TEATR to syntetyczna forma sztuki, która pozwala nam nie tylko słyszeć, nie tylko wyobrażać sobie, ale także patrzeć, widzieć. Teatr daje nam możliwość bycia świadkiem dramatów psychologicznych oraz uczestnikiem historycznych czynów i wydarzeń. Teatr, spektakl teatralny powstaje dzięki staraniom wielu artystów, począwszy od reżysera i aktora, a skończywszy na scenografie, ponieważ spektakl jest „połączeniem różnych sztuk, z których każda ulega przeobrażeniu i nabiera w tym planie nowej jakości”. ...”
Kostium teatralny jest składnikiem wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza. Dla aktora garnitur to materia, forma inspirowana znaczeniem roli.
Tak jak aktor słowem i gestem, ruchem i barwą głosu tworzy nową istotę obrazu scenicznego, wychodząc od tego, co jest podane w sztuce, tak artysta, kierując się tymi samymi danymi sztuki, ucieleśnia obraz poprzez środki jego sztuki.
W ciągu wielowiekowej historii sztuki teatralnej scenografia podlegała konsekwentnie ewolucyjnym przemianom, spowodowanym nie tylko doskonaleniem techniki scenicznej, ale także wszelkimi zmiennymi stylami i modami tamtych czasów. Zależało to od charakteru konstrukcji literackiej sztuki, gatunku dramaturgii, składu społecznego publiczności oraz poziomu warsztatu scenicznego.
Okresy stabilnych struktur architektonicznych starożytności ustąpiły miejsca prymitywnym etapom średniowiecza, które z kolei ustąpiły miejsca królewskim teatrom dworskim z samowystarczalnym luksusem przedstawień. Występy odbywały się w suknach, w skomplikowanych scenografiach konstrukcyjnych, tylko w oświetleniu, w ogóle bez dekoracji - na gołej scenie, na podwyższeniu, tylko na chodniku.
Rola kostiumu jako „ruchomej” scenerii zawsze była dominująca. Zmienił się punkt widzenia na jego "związek" z aktorem, czasem i historią, wreszcie z jego bezpośrednim "partnerem" - scenografią sceniczną.
W procesie postępującego rozwoju sztuki teatru nowoczesnego, nowatorstwa reżyserskiego, przemiany sposobu projektowania artystycznego rola sztuki kostiumowej nie słabnie, wręcz przeciwnie. Wraz z rozwojem swoich młodszych i bardziej elastycznych odpowiedników – kina i telewizji – teatr niewątpliwie nabywa w poszukiwaniu i dręczeniu nowych form techniki widowiskowej, właśnie takich, które broniłyby i określały pozycję teatru jako trwałej wartości niezależnego forma sztuki. Kostium, jako najbardziej mobilny element scenografii teatralnej, zajmuje w tych poszukiwaniach pierwsze miejsce.
Wysoka współczesna kultura sztuki teatralnej, subtelna i głęboka praca reżyserska nad sztuką i przedstawieniem, utalentowana gra aktorska wymagają od twórcy spektaklu szczególnie głębokiego wniknięcia w dramaturgię przedstawienia, bliskiego kontaktu z kierunek. Nowoczesne wzornictwo nie jest kanonizowane przez zasady. Jest indywidualny i konkretny w każdym konkretnym przypadku. „Praca reżysera jest nierozerwalnie związana z pracą artysty. Reżyser musi najpierw znaleźć własne odpowiedzi na podstawowe problemy scenograficzne. Artysta z kolei musi odczuwać zadania oprawy i wytrwale poszukiwać środków wyrazu…”
Kostium teatralny powstaje najpierw za pomocą środków wizualnych, czyli szkicu.
Kostium teatralny odgrywa ważną rolę w kształtowaniu pozytywnego wizerunku teatru wśród jego docelowych odbiorców.
Kostium teatralny to szerokie pojęcie i obejmuje wszystko, co sztucznie zmienia wygląd osoby, trzymając się jej ciała - to cały kompleks rzeczy: fryzura, makijaż, buty, nakrycie głowy i sama sukienka. Semantyczne znaczenie kostiumu jako maski cielesnej potwierdza również leksykalne znaczenie słowa „kostium”: „Słowo to zapożyczono z włoskiego „kostium”, co oznacza „zwyczaj”, „zwyczaj”, „zwyczaj”, „zwyczaj”, aw liczbie mnogiej - „mores” Kokuashvili N.B. Odzież jako fenomen kultury // Oznaki życia codziennego - Rostov-on-D., 2001. - P. 38-44 ..
Kostium teatralny zawsze odzwierciedla epokę, w której odbywa się przedstawienie. Aby stworzyć kostium teatralny, dekoratorzy korzystają z różnych źródeł informacji: fresków, rzeźb, obrazów, źródeł pisanych.
Kostium teatralny jest jedynym systemem zdolnym do sztucznej zmiany wyglądu osoby, podkreślenia lub zniszczenia harmonijnej jedności ciała lub jego poszczególnych części oraz stworzenia artystycznego wizerunku. Załóżmy taką realną sytuację: kiedy widzimy dziewczynę w sukience nadającej jej figurze kształt bliski ideałowi, możemy wykrzyknąć „Jaka piękna dziewczyna!”, co będzie oznaczać, że ten kostium spełnił swoją „funkcję estetyczną” uczynił osobę piękną. Liczne niefunkcjonalne detale, np. deseń, wykrój tkaniny, jej kolor, faktura, koronka, marszczenia, ozdobne guziki, hafty, aplikacje, sztuczne kwiaty itp. na pierwszy rzut oka są jedynie elementami zdobiącymi detale kostiumu Jednak po uważnej analizie okazuje się, że pomagają kształtować obraz, a figuratywna doskonałość jest jednym z potężnych źródeł piękna. W tym przypadku jeden aspekt estetyczny kostiumu teatralnego niepostrzeżenie przechodzi w inny, co można nazwać funkcją artystyczną kostiumu, mającą na celu stworzenie indywidualnego wizerunku, stylu.
Bez sporządzenia typologii kostiumu teatralnego nie sposób zbadać jego roli w kształtowaniu wizerunku teatru. Różnorodność kostiumów teatralnych można porównać z różnorodnością sytuacji życiowych czy postaci ludzkich, które ucieleśniają ten kostium na scenie. Głównym sposobem zrozumienia jego istoty jest typologia, podział na klasy, grupy, gatunki itp. w różnych płaszczyznach.
Nie ma ukończonych opracowań na ten temat. Chociaż warto zauważyć, że każdy autor, który zaczyna studiować kostium teatralny i kostium w ogóle, klasyfikuje go według jakiegoś kryterium. Znaczna część literatury na temat kostiumów to badania historyczne i etnograficzne, dlatego kostium jest podzielony ze względów geograficznych lub czasowych. W literaturze poświęconej zagadnieniom wyglądu elementów ubioru, ich opracowania, metod kształtowania wizerunku, garnitur zazwyczaj dzieli się ze względu na bryłę, budowę i funkcje.
Każdy rodzaj klasyfikacji otwiera nowe obszary badań, ujawnia nieoczekiwane problemy i nowe aspekty kostiumu.
Powiedzieliśmy już, że kostium teatralny należy rozumieć jako wszystko, co sztucznie zmienia wygląd osoby, trzymając się jej ciała, w tym odzież, nakrycie głowy, buty, fryzurę, biżuterię, akcesoria, makijaż. Definicja zawiera już pierwszą i główną klasyfikację - wymienione są podsystemy skafandra.
Główne płaszczyzny typologii:
1. Antropologiczny
a) w stosunku do ciała
Podstawą klasyfikacji jest stopień bliskości ciała, a co za tym idzie stopień oddziaływania na ciało.
Wymieniamy je od najbliższego do najdalszego: kolorystyka ciała (tatuaż, makijaż, makijaż), ubrania, buty, nakrycia głowy, biżuteria, dodatki (mają też inny efekt: np. okulary są bliżej niż torebka).
Wiele systemów, takich jak odzież, ma również różnice w sobie (bielizna i odzież wierzchnia).
Ten powód należy wziąć pod uwagę przy tworzeniu i konsumowaniu kostiumu teatralnego, ponieważ organizm ludzki może przyjąć tylko określone materiały, faktury, substancje. Cała historia produkcji kostiumów rozwija się w kierunku tworzenia najbardziej komfortowych i bezpiecznych dla zdrowia materiałów i substancji (makijaż, makijaż).
b) w odniesieniu do części ciała (rodzaje odzieży, nakrycia głowy, buty itp.)
Z tą klasyfikacją spotkaliśmy się już w definicji i dlatego można ją nazwać decydującą w systematycznym podejściu do badania kostiumów. Zbudujmy pełną hierarchię systemów i podsystemów kostiumu teatralnego.
Płótno. Zgodnie z metodą mocowania na ciele odzież dzieli się na talię (spódnice, spodnie, szorty, kalesony itp.) I ramię (koszule, sukienki, sukienki, płaszcze przeciwdeszczowe, płaszcze, futra, kurtki, T-shirty, swetry itp.) Konfiguracja i plastyczność ciała dyktują różnice w elementach kostiumu. Odzież zakładana jest na trzy części ciała - tułów, ręce i nogi.
Wszystkie ubrania są również podzielone na trzy warstwy: bieliznę, bieliznę i odzież wierzchnią.
Bielizna. Producenci dzielą bieliznę na trzy rodzaje: codzienną (praktyczną, wykonaną z gęstych materiałów naturalnych lub mieszanych, gładką), odświętną (elegancką, z wszelkiego rodzaju zdobieniami, pasującą do ubrań na specjalne okazje) intymną (otwartą, przezroczystą, z wszelkiego rodzaju ozdoby, detale nad głową (falbanki, kokardki, koronki, koraliki), często z nutą żartu.
W XII wieku pojawiły się eleganckie intymne stroje domowe (zwykle do porannej toalety): peniuar, polonez, peniuar, szmiz, które istnieją do dziś. W Europie w XIX wieku dzięki podróżom do tropików piżamy stały się znane.
Bielizna. Jest to najliczniejszy dział odzieży, trudno i niepraktycznie wymienić wszystkie jego rodzaje, cały ten wachlarz mieści się między bielizną a odzieżą wierzchnią. Należy jednak zwrócić uwagę na następującą cechę, która zależy od klimatu. W gorących krajach bielizna i bielizna są często łączone w dość odkrywcze ubrania noszone na co dzień, aby zminimalizować obecność materiałów na ciele. Natomiast odzież mieszkańców północy jest wielowarstwowa, co zwiększa liczbę rodzajów odzieży.
Sekcja marynarki: marynarka, sweter, marynarka, kamizelka, marynarka, sweter, smoking, frak, garnitur („dwa”, „trzy”, ze spódnicą lub spodniami), koszula (bluzka).
Obuwie: spodnie, szorty, skarpetki, pończochy, rajstopy.
Osobno podkreślamy sukienkę (sukienka) i spódnicę.
Odzież wierzchnia. Różnorodność rodzajów odzieży wierzchniej nie jest tak wielka, podział opiera się przede wszystkim na sezonach i oczywiście na wzornictwie i materiale. Wymieniamy główne rodzaje odzieży wierzchniej: kożuch, futro, płaszcz, kurtka, płaszcz, płaszcz przeciwdeszczowy.
Historycy kostiumów wyróżniają około siedemnastu rodzajów płaszczy.
Należy również zwrócić szczególną uwagę na niektóre elementy ubioru, które z reguły mają szczególną moc symboliczną - kołnierze, mankiety, krawaty (szaliki, szaliki), skarpetki (pończochy), paski (paski), rękawiczki (mitenki). Te drobne szczegóły mogą całkowicie zmienić ładunek informacyjny skafandra jako całości.
Buty dzielą się na: szyte, cięte i mocowane do nogi różnymi bandażami, wiklinowe.
Z założenia buty dzielą się na sandały i chodaki, buty, kozaki i kozaki.
Czapki. Nakrycie głowy zawsze było kojarzone z głową, dlatego ma silne znaczenie symboliczne. W dziełach sztuki nakrycie głowy mogło służyć jako zamiennik głowy.
Cała różnorodność biżuterii ze względu na jej przeznaczenie dzieli się na: odzież (broszki, spinki do mankietów, sprzączki, zapinki, szpilki), bieliznę (kolczyki, naszyjniki, łańcuszki, wisiorki, pierścionki, bransoletki) oraz biżuterię do włosów (spinki, tiary itp.). ).
Zgodnie ze sposobem mocowania świat biżuterii składa się z następujących podsystemów: szyja (łańcuszki, wisiorki, naszyjniki, naszyjniki, wstążki, wisiorki, koraliki, medaliony); ucho (kolczyki, klipsy, sztyfty); bransoletki (na ręce i nogi); palec (pierścienie, pierścienie); ozdoby do włosów (spinki, nakładki, wianki, tiary, pierścienie skroniowe, wstążki itp.).
Fryzura - dekoracja głowy, pod wieloma względami symbolizuje strukturę jej wewnętrznej treści, światopogląd każdej osoby i całą epokę.
Włosy na głowie, ponieważ pokrywają górną część ciała człowieka, symbolizują siły duchowe, moce wyższe, ucieleśniają duchowy stan człowieka. Włosy na ciele kojarzą się z wpływem irracjonalnych, niższych sił, biologicznych instynktów. Włosy oznaczają również płodność. W hinduskiej symbolice oznaczają one „linie sił” Wszechświata. Gęste włosy są ucieleśnieniem impulsu życiowego, kojarzonego z chęcią odniesienia sukcesu. Ważny jest kolor włosów. Ciemne włosy mają ciemną, ziemską symbolikę, jasne (złote) włosy kojarzą się z promieniami słońca, czystością i dobrocią, a wszyscy pozytywni bohaterowie mitologiczni i baśniowi mieli blond włosy (Królewna Śnieżka, Śnieżka, Złotowłosa). Miedzianorude włosy wskazują na demoniczny charakter i są kojarzone z Wenus. Od wieków istniał pogląd, że czarownica powinna być czerwona i że tacy ludzie zawsze mają szczęście. Wiele rytuałów związanych z czarami jest związanych z włosami jako duchową energią człowieka. Kiedy tracimy włosy, tracimy siły jak biblijny Samson. Odwrotną stroną wypadania włosów jest chętne poświęcenie. Wszyscy, którzy odrzucają życie ziemskie, aby wstąpić na drogę absolutnej ascezy, zobowiązani są do obcięcia włosów (tonsura monastyczna). Ludzie od dawna przywiązują dużą wagę do fryzur. Zdaniem Diderota fryzura uatrakcyjnia kobietę, a mężczyzna podkreśla jego cechy charakteru.
Makijaż. Poprzez makijaż aktor może zmienić swoją twarz, nadać jej tak wyrazistą formę, która pomoże aktorowi najpełniej i kompleksowo ujawnić istotę obrazu i przekazać ją widzowi w najbardziej wizualny sposób. Ale makijaż ma znaczenie nie tylko jako zewnętrzny rysunek postaci granej przez aktora. Nawet w procesie twórczym pracy nad rolą makijaż jest pewnym impulsem i zachętą dla aktora do dalszego ujawniania obrazu.
Pierwotne formy teatralnych charakteryzacji powstały na bazie magicznego bodypaintingu i rytualnej maski, bezpośrednio związanych z magicznymi i animistyczno-religijnymi wyobrażeniami człowieka pierwotnego.
2. Demograficzne
Wyraźnie widać podział na męskie i żeńskie elementy stroju, kolory, faktury, materiały.
Męskie - powściągliwe odcienie, z reguły ciemne, z przewagą czerni, często występują surowe kontrasty, tekstury są twarde, tkaniny są gęste, ciężkie, nieprzejrzyste, wzory i tekstury są geometryczne, techniczne.
Damska - pastelowe odcienie, cała różowa paleta, lekkie, miękkie tekstury, łatwe do układania, przezroczyste, z połyskiem, haftami, gipiurami, motywami kwiatowymi, roślinnymi, groszkami i miękkimi liniami w fakturach i wzorach, perłami i masą perłową - materiał na akcesoria i biżuterię.
Kostium teatralny może różnić się w zależności od płci albo drobnymi szczegółami (np. bok zapięcia), albo ogólnie całą formą. Tak więc w XVII wieku mężczyźni powszechnie używali eleganckiej koronki, ale teraz jest to przywilej kobiet, jeden z symboli kobiecości. Oznaki kobiecości i męskości oczywiście zmieniały się wśród różnych ludów iw różnych epokach, ale zawsze były obecne. Wyjątkiem może być koniec XX wieku z ideą unisex.
Od dawna istniały różnice między strojami dziecięcymi i dorosłymi. W ramach tych grup występują gradacje: małe dzieci, młodzież, młodzież, osoby w wieku dojrzałym, osoby starsze, osoby starsze. Kostium zawiera specjalne detale dla starszego pokolenia i specjalne dla młodszego pokolenia. Oto kilka przykładów: kokarda lub śliniaczek jest dla nas zawsze symbolem dzieciństwa, chusta zawiązana na głowie kobiety kojarzy się zwykle ze starością, tylko młodzi ludzie mogą nosić kostium z wyraźnymi oznakami erotyzmu. Takie stereotypowe symbole są mocno zakorzenione w kulturze.
Podobnie jak w przypadku płci, przyjmuje się podział na rysunki dzieci i dorosłych, kolory, faktury i materiały.
Koncepcja stroju dziecięcego jako niezależnej grupy powstała dopiero w drugiej połowie XVIII wieku w Anglii. Do tego czasu odzież dziecięca była tylko mniejszą kopią dorosłej. Ta separacja wynika w dużej mierze z dramatycznej komplikacji kostiumu, który sprawił, że był on zbyt niewygodny dla dzieci.
Główne płaszczyzny środowiskowe kostiumu teatralnego.
1. Historyczny (temporalny) - epoki, stulecia, okresy, lata ...
Ta klasyfikacja, zastosowana do kostiumu, jest najbardziej powszechna w naukach historycznych. Przy takim podejściu historia rzeczy i zjawisk jest badana z punktu widzenia ich przynależności do określonego czasu. Najbardziej powszechnie rozpoznawane główne gradacje to: prymitywność, starożytność, średniowiecze, renesans, wiek XVII, XVIII, XIX i XX. Rozwój kostiumu w tym przypadku jest uważany za proces liniowy, nacisk kładziony jest na znaki, które odróżniają jedną epokę od drugiej. Uwaga badacza skupiona jest na cechach stylistycznych stroju wspólnych dla wszystkich sztuk architektonicznych każdego okresu.
W każdej epoce zwyczajowo wyróżnia się mniejsze okresy, ich nazwy są dobrze znane.
2. Naturalne.
Przestrzenno-geograficzny. Tutaj najbardziej rzuca się w oczy podział na dwa bieguny – wschód-zachód. Oczywiście różnice wykraczają daleko poza geografię. Problem „Wschód-Zachód” poświęcony jest wielu pracom, a wszystkie omawiane w nich problemy znajdują odzwierciedlenie w kostiumie w taki czy inny sposób. Dalszy podział przebiega według prostego schematu: kontynenty, kraje, regiony, miasta, wsie, bloki miejskie.
Klimatyczny. Ze względu na to, że jedną z pierwszych funkcji skafandra była ochrona ciała przed wpływami natury, skafander zaczął się przede wszystkim różnić pod względem zdolności przystosowania się do różnych warunków klimatycznych i przyrodniczych.
Oczywiście w rzeczywistości płaszczyzny przecinają się, tworząc szeroki wachlarz warunków naturalnych, które wymagają specjalnego skafandra. Zimowa noc w południowym lesie i letni dzień w północnych górach, północne i południowe słońce, deszcz i wiatr w stepie iw lesie itp. w dużej mierze determinują różnorodność strojów ludów zamieszkujących naszą planetę.
Wraz z rozwojem działalności człowieka i przemysłu, nieustannie pojawiają się nowe skafandry, specjalnie przystosowane do przebywania w ekstremalnych warunkach naturalnych, które pozwalają ludziom przedostać się w najbardziej niedostępne zakątki Ziemi i niezbadane środowiska. Ludzkość opracowała sprzęt do zdobywania górskich szczytów, głębin morskich, nieprzeniknionych lasów deszczowych, pustyń i biegunów.
3. Etnograficzny - grupy etniczne, ludy, plemiona (obrzędy, zwyczaje). Jest to jedna z najczęstszych klasyfikacji kostiumów teatralnych. Większość literatury dotyczącej kostiumów to prace etnograficzne zawierające szczegółowe opisy strojów różnych społeczności etnicznych oraz związanych z nimi zwyczajów i obrzędów. Według takich badań dobrze jest zbadać takie zjawisko jak strój narodowy.
4. Odrębne ceremonie niektórych społeczności etnicznych.
Wiele prac poświęconych kostiumowi teatralnemu danej epoki opiera się na podziale na klasy. Ubiór różnych klas jest początkowo określony przez ich wrodzony sposób życia, jego ustalona forma działa jako znak wskazujący na jedną lub drugą warstwę społeczeństwa. Przywódca wyróżniał się wśród współplemieńców, był czczony jako osoba wyjątkowa. Krój i detale kostiumu mówią o statusie społecznym, tradycjach plemiennych itp. A we współczesnym świecie taka funkcja garnituru istnieje (na przykład w garniturze - im cieńszy pasek, tym wyższy status jego właściciela). Błędy tutaj zawsze były bardzo niepożądane i mogły urazić. Ludzie byli bardzo wrażliwi na swoją pozycję w społeczeństwie i zawsze starali się ją jakoś podkreślić w garniturze. Często różne klasy mają różne etyki, estetyki itp. normy, co znajduje również odzwierciedlenie w kostiumie. W społeczeństwie klasowym zewnętrzne znaki są po prostu konieczne, które określają charakter relacji i komunikacji.
Podczas przejścia od gospodarki produkującej na własne potrzeby do gospodarki rynkowej, z jej podziałem pracy i wymianą towarową, każda firma miała swoich profesjonalistów, a co za tym idzie, ten sam rodzaj garnituru. Jej forma w dużej mierze zależała od specyfiki działalności i zawierała elementy łączące ludzi tego samego zawodu w rodzaj korporacji, podkreślając w ten sposób wspólnotę zawodów, które odcisnęły piętno na ich charakterze, światopoglądzie i stosunku do innych. Charakteryzujemy nawet grupy ludzi przez nazywanie znaków lub elementów ich ubioru, na przykład: „ludzie w białych fartuchach”, „ludzie w mundurach”, „białe kołnierzyki” i od razu wszyscy rozumieją, o kim mowa.
Następujące zawody mają najlepiej zdefiniowane i łatwo rozpoznawalne kostiumy: wojsko, pracownicy medyczni, pracownicy firm transportowych, gastronomia itp.
Wyznanie. Ta typologia obejmuje badanie strojów przedstawicieli różnych religii, a także ich odłamów i ruchów heretyckich. Każda religia ustanawia i warunkuje określone formy ubioru, specjalny krój, sylwetkę, kolorystykę, dodatki i detale.
W zależności od stopnia wpływu religii na życie społeczeństwa w danym okresie, cechy te w taki czy inny sposób wpływają na wszystkie formy i typy strojów.
5. Estetyka – hierarchia stylów, zmiana mody itp.
Dość obszerna warstwa literatury poświęconej kostiumowi teatralnemu opiera się właśnie na tej klasyfikacji. Historia kostiumów teatralnych z reguły opiera się na rozważaniu różnych stylów kostiumów i mody, które zastępowały się nawzajem przez całe istnienie ludzkości. Badacze nowoczesności również aktywnie wykorzystują tę hierarchię w swojej pracy, uwzględniając paletę stylów obecnych zarówno w naszych czasach, jak i leżących u podstaw nauk o obrazach. W związku z tym należy zauważyć, że badanie stylu kostiumów opiera się na dwóch kierunkach: stylach historycznych i stylach współczesnych. Pojęcie „nowoczesny” obejmuje nie tylko style, które pojawiły się w ostatnich dziesięcioleciach obecnego stulecia, ale całą różnorodność stylów kostiumowych, którymi dysponują nasi współcześni, a także samo podejście do stylu jako narzędzia. Wynika to z faktu, że na obecnym etapie rozwoju człowieka styl obecnej epoki można określić mianem poliwariantności, tj. nie da się tego jednoznacznie określić, zależy od wielu przyczyn i łatwo zmienia się w zależności od sytuacji, nastroju itp. Dlatego wymienimy główne style historyczne, które powstały w określonej epoce, a następnie główne style, w których współczesny człowiek może się wyrazić. Oczywiście wiele nowoczesnych stylów opiera się na pewnych stylach historycznych.
Wymieniamy główne style historyczne:
Antyczny. Ciało było postrzegane jako lustro, które miało odzwierciedlać doskonałość świata. Kostium przestrzegał praw logiki i harmonii. Styl antyczny to obraz „kolumny greckiej”, dążącej do wyżyn światła i doskonałości. Zastosowanie tkanin o określonej szerokości zgodnie z rozmiarem krosna, ubrania nie są cięte, ale zebrane w pionowe fałdy, strój jest zaprojektowany zgodnie z budową sylwetki ludzkiej, buty są prawie jedną podeszwą.
Romański. Nosił dziedzictwo starożytności, ale z pewnymi ekscesami. Prosta, niesklejająca się suknia (szyta z dwóch części) została obszyta szeroką lamówką.
Gotyk. W tym czasie pojawiło się cięcie, które stało się niezwykle złożone i wirtuozowskie. Ubrania są dopasowane do sylwetki. Strój z tamtej epoki przypomina architekturę gotycką. Przewaga linii pionowych i spiczastych detali.
Renesans. Pragnienie harmonii, wyrażone w symetrii i braku ozdobników. We wszystkim - tylko naturalne proporcje. Współcześni próbowali stworzyć bogaty i elegancki kostium, który mógłby podkreślić godność osoby. Po raz pierwszy sukienka damska jest podzielona na długą spódnicę i gorset. Odzież wyróżnia się zastosowaniem drogich tkanin, skomplikowanymi zdobieniami, nietypowym projektem rękawów, połączeniem dwóch kolorów i materiałów.
Barokowy. Pojawienie się nowych materiałów, najpopularniejsze to aksamit i metal. Pogoń za luksusem i ekscentrycznością. Formalność, sztywność ciężkich strojów.
Rokoko. Sukienki stają się bardziej wdzięczne, ogromne stroje są zredukowane do bardziej ludzkich rozmiarów. Bogactwo fałd i połączeń z wykorzystaniem satyny, najbogatszej bielizny. Przewaga pastelowych barw w strojach i bogactwo dodatków.
Imperium. Podążał śladami dawnej mody (dotyczyło to tylko stroju damskiego). Cechy charakterystyczne: prostota linii, pionowe fałdy, przesunięcie linii talii pod biustem, bufiaste rękawy, głęboki dekolt. W męskiej garderobie pojawia się ciemny frak, który noszono z krawatem, wzorzystą kamizelką i cylindrem.
Elegant. Na początku XIX wieku wykształcił się typ skromnie, ale doskonale ubranego dżentelmena – dandysa. Główną cechą jest zewnętrzna prostota kostiumu w połączeniu z wysokimi kosztami i doskonałym krojem. Zwiększona rola krawata, który staje się jedyną przyciągającą wzrok ozdobą śnieżnobiałej koszuli.
Romantyzm. Ten styl najwyraźniej przejawia się w damskim garniturze, którego charakterystycznymi cechami są dopasowany gorset, szerokie rękawy, liczne falbany, marszczenia i kokardki, jasne odcienie, które tworzą wrażenie lekkości i delikatności.
Nowoczesny. Ego charakteryzuje się odrzuceniem wszelkich starych norm kostiumowych. Art Nouveau wyróżnia się esowatą sylwetką damskiego garnituru, luźnymi prześwitującymi sukienkami, dekoracyjnością i ekstrawagancją połączoną z fantastycznym wyglądem.
Dziś niektóre style rozwijają się w garniturze, inne rodzą się i umierają, po prostu nie sposób ich wszystkich opisać. Mimo to można wyróżnić kilka z nich, które mają charakterystyczne cechy i stale istnieją w nowoczesnym stroju. Rozważmy każdy z nich i po drodze wyjaśnijmy, jakie cechy psychologiczne możemy uzyskać dzięki garniturowi o określonym stylu.
Styl biznesowy. Często mieści się w definicji „klasyki”, a także nosi wiele elementów stylu sportowego. Główne cechy to rzeczowy, solidny, poważny, pewny siebie, przyzwoity, wzbudzający zaufanie, ściśle elegancki, wygodny. Ten styl wyróżnia się surowymi sylwetkami, przeważnie ciemnymi lub jasnymi powściągliwymi, stonowanymi kolorami, gładkimi materiałami (dozwolone są tylko niekontrastujące kraty i paski). Główną rolę odgrywa garnitur biznesowy w połączeniu z umiejętnie dobraną koszulą (bluzką), często białą. Nie bez powodu pracownicy wiedzy są nazywani „białymi kołnierzykami”. Szczególną uwagę zwraca się na jakość materiałów i wykonania. Surowość linii i stonowana niebiesko-szaro-brązowa gamma jest obecna we wszystkich dodatkach i innych systemach kostiumowych (fryzura, makijaż). Uosabia i podkreśla racjonalność, logikę, wolę, celowość, powściągliwość.
Styl na każdy dzień - do pracy, wizyt biznesowych, oficjalnych wyjazdów.
Romantyczny. Można go nazwać całkowitym przeciwieństwem stylu biznesowego, będąc uosobieniem emocjonalności, wrażliwości, rozmarzenia, czułości, sentymentalizmu. Oczywiście najczęściej występuje u kobiet. Można powiedzieć, że jest uosobieniem kobiecości, podkreślającym wszelkie atuty kobiecej sylwetki. Linie sylwetki są miękkie, gładkie, obfitość draperii, różnorodność charakterystycznych wykończeń (falbany, kokardki, falbanki, falbanki, koronki, foremki, falbany, hafty. Kolory delikatne, miękkie, wszystkie odcienie różu i błękitu Wzory i faktury - kwiatowe, roślinne, groszkowe, delikatna fantazja.Dodatki, fryzura i makijaż są wyrafinowane, wyrafinowane, pełne wdzięku.
Styl na randki, wypoczynek, wieczór, kawiarnię, teatr itp.
Sporty. Różne sporty dały światu różne rodzaje strojów - szorty, T-shirty, czapki z daszkiem, legginsy. Kolejnym źródłem stylu sportowego była odzież przeznaczona do działań militarnych (ciepłe, wygodne kurtki, kombinezony, hełmy, metalowe okucia, naszywane kieszenie, raglanowe rękawy). Sylwetki tego stylu są proste, trapezowe, rzadziej półprzylegające i dopasowane.
Bogata paleta kolorystyczna, częste kontrasty kolorystyczne i fakturalne, obfitość dodatków, pasków, emblematów, naszywek. Główne cechy stylu: wygoda, funkcjonalność, luz, dynamika.
Odmiany stylu - „safari”, dżinsy, marynarka.
Styl na wycieczki, rekreację poza miastem, w domu, dla osób aktywnych, dynamicznych, ceniących praktyczność i wygodę w garniturze.
Folklor. Ukształtowany na podstawie stroju ludowego. Główne cechy psychologiczne to wyraźny związek z określonym ludem, tradycjonalizm, mądrość ludowa, spokój, skojarzenia z wiecznymi wartościami. Sylwetki z reguły są proste, z wyrazistymi detalami strojów ludowych. Naturalne materiały i kolory, najczęściej spotykany wzór to geometryczny, który dobrze komponuje się ze strukturą tkaniny. Zastosowanie takich wykończeń jak haft, mereżka, koronka, tkanie, aplikacja, technika patchworku, frędzle, koraliki, metalowe detale.
Styl ma zastosowanie podczas imprez rekreacyjnych, teatralnych i koncertowych, z przyjazną komunikacją z obcokrajowcami.
"Kraj". Pod wieloma względami jest zbliżony do stylu folklorystycznego, chociaż nie wyraża wyraźnie znaków tego czy innego stroju narodowego. Ten styl jest bardziej fantazją, wariacją na temat wiejskiego życia, w której czasami odgaduje się cechy wielu strojów ludowych. Pod względem oddziaływania psychologicznego styl ten zbliżony jest do sielankowego, promieniującego luzem, przyjemnego relaksu, beztroski, rozmarzenia, niewinności, romantycznego wyobrażenia o życiu i naturze. Kolory, rysunki i materiały są naturalne: płótno, słoma, batyst, kwiaty, kolory pastelowe, wesołe rysunki kwiatowe, jasna krata, głównie kolory szaro-brązowe.
6. Produkcja.
Przede wszystkim należy rozróżnić materiały sztuczne i naturalne, które mają różne metody przetwarzania i cechy konsumenckie.
W większości przypadków materiał radykalnie wpływa na ogólny kierunek i charakter kształtowania. Tutaj podstawą są właściwości fizyczne materiału, które determinują rozwiązanie konstrukcyjno-przestrzenne i plastyczne rzeczy. Różnorodność form dramatycznie wzrasta, gdy łączy się różne materiały.
Według technologii.
Obróbka materiału determinuje również formę. Stale udoskonalane technologie pozwalają na dokonywanie na obecnym etapie niezwykłych cudów. Ale były czasy, kiedy projekt i wymiary skafandra były określane przez szerokość krosna. W dziejach ludzkości dla celów badawczych można wyróżnić trzy główne okresy: ręczne, maszynowe i informacyjne metody wytwarzania.
Przy danych materiałach i technologiach położenie materiału w przestrzeni (konstrukcji) determinuje również różnorodność form.
Powyższe klasyfikacje przecinają się, tworząc złożoną sieć. Nie odsłaniają jednak istoty przedmiotów – głębokich zasad ich tworzenia, funkcjonowania i wartościowania.
Każdy rodzaj tworzenia kostiumów implikuje własne cele, własne rozumienie doskonałości i piękna rzeczy, opiera się na własnej mierze i systemie zasad. Jeśli na biegunie praktycznej użyteczności całkowicie dominuje racjonalna kalkulacja i poleganie na obiektywnych prawach natury, to na przeciwległym biegunie artystycznym dominuje zasada irracjonalności - intuicja, subiektywne skojarzenia, podświadomość, uwarunkowane reprezentacje itp.
Każdy z tych początków może pełnić inną rolę, od dominacji po całkowite poddanie. W zależności od położenia form kostiumowych na tej osi wyróżnia się sześć głównych typów twórczości przedmiotowej, a zatem sześć rodzajów formacji kostiumowej.
1. Racjonalno-utylitarny. Tutaj praktyczna funkcja kombinezonu jako użytecznej rzeczy jest maksymalnie urzeczywistniona. Dzięki takiemu podejściu dąży się do jednego celu - zapewnienia ochrony przed wpływami zewnętrznymi, łatwości użytkowania. Tutaj zaliczamy wodery, hełmy, mundur żołnierski itp.
2. Racjonalno-estetyczny. Tu obok poprzedniej funkcji pojawia się nastrój piękna rzeczy, rozumianego jako konsekwencja jej wszechstronnej praktycznej doskonałości. Tutaj możemy zaliczyć odzież roboczą, wiele rodzajów odzieży codziennej itp.
3. Holistyczny. Ten rodzaj twórczości ma na celu stworzenie formy, która harmonijnie łączy skrajności, nadając rzeczom integralność artystyczną i praktyczną. Większość rodzajów kostiumów należy do tego typu, który jednocześnie pełni funkcję rzeczy doskonałej i znaku.
W poniższych typach zasada artystyczna kostiumu teatralnego odgrywa wiodącą rolę.
4. Stylizacja. W tym typie wyrazista forma przedmiotu często traci związek z jego praktyczną podstawą. W piątym typie przedmioty twórczości nie są już użyteczne praktycznie materialnie, ale duchowo. Piękno w ozdobnym kostiumie nie jest już bezpośrednio związane z praktycznym początkiem. Za pomocą formy znanych stylów nadawane są rzeczom cechy pierwowzoru, aureola skojarzeń z nim związanych. Ten rodzaj kostiumu działa głównie jako zestaw znaków, które tworzą wizerunek noszącego. Często też używamy takich ubrań w życiu codziennym, stosując różne style ubioru w zależności od sytuacji i mody.
5. Dekoracyjne. Kostium w dużej mierze traci swoje praktyczne znaczenie, a jego forma podlega pewnej idei artystycznej, dla której ucieleśnienia zaangażowane są różne środki obrazowe. Obejmuje to przede wszystkim stroje karnawałowe i obrzędowe.
6. Artystyczny. Ten ostatni typ przenika w samo jądro iluzorycznego świata figuratywnych modeli rzeczywistości. Praktyczne momenty pojawiają się tylko w produkcji dzieła, aby zapewnić jego istnienie. Ten typ jest przejawem „sztuki wysokiej”, w której piękno może ustąpić miejsca innym stosunkom estetycznym. Kostium działa jak dzieło sztuki i spełnia wszystkie funkcje właściwe sztuce, zwłaszcza w połączeniu z osobą, która go ubrała. Ten typ obejmuje kostiumy sceniczne, kolekcje znanych projektantów. Są skupiskami idei i obrazów, a ich twórcy nazywani są kostiumografami.
Jak wykazała analiza, klasyfikacji kostiumów teatralnych można dokonywać na różnych płaszczyznach. Wybór płaszczyzny rozważań każdorazowo zależy od celów badania.
Na podstawie książki Zakharzhevskaya R. V. „Historia kostiumu”
Wstyd się przyznać, ale jestem typem reżysera i aktora, dla którego kostium sceniczny nie ma znaczenia. Tak naprawdę jest mi wszystko jedno, co mam na sobie na scenie, a nawet najdokładniejszy kostium nie pomaga mi lepiej przyzwyczaić się do wizerunku postaci, bo o wiele ważniejsze jest dla mnie dopasowanie wewnętrzne. Jako reżyser nigdy nie trzymam się epoki ani miejsca, wolę myśleć, że to nie ma znaczenia i że historia, którą chcę opowiedzieć, mogłaby wydarzyć się gdziekolwiek i kiedykolwiek. Przyczyną takiej obojętności wobec komponentu wizualnego we mnie jest prawdopodobnie moja całkowita ignorancja w zakresie sztuk wizualnych i niedorozwój percepcji wzrokowej. Ale sam rozumiem, jak bardzo się mylę i ile przez to tracą moje produkcje.
Czym więc jest kostium sceniczny i dlaczego jest ważny zarówno dla aktora, jak i dla całej produkcji? Kostium teatralny jest składnikiem wizerunku scenicznego aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza. Błędem jest myśleć, że garnitur ogranicza się tylko do ubrania. To także makijaż, fryzura, buty, dodatki (parasole, szaliki, szaliki, teczki, torby, czapki, biżuteria). Tylko w takim kompleksie rzeczy koncepcja kostiumu jest kompletna.
Dla aktora garnitur to materia, forma inspirowana znaczeniem roli. Claude Autan Lara, znany francuski reżyser filmowy, pisze w artykule „Kostiumograf w kinie musi ubierać postacie”: pejzaż, strój oddaje stan umysłu: dzięki niemu każdy z nas odsłania jakąś część swojej osobowości , jego przyzwyczajenia, jego upodobania, jego poglądy, jego zamiary... Kostium mówi, że ta osoba właśnie zrobiła, co zamierza zrobić, dlatego kostium w kinie musi być przede wszystkim wskazówką psychologiczną. .. "
Już podczas prac przygotowawczych nad sztuką czy filmem artysta rysuje szkice kostiumów, zaczynając od idei zawartej w dramaturgii, pomysłu reżysera, decyzji stylistycznej przyszłej produkcji i oczywiście od charakterystyki postaci. Szkic sugeruje styl noszenia kostiumu, chód, uwzględnia niezbędną deformację sylwetki, ułożenie głowy, ruch rąk i sposób ich trzymania, ostrość rysunku sylwetki, aktora w kostiumie.
Zły kostium może „zabić” aktora; dobrze - „podbić”, dać klucz do zrozumienia roli, do ujawnienia pewnych cech postaci. Jeśli kostium jest niewygodny, jeśli spada, pęka, klei się do rekwizytów i scenerii, utrudnia poruszanie się, to aktor (a wraz z nim widzowie) będą przez niego nieustannie rozpraszani, zapominając o linii roli. Jednocześnie dobry kostium, odzwierciedlający charakter postaci, pozwoli lepiej przyzwyczaić się do roli, poczuć prawdę, a nawet stworzyć wymagany stan emocjonalny.
Co więcej, widz jest również w stanie rozważyć wiele cech postaci po prostu na podstawie jego wyglądu. Przypomnij sobie przynajmniej Charliego Chaplina z jego słynnym włóczęgą. „Melonik, wąsy i laska mówią o pomyślności, ale jakież smutne rozczarowanie przeżywamy, gdy nasz wzrok ślizga się po workowatym surducie i opadających na buty „zagranicznych” spodniach! Nie, życie się nie powiodło! Tak umiejętnie zagrane części ubioru, zbudowane kontrastowo, stworzyły niezapomniany pod względem perswazji i siły oddziaływania obraz, który stał się symbolem „małego człowieczka”.
Kostium jest w stanie wyrazić cechy psychiczne bohatera, tj. zdradzać cechy jego charakteru (życzliwość, skąpstwo, buta, skromność, śmiałość, rozmach, kokieteria itp.) czy stan umysłu i nastroju. Charakter osoby zawsze odzwierciedla się w jej wyglądzie. Jak się nosi garnitur, jakimi detalami jest dopełniony, w jakich zestawieniach jest wykonany – to cechy, które zdradzają charakter właściciela. I aktor musi o tym pamiętać. Elegancka dama w normalnym stanie umysłu nie może być nieostrożna w garniturze. Odpowiedzialny oficer nie może sobie pozwolić na niezapięcie wszystkich guzików munduru. Z drugiej strony, właśnie takie odchylenia od normy dadzą szczególny stan emocjonalny bohatera.
Kostium może również wyrażać cechy społeczne bohatera. Po kostiumie widz bezbłędnie rozpoznaje bogatych i biednych, wojskowych i inteligencję, szlachtę i mieszczan.
Ponadto kostium na scenie może zmienić postać aktora nie tylko w zależności od wizerunku i wieku, ale także w zależności od mody. Deformacja, jeśli nie mówimy o plastycznej zmianie sylwetki za pomocą grubości lub nakładek, odbywa się poprzez zmianę proporcji głównych linii sylwetki i specjalny krój garnituru, przesuwanie linii talii, różne formy gorsetu. Takie zmiany mogą być wielką pomocą w kreowaniu ról postaci i bohaterów żyjących w danej epoce.
Nie wystarczy mieć dobry kostium dla aktora. Pracuj w garniturze. To „osiedlenie się”, „starzenie się”, „zużycie się”. To także rodzaj psychologicznej pracy z kostiumem, jeden z realnych środków „rewitalizacji” i „uduchowienia” kostiumu. Nie mówię o tym, że po prostu trzeba się przyzwyczaić do kostiumu, bo im szybciej aktor znajdzie kostium, tym szybciej zacznie w nim ćwiczyć, tym lepiej. Tak więc zakończenie tworzenia obrazu-kostiumu pozostaje w gestii aktora: jak go pokona, jak się do niego przyzwyczai, jak będzie mógł go nosić.
Kostium oczywiście odzwierciedla czas i miejsce akcji. Jest to szczególnie ważne w codziennych i realistycznych przedstawieniach. Jeśli kostiumy są adekwatne do epoki lub pięknie do niej stylizowane, widzowie będą mieli większe zaufanie do tego, co dzieje się na scenie. Nie mówię tu o wpadkach kostiumowych w filmach, które szczególnie żrący widzowie odkładają potem na długo i z przyjemnością (przykłady można przeczytać).
Kostium, podobnie jak scenografia, zależy od stylu przedstawienia. „...Przychodzi taki moment, kiedy reżyser jakby nagle odkrywa, że znalazł rozwiązanie spektaklu i od tego momentu będzie miał już klucz do każdego szczegółu. Odnaleziony styl podpowie Ci, jak aktorzy powinni chodzić, jak siedzieć, czy mówić romantycznie optymistycznie, czy na co dzień twardo stąpać po ziemi. Ten sam styl powie Ci, czy dekoracje mają być proste, czy wyszukane, czy meble autentyczne, czy wesoło pomalowane z tyłu; czy kostiumy powinny być łączone w ostrych kontrastach kolorystycznych, czy też być tego samego typu?..” Cechy stylistyczne, w tonacji, w jakiej decyduje się wykonanie, określane są przede wszystkim miarą ich potrzeby rozpoznania gatunku utworu dramatycznego i odsłonić jego istotę. Dlatego na przykład kostiumy w Hamlecie Ljubimowa, Nyakroshyus i Zeffirelli tak bardzo się od siebie różnią.
Czasem kostium może stać się samodzielnym symbolem, gdy widz odbiera go już nie tylko jako strój bohatera, ale odczytuje zamysł reżysera, metaforę zawartą w kostiumie. Mówiłem już o tym, wspominając o Charliem Chaplinie, którego kostium stał się symbolem zarówno „małego człowieczka”, jak i samego Chaplina. Czerwona suknia bohaterki spektaklu „Kalkverk”, o który mi chodzi, nadaje jej cechy demoniczne, postrzegana jest jako zagrożenie, niebezpieczeństwo. Co więcej, sama zmiana zwykłej szarej sukni na jaskrawoczerwoną wskazuje na nierzeczywistość tego, co się dzieje, że to tylko sen stworzony przez chorą wyobraźnię bohatera.
Chciałem też napisać kilka praktycznych wskazówek, ale już wyszedł „arkusz”. Oczywiście ten temat jest interesujący i ogromny. Jestem dopiero na początku jej odkrywania, więc na pewno jeszcze nie raz do niej wrócę.
Podsumowując:
1. Kostium jest sposobem na ujawnienie charakteru postaci.
2. Kostium może zmienić postać aktora.
3. Kostium odzwierciedla czas i miejsce akcji, styl epoki.
4. Kostium jest ważną częścią wyrazistej decyzji i stylu sztuki lub filmu.
5. Garnitur może stać się symbolem.
Pojawienie się kostiumu teatralnego jako takiego ma swoje korzenie w starożytności. Od czasów starożytnych w teatrze starożytnego Wschodu istniał kostium teatralny. W Chinach, Indiach, a także w Japonii klasyczny kostium teatralny jest symboliczny i konwencjonalny. W teatrze ważna jest także symbolika dekoracji, wzory na tkaninach i kolor.
Kostiumy w teatrze są zwykle tworzone dla każdego przedstawienia i dla konkretnego aktora, ale zdarzają się też takie kostiumy teatralne, które są niezmienne i generalnie jednakowe dla wszystkich zespołów.
Europejski kostium teatralny pojawił się po raz pierwszy w starożytnej Grecji, gdzie, jak wiadomo, teatr jako taki narodził się, a następnie rozwijał i przechodząc wiele zmian, przekształcił się w nowoczesny. Najważniejszą rzeczą w greckim teatrze był kostium, powtarzający codzienne ubrania Greków. Również do przedstawienia teatralnego potrzebne były duże maski z różnymi wyrazami twarzy, aby widzowie z daleka mogli zobaczyć emocje aktorów i buty na wysokich trybunach - coturnes. Każdy kostium w teatrze greckim miał specjalny kolor, na przykład wskazujący na przynależność do określonego zawodu lub stanowiska. Strój teatralny zmieniał się w zależności od koncepcji spektaklu.
W tym miejscu warto ujawnić istotę pojęcia „kostium teatralny”.
Wielka sowiecka encyklopedia podaje następującą definicję: „kostium w teatrze (od włoskiego kostiumu - zwyczaj) jest jednym z ważnych elementów projektu przedstawienia - ubraniami, butami, kapeluszami, biżuterią i innymi przedmiotami używanymi przez aktor do scharakteryzowania obrazu scenicznego stworzył je na podstawie intencji dyrektora generalnego; niezbędnym dodatkiem do kostiumu jest makijaż i fryzura ”Kostium w teatrze to szczególny obszar pracy artysty, w którym może on wcielić się w ogromną liczbę obrazów, przekazać charakter postaci. Kostium teatralny kształtuje wyobrażenie widza o osobowości postaci, pomaga poczuć ducha tamtej epoki, zrozumieć charakterystyczne cechy odzwierciedlone w wyglądzie aktora.
kostium teatralny zgodnie z definicją Zakharzhevskaya R.V. jest to „składnik scenicznego obrazu aktora, są to zewnętrzne znaki i cechy portretowanej postaci, które pomagają w reinkarnacji aktora; środków artystycznego oddziaływania na widza.
Z biegiem czasu w teatrze rozwinęły się trzy główne typy kostiumów teatralnych: postać, gra i strój postaci. Istniały one od samego początku teatru, choć nie były jasno określone, tego typu kostiumy przetrwały do dzisiejszego teatru nowożytnego.
„Kostium postaci jest to kompozycja figuratywno-plastyczna, która jest częścią wizerunku aktora-performera. Kostium jest nieodłączną częścią postaci, napędzaną i wyrażaną przez aktora”. Prymitywne pierwowzory kostiumów postaci były integralną częścią obrzędów i rytuałów w wielu krajach świata. Czasami kostium może całkowicie ukryć postać aktora.
Kombinezon do gry- jest środkiem do zmiany wyglądu aktora i ważnym elementem w odgrywaniu roli. W przedstawieniach rytualnych i folklorystycznych kostium teatralny miał najczęściej charakter groteskowo-parodystyczny, np. wtedy, gdy trzeba było podkreślić, ośmieszyć, paradować, zwrócić uwagę na absurdalność sytuacji. Mężczyźni przebrani za kobiety i odwrotnie, ludzie przedstawiali różne zwierzęta. Do produkcji takiego kostiumu odpowiednie są wszelkie materiały, które mogłyby podkreślić wizerunek postaci. Stosowano różne materiały i elementy ubioru: nakrycia głowy - nauszniki, kożuchy, osłonki, różne sztuczne ozdoby, koraliki, dzwonki.
Kostium jako ubranie postaci, jest głównym w przedstawieniu, to na podstawie tego kostiumu powstają kostiumy postaci i gry. Teatr zawsze odzwierciedlał współczesną modę. Na przykład w praktyce teatralnej często używano kostiumów zbliżonych do strojów z czasów, w których wystawiano przedstawienie. Technika ta wywodzi się z czasów starożytnego teatru greckiego i jest obecna w teatrze do dziś. Tworzenie tego typu kostiumów odbywało się na zasadzie przejścia od formy ubioru zbliżonej do wyglądu (w teatrze odrodzenia) do większego podobieństwa do strojów historycznych, narodowych, osiągnięcia dokładności i autentyczności. Później, w teatrze naturalizmu, kostium zaczyna w pełni odpowiadać charakterowi postaci, z największą dokładnością oddaje jego stan umysłu, wygląd coraz wyraźniej oddaje elementy obrazu. Kostium zawsze był i pozostaje szczególnym obszarem twórczości artystów, którzy opracowują i wymyślają nie tylko fantastyczne kostiumy, ale nawet, jak się wydaje, z najzwyklejszych ubrań domowych tworzą prawdziwe dzieła sztuki.
Kostium teatralny jest ważną i integralną częścią każdego przedstawienia teatralnego. Teatr jest prawdopodobnie najbardziej publiczną formą sztuki i dlatego jest przeznaczony bardziej do pokazywania. Zwykle wychodząc z sali publiczność tak charakteryzuje występ: był spektakularny, znakomita gra aktorska, cudowna sceneria, znakomita inscenizacja. Z tego wszystkiego widzimy, że praca artysty ma wpływ na prawie wszystkie aspekty przedstawienia teatralnego.
W czasie występów i obrzędów folklorystycznych mistrzami strojów byli bezimienni mistrzowie, często bufony samodzielnie wymyślały dla siebie strój i ożywiały go improwizowanymi, niedrogimi i dostępnymi środkami. Teatr nie zawsze był publiczny, przez długi czas kształtował się w tym kierunku. Aktorów zawodowych było niewielu, a przedstawienia prowadzili głównie aktorzy samoucy. Prawa, które chroniły bogatych, szlachtę i obszarników, walczyły z włóczęgami, w tym z aktorami, o powstrzymanie ucieczek z niskopłatnej pracy, co hamowało rozwój zawodowców w teatrze.
W dobie feudalizmu sztuka teatru znajduje odzwierciedlenie w przedstawieniach wędrownych artystów. Kostium w ich pomysłach wyglądał tak samo jak strój ich współczesnych z biednych, ale był ozdobiony jasnymi wstążkami i dzwoneczkami. W tym czasie pojawiły się przedstawienia zwane misteriami, charakterystyczną cechą przedstawień był przepych, jasność, dekoracyjność, nie dzieliły się też na akty i moralność. Występy stają się widowiskiem dworskim, pięknym i emocjonującym. Obecna była sama sceneria, która nie zmieniała się przez cały spektakl, w przeciwieństwie do współczesnego przedstawienia teatralnego. Głównym wymogiem kostiumu teatralnego w misterium było bogactwo, luksus i nie ma to znaczenia dla głównych lub drugoplanowych ról, kostium był warunkowy, unikano detali. Kostium moralitetu był skromniejszy ze względu na swoją pouczającą treść.
Jak wszystkie rodzaje sztuki, ogromny skok w rozwoju teatru miał miejsce w renesansie, w tym samym czasie również kostium teatralny ulegał znaczącym zmianom, na co duży wpływ miała ówczesna moda, a także scenografia. Aktorzy komediowi wyśmiewali przestępców, dawali dowcipne, celne, a czasem złośliwe opisy bohaterów spektakli. Później, w drugiej połowie XVI wieku, kostium w teatrze zbliżył się do arystokratycznego stylu ubioru, w zależności od roli mógł to być strój błazeński. Kostiumy teatralne wykonywali już wykształceni rzemieślnicy: krawcy, plastycy, dekoratorzy, było zapotrzebowanie na te zawody.
Głównym gatunkiem teatru klasycznego w XVII wieku była tragedia, aktorzy ubrani w kostiumy, powtarzający codzienne stroje dworzan i służby, na projekt spektaklu miały wpływ gusta i zainteresowania arystokracji. Ludwik XIV w 1662 roku swoim występem na festiwalu w Wersalu rozpowszechnił w teatrze europejskim na sto lat nowy typ kostiumu dla bohaterów tragicznych, występujący w stylizowanym stroju „rzymskim” stworzonym na podstawie stroju dworskiego z dodatkiem kirysu i krótkiej spódnicy. Kostiumy damskie były odbiciem nowoczesności, jednak bardziej zdobione i haftowane niż na co dzień.
We wszystkich pracach poświęconych historii kostiumów wyróżnia się okres Moliera, a ponieważ moda zawsze znajdowała odzwierciedlenie w teatrze, okres ten stał się znaczący dla kostiumu teatralnego. W kostiumie teatralnym zaczęły pojawiać się trendy realistyczne, Molière w swoich przedstawieniach ubierał aktorów w nowoczesne stroje różnych warstw społecznych. Ważnym osiągnięciem w rozwoju kostiumu teatralnego było odrzucenie pretensjonalności i przepychu przez aktora D. Garricka, starał się on zredukować kostium do odgrywanej roli, odsłaniając charakter bohatera, pomagając zrozumieć jego istotę.
Dla naszej pracy szczególnie interesujący jest wkład Voltaire'a w historię kostiumów teatralnych - pragnienie dokładności historycznej, narodowej i etnograficznej. Odmowa pudrowanych peruk, masywnej cennej biżuterii, w której wspierała go aktorka Clairon. W trakcie reformy zmodyfikowano stylizowany strój „rzymski”, zrezygnowano z tradycyjnego tunelu, zniknęła też nadmierna przepych, która utrudniała poruszanie się.
W XVIII wieku strój zmienił się całkowicie, zrywając ze starymi tradycjami, kostium staje się historycznie wiarygodny i wykonany według szkiców artystów, dużą wagę przywiązuje się do makijażu, fryzury, ale historyczną dokładność osiąga się tylko w niektórych szczegółach. Dopiero w XIX wieku, w związku z rozwojem sztuki reżyserskiej, podjęto próbę powiązania kostiumu z ideą spektaklu, dostrzeżenia ducha epoki w tworzeniu spektaklu. Wiadomo, że dramatopisarze osobiście brali udział w wystawianiu sztuki i czuwali nad przebiegiem akcji, brali też odpowiedzialność za szkice scenografii i kostiumów, ściągając do pomocy znanych artystów. Wśród autorów szkiców kostiumów byli E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. i C. Boulanger, A. Deveria i inni.W tym okresie szczególnie dbali o rzetelność i dokładność, choć nie wszystkim to się udało .
W Anglii historyczną poprawność kostiumu teatralnego poświęcono aktorowi W.C. Macready, aktorka E. Vestris. Niektórzy reżyserzy w przedstawieniach historycznych starali się jak najdokładniej oddać scenę, odtworzyć kostiumy dokładnie zgodne z tamtymi czasami, przywiązując dużą wagę do makijażu i fryzury. Oczywiście takie celowe dążenie do autentyczności, historyczności i dokładności nie mogło nie doprowadzić do fali zaprzeczania. Pod koniec XIX wieku wielu wybitnych reżyserów i artystów dążyło do odejścia od rutyny naturalizmu i walki z realizmem w sztuce, co doprowadziło do powrotu konwencji i stylizacji. Stało się tak, ponieważ wierzono, że teatr powinien powoływać do życia coś nowego, bajkowego, nierealnego, a nie powtarzać codzienności ludzkiego życia.
Później, na początku XX wieku, kostiumami teatralnymi zaczęli zajmować się wybitni i znani artyści, wnosząc odzwierciedlenie swojej twórczości do tego typu sztuki, kształtując prawa kostiumowego wykonania, działając jako pionierzy. Na obecnym etapie rozwoju sztuki teatralnej artyści dążą nie tylko do odzwierciedlenia w swoich dziełach idei sztuki, ale także do uczynienia kostiumów teatralnych samodzielnym dziełem sztuki, wyrażenia siebie, uwolnienia się od fantazji , aby pokazać swoją wizję kreatywności.
Z historii kostiumu teatralnego widzimy, jak gorliwie artyści traktowali ten rodzaj sztuki, więc znaczenie roli kostiumu teatralnego w sztuce nie budzi wątpliwości. W naszym opracowaniu szczególną uwagę zwróciliśmy na następujących artystów, którzy tworzyli szkice do spektakli teatralnych: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (zob. Załącznik nr 1). W trakcie rozwoju kostiumu teatralnego widzimy, jak znani artyści i bezimienni mistrzowie pracowali nad stworzeniem artystycznego obrazu, a nawet reprezentowali dzieła sztuki ze zwykłego kostiumu, pracowali twórczo, próbując opowiedzieć widzowi o wyjątkowości i znaczeniu tej postaci w każdym Szczegół. Kostium teatralny to fuzja wielu sztuk, w jego tworzenie zaangażowanych jest wielu mistrzów różnych kierunków, jeden tworzy szkic, drugi ozdabia haftem, trzeci zajmuje się dodatkami i rekwizytami. Istnieją pewne etapy pracy nad stworzeniem kostiumu teatralnego.
Artysta, zanim przystąpi do tworzenia kostiumu teatralnego, musi zadać sobie pytanie: co ma stworzyć, dla kogo iw jaki sposób? Odpowiedzi na te pytania wymagają od doświadczonego artysty znajomości atmosfery i obrazu spektaklu, obecności odpowiedzialności wobec publiczności i doskonałej znajomości publiczności, a także znajomości wszystkich technik i technik, za pomocą których może wyrazić wszystko. Kostium teatralny, mimo że jest samodzielnym dziełem sztuki, jak wszystko w spektaklu, ma wspólną fabułę. Pomysł, idea jest w centrum wszystkiego, dyktuje treść każdej postaci, jej status społeczny, moralną stronę jego osobowości, a co za tym idzie, jego wygląd, ponieważ wszystko to jest ze sobą powiązane. W praktyce teatralnej wyróżnić trzy etapy pracy nad stworzeniem kostiumu: praca z literaturą, nagromadzenie materiału na ogólny temat spektaklu, praca nad szkicem i wreszcie realizacja szkicu w materiale, ucieleśnienie w fakturze. Decydując się na ogólny projekt kostiumów spektaklu, wybierając technikę pracy nad szkicami kostiumów, a nawet wybierając materiał i dodatki, kostiumograf kieruje się główną ideą spektaklu. Idea wyrażona w scenariuszu dominuje nad wszystkim: kostiumami, scenografią, charakterystyką postaci.
Ważnym warunkiem w pracy kostiumografa jest osiągnięcie jedności idei spektaklu i jego realizacji. W kostiumie teatralnym ważne jest stworzenie obrazu scenicznego. Na obraz sceniczny w kostiumie teatralnym składa się pomysł reżysera, podkład dramatyczny, dynamika i rytm. Dynamika obrazu i ewolucja charakteru bohatera oraz wszystko, co dzieje się na scenie, skłania artystę do kilkukrotnej zmiany wyglądu aktora na scenie, nie tylko w kostiumie, ale także w makijażu i fryzurze. Kostium powinien pomóc przekazać widzowi najmniejszą zmianę wizerunku aktora.
Kostium jest najważniejszą częścią przedstawienia teatralnego, ponieważ jest najbardziej związany z aktorem. Nie zapominajmy, że kostium jest zewnętrznym wyrazem charakteru postaci, integralną częścią obrazu scenicznego i tworzy wokół aktorów szczególną atmosferę, ważną nie tylko dla odgrywania roli, ale także dla publiczności. Często w podtekście spektaklu pozostają cechy postaci, o których widz dowiaduje się z kostiumu i jego poszczególnych detali. Czasami kostium powinien zlewać się z wizerunkiem stworzonym przez aktora, ale zdarza się też, że działa jako zaprzeczenie postaci. Na przykład na samym początku spektaklu widzimy aktora grającego dobrego człowieka, zachowuje się przyzwoicie i bardzo moralnie, ale jego kostium alarmuje widza i rzeczywiście pod koniec spektaklu okazuje się być złoczyńca lub zdrajca. Również podczas pracy nad szkicami nie należy zapominać o indywidualności aktora, wszechstronności i złożoności jego postaci.
Tak więc ekspresyjnymi środkami kostiumu teatralnego są następujące cechy:
Na artystyczny obraz sceniczny składa się intencja reżyserska, podstawa dramatyczna, dynamika i rytm.
Jest to dzieło sztuki samo w sobie.
Dąży do dokładności historycznej, narodowej i etnograficznej
Jest zewnętrznym wyrazem charakteru postaci;
Zaprojektowany bardziej pod kątem wydajności.
KOSTIUM TEATRALNY, element wydajności. W historii teatru znane są trzy główne typy kostiumów teatralnych: postać, gra i strój postaci. Te trzy główne rodzaje kostiumów istnieją na wszystkich etapach sztuk widowiskowych – od rytualnego rytuału i folklorystycznego przedteatru do współczesnej praktyki artystycznej.
Kostium postaci jest rodzajem kompozycji figuratywno-plastycznej na postaci wykonawcy, wprawionej przez niego w ruch i udźwiękowionej (poprzez wymówienie tekstu lub śpiew), czasem całkowicie zasłaniając jego postać, podobnie jak maska zakrywała jego twarz. Przykłady strojów postaci w obrzędach i ceremoniach różnych krajów świata. Dzwonowata sylwetka stroju indiańskiego była parafrazą świątyni-namiotu Nagar Shakhara i świętej góry Menu (centrum i oś świata w mitologii hinduskiej). Chiński - swoim kształtem, projektem, ornamentami i kolorem wyraża starożytną kosmologiczną symbolikę naturalnej przemiany Światła i Ciemności, połączenia Nieba i Ziemi w akcie stworzenia świata. Strój szamana ludów Północy ucieleśnia wizerunki fantastycznego ptaka kojarzonego ze „światem górnym” i zwierzęciem (mieszkańcem „świata niższego”). Południowo-rosyjski jest swego rodzaju modelem wszechświata. W tradycyjnych przedstawieniach Opery Pekińskiej kostiumem był wizerunek groźnego smoka, w japońskim teatrze „Nie” - motywy natury, aw epoce baroku XVII wieku. - Targi lub Świat. Jeśli do rytualnych przedstawień rytualnych i folklorystycznych kostiumy postaci (podobnie jak wszystkie inne elementy scenografii) były owocem pracy anonimowych mistrzów ludowych, to w XX wieku od samego początku zaczęli je komponować artyści: I. Bilibin - w operze Złoty Kogucik N. Rimski-Korsakow (1909), K. Frych - w bure W. Szekspir (1913), W. Tatlin - w Car Maksymilian, P. Filonov - w tragedii Władimir Majakowski, wreszcie K. Malewicz - w projekcie zwycięstwo nad słońcem(wszystkie trzy produkcje w 1913 r.). A potem, pod koniec lat 1910-tych - pierwsza połowa lat 20-tych. cały szereg kostiumów postaci stworzyli włoscy futuryści E. Prampolini, F. Depero i inni, O. Schlemmer z niemieckiego Bauhausu, a w balecie – P. Picasso, który ukazywał groteskowych Menedżerów w Parada E. Satie i F. Leger - bóstwa murzyńskie w Stworzenie świata D. Millau. Wreszcie kubistyczna „architektura” kostiumu A. Vesnina nabrała charakteru w przedstawieniach A. Tairova - w zwiastowanie, jego suprematystyczne kompozycje na postaciach bohaterów Fedra. NA inne sceny - „kostiumy muszelkowe” Y. Annenkowa w sztuce Gaz G. Kaiser i A. Petritsky - w Viy, a także fantastyczne kolaże jako kostiumy postaci do spektaklu rewident księgowy, które stworzyli uczniowie P. Filonowa (N. Evgrafov, A. Landsberg i A. Sashin) na temat znaczków, herbów, pieczęci, kopert itp. - postać poczmistrza, receptury, podpisy, strzykawki, clystery, termometry - postać Doktora, butelki, kiełbaski, szynki, arbuzy itp. - postać Man-Tavern. W drugiej połowie XX wieku kostiumy jako niezależne postacie wizualne, ukazane oddzielnie od aktorów, jako element scenografii stworzyli M. Kitaev i S. Stavtseva, a jako różnego rodzaju kompozycje na postaciach aktorów – K.Shimovskaya, D.Mataitene, Yu Charikow.
Kostium do gry to sposób na zmianę wyglądu aktora i jeden z elementów jego gry. W przedstawieniach rytualnych i folklorystycznych przeobrażenia miały najczęściej charakter groteskowo-parodystyczny, gdy mężczyźni przebierali się za kobiety, kobiety za mężczyzn, młodzieńcy za starców, piękności za czarownice, czy przedstawiano różne zwierzęta. Jednocześnie używano wszystkiego, co było pod ręką: żupana, kożucha, osłony, kożucha - zawsze wywróconego na lewą stronę, zabawniejszego i zabawniejszego, a także każdego innego, nieco śmiesznego, „odwróconego” ubrania, na przykład przekrótkie spodnie, nieracjonalnie szeroka koszula, pończochy z dziurami, wszelkiego rodzaju łachmany, szmaty, szmaty, worki, liny; wykorzystano również wszystko, co dała natura: trawę, kwiaty, słomę, liście. Wreszcie do ubierania używano również różnych ozdób sztucznych: kolorowego papieru, kory brzozowej, folii, szkła, wstążek, luster, dzwonków, piór itp. Techniki groteskowej maskarady przeszły zarówno do przedstawień komedii starożytnej Grecji, jak i do tradycyjnego teatru Wschodu, gdzie łączono je z urozmaiconą grą aktora elementami jego kostiumu: długimi rękawami i piórami bażanta - w Operze Pekińskiej trenuje , ręczniki i wentylatory - w japońskim „ale”. Spektakle włoskiej commedia dell'arte, sztuki Szekspira i Lope de Vegi budowane były na niekończących się przebraniach i przebraniach. Pod koniec XVIII wieku Swój słynny taniec Emma Hart (Lady Hamilton) zbudowała na grze szalem, po czym podobne techniki (manipulowanie chustami, narzutami, welonami i innymi podobnymi elementami stroju) były szeroko stosowane w teatrze baletowym XIX wieku, osiągając swe najwyższy poziom artystyczny w twórczości L. Baksta, którego szkice obrazów choreograficznych obejmowały dynamikę różnych latających tkanin, pasów, szalików, spódnic, szalików, płaszczy przeciwdeszczowych, peleryn, wisiorków, podwiązek. Na scenie dramatycznej tradycję kostiumu grającego wraz z ruchami aktora kontynuował – za pomocą kubofuturystycznej wyrazistości – A. Exter w przedstawieniach Teatru Kameralnego Salome O. Wilde i Romeo i Julia W. Szekspira, a za nim jej uczeń P. Chelishchev i inni mistrzowie początku lat 20.: W. Chodasiewicz i I. Niwiński, I. Rabinowicz i G. Jakułow, S. Eisenstein i G. Kozintsev, wreszcie znowu na scenie baletowej, w produkcjach K. Goleizovsky'ego - B. Erdmana. Jeśli w tym okresie kostiumy teatralne stanowiły cały nurt w scenografii, to w drugiej połowie XX wieku. wykorzystywali je także artyści i reżyserzy dość szeroko, ale z konieczności, jako element „palety” dostępnych im środków wyrazu. Wśród autorów współczesnych kostiumów teatralnych są gruzińscy artyści Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili i N. Ignatov, podobne przykłady można znaleźć w teatrach innych krajów: w Polsce, Czechach, Niemczech, we Włoszech.
Kostium, jako strój postaci, będący często podstawą komponowania omówionych wyżej rodzajów kostiumów (postaciowego i gry), we wszystkich okresach historycznego rozwoju teatru, w mniejszym lub większym stopniu ucieleśnieniem na scenie tego, co ludzie nosili w danym okresie. Tak było w starożytnych tragediach i tak jest w przedstawieniach naszych czasów. Jednocześnie ogólną ewolucję tego typu ubioru charakteryzowało przejście od konwencjonalnych form ubioru rzeczywistego (w epoce baroku i klasycyzmu) do jego coraz większej rzetelności historycznej, geograficznej, narodowej, dokładności i autentyczności. W teatrze naturalizmu i realizmu psychologicznego kostium staje się w pełni adekwatny do charakteru bohatera, wyraża nie tylko jego status społeczny, ale i stan ducha. Jednocześnie zarówno współcześnie, jak i w minionych stuleciach kostium pozostaje przedmiotem szczególnej twórczości artystów (wśród których są najwybitniejsi mistrzowie plastyki i scenografii) i to oni go komponują (nawet pozornie codzienne stroje codzienne, by nie wspomnieć fantastykę), nie tylko jako osobny utwór, ale jako istotny element spektaklu.