>

Kubizm to modernistyczny ruch w sztuce. Kubizm w malarstwie i architekturze. Najlepsze obrazy w stylu kubizmu

Temat wykładu: Cywilizacja zachodnia w pierwszej połowie XX wieku. Sztuka i architektura. Część 1.

Materiału jest dużo, więc podzielę temat na kilka postów, są one bardzo obszerne i jest w nich dużo grafiki, jest to niewygodne w czytaniu.

Główne kierunki w sztuce i kulturze okresu międzywojennego:

Dadaizm lub Dada - ruch modernistyczny w literaturze, sztukach plastycznych, teatrze i kinie. Powstał podczas Pierwsza wojna światowa w neutralnej Szwajcarii, w Zurychu. Istniał od 1916 do 1922 roku.

Dadaizm najwyraźniej wyrażone w indywidualnych skandalicznych wybrykach - bazgrołach ogrodzeniowych (korzenie nowoczesności graffiti), pseudorysunki, które nie mają żadnego znaczenia, kombinacje przypadkowych obiektów. W latach dwudziestych XX wieku francuski Dadaizm połączony z surrealizm, aw Niemczech - z ekspresjonizm.

Pochodzenie terminu

Założyciel ruchu jest poetą Tristana Tzarę znalazłem słowo w słowniku "Tak tak". „W języku murzyńskiego plemienia Kru” – napisała Tzara w manifeście z 1918 r. – „oznacza to ogon świętej krowy, w niektórych rejonach Włoch tak nazywa się matkę, może to być określenie dziecka drewniany koń, mamka, podwójne stwierdzenie po rosyjsku i rumuńsku. Mogłoby to być „odtworzenie niespójnego dziecięcego bełkotu. W każdym razie coś zupełnie pozbawionego znaczenia, co odtąd stało się najskuteczniejszą nazwą całego ruchu”.

Charakterystyka

Dadaizm powstał jako reakcja na konsekwencje Pierwsza wojna światowa, którego okrucieństwo, według Dadaiści, podkreślił bezsens istnienia. Uznano, że racjonalizm i logika są jednymi z głównych winowajców wyniszczających wojen i konfliktów. Oparte na tym, Dadaiści(w szczególności, A. Breton) uważał, że należy zniszczyć współczesną kulturę europejską rozkład sztuki(w szczególności słowo i język artystyczny).

Główny pomysł Dadaizm był konsekwentne niszczenie jakiejkolwiek estetyki. Dadaiści ogłosił: „Dadaiści są niczym, niczym, niczym, niewątpliwie nic, nic, nic nie osiągną”.

Podstawowe zasady tak tak panowała irracjonalność, zaprzeczanie uznanym kanonom i standardom w sztuce, cynizm, rozczarowanie i brak systemu. Uważa się, że Dadaizm był poprzednikiem surrealizm co w dużej mierze zdeterminowało jej ideologię i metody.

Głównie Dadaizm prezentowane w literaturze, ale doczekały się także odbicia w kinie.

Przedstawiciele Dadaizmu

Hans Arp (1886-1966), Niemczech, Szwajcarii i Francji
Marcel Duchamp (1887-1968), Francja
Maks Ernst (1891-1976), Niemczech i USA
Otto Freundlicha (1878-1943), Niemcy, Francja
Philippe Soupault (1897-1990), Francja
Tristan Tzara (1896-1963), Francja
Hugo Ball (1886-1927), Niemcy
Raoul Hausmann (1886-1971), Niemcy
Kurt Schwitters (1887-1948), Niemcy

Kubizm(francuski kubizm) - kierunek awangardowy w sztukach plastycznych, przede wszystkim w malarstwie, które powstało na początku XX wieku i charakteryzuje się wykorzystaniem wyraźnie zgeometryzowanych form konwencjonalnych, chęcią „rozszczepienia” realnych obiektów na stereometryczne prymitywy.

Pojawienie się kubizmu

Powstanie kubizm tradycyjnie datowany na lata 1906-1907 i kojarzony z twórczością Pablo Picasso I Georgesa Braque’a. Termin "kubizm" ukazał się w 1908 roku, po krytyku sztuki Ludwika Vaucellego nazwał nowe obrazy Małżeństwo „cubic quirks” (po francusku: bizarreries cubiques).

Od 1912 r kubizm wyłania się nowa gałąź, którą nazywają krytycy sztuki „kubizm syntetyczny”. Proste zestawienie głównych celów i zasad kubizm dość trudne do podania; w malarstwie można wyróżnić trzy fazy ten kierunek, odzwierciedlający różne koncepcje estetyczne i rozważ każdą z osobna: Cézanne’a (1907-1909), analityczny(1909-1912) i syntetyczny (1913-1914) kubizm.

Najważniejsze osiągnięcia

Najbardziej znanymi dziełami kubistycznymi początku XX wieku były obrazy Picasso „Les Demoiselles d'Avignon”, „Gitara”, dzieła takich artystów jak Juan Gris, Fernand Léger, Marcel Duchamp, rzeźby Aleksandra Archipenko itd. Kubizm opracowany poza Francją; szczególnie owocne w Czechosłowacji.

Kubizm Cezanne’a

Tak zwykle nazywa się pierwszą fazę. kubizm, co charakteryzuje tendencja do abstrakcji i upraszczania kształtów przedmiotów. Według jednego z pierwszych badaczy sztuki współczesnej Andre Salmona, kubizm była reakcją na brak formy w impresjonizm, a jego rozwój wynika z idei postimpresjoniści, zwłaszcza artyści symboliści, które sprzeciwiały się czysto malowniczym celom i interesom impresjoniści zjawiska porządku semantycznego. Następny transcendentalizm twierdzili, że pod koniec XIX wieku Prawdziwą rzeczywistością jest idea, a nie jej odbicie w świecie materialnym. Rolą artysty jest zatem Twórz symboliczne formy, aby ucieleśniać idee, zamiast naśladować zmieniający się wygląd rzeczy. Koncepcja ta stała się powodem do analizy środków, którymi dysponuje artysta, doprecyzowania ich możliwości ekspresyjnych i ustalenia ideału sztuki czysto ekspresyjnej, jaką jest muzyka, mało zależnej od świata zewnętrznego. U Symboliści eksperymenty w tej dziedzinie dotyczyły przede wszystkim linii i koloru, ale zastosowane podejście analityczne nieuchronnie doprowadziło do tego analiza kształtu.

Bezpośredni wpływ na formację kubizm eksperymentował z formą w malarstwie Paula Cezanne’a. W latach 1904 i 1907 odbywały się w Paryżu wystawy jego prac. W " PPortret Gertrudy Stein", Utworzony Picasso w 1906 roku dało się już wyczuć pasję do sztuki Cezanne’a. Następnie Picasso namalował obraz „Dziewczyny z Awinionu”, co jest uważane za pierwszy krok w kierunku kubizm. Prawdopodobnie odzwierciedlało to zainteresowanie artysty prymitywną rzeźbą iberyjską i murzyńską. W roku 1907 i na początku 1908 r Picasso nadal wykorzystywał w swoich pracach formy rzeźby murzyńskiej (później zaczęto nazywać ten czas "Murzyn" okres w jego twórczości).

Jesienią 1907 roku miały miejsce dwa ważne wydarzenia: wystawa retrospektywna Cezanne’a i znajomość Małżeństwo I Picasso. Lato 1907 Małżeństwo spędził w Estaque, gdzie zainteresował się malarstwem Cezanne’a. Od końca 1907 r Małżeństwo I Picasso zaczął pracować w styl kubistyczny.

Kubiści, na które duży wpływ miały formułowane pewne postulaty Cezanne’a i opublikowane Emil Bernard poszukiwano jesienią 1907 r identyfikować najprostsze kształty geometryczne leżące u podstaw obiektów. Aby pełniej wyrazić idee rzeczy, oni odrzucił tradycyjną perspektywę jako złudzenie optyczne i starał się dać ich kompleksowy obraz rozkłady form i łączenie kilku jego typów w jednym obrazie. Doprowadziło to do wzrostu zainteresowania problemami formy zróżnicowanie w zastosowaniu barw: ciepła – dla elementów wystających, zimna – dla odległych.

Kubizm analityczny

Kubizm analityczny, druga faza kubizm, scharakteryzowany zanik obrazów przedmiotów i stopniowe zacieranie się rozróżnień pomiędzy formą i przestrzenią. W obrazach z tego okresu pojawiają się opalizujące kolory, półprzezroczyste przecinające się płaszczyzny, których położenie nie jest jasno określone. Układ form w przestrzeni i ich stosunek do dużych brył kompozycyjnych ulega ciągłym zmianom. W rezultacie istnieje wizualna interakcja formy i przestrzeni.

Elementy kubizm analityczny pojawił się w pracach Małżeństwo już w 1909 roku i w trakcie prac Picasso- w 1910 r.; silniejszy impuls do rozwoju tej fazy stylu dało jednak stowarzyszenie artystyczne „Złoty podział” która powstała w 1912 r Alberta Gleizesa i Jeana Metzingera i bracia Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon I Jacques’a Villona. Książka ukazała się w tym samym roku Gleza I Metzingera „O kubizmie”, a w 1913 roku poeta Guillaume’a Apollinaire’a opublikował książkę „Artyści kubistyczni”. Przedstawili główne zasady estetyki kubizm, na którym opierała się koncepcja dynamicznego, stale zmieniającego się wszechświata Henriego Bergsona, a także odkrycia nauk przyrodniczych i matematyki dokonane u zarania ery przemysłowej. Artystce powierzono rolę twórcy nowego sposobu widzenia świata.

Kubizm syntetyczny

Kubizm syntetyczny zauważył radykalną zmianę w artystycznym postrzeganiu ruchu. To po raz pierwszy pojawiło się w pracach Juana Grisa, który stał się aktywnym zwolennikiem kubizm od 1911 r. Kubizm syntetyczny dążył do wzbogacenia rzeczywistości poprzez tworzenie nowych obiektów estetycznych, które mają rzeczywistość w sobie, a nie są tylko obrazem świata widzialnego. Ta faza stylu charakteryzuje się zaprzeczanie znaczeniu trzeciego wymiaru w malarstwie I podkreślając powierzchnię obrazową. Jeśli w analityczny I hermetyczny kubizm wszelkie środki artystyczne miały służyć stworzeniu obrazu formy, a następnie w kubizm syntetyczny kolor, faktura powierzchni, wzór i linia służą do konstruowania (syntetyzowania) nowego obiektu. Pierwsze oznaki tego trendu pojawiły się już w 1912 roku, ale najpełniejsze jego ucieleśnienie otrzymały w kolażach z 1913 roku. Na płótno wklejano fragmenty papieru o różnych kształtach i fakturach - od gazet i notatek po tapety. Artyści argumentowali, że powierzchnia obrazu nie jest iluzorycznym odwzorowaniem rzeczywistości, ale samowystarczalnym przedmiotem. Wkrótce jednak kubiści zostawił sprzęt aplikacje, bo – jak im się wydawało – wyobraźnia artysty potrafi tworzyć bogatsze zestawienia elementów i faktur, nie ograniczone możliwościami papieru.

Do lat dwudziestych XX wieku kubizm praktycznie zakończył swoje istnienie, mając zauważalny wpływ na rozwój sztuki XX wieku.

Malarstwo metafizyczne

Malarstwo metafizyczne (włoski: Pittura metafisica)- kierunek w malarstwie włoskim początku XX wieku.

De Chirico i powstanie grupy

Przodek malarstwo metafizyczne Jest Giorgia de Chirico, który podczas pobytu w Paryżu w latach 1913-1914 tworzył pustynne krajobrazy miejskie, przewidując przyszłą estetykę metafizyka; jego serial „Piaza d’Italia” nadał fantastyczny wymiar konwencjonalnemu włoskiemu klasyczny architekturę, którą odtworzył w swoich obrazach. W 1915 roku Włochy przystąpiły do ​​I wojny światowej, artysta zmuszony był wrócić do Ferrary, gdzie czekał na mobilizację. Utworzenie grupy artystów wyznających estetykę metafizyka, wydarzyło się w 1916 roku, kiedy losy zbiegły się w szpitalu w Ferrarze Giorgia De Chirico z kim zerwał Futuryzm Carlo Carry, Filippo de Pisis i młodszy brat De Chirico, Andrea który przyjął pseudonim Alberto Savinio. W latach dwudziestych dołączył do nich na krótko Giorgia Morandiego.



Estetyka

W malarstwo metafizyczne metafora i sen stają się podstawą myślenia wykraczającego poza zwykłą logikę, a kontrast między realistycznie przedstawionym obiektem a dziwną atmosferą, w której został umieszczony, wzmocnił surrealistyczny efekt.

Ruch metafizyczny narodził się na bazie tego nowego podejścia do malarstwa i w latach 1916-1922 zjednoczył wokół pisma artystów i pisarzy „Valori Plastici” (Wartości plastikowe), w którym opublikowano szereg prac teoretycznych De Chirico I Savinio poświęcony malarstwu metafizycznemu. W mojej pracy „Anadyomene” Alberto Savinio formułuje dwie podstawowe zasady poetyki metafizycznej: „straszność” i „ironia”. Temat "atrapa", co staje się motywem przewodnim obrazów De Chirico I Carra, również pojawiła się po raz pierwszy we wpisach Savinio. Malarstwo metafizyczne polegać na obrazy ze stanu techniki i uwzględnione różne elementy kultury przeszłości. Savinio I De Chirico miały wyraźny wpływ neoklasyczny obraz Arnold Böcklin; Carlo Carra, odszedł od futurystycznych eksperymentów i wrócił do starego klasyczny tradycje - obrazy trecento i quattrocento(widać to w jego konstrukcjach perspektywy w pejzażu). Znany włoski krytyk sztuki Roberto Longhiego mądrze to zauważył „Quattrocento stało się sceną operową dla metafizycznych lalek i kamiennych gości”. Artyści chcieli znaleźć metafizyczna granica pomiędzy światem żywym i nieożywionym dlatego też w swoich obrazach życie jest jak nieożywione, A przedmioty nieożywione żyją swoim własnym sekretnym życiem. W ogóle "sekret"- ulubione słowo Giorgia De Chirico.



Dwa trendy

W ruch metafizyczny wyróżniał się dwa trendy: jeden jest szczególnie bogaty znaczenia symboliczne i literackie oraz wspomnienia (De Chirico, Savinio), drugie jest mniej doktrynerskie, ale bardziej warunkowe malownicza fantazja (Carra, Morandi). Ruch nie stworzył własnej szkoły czy określonej grupy, był raczej reakcją na nią futuryzm, wyraz jego kryzysu i właśnie w tej roli miał wpływy we Włoszech, gdzie niektórzy inni artyści zaczęli wówczas wyznawać podobną estetykę (Mario Sironi, Ardengo Soffici, Massimo Campigli, Atanasio Soldati), a także w całej Europie.

koniec szkoły

Ruch metafizyczny dość szybko zniknął ze sceny. Ostatni obraz w tym stylu De Chirico napisał w 1918 r., Morandiego w 1920 r. i Carra w 1921 r. Jednak szereg pomysłów metafizycy zostały odebrane surrealiści. Ruch metafizyczny Malarstwu poświęcone były dwie duże wystawy w Niemczech, które odbyły się w latach 1921 i 1924.

Pracuje artystów metafizycznych szczególnie licznie reprezentowany w mediolańskich muzeach i kolekcjach prywatnych (zbiory Uckera, Toninelliego, Mattioli); w Londynie (ze zbiorów Rolanda Penrose'a); w Nowym Jorku (Muzeum Sztuki Nowoczesnej); W Chicago (Instytut Sztuki); w Sztokholmie (Muzeum Narodowe) i w Wenecji (Fundacja Peggy Guggenheim).


Grupa „Styl”

Ekspresjonizm (od łacińskiego expressio „wyrażenie”)- awangardowy ruch w sztuce europejskiej, który rozwinął się na przełomie XIX i XX wieku, charakteryzujący się tendencją do wyrażania emocjonalnych cech obrazu (zwykle osoby lub grupy osób) lub stanu emocjonalnego obrazu (zwykle osoby lub grupy osób) sam artysta. Ekspresjonizm reprezentowane w różnych formach artystycznych, w tym w malarstwie, literaturze, teatrze, kinie, architekturze i muzyce.

„Ekspresjonizm, jako jeden z najbardziej wpływowych ruchów artystycznych XX wieku, ukształtował się głównie na ziemi niemieckiej i austriackiej. Pojawiwszy się w sztukach wizualnych (grupa „Most”, 1905; „Błękitny Jeździec”, 1912), swoją nazwę otrzymała dopiero w 1911 roku od nazwy grupy artystów francuskich, którzy pojawili się na wystawie Berlińskiej Secesji. koncepcja „ekspresjonizmu” rozprzestrzenił się na literaturę, kino i pokrewne dziedziny twórczości jako oznaczeniesystem, w którym w przeciwieństwie do naturalizmu i estetyzmu, idea bezpośredniego oddziaływania emocjonalnego, podkreślała podmiotowość aktu twórczego, wzmożenie afektacji, kondensację motywów bólu, krzyku, afirmowana jest tym samym zasada ekspresji obraz."



Przesłanki powstania i pochodzenia terminu

Uważa się, że ekspresjonizm powstał w Niemczech, a niemiecki filozof odegrał ważną rolę w jego powstaniu Fryderyk Nietzsche, który zwrócił uwagę na niezasłużenie zapomniane wcześniej kierunki w sztuce starożytnej. W książce „Narodziny tragedii lub hellenizmu i pesymizmu” (1871) Nietzsche przedstawia swoją teorię dualizm, stała walka pomiędzy dwa typy przeżyć estetycznych, dwa początki w sztuce starożytnej Grecji, którą nazywa Apollińskiego i Dionizyjskiego . Nietzschego polemizuje z całą niemiecką tradycją estetyczną, która optymistycznie interpretowała sztukę starożytnej Grecji wraz z jej światłem, apolliński w zasadzie początek. Po raz pierwszy opowiada o innej Grecji – tragicznej, odurzonej mitologią, Dionizyjski i przedstawia podobieństwa z losami Europy. Początek apolliński reprezentuje porządek, harmonię, spokojny kunszt i daje początek sztukom plastycznym (architektura, rzeźba, taniec, poezja), Początek dionizyjski - to upojenie, zapomnienie, chaos, ekstatyczne rozpuszczenie tożsamości w masie, zrodzenie sztuki nieplastycznej (przede wszystkim muzyki). Początek apolliński sprzeciwia się Dionizyjski jak sztuczne przeciwstawia się naturalnemu, potępiając wszystko, co nadmierne i nieproporcjonalne. Niemniej jednak, te dwie zasady są od siebie nierozłączne, zawsze działają razem. Walczą wg Nietzschego, w artyście i oba są zawsze obecne w każdym dziele sztuki.

Pod wpływem pomysłów Nietzschego zwracają się ku niemieccy (a po nich inni) artyści i pisarze chaos uczuć, do tego, tamtego Nietzschego dzwoni „Początek dionizyjski”. W najbardziej ogólnej formie, termin "ekspresjonizm" odnosi się do dzieł, w których za pomocą środków artystycznych wyrażone silne emocje, i to samo wyrażanie emocji, komunikowanie się poprzez emocje staje się głównym celem tworzenia dzieła.

Uważa się, że sam termin "ekspresjonizm" wprowadził czeski historyk sztuki Antonin Mateszek w 1910 r. w przeciwieństwie do terminu "impresjonizm": „Ekspresjonista pragnie przede wszystkim wyrazić siebie...<Экспрессионист отрицает...>natychmiastowe wrażenie i buduje bardziej złożone struktury mentalne... Wrażenia i obrazy mentalne przechodzą przez ludzką duszę jak przez filtr, który uwalnia ją od wszelkich powierzchownych rzeczy, aby odsłonić jej czystą esencję<...и>zjednoczyć, skondensować w bardziej ogólne formy, typy, które to<автор>przepisuje je za pomocą prostych formuł i symboli.”

Ekspresjonizm w architekturze

Najwięksi przedstawiciele - Ericha Mendelsohna, Finowie Ero Saarinena I Alvara Aalto; klucz działa - Opera w Sydney (architekt Jorn Utzon) I Centrum Olimpijskie w Tokio (architekt: Kenzo Tange).

Przedstawiciele ekspresjonizmu

sztuka

Hans (Jean) Arp (1887-1966)
Aleksander Archipenko (1887–1964)
Ernst Barlach (1870–1938)
Maks Beckmann (1884-1950)
Georges Gros (1893-1959)
Otto Dixa (1891-1969)
Heinrich Campendonk (1889-1957)
Wasilij Kandinsky (1866–1944)
Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938)
Paul Klee (1879-1940)
Oskar Kokoschka (1886-1980)
Alfred Kubin (1877-1959)
August Macke (1887-1914)
Franz Marc (1880–1916)
Amedeo Modigliani (1884–1920)
Edvarda Muncha (1863-1944)
Otto Müller (1874–1930)
Ernst Wilhelm Nye (1902–1968)
Emil Nolde (1867–1956)
Maks Pechstein (1881-1955)
Christian Rolfs (1849-1938)
Georges Rouault (1871-1958)
Chaim Soutine (1893-1943)
Erich Heckel (1883-1970)
Ossip Zadkine (1890-1967)
Egon Schiele (1890-1918)
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)
Aleksiej von Jawlensky (1864-1941)
Konrad Felixmuller (1897-1977)
Wilhelma Morgnera (1891-1917)
Gustaw Klimt (1862-1918)
Frida Kahlo (1907-1954)

Kubizm, jako ruch w sztuce awangardowej, powstał i rozwinął się w pierwszej ćwierci XX wieku we Francji, a także w niektórych innych krajach. Za przedstawicieli kubizmu francuskiego, od którego wziął się cały ruch (od francuskiego kubizmu), uważa się J. Braque, P. Picasso, H. Gris. Rozwinął się styl kubizmu, produkując na pierwszy rzut oka formalne eksperymenty w identyfikowaniu zwykłych kształtów geometrycznych, rozkładaniu form bardziej złożonych na proste, a także tworzeniu form wolumetrycznych na płaszczyźnie.

Jeśli mówimy o aspekcie historycznym, pojawienie się tego stylu datuje się na rok 1907, a początek samego ruchu jest ściśle związany z twórczością Pabla Picassa i Braque’a, natomiast jeden z pierwszych obrazów Picassa „Les Demoiselles d'Avignon” przypisuje się temu gatunkowi. Płótno przedstawia kontury o nieregularnych kształtach, bez stosowania podstawowych zasad rysunku.

Rysunki w stylu kubizmu przełamały wszelkie stereotypy rozwoju artystycznego, które rozwinęły się podczas rozwoju sztuk pięknych w Europie, począwszy od renesansu. Obaj artyści – przedstawiciele tego stylu – Braque i Picasso woleli pokazywać tematy zwyczajne, prymitywne, sięgając jednocześnie po uproszczone typy. Biorąc pod uwagę ich główne zadanie, jakim jest konstruowanie trójwymiarowego elementu na płaszczyźnie, artystów uważano za przedstawicieli wczesnej formy kubizmu, należącej do okresu „Cézanne’a”, którego rozkwit przypadał na lata 1907-1909. Objętość obrazów tego okresu została wzmocniona kolorem, podczas gdy ogromne objętości wizualnie spadły na płótno. Uderzającym przykładem takiego obrazu jest obraz P. Picassa „Trzy kobiety”.

Krytycy dalszy dwuletni okres rozwoju kubizmu nazwali „kubizmem analitycznym”, który charakteryzuje się obrazem rzeczy rozdrobnionych na drobne cząstki. Cząsteczki te są wyraźnie oddzielone od siebie liniami, ale jednocześnie cała przedstawiona pozycja ma na płótnie obraz rozmyty. Kolejną cechą jest absolutny brak kolorów na płótnie. Przykładem tego jest rysunek Braque’a „Na cześć Bacha” namalowany w 1912 roku. Ostatni, także dwuletni okres rozwoju kubizmu, zwany syntetycznym, różni się od dwóch poprzednich tym, że w trakcie jego powstawania obrazy stopniowo zamieniają się w kolorowe panele. Artyści próbowali znaleźć nowe obiekty do estetycznej ekspozycji, zaprzeczając roli trzeciego wymiaru w świecie artystycznym. W ten sposób do obrazu wprowadzane są szablonowe litery i wiersze o różnych rozmiarach, tworzone są kolaże, a formy zyskują wyraźną jakość dekoracyjną. W tym okresie, wraz z Picassem i Braque’em, Juan Gris zaczął także tworzyć w stylu syntetycznego kubizmu. Przykładem takiej twórczości był obraz P. Picassa „Tawerna” z 1924 roku. Wraz z wybuchem wojny owocna współpraca Picassa i Braque’a została przerwana, ale należy zauważyć, że ich prace wywarły ogromny wpływ na wiele innych dziedzin malarstwa – także wortyzm, orfizm i futuryzm.

Podsumowując wszystko, co zostało powiedziane, zauważamy, że kierunek ten pozostawił ważny ślad w historii rozwoju wielu dziedzin sztuki. Choć gatunek ten nie zawsze znajdował swoich zwolenników, to jednak stwarzał szansę na pomoc w myśleniu abstrakcyjnym tym, którzy wkraczają w tak kontrowersyjny świat sztuki.

W tym artykule opowiedzieliśmy o takim stylu jak kubizm. Na naszej stronie internetowej możesz kupić obrazy w stylu kubistycznym.

Kubizm Kubizm

(francuskie kubizm, od sześcianu – sześcianu), ruch modernistyczny w sztukach pięknych (głównie malarstwie) pierwszej ćwierci XX wieku. Początki kubizmu datuje się na rok 1907, kiedy to P. Picasso namalował obraz „Les Demoiselles d'Avignon” (Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku), niezwykły w swojej ostrej grotesce: ukazane są tu zdeformowane, szorstkie postacie, bez żadnych elementów światłocień i perspektywa, jako połączenie rozłożonego na płaszczyźnie objętości. W 1908 roku w Paryżu powstała grupa „Bateaux-lavoir” („Raft Boat”), w skład której weszli Picasso, J. Braque, Hiszpan X. Gris, pisarze G. Apollinaire, G. Stein i inni. ukształtowały się i konsekwentnie wyrażały podstawowe zasady kubizmu. Kolejną grupą, która powstała w 1911 r. w Puteaux pod Paryżem i ukształtowała się w 1912 r. na wystawie „Section d'or” („Złota Sekcja”), byli popularyzatorzy i interpretatorzy kubizmu - A. Glez, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier oraz artyści, którzy tylko częściowo zetknęli się z kubizmem - F. Léger, R. Delaunay, Czech F. Kupka.Słowo „Kubiści” został po raz pierwszy użyty w 1908 roku przez francuskiego krytyka L. Vaucellesa jako szyderczy pseudonim dla artystów przedstawiających tematykę świata w postaci kombinacji regularnych brył geometrycznych (sześcian, kula, walec, stożek).

Kubizm, zrodzony w warunkach ostrego kryzysu kultury burżuazyjnej w dobie imperializmu, oznaczał zdecydowane zerwanie z tradycjami sztuki realistycznej. Jednocześnie twórczość kubistów miała charakter wyzwania rzuconego standardowemu pięknu sztuki salonowej, niejasnym alegoriom symboliki i kruchości późnego malarstwa impresjonistycznego. Minimalizując, a często całkowicie rezygnując z wizualno-poznawczej funkcji sztuki, próbując budować swoje dzieła z połączenia form elementarnych, „pierwotnych”, przedstawiciele kubizmu zwrócili się w stronę konstruowania formy wolumetrycznej na płaszczyźnie, rozczłonkowania rzeczywistej objętości na zgeometryzowanej ciała, przesunięte, krzyżujące się ze sobą przyjacielsko, widziane z różnych punktów widzenia. Wchodząc w krąg zbuntowanych ruchów burżuazyjno-indywidualistycznych, kubizm wyróżniał się wśród nich upodobaniem do surowej ascezy koloru, do prostych, ciężkich, namacalnych form, do elementarnych motywów (takich jak dom, drewno, naczynia itp.). Jest to szczególnie charakterystyczne dla wczesnej fazy kubizmu, który rozwinął się pod wpływem malarstwa P. Cezanne’a (jego pośmiertna wystawa odbyła się w Paryżu w 1907 r.) i rzeźby afrykańskiej. W tym okresie „Cézanne’a”, kubizmie (1907-09), geometryzacja form podkreśla stabilność i obiektywność świata; potężne fasetowane tomy wydają się ciasno ułożone na powierzchni płótna, tworząc rodzaj reliefu; kolor, uwydatniający poszczególne aspekty przedmiotu, jednocześnie uwydatnia i fragmentuje objętość (P. Picasso, „Trzy kobiety”, 1909, Państwowy Ermitaż; J. Braque, „Estaque”, 1908, Kunstmuseum, Berno). W kolejnym, „analitycznym” etapie kubizmu (1910-12) obiekt ulega rozpadowi, rozszczepieniu na drobne, wyraźnie oddzielone od siebie krawędzie; forma obiektu sprawia wrażenie rozłożonej na płótnie (P. Picasso, „A. Vollard”, 1910, Muzeum Puszkina; J. Braque, „Na cześć J. S. Bacha”, 1912, zbiory prywatne, Paryż). W ostatnim, „syntetycznym” etapie (1912-14) zwycięża zasada dekoracyjna, a obrazy zamieniają się w kolorowe płaskie panele (P. Picasso, „Gitara i skrzypce”, 1913, GE; J. Braque, „Kobieta z Gitara”, 1913, Narodowe Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Paryż); Zainteresowanie budzą wszelkiego rodzaju efekty teksturowane - naklejki (kolaże), pudry, trójwymiarowe struktury na płótnie, czyli odmowa przedstawienia przestrzeni i objętości jest niejako rekompensowana reliefowymi strukturami materiału w rzeczywistej przestrzeni. W tym samym czasie pojawiła się rzeźba kubistyczna z jej geometryzacją i przesunięciami formy, konstrukcje przestrzenne na płaszczyźnie (kompozycje i asamblaże niefiguratywne – rzeźby z materiałów heterogenicznych Picassa, dzieła A. Laurent, R. Duchamp-Villon, zgeometryzowane płaskorzeźby i figury O. Zadkine’a, J. Lipchitza, wklęsłe kontrreliefy A. P. Archipenki). Od 1914 roku kubizm zaczął ustępować innym ruchom, ale nadal wywierał wpływ nie tylko na artystów francuskich, ale także na włoskich futurystów, rosyjskich kubofuturystów (K. S. Malewicza, V. E. Tatlina), niemieckich artystów Bauhausu (L. Feininger, O. Schlemmer) . Późny kubizm zbliżał się do sztuki abstrakcyjnej („kubizm abstrakcyjny” R. Delaunay’a), w tym samym czasie niektórzy najwięksi mistrzowie XX wieku, dążąc do wypracowania nowoczesnego, lakonicznego, wyrazistego języka artystycznego, przeszli pasję do kubizmu , pokonując jego wpływy, - Meksykanin D. Rivera, Czesi B Kubishta, E. Filla i O. Gugfreund, Włoch R. Guttuso, Polak Yu.T. Makovsky i inni.

P. Picasso. „Pani z wachlarzem” 1909. Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina. Moskwa.

Literatura: M. Lifshitz, L. Reinhardt. Kubizm, w książce: Modernizm, wyd. 3, M., 1980; Der Kubismus, Kolonia (1966); Alexandrian S., Panorama du cubisme, P., 1976.

(Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Pod redakcją V.M. Polevoya; M.: Wydawnictwo „Encyklopedia radziecka”, 1986.)

kubizm

(Źródło: „Art. Modern ilustrowana encyklopedia.” Pod redakcją prof. Gorkina A.P.; M.: Rosman; 2007.)


Zobacz, co „kubizm” znajduje się w innych słownikach:

    Jeden z pierwszych nurtów w sztuce awangardowej. Za rok jego powstania uważa się rok 1907, kiedy Picasso wystawił swój program kubistyczny. obraz „Dziewica z Awinionu”, a nieco później „Ślub” – „Akt”. Imię K. nadano kierunkowi ... ... Encyklopedia kulturoznawstwa

    Kubizm- Kubizm. P. Picasso. Portret A. Vollarda. 1910 Moskwa. Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. JAK. Puszkin. KUBIZM (francuski kubizm, od kostki kostki), awangardowy ruch w sztukach plastycznych I ćwierci XX wieku. Rozwinięty… Ilustrowany słownik encyklopedyczny

    Kierunek w malarstwie zapoczątkowany we Francji około 1908 roku, który można uznać za reakcję na impresjonizm (sprawdź to słowo) z jego pociąganiem do lekkiej pełni obrazu, co powodowało zatracenie wyrazistości detali poszczególnych obiektów, tak jak... Encyklopedia literacka

    Kubizm- KUBIZM Ruch w malarstwie zapoczątkowany we Francji około 1908 roku, który można uznać za reakcję na impresjonizm (sprawdź to słowo) z jego przyciąganiem do pełni światła w obrazie, co powodowało utratę przejrzystości poszczególnych szczegółów. ... ... Słownik terminów literackich

    - [fr. cubisme] pozew. ruch awangardowy (AVANTGARDIST) w sztukach plastycznych początku XX wieku; kubiści rozkładali przedmiot na płaskie powierzchnie lub porównywali go do najprostszych ciał – kuli, stożka lub sześcianu. Słownik słów obcych. Komlev N.G., 2006 ... Słownik obcych słów języka rosyjskiego

    - (francuski kubizm z kostki), ruch awangardowy w sztukach plastycznych I kwartał. XX wiek Opracowano we Francji (P. Picasso, J. Braque, H. Gris), w innych krajach. Kubizm wysunął na pierwszy plan formalne eksperymenty projektowe ... ... Wielki słownik encyklopedyczny

    KUBIZM, kubizm, wiele. bez męża (z kostki1) (wymagane). Ruch w malarstwie (częściowo w innych sztukach) początku XX wieku, który przedstawiał przedmioty rzeczywistości rozłożone na proste geometryczne kształty, bez dostrzegania zewnętrznego podobieństwa do... ... Słownik wyjaśniający Uszakowa

    KUBIZM, aha, mąż. W sztukach pięknych początku XX wieku: kierunek formalistyczny, jego zwolennicy przedstawiali świat obiektywny w prostych formach geometrycznych (sześcian, stożek, twarze). | przym. kubista, och, och i kubista, och, och. ... ... Słownik wyjaśniający Ożegowa

    kubizm- a, m. kostkime sześcian. Awangardowy ruch formalistyczny we wczesnej sztuce europejskiej. XX wiek; Próbując wydobyć geometryczną strukturę bryły, kubiści rozkładali obiekt na płaskie powierzchnie lub porównywali go do najprostszych brył... Historyczny słownik galicyzmów języka rosyjskiego

    Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907 Kubizm (francuski Cubisme) modernista ... Wikipedia


kierunek modernizmu, który poprzez twórczość artystyczną starał się modelować specyficzną teorię poznania, opartą na założeniach antypsychologizmu (zob. Antypsychologizm). Klasycznymi przedstawicielami malarstwa w malarstwie są J. Braque, P. Picasso, F. Leger, H. Gris, R. Delaunay (w pewnym okresie twórczości), J. Metzinger i inni; w poezji - G. Apollinaire, A. Salmon i in. Termin „K.” zostało po raz pierwszy użyte przez Matisse’a (1908) w odniesieniu do obrazu J. Braque’a „Domy w Estac”, który rzekomo przypominał mu klocki dziecięce. W tym samym 1908 roku w październikowym numerze magazynu „Gils Blas” krytyk L. Voxen zauważył, że malarstwo współczesne „sprowadza się do przedstawiania kostek” - stąd „nazwa nowej szkoły miała pierwotnie charakter ośmieszenie” (J. Golding). W latach 1907-1908 ukształtował się K. jako kierunek w malarstwie (za wizytówkę K. tradycyjnie uważa się obraz P. Picassa „Les Demoiselles d’Avignon”, 1907); pod koniec lat 1910. francuski poeta A. Salmon odnotował „początek zupełnie nowej sztuki” – zarówno w odniesieniu do malarstwa, jak i poezji. Genetycznie K. wraca do ekspresjonizmu (według P. Picassa „wymyślając kubizm, w ogóle nie mieliśmy zamiaru go wymyślać. Chcieliśmy jedynie wyrazić to, co w nas było /podkreślone przeze mnie - M.M./” (zob. Ekspresjonizm) Jak każdy ruch modernistyczny, K. wykazuje programową metodologię i czysto refleksyjne postawy w rozumieniu twórczości artystycznej: już w 1912 r. ukazała się monografia konceptualna artystów A. Gleizesa i J. Metzingera „O kubizmie” oraz dzieło krytyczne A. Salmona ukazały się „Młode malarstwo nowoczesności”. Zdaniem krytyków K. można uznać za jeden z najbardziej radykalnych nurtów modernizmu, gdyż „odważnie zrywa z większością tradycji, które funkcjonowały bezbłędnie od czasów renesansu”. (M. Serulaz). Według krytyków K. można uznać za jeden z najbardziej radykalnych nurtów modernizmu, gdyż „odważnie zrywa on z większością tradycji, które funkcjonowały bezbłędnie od czasów renesansu” (M. Seryulaz). Według w stosunku do programowych wypowiedzi artystów kubistycznych K. jest w swej istocie innym, „nowym sposobem przedstawiania rzeczy” (X.Gris). W związku z tym „kiedy kubizm... pokazał konwencjonalny charakter przestrzeni, tak jak ją rozumiał renesans, tak jak impresjoniści pokazali w swoich czasach konwencjonalny charakter koloru, spotkali się z takim samym nieporozumieniem i obelgą” (R. Garaudy) . W 1912 r. francuska Izba Deputowanych omawiała nawet kwestię zakazu wystawy kubistycznej na Salonie Jesiennym; socjalista j. -L. Breton uznał, że „jest całkowicie niedopuszczalne, aby... pałace narodowe służyły za miejsce demonstracji o charakterze antyartystycznym i antynarodowym”; jednocześnie jednak wyciągnięto wniosek, że „nie należy wzywać żandarmów” (słowo zastępcy Samby). Obiektywnie K. można uznać za znaczący kamień milowy w historii ewolucji modernistycznego paradygmatu w sztuce: zdaniem krytyków sztuki „decydując się na otwarte głoszenie swoich praw do sprzeciwu w dziedzinie sztuki i realizując je, prawa, mimo wszelkich przeszkód, że współcześni artyści stali się prekursorami przyszłości.Nie można więc odmówić im rewolucyjnej roli: ich pozycja moralna przyniosła im w naszych czasach znakomitą rehabilitację, w stopniu znacznie większym niż ich zasługi artystyczne, o których jeszcze nie powiedziano ostatniego słowa” (R. Lebel). Dominujący ton emocjonalny K. stał się ostrym i dotkliwie katastroficznym doświadczeniem przełomu XIX i XX w., związanym z dominacją tego, co M. Duchamp określił jako „siły mechaniczne cywilizacji” (porównaj z patetycznie optymistycznym postrzeganiem przemysł maszynowy w kontekście futuryzmu – zob. Futuryzm): świat obiektywny odsłonił przed światem ludzkim swoje nowe oblicze, podając w wątpliwość dotychczasową wersję jego ludzkiego rozumienia, burząc utarte ontologie tradycyjnej wiedzy. To nie przypadek, że N. Bierdiajew dostrzegł w dziełach kubistycznych rodzaj portretów nieautentycznej egzystencji („to są demoniczne grymasy spętanych duchów natury”), co z konieczności wiąże się z stawianiem pytań o prawdziwe oblicze świata, o możliwość tej autentyczności i możliwości jej przedstawienia. Dzięki refleksyjnemu rozumieniu tego kontekstu malarstwo jest jednym z najbardziej filozoficznie artykułowanych kierunków rozwoju estetyki modernistycznej; już w manifeście „O kubizmie” (1912) stwierdza się, że malarstwo jako takie jest rodzajem obrazu ( pojęcie) świata (w historii sztuki zapisano, że krytycy już u P. Cezanne’a widzieli „krytykę teorii wiedzy zapisanej kolorami” – E. Novotny). K. aktywnie włącza w swoje refleksyjne rozumienie natury twórczości artystycznej idee Platona, realizmu średniowiecznego, G. Hegla – przede wszystkim w aspekcie poszukiwania abstrakcyjnej istoty (idealnego eidos) przedmiotu i filozoficznego uzasadnienia założenie o zmienności ontologii, które leży u podstaw idei względnego modelowania światów możliwych (przemówienie Chodzi nie tyle o pojęciowe i merytoryczne opanowanie akademickiej tradycji filozoficznej, ile o powiązanie artystów z tą kulturową atmosferą świata) początek XX wieku. , w którym idee filozoficzne były w pewnym sensie skupione: na przykład o J. Braque L. Reinhardt zauważa, że ​​on, „syn chłopa z Parmy… na początku stulecia uczył się filozofii podczas rozmów przy stole” ). Tak czy inaczej skupienie się na refleksyjnej analizie twórczości jako takiej jest jednym z wyróżników (i jednym z najsilniejszych) aspektów K. Według J. Maritaina „w czasach renesansu sztuka otworzyła oczy na ogarnięty kolejnym impulsem introspekcji, prowadzącym do rewolucji co najmniej równie znaczącej… Lekcje z niej płynące są równie przydatne dla filozofa, jak i dla artysty. Estetyka K. to praktycznie specyficzne modelowanie procesu poznawczego, oparte na podstawowej dla K. zasadzie „zaprzeczenia naiwnego realizmu, co implikuje odmowę polegania przez artystę na wizualnym postrzeganiu obiektywnego świata. Zasada ta leży u podstaw programu głoszonej przez K. „walki z wizją”, czyli walki z bezkrytycznym przyjęciem fenomenologii sekwencji wideo jako podstawy poznania w ogóle, a w szczególności pojmowania malarstwa przez artystę (świat jest zniekształcony, jego istota jest niewidoczna i nie da się jej zobaczyć, czyli redukcja fenomenologiczna nie może pretendować do miana adekwatnej metody poznania świata): zgodnie ze sformułowaniami A. Gleizesa i J. Metzingera „oko jest w stanie zainteresować i uwieść umysł” z jego urojeniami”, ale w sercu tej pokusy kryje się nic innego jak złudzenie optyczne, trompe loeil. Jak pisał J. Braque „uczucia pozbawione formy, duchowych kształtów. Wiarygodne jest tylko to, co duch wytwarza. „W tym kontekście oczywiście, zdaniem K., że „chcąc osiągnąć proporcję ideału, artyści, nie będąc bardziej ograniczeni czymś ludzkim, przedstawiają nam dzieła o charakterze bardziej spekulatywnym niż zmysłowe” (G.Apollinaire). W tym kontekście znamienne jest, że R. Lebel swoją monografię poświęconą K. nazywa „Złą stroną malarstwa”, podkreślając tym samym zamiar kubistów penetracji poza (poprzez) cykl fenomenologiczny.Bierdiajew pisał np. o P.Picaso: „on jak jasnowidz patrzy przez wszystkie zasłony… […] Pójdźcie jeszcze głębiej, a materialności już nie będzie – jest już wewnętrzna struktura natury, hierarchia duchów” – a tendencja tego ruchu „prowadzi do wyjścia z fizycznego, materialnego ciała na inny, wyższy poziom”. „Zamiast więc pomieszać zmysłowe doświadczenia Moneta i Renoirze, kubiści obiecują światu coś solidniejszego, a nie iluzorycznego – wiedzę” (L. Reinhardt). W ewolucji podstaw filozoficznych K. można wyróżnić dwa etapy. Początkowym założeniem koncepcji estetycznej K. jest założenie zniszczenia przedmiotu jako takiego: według R. Delone (który rozpoczynał karierę u Kandinsky’ego – zob. Ekspresjonizm) „o ile sztuka nie zostanie uwolniona od podmiotu , skazuje się na niewolę.” Zatem zgodnie z kubistyczną strategią twórczości artystycznej „nie należy nawet próbować naśladować rzeczy... Rzeczy same w sobie w ogóle nie istnieją. Istnieją jedynie poprzez (w) nas” (J. Braque). Jak zauważono w pracy programowej K. A. Gleizesa i J. Metzingera, „kubizm zastępuje skrawki wolności uzyskane przez Courbeta, Maneta, Cezanne’a i impresjonistów wolnością bezgraniczną. Teraz wreszcie uznanie obiektywnej wiedzy za chimerę i rozważenie jej udowodniło, że wszystko akceptowana przez tłum jako naturalna jest konwencja, artysta nie będzie uznawał innych praw niż prawa gustu. Misja artysty w tym kontekście artykułowana jest jako wyzwolenie siebie (a przez to – i innych) od „rzeczy banalnych” (A. Gleizes, J. Metzinger). Za swoje podstawowe credo K. przyjmuje formułę „Dość dekoracyjnego malarstwa i malowniczych scenerii!” (A. Glez, J. Metzinger). W tym kontekście K. postuluje jako swoją metodę specyficznie artykułowany „liryzm” czy „liryzm na lewą stronę” (termin G. Apollinaire’a), który K. rozumiał jako metodę wyzwolenia świadomości z niewoli świata obiektywnego, osiąganą poprzez programowo wywołując u artysty wstręt do tematu swojej pracy (jak pisał J. Braque „wygląda to tak, jakbyś pił wrzącą naftę”). Według Ozenfanta i Jeanneret „liryzm” można uznać za podstawowy paradygmat wczesnego K.: „jego teoretyczny wkład można streścić w następujący sposób: kubizm traktuje obraz jako przedmiot tworzący liryzm – liryzm jako jedyny cel tego przedmiotu Artystce przysługuje wszelka wolność, pod warunkiem, że tworzy ona liryzm”. W praktyce oznacza to, że K. wykracza poza granice sztuk pięknych – ku sztuce abstrakcyjnej: jeśli świat obserwowany wizualnie może (jest) iluzoryczny, to zainteresowanie artysty powinno skupiać się na świecie prawdziwym (istotnym), tj. świat czystych form geometrycznych: jak pisał Mondrian, „idee Platona są płaskie” (ciekawe, że matematyk Prencet był bezpośrednio zaangażowany w teoretyczne dyskusje kubistów). Według refleksyjnej samooceny K. „dla nas linie, powierzchnie, objętości to nic innego jak odcienie naszego rozumienia pełni / tego noumenalnego, którego nie reprezentuje wygląd przedmiotu – MM. /”, a wszystko, co „zewnętrzne” w jego kubistycznej wizji, sprowadza się „do jednego mianownika masy” (A. Gleizes), a mianowicie do jej podstawy geometrycznej. W związku z tym estetyka K. opiera się na idei deformacja tradycyjnej (wizualnie obserwowalnej) formy przedmiotu, - deformacja, która ma na celu wyeksponowanie prawdziwej istoty przedmiotu.C. konstytuuje się jako neoplastycyzm, oparty na odrzuceniu tradycyjnego plastiku: „kubizm uważa obraz za całkowicie niezależny natury i posługuje się formami i kolorami nie ze względu na ich zdolność naśladowczą, ale ze względu na ich wartość plastyczną” (Ozanfant, Jeanneret). W ten sposób K. dochodzi do idei plastycznego modelowania świata jako poznawcze poszukiwanie jego plastycznej (strukturalnej) podstawy, czyli jego prawdziwego oblicza, nie ukrytego za ciągiem fenomenologicznym. Innymi słowy, dojrzały program konceptualny K. okazuje się bardzo daleki od pierwotnej idei odrzucenia przedmiot: jak pisał M. Duchamp (w okresie swojej twórczości kubistycznej), „zawsze staram się wymyślać, zamiast się wyrażać”. K. radykalnie odwraca się od krytyki przedmiotu jako takiego do krytyki jego niewłaściwego (w szczególności subiektywnego) rozumienia. Krytyczny patos dojrzałego K. nie jest już skierowany przeciwko rzeczywistości jako subiektywnej iluzji, ale przeciwko subiektywności w interpretacji rzeczywistości. Pod tym względem K. zdecydowanie dystansuje obserwowalny wizualnie (dany w doświadczeniu) przedmiot (obiekt natury, czyli „ogólną rewolucję artystyczną kubizmu” i „uderzającą innowację, polegającą na włączeniu w działanie wielu aspektów tego samego podmiotu) Jak pisze A.Lot, w praktyce „przedstawień K.” zostaje obalona zwykła „struktura perspektywy”. Część tego samego przedmiotu, np. wazon z owocami, widzimy od dołu, inną część – z profilu, trzecia - z jakiejś innej strony. I to wszystko, co łączy w postaci płaszczyzn, które zderzają się z rozbiciem na powierzchni obrazu, leżą obok siebie, nakładają się na siebie i przenikają. "Klasyka pod tym względem może zaliczyć można np.: „Taniec” J. Metzingera; „Student z gazetą”, „Instrumenty muzyczne” P. Picassa; „Butelka, szkło i fajka”, „Pochwała J.S. Bacha” J. Braque’a; Portret szachowych drapieżników” M. Duchampa itp. (por. podobnie u M. Chagalla: „Ja i wieś”, „Godzina między wilkiem a psem”, które jednocześnie wyznaczają całą twarz, profil itp. ). A jeśli w ramach „analitycznego K.” Najmniej artystę interesowało zjawisko ruchu i problematyka jego obrazowego utrwalenia („obraz jest cichym i nieruchomym objawieniem” u A. Gleza), to „K. Reprezentacje” wręcz przeciwnie, stanowi programowy dynamizm (przykładowo „Akt schodzący po schodach” M. Duchampa jest pod wieloma względami bliski futurystycznym odkryciom w dziedzinie przekazywania „dynamiki” lub „linia energetyczna” ruchu). Jednak ruch rozumiany jest przez K. nie jako wizualnie obserwowany ruch w przestrzeni (rodzaj pobudzenia dla wzroku), ale jako bezpośrednio ruch – ruch jako taki, czyli zgodnie z koncepcją K. to, co o ruchu wiemy jako taki. 3) „Streszczenie K.” lub „puryzm”, tj. „czyste malarstwo” (peinture pure), w ramach którego wszystkie podstawowe zasady malarstwa dochodzą do logicznego wniosku: zasada antypsychologizmu. zasada poszukiwania „elementów świata” wyartykułowanego geometrycznie oraz zasada antywizualizmu. (Według kryterium radykalizmu A. Salmon porównał peinture pure z religią hugenotów.) Przejście K. od symultanizmu do puryzmu wyraźnie ukazuje twórcza ewolucja R. Delaunaya: jeśli w jego pracy „In Honor” koncentryczne kręgi Blériota” są efektem analizy („refrakcji”) takiego zjawiska jak lot Bleriota przez kanał La Manche i można je odczytać jako rzuty ruchu śmigieł samolotu, następnie w „Rytmach kołowych” te same koła (z całe zewnętrzne podobieństwo) są utrwaleniem elementów ruchu – produktem istotnej analizy tego, co artysta wie o ruchu. Ujawniając istotę „abstrakcyjnego K.” w jednym z wywiadów. P. Picasso praktycznie mówi o swojej technice wizualnej jako o realizacji metody typu idealnego”, jak rozumiał to M. Weber: „sztuka abstrakcyjna to nic innego jak zestawienie plam barwnych... Od czegoś zawsze trzeba zacząć. Później wszelkie ślady rzeczywistości można usunąć. I nie ma w tym nic złego, bo idea przedstawianego przedmiotu będzie miała już czas, aby pozostawić niezatarty ślad na zdjęciu/zobaczeniu. Ślad - M.M./”. W tym kontekście K. aktualizuje figury semantyczne „eidos” u Platona i „uniwersaliów” w realizmie scholastycznym: według G. Apollinaire’a obraz pojawia się w tym kontekście jako wyraz „form metafizycznych” W związku z tym dzieła kubistyczne, zdaniem Maritaina, „nie odbiegają od rzeczywistości, są do niej podobne... przez duchowe podobieństwo”. kształtuje się możliwość faktycznego twórczego ukonstytuowania przez artystę istoty przedmiotu z elementów nieobiektywnych (porównaj z postmodernistyczną koncepcją oznaczania semantycznie neutralnych fragmentów tekstu – zob. Pusty znak, efekt rzeczywistości). Zatem peinture pure jest, zgodnie z definicją A. Gleize’a, „rodzajem malarstwa nowych zespołów wykorzystujących elementy zapożyczone nie z rzeczywistości widzialnej, ale w całości stworzone przez artystę i obdarzone potężną rzeczywistością”. G. Apollinaire określa tę zdolność podmiotu twórczości jako „orfizm” (ale analogie z życiodajnym impulsem pieśni Orfeusza, które potrafią poruszyć kamienie) i rozumie w tym kontekście artystę jako podmiot, który wprowadza do wnętrza integralną strukturę zmysłowy chaos, widoczny bezpośrednio w sferze abstrakcji. W tym względzie K. uważa, że ​​tajemnica twórczości jest podobna i bliska tajemnicy Stworzenia: „artysta śpiewa jak ptak i tego śpiewu nie da się wytłumaczyć” (Picasso). W tym kontekście A. Glez widzi istotne analogie pomiędzy paradygmatem perspektywy ukonstytuowanym w malarstwie renesansowym (co A. Glez nazywa „formą przestrzenną”) a K., który łamie samo pojęcie perspektywy (co A. Glez nazywa „formy czasu”) z jednej strony, a przyrodoznawstwo i mistyczne (obraz jako „ciche objawienie”) podejście do rzeczywistości z drugiej. „Abstrakcyjny” („czysty”) K. faktycznie położył podwaliny pod tradycję abstrakcjonizmu w historii sztuki XX wieku, wszystkie kierunki i wersje abstrakcjonizmu wracają do jego programu estetycznego, zdaniem L. Venturiego, „dziś , kiedy mówimy o sztuce abstrakcyjnej, mamy na myśli kubizm i jego spadkobierców”. (Właśnie z tego powodu w marksistowskiej krytyce artystycznej, skupionej wokół wartości materializmu, K. został oceniony jednoznacznie negatywnie: od kategorycznego wyroku G.V. Plechanowa „bzdury w sześcianie!” - po wyrafinowaną tezę M. Lifshitz: „Formuła „uznaje cały świat” nic nie znaczy. Przecież ten świat jest trochę zwariowany – wyszedł ze stawów, jak mówi słynne powiedzenie Szekspira.”) W ogóle rola K. ewolucja artystycznego modernizmu „jest prawie nie do przecenienia”, gdyż „w historii sztuki… była to rewolucja nie mniej ważna niż rewolucja wczesnego renesansu” (J. Berger). K. tworzy zasadniczo nowy język sztuki (zob. Język sztuki), a w tym obszarze „odkrycia dokonane przez kubizm są równie rewolucyjne, jak odkrycia Einsteina i Freuda” (R. Rosenblum). Co więcej, zdaniem J. Goldinga „Kubizm był jeśli nie… najważniejszą, to w każdym razie najbardziej kompletną i radykalną rewolucją artystyczną od czasów renesansu… Z wizualnego punktu widzenia łatwiej jest dokonać przejścia przez trzysta pięćdziesiąt lat oddzielających impresjonizm od wysokiego renesansu niż pięćdziesiąt lat oddzielających impresjonizm od kubizmu. ..Portret Renoira... jest bliższy portretowi Rafaela niż kubistycznemu portretowi Picassa.” Według historyka K. K. Graya powstanie paradygmatu kubistycznego można interpretować jako początek nowej ery w historii sztuki i nowego światopoglądu w historii kultury w ogóle. Gehlen porównał konstrukcję paradygmatu kubizmu w sztuce z rewolucją kartezjańską w filozofii – zarówno pod względem znaczenia i radykalności przełamania tradycji, jak i treści: epistemologia R. Kartezjusza koncepcja twórczości artystycznej K. opiera się na odrzuceniu empiryzmu i sensacji, co w jej odległej przyszłości doprowadziło do ukonstytuowania się w kulturze europejskiej paradygmatu „postmodernistycznej wrażliwości” (zob. Wrażliwość ponowoczesna) MA Mozheiko

Zdolności i fantazje danej osoby są czasami po prostu niesamowite. Malarstwo i architektura stały się właśnie obszarem, w którym ludzie rozwijają się i wyrażają swoją kreatywność w najróżniejszych kierunkach. Aby zaskoczyć świat nowymi gałęziami sztuki, artyści ze wszystkich sił starają się ukazać to, co widzą, w zupełnie nowym i niezwykłym świetle. Stąd wzięła się awangarda – wynik rozwoju wielu twórczych pomysłów i planów. Z niego z kolei wyszła taka koncepcja, jak styl kubistyczny. Poczucie czegoś niezwykłego i interesującego.

Kubizm w sztuce

Kubizm stał się jednym z głównych nurtów w sztuce awangardowej. Z francuskiego kubizm oznacza sześcian – ruch artystyczny w stylu francuskim początku XX wieku. Głównymi przedstawicielami i założycielami byli Pablo Picasso i Georges Braque, dzięki ich twórczości świat ujrzał ten styl w zupełnie nowej i niezwykłej kolorystyce.

Samo pojęcie „kubizmu” zrodziło się pod wpływem ostrej uwagi na temat twórczości J. Braque’a, jakoby przenosił on miasta i figury na postępy geometryczne i kostki. Część artystyczna koncepcji została zbudowana na próbie znalezienia najzwyklejszych modeli przestrzennych oraz konfiguracji rzeczy i zjawisk, które uosabiałyby złożoność i różnorodność życia. Kubizm w swej istocie jest prymitywizmem, który postrzega świat poprzez formy figur geometrycznych.

Narodziny Kultury

Początkami były obrazy Paula Cezanne'a i rzeźby afrykańskie. Pod wpływem tej akcji powstał słynny na całym świecie „Les Demoiselles d'Avignon” P. Picassa (1907), który stał się narodzinami kubizmu. W istocie tendencja ta polega na wielkiej chęci rozczłonkowania obiektów rzeczywistości na stereometryczne prymitywy. W swoim powstaniu przeszedł trzy etapy: Cézanne’a, analityczny i syntetyczny. Kubizm to stosunkowo złożona forma sztuki, która była w stanie zjednoczyć malarzy, rzeźbiarzy, muzyków i poetów z całego świata. Przyjrzyjmy się trzem stylom tego ruchu.

Cezannowski

Jest to pierwszy etap kubizmu, charakteryzujący się abstrakcyjnymi i uproszczonymi formami przedmiotów. Na rozwój kubizmu w naturalny sposób wpływały eksperymenty z konfiguracją w twórczości Paula Cézanne’a. W latach 1904 i 1907 odbywały się wystawy jego prac w Paryżu. W „Portrecie Gertrudy Stein”, który stworzył Picasso, odnotowano już jego zamiłowanie do sztuki Cezanne’a. Następnie Picasso namalował obraz „Les Demoiselles d’Avignon”, który uważany jest za pierwszy krok na drodze do kubizmu. Jesienią 1907 roku miały miejsce dwa znaczące wydarzenia – wystawa Cezanne’a oraz spotkanie Braque’a i Picassa. Pod koniec tego samego roku rozpoczęli ścisłą współpracę w stylu kubistycznym.

Analityczny

To kolejny etap, który charakteryzuje się zanikaniem wizerunków przedmiotów i stopniowym zacieraniem się różnic pomiędzy formą i przestrzenią. Na takich obrazach pojawiają się już opalizujące kolory, które przecinają się przez półprzezroczyste płaszczyzny, a ich położenie nie jest jasno określone. Elementami kubizmu analitycznego są dzieła Braque’a z 1909 roku oraz dzieła Picassa z 1910 roku. Jednak kubizm analityczny zaczął dojrzewać intensywniej, gdy narodził się związek twórczy „Złota Sekcja”, na którego czele stali znani mistrzowie.

Syntetyczny

Jest to trzecia faza ruchu, której elementy pojawiły się w twórczości Juana Grisa, który stał się zagorzałym zwolennikiem ruchu w 1911 roku. Najważniejszą cechą jego twórczości jest odrzucenie trzeciego wymiaru w malarstwie i podkreślenie powierzchni. Najważniejszą fakturą powierzchni jest kontur i wzór, które służą do projektowania nowego obiektu.

Obrazy w tym stylu

Wyrzeczenie się trójwymiarowego przedstawiania rzeczywistości jest kluczową cechą ruchu zwanego kubizmem. Obrazy w tym stylu są rozpoznawalne na całym świecie ze względu na ich płaskie formy, pozbawione światłocienia i perspektywy. Obrazy są zdeformowane, nielogiczne, irracjonalne i rozbite na pewne szczegóły. Martwa natura czy portret są jak zbiór geometrycznych kształtów, które wzajemnie na siebie oddziałują. Do jakiego kierunku zalicza się kubizm w malarstwie? To przede wszystkim abstrakcja, prymitywizm i awangarda.

Pablo Picasso jest wybitnym przedstawicielem

Najbardziej uderzającym przykładem jest obraz Pabla Picassa „Les Demoiselles d’Avignon”. Dzieło mistrza wyróżnia się pociętymi, odważnymi liniami, spiczastymi narożnikami i brakiem gry cieni. Kubizm Picassa charakteryzuje się nierealistycznymi przedstawieniami nagich kobiet. Mistrz zastosował neutralne, naturalne odcienie.

Według historyków sztuki maski afrykańskie stanowią symbol pojawienia się innowacyjnego ruchu kubizmu w malarstwie. Tak więc, według Ernsta Gombricha, krytyka sztuki, założycielem jest Paul Cezanne, a Picasso jego uczniem. Cezanne w liście do Pabla przedstawił swoje rady dotyczące stosowania prostych, geometrycznych kształtów (kule, cylindry, stożki). Autor przekazu zamierzył tę podstawę jako podstawę do stworzenia obrazu, ale Picasso zinterpretował ten kubizm w jego dosłownym znaczeniu.

Fakt historyczny

Od renesansu twórcy starali się przekazywać obrazy z maksymalnym realizmem. W kubizmie artyści całkowicie odeszli od realizmu, naturalności, harmonii światła i cienia. Główną cechą twórczości artystów jest chęć tworzenia kubizmu, obrazy prezentowane są w formie płaskiego obrazu, a nie trójwymiarowego. Z reguły używali figur geometrycznych do abstrakcyjnego przedstawiania ludzi, przyrody i przedmiotów. Formy przekazane w stylu kubizmu są namacalne, nieskomplikowane i proste.

Ale nie wszystko poszło gładko. Obrazy tworzone w stylu kubizmu nie od razu zakorzeniły się w świecie sztuki – obrazy te bardzo często stawały się przedmiotem nieporozumień i poważnej krytyki. Stało się radykalnym nurtem w malarstwie, który wyparł realizm i stał się przedmiotem niepochlebnych recenzji. Martwa natura w tym stylu stała się odważnym eksperymentem twórczym. Początkowo miłośników kubizmu w sztuce było niewielu, ale wśród nich byli krytycy i mecenasi, którzy w równym stopniu wnieśli wkład w historię rozwoju tego nurtu.

Architektura

Kubizm w architekturze rozpoczął się w bardzo nietypowy sposób. Na Wystawie Jesiennej w Paryżu w 1912 roku pewna grupa autorów zaprezentowała ogromny (10 na 3 metry) model „domu kubistycznego”. Fasady wykonał rzeźbiarz Raymond Duchamp-Villon, a dekoracją pomieszczeń zajęło się kilka osób, wśród których był utalentowany performer i mistrz swojego rzemiosła André Marais. Komnaty były efektownie umeblowane, a ściany zdobiły drobne obrazy autorstwa kubistycznych artystów. Po wystawie w Paryżu dom ten został pokazany na wystawie Armory Show w Nowym Jorku.

Styl kubizmu to nowy trend epoki, czyli uniwersalny wygląd pasujący do ogólnej formy sztuki. Wtedy natychmiast pojawiły się pierwsze budynki architektów kubistycznych. Ale nie w Paryżu, ale w Pradze, największym ośrodku sztuki kubistycznej.

Architektura tego ruchu jest niezwykle awangardowa i jednocześnie niezwykle tradycyjna. Widzimy w nim te same słynne symetryczne fasady, frontony, włazy, portale, co w domach z lat ubiegłych. Architekci tej orientacji zaproponowali jedynie udekorowanie wyglądu budynków zaktualizowanymi rysunkami, które pozostały niezmienione w strukturze.

Czeski kubizm

Kiedy zakończyła się I wojna światowa, architekci Republiki Czechosłowackiej ponownie zajęli się swoim rzemiosłem, ale budynki były już inne. Nudne trójkąty powstałe w latach 20. zastąpiono półkolami i walcami. W tym momencie założyli architekturę zwaną rondokubizmem. W Pradze i Rotterdamie w XX wieku powstały budynki, których twórcom udało się wdrożyć na swój sposób jedno z najbardziej niestandardowych rozwiązań w architekturze kubistycznej.

Trend ten znalazł uznanie i swoje miejsce bezpośrednio w Pradze, gdyż jego korzenie sięgają nie tylko budowli geometrycznych, ale także typowej dla Pragi architektury gotyckiej. To właśnie techniki gotyckie i ich ostrość stały się głównymi zasadami Pawła Janaka, co wpłynęło na powstanie jego teorii architektury kubistycznej.

Znani Architekci

Czołowymi mistrzami kubizmu byli Pavel Janák, Josef Gonchar, Vlastislav Hoffmann, Emil Koalicek i Josef Chochol. Pracowali w Pradze, a także w innych miastach. Najbardziej znaną budowlą na świecie w stylu kubistycznym jest dom „Pod Czarną Matką Bożą” w Pradze, zbudowany przez Josefa Goczara.

Dziś wygląd tego domu może wydawać się codzienny i niczym nie wyróżniający się, jednak na początku XX wieku budowla ta była niezwykle nietypowa, a nawet nieco odważna. Vlastislav Hoffman zaprojektował pawilony wejściowe na cmentarz Diablicki, Josef Chokhol w pobliżu Wyszehradu zbudował kilka budynków mieszkalnych. Ponadto niedaleko Placu Wacława można zobaczyć kubistyczne latarnie zaprojektowane przez Emila Kralicka. Został także twórcą Diamentowego Domu w Pradze.

Niezwykłe miejsca

Najbardziej wyjątkowe i niesamowite budynki w stylu kubistycznym można dziś zobaczyć w Rotterdamie (w Holandii). To całe miasteczko domów w kształcie kostki, które powstały w latach 1978-1984 według projektu mistrza Pieta Bloma. Domy są trzykondygnacyjne, a ich łączna powierzchnia wynosi około 100 metrów kwadratowych. metrów. Nie mają prostych ścian, z wyjątkiem tych znajdujących się pośrodku. Na parterze znajduje się pokój dzienny i kuchnia, na drugim znajduje się gabinet, sypialnia i łazienka, na trzecim (ze szklanym dachem) wiele z nich posiada ogród zimowy.

5 najbardziej utalentowanych przedstawicieli kubizmu

  • Pablo Picasso, obraz „Les Demoiselles d'Avignon”;
  • Georges Braque, obraz „Dom w Estac”;
  • Juan Gris, obraz „Portret Picassa”;
  • Paul Cezanne, obraz „Pierrot i Arlekin”;
  • Fernand Léger, płótno „Budowniczowie”.

Interesujący fakt

Warto zauważyć, że Picasso stał się najdroższym, poszukiwanym i skutecznym kubistą. Jego obraz „Akt, zielone liście i popiersie” został wyceniony na 155 milionów dolarów. Wśród grabieżców dzieł sztuki na pierwszym miejscu znajdują się płótna. Łączna wartość samej oficjalnej sprzedaży obrazów przekracza 270 milionów.