Edukacja muzyczna młodzieży szkolnej

Wstęp

Edukacja muzyczna młodszych dzieci w wieku szkolnym staje się coraz częściej jednym z podstawowych zadań stawianych przed społeczeństwem, co daje pole do radykalnego rozwiązania szeregu najważniejszych aspektów problemu edukacji muzycznej i moralnej młodszego pokolenia.

Problem intensyfikacji edukacji muzycznej i moralnej młodszych dzieci w wieku szkolnym stawia przed nauczycielami pytania o poszukiwanie i znajdowanie sposobów optymalnego podejścia do rozwoju różnych skłonności dzieci. Rosnące zainteresowanie i uwaga poświęcona problematyce kultury moralnej dzieci wyraźnie wpływa na poszerzenie strefy wpływów moralności. Przestając być jedynie nauką o pięknie w sztuce i życiu, moralność wkracza dziś dosłownie we wszystkie dziedziny życia i to nie jako zewnętrzna dekoracja, ale jako jego istota, jako integralna część jego wewnętrznej treści.

Oczywiście sztuka jako sfera istoty człowieka, jego życia i działalności, jako sfera najpełniejszego wyrazu piękna pozostaje najważniejszym przedmiotem moralności, a rozszerzenie roli sztuki w szkole podstawowej pociąga za sobą odpowiednio rozszerzenie z zakresu problemów pedagogicznych. Moralność, praca, produkcja, sport, ludzkie zachowanie i oczywiście muzyka - to niepełna lista aspektów, w których rozwija się nauka o pięknie.

Współczesna pedagogika stanowczo ustaliła, że ​​sztuka muzyczna w szkole powinna być przede wszystkim metodą edukacji . Niemniej jednak, przez długi czas Zadania wychowania muzycznego i moralnego w szkole sprowadzono do powierzchownego oswajania uczniów z muzyką, do nabycia przez nich pewnej wiedzy i umiejętności artystycznych, czyli zastąpiono je zadaniami edukacji elementarnej, co było poważnym błędem. Poza tym bardzo mało czasu poświęcano samej sztuce muzycznej, a więcej na rozmowach o nużącej dzieciom muzyce i nagrywaniu tekstów piosenek.

Całą odpowiedzialność za wychowanie moralne powierzono nauczycielom muzyki i literatury. Zapomnieno, że wszystkie aspekty życia wpływają na człowieka moralnie i że konieczne jest zwiększenie aktywności moralnej, tj. Aktywność intelektualna i praktyczna osobowości ucznia młodszego.

Zainteresowanie muzyką, pasja do muzyki, zamiłowanie do niej są przesłankami, aby mogła ona szeroko odkrywać i przekazywać dzieciom swoje piękno, aby mogła spełniać swoją rolę wychowawczą i poznawczą, aby służyła kształtowaniu kultury duchowej.

Doświadczenia szkół w Federacji Rosyjskiej wskazują na potrzebę koncentracji wysiłków nauczycieli muzyki i zajęcia podstawowe, prowadzenie lekcji muzyki, o dalsze doskonalenie edukacji muzycznej w aspektach kształtowania wszechstronnie rozwiniętej osobowości, kształtowanie wysokiego poziomu muzykalności w Szkoła Podstawowa szkoła powszechna, aktywizacja przejawów muzycznych i twórczych dzieci słabo rozwiniętych muzycznie, edukacja moralna młodszych dzieci w wieku szkolnym poprzez sztukę muzyczną.

1. Edukacja muzyczna i moralna uczniów

W nowoczesne warunki społecznie złożone okres przejściowy Rozwój osobisty jest możliwy tylko wtedy, gdy istnieje zintegrowane podejście do edukacji, zakładające jedność edukacji zawodowej, moralnej i estetycznej, tj. połączenie w jeden system wszystkich form edukacji przyczyniających się do kształtowania cennych społecznie cech osobowości ucznia szkoły podstawowej.

Nowoczesna szkoła, łącząca interesy państwa, społeczeństwa i jednostki, staje się instytucją edukacyjną, w której uczeń nabywa realny status podmiotu rozwoju kulturalnego.

Sztuka muzyczna z punktu widzenia wychowania moralnego powinna służyć głównemu celowi naszego społeczeństwa - kształtowaniu osoby praktycznej, ale o wysokiej kulturze duchowej. Każdy rodzaj sztuki, odwzorowując obiektywną rzeczywistość za pomocą specyficznych środków wyrazu, oddziałuje na człowieka w inny sposób.

Muzyka jest sztuką, która ma największą siłę oddziaływania emocjonalnego na człowieka i dlatego służy jako jeden z ważnych środków kształtowania wysokiego poziomu cechy moralne osobowość.

Dzięki muzyce człowiek budzi ideę wzniosłości, majestatu nie tylko w otaczającym go świecie, ale także w sobie. Dlatego też edukację muzyczną należy uznać za ważną część oświecenie moralne i edukacja.

Celowe oddziaływanie sztuki muzycznej na uczniów zakłada aktywność i głębię jej postrzegania, a także kształtowanie i rozwój samodzielnej działalności artystycznej. Ważną rolę przypisuje się edukacji muzycznej i moralnej uczniów w klasie. Edukacja moralna w klasie jest ograniczona z wielu powodów, ale zajęcia dodatkowe otwierają się przed nim wielkie możliwości: rozmowy, poranki, kluby przyjaciół sztuki, wycieczki do muzeów, galerii sztuki, sal koncertowych.

Rozmowy o sztuce z reguły oddziałują dwojako: na intelekt i uczucia młodszych uczniów. Z metodologicznego punktu widzenia ważne jest, aby słuchanie muzyki, pokazywanie dzieł sztuki, czyli bezpośrednie odwoływanie się do uczuć uczniów, szło równolegle z myśleniem o sztuce.

Najskuteczniejszą formą nauki podstaw estetyki jest czytanie książek o sztuce. Oznacza to, że lekturą specjalistycznej literatury muzycznej powinien kierować się nauczyciel.

„Badania rosyjskich nauczycieli wykazały, że odpowiednio zorganizowany proces uczenia się prowadzi do rozwoju w człowieku tych cech, które są niezbędne do skutecznego działania w określonej dziedzinie. Decydujące znaczenie ma w tym przypadku zdolność nauczyciela do kierowania procesem poznawczym, do wychowania uczniów poprzez znaczące, aktywne i celowe przyswajanie wartości muzycznych i moralnych.

Wśród form wychowania moralnego uczniów, zarówno na zajęciach, jak i w pracy pozalekcyjnej, szczególną rolę odgrywa możliwość bezpośredniego odbioru sztuki. Mówimy o oglądaniu filmów muzycznych, słuchaniu muzyki i czytaniu dzieł sztuki, odwiedzaniu wystaw sztuk pięknych i teatru. Głównym celem tych form wychowania moralnego jest wzbogacanie i różnicowanie doświadczeń zmysłowych młodszych uczniów. „Doświadczenie szkół przekonuje nas, że systematyczne słuchanie np. muzyki klasycznej stopniowo prowadzi uczniów do jej zrozumienia i zainteresowania nią. Należy jednak wziąć pod uwagę, że jakikolwiek bezpośredni odbiór dzieł sztuki wymaga pewnego wstępnego i towarzyszącego mu oświecenia, jednak ten racjonalny aspekt nie powinien spychać na bok emocjonalnego postrzegania dzieł sztuki. Przygotowując i prowadząc poranki muzyczne, wieczory i rozmowy edukacyjne ważne jest, aby jasno określić ich główny cel, aby zapewnić odpowiednie połączenie pracy myślowej i odczuć uczniów, a co najważniejsze, zadbać o prawidłową słuszność ideologiczną. orientację tych spotkań.”

Program muzyczny dla Szkoła średnia stanowi żywy przykład tego, jak nauczyciel na lekcji, wykorzystując określony materiał tematyczny, powinien zaszczepiać w dzieciach poczucie patriotyzmu, dumy narodowej i internacjonalizmu, podziwu dla wyczynów i bohaterstwa dla dobra Ojczyzny.

Szkoła powinna uczyć dzieci kochać i rozumieć sztukę, zaszczepiać w nich aktywność twórczą, wyobraźnię i umiejętność myślenia w kategoriach artystycznych, co stanowi wychowanie moralne uczniów.

Zajęcia muzyczne mają na celu przede wszystkim zaszczepienie u młodszych uczniów zainteresowania sztuką i umiejętności rozumienia informacji muzycznych.

Praca nauczyciela muzyki charakteryzuje się wieloaspektową działalnością: ciekawie i z entuzjazmem opowiada dzieciom o muzyce, jej formach i gatunkach, prowadzi zajęcia z nauki i wykonywania piosenek na wysokim profesjonalnym poziomie, umiejętnie wykonuje akompaniament do piosenek na instrumencie, a także utworów muzycznych, przekazując w przystępny i przystępny sposób wiedzę teoretyczną.W zabawny sposób prowadzą różnego rodzaju zajęcia pozalekcyjne.

Bogactwo wyobraźni muzycznej i przemyślane podejście do treści dzieła podpowiada wykonawcom sposoby jej realizacji. Połączenie idei, myśli, uczuć i aspiracji nauczyciela muzyki tworzy stan jego psychiki, który rodzi plan i antycypuje wynik działalność twórcza.

„Rozwój osobowości dziecka zapewnia ścisły związek wychowania moralnego z wychowaniem estetycznym, umysłowym i fizycznym. Odpowiednio opracowany program i dzieła dobrane odpowiednio do możliwości wiekowych dzieci pozwalają na realizację oddziaływania ideologicznego i moralnego. Najważniejsza jest jednak emocjonalność odbioru ze względu na szczególną właściwość muzyki, która budzi empatię słuchaczy.”

Podczas zajęć muzycznych aktywowane są czynności poznawcze i umysłowe. Dzieci dużo się uczą, uważnie słuchając utworu. Jednak dostrzegają tylko jego najbardziej ogólne cechy, jego najbardziej żywe obrazy. Jednocześnie responsywność emocjonalna nie traci na znaczeniu, jeśli dziecku powierzono zadania: słuchanie, rozróżnianie, porównywanie i podkreślanie środków wyrazu. Te działania mentalne wzbogacają i poszerzają zakres emocji i doświadczeń dziecka, nadając im znaczenie.

Harmonia wychowania muzycznego i moralnego jest brana pod uwagę tylko wtedy, gdy wykorzystywane są wszystkie rodzaje zajęć muzycznych właściwych wiekowi szkolnemu i uruchamiane są wszystkie możliwości twórcze dorastającego człowieka. Jednocześnie, komplikując zadania pedagogiczne, nie należy nadużywać szczególnej wrażliwości dzieci. „Sama sztuka muzyczna, jej cechy stawiają nauczyciela przed koniecznością rozwiązania szeregu konkretnych zadań edukacyjnych:

Kultywować miłość i zainteresowanie muzyką, ponieważ rozwój wrażliwości emocjonalnej i wrażliwości umożliwia szerokie wykorzystanie edukacyjnego wpływu muzyki;

Wzbogacaj wrażenia dzieci poprzez zapoznawanie ich w określonym systemie z różnorodnymi utworami muzycznymi i stosowanymi środkami wyrazu;

Zapoznanie dzieci z różnego rodzaju zajęciami muzycznymi, rozwijanie percepcji muzyki i prostych umiejętności wykonawczych w zakresie śpiewu, rytmu, gry na instrumentach dziecięcych, rozwijanie podstawowych umiejętności muzycznych, które pozwolą dzieciom działać świadomie, naturalnie i ekspresyjnie;

Rozwijanie ogólnej muzykalności dzieci, ich zdolności sensorycznych, słuchu wysokościowego, poczucia rytmu, kształtowania śpiewnego głosu i ekspresji ruchów, ponieważ jeśli w tym wieku dziecko będzie nauczane i wprowadzane do aktywnych zajęć praktycznych, wówczas formacja i rozwój występuje ze wszystkich jego zdolności;

Promowanie początkowego rozwoju gustu muzycznego, w związku z czym na podstawie otrzymanych wrażeń i wyobrażeń o muzyce manifestuje się najpierw selektywna, a następnie oceniająca postawa wobec wykonywanych utworów, kształtuje się potrzeba muzyczna;

Kształtowanie twórczej postawy wobec muzyki przede wszystkim w dostępnych dla dzieci zajęciach, takich jak przekazywanie obrazów w zabawach muzycznych i tańcach okrągłych z wykorzystaniem nowych kombinacji znanych ruchów tanecznych, a także improwizacja pieśni, co pomaga w identyfikowaniu niezależności, inicjatywa i chęć wykorzystania wyuczonego repertuaru w życiu codziennym, gry na instrumentach, śpiewania, tańca, gdyż takie przejawy są bardziej typowe dla dzieci w wieku szkolnym”.

Szkoła ogólnokształcąca, mająca na celu zapewnienie spójnego kształcenia muzycznego i estetycznego, musi uczyć dzieci kochać i rozumieć sztukę, rozwijać w nich aktywność twórczą, wyobraźnię i umiejętność myślenia w kategoriach artystycznych. Zajęcia muzyczne mają na celu zaszczepienie w młodszych uczniach zainteresowania sztuką, umiejętności poruszania się w ogromnym strumieniu informacji muzycznych oraz wybierania utworów naprawdę wartościowych i znaczących. Zajęcia powinny przyczyniać się do kształtowania bogatego świata duchowego uczniów, rozwijać ich gust artystyczny i potrzeby moralne.

Cele przedmiotu „Muzyka” są jasno określone w programie opracowanym przez Laboratorium Edukacji Muzycznej Instytutu Badawczego Szkół pod kierownictwem D.B. Kabalewskiego, a głównym jest „wprowadzenie uczniów w świat wielkiej sztuki muzycznej, nauczenie ich kochania i rozumienia muzyki w całym bogactwie jej form i gatunków, czyli kształcenie uczniów w kulturze muzycznej w ramach całą ich kulturę duchową.”

Obecnie bardzo popularny jest program muzyczny opracowany przez zespół naukowców pod redakcją generalną Yu.B. Alijewa. W treści tego programu zasadnicze znaczenie ma fakt, że aktywnie realizuje on jedną z podstawowych zasad dydaktyki – związek z życiem. „Nie mniej ważne” – podkreśla program – „są zadania rozwijające u uczniów słuch muzyczny (wysokość, tryb, harmonika, rytmika, dynamika i barwa), myślenie muzyczne, wyobraźnię, pamięć i wszelkie muzyczne zdolności twórcze”.

Wokal Edukacja junior uczniowie tak ważne dla formowania się całości musical kultura... Metoda gry w rozwoju muzycznie-zainteresowania edukacyjne junior uczniowie w chórze dziecięcym / T. A. Zhdanova. Musical wychowanie W szkole. M.: ...

METODY NAUCZANIA MUZYKI W SZKOLE PODSTAWOWEJ

Podstawy kładzie się już w szkole podstawowej kultura muzyczna i edukacja muzyczna. Podstawowa edukacja muzyczna rozumiana jest jako proces i rezultat poznawania muzyki przez dzieci najlepsze przykłady sztuka muzyczna, mistrzostwo podstawowa wiedza w muzyce.

W szkole podstawowej określono cel kształtowania kultury muzycznej uczniów jako części ich kultury duchowej. Głównymi składnikami tego procesu są emocjonalnie holistyczne podejście do sztuki i życia; percepcja muzyczna, adekwatna do moralnej i estetycznej istoty sztuki muzycznej; doświadczenie działalności twórczej jako przejaw duchowej i twórczej relacji pomiędzy kompozytorem, wykonawcą i słuchaczem. W klasy młodsze W szkole ogólnokształcącej zajęcia muzyczne zakładają rozwój dziecięcej wyobraźni i fantazji, zrozumienie relacji pomiędzy formami natury a formami sztuki oraz rozwój umiejętności odczuwania ich podobieństwa (kolor – przestrzeń – głośność – dźwięki ).

Podstawą edukacji muzycznej młodszych uczniów jest idea nauczania sztuki muzycznej w sposób uwzględniający specyfikę młodszego dziecka wiek szkolny z naturą samej sztuki. Dla młodszego ucznia jest to przede wszystkim zainteresowanie różnymi wrażeniami zmysłowymi przyniesionymi z dzieciństwa w wieku przedszkolnym i reagowanie na nie emocjonalnie, chęć traktowania wszystkiego tak, jakby było żywe, oraz bogate wrażenia z gry.

Rozważmy przybliżoną treść struktury edukacji muzycznej gimnazjów dla każdej klasy osobno. O wyborze tematu zajęć akademickich decyduje specyfika muzyki i stopniowy charakter zadań edukacji muzycznej. Na te tematy na każdych zajęciach gromadzi się materiał, który jest okresowo powtarzany i uogólniany w celu lepszego przyswojenia.

I klasa

Podstawy treści tematyczne kwartały: czym jest muzyka? Z czego to się składa? Kto to komponuje, wykonuje i słucha? Następnie - nastrój osoby i nastrój w muzyce. Dalej znajdują się podstawowe gatunki muzyczne (pieśń, taniec i marsz). I wreszcie, co sprawia, że ​​muzyka jest wyrazista? (Elementy przemówienie muzyczne.) W klasie pierwszej uczymy się następujących gatunków muzyki: piosenka (kołysanka, ditty, taniec, łamańce językowe, żarty, dokuczanie itp.), taniec (walc, polka, menuet, polonez, mazurek, hopak, taniec okrągły ), marzec (świąteczny, sportowy, wojskowy, komiczny, żałobny, zabawkowy). Opowiada o muzyce jako szczególnej, niezależnej formie sztuki, o intonacji jako ziarnie muzyki, o emocjonalnej i figuratywnej treści muzyki (wesoła, smutna, łagodna, spokojna, uroczysta, podekscytowana itp.), o elementach muzyki mowa (tempo, dynamika, melodia, rytm, tryb, rejestry itp.), ukazano związek muzyki z intonacją mowy.

Rozpoczęcie lekcji muzyki w pierwszej klasie to jeden z najważniejszych etapów edukacji muzycznej w szkole podstawowej. Dlatego

Konieczne jest bardziej szczegółowe omówienie edukacji muzycznej uczniów klas pierwszych.

Trzeba opowiadać pierwszoklasistom o muzyce w przystępny i jasny sposób. język literacki. Na przykład: „W radiu, telewizji, sale koncertowe i teatry. A im więcej jej słuchasz, tym więcej rozumiesz, tym więcej daje radości.” Aby zapamiętać, dzieciom należy zaproponować krótkie, zwięzłe definicje: „Muzyka składa się z dźwięków muzycznych. Dźwięki muzyczne Potrafisz śpiewać (podaj zdjęcie śpiewających dzieci), grać na instrumencie muzycznym (podaj zdjęcie instrumentalisty), przedstawić ruchy taneczne (podaj zdjęcie baletnicy), zapisywać nuty (podaj zdjęcie linii muzycznej) .”

Twórcze zadanie

Certyfikat muzyczny

Do słuchania w klasie 1: D. Szostakowicz"Marsz", V. Shainsky„Czego uczą w szkole” V. Shainsky G. Gładkow„O lwiątku i żółwiu” V. Shainsky, kl. M. Tanich"Zimowa opowieść" M.Glinka"Skowronek" P. Czajkowski

E. Griega - Apartament „Peer Gynt” S. Prokofiew - C. Saint-Sane„Karnawał zwierząt” P. Czajkowski R. Szczedrin J. Bizeta.

III klasa: N. Rimski-Korsakow P. Czajkowski R. Szczedrin M.Glinka S. Rachmaninow - JEST. Kawaler

4 klasie: A. Aleksandrow I. Brahms - tańce węgierskie, VA Mozarta - Symfonia nr 40 (część I), M. Musorgski - cykl „Obrazy z wystawy”, S. Prokofiew D. Gershwina Jean-Michel Jarre – ulubione, D. Kabalewski - P. Czajkowski- cykl „Pory roku”, L. Beethovena- sonaty, F.Chopin - gra wstępna.

Cechy programu krymskiej szkoły średniej: klasy muzyczne 1-4

W szkole podstawowej kładzie się podwaliny kultury muzycznej i edukacji muzycznej. Podstawowa edukacja muzyczna rozumiana jest jako proces i wynik zapoznawania dzieci z najlepszymi przykładami sztuki muzycznej oraz opanowania podstawowej wiedzy muzycznej.

W szkole podstawowej określono cel kształtowania kultury muzycznej uczniów jako części ich kultury duchowej. Głównymi składnikami tego procesu są emocjonalnie holistyczne podejście do sztuki i życia; percepcja muzyczna adekwatna do moralnej i estetycznej istoty sztuki muzycznej; doświadczenie działalności twórczej jako przejaw duchowej i twórczej relacji pomiędzy kompozytorem, wykonawcą i słuchaczem. W niższych klasach szkoły ogólnokształcącej zajęcia muzyczne polegają na rozwijaniu wyobraźni i wyobraźni dzieci, rozumieniu związków pomiędzy formami natury a formami sztuki oraz rozwijaniu umiejętności odczuwania ich podobieństwa (kolor – przestrzeń – głośność – dźwięki).

Podstawą edukacji muzycznej uczniów szkół podstawowych jest idea nauczania sztuki muzycznej w sposób łączący specyfikę dziecka w wieku szkolnym z naturą samej sztuki. Dla młodszego ucznia jest to przede wszystkim zainteresowanie różnymi wrażeniami zmysłowymi przyniesionymi z dzieciństwa w wieku przedszkolnym i reagowanie na nie emocjonalnie, chęć traktowania wszystkiego tak, jakby było żywe, oraz bogate wrażenia z gry.

Główne zajęcia podczas lekcji muzyki:

Słuchanie i analiza dzieła muzyczne

Cele: rozwinięcie umiejętności słyszenia i doświadczania treści muzyczne jako artystyczne odzwierciedlenie rzeczywistości.

Rozwój umiejętności wokalnych i chóralnych

Cele rozwoju umiejętności wokalnych: nauka panowania nad głosem, kontrolowania prawidłowej pozycji ciała podczas śpiewu, oddychania, artykulacji i dykcji. Zadania rozwijające umiejętności chóralne: zrozumienie gestu dyrygenta, zespół (spójne, jednolite brzmienie), strojenie (nie śpiewają - jeden niżej, drugi wyżej)

Gra na instrumentach muzycznych dla dzieci (metoda K. Orffa)

Używanie łyżek, gwizdków, ksylofonu, dzwonków itp.

Rozwój zmysłu rytmu (rytmika – technika Emile’a Jacques’a-Dalcroze’a)

Ruch do muzyki, choreografia.

Twórcze zadanie

Certyfikat muzyczny

W klasie I uczymy się następujących gatunków muzyki: piosenka (kołysanka, ditty, taniec, łamańce językowe, żarty, dokuczanie itp.), taniec (walc, polka, menuet, polonez, mazurek, hopak, taniec okrągły), marsz (świąteczne, sportowe, wojskowe, komiczne, żałobne, zabawkowe). Wprowadzenie do instrumentów muzycznych: fortepian, skrzypce, flet, trąbka. W dziale „Kultura muzyczna” ojczyzna„Zaleca się studiowanie folkloru muzycznego dla dzieci i jego gatunków: kołysanki, żłobki, rymowanki, dowcipy, refreny, zdania, łamigłówki językowe, rymowanki do liczenia, rysunki, zagadki.

Do słuchania w klasie 1: D. Szostakowicz"Marsz", V. Shainsky„Czego uczą w szkole” V. Shainsky„Nie drażnij psów”, „Pies zaginął”, G. Gładkow„O lwiątku i żółwiu” V. Shainsky, kl. M. Tanich"Zimowa opowieść" M.Glinka"Skowronek" P. Czajkowski„Pieśń skowronka”, cykl „Album dla dzieci”.

Do słuchania muzyki w klasie II można wykorzystać następujące utwory: E. Griega - Apartament „Peer Gynt” S. Prokofiew - fragmenty kantaty „Aleksander Newski”, C. Saint-Sane„Karnawał zwierząt” P. Czajkowski„Walc” z baletu „Śpiąca królewna” R. Szczedrin„Król Groszek” z baletu „Mały Garbaty Konik”, J. Bizeta.

III klasa: N. Rimski-Korsakow- fragmenty oper „Sadko”, „Snow Maiden”, „Opowieść o carze Saltanie”, „Złoty Kogucik”, P. Czajkowski- balety „Dziadek do orzechów”, „Jezioro łabędzie”, I Koncert na fortepian i orkiestrę, finał IV Symfonii, R. Szczedrin- fragmenty baletu „Mały garbaty koń”, M.Glinka- aria Iwana Susanina z opery o tym samym tytule, S. Rachmaninow - Trzeci Koncert na fortepian i orkiestrę, JEST. Kawaler„Capriccio z okazji odejścia mojego ukochanego brata”.

4 klasie: A. Aleksandrow„Hymn narodowy Rosji” I. Brahms - tańce węgierskie, VA Mozarta - Symfonia nr 40 (część I), M. Musorgski - cykl „Obrazy z wystawy”, S. Prokofiew- kantata „Aleksander Newski” D. Gershwina- „Kołysanka” z opery „Porgy and Bess” Jean-Michel Jarre – ulubione, D. Kabalewski - Kantata „Pieśń o poranku, wiośnie i pokoju” P. Czajkowski- cykl „Pory roku”, L. Beethovena- sonaty, F.Chopin - gra wstępna.

Wielonarodowość Krymu pozostawia ślad na lekcjach – zapoznaniu się z instrumentami narodowymi, folklor i tak dalej.

Metody edukacji muzycznej młodzieży w wieku szkolnym

DOzespół metod zdeterminowany specyfiką sztuki muzycznej, znani nauczyciele-muzycyprzypisane Iwłączać :

metoda obserwacji (a nie nauczania) muzyki; metoda nie polega na narzucaniu muzyki, ale na przekonywaniu nią; nie bawić, ale zachwycać; metoda improwizacji (B.V. Asafiev);

metoda empatii (N.A. Vetlugina);

metody generalizacji muzycznej, patrzenie w przyszłość i powrót do tego, co zostało powiedziane, myślenie o muzyce, dramaturgia emocjonalna (D.B. Kabalevsky i E.B. Abdullin);

metoda wywiadu muzycznego (L.A. Bezborodova);

Kontrastowe metody porównawcze(Radynova) - system zadań porównujących kontrastujące utwory tego samego gatunku, zabawy o tych samych nazwach, kontrastujące utwory w tym samym nastroju (określanie odcieni), intonacje muzyki i mowy, różne możliwości interpretacji jednego utworu (dźwięk orkiestrowy i solo, opcje wykonania interpretacji na fortepianie).

Metoda asymilacji charakteru brzmienie muzyki, opracowane przez O.P. Radynova, polega na aktywowaniu różnorodnych działań twórczych mających na celu zwiększenie świadomości obraz muzyczny. Ona stosuje Różne rodzaje podobieństwa do brzmienia muzyki - motoryczno-ruchowe, dotykowe, werbalne, wokalne, twarzowe, barwowo-instrumentalne, intonacyjne, barwne, poliartystyczne.

Najważniejsze, aby nie zapominać, że w edukacji muzycznej ważne jest, aby rozumieć muzykę poprzez intonację, rozumieć muzykę poprzez muzykę, inne rodzaje sztuki, życie natury i człowieka, a nie poprzez indywidualne środki wyrazu wzięte z całości.

Wszystkie metody edukacji muzycznej mają na celu rozwój myślenia artystycznego uczniów i odpowiadają estetycznej istocie sztuki muzycznej oraz celom i założeniom edukacji muzycznej.

Więc, metoda generalizacji muzycznej polega na kształtowaniu systemu wiedzy wśród uczniów, rozwijaniu świadomego podejścia do muzyki.

E.B. Abdullin definiuje szereg kolejnych działań tej metody:

aktywacja musicalu doświadczenie życiowe dzieci w wieku szkolnym w celu wprowadzenia lub pogłębienia tematu;

zapoznawanie się z nową wiedzą poprzez jasno określone przez nauczyciela zadanie, wspólne jego rozwiązanie z uczniami i formułowaniem wniosków przez dzieci;

utrwalenie wiedzy w różne rodzaje Działania edukacyjne dziecko.

Ze względu na skupienie metody generalizacji na rozwoju myślenia artystycznego D.B. Kabalewski uważał tę metodę za główną w edukacji muzycznej uczniów.

Metoda patrzenia w przyszłość i powrotu do przeszłości ma na celu rozwój u dzieci całościowego rozumienia muzyki. W programie Kabalewskiego metoda ta jest realizowana na kilku poziomach powiązania między etapami szkolenia, tematami kwartału i utworami muzycznymi w procesie studiowania tematów programowych. I tak na przykład w programie dla klasy II D.B. Codzienne gatunki Kabalewskiego, takie jak marsz, taniec i śpiew, znane dzieciom z pierwszej klasy, przekształcają się w takie najważniejsze cechy muzykę, taką jak marsze, taniec i śpiew. Jednocześnie, zgodnie z zasadą od nieświadomości do świadomości, dzieci w klasie pierwszej intuicyjnie doświadczyły transformacji trzech głównych rodzajów muzyki jako modeli skojarzeniowych w coś bardziej pojemnego, zapoznając się z twórczością J. Wiese, P. Czajkowski, S. Prokofiew i inni. W tym sensie powrót do zdobytej wiedzy jest w istocie wyrazem jakościowej przemiany świadomości dzieci.

Na poziomie powiązania tematów kwartałów jeszcze bardziej oczywiste jest wdrożenie metody patrzenia w przyszłość i powrotu do tego, co zostało już przerobione. Tak więc pierwsza połowa trzeciej klasy nosi tytuł „Muzyka mojego ludu”, druga - „Między muzyką mojego ludu a muzyką różne narody nie ma na świecie granic nie do pokonania.” Powrót do utworów już omawianych w podobny sposób oznacza nie tylko ich powtórzenie, ale dostrzeżenie tego, co już znane, w kontekście nowego tematu. I tak w klasie drugiej dzieci sięgają po Preludia nr 1 8 i nr 20 F. Chopina w pierwszej i trzeciej ćwiartce - pierwsze po przejściu

na temat „Marsz, śpiew, taniec”, a później, gdy zrozumieją zasady rozwoju muzyki.

Metoda dramaturgii emocjonalnej aktywizuje emocjonalny stosunek uczniów do muzyki, a także przyczynia się do kształtowania pasji i żywego zainteresowania sztuką muzyczną. Nie mniej ważna funkcja Ta metoda- „kierowanie” strukturą lekcji, określenie jej kulminacji. W tym rozumieniu bliska jest metoda dramaturgii emocjonalnej (E.B. Abdullin). metoda oddziaływania emocjonalnego (L.G. Dmitrieva i N.M. Chernoivanenko). Głównymi zasadami metody dramaturgii emocjonalnej jest kontrast emocjonalny i konsekwentne nasycenie emocjonalnego tonu lekcji.

Różne zadania przed słuchaniem muzyki aktywizują uwagę i zainteresowanie uczniów, zwłaszcza młodszych. Na przykład: podnieś rękę, gdy zmienia się muzyka lub gdy zaczynają grać skrzypce (flet itp.); podnieś rękę za każdym razem, gdy odtwarzany jest temat główny; zrób to w miejscu, które uczeń lubi najbardziej; pamiętaj inne dzieła o tym samym charakterze i nastroju. Przy wprowadzaniu młodszych uczniów do bardziej złożonych obrazów „dorosłej” muzyki klasycznej warto zastosować tę technikę percepcja para działa, ułatwiając proces słuchania. Polega ona na tym, że dla każdego trudniejszego w odbiorze utworu klasycznego wybierana jest prosta zabawa dziecięca o podobnym nastroju, której treść jest z dziećmi szczegółowo omawiana, a gdy „wejdą” one w nastrój zabawy, są zaproszony do posłuchania „poważnego” utworu. Nastrój, jaki powstał podczas słuchania dziecięcej zabawy, zostaje na niego przeniesiony, co ułatwia jego odbiór (z doświadczeń Yu.B. Alieva).

Włączenie dzieci i młodzieży do aktywnych i przyjemnych zajęć podczas słuchania lub wykonywania utworu Yu.B. Alijew poleca szereg skutecznych technik, szczególnie przydatnych w edukacji muzycznej młodszych uczniów.

Ruchy. Za pomocą ruchu łatwiej jest dzieciom „wczuć się w postać”, poczuć muzykę „całym ciałem”, głębiej wczuć się w jej nastrój. Ponieważ w klasie jest mało miejsca na ruch, można to robić siedząc lub stojąc w pobliżu biurek; Można także zaprosić poszczególne grupy do poruszania się wzdłuż rzędów biurek w rytm muzyki.

Ruchy powinny być proste, łatwe do wykonania bez specjalnego treningu, rytmiczne i, co najważniejsze, dopasowane do nastroju muzyki. Na przykład pod wesoła muzyka- „tańcz” rękami w powietrzu, tupnij nogami (siedząc), wykonuj podstawowe ruchy taneczne (stojąc). Do smutnej lub spokojnej muzyki - chodź cicho (w miejscu) lub wykonuj płynne ruchy rękami. Do „tajemniczej” muzyki - udawaj ciekawość lub strach, chęć ukrycia.

Na początku lepiej, aby nauczyciel sam pokazał uczniom różne „wzorce ruchów” – dzięki temu łatwiej im improwizować nowe. Dzieci z przyjemnością poruszają się przy muzyce, a te prace, które kojarzyły się z ruchem, lepiej zapamiętują i bardziej je kochają.

Gra w orkiestrze. Ta technika metodologiczna sprawia, że ​​dzieci mają wrażenie uczestniczenia w wykonywaniu muzyki. To aktywuje ich percepcję i bardzo im się to podoba. Do udziału w zabawie uczniowie (kolejno cała klasa lub poszczególne grupy) otrzymują podstawowe instrumenty muzyczne: patyki, dzwonki, grzechotki, łyżki metalowe i drewniane (to wszystko mogą przynieść z domu). Przy dźwiękach wykonywanego na nagraniu utworu dzieci cicho wykonują rytmy wyznaczone przez nauczyciela. Kiedy już przyzwyczają się do gry w ten sposób, możesz zachęcić je do improwizowania rytmu. Podczas występu muzycznego nauczyciel wskazuje, która grupa ma swoją kolej na wejście ze swoim instrumentem. W orkiestrze należy grać zgodnie z nastrojem muzyki: wesoło, wesoło, głośno lub cicho, czule lub skrycie, ze strachem.

Improwizacja melodii. Aby uczniowie lepiej zrozumieli emocjonalną zawartość muzyki, możesz zaprosić ich do samodzielnego zaimprowizowania melodii w tym samym nastroju (do danego tekstu). Własna melodia, skomponowana do smutnego, wesołego, tajemniczego lub bohaterskiego tekstu, pomoże Ci pełniej odebrać utwór muzyczny o podobnym nastroju. Przydatne jest także śpiewanie melodii i tematów (o ile oczywiście są one dostępne dla dzieci) ze słuchanych utworów. Pomoże Ci to lepiej poczuć i zapamiętać muzykę.

Rysowanie obrazów. Po dwu-, trzykrotnym przesłuchaniu utworu, gdy dzieci już go słyszą, możesz poprosić je o narysowanie (w domu lub na lekcji plastyki w klasie) obrazu, który powstał w ich wyobraźni podczas odbioru muzyki.

Aby uczniowie lepiej zapamiętali utwór muzyczny, należy go powtórzyć. Powtórzenie można przeprowadzić w formie zabawy – quizu, koncertu zagadek, koncertu na zamówienie.

Charakterystyczna i adekwatna do estetycznej istoty sztuki muzycznej jest metoda empatii. AA Melik-Paszajew, określając znaczenie tej metody w pedagogice sztuki, zauważył, że jeśli świadome działanie według zasad, pracę z terminami, pojęciami, znakami poprzedzi przeżycie emocjonalne i zmysłowe dziecka, to sama historia sztuki będzie objawiać się dzieciom nie jako zbiór czynników zewnętrznych i obiektywnych relacji, ale jako skarbnica treści duchowych, które uczeń odbiera empatycznie, znajdując dla nich analogie

we własnym wewnętrznym doświadczeniu, ucząc się i rozwijając swoją duszę, doświadczając zaangażowania w dziedzictwo kulturowe ludzkości.

Warunkiem koniecznym pojawienia się empatii jest ukształtowanie się pewnego kontekstu świadomości, w którym odbiorca poddaje się wrażeniu kontemplacji dzieł sztuki. Jednocześnie nie zapominajmy, że budząc u dzieci wewnętrzną empatię, technika powinna mieć na celu taktowne wspieranie wrażeń estetycznych. O naturalności tego stanowiska decyduje rozumienie percepcji estetycznej jako procesu determinowanego osobiście, a przeżycia estetycznego jako swoistego przejawu indywidualnej pozycji człowieka.

Każda metoda edukacji muzycznej, szkolenia i rozwoju dzieci zawiera zestaw technik metodologicznych, które ją wyjaśniają i uszczegóławiają. Zatem problematyczna metoda, według Kabalewskiego, obejmuje następujący algorytm działań: jasne sformułowanie nauczyciela zadania, stopniowe rozwiązywanie problemu wspólnym wysiłkiem nauczyciela i uczniów, formułowanie wniosków.

Na lekcji muzyki z reguły stosuje się różne metody, biorąc pod uwagę źródło zdobywania wiedzy, rodzaje działań artystycznych dzieci, rodzaje lekcji, a także zadania rozwijania artystycznej i twórczej osoby zdolności.

Zasady edukacji muzycznej uczniów szkół gimnazjalnych

E.B. Abdullina podkreśla następujące zasady dydaktyczne szkolenie muzyczne 1:

1) zasady wychowania i edukacji muzycznej, rozwój muzyczny uczniów;

2) zasada przejrzystości, będąca logiczną podstawą konstruowania systemu edukacji muzycznej;

3) zasada związku wykształcenia muzycznego z życiem;

4) zasada zainteresowania, pasji, pozytywnego nastawienia do lekcji muzyki;

5) zasadę optymalizacji procesu uczenia się, charakteryzującą działania nauczyciela w klasie i ukierunkowaną na proces uczenia się poprzez identyfikację cech każdego ucznia, rejestrację jego zdolności muzycznych, monitorowanie opanowania programu itp.;

6) zasadę siły i efektywności efektów kształcenia muzycznego według wskaźników (stopień postawa emocjonalna, zainteresowanie i zamiłowanie do muzyki, miernik nabytej wiedzy w zakresie oceny estetycznej, poziom rozwoju umiejętności wykonawczych).

LV Student wskazuje na następujące zasady pedagogiki muzycznej: integralność, obrazowość, skojarzenie, intonacja, artyzm.

LV Goryunova określiła linie organizacji środowiska artystycznego i estetycznego jako ruch: od integralności do całości, od obrazowania do obrazu, od improwizacji do improwizacji, od zaskoczenia do refleksji, od nasycenia wrażeniami artystycznymi do poszerzenia pola znaczeń i znaczeń osobistych , następnie do umiejętności i świadomości logicznej, od ustnej do pisemnej, od pytającej do pytania, od polifonii do śpiewu unisono. Ogólnie rzecz biorąc, od artystycznego do artystycznego.

Koniecznośćzasada jedności emocjonalnej i świadomej ze względu na specyfikę sztuki muzycznej i specyfikę jej percepcji. Kształtowanie percepcji muzyki wymaga świadomości wrażeń emocjonalnych, jakie ona wywołuje, a także dostępnych środków wyrazu.Zasada jedności artystycznej i technicznej polega na tym, że artystyczne, wyraziste wykonanie dzieła wymaga odpowiednich umiejętności i zdolności. Na przykład, ucząc się piosenki, nauczyciel rozwija u uczniów umiejętności wokalne i chóralne; Aby wykonać melodię i akompaniament rytmiczny na dziecięcych instrumentach muzycznych, uczniowie muszą opanować najprostsze techniki i umiejętność wspólnej gry na tych instrumentach. W każdym razie nabywanie umiejętności wykonawczych musi być podporządkowane zadaniom artystycznym, mającym na celu ujawnienie i ucieleśnienie muzycznego obrazu dzieła. Jednocześnie opanowanie umiejętności jest środkiem do osiągnięcia celu - artystycznego wykonania dzieła muzycznego. Jedność artystyczną i techniczną w pracy nad dziełem osiąga się pod warunkiem rozwoju inicjatywy twórczej uczniów. Ich udział w tworzeniu pomysłu na wykonanie dzieła pobudza wyobraźnię, a jednocześnie pielęgnuje świadomość, że umiejętności i zdolności wykonawcze są niezbędnym środkiem do osiągnięcia wyrazistego, artystycznego wykonania dzieła.Zasada jedności rozwoju zmysłu modalnego, rytmicznego i poczucia formy powinny stanowić podstawę dla różnych typów działalność muzyczna. Dzięki wszechstronnemu i konsekwentnemu rozwojowi zdolności muzycznych uczniowie rozwijają wyobrażenia dotyczące zasad rozwoju muzyki, wyrazistości elementów mowy muzycznej i możliwości ekspresyjnych form muzycznych. Na przykład kształtowanie się wyobrażeń uczniów na temat formy wariacyjnej następuje na zasadzie aktywacji zmysłu modalnego, rytmicznego w procesie identyfikacji zmian w temacie.

Specyfika sztuki muzycznej

Czym jest muzyka? Słuchamy muzyki, sami ją tworzymy... Przywołuje ona w nas skojarzenia z pewnymi momentami naszego życia...

Muzyka to rodzaj sztuki, w którym środkami ucieleśniania obrazów artystycznych są zorganizowane w określony sposób dźwięki muzyczne. Podstawowe elementy i środki wyrazu muzyka - tryb, rytm, metrum, tempo, barwa, melodia, harmonia, polifonia, instrumentacja. Ze względu na środki wykonawcze muzykę dzielimy na wokalną (śpiew), instrumentalną i wokalno-instrumentalną. Muzykę często łączy się z choreografią, sztuką teatralną i kinem. Rozróżnia się muzykę jednogłosową (monodia) i polifonię (homofonia, polifonia). Muzykę dzielimy na: rodzaje i typy - teatralne (opera itp.), symfoniczne, kameralne itp.; na gatunki - pieśń, chorał, taniec, marsz, symfonia, suita, sonata itp. Muzyka zapisywana jest w zapisie muzycznym i realizowana jest w procesie wykonania przez instrumenty muzyczne.

Podstawowe pojęcia w muzyce

Rytm- naprzemienność dowolnych elementów (dźwięku, mowy itp.), występująca z określoną sekwencją, częstotliwością; prędkość, z jaką coś się dzieje.

Rytm w muzyce - tymczasowa organizacja dźwięków muzycznych i ich kombinacji.

Metr- kolejność naprzemienności uderzeń mocnych i słabych, system organizacji rytmu. Metry są proste (2- lub 3-taktowe), złożone, składające się z kilku grup prostych (4-, 6-, 9-, 12-taktowych), mieszanych (na przykład 5-taktowych) i zmiennych. Każda grupa uderzeń, zaczynająca się od taktu (w prostych metrach) lub taktu (w innych metrach), tworzy takt.

Dynamika- różne stopnie natężenia dźwięku, głośności i zmiany tego natężenia w stosunku do ogólnego dźwięku.

Tembr- kolorowanie dźwięku, które pozwala na rozróżnienie dźwięków o tej samej wysokości, wykonywanych na różnych instrumentach lub różnymi głosami. Barwa zależy od tego, jakie alikwoty towarzyszą tonowi głównemu, jakie jest natężenie każdego z nich oraz w jakich obszarach częstotliwości dźwięku tworzą się ich skupiska (formanty). Głosy i instrumenty mają swoją barwę, na przykład gitarę wybiera się na podstawie jej przyjemnej barwy.

Melodia(z greckiej melodii - śpiew, melodia, pieśń) - monofonicznie wyrażona myśl muzyczna, główny element muzyki. Melodia to ciąg dźwięków zorganizowanych modalnie, intonacyjnie, rytmicznie i tworzących pewną strukturę.

Harmonia- wyrazisty środek muzyczny polegający na łączeniu tonów w harmonie i łączeniu harmonii w ich sekwencyjny ruch. Głównym rodzajem współbrzmienia jest akord. Harmonia budowana jest według pewnych praw trybu w muzyce polifonicznej dowolnego rodzaju - homofonia, polifonia. Elementy harmonii – kadencja i modulacja – czynniki najważniejsze forma muzyczna. Doktryna harmonii jest jedną z głównych działów teorii muzyki.

Jeśli edukacja muzyczna w pierwszej klasie jest „początkiem”, „fundamentem”, w drugiej klasie „ośrodkiem”, kontynuacją i utrwaleniem tego, co otrzymano wcześniej, to trzecia klasa jest „ukończeniem” całego początkowego etapu edukacji. szkolenie.

W nowoczesna konstrukcja W sowieckiej szkole powszechnej początkowy etap edukacji stanowią klasy I-III, które mają swoje różnice organizacyjne w stosunku do gimnazjum (V-VIII) i starszego (klasy IX-X). Przede wszystkim, co do zasady, wszystkie dyscypliny akademickie w klasy I-III prowadzony jest przez jednego nauczyciela, co stwarza szczególne warunki do jego komunikacji z dziećmi. Nauczanie przedmiotów od klasy czwartej wpływa nawet w przypadkach na edukację muzyczną

gdy lekcje muzyki w klasach niższych prowadził muzyk-specjalista. Jednak we wszystkich przypadkach klasa III jest naprawdę ostateczna wstępny trening, i musi to wziąć pod uwagę nauczyciel prowadzący w nim lekcję muzyki. Jak rozwinięte muzycznie będą dzieci, kiedy przyjdą na świat? Liceum? Jak rozwiną się ich zdolności muzyczne? Na ile będziesz gotowy na dalszą komunikację z muzyką? Na te i inne pytania powinien odpowiedzieć nauczyciel prowadzący zajęcia muzyczne w klasie trzeciej.

ogólna charakterystyka trzecioklasista. Trzecioklasista jest już „typowym” uczniem. Fizycznie jest coraz silniejszy. Jednocześnie szybki wzrost fizyczny wpływa na chęć ruchu: dzieci często stają się bardziej niespokojne. Rozwój umysłowy jest znacznie wyższy niż u uczniów pierwszej i drugiej klasy; Trzecioklasiści mają ogromne możliwości abstrakcyjnego wnioskowania i abstrakcyjnego myślenia. Uwaga i pamięć stają się coraz bardziej dobrowolne (choć mimowolny charakter zarówno uwagi, jak i pamięci nadal odgrywa pewną rolę). W trzeciej klasie zainteresowania i skłonności dzieci stają się nieco bardziej stabilne i selektywne, choć oczywiście nadal nie są w pełni ukształtowane i zidentyfikowane. Wszystkie te zjawiska znajdują coraz większe odzwierciedlenie w wynikach nauki i wychowania. O ile w pierwszych dwóch klasach z reguły wszystkie dzieci wykazują chęć do jakiejkolwiek aktywności (w szczególności są gotowe do śpiewania, tańca, gry na instrumentach muzycznych oraz innych zajęć związanych z przedmiotami ogólnoedukacyjnymi), to w klasie trzeciej zróżnicowanie dzieci według zainteresowań staje się coraz bardziej określona, ​​wśród nich stwierdza się coraz mniej zdolne i skłonne do angażowania się w zajęcia o innym charakterze. Często właśnie na tym etapie niedoświadczeni nauczyciele etykietują dziecko pod kątem jego możliwości, choć wiadomo, że wiele zdolności rozwija się znacznie później (nawet muzyczne, choć często pojawiają się niezwykle wcześnie). Należy wziąć pod uwagę, że uczniowie klas trzecich są pionierami, to znaczy nowe warunki ich zbiorowego życia pozostawiają ślad i stymulują rozwój samodzielności, aktywności i zainteresowania życiem publicznym.

O tym wszystkim musi pamiętać nauczyciel prowadzący lekcje muzyki. Musi więc np. pamiętać, że jeśli w klasach I i II dzieci mają tendencję do naśladowania nauczyciela (nawet zewnętrznie), to w klasie III mają większą chęć pokazania się (co później staje się coraz ważniejsze, zwłaszcza w okresie dojrzewania). Ważne jest, aby wychwycić to pragnienie i odpowiednio je ukierunkować: pozwolić im wykazać się aktywnością i inicjatywą dla dobra wspólnego (na przykład być odpowiedzialnym za jakiś obszar pracy na lekcji, pomóc swoim towarzysze, którzy są w czymś opóźnieni itp.).

Przy zachowaniu głównego celu wychowania muzycznego w klasie trzeciej – rozwoju i kształtowania osobowości poprzez muzykę – szczególnie ważnym zadaniem jest wszechstronny rozwój muzyczno-słuchowy uczniów, o czym, oczywiście, nauczyciel miał na myśli już od pierwszych zajęć. Ale na tym etapie, ze względu na powikłania materiał muzyczny Dla jego pełnej percepcji coraz ważniejsze stają się słuch harmoniczny, słuch barwowy, zmysł rytmiczny i modalny.

Odsłaniając najważniejsze stanowisko edukacji muzycznej – związek muzyki z życiem – w przekazywaniu bardziej złożonych treści dzieł muzycznych uwzględniane są wszystkie znane już dzieciom środki wyrazu muzycznego. Ponieważ pionierskie życie dzieci w szkole staje się znacznie bardziej różnorodne, nauczyciel muzyki bierze to również pod uwagę. Na tę wszechstronność życia powołuje się przy konstruowaniu procesu edukacyjnego, ukazaniu różnorodności tematów, nastrojów, charakterów dzieł muzycznych, na tym, że różni kompozytorzy mogą odmiennie urzeczywistniać w muzyce nawet ten sam temat (obraz, zjawisko), co – ten sam temat (obraz, zjawisko) może być odmiennie ucieleśniony w różnych dziełach tego samego kompozytora. (Na przykład walc w twórczości P. I. Czajkowskiego: w „Albumie dla dzieci”, w cyklu „Pory roku”, w „Dziadku do orzechów”, w „Śpiącej królewnie”, w „Jeziorze łabędzim”, w „Eugeniuszu Onieginie”. .. ) Tym samym coraz bardziej poszerzają się perspektywy zapoznania dzieci ze skarbami sztuki muzycznej, sztuka muzyczna jawi się im coraz bardziej wieloaspektowo.

Jednym ze sposobów aktywnego muzycznego rozwoju słuchowego uczniów jest ich własna aktywność muzyczna: śpiewanie, gra na instrumentach, słuchanie muzyki.

Treść programu trzeciej klasy, opracowana w Instytucie Badawczym Szkół MP RFSRR, kontynuuje komplikowanie zadań, które zostały w takim czy innym stopniu rozwiązane w poprzednich klasach. Dzieci w pewnym stopniu są już zaznajomione z faktem, że muzyka jest zawsze związana z życiem, odzwierciedla je, że muzyka jest częścią życia, że ​​każdy naród ma swoją muzykę. Już na pierwszej lekcji w pierwszej klasie uświadomiono im, że muzyka sama w sobie żyje tylko wtedy, gdy utwór skomponowany przez kompozytora jest przez kogoś wykonywany i przez kogoś słuchany. Treści nauczania muzycznego rozpoczęte w klasach I i II znajdują logiczną kontynuację i wzmocnienie w tematyce zajęć akademickich klasy III. Te tematy to:

I kwartał - „Muzyka mojego ludu”;

II kwartał – „Nie ma granic nie do przekroczenia pomiędzy muzyką mojego narodu a muzyką innych narodów mojego kraju”;

III kwartał – „Pomiędzy muzyką różnych narodów świata nie ma granic nie do przekroczenia”;

IV kwartał – „Kompozytor – wykonawca – słuchacz”.

Jednym z punktów wyjścia programu, który jest przekazywany uczniom już na pierwszych lekcjach pierwszej ćwiartki klasy trzeciej, jest to, że podstawą kultury muzycznej jest sztuka ludowa, z niej wyrasta muzyka kompozytorska. I tutaj należy zwrócić uwagę na pierwszy poważne zadanie, który został zaproponowany w programie: przybliżenie dzieciom muzyki ludowej i kompozytorskiej, oczywiście, w odniesieniu do możliwości jej asymilacji przez uczniów klas trzecich. W instrukcjach do pierwszej lekcji pierwszego kwartału tego programu dla klasy trzeciej zauważono, że „muzykę kompozytorską czasami trudno odróżnić od muzyka ludowa" Program nadaje następujące cechy pieśni ludowej, dostępnej dla klas trzecich: „...pieśni ludowe są prawie zawsze pisane w formie wiersza. Zwykle są one krótsze i prostsze od pieśni kompozytora, jednak pod względem piękna, wyrazistości, wyrafinowania i bogactwa treści należą do najbardziej wysokie szczyty sztuka muzyczna.”

Drugim trudnym zadaniem w tym temacie jest identyfikacja cech muzyki mojego ludu (w szkołach rosyjskich - rosyjska muzyka ludowa). Oto jak o tych cechach mówi instrukcja do lekcji II: „Można określić w jednym lub kilku słowach tylko daną (tą!) piosenkę lub jakiś inny utwór, ale w kilku słowach nie da się tego określić. określić ogólnie charakter rosyjskiej muzyki ludowej, ponieważ jest ona bardzo bogata i różnorodna. Znajdziemy w nim śpiew, taniec i marsz. Ale zdecydowanie przeważa w nim śpiewność, melodyjność, melodyjność, koloryt bardzo zarówno taniec, jak i muzyka marszowa.”

W zależności od pracy, z jaką uczniowie są wprowadzani do programu, dodawane są drobne szczegóły: że w pieśniach ludowych solista często śpiewa, że ​​melodii głównej często towarzyszą głosy wspierające itp.

Oczywiście wymienione dwa główne zadania pierwszego kwartału prezentowane są dzieciom tylko w czasie przewidzianym w programie (8-9 czterdziestopięciominutowych lekcji). ogólna perspektywa. A jednak, jeśli nauczyciel stale o nich pamięta (w odbiorze, grze na instrumentach, śpiewie), stanowią one niezbędny „cegiełkę” stanowiącą podstawę ogólnego nauczania muzycznego i wychowania w szkole.

Tematy drugi i trzeci klasy III służą utwierdzeniu stanowiska, że ​​muzyka jest człowiekowi niezbędna, że ​​odzwierciedla najróżniejsze aspekty życia: radość i smutek, myśli człowieka, obrazy otaczającej go przyrody, wydarzenia społeczne i osobiste , dlatego różne narody mają charakter heroiczny i liryczny, komiczny i narracyjny, są różne tańce... Jednak nauczyciel podkreśla, że ​​każdy naród ma swoją muzykę i rozpoznając ją, wzbogacamy się. I tutaj najwyraźniej musimy pamiętać o następujących kwestiach. Oczywiście uczniowie klas trzecich nie będą w stanie opanować specyfiki muzyki 15 republik radzieckich, a tym bardziej muzyki narodów świata. Ale najważniejsze jest to, że intuicyjnie nie pomylą rosyjskiej piosenki z piosenką o podobnym charakterze (na przykład liryczną) gruzińską lub uzbecką. Oczywiście można im wykazać pewne cechy (np. oryginalność struktury modalnej, metrykę, ciągi chromatyczne). Najważniejsze, że gromadząc wrażenia muzyczne w procesie słuchania i śpiewania, rozumieją, że muzyka łączy ludzi, że „muzyka rosyjska jest zrozumiała dla Uzbeka, muzyka uzbecka dla Łotysza” itp., że Niemiecki kompozytor potrafi pisać muzykę na temat rosyjski, rosyjski kompozytor może pisać na temat francuski itp. Na tym polega główny patos edukacyjny programu.

Ostatni temat III klasa „Kompozytor - Wykonawca - Słuchacz” na nowym etapie podkreśla problem, który rozpoczął się na pierwszej lekcji w pierwszej klasie, podsumowuje to, co dzieci otrzymały w ciągu ostatniego czasu, pomaga im zrozumieć, ile nowych myśli, uczuć, doświadczeń wkroczyli w ich życie dzięki muzyce.

Istotą pracy nauczyciela powinna być jego ciągła chęć dbania o to, aby „w świadomości uczniów odbiór muzyki wiązał się zawsze z wyobrażeniem o tym, kto i jak ją skomponował, kto i jak ją wykonał. Podobnie wykonywanie muzyki powinno zawsze wiązać się ze świadomym jej postrzeganiem i zrozumieniem, w jaki sposób sami ją wykonywali”. W związku z zadaniem rozwijania umiejętności coraz głębszego słuchania muzyki, identyfikowania cech konkretnego utworu (najczęściej przez porównanie z innym - kontrastowym lub podobnym), jak już zauważyliśmy, poważną, systematyczną uwagę przywiązuje się do rozwój wszystkich aspektów muzyczne ucho, kształtowanie koncepcji muzycznych i słuchowych u uczniów.

Rozwiązaniem tego wieloaspektowego problemu jest także śpiew w klasie trzeciej.

Zadania wokalne obejmują pracę nad utrwalaniem i rozwijaniem tych samych umiejętności wokalnych i chóralnych (formowanie brzmienia, dykcja, czysty unison, zespół i struktura w śpiewie dwugłosowym, ekspresja - niuanse), które były omawiane w klasach I i II, ale teraz przy wykonywaniu więcej złożony repertuar.

Umiejętności śpiewu w dalszym ciągu skupiają się na wzmacnianiu umiejętności kantyleny. W pierwszym kwartale utwór ten przebiega całkiem naturalnie w związku ze swoim tematem, kiedy, jak zauważono, jak najbardziej typowa cecha Rosyjska muzyka ludowa podkreślała jej śpiewność, melodyjność i kantynencję (na przykład nauka rosyjskiej pieśni ludowej „Down wzdłuż Matki Wołgi”), ale zadanie to nie jest usuwane w kolejnych kwartałach (na przykład podczas słuchania i uczenia się pieśni różnych ludów republiki radzieckie i niektóre kraje świata: „Reve ta stogne Dnshr wide” (ukraiński), „Przepiórka” (białoruski), „Wey, bryza” (łotewski), „Pieśń pasterska” (francuski), „Wiśnia” (japoński) itp. .) . Pracując nad kantyleną, dzieci głębiej dostrzegają to, co wspólne i odmienne w muzyce różnych narodów, i na nowo utwierdzają się w przekonaniu, że dla muzyki nie ma granic nie do przekroczenia.

Jednak praca śpiewu nie ogranicza się oczywiście do śpiewu kantylenowego. To jest nudne dla dzieci i, co najważniejsze, takie byłoby

Niewłaściwe jest sprowadzanie całej muzyki do jednego znaku. Program zaleca ciekawy repertuar aby opracować lekkie, zwinne brzmienie, na przykład rosyjskie Piosenka ludowa„Idę z bocianami”, „Ditties” (muzyka ludowa, słowa V. Viktorov), „Kurczaki” (muzyka G. Huseynli, słowa T. Muttalibov), „Polka (Czech)” i inne, energiczne, bogate , ale bez „na siłę”, na przykład rosyjska piosenka ludowa „Żołnierze, dzielni towarzysze”, „Pieśń o pionierskiej przyjaźni” (muzyka W. Łoktiewa, słowa O. Wysockiej), „Sa ira” (piosenka rewolucja Francuska 1789, przeł. D. Usova) i inni.

Ze względu na fakt, że wiele dzieł ma duże trudności wykonawcze - szeroki zakres, duże frazy wymagające swobodnego oddychania (na przykład „Fly, gołębie” I. O. Dunaevsky'ego, „Sunset” E. Griega), nauczyciel W zależności od rozwój śpiewu klasy wprowadza zadania przygotowawcze, zwracając szczególną uwagę na tę czy inną trudność występującą w pieśni przeznaczonej do nauki. We wstępnych śpiewach, ćwiczeniach i śpiewie uczniowie opanowują na przykład umiejętność śpiewania kilku samogłosek na sylabę, trudny układ rytmiczny pieśni itp.

Szczególne znaczenie ma w tym względzie śpiewanie poszczególnych tematów, epizodów z utworów przeznaczonych do słuchania. Jego zadaniem jest nie tylko pomoc w głębszej percepcji. Charakter tematu śpiewanego w trakcie własny występ zawsze realizowany jest żywiej, bardziej emocjonalnie, ale oczywiście jeśli nie jest to tylko nucenie, ale raczej wykonanie, czyli piękny, wyrazisty śpiew. Dlatego też ucząc się np. tematu głównego pierwszej części III Koncertu fortepianowego S. W. Rachmaninowa ważne jest osiągnięcie melodyjności i elastyczności brzmienia, czego nie da się osiągnąć bez śpiewający oddech, jego prawidłowe rozmieszczenie itp.

Nauczyciel sam musi sobie dokładnie wyobrazić, jak melodia zostanie wykonana. (Przykładowo na początku podtekstem każdego dźwięku z sylabą „la”, a następnie śpiewaniem dwóch ósemek na tę sylabę itp.)

Jeśli uczysz się fragmentu z tekst literacki, wówczas konieczna jest staranna praca nad wymową słów, która powinna być nie tylko jasna, ale i wyrazista ze względu na charakter odgrywanego odcinka. Np. wykonanie tematu środkowej części kantaty „Aleksander Newski” S. Prokofiewa powinno być 1 energiczne, zdecydowane, ale bez „narzucania”, z precyzyjnym wykonaniem wszystkich czasów trwania (zwłaszcza śpiewanie dwóch dźwięków na sylabę: „ludzie-i”, „na-a” itp.).

Ekspresyjne występy są ułatwione dzięki zrozumieniu przez dzieci rozwoju muzycznych obrazów uczonej piosenki. Jednocześnie pogłębiane są informacje, jakie dzieci na ten temat otrzymują w klasach poprzednich (pamiętajcie zwłaszcza o temacie trzeciej ćwiartki klasy drugiej: „Rozwój muzyki”). Ważne jest na przykład to

7 Nr zamówienia 4164

Rozumiesz budowę fraz (ich powtórzenia, kontrast, zmienność), dynamiczny rozwój (wzrost do kulminacji itp.).

Wskazane jest połączenie procesu słuchania brzmienia utworu i kształtowania jego wizerunku z elementami umiejętności muzycznych (np. Zapisywaniem głównej melodii w nutach). Wnikając w istotę obrazu, dzieci zaczynają wykonywać piosenkę bardziej emocjonalnie i świadomie: praca nad czystością intonacji łączy się z jej wyrazistością, a nauka w naturalny sposób łączy się z edukacją estetycznego stosunku dzieci do muzyki i ich muzycznym rozwojem. Inaczej mówiąc, nabyte umiejętności nie stają się celem samym w sobie, lecz organiczną, niezbędną częścią przeżycia estetycznego danego dzieła.

Wzmocnienie umiejętności energetycznego brzmienia bez „na siłę” w klasie trzeciej ma swoje dość szczególne znaczenie, ponieważ dzieci często biorą udział w różnych pionierskich wydarzeniach (obozy, konkursy, wycieczki), a pieśń marszowa zajmuje duże miejsce w ich życiu. Bardzo ważne jest, aby taka piosenka nie straciła na swojej wartości jakość muzyczna. (Pamiętajmy, jak często nawet w filmach, programach radiowych i telewizyjnych, gdzie odcinki rozgrywają się przy pionierskim ognisku, podczas wędrówki itp., pieśń marszowa brzmi po prostu antymuzycznie!) Zachowanie melodyjności z marszowym charakterem ( co jest szczególnie typowe. Jak już wspomniano, muzyka rosyjska) jest zadaniem dość złożonym i należy na to zwrócić szczególną uwagę (oczywiście od pierwszej klasy). Trudność tę w dużej mierze stwarza charakterystyczny dla pieśni marcowych rytm punktowany. Pomoc w przezwyciężeniu tej trudności ponownie może zapewnić notacja muzyczna: po zapisaniu układu rytmicznego z nutami nauczyciel zwraca uwagę dzieci na to, aby nutę z kropką należy ciągnąć jak najdłuższą, a następujący po niej krótki dźwięk przeciwnie – jak najkrótszy jak to możliwe; trzeba starać się śpiewać tak, aby wszystkie dłuższe dźwięki nie były przerywane krótszymi, ale zachowały swoją linię melodyczną. Ale krótkie dźwięki wnoszą do tego dźwięku swoją aktywność i asertywność, charakterystyczną dla marszu.

Oprócz zauważonych trudności, w pieśniach o charakterze marszowym interwałowa konstrukcja melodii często powoduje duże trudności podczas wykonywania: ruchy czwartej, piątej, szóstej i innych szerokich interwałów często występują w pieśniach marcowych i powodują, że dzieci nie chcą śpiewać, ale wykrzykiwać je. Niektórzy metodolodzy radzą uczyć się takich piosenek częściej w wolnym tempie, jak melodyjna pieśń, aby dzieci dokładnie wsłuchały się w jej melodię, a dopiero potem, zachowując melodyjność, nadawały jej pożądany charakter aktywności, marszu.

Umiejętność łatwego, zwinnego śpiewania w klasie trzeciej kształtuje się najczęściej w procesie nauki piosenek o charakterze humorystycznym i figuratywnym, które wymagają takiego brzmienia, aby stworzyć określony obraz. To, co zostało osiągnięte w jednym przypadku, zostaje przeniesione

na innych: osiągnięcie wyrazistości wykonania / dzieci uczą się panować nad swoim głosem.

Jedną z najtrudniejszych nie tylko w klasie trzeciej, ale być może w ogóle w śpiewie na lekcjach szkolnych jest umiejętność utrzymania melodyjności w szybkim tempie przy poruszającym charakterze melodii. Piosenki takie jak np. „Sa ira” „prowokują” dzieci do „wymówienia” piosenki, do wykonania jej w „pogawędce”, w której właściwie zatraca się melodia. Przy rozwijaniu umiejętności utrzymywania melodyjności w szybkim tempie stawiane są przed nami dwa zadania: z jednej strony wypracowanie łatwej i wyraźnej, „przejrzystej” dykcji, z drugiej zaś elastycznego, poruszającego, ale melodyjnego brzmienia. Dlatego też prowadzone są prace zarówno nad rozwojem czytelnej dykcji, gdy dzieci chętnie uczą się różnych łamańc językowych, jak i nad dalszym kształtowaniem melodyjności, dla której piosenka jest śpiewana w znacznie wolniejszym tempie, tak aby każdy jej zwrot był śpiewany przez dzieci prawidłowo, tak aby słyszały melodie każdego zakrętu. I dopiero stopniowo przyspieszając dźwięk, zachowując jego melodyjność, chłopaki wykonują piosenkę tak, jak powinna brzmieć. > Należy jeszcze raz podkreślić, że ta często dość żmudna praca nie powinna być sucha, formalna, „pozamuzyczna”. Wręcz przeciwnie ekspresja muzyczna dzieci zawsze traktują go jako upragniony cel, a zrozumienie od czego to zależy i jak to osiągnąć rozwija dzieci twórczo.

Obszerność tematów klasy III pozwala na łączenie różnorodnego materiału w każdym z nich: pieśni ludowe, twórczość kompozytorów klasycznych, współczesnych kompozytorów w różnych formach i gatunkach (opera, balet, koncert, symfonia, muzyka kameralna itd.). Znamienne jest, że w programie wiele utworów opatrzonych jest dopiskiem: „wykonywać i słuchać”, czyli dzieci najpierw rozpoznają (słuchają) kogoś innego wykonującego niektóre z nich, a następnie zaczynają je samodzielnie wykonywać; w innych przypadkach dzieci najpierw śpiewają niektóre tematy, epizody, a następnie słuchają utworu w przedstawieniu, które zamierzył kompozytor.

Zatem rozwój muzyczny i edukacja uczniów odbywa się w niezbędnym połączeniu słuchania i wykonywania oraz umiejętności muzyczne stale organicznie w nie wnika. Kształtowanie miłości i zainteresowania muzyką, pasji do niej łączy pracę edukacyjną w proces holistyczny.

Zakończenie zapoznania się z treściami edukacji muzycznej nt etap początkowy szkolenia, jeszcze raz podkreślamy jego znaczenie dla całej późniejszej pracy. Stworzenie podstaw podejścia do przedmiotu, zainteresowania nim, wszechstronnego rozwoju wszelkich zdolności muzycznych w oparciu o zdobytą wiedzę, kształtowanie umiejętności i zdolności postrzegania i wykonywania muzyki zapewniają owocność zajęć w kolejnych klasach.

Rozdział V

EDUKACJA MUZYCZNA W IV-VI! ZAJĘCIA

Podręcznik ukazuje najważniejsze zagadnienia edukacji muzycznej w szkole podstawowej, uwzględniając istniejące programy we współczesnych szkołach oraz doświadczenia edukacji muzycznej od czasów starożytnych do współczesności; różne rodzaje zajęć muzycznych, rodzaje zajęć, różne formy, praktyczne rozwiązania materiałowe i metodyczne zajęć pozalekcyjnych wydarzenia muzyczne. ta praca reprezentuje instruktaż nowe pokolenie. Ujawnia nowe podejścia do Edukacja muzyczna dzieci w szkole podstawowej: rozwój przedmuzyczny i słuchowy dzieci, różne typy wyobraźni, praca z pamiętnikiem muzycznym, duże i małe formy zajęć pozalekcyjnych dzieło muzyczne. Aby stworzyć całościowy muzyczny obraz świata dla dzieci, zaprezentowano dużą ilość materiału dotyczącego muzyki Wschodu i pedagogiki Wschodu.
Podręcznik przeznaczony jest dla studentów studiów stacjonarnych i niestacjonarnych kierunków pedagogicznych oraz nauczycieli szkół podstawowych.

Muzyka świata starożytnego.
Muzyka w Świat starożytny pełnił funkcje edukacyjne, lecznicze, uzdrawiające, inspirujące, duchowe. W starożytność połączył się z wiedzą naukową i wiara religijna. Od czasów starożytnych edukacja muzyczna była integralną częścią życia, tradycji, moralności i podstaw społeczeństwa oraz odzwierciedlała specyfikę sposobu życia każdego narodu. Twórczość generowała codzienna konieczność i poziom rozwoju ludzi. W starożytności praktycznie nie było podziału na rodzaje sztuki. Sztuka oznaczała każdy rodzaj zajęcia praktyczne. Łowiectwo, rzemiosło i rybołówstwo określano mianem sztuk.

Muzyka nie była rozumiana jako sztuka dźwięku, wysokości, rytmu i tempa, była odzwierciedleniem wewnętrznych przeżyć, stanów wyrażających się w plastyczności ciała, w działaniu, a zarazem w głosie. Słowo, ruch, dźwięk połączyły się w jedno. Wiadomo, że śpiewano dzieła starożytnych greckich poetów, zwanych „melodycznymi”. W Starożytny Rzym dziewczęta i młode kobiety uczyły się śpiewać wiersze Katullusa, Tibullusa i Propertiusa. Wiersze zostały wykonane przy akompaniamencie instrumentu muzycznego. W ten sposób Horacy skomponował swoje ody do śpiewania na instrumentach smyczkowych.

TREŚĆ
Wstęp
Rozdział I. HISTORIA I TEORIA EDUKACJI MUZYCZNEJ DZIECI
1.1. Początki edukacji muzycznej w kraje europejskie
1.2. Cechy muzyki i edukacji muzycznej w kraje wschodnie
Tradycje edukacji muzycznej na Rusi
1.4. Nosiciele kultury muzycznej
1,5. Trendy w edukacji muzycznej we współczesnym świecie
1.6. Wpływ współczesnej sztuki muzycznej na dziecko
1.7. Muzykoterapia i jej możliwości pedagogiczne
Rozdział II. AUDIO JAKO PRZEDMUZYCZNY ROZWÓJ DZIECI
2.1. Czasoprzestrzenne podstawy rozwoju słuchu
2.2. Podstawowe narzędzia wspomagające rozwój słuchu dzieci
2.3. Muzykalność jako cecha osobowości rozwiniętej słuchowo
2.4. Synestetyczny wpływ informacji słuchowej
2.5. Edukacyjna moc tańców okrągłych
2.6. Twórczość muzyczna jak stworzenie
2.7. Rodzaje fantazji muzycznej
Rozdział III. METODOLOGIA EDUKACJI MUZYCZNEJ W SZKOLE PODSTAWOWEJ
3.1. Podstawa metodologiczna i zasady wychowania muzycznego w szkole podstawowej
3.2. Rozwój muzyczny, wychowanie i edukacja dzieci
3.3. Rodzaje zajęć muzycznych
3.4. Metody nauczania muzyki w szkole podstawowej
3.5. Dramaturgia lekcja muzyki
3.6. Formy i treść pozaszkolnej pracy muzycznej
3.7. Organizacja kompleksu zajęcia dodatkowe w muzyce
3.8. Dziennik muzyczny jako droga muzycznej refleksji
Rozdział IV. „MUZYCZNA Skarbonka”
4.1. Opowieści o kompozytorach
Jana Sebastiana Bacha
Ludwiga van Beethovena
Georgesa Bizeta
Aleksander Porfiriewicz Borodin
Michaił Iwanowicz Glinka
Edwarda Griega
Wolfgang Amadeusz Mozart
Siergiej Siergiejewicz Prokofiew
Siergiej Wasiljewicz Rahmaninow
Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow
Camille'a Saint-Saensa
Piotr Iljicz Czajkowski
Fryderyk Franciszek Chopin
Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz
Rodion Konstantinowicz Szczedrin
4.2. Obraz muzycznyświat: teksty, materiały
4.3. Teksty poetyckie
Werbalne wyrażanie emocji
Zgadnij!
4.4. Słowniczek muzyczny
Zwój zadania praktyczne według stawki
Wniosek
Lista bibliograficzna.

Pobierz e-book za darmo w wygodnym formacie, obejrzyj i przeczytaj:
Pobierz książkę Teoria i metody edukacji muzycznej w szkole podstawowej, Yafalyan A.F., 2008 - fileskachat.com, szybkie i bezpłatne pobranie.