„Opera i balet dla artystów dramatycznych”. Wyobraziłem sobie, do jakiego gatunku występu zmierzam. Dobrze znałam fabułę, stosunkowo niedawno widziałam spektakl na podstawie tego samego dzieła w Teatrze Apart.
Oznacza to, że samo dzieło jest komedią, a także baletem dla fanów nie-baletu i operą nie dla fanów opery. Komedia, która zamienia się w farsę.
Rozmowa, którą podsłuchałem w przerwie, bardzo dokładnie opisała, co się działo:
- Podoba ci się występ.
- Tak, całkiem tak. Aż do momentu, w którym zaczęli tańczyć.
- Po prostu zabrakło im słów.

I to też jest częścią spektaklu, kiedy aktorom zabrakło słów, a pieniądze zapłacone przez publiczność trzeba odzyskać, wtedy stosuje się najróżniejsze sztuczki i tańce. I znowu – dla tego gatunku też się to zgadzało. Nawiasem mówiąc, opera wyglądała bardziej harmonijnie, ponieważ pieśni były wplecione w samą fabułę. Właściwie jest to Współczesny Teatr Zabawy. Poszukuje nowych, nieklasycznych form.
To forma takiej lekkiej farsy aktorów, którzy za pieniądze muszą zabawiać publiczność.
Tym, co czyni balet szczególnie pikantnym, jest fakt, że poza damą pozostali uczestnicy akcji w ogóle nie przypominają tancerzy. I to jest naprawdę oczywiste, że „po co nam te galery?!!!” Ale pracują uczciwie, najlepiej jak potrafią. A wtedy ukłony stanowią odrębny występ w ramach przedstawienia. Nawiasem mówiąc, wszyscy śpiewają bardzo dobrze. No cóż, muzyk Włodzimierz Kachan Wiedziałem już dobrze, że miał w tym wykonaniu dobre melodie kaukaskie, a uwaga „kto to skomponował?” Miło było usłyszeć bardzo przyzwoity śpiew Iwan Mamonow(chociaż serial ze skaczącym baletem wywołał większy zachwyt publiczności). Dobrze więc Ekaterina Dyrektorenko Ogólnie rzecz biorąc, ukończyłem konserwatorium w klasie wokalnej - wszystko było tam świetnie. A tak przy okazji, w części baletowej bardziej wywołała śmiech stukaniem swoich pointów - cóż, potrafią klikać jak Plisetskaya. A fouett z Don Kichota był absolutnie cudowny! Nie gorzej niż profesjonaliści
Osipowa-Wasiliew

Ogólnie rzecz biorąc, na scenie odbyła się urocza farsa oparta na klasycznej fabule Czechowa. Nie mogę powiedzieć, że lubię ten gatunek i jestem zachwycona wykonaniem. Ale dla różnorodności i zaznajomienia się - wystarczy.
Od czasu do czasu wydawało się jednak, że aktorzy pod hasłem „wszystko po to, by zadowolić publiczność” czasami poszli za burtę. A jeśli chodzi o zwykłe życie i dekolt młodej damy na pierwszym przedstawieniu baletowym - moim zdaniem jej (naprawdę piękna) godność była o milimetr od wypadnięcia. A kiedy się kłaniała, z całych sił starała się to pozytywnie podkreślić. To jasne, że chcą się ożenić z młodą damą, aktorka będzie lubiana przez publiczność, ale mimo wszystko... Tu już stoisko i jakiś Czechow... Tak, trochę pomruczała.

Opera i balet dla artystów dramatycznych „Propozycja” A.P. Czechow

Muzyka - Siergiej Nikitin

Tekst – Dmitrij Sukharev

Wizytówka teatru „Szkoła Sztuki Nowoczesnej”. Spektakl, który miał ponad 600 przedstawień, nadal przyciąga pełne sale. Pierwszymi legendarnymi wykonawcami ról w nim byli Albert Filozow, Aleksiej Petrenko, Ljubow Policzuk. Dziś na scenę wkracza nowe pokolenie artystów.

To błyskotliwe, dowcipne przedstawienie odkrywa najbardziej zabawne i dowcipne strony twórczości Czechowa. Przy akompaniamencie żywej orkiestry artyści dramatyczni śpiewają i tańczą na pointach, a im poważniej to robią, tym więcej śmiechu publiczności.

Fabuła słynnego opowiadania Czechowa o Wołowych Łąkach, które stają się kością niezgody dla marzących o powiązaniu sąsiednich rodzin, leży u podstaw dwóch librett – opery i baletu. Zgodnie ze wszystkimi zasadami gatunku, artyści dramatyczni najpierw wykonują arie solowe i zespoły, a następnie przebierają się w rajstopy (mężczyźni) i tutu (panie), a także przebierają się w pointy, zgodnie z najsurowszymi zasadami baletu klasycznego , wykonuj pas de deux, pasde trois, a także solowe piruety i fouety. Artyści z wdziękiem balansują na granicy parodii, nigdzie jednak tej granicy nie przekraczają. Kluczem do tego jest nienaganny gust, poczucie autoironii i wysoki profesjonalizm, z jakim rozwiązują złożone problemy technologiczne i aktorskie.

Postacie i wykonawcy:

Stepan Stepanovich Chubukov, właściciel ziemski:Władimir Kachan, Władimir Szulga
Natalya Stepanovna, jego córka:Ekaterina Dyrektorenko
Iwan Wasiljewicz Łomow, ich sąsiad:Iwan Mamonow, Nikołaj Gołubiew
Konduktor: Jewgienij Susłow
Kwartet instrumentalny:
fortepian - Wiera Nikołajewa
skrzypce - Natalia Geyzler
flet prosty - Inna Dołżykowa
fagot - Inna Shegai

(Doświadczenie z recenzją wewnętrzną)

„Sztuka istnieje dla
abyśmy nie umarli dla prawdy”.
Fryderyk Nietzsche
„Wszyscy są w gównie, a ja jestem w bieli”.
Z anegdoty

(fragment książki „Art Solitaire”)

Recenzja to może mocne słowo, ale to przynajmniej spojrzenie na spektakl i jego twórców od środka. Sam grałem w tej sztuce, w teatrze o podchwytliwej nazwie „Szkoła sztuki współczesnej”, rolę Łomowa, to znaczy, że cztery razy byłem we fraku w Moskwie i pięć razy w trasie i byłbym tam znowu, ale... Ludmiła Markowna Gurczenko odmówiła gry. Powody, które ją do tego skłoniły, są trudne, jeśli nie niemożliwe, do zrozumienia: kilka razy widziała, jak bardzo była kochana, jak publiczność czekała na nią w tym przedstawieniu, jak wszyscy byli zainteresowani, jaki był Gurczenko w nową funkcję, w teatrze, w którym grała od dawna, nie było żadnej, a poza tym Gurczenko śpiewa w operze i tańczy w balecie. Ale oczekiwania publiczności są daremne, nie obejrzą już występu z obsadą nr 2 (Gurczenko, Vitorgan, Kachan), pozostaje obsada nr 1 (Polishchuk, Petrenko, Filozov), od której to wszystko się zaczęło i okazał się bardziej realny niż mój nieszczęsny gips, który zmarł, ledwie zdążywszy się urodzić. Zmarł po krótkiej, ale ciężkiej chorobie, o której napiszemy nieco później.
Reżyser spektaklu i dyrektor artystyczny teatru Joseph Raikhelgauz stworzył początkowo rodzaj gwiazdorskiego przedsięwzięcia, w którym biorą udział artyści legendarni: artyści, którzy w oczywisty sposób budzą zainteresowanie nie tylko mas, ale także elity teatralnej, zapewniając w ten sposób odsetki wyłącznie pieniężne. Ta strategia ostatecznie się opłaciła. Na długo przed premierą „Czym jesteś we fraku?” - opera i balet dla artystów dramatycznych na podstawie sztuki Czechowa „Propozycja” - wśród ludzi rozbudziło się zainteresowanie: pytają, co tam robią ci goście, co to za balet operowy? Dodatkowo pokazywane w telewizji fragmenty próby sprawiły, że widzowie zamarli w oczekiwaniu, a kiedy odbyła się premiera, ludzie rzucili się do teatru na placu Trubnaya z nie mniejszą (o dziwo!) energią niż szturmem półki przed kolejną podwyżką cen.

I nastąpił wielki sukces, od którego powyższe gwiazdy zabłysły jeszcze jaśniej, gwiaździste niebo nad teatrem Reichelgauz było wysokie i czyste, a położenie gwiazd na tym niebie astrologicznie wróżyło szczęśliwe życie i łatwy los teatru, długa podróż...
Geografia gwiaździstego nieba stała się jeszcze szersza wraz z przybyciem Gurczenki i Witorgana; Znów włączyła się telewizja, która w równie intrygujący i szczegółowy sposób pokazała próby drugiej obsady i nic nie zwiastowało jej tragicznej śmierci. Ale... Jest, że tak powiem, narysowana mapa gwiazd - wydrukowany program spektaklu ze wszystkimi kuszącymi nazwami i jest odwrotna strona tej kartki papieru, na której nic nie ma, można napisać wszystko chcesz, a plamy pojawiają się tylko wtedy, gdy coś na nich położysz. I tak z jednej strony są gwiazdki, z drugiej plamki, ale to wciąż ten sam papier, ta sama kartka papieru.

Każda gwiazda prędzej czy później zachoruje na dobrze znaną chorobę o tej samej nazwie. Dobrze, gdy jest przemijające, jak odra. To mija szybko, jeśli dana osoba ma silną obronę immunologiczną - własne poczucie humoru, autoironię, umiejętność śmiania się z siebie i nietraktowania siebie zbyt poważnie, jak na klasyka rosyjskiego teatru i kina. Gorzej, gdy ta choroba staje się przewlekła, wtedy jest to trudne dla człowieka, nie idzie on nigdzie dalej. I dobrze byłoby nie przeoczyć pierwszej oznaki choroby – wtedy zaczyna się wydawać, że szacunku nie ma. Daleki jestem dziś od podejrzeń
Ludmiła Gurczenko ma tę chorobę, jest osobą dość silną i poważną, a jej poczucie autoironii jest w porządku, ale widzisz, coś się wydarzyło i to „coś” mogę przypisać tylko pewnemu syndromowi niewystarczającego szacunku i podziw i miłość ze strony teatru.

Trzeba powiedzieć, że teatr także przegapił ten moment (moment pojawienia się syndromu). Właśnie wtedy, gdy trzeba było okazać powyższe uczucia, teatr i partnerzy lekkomyślnie uznali, że to ona jest jedną z nich, zwłaszcza że na próbach zachowywała się jak wzorowa uczennica, była gotowa przed wszystkimi, nigdy się nie spóźniała, nigdy jej nie zawiodła, i była wspaniałą przyjaciółką, gotową pomóc i powiedzieć najbardziej potrzebne słowa zachęty, a jej skromność byłaby uznaniem dla każdej aspirującej aktorki. Jednym słowem Ludmiła Markowna zachowała się nienagannie i wszyscy się do tego przyzwyczaili, uznali, że tak właśnie powinno być, zapominając z frywolnością trzyletniego dziecka (a tyle lat miał wtedy teatr), że mieli do czynienia nie tylko z „profesjonalistami” o najwyższych kwalifikacjach, ale także z kobietą, zresztą naprawdę
z supergwiazdą. Zapomnieli, że ta krucha kobieta jest też super hartowana, że ​​jest specjalistką od przetrwania w każdych warunkach. Jej życie, które w tym sensie nie jest proste, najwyraźniej nauczyło ją ostrej walki, najlepiej nogą, aby sprawca nie wstał; i choć nie byłem bezpośrednim sprawcą, to i tak pocieram posiniaczone miejsce i ze zrozumiałym zdumieniem zadaję sobie pytanie: dlaczego? Niewłaściwa reakcja:
w odpowiedzi na brak szacunku zabić spektakl, czyli stopą w twarz. Niech to określenie nie wyda się Wam zbyt mocne, bo ja czuję się jednocześnie posiniaczony i okradziony, i myślę, że Emmanuel Vitorgan i teatr też. Gdy tylko nasza druga obsada zagrała premierę, stało się jasne, że w teatrze pojawiło się kolejne przedstawienie - nie lepsze, ani gorsze od pierwszego, ale po prostu inne, właśnie wtedy, gdy zaczęło znajdować swoją publiczność, a potem - bum! - i nie ma spektaklu, a cała włożona energia i nerwy idą na marne, a ze wszystkich stron napływają pytania: „Kiedy będę mógł zobaczyć wasz gips?” - po prostu odwracasz się i niejasno coś wyjaśniasz, a potem pokornie pocieszasz się, że tam, gdzie są gwiazdy, są gwiezdne wojny, ale z jakiegoś powodu to nie ułatwia.

Jednak dość o tym, porozmawiajmy o tym, co dobre, czyli o wydajności. Dlaczego jest dobry? Tyle już na ten temat napisano i przepisano, że głupio byłoby dodać własny olej, ale zaryzykuję, tym bardziej, że to nie jest pogląd zewnętrznego obserwatora, a przynajmniej daje jej to prawo do życia. Początkowo ten spektakl to żart, zabawa, wręcz dziecinna zabawa, a nawet, jeśli kto woli, lekki chuligaństwo. Żaden aktor nie jest odporny na urok tych wszystkich rzeczy, niezależnie od tego, jak bardzo udaje patriarchę sceny i inżyniera ludzkich dusz. W głębi duszy każdego czcigodnego artysty mieszka chuligan i dziecko, a kiedy znajdzie wyjście z czegoś, jest to wielka radość, przyjemność, powiedziałbym, szczęście patriarchy, nie wspominając o wszystkich innych , mniej „patriarchalny”.
Ta dziecinność jest obecna także u naszego reżysera, choć Joseph Raikhelgauz z całych sił ją ukrywa. Lubi być zmęczony, nieco cyniczny, lubi traktować aktorów jak jakieś śmieszne zwierzątka, których ruchy mentalne potrafi przewidzieć na wiele ruchów do przodu; i nie daj Boże, żeby ktoś się dowiedział, że grał z naszym tatą na koncertach albo, powiedzmy, kiedyś pisał czułe i smutne wiersze - o czym ty mówisz! Broń Boże! Jest tym strasznie zawstydzony, bo nie mieści się to w obrazie człowieka, który doświadczył wszystkiego, jest trochę zmęczony i kładzie się, by odpocząć w cienistym chłodzie Ogrodu Getsemane, gdzie spotkały go trudne losy rosyjskiego reżysera znowu go rzucił. Ale cała ta udawana apatia i nuda to tylko ochronny film z jego dzieciństwa; hamulce, które powstrzymują jego ciągłą chęć płatania figli. A chęć żartów i dziecinności, tak pociągająca u mężczyzn po czterdziestce, czasami okazuje się silniejsza niż hamulce, a to też sposób, żeby nie stracić rozumu w naszym „ciemnym stepie, w którym właściciel to przebojowy człowiek” – jak to ujął Czaadajew.

Nasz teatr, zniszczony przez pierestrojkę, bez wsparcia państwa, na środku rynku, wygląda jak baletnica stojąca niezgrabnie na pointach i w tutu pośrodku kompanii mafiosów. A teatry, które zdecydowały się żyć według praw rynku i weszły na niego, nie wyglądają zbyt przyzwoicie, jak człowiek, który wszedł do Bóg wie czego przez przypadek. Te teatry desperacko się sprzedają, żeby przetrwać i ja na przykład widzę, jak w pasażu na Placu Puszkina wisi plakat jakiegoś nowego awangardowego teatru seksu z tytułem nowej sztuki „Hazy Drafts” lub „Slimy Łuski” – nie pamiętam, ale to jest apoteoza! Mgliste szkice seksu w brudnym podziemnym przejściu od socjalizmu do kapitalizmu!

Co więc możesz zrobić, jeśli cały Twój kraj stał się ogromnym szokiem? To słowo jest
jak wiadomo, w języku rosyjskim ma trzy znaczenia. Pchnięcie przed skokiem do czegoś nowego, latryna i odeskie „pchnięcie”, pchli targ, bazar. Wybierz dowolny z trzech symboli - według własnego gustu wszystko pasuje w takim czy innym stopniu.

A jeśli tak jest, to co każesz artyście zrobić? Weź udział w ciągłej walce, przejdź do panelu, aby się wyprzedać, czy co jeszcze? Jak można go uratować? I czy jest coś, co może go uratować? Nic. Nic tylko... wakacje, które sam sobie organizuje. I tak powstał ten występ. Mówią, że mniej więcej w tej samej sytuacji słynna „Księżniczka Turandot” powstała na początku lat dwudziestych i mimo wszystko stała się świętem. Ogólnie rzecz biorąc, wszystko, co dobre, spotyka nas nie z powodu czegoś, ale pomimo tego. Wbrew naszemu życiu – ten teatralny karnawał; mimo oczywistego i niewiarygodnego - święta zabarwionego tą samą autoironią, na którą wszyscy odważnie się wybierali. Nie wystarczy więc wyprzedzić lokomotywę i zgadywać, co za miesiąc, dwa przyciągnie ludzi teatru, za czym będzie tęsknić publiczność. Musi też zaistnieć organiczna potrzeba wyjścia z morza ścieków i wejścia pod prysznic, potrzeba osoby zdrowej psychicznie (a nasz reżyser ma wyjątkowo stabilną psychikę), aby uchronić siebie i swoich kolegów przed szaleństwem i podłość otaczającego go świata, tworząc swój własny świat małej loży teatralnej, w której artyści-dramatycy z jakiegoś powodu śpiewają operę, tańczą balet i wykonują magiczne sztuczki z bardzo poważnym spojrzeniem; innymi słowy, stworzyć swój własny, lokalny dom wariatów, w przeciwieństwie do dużego domu wariatów wokół teatru. Jak to mówią, klin za klinem! Ale w przeciwieństwie do tej dużej, tutaj wciąż jest to gra szaleńców, do której ani artyści, ani reżyser się nie przyznają. Powiedzą: tak, wszystko robimy bardzo poważnie i to, co się dzieje (tj. im poważniej śpiewamy i tańczymy, tym głośniej się śmieje publiczność), to nie nasza sprawa, nie mamy z tym absolutnie nic wspólnego, nie powinniśmy tego robić. winić .

A więc wakacje w alternatywnym domu wariatów – o to właśnie chodzi w tym spektaklu! Co to za wakacje bez fajerwerków? I ten pokaz sztucznych ogni organizują artyści, z których każdy zdobiłby scenę każdego teatru, a w zespole nie jest to już pokaz sztucznych ogni, ale pokaz sztucznych ogni - w każdym przedstawieniu z trzech armat i wielu salw. A pierwszym z nich jest Ljubow Poliszczuk. Pamiętam, jak dawno temu w filmie „12 krzeseł” Andriej Mironow podczas tańca rozbił szybę głową Ljubowa Poliszczuka, nawet ten nonsens został w pamięci na zawsze, bo to właśnie Poliszczuk zachował namiętną, ponurą idiotyzm wampirzyca na twarzy przez całą scenę. Lyuba przeszła długą i żmudną drogę od artysty popowego do gwiazdy teatralnej i filmowej, ale tak zwana osobowość popowa pozostała z nią na zawsze. To niezła odmiana, w teatrze boją się jej tylko głupcy i zawistnicy, bo istotą jest tu zaraźliwość, jasność i umiejętność trzymania widza w napięciu. Właściwie to ona stoi w tym przedstawieniu na pointach, siada na szpagatach i podrzuca nogę do góry w niezwykle efektownym stylu Batmana, cicho, jakby do siebie, ale tak, żeby widzowie też mogli usłyszeć, jak mówi „och!”, jakby ona sama boi się jego amplitudy. Czasem jej głos się męczy, więzadła się nie zamykają, ale za każdym razem śpiewa tę operę głębokim sopranem, dochodzącym z wnętrza ciała. A w twarzy i postawie Lyuby kryje się wyjątkowa i jedyna możliwa symbioza tej majestatycznej divy operowej.
z troską i zmieszaniem esengesh kobiety: mówią: „Oto pięknie i poprawnie śpiewam ci o Oxen Meadows, a tam, w kuchni, w tym czasie palą się moje kotlety, kupione za ostatnie pieniądze”. I dosłownie cała jej rola opiera się na tym, na połączeniu tego, co wysokie i niskie, niebiańskie i ziemskie.

Aleksiej Petrenko. To było wtedy, gdy mało kto go znało – jednym słowem, można sobie wyobrazić, jak dawno temu. Widziałem w telewizji przedstawienie Leningradzkiego Teatru Komedii, Petrenko grał tam służącego. Prawie nie miał słów, a rola, rozumiesz, była pomocnicza, ale uczynił ją główną. Nikt tam nawet nie stał, główni bohaterowie skromnie ukryli się w cieniu i już nigdy z niego nie wyszli; cała sala czekała na pojawienie się tego służącego, który ciągnął nogę, jąkał się, namiętnie chciał coś powiedzieć i nie mógł – bo nie miał słów. Tak, naciągnął na siebie koc, ale co zrobić, jeśli inni artyści postanowią się w ogóle nie angażować - to nadal beznadziejne: lepiej zrezygnować z koca i spać nago. Ale Petrenko nawet nie myślał o spaniu pod tym kocem, naciągnął go na siebie i wytrzeszczonymi oczami spod jego krawędzi próbował zrobić coś innego ze swoim charakterystycznym zapałem. Wszędzie pracuje z jakimś wyjątkowym, własnym zapałem i pasją, a przez to wszystko okazuje się albo bardzo smutne, albo bardzo zabawne, albo jedno i drugie, co w sztuce jest na ogół akrobacją. Wygląda na to, że Petrenko potrafi nawet zagrać w układ okresowy Mendelejewa – i nie będzie to nudne.
Nigdy nie zapomnę tej jego płaczliwej wokalizacji nad rzekomymi zwłokami Łomowa. To, że trup nie kołysze się ze śmiechu, jest dla mnie niezrozumiałe, bo ten płacz może nie tylko ożywić zmarłego, ale także rozśmieszyć żywego wykonawcę tej roli, w tym przypadku Alberta Filozowa. Nawet gruzińscy żałobnicy pogrzebowi mogą tu odpocząć – gdyby to zobaczyli, zrozumieliby, że nie wytrzymują. A słynny krzyk Jarosławy, w porównaniu z lamentami Petrenki, to żałosne skomlenie Tanyi, która wrzuciła piłkę do rzeki. Wszystko, co robi - i w tym wykonaniu - cechuje się szczególną zaraźliwością, która zmusza do uważnego śledzenia wszystkiego, co dzieje się na scenie. Czy śpiewa jak archidiakon, czy robi piruety w balecie, gwiżdżąc do siebie jak Kozak, czy odgrywa scenę, w środku której zaczyna się martwić, że zabije Łomowa tymi partyturami, czy też urządza cyrkową zabawę laską na koniec przedstawienia? - to wszystko jest zaraźliwe, wszystko to jest w polu jego oddziaływania na ciebie. Myślę, że się nie mylę, jeśli zaryzykuję stwierdzenie, że każdy utalentowany aktor jest w pewnym stopniu medium, on też tworzy pewne pole wpływu, a im silniejszy talent, tym silniejsze jest to pole. Spójrz, kiedy cała sala zamarza i nie oddycha – myślisz, że to nie jest sesja? Albo kiedy wszyscy śmieją się dziko z drobnostki – czy to nie jest masowa hipnoza? Kaszpirowski ma tylko trzy tuziny osób kręcących głowami, ale tutaj każda z nich ma swoje pole i połączone ze sobą tworzą potrójnie wzmocnioną strefę wpływów, dając nam wyjątkową sesję magii i teatralnego czarowania.

Ale nie mówiłem jeszcze o trzecim magiku - Albercie Filozowie. Za każdym razem, gdy mówię o artyście, muszę cofnąć się trochę w czasie. A teraz pamiętam sztukę „Serso”, a w niej Fiłozowa i jego monolog o samotności. Chciał wtedy płakać, ale nie zrobił tego, powstrzymał się. Artyści często szczycą się autentycznością swoich przeżyć scenicznych, zapominając, że „poeta nie jest tym, który się inspiruje, ale ten, który inspiruje” (Diderot). Aktor płaczący z wzruszenia na scenie czasami wywołuje jedynie uczucie litości i lekkiej irytacji, a wręcz przeciwnie, gdy z trudem się powstrzymuje, ludzie na widowni nagle zaczynają szlochać. To jest Filozow w swoim stylu gry. Jest obdarzony czymś, co jest niezwykle rzadkie w naszych maksymalistycznych czasach - smakiem, poczuciem proporcji. Zawsze nam czegoś nie mówi, abyśmy sami zrozumieli i domyślili się, a potem byli z siebie dumni, że nam się to udało. Ten gust dyktuje mu jedno z pierwszych przykazań inteligentnego artysty – nigdy nie licz na „głupią publiczność”, ale bagatelizuj i miej pewność, że ta publiczność „nadrobi” później.

I dalej. Za każdym razem, gdy jako widz spotykam Fiłozowa, widzę motyw, który przewija się przez całą jego aktorską biografię. Temat ten bardzo dobrze wpisuje się w jego osobowość (nie można go z nikim pomylić): temat wiecznej naiwności i niepewności rosyjskiego intelektualisty, którego oszukać i obrazić może niemal każdy. A w roli Łomowa jest taki sam.

Opowiem krótko o artystach mojej kompozycji, aby nie zatruwać niezagojonych ran, ale z miłością. Szczerze przepraszam przeważającą większość moskiewskich widzów, którzy nie widzieli Gurczenki w tym przedstawieniu. Była taka, że... Marlena Dietrich w swoich najlepszych latach nie miała się czym błyszczeć obok Gurczenki. Emmanuel Vitorgan, jeśli coś mu gdzieś umknęło, z nawiązką rekompensował to talentem artysty dramatycznego, a nawet komediowego. Jego chwilami niemal błazna Chubukow, jej piękna i nieszczęśliwa Natalia Stiepanowna nosiły smutne piętno samotności i niemożności zajęcia się czymkolwiek wartościowym, dlatego głupie polowanie na cietrzewia, głupie psy uzdę, głupie sprzeczki o Łużkowa. Chcielibyśmy poznać ich obawy, panowie!

Powiem jedno, byłam szczęśliwa i dumna, że ​​choć kilka razy byłam z nimi na scenie. Cóż, jeśli chodzi o artystę V. Kachana, recenzent V. Kachan nie napisze o nim. Naturalnie kocha i ceni tego artystę, byłoby dziwne, gdyby było inaczej, ale nie pozwoli na skromność, która jak wiadomo zdobi, a nie zdobi
a teraz twarz tego artysty. Zaznaczę tylko, że starał się być dość nieszczęśliwy i samotny, w rezultacie ta obsada odtańczyła tragikomedia, co pozwoliło na przykład Marlenowi Chutsiewowi po przedstawieniu powiedzieć, że ta obsada była bardzo zabawna i dobra, ale wszystko oni też byli żałośni.

Nie, nadal nie rozumiem Ludmiły Gurczenko! Jak można było zaniedbywać tak wspaniałą okazję do szaleństwa, sprawiania przyjemności ludziom i sobie oraz na pytanie: „Czyim jesteś we fraku?” - odpowiedz rozpaczliwie i dumnie: „I tyle!” We fraku i tyle!”?..

P.S. Nigdy nie wróciła... Po pewnym czasie Petrenko też odszedł i wtedy zaproponowano mi, żebym zamiast tego zagrał rolę Czubukowa. A potem Lyuba Poliszczuk opuściła ten teatr i na jakiś czas wystawiła sztukę „Czyj jesteś we fraku?” był w śpiączce. Ale zdecydowano się to zachować, a teraz znowu gram Lomova, Vitorgana - Chubukova,
a Natalya Stepanovna dzisiaj to Nastya Sapozhnikova, która gra z nami lub w słynnej sztuce młodzieżowej „Metro”.

17.04.2018 11:56

Połącz niezgodne rzeczy w sztuce „Czyim jesteś we fraku?”

Tekst: Alena Loseva
Zdjęcie: Siergiej Chały

Tej wiosny Moskiewska Szkoła Teatralna Sztuki Współczesnej spieszy się, aby rozpieszczać widzów stolicy jednym ze swoich najlepszych przedstawień „Kim jesteś we fraku?” Musical, zrodzony ze związku twórczego Dmitrija Sukhareva (libretto) i Siergieja Nikitina (muzyka), jest znakiem rozpoznawczym teatru. Chociaż dlaczego musical? Proszę, panowie! Oto opera i balet dla artystów dramatycznych na podstawie żartu Antoniego Pawłowicza Czechowa „Oświadczyny”. Zgodnie z fabułą trzydziestopięcioletni kawaler Iwan Wasiljewicz Łomow podejmuje trudną dla siebie decyzję - zabiegać o względy córki swojego sąsiada, właściciela ziemskiego Stepana Stepanowicza Czubukowa. Jednak w procesie zmowy okazuje się, że przyszłym bliskim niezwykle trudno jest dojść do porozumienia w wielu kwestiach. Ślub jest zagrożony.

A teraz powiedz mi, czy lubisz operę? A co z baletem? A co jeśli to połączymy? Z jakiegoś powodu teraz wyraźnie widzę wyraz niemożliwej melancholii na niektórych twarzach. Spójrz, na scenę wejdzie pulchna kobieta i zacznie krzyczeć głośno i niezrozumiałie. Albo eleganccy tancerze będą latać tam i z powrotem i wszystko będzie takie zwiewne i nieziemskie, ale zupełnie nie wiadomo, o co chodzi. A jeśli to połączyć, okaże się, że artyści biegają po scenie, przestraszeni potężnym wokalem niezrozumiałej kobiety? Dokąd idziecie, panowie!? Nie musisz biegać, upuszczając krzesła! Obiecuję, że tym razem wszystko będzie inaczej.

Dmitrij Sukharev i Siergiej Nikitin, kierowani przez dyrektora produkcji Josepha Raikhelgauza, po prostu nie mogli stworzyć nudnego przedstawienia. Nawet jeśli bardzo się staraliśmy. Po pierwsze, wszyscy oni są od dawna beznadziejnie utalentowani, po drugie, mają wspaniałe poczucie humoru, a po trzecie, pobłogosławił ich sam Maestro Czechow. „Czy masz na sobie frak?” istnieje na scenie Szkoły Sztuki Współczesnej od 1992 roku! I za każdym razem gromadzi pełną salę.

Na scenie występują tylko trzy postacie: Stepan Stepanowicz Czubukow, ziemianin (Władimir Kachan), Natalia Stiepanowna, jego córka (Ekaterina Direktorenko) i Iwan Wasiljewicz Łomow, ich sąsiad (Gennadij Tkachenko).

Władimir Kachan, słynny bard, śpiewa operę i tańczy balet. Ekaterina Direktorenko jest aktorką dramatyczną i po prostu bardzo piękną kobietą - pięknie śpiewa operę i uroczo tańczy balet. Giennadij Tkaczenko – artysta teatralny i filmowy, mim, naśladowca dźwięku, uczestnik spektaklu Wiaczesława Połunina „Statek głupców”, właściciel niesamowitego głosu, człowiek, który stworzył kilka własnych projektów twórczych – wspaniale śpiewa operę. I koniecznie przyjdź zobaczyć, jak tańczy balet! Przyjedź już teraz, bo później będziesz musiał lecieć do Berlina na to widowisko, gdzie ostatnio Giennadij Tkaczenko gra ten spektakl.

Balet to poważna sprawa. To tak naprawdę pointy, fouetté, podskoki, skoki i inne klasyczne elementy, pieczołowicie wykonane przez aktorów Szkoły Sztuki Współczesnej. I nie waż się śmiać! Spróbuj się nie śmiać. No, przynajmniej nie tak głośno i nie tak często... Wydaje się, że nie da się już Cię zatrzymać. Cóż, śmiej się całym sercem! Przecież właśnie po to teatr zaprasza na jedno ze swoich najlepszych przedstawień.

„Mam trzydzieści pięć lat – już czas!
Więc samotne wieczory są smutne,
które przynajmniej wspinają się po ścianie, prawda,
I oto jestem,
I oto jestem..."

I oto jesteśmy - znowu w najbardziej zaawansowanym, twórczym, powiedziałbym nawet, odważnym teatrze w Moskwie. Faktem jest, że w tradycyjnych przedstawieniach nie wystawiają dzieł klasycznych. Są instalowane, ale po niemal całkowitej przebudowie. Dzięki temu zainteresowanie klasyką naszego wyrafinowanego widza wcale nie słabnie, a wręcz przeciwnie, wzmaga się. Każdy, kto ma nadzieję spać w audytorium, ma przerąbane! Można spać spokojnie, bo w tym teatrze nie można się nudzić.

Znajomy, który widział tę produkcję, zapewniał: „Będziecie się śmiać!” Poszliśmy więc na sztukę „Czyim jesteś we fraku” w Moskiewskim Teatrze „School of Modern Play” w oczekiwaniu na zabawny i przyjemny wieczór.

Nasze przeczucia nas nie zwiodły. Spektakl, a właściwie Opera i Balet dla Artystów Dramatycznych według „Oświadczeń” Antoniego Pawłowicza Czechowa, rozpoczął się od wesołej uwertury na żywe instrumenty muzyczne pod dyrekcją dyrygenta kwartetu i pochłonął nas całkowicie w swojej akcji.

Mężczyźni na sali oczywiście nie byli we frakach, ale na wizytę w „Świątyni Sztuki” ubierali się najlepiej, jak potrafili. Jednak przystojny, dobrze odżywiony mężczyzna w kwiecie wieku na scenie przewyższał wszystkich swoim kwitnącym wyglądem, białymi spodniami z wysokim stanem i elegancko dopasowanym czarnym frakiem i muszką na śnieżnobiałej koszuli.

Nasz pan młody, Iwan Wasiljewicz Łomow (aktor Iwan Mamonow) nie potrzebował nawet śmigła za plecami - tak wspaniale trzepotał po scenie, przedstawiając szczęśliwego poszukiwacza ręki pięknej sąsiadki Natalii Stepanovny (Ekaterina Direktorenko).

„U Natalii Stepanovny
całkiem sporo smaku
a jeśli chodzi o naukę,
Edukacja -
też sporo,
a jeśli chodzi o figurę -
żeby nie powiedzieć za dużo
ale nie trochę,
i nic, nic,
nie ma co czekać na ideał..."

Natalia Stepanovna była świetna. Albo zagorzała miłośniczka polowań na psy, która zna takie słowa jak „ogłowy” czy „gruby pies”, albo wściekła właścicielka ziemska, która nie chce uznać „Ox Meadows” za swojego sąsiada. Po rozpoczęciu tego kojarzenia nasz pan młody nie został przyjęty zbyt ciepło. Poza tym dama serca „nie była ubrana”, „w fartuch i negliż”. W tamtych czasach negliż był prawdopodobnie trochę inny, ale jest jeszcze zabawniejszy!

Ojciec dziewczynki Stepan Stepanych Chubukov (Vladimir Kachan) jak zwykle był w najlepszej formie.

Spotkawszy się z godnością poszukiwacza dłoni, natychmiast zapomniał o powodzie pojawienia się sąsiada i słownie uderzył go z głębi serca. A co może być bardziej zabawnego niż obserwowanie, jak ludzie się kłócą i wspominają wszystkich swoich przodków aż do trzeciego pokolenia ze wszystkimi swoimi grzechami, którzy dużo pili, bili żonę, która przedwcześnie zmarła z powodu pijaństwa i której matka, jak wiadomo, jest przekrzywiona .

Dzięki tym wszystkim doświadczeniom nasz pan niemal oddał duszę Bogu. Ale potem dziewczyna zauważyła, że ​​sąsiadka nie była normalnie ubrana. „A jednak dlaczego właśnie ten garnitur jest dla ciebie?” - „Tak, przyszedłem z ofertą, głupcze!” Tekst Dmitrija Sukhareva jest tak miły dla ucha i tak dobrze komponuje się z muzyką Siergieja Nikitina, że ​​łatwo się go słucha i wcale nie jest „operowy”. I jak żywa konwersacyjna i bardzo dowcipna mowa.

Całe to kojarzenie zakończyło się sukcesem, za zgodą Natalii Stiepanownej, która zbyt długo przebywała z dziewczynami, i błogosławieństwem jej ojca, który nie wiadomo skąd wyjął kieliszki szampana, aby przypieczętować udany interes. Podejrzewam, że szampan, jak wiele innych rzeczy: trucizna, lina, broń, pojawił się na scenie z rąk dyrygenta. Tak tak! Na żywo wystąpił niewielki kwartet w składzie: fortepian, skrzypce, flet i fagot, który również dołożył swój wkład do operowego vinigretu – wstał i zaśpiewał cudowną frazę, która wywołała śmiech publiczności. Śmiechowi nie było końca, ludzie krzyczeli „Brawo!” kroki baletowe i arie operowe. Artyści śpiewali jednak bez mikrofonów i przy muzyce na żywo. Natomiast w ósmym rzędzie wszystko było słychać doskonale i wyraźnie. Na sali nie było pustych miejsc, spojrzałem w górę i zobaczyłem balkon pełen widzów. Tak, sztuka okazała się sukcesem.

Ostatnią kroplą, gdy wydawało się, że nie ma się z czego śmiać, szlachetny ojciec rodziny, najwyraźniej oszalały ze szczęścia (góra z ramion!) lub pod wpływem oparów wina, podniósł dubeltówkę i z celny strzał myśliwski trafił mewę zdobiącą górę kurtyny. Ptak Czechowa spadający mu do stóp – jest w tym coś symbolicznego, prawda? Ogólnie rzecz biorąc, idź i zrelaksuj swoją duszę, uszy i oczy. Obejrzyj tę mieszankę baletu, opery, operetki i przedstawienia doprawionego dobrym, współczesnym humorem - będziesz zadowolony.

Dziękuję społeczności