Formy abstrakcyjne w przykładach sztuki. Encyklopedia szkolna. Emocjonalna lub intuicyjna sztuka abstrakcyjna

10.07.2019

Jeden z głównych nurtów w sztuce awangardowej. Główną zasadą sztuki abstrakcyjnej jest odmowa naśladowania widzialnej rzeczywistości i operowanie jej elementami w procesie tworzenia dzieła. Przedmiot sztuki zamiast realiów otaczającego świata staje się narzędziem twórczości artystycznej – kolorem, linią, formą. Fabuła zostaje zastąpiona plastikowym pomysłem. Wielokrotnie wzrasta rola zasady asocjacyjnej w procesie artystycznym, możliwe staje się również wyrażenie uczuć i nastrojów twórcy w wyabstrahowanych obrazach, oczyszczonych z zewnętrznej powłoki, które są w stanie skoncentrować duchową zasadę zjawisk i być jego nosiciele (dzieła teoretyczne V.V. Kandinsky'ego).

Losowe elementy abstrakcji można zidentyfikować w sztuce światowej w całym jej rozwoju, począwszy od malowideł naskalnych. Ale pochodzenia tego stylu należy szukać w malarstwie impresjonistów, którzy próbowali rozłożyć kolor na osobne elementy. Fauwizm świadomie rozwinął ten nurt, „odsłaniając” barwę, podkreślając jej niezależność i czyniąc z niej przedmiot obrazu. Spośród fowistów najbliżsi abstrakcji byli Franz Marc i Henri Matisse (symptomatyczne są jego słowa: „cała sztuka jest abstrakcją”), francuscy kubiści (zwłaszcza Albert Gleizes i Jean Metzinger) i włoscy futuryści (Giacomo Balla i Gino Severini) także podążali ta ścieżka. . Ale żaden z nich nie mógł lub nie chciał przekroczyć granicy figuratywności. „Przyznajemy jednak, że pewne przypomnienia o istniejących formach nie powinny być całkowicie usuwane, przynajmniej w chwili obecnej” (A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, s. 14).

Pierwsze prace abstrakcyjne pojawiły się na przełomie lat 1900-1910 w twórczości Kandinsky'ego podczas pracy nad tekstem „O duchowości w sztuce”, a jego „Obraz z kołem” (1911. NMG) jest uważany za pierwszy obraz abstrakcyjny. W tym momencie mówi:<...>tylko ta forma jest poprawna, która<...>odpowiednio materializuje treść. Wszelkiego rodzaju drugorzędne względy, a wśród nich zgodność formy z tak zwaną „naturą”, tj. charakter zewnętrzny, są nieistotne i szkodliwe, gdyż odwracają uwagę od jedynego zadania formy – ucieleśnienia treści. Forma jest materialnym wyrazem abstrakcyjnej treści” (Content and form. 1910 // Kandinsky 2001. Vol. 1. S. 84).

Na wczesnym etapie sztuka abstrakcyjna w osobie Kandinsky'ego absolutyzowała kolor. W badaniach nad kolorem, praktycznych i teoretycznych, Kandinsky rozwinął doktrynę koloru Johanna Wolfganga Goethego i położył podwaliny pod teorię koloru w malarstwie (wśród rosyjskich artystów kolorem zajmowali się M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun i inni teoria).

W Rosji w latach 1912-1915 powstały abstrakcyjne systemy malarskie łuczizmu (M.F. Łarionow, 1912) i suprematyzmu (K.S. Malewicz, 1915), które w dużej mierze zdeterminowały dalszy rozwój sztuki abstrakcyjnej. Zbliżenie do sztuki abstrakcyjnej można odnaleźć w kubofuturyzmie i alogizmie. Przełomem w abstrakcji był obraz N.S. Gonczarowej „Pustka” (1914. Państwowa Galeria Trietiakowska), ale temat ten nie znalazł dalszego rozwoju w twórczości artysty. Innym niezrealizowanym aspektem rosyjskiej abstrakcji jest malarstwo kolorowe O.V. Rozanovej (patrz: Sztuka nieprzedmiotowa).

Czech Frantisek Kupka, Francuzi Robert Delaunay i Jacques Villon, Holender Piet Mondrian, Amerykanie Stanton McDonald-Wright i Morgan Russell podążali w tych samych latach własnymi ścieżkami do abstrakcji obrazowej. Kontrreliefy V.E. Tatlina (1914) były pierwszymi abstrakcyjnymi konstrukcjami przestrzennymi.

Odrzucenie izomorfizmu i odwołanie się do zasady duchowej dało powód do łączenia sztuki abstrakcyjnej z teozofią, antropozofią, a nawet okultyzmem. Ale sami artyści nie wyrażali takich idei na pierwszych etapach rozwoju sztuki abstrakcyjnej.

Po I wojnie światowej malarstwo abstrakcyjne stopniowo zdobywa dominującą pozycję w Europie i staje się uniwersalną ideologią artystyczną. To potężny ruch artystyczny, który w swoich aspiracjach wykracza daleko poza granice zadań malarskich i plastycznych, demonstrując umiejętność tworzenia systemów estetycznych i filozoficznych oraz rozwiązywania problemów społecznych (np. budowanie życia). W latach 20. na bazie jego ideologii powstały takie instytuty badawcze jak Bauhaus czy Ginhuk. Z abstrakcji wyrósł także konstruktywizm.

Rosyjską wersję abstrakcji nazwano sztuką nieobiektywną.

Wiele zasad i technik sztuki abstrakcyjnej, które stały się klasykami w XX wieku, jest szeroko stosowanych w projektowaniu, sztukach teatralnych i dekoracyjnych, filmie, telewizji i grafice komputerowej.

Pojęcie sztuki abstrakcyjnej zmieniało się w czasie. Do lat 1910 termin ten był używany w odniesieniu do malarstwa, gdzie formy przedstawiano w sposób uogólniony i uproszczony, tj. „abstrakcyjny” w porównaniu z bardziej szczegółowym lub naturalistycznym przedstawieniem. W tym sensie termin ten odnosił się głównie do sztuki dekoracyjnej lub kompozycji spłaszczonych.

Ale od lat 1910-tych „abstrakcja” odnosi się do prac, w których forma lub kompozycja jest przedstawiona pod takim kątem, że oryginalny temat zmienia się prawie nie do poznania. Najczęściej termin ten określa styl sztuki, który opiera się wyłącznie na układzie elementów wizualnych – kształtów, kolorów, struktur i wcale nie jest konieczne, aby miały one inicjujący obraz w świecie materialnym.

Pojęcie znaczenia w sztuce abstrakcyjnej (zarówno w znaczeniu wcześniejszym, jak i późniejszym) jest złożonym zagadnieniem, o którym nieustannie dyskutuje się. Formy abstrakcyjne mogą również odnosić się do zjawisk niewizualnych, takich jak miłość, prędkość czy prawa fizyki, kojarząc się z bytem pochodnym („esencjalizmem”), z wyimaginowanym lub innym sposobem oddzielenia się od tego, co szczegółowe, szczegółowe i nie- istotne, przypadkowe. Pomimo braku reprezentatywnego tematu, w abstrakcyjnym dziele może się kumulować ogromna ekspresja, a wypełnione semantycznie elementy, takie jak rytm, powtórzenia i symbolika kolorów, wskazują na zaangażowanie w określone idee lub wydarzenia poza samym obrazem.

Literatura:
M. Seuphor. L'Art abstrait, ses origins, ses premiers maîtres. Paryż, 1949;
M.Brion. Sztuka abstrakcyjna. Paryż, 1956; D. Valliera. Sztuka abstrakcyjna. Paryż, 1967;
R. Kapłon. Przedstawiamy malarstwo abstrakcyjne. Londyn, 1973;
c. blok. Geschichte der abstrakten Kunst. 1900–1960 Kolonia, 1975;
M.Schapiro. Natura sztuki abstrakcyjnej (1937) // M.Schapiro. Sztuka współczesna. Wybrane dokumenty. Nowy Jork, 1978;
Ku nowej sztuce: eseje o tle malarstwa abstrakcyjnego 1910–1920 . wyd. M.Compton. Londyn, 1980;
Duchowość w sztuce. Malarstwo abstrakcyjne 1890–1985. Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles. 1986/1987;
Tekst M.Tuchmana; B. Altszuler. Awangarda na wystawie. Nowa sztuka w XX wieku. Nowy Jork, 1994;
Abstrakcja w Rosji. XX wiek. T. 1–2. Timing [Katalog] St. Petersburg, 2001;
Nieobiektywizm i abstrakcja. sob. artykuły. Reprezentant. wyd. GF Kowalenko. M., 2011.;

Abstrakcjonizm (od łacińskiego abstractus - zdalny, abstrakcyjny)- bardzo szeroki nurt w sztuce XX wieku, który powstał na początku lat 1910-tych w kilku krajach europejskich. Abstrakcjonizm charakteryzuje się wykorzystaniem wyłącznie elementów formalnych do ukazywania rzeczywistości, gdzie naśladownictwo lub dokładne przedstawienie rzeczywistości nie było celem samym w sobie.

Termin abstrakcjonizm pochodzi od łacińskiego abstraho – odciągać, rozpraszać. Ogólnie przyjmuje się, że jest to kierunek, a nawet styl; abstrakcjonizm to coś zupełnie innego, a ci, którzy interpretują to pojęcie w ten sposób, mimowolnie się mylą. Abstrakcjonizm przez artystów i teoretyków sztuki rozumiany jest jako sposób pojmowania rzeczywistości za pomocą sztuk plastycznych, pod warunkiem, że sama rzeczywistość jest całkowicie wyabstrahowana z formy widzialnych przedmiotów. Oprócz sztuki figuratywnej (obiektywnej), abstrakcjonizm dzieli się na wiele stylów i nurtów: abstrakcję geometryczną, liryczną, gestualną, analityczną, a także bardziej szczegółowe nurty: suprematyzm, aranformel, nuazizm, taszyzm itp. Właściwie poszukiwania artystów wszystkich czasów zawsze były i będą ograniczać się tylko do tych dwóch hipostaz: figuratywnej i abstrakcyjnej. Trzeci, jak mówią, nie jest dany.

Założycielami sztuki abstrakcyjnej są rosyjscy artyści Wassily Kandinsky i Kazimierz Malewicz, Holender Piet Mondrian, Francuz Robert Delaunay i Czech Frantisek Kupka. Ich sposób rysowania opierał się na dążeniu do „zharmonizowania”, stworzenia pewnych zestawień kolorystycznych i geometrycznych kształtów w celu wywołania u kontemplatora rozmaitych skojarzeń.

W abstrakcjonizmie można wyróżnić dwa wyraźne kierunki: abstrakcję geometryczną, opartą głównie na wyraźnie określonych konfiguracjach (Malewicz, Mondrian) oraz abstrakcję liryczną, w której kompozycja zorganizowana jest ze swobodnie płynących form (Kandinsky). Również w abstrakcjonizmie istnieje kilka innych głównych niezależnych nurtów.

Na początku lat 50. słynny impresjonista A. Matisse po raz pierwszy zwrócił się ku malarstwu abstrakcyjnemu. A w 1950 roku w Paryżu artyści J. Devan i E. Pilet otworzyli pracownię, w której zaczęli uczyć młodych malarzy, jak pozbyć się realistycznej wizji, tworzyć obrazy abstrakcyjne wyłącznie środkami malarskimi i używać nie więcej niż trzech tonów w kompozycji, podobnie jak w sztuce abstrakcyjnej, ich zdaniem forma najczęściej determinuje kolor. Devan i Pilet uważali, że głównym warunkiem stworzenia dobrego obrazu abstrakcyjnego jest dobranie najdokładniejszych kolorów. Malarstwo abstrakcyjne Dewana Apoteoza Marata (1951) spotkało się z wielkim entuzjazmem krytyków. O obrazie pisali, że jest to nie tylko intelektualny portret słynnej postaci rewolucjonisty, ale także „celebracja czystego koloru, dynamiczna gra krzywizn i linii prostych”, „rzecz ta jest dowodem na to, że abstrakcja wyraża nie tylko wartości duchowe , ale także sztuka figuratywna, może odnosić się do wydarzeń historycznych i politycznych.

W drugiej połowie lat 50. w Stanach Zjednoczonych narodziła się sztuka instalacji, pop-art, który nieco później wychwalał Andy'ego Warhola jego niekończącym się powielaniem portretów Marilyn Monroe i puszek karmy dla psów - abstrakcjonizm kolażowy. W sztukach wizualnych lat 60. upowszechniła się najmniej agresywna, statyczna forma abstrakcji – minimalizm. W tym samym czasie Barnet Newman, twórca amerykańskiego abstrakcjonizmu geometrycznego, wraz z A. Liebermanem, A. Heldem i K. Nolandem z powodzeniem angażowali się w dalszy rozwój idei holenderskiego neoplastycyzmu i rosyjskiego suprematyzmu.

Inny nurt w malarstwie amerykańskim nazywano abstrakcjonizmem „chromatycznym” lub „postmalarskim”. Jej przedstawiciele w pewnym stopniu odpychali fowizm i postimpresjonizm. Twardy styl, dobitnie ostre kontury dzieł E. Kelly'ego, J. Jungermana, F. Stelli stopniowo ustąpiły miejsca malarstwu kontemplacyjnego melancholijnego magazynu. W latach 70. i 80. malarstwo amerykańskie powróciło do figuratywności. Co więcej, tak skrajny jej przejaw, jak fotorealizm, stał się powszechny. Większość historyków sztuki zgadza się, że lata 70. to moment prawdy dla sztuki amerykańskiej, która w tym okresie ostatecznie uwolniła się od wpływów europejskich i stała się czysto amerykańska. Jednak pomimo powrotu tradycyjnych form i gatunków, od portretu do malarstwa historycznego, abstrakcja również nie zniknęła.

Obrazy, dzieła sztuki „non-fine” powstawały jak dawniej, gdyż powrót do realizmu w Stanach Zjednoczonych nie przezwyciężył abstrakcjonizmu jako takiego, ale jego kanonizację, zakaz sztuki figuratywnej, którą utożsamiano przede wszystkim z naszym socrealizmem, i dlatego nie mógł być uznany za odrażający w „wolnym, demokratycznym” społeczeństwie, zakaz „niskich” gatunków, zakaz społecznych funkcji sztuki. Jednocześnie styl malarstwa abstrakcyjnego nabrał pewnej miękkości, której wcześniej mu brakowało - opływowych brył, rozmycia konturów, bogactwa półtonów, subtelnych rozwiązań kolorystycznych (E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Białobrod). Nie znikł jednak całkowicie i twardy styl; zniknęła w tle i zachowała się w twórczości starszego pokolenia geometrów i artystów ekspresjonistycznych (H. Buchwald, D. Ashbaug, J. Gareth i in.).

Wszystkie te nurty położyły podwaliny pod rozwój nowoczesnego abstrakcjonizmu. W twórczości nie może być nic zamrożonego, ostatecznego, bo to byłaby dla niego śmierć. Ale bez względu na to, jakimi drogami podąża abstrakcjonizm, bez względu na to, jakim przeobrażeniom ulega, jego istota zawsze pozostaje niezmienna. Polega ona na tym, że abstrakcjonizm w sztukach plastycznych jest najbardziej przystępnym i szlachetnym sposobem na uchwycenie osobowego bytu, w najbardziej adekwatnej formie, jaką jest faksymile. Jednocześnie abstrakcjonizm jest bezpośrednią realizacją wolności.

Abstrakcjonizm (łac. streszczenie- usunięcie, odwrócenie uwagi) lub sztuka niefiguratywna- kierunek sztuki, który w malarstwie i rzeźbie porzucił przedstawianie form zbliżonych do rzeczywistości. Jednym z celów abstrakcjonizmu jest osiągnięcie „harmonizacji” poprzez przedstawienie pewnych zestawień kolorystycznych i kształtów geometrycznych, tak aby widz poczuł kompletność i kompletność kompozycji. Wybitne postacie: Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Natalia Gonczarowa i Michaił Larionow, Piet Mondrian.

Fabuła

Abstrakcjonizm(sztuka spod znaku „form zerowych”, sztuka bezprzedmiotowa) – kierunek artystyczny, który ukształtował się w sztuce pierwszej połowy XX wieku, całkowicie odrzucający reprodukcję form rzeczywistego świata widzialnego. Za założycieli abstrakcjonizmu uważa się V. Kandinsky'ego , P. Mondriana I K. Malewicz.

V. Kandinsky stworzył własny rodzaj malarstwa abstrakcyjnego, uwalniając od wszelkich oznak obiektywizmu plamy impresjonistów i „dzikie”. Piet Mondrian doszedł do swojej bezsensowności poprzez geometryczną stylizację natury, zapoczątkowaną przez Cezanne'a i kubistów. Nurty modernistyczne XX wieku, skupione na abstrakcjonizmie, całkowicie odchodzą od tradycyjnych zasad, zaprzeczając realizmowi, ale jednocześnie pozostają w ramach sztuki. Historia sztuki wraz z nadejściem abstrakcjonizmu przeżyła rewolucję. Ale ta rewolucja powstała nie przez przypadek, ale całkiem naturalnie i została przepowiedziana przez Platona! W swoim późniejszym dziele Filebus pisał o pięknie linii, powierzchni i form przestrzennych samych w sobie, niezależnych od jakiejkolwiek imitacji widzialnych przedmiotów, od jakiejkolwiek mimesis. Ten rodzaj geometrycznego piękna, w przeciwieństwie do piękna naturalnych „nieregularnych” form, według Platona, nie jest względny, lecz bezwarunkowy, absolutny.

XX wieku i współczesny

Po I wojnie światowej 1914-18 tendencje abstrakcji często przejawiały się w indywidualnych pracach przedstawicieli dadaizmu i surrealizmu; jednocześnie zdeterminowana została chęć znalezienia zastosowań dla form nieobrazowych w architekturze, sztuce dekoracyjnej i dizajnie (eksperymenty grupy Styl i Bauhaus). Kilka grup abstrakcji („Sztuka konkretna”, 1930; „Kółko i kwadrat”, 1930; „Abstrakcja i kreatywność”, 1931), zrzeszających artystów różnych narodowości i nurtów, powstało na początku lat 30., głównie we Francji. Jednak sztuka abstrakcyjna nie była wówczas rozpowszechniona, a do połowy lat 30. XX wieku. grupy się rozpadły. W latach II wojny światowej (1939–45) w Stanach Zjednoczonych powstała szkoła tzw. abstrakcyjnego ekspresjonizmu (malarze J. Pollock, M. Toby itp.), która rozwinęła się po wojnie w wielu krajach (pod nazwą taszyzmu lub „sztuki bez formy”) i głosiła jako swoją metodę „czysty automatyzm umysłowy” i subiektywną podświadomą impulsywność twórczości, kult nieoczekiwanych zestawień kolorystycznych i fakturalnych.

W drugiej połowie lat 50. w Stanach Zjednoczonych narodziła się sztuka instalacji, pop-art, który nieco później wychwalał Andy'ego Warhola jego niekończącym się powielaniem portretów Marilyn Monroe i puszek karmy dla psów - abstrakcjonizm kolażowy. W sztukach wizualnych lat 60. upowszechniła się najmniej agresywna, statyczna forma abstrakcji – minimalizm. W tym samym czasie Barneta Newmana, twórca amerykańskiego abstrakcjonizmu geometrycznego wraz z A. Lieberman, A. Held I K. Nolanda z powodzeniem angażował się w dalszy rozwój idei holenderskiego neoplastycyzmu i rosyjskiego suprematyzmu.

Inny nurt w malarstwie amerykańskim nazywano abstrakcjonizmem „chromatycznym” lub „postmalarskim”. Jej przedstawiciele w pewnym stopniu odpychali fowizm i postimpresjonizm. Sztywny styl, podkreślone ostre kontury prac E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella stopniowo ustąpił miejsca malarstwu kontemplacyjnego, melancholijnego magazynu. W latach 70. i 80. malarstwo amerykańskie powróciło do sztuki figuratywnej. Co więcej, tak skrajny jej przejaw, jak fotorealizm, stał się powszechny. Większość historyków sztuki zgadza się, że lata 70. to moment prawdy dla sztuki amerykańskiej, która w tym okresie ostatecznie uwolniła się od wpływów europejskich i stała się czysto amerykańska. Jednak pomimo powrotu tradycyjnych form i gatunków, od portretu do malarstwa historycznego, abstrakcja również nie zniknęła.

Obrazy, dzieła sztuki „non-fine” powstawały jak dawniej, gdyż powrót do realizmu w Stanach Zjednoczonych nie pokonał abstrakcjonizmu jako takiego, ale jego kanonizację, zakaz sztuki figuratywnej, który utożsamiany był przede wszystkim z naszym socrealizmem, i dlatego nie mógł być uznany za odrażający w „wolnym, demokratycznym” społeczeństwie, zakaz „niskich” gatunków, zakaz społecznych funkcji sztuki. Jednocześnie styl malarstwa abstrakcyjnego nabrał pewnej miękkości, której wcześniej mu brakowało - usprawnienia objętości, rozmycia konturów, bogactwa półtonów, subtelnych rozwiązań kolorystycznych ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Kierunki

Kubizm

Awangardowy nurt w sztukach wizualnych, który powstał na początku XX wieku i charakteryzuje się stosowaniem dobitnie warunkowych kształtów geometrycznych, dążeniem do „podziału” rzeczywistych obiektów na prymitywy stereometryczne.

Rajonizm (luchizm)

Kierunek w sztuce abstrakcyjnej lat 1910, oparty na przesunięciu widm światła i przepuszczalności światła. Idea powstawania form z „przecinania się promieni odbitych różnych przedmiotów” jest charakterystyczna, ponieważ człowiek w rzeczywistości postrzega nie sam przedmiot, ale „sumę promieni pochodzących ze źródła światła, odbitych od obiekt."

neoplastycyzm

Oznaczenie kierunku sztuki abstrakcyjnej, który istniał w latach 1917-1928. w Holandii i zjednoczeni artyści skupieni wokół magazynu „De Stijl” („Styl”). Charakteryzuje się wyraźnymi prostokątnymi kształtami w architekturze i malarstwie abstrakcyjnym w układzie dużych prostokątnych płaszczyzn, malowanych w podstawowych barwach widma.

orfizm

Kierunek w malarstwie francuskim lat 1910. Artyści-orfiści starali się wyrazić dynamikę ruchu i muzykalność rytmów za pomocą „regularności” przenikania się barw podstawowych widma i przecinania się powierzchni krzywoliniowych.

suprematyzm

Kierunek w sztuce awangardowej, założony w latach 1910. Malewicz. Wyrażało się to w kombinacjach wielobarwnych płaszczyzn o najprostszych zarysach geometrycznych. Zestawienie wielobarwnych figur geometrycznych tworzy wyważone, asymetryczne kompozycje suprematyczne, przesiąknięte wewnętrznym ruchem.

taszyzm

Nurt abstrakcjonizmu zachodnioeuropejskiego lat 50. i 60. XX wieku, który był najbardziej rozpowszechniony w USA. To obraz z plamami, które nie odtwarzają obrazów rzeczywistości, ale wyrażają nieświadomą aktywność artysty. Kreski, kreski i plamy w taszyzmie nakładane są na płótno szybkimi ruchami dłoni bez z góry przemyślanego planu.

abstrakcyjny ekspresjonizm

Ruch artystów, którzy malują szybko i na dużych płótnach, używając niegeometrycznych kresek, dużych pędzli, czasami kapiących farbą na płótno, aby wydobyć emocje w pełni. Ekspresyjny sposób malowania jest tu często równie ważny jak sam obraz.

Abstrakcjonizm we wnętrzu

Ostatnio sztuka abstrakcyjna zaczęła przenosić się z obrazów artystów do przytulnego wnętrza domu, korzystnie go aktualizując. Minimalistyczny styl z wykorzystaniem wyraźnych form, czasem dość nietypowych, czyni pomieszczenie niezwykłym i ciekawym. Ale łatwo jest przesadzić z kolorem. Rozważ połączenie pomarańczy w takim stylu wnętrza.

Biały najlepiej rozcieńcza bogatą pomarańczę i niejako ją chłodzi. Pomarańczowy kolor sprawia, że w pomieszczeniu robi się cieplej, więc niewiele; nie zapobiegać. Nacisk należy położyć na meble lub ich projekt, na przykład pomarańczową narzutę na łóżko. W takim przypadku białe ściany zagłuszą jasność koloru, ale pozostawią pokój kolorowy. W takim przypadku obrazy z tego samego zakresu będą doskonałym dodatkiem - najważniejsze, aby nie przesadzić, w przeciwnym razie wystąpią problemy ze snem.

Połączenie kolorów pomarańczowego i niebieskiego jest szkodliwe dla każdego pomieszczenia, jeśli nie dotyczy pokoju dziecinnego. Jeśli wybierzesz nie jaskrawe odcienie, to z powodzeniem będą ze sobą harmonizować, dodadzą nastroju i nie wpłyną niekorzystnie nawet na nadpobudliwe dzieci.

Pomarańczowy dobrze komponuje się z zielenią, tworząc efekt drzewa mandarynkowego i czekoladowego odcienia. Brązowy to kolor, który zmienia się od ciepłego do zimnego, więc doskonale normalizuje ogólną temperaturę w pomieszczeniu. Ponadto taka kombinacja kolorów nadaje się do kuchni i salonu, gdzie trzeba stworzyć atmosferę, ale nie przeciążać wnętrza. Po udekorowaniu ścian w kolorach bieli i czekolady możesz bezpiecznie postawić pomarańczowe krzesło lub powiesić jasny obraz o bogatym kolorze mandarynki. Przebywając w takim pokoju, będziesz miał świetny nastrój i chęć zrobienia jak największej ilości rzeczy.

Obrazy znanych artystów abstrakcyjnych

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Swoje poszukiwania rozpoczął od impresjonizmu, a dopiero potem doszedł do stylu abstrakcjonizmu. W swojej pracy wykorzystał związek między kolorem a formą, aby stworzyć doświadczenie estetyczne, które obejmowało zarówno wizję, jak i emocje publiczności. Uważał, że całkowita abstrakcja daje miejsce na głęboką, transcendentną ekspresję, a kopiowanie rzeczywistości tylko przeszkadza w tym procesie.

Malarstwo było dla Kandinsky'ego głęboko duchowe. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji poprzez uniwersalny wizualny język abstrakcyjnych kształtów i kolorów, który przekraczałby fizyczne i kulturowe granice. On widział abstrakcjonizm jako idealny tryb wizualny, który może wyrazić „wewnętrzną potrzebę” artysty i przekazać ludzkie idee i emocje. Uważał się za proroka, którego misją jest dzielenie się tymi ideałami ze światem dla dobra społeczeństwa.

Ukryte w jasnych kolorach i wyraźnych czarnych liniach przedstawiają kilku Kozaków z włóczniami, a także łodzie, figurki i zamek na szczycie wzgórza. Jak na wielu obrazach z tego okresu, przedstawia apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego pokoju.

Aby ułatwić rozwój nieobiektywnego stylu malarstwa, jak opisano w swoim O duchowości w sztuce (1912), Kandinsky redukuje przedmioty do symboli piktograficznych. Usuwając większość odniesień do świata zewnętrznego, Kandinsky wyraził swoją wizję w bardziej uniwersalny sposób, tłumacząc duchową esencję podmiotu poprzez wszystkie te formy na język wizualny. Wiele z tych symbolicznych postaci zostało powtórzonych i udoskonalonych w jego późniejszej twórczości, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnymi.

Kazimierz Malewicz

Pomysły Malewicza na temat formy i znaczenia w sztuce w jakiś sposób prowadzą do skupienia się na teorii abstrakcjonizmu stylu. Malewicz pracował z różnymi stylami w malarstwie, ale przede wszystkim skupiał się na badaniu czysto geometrycznych kształtów (kwadratów, trójkątów, kół) i ich wzajemnych relacji w przestrzeni malarskiej. Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz mógł przekazać swoje poglądy na temat malarstwa przyjaciołom artystów w Europie i Stanach Zjednoczonych, a tym samym głęboko wpłynąć na ewolucję sztuki współczesnej.

„Czarny kwadrat” (1915)

Ikoniczny obraz „Czarny kwadrat” został po raz pierwszy pokazany przez Malewicza na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Ta praca ucieleśnia teoretyczne zasady suprematyzmu opracowane przez Malewicza w jego eseju „Od kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie”.

Na płótnie przed widzem znajduje się abstrakcyjna forma narysowana na białym tle w formie czarnego kwadratu – to jedyny element kompozycji. Choć obraz wydaje się prosty, są w nim elementy takie jak odciski palców, pociągnięcia pędzla prześwitujące przez czarne warstwy farby.

Dla Malewicza kwadrat oznacza uczucia, a biały pustkę, nic. Widział czarny kwadrat jako boską obecność, ikonę, jakby mogła stać się nowym świętym obrazem dla sztuki nieobiektywnej. Nawet na wystawie ten obraz został umieszczony w miejscu, w którym zwykle umieszcza się ikonę w rosyjskim domu.

Pieta Mondriana

Piet Mondrian, jeden z założycieli holenderskiego ruchu De Stijl, znany jest z czystości swoich abstrakcji i metodycznej praktyki. Dość radykalnie upraszczał elementy swoich obrazów, by ukazać to, co widział nie bezpośrednio, ale w przenośni, i stworzyć na swoich płótnach wyraźny i uniwersalny język estetyczny. W swoich najsłynniejszych obrazach z lat 20. XX wieku Mondrian redukuje formy do linii i prostokątów, a paletę do najprostszych. Wykorzystanie asymetrycznej równowagi stało się fundamentalne dla rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe abstrakcje nadal mają wpływ na projektowanie i są znane popkulturze do dziś.

„Szare drzewo” jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do tego stylu abstrakcjonizm. Drzewo 3D jest zredukowane do najprostszych linii i płaszczyzn, używając tylko szarości i czerni.

Ten obraz jest jednym z serii prac Mondriana, które przyjęły bardziej realistyczne podejście, gdzie na przykład drzewa są przedstawione w naturalistyczny sposób. Podczas gdy późniejsze prace stawały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład linie drzewa są redukowane, aż kształt drzewa jest ledwo widoczny i drugorzędny w stosunku do ogólnej kompozycji linii pionowych i poziomych. Tutaj nadal można zobaczyć zainteresowanie Mondriana porzuceniem ustrukturyzowanej organizacji linii. Posunięcie to było znaczące dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriana.

Roberta Delaunaya

Delaunay był jednym z pierwszych artystów stylu abstrakcyjnego. Jego twórczość wpłynęła na rozwój tego kierunku, opartego na kompozycyjnym napięciu wywołanym kontrastem barw. Szybko uległ wpływom kolorystycznym neoimpresjonizmu i bardzo uważnie śledził system kolorystyczny dzieł utrzymanych w stylistyce abstrakcjonizmu. Kolor i światło uważał za główne narzędzia, za pomocą których można wpływać na obiektywność świata.

Do 1910 roku Delaunay wniósł własny wkład w kubizm w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i Wieżę Eiffla, które łączyły sześcienne formy, dynamikę ruchu i jasne kolory. Ten nowy sposób wykorzystania harmonii kolorów pomógł oddzielić ten styl od ortodoksyjnego kubizmu, zwanego orfizmem, i od razu wywarł wpływ na europejskich artystów. Żona Delaunaya, artystka Sonia Turk-Delaunay, nadal malowała w tym samym stylu.

Główne dzieło Delaunaya poświęcone jest Wieży Eiffla - słynnemu symbolowi Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z serii jedenastu obrazów poświęconych Wieży Eiffla w latach 1909-1911. Jest pomalowany na jaskrawoczerwony kolor, co od razu odróżnia go od szarości otaczającego go miasta. Imponujący rozmiar płótna dodatkowo zwiększa wielkość tego budynku. Niczym duch wieża wznosi się ponad okoliczne domy, w przenośni wstrząsając samymi fundamentami dawnego porządku. Malarstwo Delaunaya oddaje poczucie bezgranicznego optymizmu, niewinności i świeżości czasów, które nie były jeszcze świadkami dwóch wojen światowych.

Franciszek Kupka

Frantisek Kupka jest czechosłowackim artystą, który maluje w tym stylu abstrakcjonizm ukończył praską Akademię Sztuk Pięknych. Jako student malował przede wszystkim o tematyce patriotycznej i pisał kompozycje historyczne. Jego wczesne prace były bardziej akademickie, jednak jego styl ewoluował przez lata i ostatecznie przekształcił się w sztukę abstrakcyjną. Napisane w bardzo realistyczny sposób, nawet jego wczesne prace zawierały mistyczne surrealistyczne motywy i symbole, które zostały zachowane podczas pisania abstrakcji. Kupka uważał, że artysta i jego dzieło biorą udział w ciągłej działalności twórczej, której charakter nie jest ograniczony niczym absolut.

„Amorfa. Fuga w dwóch kolorach" (1907-1908)

Od lat 1907-1908 Kupka zaczął malować cykle portretów dziewczynki trzymającej w dłoni piłkę, jakby miała się nią bawić lub tańczyć. Następnie opracowywał jej coraz bardziej schematyczne przedstawienia i ostatecznie stworzył serię całkowicie abstrakcyjnych rysunków. Zostały wykonane w ograniczonej palecie czerwieni, błękitu, czerni i bieli. W 1912 roku w Salon d'Automne jedna z tych abstrakcyjnych prac została po raz pierwszy wystawiona publicznie w Paryżu.

Współcześni abstrakcjoniści

Od początku XX wieku artyści, m.in. Pablo Picasso, Salvador Dali, Kazimierz Malewicz, Wassily Kandinsky, eksperymentowali z formami przedmiotów i ich percepcją, a także kwestionowali obowiązujące w sztuce kanony. Przygotowaliśmy wybór najsłynniejszych współczesnych artystów abstrakcyjnych, którzy postanowili przekroczyć granice wiedzy i stworzyć własną rzeczywistość.

niemiecki artysta Dawid Sznel(David Schnell) lubi wędrować po miejscach, w których kiedyś dominowała natura, a teraz usiane są budynkami ludzi - od placów zabaw po fabryki i fabryki. Wspomnienia z tych spacerów rodzą jego jasne, abstrakcyjne krajobrazy. Dając upust swojej wyobraźni i pamięci, zamiast fotografii i wideo, David Schnell tworzy obrazy przypominające komputerową wirtualną rzeczywistość lub ilustracje do książek science fiction.

Tworząc swoje wielkoformatowe obrazy abstrakcyjne, amerykańska artystka Krystyna Baker(Kristin Baker) czerpie inspiracje z historii sztuki i wyścigów Nascar i Formuły 1. Na początku nadaje objętości swojej pracy, nakładając kilka warstw farby akrylowej i oklejając sylwetki. Następnie Kristin ostrożnie ją zdziera, odsłaniając ukryte warstwy farby i sprawiając, że powierzchnia jej obrazów wygląda jak wielowarstwowy, wielobarwny kolaż. Na ostatnim etapie pracy zeskrobuje wszystkie nierówności, dzięki czemu jej obrazy wyglądają jak prześwietlenia rentgenowskie.

W swojej pracy urodzona w Grecji artystka z Brooklynu w Nowym Jorku Elena Anagnos(Eleanna Anagnos) bada aspekty codziennego życia, które są często pomijane przez ludzi. W toku jej „dialogu z płótnem” zwykłe pojęcia nabierają nowych znaczeń i aspektów: negatywna przestrzeń staje się pozytywna, a małe formy powiększają się. Próbując w ten sposób tchnąć życie w swoje obrazy, Eleanna próbuje obudzić ludzki umysł, który przestał zadawać pytania i otwierać się na coś nowego.

Rodząc jasne plamy i smugi farby na płótnie, amerykański artysta Sara Spitler(Sarah Spitler) stara się odzwierciedlić chaos, katastrofę, nierównowagę i nieporządek w swojej pracy. Pociągają ją te koncepcje, ponieważ są one poza kontrolą osoby. Dlatego ich niszczycielska moc sprawia, że abstrakcyjne prace Sarah Spitler są potężne, energetyczne i ekscytujące. Oprócz. powstały obraz na płótnie wykonanym z tuszu, farb akrylowych, ołówków grafitowych i emalii podkreśla efemeryczność i względność tego, co dzieje się wokół.

Czerpiąc inspirację z dziedziny architektury artysta z Vancouver w Kanadzie, Jeffa Dapnera(Jeff Depner) tworzy warstwowe abstrakcyjne obrazy złożone z geometrycznych kształtów. W stworzonym przez siebie artystycznym „chaosie” Jeff szuka harmonii w kolorze, formie i kompozycji. Każdy z elementów jego obrazów jest ze sobą połączony i prowadzi do następującego wniosku: „Moja praca bada strukturę kompozycyjną [obrazu] poprzez relacje kolorów w wybranej palecie…”. Według artysty jego obrazy to „abstrakcyjne znaki”, które mają przenieść widza na nowy, nieświadomy poziom.

Tekst: Ksiusza Pietrowa

W TYM TYGODNIU W ŻYDOWSKIM MUZEUM I CENTRUM TOLERANCJI dobiega końca wystawa „Abstrakcja i obraz” Gerharda Richtera – pierwsza w Rosji indywidualna wystawa jednego z najbardziej wpływowych i najdroższych współczesnych artystów. Dotychczas rozbudowana niedawno wystawa Rafaela i Caravaggia oraz awangardy gruzińskiej w Muzeum Puszkina im. A. S. Puszkin jest w kolejce, Richtera można oglądać w wygodnym towarzystwie kilkudziesięciu gości. Paradoks ten wynika nie tylko z faktu, że Muzeum Żydowskie cieszy się znacznie mniejszą popularnością niż Muzeum Puszkina czy Ermitaż, ale także z tego, że wiele osób wciąż sceptycznie odnosi się do sztuki abstrakcyjnej.

Nawet tych, którzy znają się na współczesnym ryzyku i dobrze rozumieją znaczenie Czarnego kwadratu dla kultury światowej, przeraża „elitarność” i „niedostępność” abstrakcji. Szydzimy z prac modnych artystów, podziwiamy rekordy aukcyjne i boimy się, że za fasadą terminów z historii sztuki zapanuje pustka – wszak artystyczna wartość prac przypominających dziecięce bazgroły czasem budzi wśród profesjonalistów wątpliwości. Tak naprawdę aura „niedostępności” sztuki abstrakcyjnej jest łatwa do rozwiania – w tej instrukcji staraliśmy się wyjaśnić, dlaczego abstrakcję nazywa się „telewizją buddyjską” iz której strony do niej podejść.

Gerharda Richtera. 1/54 listopada. 2012

Nie próbuj się dowiedzieć
co artysta chciał powiedzieć

W salach, w których wiszą obrazy renesansu, nawet niezbyt przygotowany widz odnajdzie orientację: przynajmniej będzie mógł łatwo nazwać to, co jest przedstawione na obrazie - ludzi, owoce czy morze, jakie emocje przeżywają bohaterowie. doświadczenie, czy w tej pracy jest fabuła, czy znają go uczestnicy wydarzeń. Przed płótnami Rothki, Pollocka czy Malewicza nie czujemy się już tak pewnie – nie mają one przedmiotu, na który można by rzucić okiem i o nim porozmawiać, by dowiedzieć się „co autor chciał powiedzieć”, jak np. szkoła. Na tym polega główna różnica między malarstwem abstrakcyjnym lub nieobiektywnym a bardziej znanym obrazem figuratywnym: artysta abstrakcyjny wcale nie stara się przedstawiać otaczającego go świata, nie stawia sobie takiego zadania.

Jeśli przyjrzeć się uważnie ostatnim dwóm wiekom historii sztuki Zachodu, staje się jasne, że odrzucenie podmiotu w malarstwie nie jest kaprysem garstki nonkonformistów, ale naturalnym etapem rozwoju. W XIX wieku pojawiła się fotografia, a artyści uwolnili się od obowiązku przedstawiania świata takim, jaki jest: w pracowni fotograficznej zaczęto wykonywać portrety bliskich i ukochanych psów – okazało się to szybsze i tańsze niż zamawianie obrazu olejnego u mistrz. Wraz z wynalezieniem fotografii zniknęła potrzeba skrupulatnego kopiowania tego, co widzimy, aby zachować to w pamięci.

← Jacksona Pollocka.
Rysunek skrótowy. 1942

W połowie XIX wieku niektórzy zaczęli podejrzewać, że sztuka realistyczna to pułapka. Artyści doskonale opanowali prawa perspektywy i kompozycji, nauczyli się przedstawiać ludzi i zwierzęta z niezwykłą dokładnością, pozyskiwali odpowiednie materiały, ale efekt wyglądał coraz mniej przekonująco. Świat zaczął się gwałtownie zmieniać, miasta rosły, zaczęła się industrializacja – na tym tle realistyczne obrazy pól, sceny batalistyczne i nagie modele wydawały się przestarzałe, oderwane od skomplikowanych doświadczeń współczesnego człowieka.

Impresjoniści, postimpresjoniści, fowiści i kubiści to artyści, którzy nie bali się zrewidować tego, co w sztuce ważne: każdy z tych nurtów korzystał z doświadczeń poprzedniego pokolenia, eksperymentując z kolorem i formą. W rezultacie niektórzy artyści doszli do wniosku, że kontakt między autorem a widzem nie odbywa się poprzez projekcje rzeczywistości, ale poprzez linie, plamy i pociągnięcia farbą – w ten sposób sztuka pozbyła się potrzeby przedstawiania czegokolwiek, oferując widzowi niezakłóconą radość z interakcji z kolorem, kształtem, liniami i fakturą. Wszystko to zostało doskonale połączone z nowymi naukami filozoficznymi i religijnymi - w szczególności teozofią, a lokomotywy rosyjskiej awangardy Wasilija Kandinskiego i Kazimierza Malewicza rozwinęły własne systemy filozoficzne, w których teoria sztuki łączy się z zasadami idealnego społeczeństwo.

W każdej niejasnej sytuacji użyj analizy formalnej

Oto koszmar, w którym może się znaleźć każdy miłośnik sztuki współczesnej: wyobraź sobie, że stoisz przed niesamowitym, jak napisano w przewodniku, obrazem Agnes Martin i nie czujesz absolutnie nic. Nic tylko irytacja i lekki smutek – nie dlatego, że tak się czujesz na zdjęciu, ale dlatego, że w ogóle nie rozumiesz, co tu jest narysowane i gdzie trzeba patrzeć (nie jesteś nawet pewien, czy kuratorzy powiesili pracę na prawa strona). W takiej sytuacji z pomocą śpieszy analiza formalna, od której warto rozpocząć zapoznawanie się z jakimkolwiek dziełem sztuki. Wykonaj wydech i spróbuj odpowiedzieć na kilka pytań dzieci: co widzę przed sobą – obraz czy rzeźbę, grafikę czy obraz? Z jakich materiałów i kiedy powstał? Jak można opisać te kształty i linie? Jak wchodzą w interakcje? Czy poruszają się, czy są statyczne? Czy jest tu głębia - które elementy obrazu są na pierwszym planie, a które w tle?

← Barnett Newman. Nieuprawny. 1945

Kolejny etap jest również dość prosty: posłuchaj siebie i spróbuj określić, jakie emocje widzisz. Czy te czerwone trójkąty są zabawne czy niepokojące? Czy czuję spokój, czy obraz mnie uciska? Pytanie zabezpieczające: Czy próbuję dowiedzieć się, jak to jest, czy pozwalam mojemu umysłowi swobodnie wchodzić w interakcje z kolorem i kształtem?

Pamiętaj, że ważny jest nie tylko obraz, ale także rama - lub jej brak. W przypadku tego samego Newmana, Mondriana czy „Amazonki awangardy” Olgi Rozanovej odrzucenie kadru jest świadomym wyborem artystki, który zaprasza do odrzucenia starych wyobrażeń o sztuce i mentalnego poszerzenia jej granic, dosłownie wyjść poza.

Dla pewności można sobie przypomnieć prosty podział prac abstrakcyjnych: zazwyczaj dzieli się je na geometryczne (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) i liryczne (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).

Helena Frankenthaler. Pomarańczowy obręcz. 1965

Helena Frankenthaler. solarium. 1964

Nie oceniaj „umiejętności rysowania”

„Moje dziecko/kot/małpa da sobie radę” to zdanie, które powtarza się codziennie w każdym muzeum sztuki nowoczesnej (być może pomyślano o postawieniu gdzieś specjalnej lady). Prostym sposobem odpowiedzi na takie twierdzenie jest parsknięcie i przewracanie oczami, narzekanie na duchową biedę innych, złożonym i bardziej produktywnym sposobem jest potraktowanie sprawy poważnie i próba wyjaśnienia, dlaczego umiejętności abstrakcjonistów należy oceniać inaczej. Wielki semiolog Roland Barthes napisał wnikliwy esej o pozornym „dzieciństwie” bazgrołów Cy Twombly, a współczesna nam Susie Hodge poświęciła temu tematowi całą książkę.

Wielu artystów abstrakcjonistów ma klasyczne wykształcenie i doskonałe akademickie umiejętności rysunkowe - to znaczy potrafią narysować ładny wazon z kwiatami, zachód słońca nad morzem lub portret, ale z jakiegoś powodu nie chcą. Wybierają doświadczenie wizualne, które nie jest obciążone obiektywizmem: artyści niejako ułatwiają widzowi, nie pozwalając mu rozproszyć się przedmiotami przedstawionymi na obrazie i pomagają mu natychmiast zanurzyć się w doznaniu emocjonalnym .

← Cy Twombly. Nieuprawny. 1954

W 2011 roku naukowcy postanowili sprawdzić, czy obrazy z gatunku abstrakcyjnego ekspresjonizmu (o ten kierunek abstrakcjonizmu rodzi się najwięcej pytań) są nie do odróżnienia od rysunków małych dzieci, a także sztuki szympansów i słoni. Badanych poproszono o przyjrzenie się parom obrazów i określenie, które z nich zostały wykonane przez profesjonalnych artystów – w 60-70% przypadków ankietowani wybrali „prawdziwe” dzieła sztuki. Przewaga jest niewielka, ale istotna statystycznie – najwyraźniej w pracach abstrakcjonistów rzeczywiście jest coś, co odróżnia ich od rysunków inteligentnego szympansa. Inne nowe badanie wykazało, że same dzieci potrafią odróżnić prace artystów abstrakcyjnych od dziecięcych rysunków. Aby sprawdzić swój talent artystyczny, możesz wykonać test w podobnych warunkach na BuzzFeed.

Pamiętaj, że cała sztuka jest abstrakcją.

Jeśli twój mózg jest gotowy na małe przeciążenie, weź pod uwagę, że cała sztuka jest z natury abstrakcyjna. Malarstwo figuratywne, czy to martwa natura Picassa Chłopiec z fajką, czy Ostatni dzień Pompei Bryullowa, to rzut trójwymiarowego świata na płaskie płótno, imitacja „rzeczywistości”, którą postrzegamy wzrokiem. Nie ma też co mówić o obiektywności naszej percepcji – wszak możliwości ludzkiego wzroku, słuchu i innych zmysłów są bardzo ograniczone i nie jesteśmy w stanie ich samodzielnie ocenić.

Marmurowy Dawid nie jest żywym facetem, ale kawałkiem kamienia, który Michał Anioł ukształtował, aby przypominał nam człowieka (a wyobrażenie o tym, jak wyglądają mężczyźni, dostaliśmy z naszego życiowego doświadczenia). Jeśli podejdziesz bardzo blisko Giocondy, nadal będzie ci się wydawało, że widzisz jej delikatną, niemal żywą skórę, przezroczysty welon i mgłę w oddali – ale to w zasadzie abstrakcja, tylko Leonardo da Vinci bardzo skrupulatnie i przez chwilę przez długi czas nakładały na siebie warstwy farby, tworząc bardzo subtelną iluzję. Mówiąc wyraźniej, sztuczka z ekspozycją działa w przypadku fowistów i puentylistów: jeśli zbliżysz się do obrazu Pissarra, zobaczysz nie bulwar Montmartre i zachód słońca w Eragny, ale wiele wielobarwnych małych kresek. Iluzorycznej esencji sztuki poświęcony jest słynny obraz Rene Magritte'a „Zdrada obrazów”: oczywiście „to nie jest fajka” – to tylko pociągnięcia farby z powodzeniem umieszczone na płótnie.

← Helena Frankenthaler.
Dzbanecznik. 1972

Impresjoniści, w których kompetencje dziś nie wątpimy, byli abstrakcjonistami swoich czasów: Monet, Degas, Renoir i ich przyjaciele byli oskarżani o rezygnację z realistycznego przedstawiania na rzecz przekazywania wrażeń. Widoczne gołym okiem „nieostrożne” kreski, „dziwna” kompozycja i inne postępowe techniki wydawały się ówczesnej publiczności bluźnierstwem. Pod koniec XIX wieku impresjoniści zostali poważnie oskarżeni o „nieumiejętność rysowania”, wulgaryzmy i cynizm.

Organizatorzy Salonu Paryskiego musieli powiesić Olimpię Maneta praktycznie pod sufitem - zbyt wielu chciało na nią pluć lub przekłuwać płótno parasolką. Czy ta sytuacja bardzo różni się od incydentu z 1987 roku w Stedelijk Museum w Amsterdamie, kiedy mężczyzna zaatakował nożem obraz „Kto się boi czerwieni, żółci i błękitu III” artysty abstrakcyjnego Barnetta Newmana?

Marek Rothko. Nieuprawny. 1944-1946

Nie zaniedbuj kontekstu

Najlepszym sposobem na poznanie dzieła sztuki abstrakcyjnej jest stanie przed nim i patrzenie i patrzenie i patrzenie. Niektóre prace potrafią zanurzyć widza w głębokie doznania egzystencjalne lub ekstatyczny trans – najczęściej dzieje się tak z obrazami Marka Rothko i obiektami Anisha Kapoora, ale podobny efekt mogą wywołać prace nieznanych artystów. Chociaż kontakt emocjonalny jest najważniejszy, nie należy odmawiać czytania etykiet i zapoznawania się z kontekstem historycznym: tytuł nie pomoże zrozumieć „sensu” dzieła, ale może skłonić do ciekawych przemyśleń. Nawet suche tytuły, jak „Kompozycja nr 2” czy „Obiekt nr 7” coś nam mówią: autor, nadając swemu utworowi taką nazwę, nakłania do porzucenia poszukiwań „podtekstu” czy „symbolizmu” i skupienia się na doświadczeniu duchowym .

← Jurij Złotnikow. Kompozycja nr 22. 1979

Ważna jest też historia powstania dzieła: najprawdopodobniej jeśli dowiesz się, kiedy iw jakich okolicznościach dzieło powstało, dostrzeżesz w nim coś nowego. Po zapoznaniu się z biografią artysty, starannie przygotowaną dla Was przez kuratorów muzeum, zadaj sobie pytanie, jakie znaczenie mogło mieć to dzieło w tamtym kraju i czasie, w którym pracował jego autor: ten sam „Czarny kwadrat” sprawia zupełnie inne wrażenie , jeśli wiesz coś o nurtach filozoficznych i sztuce początku XX wieku. Innym, mniej znanym przykładem jest seria Signal Systems pioniera rosyjskiej powojennej abstrakcji, Jurija Złotnikowa. Dziś kolorowe koła na białym płótnie nie wydają się rewolucyjne – ale w latach 50., kiedy oficjalna sztuka wyglądała mniej więcej tak, abstrakcje Złotnikowa były prawdziwym przełomem.

Kierowco zwolnij

Zawsze lepiej jest zwrócić uwagę na kilka dzieł, które się podobają, niż galopować po muzeum, próbując ogarnąć ogrom. Profesor Jennifer Roberts z Harvardu zmusza swoich studentów do patrzenia na jeden obraz przez trzy godziny - oczywiście nikt nie wymaga od ciebie takiej wytrzymałości, ale trzydzieści sekund to zdecydowanie za mało na obraz Kandinsky'ego. W swoim manifeście – deklaracji miłości do abstrakcji, słynny krytyk sztuki Jerry Saltz nazywa hipnotyczne płótna Rothko „buddyjską telewizją” – zrozumiano, że można w nie zaglądać bez końca.

Powtórz to w domu

Najlepszym sposobem na przetestowanie wywrotowej myśli „Równie dobrze potrafię rysować”, która czasem pojawia się wśród profesjonalnych krytyków sztuki, jest przeprowadzenie w domu eksperymentu. Ciekawie będzie w sytuacji odwrotnej - jeśli boisz się brać farbę z powodu "nieumiejętności rysowania" lub "braku umiejętności". Nie bez powodu w arteterapii najczęściej stosowane są techniki abstrakcyjne: pomagają wyrazić złożone doznania, na które trudno znaleźć słowa. Dla wielu artystów cierpiących na wewnętrzne sprzeczności i własną niezgodność ze światem zewnętrznym abstrakcja stała się niemal jedynym sposobem na pogodzenie się z rzeczywistością (poza narkotykami i alkoholem oczywiście).

Prace abstrakcyjne można tworzyć przy użyciu dowolnego medium artystycznego, od akwareli po korę dębu, więc na pewno znajdziesz technikę odpowiadającą Twojemu gustowi i budżetowi. Może nie powinieneś zaczynać od ociekająca” – analiza obrazu Mondriana „Kompozycja z czerwienią, błękitem i żółcią” podana w nim dla najmniejszych nie wstydzi się być czytana przez dorosłych. Muzeum Żydowskie, ART4

Pojawienie się abstrakcjonizmu:

Abstrakcjonizm jako nurt powstał na początku XX wieku. jednocześnie w kilku krajach europejskich. Uznanymi założycielami i inspiratorami tego ruchu są artyści Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Piet Mondrian, Frantisek Kupka i Robert Delaunay, którzy nakreślili główne założenia abstrakcjonizmu w swoich pracach teoretycznych i deklaracjach politycznych. Różne cele i założenia ich nauki łączyło jedno: abstrakcjonizm, jako najwyższy etap rozwoju sztuk pięknych, tworzy formy unikalne dla sztuki. „Uwolniony” od kopiowania rzeczywistości, zamienia się w środek przekazywania niezrozumiałej duchowej zasady wszechświata, wiecznych „esencji duchowych”, „sił kosmicznych” za pomocą różnych obrazowych obrazów.

Abstrakcjonizm jako zjawisko artystyczne wywarł ogromny wpływ na kształtowanie się i rozwój nowoczesnego stylu architektonicznego, wzornictwa, sztuki przemysłowej, użytkowej i dekoracyjnej.

Cechy abstrakcjonizmu:

Abstrakcjonizm (z łac. Abstractus – abstrakcja) to jeden z głównych nurtów artystycznych w sztuce XX wieku, w którym struktura dzieła opiera się wyłącznie na elementach formalnych – liniach, plamach barwnych, abstrakcyjnych konfiguracjach. Twórczość abstrakcjonizmu jest oderwana od form samego życia: kompozycje nieobiektywne ucieleśniają subiektywne wrażenia i fantazje artysty, strumień jego świadomości, rodzą swobodne skojarzenia, ruch myśli i empatię emocjonalną.

Od czasu pojawienia się abstrakcjonizmu nakreślono w nim dwie główne linie:

Pierwszy – geometryczny, Lub logiczna abstrakcja, która tworzy przestrzeń poprzez łączenie geometrycznych kształtów, kolorowych płaszczyzn, linii prostych i łamanych. Ucieleśnia się w suprematyzmie K. Malewicza, neoplastycyzmie P. Mondriana, orfizmie R. Delone, w twórczości mistrzów abstrakcji postmalarskiej i op-artu;
Drugi to abstrakcja liryczno-emocjonalna, w której kompozycje zorganizowane są ze swobodnie płynących form i rytmów, reprezentowana jest przez twórczość V. Kandinsky'ego, dzieła mistrzów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, taszyzmu i sztuki nieformalnej.

Mistrzowie sztuki abstrakcyjnej:

Wassily Kandinsky, Kazimierz Malewicz, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Michaił Larionow, Lubow Popowa, Jackson Polok, Josef Albers i inni.

Obrazy artystów: