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Generi di pittura

1.1 Natura morta
1.2 Ritratto
1.3 Genere animale
1.4 Genere di battaglia
1.5 Genere domestico
1.6 Genere storico

1.1 Natura morta
Natura morta - tradotta dal francese al russo significa "natura morta", cioè qualcosa di inanimato.

Nella natura morta, gli artisti raffigurano vari articoli che ci circondano nella vita. Possono essere articoli per la casa, ad esempio piatti, strumenti. O ciò che la natura ci offre: frutta, verdura, fiori. Molto spesso nelle nature morte vediamo sia oggetti domestici che doni della natura.

Nel XVII secolo la natura morta si affermò come genere indipendente. Rifletteva l’interesse per il mondo materiale, che ebbe origine nella “pittura delle cose” olandese dell’inizio del XV secolo.

Il processo di formazione della natura morta come genere di pittura è avvenuto in molti paesi. Europa occidentale. E qui è necessario notare il fiammingo e Artisti olandesi che, a modo loro, hanno risolto il problema di trasmettere tutta la luminosità delle loro nature morte.

La natura morta non è molto tipica per il russo Arte XVIII e anche il 19° secolo. Tra i maestri del primo terzo del XIX secolo il pittore russo Venetsianov occupa un posto particolarmente significativo. Separatamente, Venetsianov non scrive nature morte, ma le usa come aggiunta all'immagine.

A.G. Venetsianov Ritratto di madre

Le nature morte costituiscono una sezione significativa patrimonio artistico Ivan Krutsky. Il talento dell'artista si è rivelato con particolare forza proprio in questo genere di pittura, dedicata alla raffigurazione di fiori, frutta, verdura e altri oggetti. Fu in esso che Khrutsky riuscì a trovare i propri modi di creatività, ad esprimersi in modo vivido immagini plastiche il suo amore appassionato per la natura. All'inizio del secolo, la natura morta si sviluppa come genere indipendente.

I. Krutsky. Natura morta

Già verso la fine 19esimo secolo nell'arte russa appare una galassia di giovani artisti, la cui opera natura morta occupa una posizione dominante. Tra le opere di questo periodo si possono individuare: la natura morta di Kharlamov "Frutta", "Pane sullo sfondo di un vassoio" di Konchalovsky e "Bucaneve" di Zhukovsky.

1.2 Ritratto
Ritratto (parola francese ritratto) è un'immagine dell'aspetto di una persona, della sua personalità.

I primi ritratti apparvero diverse migliaia di anni fa nell'antico Egitto. Queste erano enormi immagini di pietra dei faraoni egiziani. Per realizzare una scultura del genere, migliaia di persone hanno lavorato per diversi anni.

Antica scultura egiziana del faraone Ramses

È passato molto tempo da allora, ma gli artisti hanno dipinto il ritratto e continuano a dipingere.

Egitto. Ritratti di Fayum.

Quando crei un ritratto compito principale l'artista è una vera immagine del modello.

Ciò significa non solo una banale copia della persona ritratta: vestiti, acconciatura, gioielli, ma anche il trasferimento del suo mondo interiore e del suo carattere. Dopotutto, se non provi a trasmettere una persona come persona, il tuo ritratto sarà superficiale e non dirà nulla.

Per creare un ritratto, l'artista deve:

• studiare le principali caratteristiche della persona ritratta,
• tratti caratteriali la sua faccia,
• presta attenzione al suo comportamento: se è calmo o viceversa energico.
• se una persona non ti è familiare, devi conoscerla meglio (una normale conversazione aiuterà, durante una conversazione)

Il motivo per creare un ritratto può essere qualsiasi cosa: dal solito ordine, che accade più spesso, al desiderio di catturare una persona cara come ricordo.

Perché i ritratti sono interessanti? Guardando le immagini di persone vissute diversi anni fa, e forse anche diversi secoli, vediamo la storia dell'umanità. Dopotutto, gli artisti sono contemporanei di coloro che raffigurano, il che significa che trasmettono accuratamente quell'epoca, dando molto agli storici Informazioni aggiuntive. Particolarmente interessanti sono i ritratti di personaggi famosi figure storiche. Dopotutto, come accennato in precedenza, possiamo imparare da loro non solo l'aspetto, ma anche esaminarlo mondo interiore persona.

1.3 Genere animale
Genere animalesco (dal lat. animale - animale), un tipo di arte in cui il motivo principale è l'immagine degli animali.

Charles Barton Barbiere 1845-1894.

Nettamente stilizzato, che, di regola, aveva significato magico erano comuni figure di animali e uccelli arte primitiva, nei monumenti dello "stile animale" eurasiatico (compresi gli Sciti, i Sarmati, i Saks e altre tribù), tra i popoli dell'Africa, dell'Oceania, antica America; le immagini di animali reali e mitologici nell'arte si distinguono per una monumentalità insuperabile antico est, dinamica espressiva - in dipinti murali, pittura vascolare, arte plastica della civiltà cretese-micenea, arte dell'antichità classica ed ellenismo.

Il genere animalesco vero e proprio apparve in Cina durante i periodi Tang (VIII secolo) e Song (XIII secolo).

Kano Tanen. Karps (1805-1853)

IN arte medievale In Europa erano diffuse immagini favolosamente grottesche di animali e uccelli tratte dal folklore, dalle leggende pagane e cristiane; Gli artisti del Rinascimento (Pisanello, A. Dürer) iniziarono a disegnare animali dalla vita.

Il genere animalesco europeo si formò (inizialmente, per molti aspetti come allegorico - moralizzante, quando alcuni animali fungevano da personificazione dei vizi e delle virtù umane) nel XVII secolo. nell'arte dell'Olanda (P. Potter, A. Cuyp, M. de Hondekuter) e delle Fiandre (F. Snyders, J. Veit).

In futuro, nelle opere dei maestri del genere animalesco, l'interesse scientifico naturale e il desiderio di ricreare accuratamente le abitudini e la plasticità naturale degli animali (K. Troyon in Francia, B. Liljefors in Svezia, ecc.) convivono con l'ammirazione romantica per la loro forza e destrezza (A.L. Bari Francia) o con stilizzazione decorativa di immagini del mondo animale.

Artisti che lavorano in genere animalesco sono chiamati animalisti.

1.4 Genere di battaglia
Genere di battaglia (dal francese bataille - battaglia), un genere di belle arti, dedicato ai temi guerra e vita militare.

Il posto principale nel genere della battaglia è occupato da scene di battaglie terrestri e marittime, campagne militari del passato e del presente. Tali immagini sono conosciute fin dall'antichità (rilievi dell'Antico Oriente, pittura vascolare dell'antica Grecia, rilievi sui frontoni e sui fregi dei templi antichi, sugli archi e sulle colonne di trionfo dell'antica Roma, dipinti monumentali antica India, Giapponese pittura medievale ecc.), in miniatura del libro E arte decorativa Europa medievale.

Come un indipendente genere di battaglia formatosi nell'Italia rinascimentale, nelle opere di P. Uccello, Piero della Francesca; la generalizzazione eroica è intrinseca scene di battaglia Leonardo da Vinci, Michelangelo, Tiziano, Tintoretto.

Nel XVII secolo la convergenza della pittura di battaglia con il genere storico è stata facilitata dai dipinti di D. Velazquez, che hanno rivelato profondamente il significato storico e il background etico degli eventi militari, e dalle opere di P.P. Rubens, affascinando lo spettatore con la loro dinamica e drammaticità.

Nel genere della battaglia, si formano tipi di composizioni allegoriche convenzionalmente con l'immagine del comandante sullo sfondo della battaglia vinta da lui (cap. Lebrun), un piccolo quadro con scene spettacolari di scaramucce di cavalleria (F. Wauerman), battaglie navali ( V. van de Velde), vedute di soste e bivacchi militari, che riecheggiano opere di genere quotidiano (A. Watteau).

V.V.Vereshchagin. Fine della battaglia di Borodino

Nella prima metà del XIX secolo. lo sviluppo del genere di battaglia è stato segnato dallo storicismo e pathos emotivo romanticismo; eventi dell'epoca Guerre napoleoniche e i movimenti di liberazione nazionale in Europa sono raffigurati nei dipinti di A. Gro, T. Gericault, E. Delacroix, H. Vernet in Francia, F. Goya in Spagna, P. Michalovsky in Polonia, ecc.

Nella seconda metà del XIX secolo. in scene militari e tele storiche di battaglia di A. von Menzel in Germania, A. Fattori in Italia, W. Homer negli Stati Uniti, ecc., paesaggio, genere, principi psicologici, attenzione alle azioni e alle esperienze dei partecipanti ordinari alle forze armate le operazioni vengono intensificate.

Gli artisti che lavorano nel genere della battaglia sono chiamati pittori di battaglia.

1.5 Genere domestico
Genere domestico, uno dei principali generi delle belle arti, dedicato alla rappresentazione di privati ​​e vita pubblica persona.

Le scene quotidiane ("genere"), conosciute fin dall'antichità (nell'arte primitiva, nei murali e nei rilievi dell'Antico Oriente, nella pittura vascolare dell'antica Grecia, nei dipinti ellenistici, nei mosaici, nella scultura, negli affreschi medievali e nelle miniature), si distinguevano come un genere speciale nell'era della formazione dell'arte borghese nella società europea.

I presupposti per ciò furono posti nell'arte del Rinascimento, quando gli artisti iniziarono a saturare composizioni religiose e allegoriche con dettagli quotidiani (Giotto, A. Lorenzetti in Italia, Jan van Eyck, R. Kampen, Gertgen tot Sint-Jans nei Paesi Bassi , i fratelli Limburg in Francia, M. Schongauer in Germania); fine del XV – inizio del XVI secolo

Il genere domestico si isolò gradualmente tra i veneziani V. Carpaccio, J. Bassano, tra gli olandesi K. Masseys, Luca di Leiden, P. Aartsen, e nell'opera di P. Brueghel il Vecchio i dipinti di vita quotidiana servivano a esprimere il idee più profonde sulla visione del mondo.

Jan Vermeer di Delft

Nel XVII secolo il genere domestico finalmente formato, affermava la vita privata come un fenomeno della vita significativo e di grande valore.

La sublime poetizzazione dei motivi quotidiani, il potente amore per la vita sono caratteristici delle opere di P.P. Rubens e J. Jordans, ammirando sani, bellezza naturale gente comune - per i "bodegones" di D. Velasquez. In Olanda, dove finalmente hanno preso forma forme classiche genere, atmosfera intima, comfort pacifico del borghese e vita contadina A. van Ostade, K. Fabricius, P. de Hooch, J. Vermeer Delftsky, G. Terborch, G. Metsu sono stati ricreati, Rembrandt ha rivelato le contraddizioni più profonde della vita nelle scene quotidiane.

in Francia nel XVIII secolo. il genere quotidiano è rappresentato da pastorali idilliaci in stile rococò (F. Boucher), “scene galanti”, in cui A. Watteau e J.O. Fragonard ha portato la sottigliezza emotiva e la nitidezza delle osservazioni della vita, delle composizioni sentimentali e didattiche di J.B. Dreams, tele liriche di J.B.S. Chardin, ricreando privacy terzo stato.

La direzione socio-critica nel genere quotidiano è stata avviata dai dipinti e dalle incisioni di W. Hogarth, ridicolizzando i costumi della società inglese.

Nei secoli XVI-XVIII Il genere domestico fiorì anche nell'arte dei paesi asiatici: nella miniatura dell'Iran, dell'India (K. Behzad, Mir Seyid Ali, Reza Abbasi), della pittura coreana (Kim Hongdo), della grafica giapponese (Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai).

L'Europa nel XIX secolo il genere quotidiano è diventato un campo critica sociale e satira pubblicistica (grafica e pittura di O. Daumier), un genere pieno di vitalità e pathos nell'affermare la bellezza e il significato interiore dei lavoratori (G. Courbet e J.F. Millet in Francia, A. von Menzel e W. Leibl in Germania, J. Fattori in Italia, J. Israels in Olanda, ecc.).

Nella seconda metà del XIX secolo. maestri dell'impressionismo in Francia (E. Manet, E. Degas, O. Renoir) approvarono un nuovo tipo pittura di genere, in cui hanno cercato di catturare, per così dire, un aspetto accidentale e frammentario della vita, la netta specificità dell'aspetto dei personaggi, l'unità delle persone e del loro ambiente; il loro lavoro ha dato impulso a un'interpretazione più libera del genere, una ricreazione direttamente pittoresca di scene quotidiane (M. Lieberman in Germania, K. Krogh in Norvegia, A. Zorn in Svezia, T. Eikins negli Stati Uniti).

A cavallo tra il XIX e il XX secolo. nell'arte del postimpressionismo, del simbolismo, dello stile moderno, è iniziata una nuova fase nello sviluppo del genere quotidiano: scene domestiche interpretati come simboli senza tempo, la concretezza realistica dell'immagine lascia il posto all'espressione pittorica, ai compiti monumentali e decorativi (E. Munch in Norvegia, F. Hodler in Svizzera, P. Gauguin, P. Cezanne in Francia, ecc.).

Gli artisti che lavorano nel genere quotidiano sono chiamati pittori di genere.

1.6 Genere storico
Genere storico, uno dei generi principali delle belle arti, dedicato a ricreare gli eventi del passato e del presente, che hanno significato storico. Il genere storico è spesso intrecciato con altri generi - genere quotidiano(il cosiddetto genere storico e quotidiano), ritratto (composizioni storico-ritratto), paesaggio ("paesaggio storico"), genere di battaglia.

L'evoluzione del genere storico è in gran parte dovuta allo sviluppo delle visioni storiche e alla fine si formò insieme alla formazione di una visione scientifica della storia (completamente solo nei secoli XVIII-XIX).

I suoi inizi risalgono a composizioni condizionatamente simboliche antico Egitto e Mesopotamia, a immagini mitologiche L'antica Grecia, fino ai rilievi documentari-narrativi dell'antichità romana archi di trionfo e colonne. Il genere storico stesso cominciò a prendere forma Arte italiana del Rinascimento - nelle opere storico-battaglia di P. Uccello, cartoni e dipinti di A. Mantegna sui temi storia antica, interpretato in un piano idealmente generalizzato e senza tempo dalle composizioni di Leonardo da Vinci, Tiziano, J. Tintoretto.

Nei secoli XVII e XVIII nell'arte del classicismo venne alla ribalta il genere storico, compresi i soggetti religiosi, mitologici e storici veri e propri; nell'ambito di questo stile presero forma sia un tipo di solenne composizione storica e allegorica (Ch. Lebrun) sia dipinti pieni di pathos etico e nobiltà interiore raffiguranti le gesta degli eroi dell'antichità (N. Poussin).

Il punto di svolta nello sviluppo del genere avvenne nel XVII secolo. le opere di D. Velazquez, che ha contribuito all'immagine conflitto storico Spagnoli e olandesi profonda obiettività e umanità, P.P. Rubens, che combinava liberamente realtà storica con fantasia e allegoria, Rembrandt, che indirettamente incarnava i ricordi degli eventi della rivoluzione olandese in modo eroico e dramma interiore composizioni.

Nella seconda metà del XVIII secolo, durante l'Illuminismo, al genere storico fu data una dimensione educativa e significato politico: dipinti di J.L. David, raffigurante gli eroi della Roma repubblicana, divenne l'incarnazione di un'impresa in nome del dovere civico, suonava come un appello alla lotta rivoluzionaria; negli anni rivoluzione francese 1789-1794 ne ritrasse gli eventi con uno spirito eroicamente ottimista, equiparando così realtà e passato storico.

Lo stesso principio è alla base pittura di storia maestri Romanticismo francese(T. Gericault, E. Delacroix), così come lo spagnolo F. Goya, che ha saturato il genere storico con passione, percezione emotiva la drammaticità dei conflitti sociali storici e contemporanei.

VI Surikov. La mattina dell'esecuzione del tiro con l'arco

Nel XIX secolo, l'ascesa dell'autocoscienza nazionale e la ricerca delle radici storiche dei loro popoli portarono a sentimenti romantici nella pittura storica in Belgio (L. Galle), Repubblica Ceca (J. Manes), Ungheria (V. Madaras) e Polonia (P. Michalovsky).

Il desiderio di far rivivere la spiritualità del Medioevo e del primo Rinascimento determinò il carattere retrospettivo dell'opera dei Nazareni in Germania e dei Preraffaelliti in Gran Bretagna.

Dal 1830 al 1840. Composizioni storiche da salone, che combinavano magnifica rappresentatività con pretenziosità, e piccoli dipinti storici e quotidiani che ricreavano il "colore dell'epoca" nei minimi dettagli (P. Delaroche ed E. Meissonier in Francia, M. von Schwind in Austria, ecc.) divenne anche molto diffuso.

A metà: la seconda metà del XIX secolo. con la freschezza e l'immediatezza di un disegno dal vero, fa risorgere i personaggi e i costumi del XVIII secolo. A. von Menzel in Germania, idee rinascita nazionale ha nutrito la pittura storica di J. Matejko in Polonia, M. Munkácsy in Ungheria.

Entro la fine del XIX secolo nel genere storico si è verificata una svolta verso un'interpretazione elevata, simbolico-generalizzata del reale immagini storiche(arte plastica di O. Rodin in Francia, J.V. Myslbek nella Repubblica Ceca), e nell'arte del simbolismo e della modernità - alla stilizzazione ritmica di composizioni storiche monumentali (dipinto di P. Puvis de Chavannes in Francia, F. Hodler in Svizzera).

Allegoria (da altro greco ἀλληγορία - allegoria) in belle arti appariva nell'antichità ed era conosciuto nell'antichità. Se espresso in parole semplici cos'è l'allegoria nella pittura e nell'arte in generale, allora possiamo dire che questo immagine artistica con sottotesto. Immagini specifiche, ad esempio figure di persone, animali, oggetti, oggetti e così via, nella pittura allegorica esprimono qualsiasi concetto, idea, filosofia. I dipinti degli artisti, pieni di simboli, sono abbastanza comuni e all'epoca erano molto sviluppati e popolari. A questo proposito è apparsa un'intera dottrina di simboli e immagini allegorici.

Molti artisti del passato lo hanno crittografato nei loro dipinti simboli allegorici, che criticavano il potere, la religione, lo stile di vita, persone specifiche e così via, ma allo stesso tempo erano del tutto incomprensibili per gli spettatori comuni e potevano essere decifrati solo da persone esperte nei simboli dell'allegoria. Nel resto, gli artisti creano immagini che possono essere comprese dallo spettatore ordinario e da lui liberamente interpretate. Ad esempio, se una donna tiene in mano una bilancia, allora c'è un'allegoria della giustizia, se una spada, allora è implicita la guerra, l'inverno può essere espresso in abiti bianchi, l'autunno in abbondanza di frutti maturi, gli amorini alati esprimono amore, una falce - morte, clessidra– il tempo che scorre e così via. I simboli o le allegorie possono essere innumerevoli. Inoltre, ogni artista può creare le proprie formule e simboli allegorici secondo le idee del suo tempo, che possiamo osservare, ad esempio, nelle moderne caricature delle riviste. Spesso usato come immagini allegoriche antichi dei, divinità, semidei, eroi. Sin dai tempi antichi, quasi tutti i fenomeni in vita umana avevano il proprio dio, mecenate, musa ispiratrice e così via, quindi sono più adatti a esprimere l'essenza dell'idea con l'aiuto di immagini belle, poetiche e romantiche.

Con l'aiuto dell'allegoria, l'artista raggiunge una profondità significativa del suo lavoro. Posizionando uno o più simboli allegorici nell'area della trama, l'artista raggiunge un vero concetto filosofico, che viene percepito in modo tanto più vivido da una persona quando espresso con l'aiuto di bellissimi immagini esterne. Vale anche la pena notare che il pensiero allegorico degli artisti ha influenzato direttamente il successivo sviluppo della pittura in generale. Furono le immagini velate, il significato nascosto, il codice simbolico della pittura, originariamente inerenti all'arte dell'ellenismo, e poi al classicismo, che successivamente iniziarono a trasformarsi in strutture più complesse e sviluppate, trasformandosi in varie arti d'avanguardia .

dipinti allegorici

Emile Auguste Pinchart - Allegoria della Primavera

Benjamin West - Il potere dell'amore nei tre elementi

Willem van Mieris - Allegoria della rabbia

Dossi Dosso - Allegoria della Buona Fortuna

Jean-Baptiste Oudry - Abbondanza

Maella Mariano Salvador - Primavera

Ribera e Fernandez, Juan Antonio - Allegoria dell'estate

Watts George Frederick – Speranza

Charles Joseph Natoire - Allegoria dell'architettura

La regia allegorica è una sorta di arte figurativa, rappresentata da quasi tutti i generi: natura morta, ritratto, paesaggio. Esiste come un tipo di pittura storica. In sostanza si tratta della trasmissione in forma illustrativa di un significato segreto, in un modo che può essere interpretato in modo ambiguo, personaggi di miti o parabole religiose, simboli.

Ogni pittura allegorica porta significato segreto- il messaggio dell'artista, nascosto nel simbolismo dell'immagine. I significati più popolari dei simboli sono forza, morte, amore, libertà, bontà, potere, giustizia, male, fede. La tela può raffigurare persone, animali, oggetti che portano un significato nascosto. Immagini umane o animalesche possono essere trasmesse attraverso gli attributi che il personaggio centrale tele.

Peculiarità

L'allegoria nella pittura è un genere allegorico che richiede una sensazione sottile e una percezione profonda da parte dello spettatore. Questa tendenza era più popolare durante i tempi del Manierismo, del Barocco, del Classico e del Rinascimento.

Trompley o inganno

Si ritiene che il genere abbia avuto origine nei tempi antica Roma, i greci non erano inclini al simbolismo, preferivano significato diretto immagini nella foto. Con lo sviluppo della religione, l’allegoria divenne più popolare e richiese spiritualità e corrette linee guida di vita. Le tele allegoriche sono un modo per ricordare la caducità della vita, invitano ad osservare gli standard morali per evitare il peccato. Il genere può essere definito intellettuale.

Vanità

Durante il periodo barocco si sviluppò il genere della "vanitas" - in traduzione "vanità". L'origine del termine è associata ad una citazione biblica dell'Ecclesiaste. “Tutto è vanità” è il messaggio principale della regia vanitas.

Affiliazione al genere: natura morta. caratteristica principale questa direzione - la presenza di un teschio umano, come immagine centrale sulla tela. Il teschio poteva essere accompagnato da fiori, frutti, utensili da cucina e per la casa, oggetti religiosi. L'emergere del genere fase iniziale sviluppo della natura morta. Il significato di vanitas è semplice: l'inevitabilità della morte, la caducità della vita, la sua brevità e caducità, tutti i piaceri sono vani e vili, e di fronte alla morte tutti sono uguali. Questo significato è portato dall'immagine del teschio nella foto.

pittura mitologica

Geograficamente, il genere era più diffuso nei paesi del Nord Europa: Olanda, Fiandre. Opere dallo stile caratteristico si trovano in Francia e Spagna.
Esempi di dipinti sono le opere di Franciscus Geisbrechts, Philippe de Champagne, Peter Boyle, artisti del XVII secolo.

armamentario

L'attributo principale della venitas è il teschio, che serve a ricordare che nessuno è eterno. Questo è un riflesso della caducità della vita, della fragilità dell'esistenza.

• Fiori appassiti che circondano il cranio. L'immagine più popolare delle rose è un fiore di amore, passione, bellezza. Rosa appassita significa invecchiamento, peccato mortale, vanità. Spesso veniva usata l'immagine di un papavero: un simbolo di pigrizia, sonno. Tulipano: un segno di trattamento irragionevole da parte dello stato, atti avventati. L'immagine di un tulipano è tipica dei Paesi Bassi.
• Germogli di grano e rami di edera sono un attributo raro ma comune. È un simbolo di rinascita, il ciclo della vita.
• Il frutto - appassito o marcio - è un segno di morte, invecchiamento, povertà. Il peccato è simboleggiato da prugne, fichi, mele, pesche. In altre parole, i frutti freschi e maturi sono segno di prosperità, vita, salute, quelli marci hanno il significato opposto. Per creare un'allegoria dell'Autunno, gli artisti hanno raffigurato sulla tela pomodori, uva, pere e ciliegie.
• Dadi, scacchi, carte: l'assenza di un obiettivo o la sua natura illusoria, errore. Gli accessori da gioco significano anche peccaminosità, edonismo.
• Lumache: simboleggiano la lussuria, come uno dei peccati capitali, la pigrizia, la doppiezza. Le conchiglie dei molluschi marini sono un segno di morte.
• Le bolle di sapone sono un segno della caducità della vita, dell'improvvisa morte.
• Una candela che si spegne, una cenere, un fuoco che si spegne è la morte, la fine percorso di vita, il passaggio dell'anima ad un altro mondo.
• Specchio - personaggio interessante nella pittura. È usato per trasmettere la natura illusoria di tutti gli esseri viventi, l'incarnazione dell'orgoglio e della vanità, dell'irrealismo, poiché l'immagine non è l'essere vivente stesso.
• La maschera del carnevale è l'illusorietà della natura reale, l'edonismo, il vuoto della natura, l'irresponsabilità.
• Frammenti di piatti, specchi, vetri: morte, distruzione della personalità. Un mortaio simboleggia la sessualità, un bicchiere vuoto: la morte, l'esaurimento della vita di una persona.
• Orologio - meccanico o sabbia - un segno della fine della vita.
• Un coltello o un pugnale è un segno di sessualità, prima di tutto maschile. Altri significati sono la fragilità della vita, la caducità della morte.
• Globo, mappe: un segno di scienza.
• Note e strumenti musicali- significa arte o la natura illusoria della vita.
• Articoli medici, immagini figure anatomiche- cartello relazioni umane, malattie, mortalità.
• Le armi sono un segno di potere, forza.
• Corona - dominio, in combinazione con il cranio - la caducità del potere, la sua fragilità.
• Monete, portafoglio: il vuoto dell'anima, la vanità, il narcisismo, l'immaginario, la bellezza esteriore.
• Rovine: morte, completezza del ciclo di vita.
• La chiave è la famiglia.

Pittura di battaglia

Questo è un elenco incompleto dei possibili attributi che sono stati utilizzati per creare i dipinti.
Il genere allegorico è rappresentato anche dalle scene della “danza macabra”. La trama è apparsa nel Medioevo. È usato per scrivere immagini di una direzione religiosa. Il simbolo significa la fragilità della vita, la caducità del ciclo vitale.

Il simbolo fu registrato per la prima volta nel XIV secolo: significava l'uguaglianza di tutti prima della morte: mercanti, re, contadini e filistei.

Significato del genere

Il simbolismo e i significati nascosti sono sempre popolari e tali dipinti provocano dibattiti che durano secoli. IN arte contemporanea allegorico: la direzione principale della creatività dei pittori. Gli artisti d'avanguardia usano l'allegoria per dipinti, fotografie e sculture.

enr (da fr. Genere - vista) - una serie di opere combinate:- una gamma generale di argomenti o oggetti dell'immagine; oppure - l'atteggiamento dell'autore nei confronti di un oggetto, persona o fenomeno: caricatura, caricatura; O - un modo di comprensione e interpretazione: allegoria, fantasia.

Il genere è alcune caratteristiche speciali inerenti alle opere d'arte, grazie alle quali distinguiamo una di esse dalle altre.

Un artista-pittore dipinge e ci sono molte tecniche, modi di lavorare con esse, sono complesse e diverse, questa è un'intera scienza. Ma a seconda di ciò che viene mostrato nell'immagine, puoi determinarne il genere.

AUTORITRATTO - un ritratto dipinto da se stessi.

ALLEGORIA - l'immagine di concetti astratti attraverso immagini concrete, creature e oggetti associativi vicini, solitamente dotati di attributi che ne spiegano il contenuto.

ANIMALISTA- associato all'immagine degli animali nella pittura, scultura e grafica; combina scienze naturali e principi artistici.

BATTAGLIA - dedicato alla rappresentazione della guerra e della vita militare. Nelle opere del genere battaglia, il posto principale è occupato da scene di battaglie e campagne militari del presente o del passato.

FAMIGLIA - associato all'immagine della vita privata e pubblica quotidiana di una persona.

STORICO - uno dei principali generi di belle arti, dedicato a eventi storici del passato e del presente, socialmente fenomeni significativi nella storia delle nazioni.

CARICATURA - un genere di belle arti che utilizza i mezzi della satira e dell'umorismo, del grottesco, della caricatura, dell'iperbole artistica; l'immagine in cui effetto comico creato dall'esagerazione e dall'inasprimento dei tratti caratteristici.

MITOLOGICO - dedicato agli eventi e agli eroi di cui raccontano i miti.

NATURA MORTA - un genere di belle arti che mostra oggetti inanimati collocati in un ambiente domestico reale e organizzati in un gruppo specifico; un'immagine raffigurante oggetti per la casa, fiori, frutta, selvaggina spezzata, pesce pescato.

Nudo: un genere d'arte dedicato al corpo nudo, alla sua interpretazione artistica.

PASTORALE - immagine di un idilliaco vita pacifica pastori e pastorelle nel seno della natura.

SCENARIO - immagine di qualsiasi area, immagini della natura: fiumi, montagne, campi, foreste, paesaggio rurale o urbano; a seconda del soggetto dell'immagine si distinguono elementi architettonici e urbani, panorama industriale, veduta, marina (raffigura il mare), paesaggio storico, fantastico (futurologico), lirico, epico.

RITRATTO - un genere di belle arti dedicato all'immagine di una persona o di un gruppo di persone; varietà: autoritratto, ritratto di gruppo, cerimoniale, da camera, ritratto in costume, ritratto in miniatura, parsuna.

FUMETTO - una sorta di caricatura, divertente o immagine satirica in cui i tratti caratteristici di una persona vengono modificati ed enfatizzati.

- questo è uno dei principali tipi di belle arti; rappresenta immagine artistica mondo oggettivo vernici colorate sulla superficie. La pittura si divide in: da cavalletto, monumentale e decorativa.

- rappresentate principalmente da opere realizzate con colori ad olio su tela (cartone, tavole di legno o nude). Rappresenta il massimo visione di massa pittura. È questa forma che viene solitamente applicata al termine " pittura".

è una tecnica di disegno sui muri nella progettazione di edifici e elementi architettonici negli edifici. Particolarmente comune in Europa affrescare - pittura monumentale intonaco bagnato vernici idrosolubili. Questa tecnica di disegno è nota fin dall'antichità. Successivamente, questa tecnica fu utilizzata nella progettazione di molti templi religiosi cristiani e delle loro volte.

pittura decorativa - (da Parola latina da decoro - decorare) è un modo di disegnare e disegnare immagini su oggetti e dettagli interni, pareti, mobili e altro. oggetti decorativi. Si riferisce ad arti e mestieri.

Possibilità arte pittorica la pittura da cavalletto si rivela particolarmente vivida a partire dal XV secolo, dal momento dell'uso di massa dei colori ad olio. È in esso che è disponibile una speciale varietà di contenuti e una profonda elaborazione della forma. Nel cuore del pittoresco mezzi artistici giacciono i colori (le possibilità dei colori), in unità inseparabile con il chiaroscuro e la linea; colore e chiaroscuro vengono sviluppati e sviluppati dalle tecniche pittoriche con una pienezza e una luminosità inaccessibili ad altre forme d'arte. Questa è la ragione della perfezione della modellazione volumetrica e spaziale insita nella pittura realistica, della trasmissione vivace e accurata della realtà, della possibilità di realizzare le trame concepite dall'artista (e dei metodi di costruzione delle composizioni) e di altre virtù pittoriche.

Un'altra differenza nelle differenze tra i tipi di pittura è la tecnica di esecuzione in base ai tipi di vernici. Non sempre sono sufficienti le caratteristiche comuni da determinare. Il confine tra pittura e grafica in ogni singolo caso: ad esempio, opere realizzate ad acquerello o pastello possono appartenere ad entrambi gli ambiti, a seconda dell'approccio dell'artista e dei compiti a lui assegnati. Sebbene i disegni su carta siano classificati come grafica, l'applicazione varie tecniche disegnare con i colori a volte offusca la distinzione tra pittura e grafica.

Va tenuto presente che il termine semantico "pittura" stesso è una parola della lingua russa. È stato utilizzato come termine durante la formazione delle belle arti in Russia durante l'era barocca. L'uso della parola "pittura" a quel tempo si applicava solo a un certo tipo di rappresentazione realistica con i colori. Ma originariamente deriva dalla tecnica di pittura delle icone della chiesa, che usa la parola "scrivere" (riferendosi alla scrittura) perché questa parola è una traduzione del significato nei testi greci (ecco queste "difficoltà di traduzione"). Sviluppo in Russia proprio scuola d'arte e l'eredità della conoscenza accademica europea nel campo dell'arte, hanno sviluppato la portata della parola russa "pittura", iscrivendola nella terminologia educativa e lingua letteraria. Ma nella lingua russa, una caratteristica del significato del verbo "scrivere" si è formata in relazione alla scrittura e al disegno di immagini.

Generi di pittura

Nel corso dello sviluppo delle belle arti si formarono diversi generi classici di dipinti, che acquisirono le proprie caratteristiche e regole.

Ritratto- Questa è un'immagine realistica di una persona in cui l'artista cerca di ottenere una somiglianza con l'originale. Uno dei generi di pittura più popolari. La maggior parte dei clienti ha utilizzato il talento degli artisti per perpetuare la propria immagine o, per ottenere un'immagine amata, parente, ecc. I clienti cercavano di ottenere una somiglianza con il ritratto (o addirittura di abbellirlo) lasciando un'incarnazione visiva nella storia. I ritratti di vari stili costituiscono la parte più massiccia dell'esposizione della maggior parte dei musei d'arte e delle collezioni private. Questo genere include un tipo di ritratto come auto ritratto - un'immagine dell'artista stesso, scritta da lui stesso.

Scenario- uno dei generi pittorici popolari in cui l'artista cerca di mostrare la natura, la sua bellezza o particolarità. Diversi tipi la natura (l'umore della stagione e il tempo) hanno un aspetto luminoso impatto emotivo su qualsiasi spettatore: questa è una caratteristica psicologica di una persona. Il desiderio di ottenere un'impressione emotiva dai paesaggi ha reso questo genere uno dei più popolari nella creazione artistica.

- questo genere è per molti versi simile al paesaggio, ma ha una caratteristica fondamentale: i dipinti raffigurano paesaggi con la partecipazione di oggetti architettonici, edifici o città. direzione speciale - viste sulla strada città che trasmettono l'atmosfera del luogo. Un'altra direzione di questo genere è l'immagine della bellezza dell'architettura di un particolare edificio: il suo aspetto o immagini dei suoi interni.

- un genere in cui si trova la trama principale dei dipinti evento storico o la sua interpretazione da parte dell'artista. Ciò che è interessante appartiene a questo genere grande quantità dipinti su tema biblico. Poiché nel Medioevo le scene bibliche erano considerate eventi "storici" e la chiesa era il principale committente di questi dipinti. Scene bibliche "storiche" sono presenti nel lavoro della maggior parte degli artisti. La rinascita della pittura storica avviene durante il neoclassicismo, quando gli artisti si rivolgono a trame storiche ben note, eventi dell'antichità o leggende nazionali.

- riflette scene di guerre e battaglie. Una caratteristica non è solo il desiderio di riflettere un evento storico, ma anche di trasmettere allo spettatore l'esaltazione emotiva dell'impresa e dell'eroismo. Successivamente, questo genere diventa anche politico, consentendo all'artista di trasmettere allo spettatore la sua visione (il suo atteggiamento) su ciò che sta accadendo. Possiamo vedere un effetto simile dell'accento politico e della forza del talento dell'artista nell'opera di V. Vereshchagin.

è un genere di pittura con composizioni da oggetti inanimati, utilizzando fiori, prodotti, piatti. Questo genere è uno dei più recenti e si è formato nella scuola di pittura olandese. Forse il suo aspetto è dovuto alla particolarità della scuola olandese. Il periodo di massimo splendore economico del XVII secolo in Olanda portò in una parte significativa della popolazione il desiderio di beni di lusso accessibili (dipinti). Questa situazione attirò un gran numero di artisti in Olanda, provocando tra loro un'intensa competizione. Modelli e laboratori (persone con abiti adeguati) non erano a disposizione degli artisti poveri. Disegnando dipinti in vendita, hanno usato mezzi improvvisati (oggetti) per comporre dipinti. Questa situazione nella storia della scuola olandese è la ragione dello sviluppo della pittura di genere.

Pittura di genere - la trama dei dipinti sono scene di tutti i giorni Vita di ogni giorno o vacanze, di solito con la partecipazione di gente comune. Oltre alla natura morta, si diffuse tra gli artisti olandesi nel XVII secolo. Durante il periodo del romanticismo e del neoclassicismo, questo genere assume una nuova nascita, i dipinti tendono non tanto a riflettere la vita di tutti i giorni quanto a romanticizzarla, a introdurre un certo significato o moralità nella trama.

Marina- un tipo di paesaggio che raffigura vedute marine, paesaggi costieri affacciati sul mare, albe e tramonti sul mare, navi, o anche battaglie navali. Sebbene esista un genere di battaglia separato, le battaglie navali appartengono ancora al genere della marina. Lo sviluppo e la divulgazione di questo genere possono essere attribuiti anche alla scuola olandese del XVII secolo. Era popolare in Russia grazie al lavoro di Aivazovsky.

- una caratteristica di questo genere è la creazione di dipinti realistici raffiguranti la bellezza di animali e uccelli. Uno di caratteristiche interessanti Questo genere è la presenza di dipinti raffiguranti animali inesistenti o mitici. Vengono chiamati artisti specializzati in immagini di animali animalisti.

Storia della pittura

Ho bisogno di entrare immagine realistica esisteva fin dai tempi antichi, ma presentava una serie di carenze dovute alla mancanza di tecnologia, di una scuola e di un'istruzione sistematizzate. Nell'antichità si possono spesso trovare esempi di applicazione e dipinto monumentale con la tecnica della pittura su intonaco. Durante l'antichità, maggior valore dato il talento dell'esecutore, gli artisti erano limitati nella tecnologia di realizzazione dei colori e nell'opportunità di ricevere un'istruzione sistematica. Ma già nell'antichità si formarono conoscenze e opere specializzate (Vitruvio), che saranno la base di una nuova fioritura Arte europea durante il Rinascimento. La pittura decorativa ebbe uno sviluppo significativo durante l'antichità greca e romana (la scuola andò perduta nel Medioevo), il cui livello fu raggiunto solo dopo il XV secolo.

Dipinto di affresco romano (Pompei, I secolo a.C.), esempio dello stato dell'arte della pittura antica:

I "Secoli bui" del Medioevo, il cristianesimo militante e l'Inquisizione portano al divieto di studio del patrimonio artistico dell'antichità. La vasta esperienza degli antichi maestri, la conoscenza nel campo delle proporzioni, della composizione, dell'architettura e della scultura sono bandite, e molte valori artistici distrutti a causa della loro dedizione antiche divinità. Il ritorno ai valori dell'arte e della scienza in Europa avviene solo durante il Rinascimento (revival).

Gli artisti del primo Rinascimento (revival) devono recuperare e far rivivere i risultati e il livello degli artisti antichi. Ciò che ammiriamo nelle opere degli artisti primo Rinascimento, era il livello dei maestri di Roma. Un chiaro esempio della perdita di diversi secoli di sviluppo dell'arte (e della civiltà) europea nel periodo " anni oscuri"Medioevo, cristianesimo militante e Inquisizione: la differenza tra questi dipinti del XIV secolo!

L'emergere e la diffusione della tecnologia di produzione dei colori ad olio e della tecnica di disegnarli nel XV secolo dà origine allo sviluppo pittura da cavalletto E tipo speciale prodotti d'artista - dipinti ad olio colorati su tela o legno preparati.

La pittura fece un enorme salto nello sviluppo qualitativo nel Rinascimento, in gran parte grazie al lavoro di Leon Battista Alberti (1404-1472). Per primo pose le basi della prospettiva nella pittura (il trattato "Sulla pittura" nel 1436). A lui (i suoi lavori sulla sistematizzazione conoscenza scientifica) La scuola d'arte europea deve l'apparizione (revival) della prospettiva realistica e delle proporzioni naturali nei dipinti degli artisti. Il famoso e familiare disegno di Leonardo da Vinci "Uomo vitruviano"(proporzioni umane) del 1493, dedicato alla sistematizzazione conoscenza antica Vitruvio su proporzioni e composizione, fu creato da Leonardo mezzo secolo dopo il trattato Sulla pittura dell'Alberti. E l'opera di Leonardo è una continuazione dello sviluppo della scuola d'arte europea (italiana) del Rinascimento.

Ma luminoso e sviluppo di massa la pittura iniziò nei secoli XVI e XVII, quando si diffuse la tecnica della pittura ad olio, apparvero varie tecnologie per realizzare vernici e si formarono scuole di pittura. È il sistema della conoscenza e educazione artistica(tecnica del disegno), combinata con la richiesta di opere d'arte da parte dell'aristocrazia e dei monarchi, porta ad una rapida fioritura delle belle arti in Europa (periodo barocco).

Le illimitate possibilità finanziarie delle monarchie, dell’aristocrazia e degli imprenditori europei sono diventate un terreno eccellente per questo ulteriori sviluppi pittura dei secoli XVII-XIX. E l'indebolimento dell'influenza della chiesa e dello stile di vita secolare (moltiplicato dallo sviluppo del protestantesimo) ha permesso la nascita di molti soggetti, stili e tendenze nella pittura (barocco e rococò).

Nel corso dello sviluppo delle belle arti, gli artisti hanno formato molti stili e tecniche che portano a il livello più alto realismo nelle opere. Entro la fine del XIX secolo (con l'avvento delle tendenze moderniste), iniziarono interessanti trasformazioni nella pittura. La disponibilità di educazione artistica, la concorrenza massiccia e le elevate richieste di abilità degli artisti da parte del pubblico (e degli acquirenti) danno origine a nuove direzioni nei modi di espressione. L'arte non è più limitata solo dal livello della tecnica esecutiva, gli artisti si sforzano di portare nelle opere significati speciali, modi di "sguardo" e filosofia. Ciò che spesso va a discapito del livello di prestazione, diventa speculazione o modo scandaloso. La varietà di stili emergenti, discussioni vivaci e persino scandali danno origine allo sviluppo di interesse per nuove forme di pittura.

Le moderne tecnologie di disegno computerizzato (digitale) sono legate alla grafica e non possono essere chiamate pittura, sebbene molti programmi e apparecchiature per computer consentano di ripetere completamente qualsiasi tecnica pittorica con i colori.