Najbardziej odmienna, najbardziej wyjątkowa, najbardziej oryginalna - krytyka nigdy nie szczędziła entuzjastycznych epitetów kierowanych do francuskiego romantyka, który poszerzył granice gatunku i wprowadził do niego coś, co było inspiracją dla impresjonistów drugiej połowy XIX wieku. 19 wiek.
Corot „nagle” został artystą. Od dzieciństwa ten roztargniony i milczący syn zamożnego kupca nie sprawiał rodzicom żadnych szczególnych problemów. Uczył się w prywatnej szkole z internatem, następnie został wysłany do Rouen, gdzie nauczył się podstaw handlu. Uczyłem się bez przyjemności, ale radziłem sobie dobrze ze wszystkich przedmiotów.
Już pierwsze doświadczenie pracy w sklepie z suknem było smutne. Kamil nie wiedział, jak sprzedać nieaktualne towary, ale każdemu, kto go o tę zniżkę poprosił, oferował nowy, wysokiej jakości towar z dużym rabatem. Właściciel sklepu wysłał go do rodziny z listem, w którym ze smutkiem poinformował rodziców, że jego syn nie nadaje się do handlu. Ojciec nawet nie pomyślał o zdenerwowaniu, przypisując wszystkie niepowodzenia syna młodości i brakowi doświadczenia.
Nagłe oświadczenie Kamila, że nie chce już zajmować się handlem i chce zostać artystą, również nie zmartwiło jego ojca. Cieszył się, że nie będzie już wydawał pieniędzy na syna.
Kilka lat nauki u znanych mistrzów malarstwa niewiele nauczyło początkującego artystę. Dużo więcej nauczył się podczas swojej podróży do. Ze swojej podróży Corot przywiózł kilka szkiców, które otrzymały dobre recenzje od swoich kolegów. Po Włoszech artysta podróżuje po swoim rodzinnym kraju, tworząc jedno arcydzieło za drugim. Artysta swoją płodnością i szybkością, z jaką mistrz tworzył coraz to nowe obrazy, przypominał XVII-wiecznych mistrzów holenderskich.
Dziedzictwo Corota to cała galeria portretów, kilka prac o tematyce mitologicznej i alegorycznej oraz niezliczone pejzaże, które zyskały najwyższe uznanie w świecie sztuki.
Mistrz wierzył, że tylko to, co zostało napisane z życia za pierwszym razem, jest najbardziej szczere i utalentowane. Szkicowość jego obrazów i pewna niekompletność początkowo budziły zdziwienie, ale wkrótce pogodzili się z tym także krytycy. Oprócz niedokończonej natury prace Corota podziwiano za jego umiejętność „uchwycenia” tego, co najważniejsze, uniknięcia statyczności i wniesienia do krajobrazu czegoś więcej. Grając w półtony, kochające mgły, zamglenia i niejasne formy, artyście udało się wprowadzić do swoich romantycznych pejzaży poczucie mobilności i samego życia, które inspirowało impresjonistów, którym zależało właśnie na oddaniu ruchu otaczającego świata, pierwszych wrażeń tego, co zobaczyli.
Corot pozostał wierny swojemu stylowi do końca życia. Od 1827 r. aż do swojej śmierci w 1875 r. mistrz nie opuścił ani jednej wystawy w Salonie. Co ciekawe, jego ostatnie prace zostały zaprezentowane publiczności już po śmierci. Umierając w swoim paryskim mieszkaniu, Corot nakazał wystawienie kilku swoich prac na kolejnej wystawie, mimo że już nie żył. Na wystawie w 1875 roku największym zainteresowaniem publiczności cieszyły się prace zmarłego artysty, uznanego mistrza, niepowtarzalnego i oryginalnego, niepodobnego do innych.
Prezentowane są prace Jeana Baptiste'a Camille'a Corota. Jego twórczość łączy w sobie cechy klasyczne, romantyczne i realistyczne.
Zmarł w 1875 roku i żył długo i owocnie. Corot znał Barbizończyków, ale nie podzielał ich poglądów. Pod wieloma względami Camille Corot antycypowała impresjonizm, pozostając artystką klasyczną. I chociaż sami impresjoniści nazywali Corota swoim poprzednikiem i nauczycielem, on sam nie rozumiał i nie akceptował ich malarstwa.
Twórczość Corota powstała w czasie, gdy Barbizończycy zaczynali już być lubiani przez opinię publiczną. Często zdarza się, że na początku ludzie nie akceptują nowych rzeczy. Potem po pewnym czasie pojawia się coś innego i to, co nie podobało się kilka lat temu, już wydaje się atrakcyjne, bo pojawił się jeszcze nowszy i brzydszy kierunek, jak to się zwykle mówi o czymś niezwykłym. Kiedy pojawili się impresjoniści, których „twórczość” nie mieściła się w ogóle w żadnych bramach, jakoś przyzwyczaili się do Barbizonów i zaczęli je lubić.
Kamil Corot. „Portret Mariette Gambe (sny Mariette)”
Na naszej wystawie znajduje się namalowany przez niego portret siostry artysty Camille Corot. Obraz ten nazywa się „Portret Mariette Gambe (Sny Mariette)”, dzieło niewiele przypomina portret, jest raczej obrazem gatunkowym, obrazem nie samej dziewczyny, ale jej marzycielstwa i zamyślenia.
Kamil Corot. „Poranek w Wenecji”
Corot otrzymał absolutnie tradycyjne wykształcenie artystyczne, kończąc Akademię ze złotym medalem. W ramach zachęty zostaje wysłany na trzy lata do Włoch, aby doskonalić się na koszt publiczny. Stamtąd przywiózł mały obraz „Poranek w Wenecji”.
Po tych trzech latach, po powrocie do ojczyzny, Corot stawia sobie za cel piesze zwiedzanie całej Francji i odkrycie drżącej natury swojej rodzimej natury. A z każdej pieszej wycieczki przynosił nowe obrazy. Jedno z jego dzieł„Wóz siana (wóz przejeżdżający przez bród w pobliżu dużego drzewa)”.
Kamil Corot. Krajobrazy
Bawiąc się światłem i cieniem, Corot maluje pewien przejściowy stan natury. Oczywiste jest, że padało niedawno lub nadal pada. Wózek przejeżdża przez dużą kałużę. Padało, ale już przeszło. Za drzewem trawnik jest już rozświetlony przez słońce i przebija się przez chmury.
Przejściowy stan natury ukazany jest z wielkim kunsztem.
Każdy krajobraz Camille’a Corot to krajobraz nastroju. Przekazuje drżenie, ruchliwość i wibrację nie tylko poprzez struktury kompozycyjne, ale także poprzez oszałamiające malarstwo Valerie.
Każdy obraz Corota potwierdza, że nie był on najwybitniejszym kolorystą. Uważał, że kolor w malarstwie nie jest najważniejszy. Najpierw musisz wszystko narysować, a następnie pokazać wszystkie obiekty w ruchu. Ruch mistrza objawia się na poziomie trzepoczących liści, wiejącego wiatru, szeleszczącej trawy. I dał ten ruch nie tylko wibracyjnym uderzeniem. Corot NIE opisał szczegółów jak Guerin.
Corot argumentował, że każdy kolor ma co najmniej 20 gradacji. Ale zadaniem artysty jest nie tylko rozpoznanie tych szczegółów, ale także ich zastosowanie, aby wszystkie odcienie od najciemniejszego do najjaśniejszego nie powtórzyły się na zdjęciu więcej niż raz.
Corot bawi się dowolnym obrazem w taki sposób, aby rozłożyć kolor na wszystkie odcienie i umieścić każdy z nich w obrazie, najpierw rozkładając na przykład kolor zielony. Następnie robi to samo z szarością. A potem bierze kontrastujący kolor i nakłada go w kropki na obrazie, żeby jeszcze bardziej spotęgować to drżenie. Nazwał ten kolorowy sos lub przyprawę.
Kamil Corot. "Podmuch wiatru"
Na przykład „sos” Corota na obrazie „Podmuch wiatru” to kolor kobiecego szalika, który igra z refleksami na niebie. Kolorystyka obrazu jest prawie monochromatyczna, a ten szalik jest jedyną żółtawą plamą.
W pracach Corota zawsze widać RYSUNEK. Zwróć uwagę na jego tzw. „puszysty” styl pisania. Postacie na obrazie są potrzebne do stworzenia głębi, trzeciego wymiaru. Ważne, że Corotowi po raz pierwszy udało się poprzez malarstwo przekazać pewien „dreszczyk atmosfery”. Na tym płótnie można fizycznie poczuć wiatr, ruch atmosfery i to, jak wieśniaczka stara się stawić czoła jego podmuchom. Ruch na obrazie, podobnie jak podniecenie w naturze, jest niejasny, nie do końca wyrażony przez artystę - to tylko lekkie drżenie, ale nie burza, nie dramat unoszących się żywiołów.
Kamil Corot. „Kąpiel Diany”
„Kąpiel Diany” to jedno z ostatnich (prawie ostatnich) dzieł Corota.
Część ekspertów twierdzi, że to drugie. W tym czasie Corotowi odmówiono udziału w wystawach, stwierdzając, że nadszedł czas na młodych autorów i wszyscy byli już zmęczeni jego stylem pisania. A potem pewnego dnia poradzono mu trochę odświeżyć temat, namalować jakąś Wenus w pejzażu. 75-letni Corot zainspirował się, wyjął duże płótno, zaprosił córkę Charlesa Francois Daubigny’ego, Emmę, i przedstawił ją na tle natury, niczym Diana.
Ale jak pisze swoją Dianę? Pamiętając o tradycjach klasycyzmu w sztuce, koryguje jej sylwetkę, zamieniając ją w piękną antyczną statuę. Corot był daleki od tradycji impresjonizmu. Jego pejzaż jest malowany w jednym trybie oświetlenia, a Emma w innym, oświetla ją światło z zupełnie innego źródła. Jej postać nie jest do końca połączona z tłem, jest jakby „wpisana” w pejzaż. Później impresjoniści zauważyli, że podmiot malarski nie może istnieć w izolacji, wszystkie przedmioty musi łączyć światło. Ale Koro nie dożyje tego widoku.
Szczerze współczuję dziewczynie z tego obrazu. Stoi w kałuży, a ja bardzo chcę ją przykryć kocem, owinąć, żeby nie zamarzła. Obraz wyróżnia się bardzo wyraźnym i poprawnym RYSUNKIEM! Koro zawsze to robił.
Jeśli chodzi o fabułę, jest to ilustracja słynnego epizodu z mitu. Diana weszła do jeziora, aby popływać i nagle ujrzała w wodzie odbicie myśliwego Akteona. Była przerażona, że zobaczył ją nagą, zamieniła go w jelenia, a psy natychmiast rozszarpały nieszczęsnego mężczyznę na kawałki. Oznacza to, że Corot podąża jego śladami – wplata w krajobraz mitologiczną fabułę.
Co ciekawe, Corot napisał to dzieło w tym samym czasie, gdy Renoir napisał swój „Akt”. Ale Renoir zostanie oczerniony, a Corot zostanie umieszczony na piedestale, jeśli nie w niebie.
Camille Corot w Muzeum Puszkina
W naszej kolekcji znajduje się 14 dzieł Corota. Dwa z nich budzą wątpliwości. A jeśli nie mówimy o tych dwóch, to pozostałych 12 jest najwyższej jakości. (Moglibyśmy długo opowiadać o wielu fałszerstwach Corot.
Koniec XIX i początek XX wieku to czas, kiedy amerykańscy komiwojażerowie spieszyli do Europy, aby kupić obrazy i inne antyki. Nowy Świat nie tworzył własnej sztuki, był zajęty zarabianiem pieniędzy, sztukę kupowano w Europie, nie szczędzono na wydatkach. A jeśli jest popyt, to natychmiast pojawia się podaż… fałszywych obrazów. Corot spełnia to żądanie, Amerykanie naprawdę lubią jego obrazy. Cóż, powstała niesamowita liczba podróbek „Coro”. Istnieje dowcip artystyczny i antykwaryczny, że z 2 milionów jego obrazów 4000 znajduje się w kolekcjach prywatnych. Ale w naszym muzeum dzieła Corota są ORYGINALNE!)
Kolejnym mistrzem, który nie należał do Barbizonów, ale był związany z ich szkołą, jest Jean Francois Millet (1814-1875). Stał się jednym z największych mistrzów połowy XIX wieku. Pierwsze uznanie zdobył dzięki portretom i niewielkim obrazom o tematyce biblijnej. Ale głównym motywem jego dzieł była praca chłopska.
Urodzony w Normandii w chłopskim środowisku artysta skupiał się nie na gatunku pejzażu, ale na przedstawieniu chłopskiej pracy, będącej jego zdaniem głównym celem człowieka na ziemi. Millet ukazywał pracę na wsi jako naturalny stan człowieka, jedyną możliwą formę jego egzystencji.
Artysta był przyjacielem Teodora Rousseau, który w odróżnieniu od Barbizończyków on sam nie przybył do Barbizonu, lecz zamieszkał tam na stałe. Ponieważ sam był chłopem, przyrodę postrzegał jako sferę chłopskiej pracy i za swoje zadanie uważał przekazywanie związku chłopa z przyrodą. Jego pejzaże przesiąknięte są obecnością człowieka, wypełnione echem jego myśli i marzeń. W pejzażowych motywach Milleta pojawia się motyw pracy w rozumieniu biblijnym – pracy niczym chłopskiej pokory, aby w pocie czoła zdobyć chleb. Temat ten został później doceniony i zapożyczony przez Vincenta Van Gogha.
Jeana Francoisa Milleta. „Zbieracze chrustu”
„Zbieranie chrustu” (lata 50. XIX w.) to typowy dla artysty temat trudnej chłopskiej pracy. Na zdjęciu nie ma nieba punkt widzenia podany jest z góry, co wywołuje uczucie przytłaczającej ciężkości, intensywnego wysiłku skupionego w postaciach ludzkich. Wydaje się, że ta przestrzeń spada w dół, miażdżąc bohaterów na ziemię.
Kolejnym tematem, oprócz związku natury z człowiekiem, pracy chłopskiej, jest temat pracy, która zniekształca człowieka. Pisze swoje bohaterki z takiego punktu widzenia, że nigdy na nie nie spojrzymy, ich twarzy nie widać. Ale krzywe nogi zbieraczy zarośli rymują się ze skręconymi gałęziami. To jest ich ścisły związek z tym światem. Są równie niepozorne, tak proste jak ten świat.
W całym obrazie dominują ziemistobrązowe odcienie, którymi określa się ubiór wieśniaczek. Cienie gęstnieją pod drzewami, miażdżąc stertę zarośli na pierwszym planie. Millet był złym kolorystą. Ale ma pociągnięcia, które dodają dynamiki przestrzeni tego obrazu. Van Gogh wykorzystuje ten sposób prosa i doprowadza go do granic możliwości, do skrajności.
Jeana Francoisa Milleta. „Stogi siana”
Kolejny obraz Milleta w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina nosi tytuł „Stogi siana”.
Cechy realizmu demokratycznego, wiodącego nurtu w sztuce francuskiej połowy XIX wieku, wyraźnie ujawniły się w twórczości Jeana François Milleta. Głową realizmu demokratycznego był
Koro (Corot) Camille (1796-1875), malarz francuski. Obok ściśle konstruowanych „pejzaży historycznych” malował pejzaże o charakterze duchowo lirycznym, nacechowane bogactwem wartości, subtelnością srebrnoszarych tonów i miękkością zwiewnej mgły spowijającej przedmioty („Wóz siana”, „Podmuch Wiatr” ok. 1865-70).
Koro(Corot) Jean Baptiste Camille (16 lipca 1796, Paryż - 22 lutego 1875, Ville d'Avray, pod Paryżem), artysta francuski.
Pierwsza podróż do Włoch (1825-1828)
Urodzony w zamożnej rodzinie, musiał pójść w ślady swojego ojca sukiennika. Corot zaczął malować dopiero w wieku 26 lat: pobierał lekcje u absolwenta Akademii A. Michallona, a następnie u słynnego pejzażysty V. Bertina. W 1825 wyjechał do Włoch. Pobyt w Rzymie stał się latami studiów i początkiem samodzielnej twórczości. Pejzaże Rzymu wykonane we Włoszech: „Widok Forum w ogrodzie Farnese” (1826), „Widok Koloseum z ogrodu Farnese” (1826), „Santa Trinita dei Monti” (1826-28, wszystkie w Louvre) – wdychaj świeżość percepcji, która uderzyła go pięknem przyrody i architektury Włoch. Przypominają raczej szkice. To właśnie tutaj Corot zdał sobie sprawę, że „wszystko, co jest pisane za pierwszym razem, jest bardziej szczere i piękne w formie”. We Włoszech nauczył się cenić przede wszystkim pierwsze ulotne wrażenie każdego zakątka natury. W pejzażach „Rzymska Kampania” (1825-26, Muzeum Boijmans van Beuningen, Rotterdam) i „Civitta Castellana” (1826-27, Muzeum Narodowe, Sztokholm), oddających szczególne piękno otoczenia „wiecznego miasta” z ruiny starożytnych budynków, przyroda Włoch wygląda bardziej majestatycznie, malowniczo. Ciepłe czerwono-brązowe kolory podkreślają starożytny pierwotny charakter pustynnego krajobrazu Kampanii i malowniczość skalistego klifu z grupą sosen na szczycie w Civita Castellana.
Corot tworzy wiele rysunków z życia, oddając majestatyczną urodę mieszkańców Rzymu, turystów, wieśniaczek z Albano w jasnych strojach ludowych, mnichów, wykazując zainteresowanie przekazaniem wszystkiego, co charakterystyczne.
W pejzażu „Most Augusta w Narni” (1827, Galeria Narodowa, Ottawa) obraz włoskiej przyrody jest jednocześnie prawdziwy i idealny. Ruiny starożytnego mostu i sosny na brzegu spowite są delikatną różową mgiełką, zamieniając prawdziwy widok w swego rodzaju wymarzony krajobraz. „Zarzucają mi niejasne kontury, niejasność moich obrazów… ale oblicze natury zawsze unosi się, zmienia, to jest tajemna esencja życia” – napisał później Corot. Uwielbiał pisać o poranku, w chwili przebudzenia natury, kiedy w porannej mgle wszystkie formy wydają się jeszcze niepewne.
W latach 1834 i 1843 Corot ponownie odwiedził Włochy i stworzył widoki nie tylko Rzymu, ale także Wenecji („Poranek w Wenecji”, 1843, Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, Moskwa). Uwagę artysty przykuł zaciszny zakątek nasypu w pobliżu Pałacu Dożów i Biblioteki św. Marka. Subtelne przejścia odcieni żółtego i brązowego, szarego i niebieskiego oddają wrażenie słonecznego poranka, szczególnej wilgotnej mgły właściwej atmosferze Wenecji, w której rozpuszczają się wyraźne kontury budynków.
Płótna „Villa d'Este” (1843, Luwr) i „Most Augusta w Narni” (ok. 1843, Luwr) zostały namalowane podczas trzeciej podróży do Włoch. Z tarasu parku willi roztacza się widok na wieś i zbocza górskie pokryte różowo-liliową mgiełką, nieodłącznie wpisane w krajobraz Włoch w godzinach jasnego południowego światła.Postać pasterki siedzącej na marmurowej balustradzie stanowi dla oka patrzącego punkt odniesienia, łącząc na pierwszym planie perspektywa krajobrazu.Na płótnie „Most Augusta w Narni” Corot ponownie zwraca się do malarstwa przedstawiającego już przedstawiony widok, ale w przeciwieństwie do wczesnego krajobrazu jest to nowe spojrzenie na przyrodę - teraz nie jest ono wyidealizowane , ale pełen witalności. Corot przedstawia okolicę jakby nieco z góry, podkreślając szerokość koryta i rwący wylew rzeki. Ruiny mostu nie wyglądają na rarytas starożytności, przypisuje się im mniej istotne rolę w panoramie doliny rzeki. Ta przyroda nie jest pełna idealnej wielkości, ale potężnego, witalnego piękna, jej prawdziwego oddechu.
W domu (1828-69)
Życie artysty, poza wyjazdami do Włoch, było pozbawione godnych uwagi wydarzeń. Nie opuścił domu ojca i całkowicie poświęcił się sztuce. Corot był pracowity, podobnie jak jego przodkowie, chłopi z Burgundii i bardzo wymagający wobec siebie. Do późnej starości zachował romantyczną wiarę w moralny wpływ malarstwa na człowieka.
Artysta w ciągu swojego długiego życia stworzył wiele dzieł, starając się przekazać różnorodne wrażenia: „Nie mam dość kolorów” – narzekał. Jego widoki na Francję są albo liryczne w przedstawieniu małych wiosek pod Paryżem, albo porównane do pewnych wymarzonych krajobrazów, które łączą w sobie trafność podążania za naturą i poetycką wyobraźnię, przekształcając to, co widać.
Prostota i harmonia kompozycji są nieodłączne od płócien: „Dziedziniec farmy normańskiej” (1845, kolekcja prywatna), „Wóz z sianem” (1855–70, Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina w Moskwie), „Dzwonnica w Argenteuil” (1855-60, ibid.), „Kościół Morisela” (1866, Luwr), „Podmuch wiatru” (1864-73, Muzeum Sztuk Pięknych A. S. Puszkina, Moskwa). W każdym z nich widok zakątka skromnej wioski nabiera szczególnego poetyckiego tonu, oddającego nastrój artysty, jego poczucie mrocznego piękna wiejskiej przyrody Francji. Stogi siana, chłopskie domy, zbieranie zarośli, czy mieszkańcy spacerujący z pola czy do kościoła dodają widokom jeszcze więcej liryzmu w narracji codzienności. Na płótnie „Dzwonnica w Argenteuil”, przedstawiającym ulicę prowadzącą do wioski z kościołem, wzdłuż której przechadzają się wieśniaczki, subtelna tonacja barwna zdaje się wywoływać wrażenie zjawisk dźwiękowych: śpiewu ptaków, cichej rozmowy między ludźmi pieszy. W ściśle zebranej kompozycji kompozycja obrazu „Kościół Morisela” jest zbliżona do poprzedniego obrazu. Dwie wieśniaczki idą alejką parkową w stronę kościoła. Przejścia odcieni szarości, brązu i błękitu dają poczucie delikatnej harmonii barw wczesnojesiennych. Plastikowo, ciężkie, pomalowane, nagie, cienkie drzewa otaczają drogę i odbijają się w wodzie kałuż.
Bardziej wyrafinowane i nierealistyczne kolorystycznie są krajobrazy fantasy „Memory of Mortefontaine” (1864, Luwr) i „Memory of Castel Gandolfo” (około 1865, Luwr). Natura i postacie wydają się w nich upiorne, przypominające wizje. Sylwetki drzew i postaci obdarzone są szczególnym muzycznym rytmem, podobnie jak srebrno-perłowa kolorystyka płócien, wywołując wrażenie płynnie płynącej melodii.
Pejzaże Corota są zawsze liryczne, z naturalną precyzją, a elementy wyobraźni współistnieją w nich w niezwykle subtelnej harmonii.
Artysta musiał jednak wykonywać dzieła nietypowe dla jego talentu. Na salony namalowano obrazy „Hagar na pustyni” (1835, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork), „Diana i Actaeon” (1836, tamże), przedstawiające melodramatyczne sceny z historii i mitologii chrześcijańskiej. Wizerunek młodej wieśniaczki na portrecie „Agostina” (1866, National Gallery, Waszyngton), jakby pozującej w jasnym stroju narodowym, również odpowiada naturalistycznym gustom salonowym.
Ale w jego najlepszych portretach („Dziewczyna czesająca włosy”, 1860-65, Luwr; „Kobieta z perłą”, 1869, Luwr; „Czytająca pasterka”, 1855-65, Kolekcja Reinhardta, Winterthur; „Claire Sennegon”, 1840 , Luwr; „Dama w Błękicie”, 1874, Luwr), podobnie jak w pejzażach, Corot tworzy wizerunki młodych Francuzek, urzekających swoją witalnością, a także niektóre obrazy inspirowane klasycznymi prototypami, w których subtelnie łączą się cechy natury i ideału . Obraz „Kobiety z perłą” budzi skojarzenia z kobiecymi typami Raphaela, a Claire Sennegon z modelkami Ingres. Ale wręcz przeciwnie, idealne wizerunki muz na obrazach „Tragedia” (ok. 1860 r., kolekcja prywatna) i „Komedia” (ok. 1860 r., Metropolitan Museum) oddają wrażenia z prawdziwego życia. Rzeczywistość i marzenie o wzniosłości w człowieku i naturze zawsze istnieją w sztuce Corota jako dwa oblicza poetyckiej wyobraźni artysty.
Późniejsza praca (1870)
Prace z lat 70. XIX w. („Most pod Mantą”, 1868-1870, Neue Pinakothek, Monachium; „Chmury nad Pas de Calais”, 1870, Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, Moskwa; „Wieża Douai”, 1871, Luwr) wskazują próbuje pracować w starym stylu, a jednocześnie podejmuje nowe tematy i ich nową interpretację obrazową, bliską poszukiwaniom impresjonistów. „Zawsze staram się uchwycić wszystkie odcienie, przekazując w ten sposób iluzję życia; chcę, aby widz, patrząc na moje nieruchome płótno, poczuł ruch wszechświata i obiektów” – napisał artysta. Jednak w stworzonym przez niego tonalnym nastroju pejzażu natura nie ma takiej uroczystości, jaką obdarzyli ją impresjoniści. Poglądy Corota zawsze przekazują nie moment z życia natury, ale trwały stan, zachowując związek z klasyczną tradycją krajobrazu, ucieleśniającą fuzję romantycznych marzeń i rzeczywistości. Wkład Corota w pejzaż europejski XIX i XX wieku był bardzo znaczący, był jednym z poprzedników impresjonizmu i pejzażu realistycznego XX wieku.
Kamil Corot to francuski artysta, którego szkice cenione są niemal na równi z gotowymi obrazami. Podobnie jak wielu innych XIX-wiecznych malarzy, pociągały go pejzaże. W twórczości mistrza gatunek ten reprezentują płótna zarówno historyczne, jak i bardziej liryczne, inspirowane i oderwane od rzeczywistości. Podejście Corota do kreatywności polega na ponownym przemyśleniu gradacji kolorów i zwróceniu szczególnej uwagi na obraz światłocienia.
Camille Corot miał kilku nauczycieli: odwiedzał warsztaty Michallona i Bertina. Uważa się, że na jego rozwój artystyczny mieli wpływ Guardi, Lorrain i Canaletto. Jednak podróże malarza do Włoch, Belgii, Holandii, Szwajcarii, Burgundii i innych miejsc odegrały najwyraźniej znacznie ważniejszą rolę. Koro nie jest kolorystą. Ale każde z jego dzieł jest bogate w niesamowitą gamę wartości - odcieni tonu. Artysta znalazł dziesiątki opcji kolorów perłowych, srebrnych i macicy perłowej.
Corot nie wyodrębniał dla siebie konkretnego stanu natury i zwrócił się ku różnym jej przejawom: w jego twórczości wiatr, deszcz, chmury i promienie słoneczne mają szczególny nastrój. Romantyzm w jego płótnach nawiązywał do realizmu, który inspirował przyszłych impresjonistów. Tak więc słynny impresjonista mówił z podziwem o swoich dziełach. Ale prace samego Corota nie należą do tego ruchu: natura w nich nie krzyczy, nie szaleje kolorami i nie stara się podbić widza ulotnymi wybuchami emocji, żywymi wrażeniami i plamami światła. Jest spokojniejsza, ale żywa i pojawia się przed widzem w stanie trwającym przez pewien czas.
Camille Corot pielęgnował swoje wspomnienia. Jeśli raz zobaczył coś pięknego i poczuł to w pełni, wówczas emocje te nie zniknęły w czasie, ale zostały zachowane do szczególnego momentu. Gdy nadeszło, artysta przeniósł przeżywane uczucia na płótno, nalane i wylane jak dojrzałe jabłka na gałęzi.
Jednym z jego słynnych dzieł jest „Pamięć Mortefontaine’a” (1864). Urzeka widza, wciągając go w lekki i pogodny epizod z życia Corota. Kolory na płótnie nie tylko oddają grę światła słonecznego, ale także uchwycą śmiech dzieci, cichy, wesoły plusk wody w pobliżu brzegu, szelest liści bawiony przez bryzę.
Wśród mitycznych obrazów Corota warto zwrócić uwagę na dzieło „Orfeusz prowadzący Eurydykę z królestwa umarłych”.
Każde drzewo, każdy odblask światła na płótnie tchnie szczerością. Wydaje się, że Corot sam przeżywa emocje swoich bohaterów. Zielone odcienie ożywiają obraz, są tajemnicze i urzekające. Ale jest też napięcie, bo uchwycona scena to moment, w którym zadecydował los dwojga kochanków.
Jean Baptiste Camille Corot – znany francuski artysta. Znany jako wielki pejzażysta epoki romantyzmu. Szczególną uwagę zwracał na wartość. Valeur to odcienie koloru, które uzyskuje się za pomocą określonej techniki i tworzą efekt głębi i charakteru środowiska światła i powietrza. Wielki wpływ na impresjonistów wywarła specjalna technika malowania pejzaży, w której większy nacisk kładzie się na subtelne odcienie atmosfery i powietrza.
Urodzony 17 lipca 1796 w Paryżu. Wiadomo, że pierwsze lekcje malarstwa pobierał u artystów Michalona i Bertina. Badacze sztuki Corota zauważają, że Jean Baptiste szczególną uwagę poświęcił malarstwu takich artystów jak Canaletto, Guardi i Lorrain, niektóre cechy ich malarstwa widoczne są w malarstwie Camille'a Corot. Jednak sztuka tego francuskiego artysty jest oryginalna i wyjątkowa na swój sposób. Miał swój własny styl, który uczynił go prawdziwą sławą przez wiele stuleci. Wiele obrazów Corota, zarówno pejzaży, jak i portretów, oddaje jesienny nastrój z odcieniami smutku oraz filozoficzną ciszą i spokojem.
Artysta krajobrazu Jean Baptiste Camille Corot często podróżował po świecie, skąd czerpał inspiracje i znajdował piękne widoki dla swoich prac. Bardzo często odwiedzał Włochy i Szwajcarię, dużo podróżował po Francji, a także podróżował do takich krajów jak Belgia, Anglia i Holandia. Większość obrazów Corota to pejzaże. Oprócz pejzaży zasłynął także dzięki portretom. Najbardziej znane portrety tego autora to „Kobieta w różowej spódnicy”, „Przerwane czytanie”, „Cyganka z mandoliną”, „Dama w błękicie” i inne.
W ciągu swojego życia Jean Baptiste Camille Corot namalował ponad 3000 obrazów i kilkadziesiąt rycin. Wielki artysta zmarł 22 lutego 1875 roku we Francji. Obecnie jego prace znajdują się w tak znaczących muzeach jak: Luwr w Paryżu, Art Institute of Chicago, Museum of Art w Sao Paulo, St. Louis Museum of Art, Museum of Fine Arts w Bostonie, Metropolitan Museum Sztuki, Narodowa Galeria Sztuki w Waszyngtonie, Muzeum Puszkina im. A. Puszkin w Moskwie itp.
Chcesz zdobyć pracę w swojej specjalności? Na stronie internetowej szkoły języka angielskiego New Way możesz się z nią zapoznać