanej

2.1 Punkt jako środek wyrazu w grafice

2.2 Spot jako środek wyrazu w grafice

2.3 Linia jako środek wyrazu w grafice

2.4 Kreska jako środek wyrazu w grafice

3. Stylizacja jako metoda przedstawiania obiektów otoczenia w grafice

3.1 Pojęcie stylizacji i stylu

3.2 Rodzaje stylizacji graficznych

4. Zasady stylizacji w rozwoju formy

4.1 Uogólnienie jako główna zasada stylizacji

4.2 Uogólnienie geometryczne

4.3 Uogólnienie sylwetki

4.4 Podpisane uogólnienie

5. Stylizacja oparta na przeniesieniu właściwości tekstury obiektu

5.1 Przeniesienie stylizacji faktur przedmiotów środkami graficznymi

5.2 Przenoszenie faktury przedmiotów za pomocą stylizacji przez moduł

5.3 Powiększenie części wyświetlanych obiektów

6.1 Ozdobne rozwiązanie rzeczywistych obrazów

6.2 Podział powierzchni przedstawionych obiektów i wypełnienie powstałych płaszczyzn dekorem

7. Metodyczne podejścia do stylizacji graficznej form przyrodniczych w szkole średniej

7.1 Uwzględnianie cech psychologicznych, pedagogicznych i wiekowych uczniów przy organizacji zajęć w klasach podstawowych

7.2 Metodyka nauczania stylizacji form naturalnych środkami graficznymi

Wniosek

Lista wykorzystanych źródeł

Aplikacja

Wstęp

Aktualny stan problemu badawczego i aktualność wybranego tematu. Obecnie edukacja artystyczna stała się jednym z najważniejszych obszarów polityki państwa w dziedzinie oświaty i ma na celu zachowanie kultury narodowej kraju oraz stworzenie perspektyw jej dalszego rozwoju. Dużą rolę w osiąganiu tych celów przypisuje się szkołom ogólnokształcącym o kierunku artystycznym i estetycznym, a ich elementem jednoczącym jest odpowiednio nauczanie uczniów w dyscyplinach cyklu artystycznego i estetycznego. W studiowaniu tych przedmiotów poświęca się specjalne miejsce widok graficzny rysunek, który kojarzy się z obrazem na płaszczyźnie i opiera się na rozwiniętym postrzeganiu form naturalnych, a także na ich odzwierciedleniu przy użyciu różnych środków i technik graficznych przy tworzeniu obrazu artystycznego. Jednym z ważnych środków tworzenia obrazu artystycznego w procesie tworzenia obrazu graficznego jest stylizacja. W procesie uczenia się na lekcjach plastyki stylizacja jest decydującym czynnikiem w przebiegu rysowania form naturalnych, zwłaszcza w początkowej fazie obrazu. W rezultacie należy zauważyć, że stylizacja jest metodą, dzięki której uczniowie zdobywają podstawową wiedzę o rzeczywistości, formułują uogólnione artystyczne wyobrażenia o jej figuratywnym odzwierciedleniu i rozwijają zrozumienie cech stylu narodowego. Zatem poprzez badanie takich pojęć jak „grafika”, „stylizacja”, „rysowanie form naturalnych” zachodzi potrzeba określenia sposobów i metod ich przystępnej interpretacji w stosunku do uczniów. Zrozumienie sztuki w aspekcie stylizacji w grafice wraz z wnikliwym badaniem rzeczywistości pomoże studentom lepiej zrozumieć wyjątkowość kultury narodowej.

Wszystko to wymaga przede wszystkim wszechstronnego wsparcia metodycznego, które polega nie tylko na opracowaniu opartych na dowodach planów, programów nauczania, pomocy dydaktycznych i podręczników, ale przede wszystkim badań naukowych i metodologicznych, mających na celu identyfikację interdyscyplinarnych relacji i spójności w rozwój sztuk pięknych i możliwości ekspresji. Jednocześnie istniejące w szkołach ogólnokształcących programy nauczania sztuk pięknych sprowadzają się do zwięzłego opisu zadań edukacyjnych w środowisku akademickim, a materiały dydaktyczne i metodyczne do tych programów z reguły nie są dostępne. Dlatego często cała metodyka nauczania sprowadza się do „wyszkolenia” uczniów w opanowaniu techniki rysunku, graficznej stylizacji form naturalnych, a problemy związane z celowym kształtowaniem osobowości twórczej są znacznie rzadziej rozwiązywane.

Dlatego też aktualność wybranego tematu wynika z powstałej sprzeczności pomiędzy istnieniem szerokiej gamy podejść do graficznej stylizacji form naturalnych a obecnie niedostatecznie rozwiniętą metodyką nauczania jej podstaw.

Podstawa metodologiczna tej pracy to: teoria i metodyka nauczania rysunku, które prezentowane są w pracach N.N. Rostowcewa, T.G. Kazakova, V.A. Koroleva, L.N. Zorina, NP Sakulina i inni; studia stylu artystycznego i stylizacji (N.M. Sokolnikova, EO Sokolova, K.T. Dahldiyan); studia podejść do graficznej stylizacji form naturalnych (V.V. Kandidsky, GM Logvinenko, V.N. Molotova, F.M. Parmon, N.N. Tretiakow); teoretyczne założenia problemu kształcenia studentów za pomocą sztuk pięknych (N.N. Rostovtsev, V.S. Kuzin, T.G. Kazakova).

Cel badania- poznanie i omówienie głównych podejść do stylizacji graficznej form naturalnych, które w przyszłości będą służyć jako pomoc metodyczna do opanowania umiejętności wizualnych przez uczniów.

Celem tej pracy jest rozwiązanie następującego problemu zadania:

1. Opisywać graficzne metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości oraz główne środki wyrazu grafiki;

2. Poznanie stylizacji jako metody przedstawiania przedmiotów rzeczywistości;

3. Opisz zasady stylizacji w projektowaniu form

4. Scharakteryzować stylizację opartą na przekazaniu właściwości fakturalnych przedmiotu;

5. Opisz podejścia do stylizacji dekoracyjnej.

Przedmiot badań to proces rysowania stylizowanych form naturalnych.

Przedmiot badań to techniki stylizacji grafiki.

Podczas rozwiązywania zestawu zadań, co następuje metody badawcze: badanie i analiza literatury metodologicznej i historii sztuki na temat badań; analiza programów przedmiotów specjalnych cyklu artystyczno-estetycznego w szkołach ponadgimnazjalnych, obróbka graficzna materiału.

Nowość naukowa Badania przebiegają następująco: określa się niezbędne minimum programowe wiedzy teoretycznej, umiejętności praktycznych i zdolności studentów w procesie opanowania technik graficznej stylizacji form naturalnych.

Praktyczne znaczenie Badania polegają na tym, że badane i opisane w pracy główne podejścia do stylizacji graficznej form przyrodniczych można wprowadzić do procesu uczenia się w szkołach ponadgimnazjalnych. Materiały badawcze mogą być wykorzystywane do doskonalenia programów nauczania i programów z przedmiotów cyklu artystycznego i estetycznego, a także uwzględniane przy opracowywaniu pomocy dydaktycznych i podręczników plastycznych.

1. Metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

1.1 Realistyczne metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

Jedną z metod przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki jest tzw. metoda realistyczna. Opiera się na postawie artysty na prawidłowe widzenie i rozumienie rzeczywistości. Metoda realistyczna pomaga opanować prawidłowe zasady i metody przedstawiania za pomocą grafiki, ponieważ artyście bardzo trudno jest przekazać całą ideę w obrazie artystycznym bez pewnych umiejętności i zdolności w swoim arsenale. Obraz wykonany metodą realistyczną jest zrozumiały i jednocześnie figuratywny dla widza. Bez obrazowania trudno jest określić ideową koncepcję dzieła sztuki i ogólnie, co jest na nim przedstawione. Do realistycznych metod przedstawiania otaczającej rzeczywistości należą metody takie jak: długa analiza przyrody(metoda długiego rysowania) i metoda krótkiego szkicu(metoda szkicowa). Rozważmy każdy bardziej szczegółowo.

Metoda długoterminowej analizy przyrody polega na głębokim i poważnym badaniu praw obrazu formy w przestrzeni (tj. na płaszczyźnie). Opiera się na strukturalnej prawidłowości form przyrody, zasadach i metodach obrazowania na płaszczyźnie zgodnie z prawami perspektywy oraz teoretycznej znajomości optyki i anatomii. Wszystko to pomaga artyście dostrzec poza zewnętrznymi znakami przedmiotu jego ukrytą strukturę i charakterystyczne cechy, a także prawa rządzące budową formy. Świadomie przygląda się naturze, analizuje ją i przedstawia zgodnie z jej własnymi prawami struktury.

Metody realistyczne wymagają, aby forma przedmiotu lub przedmiotu była przedstawiona poprawnie i wyraziście, aby przedstawiony zachwycił i zachwycił widza, a po bezpośrednim szczegółowym zbadaniu przekonał go, że wszystko jest przedstawione poprawnie i dokładnie. Wystarczy spojrzeć na prace wielkich artystów i porównać je z dziełami przeciętnymi, aby zobaczyć, że na pierwszy rzut oka nie różnią się one mniej lub bardziej. Jednak po bliższym przyjrzeniu się widać, że na przeciętnym obrazie obraz formy nie wygląda wystarczająco przekonująco, dochodzi do naruszeń proporcji, zjawisk perspektywicznych, zniekształceń anatomicznych proporcji ludzkiego ciała. Przeciwnie, po uważnym zbadaniu dzieł wielkich mistrzów, wszystkie prawa konstrukcji obrazu zaczynają zachwycać swoją zachwycającą perswazją, począwszy od kształtu przedmiotów, a skończywszy na anatomii i prawach światłocienia. Im więcej myślisz o pracy genialnego artysty, tym bardziej zaczynasz podziwiać wiedzę i umiejętności wielkiego artysty.

Metoda sztuki realistycznej, metoda realistycznego odzwierciedlenia rzeczywistości, została ustanowiona w okresie akademickiego czerpania z natury. Na początku uczeń dokładnie kopiuje wszystko, co widzi w naturze, następnie zaczyna świadomie odrzucać małe, nieistotne szczegóły, skupiając się na najważniejszym, a na końcu tworzy artystyczny obraz natury. Mówiąc o metodzie realistycznego odzwierciedlenia rzeczywistości, Goethe napisał: „Nigdy nie kontemplowałem natury w celu poetyckim. Zacząłem od narysowania go, potem studiowałem naukowo w taki sposób, aby dokładnie i jasno zrozumieć zjawiska naturalne. Tak więc krok po kroku poznawałem na pamięć przyrodę, we wszystkich jej najdrobniejszych szczegółach, a kiedy jako poeta potrzebowałem tego materiału, wszystko było do mojej dyspozycji i nie było potrzeby, żebym grzeszył przeciwko prawdzie.

Aby przekonująco i zgodnie z prawdą przedstawić naturę w swojej pracy, artysta musi ją uważnie i dokładnie przestudiować, odnotować, podkreślić jej najbardziej charakterystyczne cechy, aw okresie pracy nad obrazem wielokrotnie sprawdzać, czy wszystko zostało przekonująco i poprawnie przekazana na obrazie. Artysta podchodzi do obrazu artystycznego w sztuce realistycznej, porównując swój obraz z naturą, sprawdzając i doprecyzowując strukturę formy, położenie danego przedmiotu w przestrzeni, oświetlenie itp. Oczywiście sam rysunek z natury nie pozwala na artyście do pełnego rozwiązania koncepcji twórczej kompozycji. Potrzebny jest tutaj zarówno duży nakład pracy twórczej, jak i głębsze, bardziej kompleksowe studium metody pracy twórczej. A jednak czerpanie z natury w twórczości artysty zajmuje dominującą rolę, a czasem wpływa na dalsze rozwiązanie całej kompozycji. Na przykład poszukiwanie rozwiązania kompozycyjnego dla obrazu Savrasova „Przybyły gawrony” pokazuje, jak studia nad naturą stopniowo zmieniały pierwotne intencje kompozytorskie artysty. Najpierw artysta daje rozwiązanie kompozycyjne obrazu, tak jak po raz pierwszy zobaczył go w naturze. Nowy szkic z natury (z innego punktu widzenia) sugeruje artyście inne rozwiązanie kompozycji. Teraz w centrum uwagi znajdują się pnie brzozy, dla których artysta wydłuża pionowy format obrazu, lekko podnosi linię horyzontu. Roztopiona woda jest nadal na pierwszym planie, kościół znajduje się dokładnie pośrodku. Jednak dalsze obserwacje i naturalne szkice radykalnie zmieniają pierwotny zamysł artysty. Linia horyzontu biegnie wzdłuż środka obrazu, topniejąca woda przesuwa się do prawego dolnego rogu, a brzozy również przesuwają się w prawo. Jednak nowy szkic z natury wciąż nie do końca satysfakcjonuje artystę, nadal szuka bardziej emocjonalnego rozwiązania kompozycji, które w końcu znajduje. Dzięki szkicom z natury artysta za każdym razem znajdował nowy, ciekawszy punkt widzenia, bardziej wyraziste i ciekawsze rozwiązanie kompozycji. I wiemy, że tylko uważne studiowanie natury, doskonałe opanowanie rysunku pozwoliło artyście stworzyć tak wspaniałe arcydzieło, z którego wszyscy są zachwyceni, jak z dzikiej przyrody. Metoda czerpania z życia jest procesem poznawania rzeczywistości. Metoda wiedzy naukowej w rysunku sprowadza się do tego, że uczeń rysunku otrzymuje konkretną wiedzę o prawidłowościach struktury formy natury.

Drugim sposobem przedstawiania otaczającej rzeczywistości jest metoda szkicu oddaje ogólne wrażenie natury, najważniejsze i najistotniejsze bez dopracowania szczegółów: charakterystyczne proporcje, ruch, cechy indywidualne. Szkice nazywane są szybkimi, zwięzłymi, małymi szkicami. Aby tworzyć, artysta musi znać życie, nauczyć się samodzielnie myśleć, analizować, umieć obserwować, gromadzić motywy plastyczne. Wszystko to uzyskuje się tylko w wyniku ciągłego szkicowania.

Obserwacja jest szczególnie potrzebna artyście. To główna cecha mistrza plastyki, cecha charakterystyczna każdego artysty. Obserwacja pozwala dostrzec ciekawe momenty z życia, ważne zjawiska, procesy, które są treścią i podstawą dzieła sztuki. Bez obserwacji artysta nie jest w stanie stworzyć wyrazistego obrazu artystycznego, samodzielnie skomponować kompozycji, czy po prostu wymyślić konkretną fabułę. Bez obserwacji niemożliwe jest samodzielne odnalezienie motywu obrazkowego w otaczającej nas rzeczywistości. Realizacja szkicu nabiera głównego znaczenia w kształceniu twórczego podejścia do procesu przedstawiania, umiejętności znajdowania metod i środków do osiągnięcia wyrazistości i figuratywności. Materiał szkicu służy jako materiał wyjściowy do tworzenia kompozycji graficznych i obrazowych.

Kolejność wykonania dowolnego szkicu podlega ogólnym obowiązującym zasadom procesu tworzenia dowolnego obrazu (długo lub krótkoterminowego): od ogółu do szczegółu, od dużych, głównych brył do mniejszych, drugorzędnych, przy zachowaniu wrażenia integralności . Najpierw powinieneś zdecydować o jego składzie, lokalizacji jednego lub więcej rysunków na arkuszu, biorąc pod uwagę „dźwięk” każdego szkicu i arkusza jako całości. Szkic różni się od rysunku wielkim podsumowaniem, zwięzłością percepcji. Artysta nie tyle analizuje rysowany przedmiot, ile tworzy graficzny wyraz przedmiotu w oparciu o posiadaną wiedzę o nim, sprawdzając swoje pomysły w bezpośredniej obserwacji. Jest to ważne w rysunku figuratywnym. Proporcje, ruch i charakter - to właściwości natury, które są przekazywane na szkicu. Jeśli wszystkie te warunki zostaną spełnione, szkic może mieć samodzielną wartość artystyczną.

1.2 Twórcze metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki

Obraz otaczającej rzeczywistości na podstawie metoda kreatywna polega na tworzeniu przez artystę prac w oparciu o zdobytą wcześniej wiedzę i umiejętności. Tutaj dominuje proces twórczy, którego głównym celem jest stworzenie artystycznego wizerunku. Tworząc prace metodą twórczą, rysunek jako proces budowania obrazu nie jest badany, jest już znany artyście. W przeciwieństwie do metody realistycznej, gdzie, jak już wspomniano, wręcz przeciwnie, proces konstruowania obrazu jest wciąż nieznany uczniowi, dopiero zaczyna on studiować ten proces. Metoda twórcza polega na tym, że rysowanie odbywa się w oparciu o zdobytą już wiedzę i umiejętności, w imię stworzenia czegoś nowego i oryginalnego. Metoda twórcza w sztukach plastycznych z konieczności ma charakter indywidualny, implikuje autorską wizję i artystyczne przetwarzanie zjawisk i przedmiotów otaczającej rzeczywistości, aw efekcie ukazanie ich z elementami nowości.

Wraz z metodą twórczą istnieje jej niższy poziom, tzw metoda imitacyjna, co implikuje obecność gotowego wzoru do naśladowania i polega na naśladowaniu stylu określonej epoki, znanych trendów artystycznych, stylów i technik twórczości określonego narodu, stylów znanych mistrzów. Jednak pomimo istniejącej już próbki, metoda imitacyjna nie powinna mieć charakteru bezpośredniego kopiowania. Naśladując ten lub inny styl, twórca takiego dzieła powinien dążyć do wniesienia do niego własnej indywidualności, na przykład poprzez wybraną fabułę, nową wizję koloru lub ogólne rozwiązanie kompozycyjne. Stopień tej artystycznej nowości z reguły w dużej mierze będzie decydował o wartości dzieła. Ogólnie rzecz biorąc, metoda twórcza w przedstawianiu otaczającej rzeczywistości jest jedną z owocnych metod sztuki plastycznej, która opiera się na innej, odmiennej od realistycznej, metodzie rzeczywistej integracji w zrozumieniu i odzwierciedleniu otaczającego życia. Na przykład, w oparciu o metodę twórczą, słynne dzieła Van Gogha, Cezanne'a, Picassa, Matisse'a, Deraina, Fernanda Legera, Modiglianiego, Miro, Falka, Kandinsky'ego, Chagalla, Fiodorowa, Gonczarowej, Lentulowa, Filonowa, Kuprina, Saryana i wielu inni rzemieślnicy zagraniczni i krajowi.

Podczas tworzenia dzieł sztuki i rzemiosła stosuje się inny rodzaj metody twórczej - sposób interpretacji. Istota metody polega na tym, że artysta patrzy na przedmiot z otaczającego go życia, interpretuje go i przekazuje emocjonalnie tak, jak go odczuwa. Innymi słowy, niejako odtwarza ten naturalny przedmiot, ale w formie symbolu artystycznego. Z tą interpretacją najlepiej kierować się twórczą zasadą triady: „Poznaj, oceń i ulepsz”. Metoda ta nie ma konkretnego autora, ale była dobrze znana już kilka wieków temu. Oto, co powiedziano o metodzie interpretacji w jednym z rosyjskich podręczników dla artystów XVIII wieku: „Prosty naśladowca natury nigdy nie może stworzyć niczego wielkiego, nigdy nie może wznieść i rozwinąć wyobraźni i poruszyć serca widza. Powinien starać się je ulepszyć wielkością swoich koncepcji. Wszystkie sztuki czerpią swoją doskonałość z piękna twórczo wyobrażonego przez artystę, mającego pierwszeństwo przed tym, co można znaleźć w naturze każdej poszczególnej rzeczy. W tej instrukcji artysta jest zaproszony do twórczego przemyślenia rzeczywistych obiektów natury, w tym tych najpiękniejszych. Dlatego interpretacja jakiegokolwiek zjawiska lub przedmiotu otaczającego świata, w szczególności natury i form naturalnych, nie powinna być uważana za jedną z oryginalnych technik artystycznych i środków wyrazu, ale powinna być uważana za główną metodę twórczą i główną ekspresyjną środki sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Cel metod twórczych w sztukach wizualnych jest to tworzenie nowego obrazu artystycznego, który ma zwiększoną wyrazistość i dekoracyjność i stoi ponad naturą, ponad realnymi przedmiotami otaczającego świata. Za podstawę teoretyczną metody twórczej należy uznać stanowisko, zgodnie z którym stworzenie prawdziwie nowego jest stworzeniem czegoś, co nie leży bezpośrednio w przyrodzie, nie w otaczającym świecie, choć głównym i jedynym źródłem tego nowego powinno być ta sama przyroda, ten sam otaczający świat. .

Tak więc metody przedstawiania otaczającej rzeczywistości za pomocą grafiki dzielą się na dwie duże grupy: metody realistyczne i metody kreatywne. Metody to klucze lub osobliwe sposoby osiągania dowolnych celów, rozwiązywania określonych problemów. Rozważane przez nas metody determinują cały proces twórczy na wszystkich jego etapach. Sposoby przedstawiania otaczającej rzeczywistości opierają się na procesach umysłowych (percepcja i rozumienie rzeczywistości) oraz charakterze działania (sposób ukazania otaczającej rzeczywistości). Otaczająca nas przyroda jest wspaniałym obiektem dla twórczości artystycznej. Ten sam temat można badać i eksponować nieskończoną ilość razy, odkrywając wciąż nowe jego aspekty, w zależności od zadania i zastosowanej w praktyce metody. Metody pomagają opanować sposoby pierwotnego wyrażania natury (metody realistyczne) lub w formach przekształconych (metody kreatywne), tj. wytworzyć załamanie tego, co widać poprzez indywidualność artysty. Taki obraz badanych przedmiotów, zwany stylizowanym, pozwala znaleźć nowe, oryginalne sposoby ukazywania rzeczywistości, odmienne od iluzorycznego, fotograficznego obrazu. Znajomość tych sposobów przedstawiania otaczającej rzeczywistości jest więc konieczna przede wszystkim do zrozumienia sposobów organizacji elementów języka graficznego na płaszczyźnie.

2. Główne środki wyrazu grafiki i ich zastosowanie w kompozycji stylizowanejai

2.1 Punktjak wyrazićświerknarzędzie w grafice

Punkt wyróżnia się graficznym akcentem na płaszczyźnie. Mimo stosunkowo niewielkich rozmiarów ma bardzo szerokie możliwości w budowaniu stylizowanej kompozycji. Bardzo często to ona jest centrum całego jej systemu.

Traktowana jako środek kompozycyjny, kropka może skupić uwagę widza na sobie. Wszystko zależy od jego właściwości ujawnionych w kompozycji: umiejscowienia na płaszczyźnie, względnej wielkości, sylwetki, gęstości wypełnienia, jasności itp. W tym sensie łączy się ściśle z innymi graficznymi środkami konstrukcji kompozycji, ich właściwościami plastycznymi.

Jeśli punkt znacznie odbiega właściwościami od tych środków, to najbardziej wyróżnia się w kompozycji. Jeśli się do nich zbliża, jego dominująca wartość maleje. Następnie włącza się go w szereg innych środków, stanowiących równoważną część całości kompozycji.

Właściwości artystyczne punktu są więc bezpośrednio związane z właściwościami linii, plamy i koloru, tworząc harmonijnie zorganizowaną, graficzną płaszczyznę jako całość.

2.2 Spot jako środek wyrazu w grafice

Plama - kolejny wyrazisty środek graficzny - rozumiana jest jako miejsce na jakiejś powierzchni, które wyróżnia się tylko kolorem od reszty powierzchni. Plama jako środek obrazu jest często używana bez dodatkowych środków w czystej postaci. To za pomocą spotu tworzona jest sylwetka. Wiele rysunków P. Picassa służy jako przykład ekspresji obrazów tworzonych przez plamę / sylwetkę. Eksperci zwracają uwagę na konwencjonalność wzoru sylwetki: „plama jest dwuwymiarowa, nie ma ani objętości, ani przestrzeni i nie ma do nich tendencji. artysta Narbut w swojej ilustracji odwołuje się do otwartej struktury rysunku: biały papier nie jest oddzielony ramą, co sprawia, że ​​rysunek wydaje się jeszcze bardziej warunkowy, jakby wisiał w powietrzu.

Plama (tonalna lub barwna) ma ogromne znaczenie zarówno w szkicach, jak iw szkicach oraz w pracy nad szkicami kompozycji. Potrzeba wykorzystania plamy tonalnej jako narzędzia graficznego pojawia się głównie przy rozwiązywaniu problemów kompozycyjnych: rozpoznania lub podkreślenia objętości formy, oddania jej iluminacji, ukazania siły tonu w kolorze formy, fakturze formy, jego powierzchni, aby oddać głębię przestrzeni otaczającej trójwymiarową formę.

Plama tonalna służy również do rozwiązania kontrastów tonalnych już w szkicu kompozycji, które kładą podwaliny pod ekspresyjność. Na siłę dźwięku plamy tonalnej utworzonej wewnątrz konturu przez równoległe lub przecinające się kreski wpływa szerokość kresek i jasnych odstępów między nimi, właściwości materiału graficznego oraz technika nakładania go na płaszczyznę obrazu. Kontrasty kolorystyczne są w stanie zbudować podstawę wyrazistości kompozycji.

2.3 Linia jako środek wyrazu w grafice

Linię można oczywiście uznać za jeden z głównych środków sztuki w ogóle. Linia jest rozciągniętym i cienkim obiektem przestrzennym; w sensie przenośnym - łańcuch przedmiotów połączonych ze sobą. Linia oddaje nie tylko charakter przedstawianego tematu, ale także stan emocjonalny samego artysty, może więc być zdecydowana i odważna, impulsywna i porywcza, niepewna i nieśmiała itp.

Jak różnorodną emocjonalną „paletę” linii widać na rysunkach znanych mistrzów. Na przykład Sokolnikova w swojej pracy oferuje opis linii różnych autorów: A. Matisse rysuje zarys kobiecej twarzy szerokimi, spokojnymi liniami. Gładka i spokojna, harmonijna linia narysowana pewną ręką mówi o twórczym samopoczuciu autora. Rysunki V. Van Gogha, P. Filonowa, M. Vrubela wyróżniają się nerwowym postrzeganiem świata, ale jakże odmienna jest linia tych mistrzów: podekscytowany jasny u Van Gogha, twardy i wściekły u Filonowa, drżący przerywany w Vrubel. AP Iwanow w swojej pracy naukowej zauważa, że ​​\u200b\u200bVrubel przede wszystkim uderza bardzo szczególne zrozumienie kształtu przedmiotów, powierzchnie, które je ograniczają, pełne ostrych pęknięć, tworzą ułamkową kombinację płaszczyzn zbiegających się pod kątami dwuściennymi; ich kontury to linie łamane, proste lub prawie proste, a cały odtworzony obraz dziwnie przypomina stos stopionych ze sobą kryształów.

Linia leży wszystkimi punktami na powierzchni kartki papieru i tym samym niejako utrzymuje obraz w formacie, podkreślając dwuwymiarowość płaszczyzny. Linia konturu obejmuje kształt obiektu. Pomimo tego, że na płaszczyźnie rysowane są tylko linie, wydaje się, że wewnątrz konturu ton przedstawionego obiektu jest ciemniejszy lub jaśniejszy niż tło otaczającej go płaszczyzny. Istnieje złudzenie sylwetki obiektu jako jasnej plamki na tle, która wydaje się ciemniejsza niż jest w rzeczywistości. Ponadto rysunek liniowy może oddawać wrażenie objętości obiektu. Osiąga się to po pierwsze dzięki temu, że linia buduje formę w proporcjach i perspektywie, a po drugie dzięki temu, że linia zmienia swoją grubość, a co za tym idzie siłę dźwięku. Nawet w stanie niedokończonym jest w stanie pełnić jednocześnie kilka funkcji: wyznaczać granice formy, komponować obraz, określać charakter i ruch całej formy, jej proporcje itp. Gładkość, płynność i kierunkowość linii podczas rysowania konturu pozwalają ujawnić plastyczne walory formy.

Praktyczna praca nad kompozycją najczęściej rozpoczyna się od rysunku liniowego. Odzwierciedla także kolejne, bardziej rozbudowane szkice kompozycji.

2.4 Kreska jako środek wyrazu w grafice

Kreska w teorii sztuki definiowana jest jako cienka linia, kreska. Możliwości kreski w grafice są wyjątkowo bogate - można nią oddać fakturę przedmiotu, modelowanie światła i cienia, porę dnia lub roku oraz nastrój autora. W zależności od nacisku ołówka, pióra i atramentu pociągnięcie staje się ciemne lub jasne, miękkie lub twarde. Plastyczne cechy udaru zapewniają różnorodne możliwości artystyczne. W pobliżu równoległych lub przecinających się pociągnięć w różnych kierunkach powstaje tak zwana przerywana plama tonalna o wymaganej sile. Artystka A. Pakhomova bardzo ekspresyjnie używa kreski na ilustracjach do opowiadania I.S. Turgieniewa „Łąka Bezhin”.

według N.M. Sokolnikova, uderzenie, różnorodnie skierowane, zdefiniowane, jest w stanie tworzyć złożone przeploty, zagęszczając w ten sposób powierzchnię reliefu. Ta możliwość udaru jest szczególnie skutecznie ujawniana na rysunkach D. Mitrochina. Niemal zawsze w jego martwych naturach pojedyncze obiekty układają się w węzeł, plątaninę form, która ma jedną sylwetkę. Łącząc się, tworzą nową formę, pozostając jednocześnie prostymi przedmiotami.

Linie przerywane mogą być długie, krótkie, grube na życzenie malarza, stopniowo i płynnie zamieniają się w cienkie, ledwo zauważalne „pajęczyny”. Zróżnicowana grubość linii przerywanych w jasnych i cienistych częściach trójwymiarowej formy pozwala oddać głębię przestrzeni. Wiele równoległych lub przecinających się linii przerywanych tworzy tak zwaną przerywaną plamę tonalną o wymaganej sile. Wraz z linią podczas wstępnego rozwoju kompozycji stosowane są pociągnięcia.

Tak więc kropka, linia, plama i kreska to najważniejsze elementy graficznego, ekspresyjnego języka rysunku. Punkt ma bardzo szerokie możliwości w budowaniu stylizowanej kompozycji. Ona jest centrum całego jej systemu. Za pomocą linii rozwiązuje się problemy przestrzenne, przekazuje wrażenie objętości obiektu, budując formę w proporcjach i perspektywie. Plama służy do zobrazowania lub podkreślenia objętości formy, oświetlenia obiektu, siły tonu, faktury, głębi przestrzeni. Różne długości linii przerywanych w jasnych i cienistych częściach trójwymiarowych form pozwalają oddać głębię przestrzeni i objętość obiektów. O umiejętnościach artysty decyduje nie tylko umiejętność użycia wszelkich środków, ale także dążenie do stworzenia maksymalnej wyrazistości obrazu. Środki wyrazu w grafice pozwalają przekazać radosne i smutne, podniosłe i zabawne, mogą brzmieć jasno, blado, zwięźle, w zależności od pomysłu artysty, postawionych zadań, wielkości pracy, stopnia umowności, stopnia szczegółowości obrazu, osiągając główną jakość obrazu - wyrazistość.

3. Stylizacja jako metoda przedstawiania obiektów otoczenia w grafice

3.1 Koncepcja stylizacji i stylu

W słowniku encyklopedycznym stylizacja w sztukach plastycznych jest interpretowana jako „przedstawienie przedmiotów, postaci w warunkowo uproszczonej formie”. Skrajne uogólnienie, wręcz szkicowość formy i podkreślenie głównych szczegółów są charakterystyczne dla rysunku wykonanego metodą stylizacji. Stylizacja jako jedna z metod artystycznych jest sposobem na odzwierciedlenie obiektów rzeczywistości w procesie ich twórczego przetwarzania i modyfikacji z maksymalnym lub minimalnym możliwym lub koniecznym uogólnieniem artystycznym. Uogólnienie jest decydującym czynnikiem w trakcie stylizacji. Przez „uogólnienie” w literaturze filozoficznej rozumie się logiczny proces przejścia od tego, co pojedyncze do tego, co ogólne, od tego, co mniej ogólne, do tego, co bardziej ogólne.

Uogólnienie to mentalne połączenie przedmiotów i zjawisk rzeczywistości, które są podobne pod pewnymi znakami, cechami. Wszelkie uogólnienia mogą opierać się na różnych cechach podobnych obiektów. Generalizacja jest ważna w życiu każdego człowieka, ponieważ wiedza o otaczającym nas świecie dzięki generalizacji stanowi niezbędną podstawę dla naszych wyobrażeń i koncepcji dotyczących obiektywnej rzeczywistości. Orientacja człowieka w otaczającym świecie odbywa się w systemie skrajnie uogólnionych wyobrażeń i wiedzy o świecie.

Stylizacja to szczególna forma uogólnienia, uproszczenia obiektów rzeczywistości, uwzględniająca cechy czasowe i przestrzenne, uwzględniająca styl. Styl jest podstawową kategorią sztuki, którą charakteryzuje się jako „artystyczny wyraz postrzegania świata, charakterystyczny dla ludzi określonej epoki i kraju”. Termin „styl” używany jest w historii sztuki, gdzie jego treść jest bliska pojęciom metody twórczej, kierunku artystycznego, nurtu, szkoły czy maniery. To styl wyraża istotę, wyjątkowość samego fenomenu twórczości artystycznej w jedności wszystkich jej składowych: treści i formy, obrazu i ekspresji, osobowości i epoki. Rozpatrując styl jako system wewnętrznych powiązań między wszystkimi składnikami procesu twórczego, trzeba powiedzieć o nieskończonej różnorodności tego zjawiska: styl pojedynczego dzieła lub zespołu dzieł; styl indywidualny, autorski; styl niektórych krajów, ludów; styl głównych ruchów artystycznych; styl niektórych epok historycznych.

Łącząc elementy kompozycji dzieła sztuki, styl nadaje im szczególnej „witalności”, nowej rzeczywistości, odmiennej od codzienności i przewyższającej ją siłą wrażenia. „Jedną z funkcji stylu jest łączenie niezgodności, osiągnięcie integralności przeciwieństw, doprowadzenie sprzecznych aspiracji artysty do figuratywnej jedności”.

Stylizacja jest więc procesem kształtowania polegającym na twórczym przetwarzaniu, modyfikacji przedmiotów i zjawisk otaczającej rzeczywistości o największym artystycznym uogólnieniu. Stylizacja jako metoda twórcza opiera się na takim pojęciu jak „uogólnienie”. Uogólnienie obejmuje różne formy odzwierciedlenia otaczającej rzeczywistości w procesie działań wizualnych poprzez eliminowanie szczegółów i identyfikowanie najbardziej charakterystycznych w przedmiotach i zjawiskach otaczającej rzeczywistości w celu stworzenia wyrazistego obrazu artystycznego. Uogólnienie, które prowadzi do uporządkowania pojęć i sprowadzenia ich do prostej, uproszczonej struktury, było i jest stosowane w całym rozwoju sztuk plastycznych i zdobniczych. Uogólniona wizja przyrody przechodzi przez wszystkie procesy poznawczej aktywności artysty (percepcja, myślenie, pamięć, wyobraźnia), ujawnia najbardziej charakterystyczne cechy przedstawionego obiektu i tworzy w procesie rysowania pełnoprawny obraz artystyczny. Dlatego problem uogólnionej wizji natury dotyczy wszystkich rodzajów rysunków: naturalnych, dekoracyjnych, tematycznych itp.

Główne cechy wspólne, które powstają w procesie stylizacji obiektów i elementów w grafice to prostota form, ich uogólnienie i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność, zmysłowość. Przede wszystkim stylizacja charakteryzuje się uogólnieniem i symboliką przedstawionych przedmiotów i form. Ta artystyczna metoda zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowości. Metoda stylizacji wymaga odseparowania od obrazu wszystkiego, co zbędne, drugorzędne, ingerujące w czytelną percepcję wzrokową, aby wydobyć istotę przedstawianych przedmiotów, wyeksponować w nich to, co najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i wywołać korespondujące w nim żywe emocje.

Najwyższą formą odmowy przedstawiania nieistotnych realistycznych detali przedmiotów w kompozycji dekoracyjnej przy jednoczesnym zastępowaniu ich elementami abstrakcyjnymi jest stylizacja abstrakcyjna, która występuje w dwóch postaciach: abstrakcji mającej realistyczny wzór w otaczającym świecie i abstrakcji nie posiadającej taki wzór - wyimaginowana (nieobiektywna) abstrakcja. Aby wyraźniej i bardziej zmysłowo wyeksponować istotę stylizowanego przedmiotu, oddziela się od niego i usuwa wszystko, co zbędne, zbędne i drugorzędne. Na przykład, aby przedstawić obiekty przyrody ożywionej i nieożywionej (drzewa, rośliny, kwiaty i owoce, przedstawiciele świata zwierząt, brzegi rzek i mórz, góry, wzgórza itp.), Wykorzystuje się ich najbardziej charakterystyczne i najbardziej uderzające cechy, oraz jednocześnie z reguły charakterystyczne cechy przedstawianego obiektu są w różnym stopniu wyolbrzymione, a czasem zniekształcone w celu stworzenia abstrakcji. W przypadku takich artystycznych przesady formy naturalne (na przykład kształty liści), które są zbliżone do geometrycznych, są ostatecznie przekształcane w geometryczne, wszelkie wydłużone formy są jeszcze bardziej rozciągane, a zaokrąglone są zaokrąglane lub ściskane.

Bardzo często spośród kilku cech charakterystycznych przedmiotu stylizowanego wybiera się jedną i czyni dominującą, podczas gdy inne cechy charakterystyczne przedmiotu są łagodzone, uogólniane, a nawet całkowicie odrzucane. W efekcie dochodzi do świadomego zniekształcenia i zniekształcenia rozmiarów i proporcji przedstawionych obiektów naturalnych, co ma na celu: zwiększenie dekoracyjności, wzmocnienie wyrazistości (ekspresji), ułatwienie i przyspieszenie dostrzeżenia przez widza intencji autora. W tym procesie twórczym spontanicznie powstaje sytuacja, w której im bardziej obraz zbliża się do istoty natury przedmiotu, tym bardziej staje się uogólniony i uwarunkowany. Z reguły stylizowany obraz można łatwo przekształcić w abstrakcyjny.

Wszystkie rodzaje i metody stylizacji przedmiotów naturalnych opierają się na jednej zasadzie obrazkowej - artystycznej transformacji prawdziwych obiektów naturalnych za pomocą różnorodnych środków malarskich i technik malarskich. Najczęściej takie przekształcenie przeprowadza się poprzez zmianę i uproszczenie kształtu rzeczywistych obiektów flory i fauny, powiększenie lub pomniejszenie charakterystycznych części tych obiektów, zmianę liczby charakterystycznych detali obiektów w górę lub w dół, zmianę naturalnego koloru obiekty. Dość często stylizowany wizerunek polega na połączeniu kilku różnych części, z których każda jest skopiowana z jakiegoś przedmiotu natury lub przedmiotu otaczającego życia i twórczo zmodyfikowana. Na przykład kwiat określonej rośliny jest przedstawiany nie w celu dokładnego oddania oryginału, ale jest tworzony w formie sformalizowanej, przy użyciu indywidualnych szczegółów właściwych kwiatom i innym roślinom, przy jednoczesnym „odrzuceniu” drobnych szczegółów właściwych kwiatowi tej konkretnej rośliny . Lub na przykład liść klonu jest przedstawiony w taki sposób, że jego kształt przybiera geometryczny kształt sześciokąta.

Artystyczna transformacja obiektów naturalnych ma główny cel - przekształcenie rzeczywistych form naturalnych w stylizowane lub abstrakcyjne, obdarzone ekspresją i emocjonalnością o takiej sile, jasności i zapamiętywaniu, które są nieosiągalne w realistycznych obrazach. Dlatego stylizacja i abstrakcja obrazu są dość ściśle związane z jego wyrazistością (ekspresyjnością). Jeżeli obraz lub kompozycja ma charakter ekspresyjny, to niezależnie od tego, czy powstały w sposób stylizowany, abstrakcyjny czy realistyczny, ich podstawą jest abstrakcja, rozumiana jako uogólnienie i symbolika całego obrazu lub jego części w celu lepszego wyrazić głęboką esencję kompozycji. A to oznacza, że ​​stosując stylizację i abstrakcję w obrazach przedmiotów, trzeba umieć pokazać i przekazać ekspresyjność za ich pomocą.

3.2 Rodzaje stylizacji graficznych

Stylizację można podzielić na dwa rodzaje:

a) powierzchnia zewnętrzna, nie mająca indywidualnego charakteru, ale sugerująca obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (np. ozdobny panel wykonany techniką malarstwa Khokhloma);

b) dekoracyjny, w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny, podporządkowany wcześniej rozwiniętemu środowisku wewnętrznemu).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem ze środowiskiem przestrzennym. Dlatego dla pełnej jasności problemu rozważ koncepcję dekoracyjności. Dekoracyjność jest zwykle rozumiana jako artystyczna jakość dzieła, która powstaje w wyniku rozumienia przez autora związku jego dzieła ze środowiskiem podmiotowo-przestrzennym, dla którego jest przeznaczone. W tym przypadku osobny utwór jest pomyślany i zrealizowany jako element szerszej całości kompozycyjnej. Można powiedzieć, że styl to artystyczne doświadczenie czasu, a stylizacja dekoracyjna to artystyczne doświadczenie przestrzeni. Cechą charakterystyczną stylizacji dekoracyjnej jest abstrakcja - mentalne odwrócenie uwagi od nieistotnych, przypadkowych z punktu widzenia artysty znaków w celu skupienia uwagi na szczegółach bardziej znaczących, oddających istotę przedmiotu. Przy dekoracyjnej stylizacji przedstawianego obiektu należy dążyć do tego, aby kompozycja (panel) spełniała zasadę architektoniczności, tj. konieczne jest zbudowanie systemu połączeń poszczególnych części i elementów w jedną całość dzieła.

Rola stylizacji jako metody artystycznej ostatnio wzrosła, ponieważ wzrosła potrzeba stworzenia przez ludzi integralnego stylistycznie, ważnego estetycznie środowiska. Wraz z rozwojem architektury wnętrz konieczne stało się tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymagań estetycznych.

Dlatego jednym z najważniejszych sposobów tworzenia obrazu artystycznego w procesie rysowania w grafice jest stylizacja. Stylizację zdefiniowaliśmy jako specyficzny proces kształtowania w działalności artystycznej i twórczej, polegający na twórczym przetwarzaniu, modyfikacji przedmiotów i zjawisk otaczającej rzeczywistości poprzez artystyczne uogólnienie z uwzględnieniem tradycji i materiału narodowego. Uogólniona wizja natury jest ważnym elementem nie tylko rysunku w grafice, ale także w innych formach sztuki. Podczas postrzegania wielu przedmiotów cechy, które ucieleśniają podstawowe cechy przedmiotów, są w przenośni uogólniane. Rozważono również koncepcję „stylu” jako systemu wewnętrznych powiązań między wszystkimi składowymi procesu twórczego. Styl, jako stały i niezmienny element konstrukcyjny kultury narodowej, stanowi podstawę stylizacji w grafice artystycznej. Stylizacja graficzna ma dwa rodzaje: zewnętrzną i dekoracyjną. Oba typy są współzależne i mają swoje specyficzne cechy.

4. Zasady stylizacji w rozwoju formy

4.1 Uogólnienie jako główna zasada stylizacji

Podstawą takich pojęć jak „stylizacja”, „sztuka zdobnicza” czy „rysunek naturalny” jest tzw. uogólnienie artystyczne. Uogólnienie, jako sposób odzwierciedlenia ogólnych i podstawowych cech przedmiotów i zjawisk rzeczywistości, przyczynia się do orientacji w świecie ludzi i rzeczy, poszukiwania podobieństw w różnorodnych przedmiotach materialnych, pozwala dokładniej i głębiej zrozumieć siebie i innych ludzi, uwalnia od konieczności ponownego studiowania tych samych obiektów i zjawisk. Uogólnienie jest czynnikiem decydującym w przebiegu czerpania z życia, zwłaszcza w początkowej fazie obrazu. Jednocześnie skrajne uogólnienie formy i podkreślenie wyrazistości detali są charakterystyczne dla rysunku wykonanego metodą stylizacji w procesie rysunku dekoracyjnego, a kiedy

wykonanie szkicu wyrobu o charakterze dekoracyjnym i użytkowym. Problem uogólnionej wizji natury dotyczy wszystkich rodzajów rysunków: naturalnych, dekoracyjnych, tematycznych, ponieważ w procesie działania wizualnego „podczas postrzegania wielu przedmiotów uogólniane są w przenośni cechy, które ucieleśniają istotne cechy przedmiotów, które odgrywają rolę ważną rolę w kompetentnym wykonaniu dowolnego obrazu i stworzeniu wyrazistej wypowiedzi artystycznej. Uogólniona, uproszczona wizja przyrody przechodzi przez wszystkie procesy poznawczej aktywności artysty (percepcja, myślenie, pamięć, wyobraźnia), ujawnia najbardziej charakterystyczne cechy przedstawianego obiektu i tworzy pełnoprawny obraz artystyczny w procesie naturalnej i ozdobny rysunek. Słynny psycholog R. Arnheim zauważył, że „podział postrzeganego wizualnie modelu na prostsze komponenty ma wielką wartość biologiczną, ponieważ od tego zależy zdolność widzenia obiektów”. To stwierdzenie po raz kolejny dowodzi, że cały świat materialny podlega prawu prostoty, co oznacza, że ​​w naturze wygląd przedmiotów jest najprostszy.

Wyniki współczesnych badań naukowych w zakresie procesów poznawczych (R. Woodwards, R. Arnheim, P. Lindsay, D. Norman, S.L. Rubinshtein, E.I. Ignatiev, O.I. Nikiforova i in.) pokazują, że uogólnienie prowadzi do upraszczania koncepcji temat i doprowadzenie ich do prostej (uproszczonej) struktury, ponieważ nadmierna liczba szczegółów komplikuje proces postrzegania przedmiotów i zjawisk rzeczywistości, których obraz jest wykonywany zarówno podczas rysowania z życia, jak i obrazu dekoracyjnego. Na przykład R. Woodward pisze, że uogólnienie i uporządkowanie ludzkiego poznania otaczającej rzeczywistości ustala się już na poziomie percepcji: „W każdej nieuporządkowanej mozaice plam, wbrew naszej woli, percepcja zawsze znajduje pewien porządek. Mimowolnie grupujemy plamy, a granice tych plam tworzą najczęściej proste kształty geometryczne lub proste płaskie figury, które przypominają naturalne kształty. Odzwierciedla to początkowe uogólnienie doświadczenia wizualnego, jego swoistą geometryzację. Uogólnione cechy przedmiotu łatwiej i mocniej „zapisują się” w pamięci i najłatwiej odtwarzają się w świadomości przy każdym nowym spotkaniu z tym obiektem. Oto jak system uogólniania i zachowywania informacji jest rozważany przez P. Lindsaya i D. Normana: „System uogólniania jest dość prosty. Wszystkie przykłady tej koncepcji są rozpatrywane jeden po drugim w celu znalezienia wspólnych cech. Gdy tylko w każdym z pojęć zostaną zapisane te same informacje, wiedza o tych pojęciach ulega uogólnieniu. Ogólne koncepcje powstają na podstawie analizy informacji uzyskanych w naszych dotychczasowych doświadczeniach. Większość znanych artystów-pedagogów w procesie działalności artystycznej stosowała metodę uogólnienia i uproszczenia formy. Zasugerowali, że na początkowym etapie rysowania z natury każdy obiekt obrazowy należy traktować jako sumę najprostszych kształtów geometrycznych („cięcie”, uogólnienie złożonego kształtu na kulę, walec, graniastosłup). Metoda uogólniania formy dowolnego obiektu rzeczywistości pozwala skupić się nie na szczegółach drugorzędnych, ale na głównej strukturze - „dużej” formie, będąc tym samym jedną ze skutecznych metod wyboru głównego i charakterystycznego w przedstawionym obiekcie lub zjawisko, aby stworzyć wyrazisty obraz artystyczny. Metoda uogólniania, upraszczania formy przedmiotów otaczającej rzeczywistości i ich rozkładu na proste elementy jest zawarta, jak już wspomniano, w rysunku dekoracyjnym, a raczej w jego głównej zasadzie - stylizacji. Sama stylizacja implikuje dekoracyjne uogólnienie i podkreślenie cech kształtu przedmiotów za pomocą szeregu technik warunkowych. Generalizacja artystyczna jest jednym z głównych czynników kształtujących, rozszerzających możliwości wyrazowe obrazu w grafice. Kiedy w procesie stylizacji zachodzi konieczność wzmocnienia i pogłębienia treści obrazu dekoracyjnego, artysta sięga po różne metody generalizacji artystycznej, wśród których wymienić można: generalizację geometryczną, generalizację sylwetki, generalizację symboliczną. Przyjrzyjmy się każdej metodzie bardziej szczegółowo w poniższych akapitach.

4.2 Uogólnienie geometryczne

stylizacja grafiki ambient reality

Uogólnienie można osiągnąć, podkreślając charakterystyczne cechy kształtów geometrycznych. Geometryczna metoda kształtowania jest metodą uogólnienia, w której za główną zasadę kompozycyjną przyjmuje się geometryczne kształty z dynamicznymi liniami i określonymi zestawieniami kolorystycznymi, które wypełnia uproszczony geometryczny wystrój. Uogólnienie geometryczne i wyrazistość obrazu dekoracyjnego uzyskuje się poprzez łączenie różnych prostokątów, kwadratów, trapezów i innych nieregularnych kształtów geometrycznych o prostoliniowych konturach.

W procesie twórczym należy odrzucić nieistotne szczegóły i szczegóły obiektów i pozostawić tylko ogólne, najbardziej charakterystyczne i charakterystyczne cechy. Artysta może dowolnie zmieniać temat, odejście od natury może być bardzo znaczące. Stopień uogólnienia formy i dobór środków artystycznego wyrazu determinuje zadanie, zamierzony sposób. Na przykład kwiat, liść, gałąź można zinterpretować prawie tak, jak można zachować geometryczne kształty lub naturalne gładkie kontury.

Możesz przekształcić rzeczywisty obiekt za pomocą kształtów geometrycznych na następujące sposoby:

1. Uogólnienie formy geometrycznej w jej granicach. Tutaj ostateczny stylizowany obraz w pełni odpowiada rysunkowi rzeczywistej formy. Główna uwaga artysty skupia się na uogólnieniu i uproszczeniu geometrycznego kształtu przedmiotów, bez zmiany ich granic.

2. Uogólnienie formy geometrycznej ze zmianą wzoru i uproszczeniem jego konstrukcji. Zastosowanie drugiej techniki stylizacji zakłada zrozumienie konstrukcji formy, znajomość podstaw kompozycji oraz umiejętność rysowania. Tworząc obraz artystyczny, należy zwrócić uwagę na fakt, że każdy rzeczywisty przedmiot można wpisać w prosty geometryczny kształt.

3. Przekształcenie formy trójwymiarowej w płaską. Dla pomyślnego zastosowania tej techniki stylizacji decydujące znaczenie ma umiejętność znalezienia najbardziej wyrazistej pozycji formy w przestrzeni. Rozpoznawalna i wyrazista sylwetka to podstawa tej zasady stylizacji.

4. Zmiana charakteru formy na bardziej dekoracyjny. To chyba najtrudniejsza zasada stylizacji, ponieważ wiąże się również z umiejętnością stosowania wszystkich wymienionych powyżej zasad. Profesjonalna znajomość różnych technik rysunkowych, znajomość kompozycji, wyczucie koloru, dobry gust - to nie cała lista umiejętności potrzebnych artyście.

Nadając formie coraz to nowe konfiguracje, można uzyskać coraz większą wyrazistość i dekoracyjność obrazu, ale też coraz większą abstrakcję, aż do całkowitego odrzucenia obrazu realistycznego. W rysunku dekoracyjnym forma jest przetwarzana, pewna przesada charakterystycznych cech przedmiotu w celu zwiększenia stopnia wyrazistości. Przekształcenia należy dokonać poprzez rozpoznanie i uwypuklenie naturalnych walorów obiektu: nielogiczne jest zamienianie zaokrąglonych kształtów na kanciaste i zastępowanie wydłużonych krótszymi; celniej byłoby skupić się na wydłużonym obiekcie, nadając mu jeszcze bardziej wydłużony kształt, podporządkowując temu format kompozycji, powiększając go w pionie. Dzięki temu możliwa jest zmiana kształtu przedmiotu w celu podkreślenia jego charakterystycznych cech.

Podobne dokumenty

Historia rozwoju gatunku portretowego. Pojęcie stylizacji i stylu w kompozycji dekoracyjnej. Techniki stylizacji stosowane w portrecie graficznym. Sekwencja wykonania stylizowanego portretu. Język grafiki i jej główne środki wyrazu.

praca semestralna, dodano 01.10.2015


Geometryczne kształty w projektowaniu logo. Zastosuj stylizację do prymitywnej grafiki low-poly. Wykorzystanie negatywnej przestrzeni w projektowaniu logo. Rysunek i skład czcionki „ręcznie”. Stylizacja pod metalowymi emblematami.

prezentacja, dodano 25.07.2015


Charakterystyka zespołów muzealnych i etnograficznych: Ethnomir, Wioska etniczna i inne. Etapy tworzenia projektu dla sfery działalności muzealnej i etnograficznej. Cechy jego stylizacji i szaty graficznej na przykładzie zespołu etnograficznego.

praca semestralna, dodano 26.10.2015


Historia powstania i dalszego rozwoju mebli, ich znaczenie w życiu człowieka. Pojęcie eklektyzmu (lub eklektyzmu), jego istota, geneza, rodzaje, cechy, współczesne podejście do stylizacji. Analiza stylu fusion jako nowego nurtu współczesnego eklektyzmu.

streszczenie, dodano 04.12.2009


Ekspozycja muzealna jako celowa i naukowo uzasadniona prezentacja muzealiów. Specyfika obrazu fotograficznego, środki plastyczne i możliwości wyrazowe. Badanie roli fotografii w ekspozycjach muzealnych.

praca semestralna, dodano 22.10.2012


Cechy obrazu naturalnych czterech żywiołów w aspekcie historycznym. Specyfika kompozycji obrazowych i graficznych w aspekcie itorycznym. Etapy procesu tworzenia serii zakładek obrazkowych i graficznych, cechy rozwiązania kompozycyjnego.

praca semestralna, dodano 23.09.2014


Techniki i technologie malowania tkanin w krajach Wschodu. Rozwój sztuki batikowej w Europie, Ameryce i Rosji. Metody barwienia tkanin. Podstawy kompozycji dekoracyjnej i stylizacji. Kolor i spektrum w wyrobie włókienniczym. Materiały i narzędzia do malowania.

streszczenie, dodano 15.12.2011


Metody uzyskiwania negatywowego obrazu fotograficznego. Sposób uzyskiwania fotografii za pomocą azotanu srebra. Uzyskanie i zapis obrazu statycznego na materiale światłoczułym za pomocą kamery. Główne rodzaje i gatunki fotografii.

prezentacja, dodano 12.08.2011


Historia powstania gatunku krajobrazu miejskiego i zasady jego przedstawiania. Historia powstania grafiki, rodzaje grafiki. Artyści graficy. Rodzaje kompozycji graficznych. Artyści działający w gatunku pejzażu miejskiego.

praca semestralna, dodano 18.01.2011


Alexander Benois, Konstantin Somov, Leon Bakst jako wybitni przedstawiciele stowarzyszenia artystycznego „World of Art”, utworzonego w Petersburgu pod koniec XIX wieku. Retrospektywizm w twórczości Alexandre Benois. Esencja metody stylizacji w duchu secesji.

Projektowanie lekcji.

Temat: „Stylizacja prostych form naturalnych”.

Rodzaj lekcji: - nauka nowego materiałuFormularz: tradycyjny

Cel lekcji:

Edukacja moralna i estetyczna studentów poprzez naukę sztuki grafiki sylwetkowej, zdobycie wiedzy o praktycznych umiejętnościach wykonywania wizerunków stylizowanych form naturalnych.

Cele Lekcji:

Edukacyjny:

Kształtowanie wiedzy na temat grafiki sylwetkowej;

Kształtowanie umiejętności i umiejętności wykonywania wizerunku stylizowanych form przyrodniczych.

Rozwój:

Rozwój wyobraźni twórczej w technice grafiki sylwetkowej;

Rozwój uwagi, myślenia, pamięci;

Rozwój aktywności poznawczej i twórczej;

Rozwój zainteresowania sztuką sylwetki;

Rozwój dokładności i umiejętności graficznych.

Edukacyjny :

Wzbudzenie zainteresowania grafiką sylwetkową;

Kształcenie gustu estetycznego w sztuce grafiki sylwetkowej.Sprzęt:

Dla nauczyciela: pomoc wizualna.

Dla uczniów: ołówki, gumka, kartka A3, przybory plastyczne i graficzne.

Podczas zajęć:

Pozdrowienia.

Organizowanie czasu.

Główna część lekcji.

Koncepcja stylizacji i stylu

Dziś dowiemy się, czym jest „stylizacja”. Zapoznajmy się ze środkami i technikami stylizacji. I spróbujmy stworzyć własną stylizowaną kompozycję.

Stylizacja- Tenuproszczenie lub skomplikowanie jakiegokolwiek obiektu lub obrazu. Główną cechą jest prostotastylizowany przedmiot. Dostylizowaćrysunek, musisz wybrać główne, charakterystyczne cechy przedstawionego obiektu.

W kompozycji dekoracyjnej ważną rolę odgrywa to, jak twórczo artysta potrafi przerobić otaczającą rzeczywistość i wnieść w nią swoje myśli i uczucia, indywidualne odcienie. To się nazywa stylizacja. Stylizacja jako proces pracy to dekoracyjne uogólnienie przedstawionych obiektów (figur, obiektów) za pomocą szeregu warunkowych metod zmiany relacji kształtu, objętości i koloru.

Otaczająca nas przyroda to doskonały obiekt do artystycznej stylizacji. Ten sam przedmiot można badać i eksponować nieskończoną ilość razy, wciąż odkrywając jego nowe strony. Musisz nauczyć się widzieć obrazy w przyrodzie, musisz uważnie im się przyglądać i w nie wnikać. A stylizacja uzupełni te obrazy - w nim możesz fantazjować i improwizować.Każda roślina, każdy kwiat jest wyjątkowy i ma swoje własne cechy. Dostrzegając te cechy, trzeba je wykorzystać w stylizacji.

Stylizacja to metoda rytmicznej organizacji całości, dzięki której obraz nabiera cech wzmożonej dekoracyjności i odbierany jest jako rodzaj motywu wzorniczego (wówczas mówimy o stylizacji dekoracyjnej w kompozycji).

Stylizacja naturalnych form Otaczająca nas przyroda to doskonały obiekt do artystycznej stylizacji. Ten sam temat można studiować i prezentować nieskończoną ilość razy, odkrywając wciąż nowe jego aspekty, w zależności od zadania.Praca nad stylizacją form naturalnych pomaga opanować analityczne myślenie i sposoby oryginalnego wyrażania natury w formach przekształconych tj. wytworzyć załamanie tego, co widać poprzez indywidualność artysty. Stylizowany wizerunek badanych przedmiotów pozwala na znalezienie nowych, oryginalnych sposobów ukazywania rzeczywistości, odmiennych od iluzorycznego, fotograficznego obrazu.

Stylizację form naturalnych można rozpocząć od wizerunku roślin. Mogą to być kwiaty, zioła, drzewa w połączeniu z owadami i ptakami.

Konieczne jest dokładne przestudiowanie szczegółów obiektu i podkreślenie jego najbardziej charakterystycznych cech.

Ten sam motyw można przetwarzać na różne sposoby: blisko natury lub w formie nawiązania do niej, asocjacyjnie; należy jednak unikać interpretacji zbyt naturalistycznej czy skrajnego schematyzmu, pozbawiającego rozpoznania. Możesz wziąć dowolną cechę i uczynić ją dominującą, podczas gdy kształt obiektu zmienia się w kierunku cechy charakterystycznej, dzięki czemu staje się symboliczny.Stylizacjastosowane w logotypach, plakatach, ornamentach, portretach, pejzażach, martwych naturach,stylizacja jako główny środek wyrażania myśli autora.

Zwróć uwagę na materiał wizualny.

Wstępna praca szkicowa jest bardzo ważnym etapem tworzenia rysunku stylizowanej kompozycji, ponieważ wykonując naturalne szkice, artysta głębiej studiuje naturę, ujawniając plastyczność form, rytm, wewnętrzną strukturę i fakturę naturalnych obiektów. Etap szkicu i szkicu jest kreatywny, każdy odnajduje i wypracowuje swój własny styl, swój indywidualny styl w przekazie znanych motywów.Podkreślmy podstawowe wymagania dotyczące szkicowania form roślin:

Rozpoczynając pracę, ważne jest, aby zidentyfikować najbardziej wyraźne cechy kształtu rośliny, jej sylwetki, zwojów perspektywicznych.

Zwróć uwagę na charakter linii, które składają się na zarys przedstawionych elementów: stan kompozycji jako całości (statyczny lub dynamiczny) może zależeć od tego, czy ma ona proste, czy miękkie, opływowe konfiguracje.

Ważne jest nie tylko naszkicowanie tego, co widać, ale znalezienie rytmu i ciekawych grup form (łodyżek, liści), dokonując selekcji widocznych detali w przedstawionym na arkuszu otoczeniu.

Przyjrzyjmy się technikom stylizacji, z których każda dotyczy szczegółów wizualnych.

1) realistyczny rysunek.

2) Przekształcenie realistycznych zakrzywionych, zaokrąglonych, gładkich kształtów w ostre, bardziej proste i ostre. (Przycinanie)
3) Reprezentacja form realistycznych na formy geometryczne. (Geometryzacja form)
4) Zastąpienie głównego kształtu obiektu kształtem geometrycznym. (Wymiana głównego)
5) Praca z kreską lub kropką. (Ślad formularza)6) Sylwetka- rodzaj techniki graficznej w sztuce portretowania. Technika ta służy do uzyskania wyraźnego obrazu profilu osoby.7) Wystrój - zestaw elementów składających się na wygląd zewnętrzny, dekorację przedmiotu, kształt itp.

Kształt każdego produktu musi być określony przez zastosowanie rzeczy. Po określeniu przydatności przedmiotu wskazane zostają pełne, spójne zarysy całej formy, następnie artysta użytkowy nadaje wyrobowi walory artystyczne. To twórcze podejście do produktu jest realizowane przez wystrój, którego obrazowymi typami są obraz fabularny, obraz symboliczny i ornament.
Istnieje duża różnica między rysowaniem z życia a rysunkiem dekoracyjnym. Jeśli, pracując z natury, przedstawiasz naturalne formy w różnych pozycjach i przy różnych proporcjach światła i cienia oraz proporcjach kolorów, to w rysunku dekoracyjnym formy te muszą być pokazane w postaci określonego motywu ozdobnego - warunkowo, stylizowanego.

Stylizacja- uogólnienie przedstawionych postaci za pomocą konwencjonalnych technik).Tak więc rysunek dekoracyjny jest wynikiem odnalezionego związku między postrzeganiem natury a dekoracyjnym odbiciem rzeczywistości.
Specyfika rysunku i szczególna struktura motywu wzoru stawia przed mistrzem trudne zadanie przekształcenia naturalnych form w dekoracyjne obrazy. rachunek uproszczenia elementów. Wykonując zadanie opracowania wzoru, musisz niejako zapomnieć, że obiekt ma objętość, znajduje się w przestrzeni, jest wyposażony w różnorodne odcienie kolorów w środowisku jasnego powietrza itp. Najważniejsze tutaj nie jest obraz jako taki, ale przekształcenie rzeczywistej formy w wymyślony motyw. Jednocześnie ornamentalna forma jest przekazana płasko, nawet płaska konwencjonalność języka sztuki i rzemiosła jest specjalnie podkreślona.

Zasady stylizacji(przykłady na ryc. 1): a) przekształcenie formy trójwymiarowej w płaską i uproszczenie konstrukcji, b) uogólnienie formy ze zmianą obrysu, c) uogólnienie formy w jej granicach, d ) uogólnienie i skomplikowanie formy, dodanie szczegółów nieobecnych w naturze.

Praca psychologiczna nad stworzeniem uogólnionego obrazu dekoracyjnego jest procesem abstrakcji od wielu szczegółowych szczegółów. Jak wiadomo, obfitość szczegółów w temacie przeszkadza w jego holistycznym postrzeganiu. W ten sam sposób obfitość szczegółów w niektórych obrazach utrudnia tworzenie nowych, bardziej oryginalnych obrazów. Oznacza to, że należy dążyć do wyodrębnienia z poszczególnych obrazów najczęściej spotykanych cech i połączenia ich w nowy obraz. Tak powinno wyglądać malowanie dekoracyjne.

W procesie twórczym projektowania ornamentu należy odrzucić nieistotne detale i detale przedmiotów, a pozostawić tylko cechy ogólne, najbardziej charakterystyczne i wyróżniające. Na przykład kwiat rumianku lub słonecznika może wyglądać na uproszczony w ornamentie. fotografia") .

Ryc.3 Ryc.4

Artysta może dowolnie zmieniać temat, odejście od natury może być bardzo znaczące. Kwiat, liść, gałąź można zinterpretować niemal tak, jak można zachować geometryczne kształty lub naturalne gładkie kontury. Na przykład możliwe jest przekształcenie prawdziwego obrazu kwiatu w obraz dekoracyjny, a nawet abstrakcyjny za pomocą malowania:

Uogólnienie formy za pomocą środków obrazowych (ryc. 5): a) obraz realistyczny, b) obraz dekoracyjny, c) obraz abstrakcyjny
Stopień uogólnienia formy i dobór środków artystycznego wyrazu determinuje zadanie, zamierzony sposób.

Jednym z przykładów stylizacji może być proces tworzenia kultowych obrazów w projektowaniu graficznym. Cechami charakterystycznymi znaku są uogólnienie i umowność w przedstawieniu obiektywnych form oznaczających dowolną postać lub zjawisko otaczającego świata.

Znak zasadniczo różni się od określonego obrazu przedmiotu, wskazuje lub desygnuje jedynie cechy zewnętrzne jakiegoś przedmiotu. Znak można nazwać abstrakcyjnym symbolem.

W sztuce dekoracyjnej stylizacja jest metodą rytmicznej organizacji całości, dzięki której obraz nabiera cech wzmożonej dekoracyjności i jest postrzegany jako rodzaj motywu wzorniczego (wówczas mówimy o stylizacji dekoracyjnej w kompozycji).

Stylizację można podzielić na dwa rodzaje:

a) powierzchnia zewnętrzna, nie mająca indywidualnego charakteru, ale sugerująca obecność gotowego wzoru do naśladowania lub elementów już stworzonego stylu (np. ozdobny panel wykonany techniką malarstwa Khokhloma);

b) dekoracyjny, w którym wszystkie elementy dzieła podlegają warunkom już istniejącego zespołu artystycznego (na przykład panel dekoracyjny, podporządkowany wcześniej rozwiniętemu środowisku wewnętrznemu).

Stylizacja dekoracyjna różni się od stylizacji w ogóle powiązaniem ze środowiskiem przestrzennym. Aby nie mylić stylizacji dekoracyjnej z ogólną, konieczne jest jasne zdefiniowanie pojęcia dekoracyjności.

Pod dekoracyjny Zwyczajowo rozumie się jakość artystyczną dzieła, która powstaje w wyniku rozumienia przez autora związku jego dzieła ze środowiskiem podmiotowo-przestrzennym, dla którego jest przeznaczone. W tym przypadku osobny utwór jest pomyślany i zrealizowany jako element szerszej całości kompozycyjnej.

Można powiedzieć, że styl to artystyczne doświadczenie czasu, a stylizacja dekoracyjna to artystyczne doświadczenie przestrzeni.

Do dekoracyjnej stylizacji jest typowa abstrakcja- mentalne odwrócenie uwagi od nieistotnych, przypadkowych z punktu widzenia artysty znaków w celu skupienia uwagi na szczegółach bardziej znaczących, oddających istotę przedmiotu.

Przy dekorowaniu przedstawianego obiektu należy dążyć do tego, aby kompozycja (panel) spełniała zasadę architektoniczności, tj. konieczne jest zbudowanie systemu połączeń poszczególnych części i elementów w jedną całość dzieła.

Rola stylizacji jako metody artystycznej ostatnio wzrosła, ponieważ wzrosła potrzeba stworzenia przez ludzi integralnego stylistycznie, ważnego estetycznie środowiska.

Wraz z rozwojem architektury wnętrz konieczne stało się tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymagań estetycznych.