Artisti olandesi dei simboli della natura morta del XVII secolo. Squisita natura morta olandese - capolavori di una vita tranquilla

17.02.2019

Giovanni Calvino Giovanni Calvino(1509-1564) - riformatore della chiesa e fondatore di una delle correnti del protestantesimo. La base della chiesa calvinista sono le cosiddette congregazioni - comunità autonome gestite da un pastore, un diacono e anziani scelti tra i laici. Il calvinismo era molto popolare nei Paesi Bassi nel XVI secolo. ha insegnato che le cose di tutti i giorni hanno un significato nascosto e dietro ogni immagine dovrebbe esserci una lezione morale. Gli oggetti raffigurati nella natura morta sono ambigui: erano dotati di sfumature edificanti, religiose o di altro tipo. Ad esempio, le ostriche erano considerate un simbolo erotico, e questo era ovvio per i contemporanei: le ostriche presumibilmente stimolavano la potenza sessuale e Venere, la dea dell'amore, nasceva da un guscio di colpa. Da un lato le ostriche alludevano alle tentazioni mondane, dall'altro un guscio aperto significava un'anima pronta a lasciare il corpo, cioè prometteva salvezza. Regole severe come leggere una natura morta, ovviamente, non esisteva e lo spettatore indovinava sulla tela esattamente quei personaggi che voleva vedere. Inoltre, non bisogna dimenticare che ogni oggetto faceva parte della composizione e poteva essere letto in modi diversi - a seconda del contesto e del messaggio complessivo della natura morta.

fiore natura morta

Fino al XVIII secolo, un mazzo di fiori, di regola, simboleggiava la fragilità, perché le gioie terrene sono transitorie come la bellezza di un fiore. Il simbolismo delle piante è particolarmente complesso e ambiguo, e i libri di emblemi, diffusi in Europa nei secoli XVI-XVII, dove illustrazioni allegoriche e motti erano accompagnati da testi esplicativi, aiutarono a coglierne il significato. composizioni floreali non era di facile interpretazione: lo stesso fiore aveva molti significati, a volte addirittura opposti. Ad esempio, il narciso indicava l'amor proprio e allo stesso tempo era considerato un simbolo della Madre di Dio. Nelle nature morte, di regola, venivano preservati entrambi i significati dell'immagine e lo spettatore era libero di scegliere uno dei due significati o combinarli.

Le composizioni floreali erano spesso integrate con frutti, piccoli oggetti, immagini di animali. Queste immagini esprimevano l'idea principale dell'opera, sottolineando il motivo della caducità, l'appassimento, la peccaminosità di tutto ciò che è terreno e l'imperiturità della virtù.

Jan Davids de Heem. Fiori in un vaso. Tra il 1606 e il 1684 Eremo di Stato

Nella foto di Jan Davidsz de Heem Jan Davids de Heem(1606-1684) Pittore olandese noto per le sue nature morte floreali. alla base del vaso l'artista ha raffigurato simboli di fragilità: fiori appassiti e spezzati, petali sgretolati e baccelli di piselli secchi. Ecco una lumaca: è associata all'anima di un peccatore Tra le altre immagini negative ci sono rettili e anfibi (lucertole, rane), così come bruchi, topi, mosche e altri animali che strisciano sul terreno o vivono nel fango.. Al centro del bouquet vediamo simboli di modestia e purezza: fiori di campo, viole e nontiscordardime. Sono circondati da tulipani, che simboleggiano la bellezza sbiadita e lo spreco insensato (la coltivazione dei tulipani era considerata una delle occupazioni più vane in Olanda e anche non a buon mercato); rose e papaveri lussureggianti, che ricordano la fragilità della vita. La composizione è coronata da due grandi fiori che hanno un significato positivo. L'iride blu rappresenta la remissione dei peccati e indica la possibilità di salvezza attraverso la virtù. Il papavero rosso, tradizionalmente associato al sonno e alla morte, ha cambiato interpretazione a causa della sua collocazione nel bouquet: qui rappresenta il sacrificio espiatorio di Cristo Anche nel Medioevo si credeva che i fiori di papavero crescessero sul terreno irrigato con il sangue di Cristo.. Altri simboli di salvezza sono le spighette di pane e una farfalla posata su uno stelo rappresenta un'anima immortale.

Jan Baumann. Fiori, frutti e una scimmia. Prima metà del XVII secolo Museo di storia e arte di Serpukhov

Dipinto di Jan Bauman Jan (Jean-Jacques) Bauman(1601-1653) - pittore, maestro della natura morta. Ha vissuto e lavorato in Germania e nei Paesi Bassi."Fiori, frutti e una scimmia" - buon esempio stratificazione semantica e ambiguità di una natura morta e oggetti su di essa. A prima vista, la combinazione di piante e animali sembra casuale. In effetti, questa natura morta ricorda anche la caducità della vita e la peccaminosità dell'esistenza terrena. Ogni oggetto raffigurato trasmette una certa idea: una lumaca e una lucertola dentro questo caso indicare la mortalità di tutto ciò che è terreno; un tulipano adagiato vicino a una ciotola di frutta simboleggia un rapido appassimento; le conchiglie sparse sul tavolo suggeriscono uno spreco di denaro In Olanda nel XVII secolo era molto popolare collezionare ogni sorta di “curiosità”, comprese le conchiglie.; e una scimmia con una pesca indica il peccato originale e la depravazione. D'altra parte, una farfalla svolazzante e frutti: grappoli d'uva, mele, pesche e pere - parlano dell'immortalità dell'anima e del sacrificio espiatorio di Cristo. Su un altro livello allegorico, i frutti, i frutti, i fiori e gli animali presentati nell'immagine rappresentano i quattro elementi: conchiglie e lumache - acqua; farfalla - aria; frutti e fiori - la terra; la scimmia è fuoco.

Natura morta in una macelleria

Pietro Artisen. La bottega del macellaio, o La cucina con la fuga in Egitto. 1551 Museo d'arte della Carolina del Nord

L'immagine di una macelleria è stata tradizionalmente associata all'idea di vita fisica, personificazione dell'elemento terra, e anche alla gola. In un dipinto di Peter Aartsen Peter Artsen ( 1508-1575) è stato un pittore olandese, noto anche come Pieter Long. Tra le sue opere ci sono scene di genere storie evangeliche, così come immagini di mercati e negozi. quasi tutto lo spazio è occupato da una tavola stracolma di cibo. Vediamo molti tipi di carne: pollame ucciso e carcasse macellate, fegato e prosciutto, prosciutti e salsicce. Queste immagini simboleggiano la smoderatezza, la gola e l'attaccamento ai piaceri carnali. Ora rivolgiamo la nostra attenzione allo sfondo. Sul lato sinistro del quadro nell'apertura della finestra è collocata la scena evangelica della fuga in Egitto, che contrasta nettamente con la natura morta in primo piano. La Vergine Maria porge l'ultimo pezzo di pane a una povera ragazza. Si noti che la finestra si trova sopra il piatto, dove due pesci giacciono trasversalmente (un simbolo della crocifissione) - un simbolo del cristianesimo e di Cristo. A destra in fondo c'è una taverna. Una compagnia allegra siede a un tavolo accanto al fuoco, beve e mangia ostriche, che, come ricordiamo, sono associate alla lussuria. Una carcassa macellata è appesa accanto al tavolo, a indicare l'inevitabilità della morte e la caducità delle gioie terrene. Un macellaio in camicia rossa diluisce il vino con l'acqua. Questa scena riecheggia l'idea principale della natura morta e si riferisce alla parabola del figliol prodigo. Ricordiamo che ci sono diverse trame nella parabola del figliol prodigo. Uno di loro racconta figlio minore il quale, ricevuto un patrimonio dal padre, vendette tutto e spese denaro per una vita dissoluta.. La scena nell'osteria, così come la macelleria piena di viveri, parla di una vita oziosa, dissoluta, di attaccamento ai piaceri terreni, piacevole per il corpo, ma distruttiva per l'anima. Nella scena della fuga in Egitto, i personaggi sono praticamente rivolti verso lo spettatore: si addentrano nell'inquadratura, allontanandosi dalla macelleria. Questa è una metafora per una fuga da una vita dissoluta piena di gioie sensuali. Rinunciare a loro è un modo per salvare la tua anima.

Natura morta in una pescheria

La natura morta di pesce è un'allegoria dell'elemento acqua. Tali opere, come le macellerie, facevano spesso parte del cosiddetto ciclo dei primi elementi. Nell'Europa occidentale erano comuni grandi cicli pittorici, costituiti da più dipinti e, di regola, appesi in una stanza. Ad esempio, il ciclo delle stagioni (dove l'estate, l'autunno, l'inverno e la primavera sono stati rappresentati con l'ausilio di allegorie) o il ciclo degli elementi (fuoco, acqua, terra e aria). e, di regola, venivano creati per decorare le sale da pranzo del palazzo. Dipinti di Frans Snyders in primo piano Frans Snyders(1579-1657) - Pittore fiammingo, autore di nature morte e composizioni animalesche barocche."Fish Shop" raffigura molti pesci. Ci sono posatoi e storioni, carassi, pesci gatto, salmoni e altri frutti di mare. Alcuni sono già stati tagliati, altri aspettano il loro turno. Queste immagini di pesci non portano alcun sottotesto: cantano la ricchezza delle Fiandre.

Frans Snyders. Pescheria. 1616

Accanto al ragazzo vediamo un cesto con i doni che ha ricevuto per il giorno di San Nicola Nel cattolicesimo, il giorno di San Nicola si celebra il 6 dicembre. In questa festa, come a Natale, i bambini ricevono regali.. Ciò è indicato da scarpe rosse di legno legate al cesto. Oltre a dolci, frutta e noci, ci sono delle bacchette nel cestino - come accenno all'educazione "bastone e carota". Il contenuto del cestino parla di gioie e dolori vita umana, che si sostituiscono costantemente. La donna spiega al bambino che i bambini obbedienti ricevono doni, mentre i bambini cattivi ricevono punizioni. Il ragazzo indietreggiò inorridito: pensava che invece dei dolci avrebbe ricevuto colpi con le verghe. Sulla destra vediamo aprirsi una finestra in cui si vede la piazza della città. Un gruppo di bambini sta sotto le finestre e saluta gioiosamente il giullare fantoccio sul balcone. Il giullare è un attributo essenziale delle feste popolari.

Natura morta con tavola imbandita

In numerose varianti di apparecchiare la tavola sulle tele dei maestri olandesi, vediamo pane e torte, noci e limoni, salsicce e prosciutti, aragoste e gamberi, piatti con ostriche, pesce o conchiglie vuote. Puoi capire queste nature morte a seconda dell'insieme di oggetti.

Gerrit Willems Heda. Prosciutto e argenteria. 1649 Museo Statale di Belle Arti. AS Pushkin

In un dipinto di Gerrit Willems Heda Gerrit Willems Heda(1620-1702) pittore di nature morte e figlio del pittore Willem Klas Heda. vediamo un piatto, una brocca, un alto calice di vetro e un vaso rovesciato, un vasetto di senape, un prosciutto, un tovagliolo sgualcito e un limone. Questo è il set tradizionale e preferito di Kheda. La collocazione degli oggetti e la loro scelta non sono casuali. Gli utensili d'argento simboleggiano le ricchezze terrene e la loro futilità, il prosciutto - i piaceri carnali, l'aspetto attraente e l'acido all'interno del limone rappresentano il tradimento. Una candela spenta indica fragilità e caducità. esistenza umana, pasticcio sul tavolo - alla distruzione. Un "flauto" di vetro alto (nel XVII secolo tali bicchieri erano usati come misurino con segni) è fragile, come la vita umana, e allo stesso tempo simboleggia la moderazione e la capacità di una persona di controllare i propri impulsi. In generale, in questa natura morta, come in tante altre "colazioni", con l'ausilio di oggetti si gioca il tema della vanità delle vanità e dell'insensatezza dei piaceri terreni.

Pietro Clas. Natura morta con braciere, aringhe, ostriche e pipa fumante. 1624 Sotheby's / Collezione privata

La maggior parte degli oggetti raffigurati in una natura morta di Pieter Claesz Pietro Clas(1596-1661) - Pittore olandese, autore di numerose nature morte. Insieme a Kheda, è considerato il fondatore della scuola di natura morta di Harlem con i suoi dipinti monocromi geometrici. sono simboli erotici. Ostriche, pipa, vino rimandano a brevi e dubbi piaceri carnali. Ma questa è solo una versione della lettura di una natura morta. Diamo un'occhiata a queste immagini da un'angolazione diversa. Quindi, le conchiglie sono simboli della fragilità della carne; una pipa con la quale non solo fumavano, ma anche soffiavano bolla, è un simbolo di morte improvvisa. Il contemporaneo di Claes, il poeta olandese Willem Godschalk van Fockenborch, nella poesia "La mia speranza è fumo" ha scritto:

Come puoi vedere, essere è come fumare la pipa,
E qual è la differenza - davvero non lo so:
Uno è solo un gioco da ragazzi, l'altro è solo fumo. Per. Evgeny Vitkovskij

Il tema della caducità dell'esistenza umana si contrappone all'immortalità dell'anima, ei segni della fragilità si rivelano improvvisamente simboli di salvezza. Il pane e il bicchiere di vino sullo sfondo sono associati al corpo e al sangue di Gesù e indicano il sacramento del sacramento. L'aringa - un altro simbolo di Cristo - ci ricorda il digiuno e il cibo a digiuno. E i gusci aperti con le ostriche possono cambiare il loro significato negativo nell'esatto opposto, denotando l'anima umana, separata dal corpo e pronta per entrare nella vita eterna.

Diversi livelli di interpretazione degli oggetti dicono in modo discreto allo spettatore che una persona è sempre libera di scegliere tra lo spirituale, l'eterno e il transitorio terreno.

Vanitas, o natura morta "scienziata".

Il genere della cosiddetta natura morta "scientifica" era chiamato vanitas - in latino significa "vanità delle vanità", in altre parole - " Memento mori" ("Memento mori"). Questo è il tipo più intellettuale di natura morta, allegoria dell'eternità dell'arte, della fragilità della gloria terrena e della vita umana.

Jurian van Streck. Vanità. 1670 Museo Statale di Belle Arti. AS Pushkin

Spada ed elmo con un lussuoso pennacchio in un dipinto di Jurian van Streck Jurian van Streck(1632-1687) - Pittore residente ad Amsterdam, noto per le sue nature morte e i suoi ritratti. indicare la caducità della gloria terrena. Il corno da caccia simboleggia le ricchezze che non possono essere portate con te in un'altra vita. Nelle nature morte "scientifiche" ci sono spesso immagini di libri aperti o fogli con iscrizioni che giacciono con noncuranza. Non solo ti invitano a pensare agli oggetti raffigurati, ma ti permettono anche di usarli per lo scopo previsto: leggere pagine aperte o riprodurre musica registrata in un taccuino musicale. Van Streck ha raffigurato uno schizzo della testa di un ragazzo e un libro aperto: questa è la tragedia di Sofocle "Electra", tradotta in olandese. Queste immagini indicano che l'arte è eterna. Ma le pagine del libro sono piegate e il disegno è ammaccato. Questi sono segni dell'inizio del danno, suggerendo che anche l'arte non sarà utile dopo la morte. Il teschio parla anche dell'inevitabilità della morte, ma la spiga di pane che lo avvolge simboleggia la speranza per la risurrezione e la vita eterna. Entro la metà del XVII secolo, un teschio intrecciato con una spiga di pane o un'edera sempreverde sarebbe diventato un soggetto obbligatorio per la rappresentazione nelle nature morte in stile vanitas.

Fonti

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Zvezdina Yu.N. Emblematici nel mondo della natura morta antica. Al problema della lettura del simbolo.
Tarasov Yu.A. Natura morta olandese del XVII secolo.
Shcherbacheva M.I. Natura morta nella pittura olandese.
immagine visiva e significato nascosto. Allegorie ed emblemi nelle pitture delle Fiandre e dell'Olanda II metà del XVI- XVII secolo. Catalogo della mostra. Museo Pushkin im. AS Pushkin.

L'emergere del genere "natura morta" nei Paesi Bassi è un dono del protestantesimo. In epoca cattolica, la Chiesa era la principale committente degli artisti e, naturalmente, la pittura si limitava a soggetti religiosi ed edificanti. Il calvinismo non riconosceva le icone e l'arte della chiesa in generale. I pittori stavano guardando nuovo mercato vendita, e lo trovò nelle case di locandieri, mercanti e contadini.

In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti venivano chiamati "stillleven", che può essere tradotto sia come "natura morta, modello", sia come "vita tranquilla", che trasmette molto accuratamente le specificità Natura morta olandese.
Il centro dell'attenzione degli artisti è sceso dal cielo alla terra, ora erano interessati non a pie riflessioni, ma a uno studio attento dei dettagli del mondo materiale. Ma nella Creazione cercavano il Creatore.

“Il Signore ci ha dato due libri: il libro della Scrittura e il libro della Creazione. Dal primo apprendiamo della Sua grazia del Salvatore, dal secondo - della grandezza del Creatore", ha scritto il filosofo medievale Alan di Lille. Anche la creazione partecipa alla storia della salvezza: l'uomo è caduto attraverso la mela, e attraverso il pane e il vino riacquista la salvezza. Anche il simbolismo contenuto nell'immagine è rimasto dalle tradizioni precedenti.

I primi ancora sono semplici: pane, bicchiere di vino, frutta, pesce, pancetta. Ma tutti gli oggetti in essi contenuti sono simbolici: il pesce è un simbolo di Gesù Cristo; carne - carne mortale; coltello: un simbolo della vittima; limone: un simbolo di sete inappagata; poche noci in un guscio: un'anima legata dal peccato; la mela ricorda la caduta; vino o uva - un simbolo di sangue; il pane è un simbolo della carne di Cristo. La fragilità dell'esistenza terrena è ricordata da insetti, teschi umani, piatti rotti e selvaggina morta, spesso inclusa nella composizione delle tele. La conchiglia è una conchiglia lasciata da una creatura che un tempo la abitava, i fiori appassiti sono simbolo di morte. Una farfalla nata da un bozzolo significa resurrezione.

Come risultato delle attività della Compagnia Olandese delle Indie Orientali, che equipaggiava navi mercantili Lontano est, spezie, porcellane cinesi, seta e altri beni esotici venivano venduti nei negozi olandesi. Inoltre, si formarono colonie olandesi al Capo di Buona Speranza, in Indonesia, Suriname, Antille, in tutta l'Asia. Le colonie arricchirono il paese e le nature morte iniziarono a riempirsi di ricchezze terrene: tovaglie di tappeti, calici d'argento, madreperla. Il cibo semplice è stato sostituito da ostriche, prosciutto, frutta esotica. Il simbolismo lascia il posto all'ingenua ammirazione per la creazione delle mani dell'uomo.

Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. Nell'ambito del genere della natura morta, c'era persino una divisione secondo Argomenti Selezionati, inoltre, diverse città avevano i loro tipi preferiti di nature morte, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava radicalmente la sua arte e iniziava a scrivere quelle varietà del genere che erano popolari in questo luogo.

Haarlem divenne il luogo di nascita del aspetto caratteristico Natura morta olandese - "colazione". I dipinti di Pieter Claesz raffigurano una tavola imbandita con piatti e stoviglie. Un piatto di peltro, un'aringa o un prosciutto, una focaccia, un bicchiere di vino, un tovagliolo stropicciato, un limone o un tralcio d'uva, posate: una selezione parsimoniosa e precisa di oggetti crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona.

La presenza di una persona è indicata dal disordine "pittoresco" introdotto nella disposizione delle cose e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuta dalla trasmissione dell'ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-brunastro unisce gli oggetti in un'unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti individuali di una persona, del suo stile di vita.

Allo stesso modo di Klas, ha lavorato un altro Harleman, Willem Heda. Il colore dei suoi quadri è ancora più subordinato all'unità di tono, è dominato da un tono grigio-argento, fissato dall'immagine di utensili in argento o peltro. Per questa colorata moderazione, i dipinti iniziarono a essere chiamati "colazioni monocromatiche".

A Utrecht, un magnifico ed elegante fiore natura morta. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, famoso soprattutto per la sua scrittura meticolosa e la colorazione chiara.

L'Università di Leiden ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davidsz de Heem, oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrene (armature, libri, attributi artistici, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono affiancati da un teschio o da una clessidra come un ricordo della caducità della vita.

A metà del secolo, il tema delle modeste "colazioni" si trasforma nelle opere di Willem van Elst, Willem Kalf e Abraham van Beyeren in lussuosi "banchetti" e "dessert". Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per l'eleganza e la ricchezza che si è affermato nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni "monocromatiche" vengono sostituite da colori succosi, colorati e saturi, caldi e dorati.

Insieme alla pittura di paesaggio, la natura morta, caratterizzata da un carattere intimo, si diffuse in Olanda nel XVII secolo. Gli artisti olandesi hanno scelto un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, hanno saputo comporli perfettamente, rivelare le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claesz (circa 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose varianti di "colazioni", raffiguranti prosciutti, focacce rosse, torte di more, fragili calici di vetro semipieni di vino, con sorprendente abilità nel trasmettere il colore, il volume, la consistenza di ogni oggetto. La recente presenza dell'uomo è palpabile nel disordine, nella disposizione accidentale delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è attentamente studiata e trovata. Una discreta gamma tonale grigio-oro, oliva unifica i soggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro azzurro.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda lasciano il posto ai “dolci” degli artisti olandesi Abraham van Beijeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beieren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche, colorate. Willem Kalf per tutta la vita ha scritto in modo libero e democratico "cucine" - pentole, verdure e selezione aristocratica di squisiti oggetti preziosi, nature morte piene di nobiltà contenuta, come vasi d'argento, calici, conchiglie sature di bruciature interne di colori.
A ulteriori sviluppi la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in una decorazione della casa di clienti di alto rango. Con tutta la decorazione e l'abilità dell'esecuzione, le tarde nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale, la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo, danno origine a una tendenza a convergere con le visioni estetiche della nobiltà francese, portano all'idealizzazione delle immagini artistiche, alla loro raffinatezza. L'arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo la sua base realistica ed entrando in un periodo di lungo declino. Fortemente esausta nelle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di maggior centro artistico.

L'opera di Frans Hals e il ritratto olandese della prima metà del XVII secolo.

Frans Hals(olandese. Frans Hals, MPA: [ˈfrɑns ˈɦɑls]) (1582/1583, Anversa - 1666, Haarlem) - un eccezionale ritrattista della cosiddetta età d'oro dell'arte olandese.

1 Biografia
2 Fatti interessanti
3 Galleria
4 Note
5 Letteratura
6 collegamenti

Biografia

"Ritratto di famiglia di Isaac Massa e sua moglie"

Hals nacque intorno al 1582-1583 dal tessitore fiammingo François Frans Hals van Mechelen e dalla sua seconda moglie Adriantje. Nel 1585, dopo la caduta di Anversa, la famiglia Hals si trasferì ad Haarlem, dove l'artista visse tutta la sua vita.

Negli anni 1600-1603, il giovane artista studiò con Karel van Mander, sebbene l'influenza di questo rappresentante del manierismo non sia rintracciata nelle opere successive di Hals. Nel 1610 Hals divenne membro della corporazione di St. Luca e inizia a lavorare come restauratrice presso il comune cittadino.

Hals creò il primo ritratto nel 1611, ma Hals divenne famoso dopo il dipinto "Il banchetto degli ufficiali della compagnia di fucilieri di St. Giorgio" (1616).

Nel 1617 sposò Lisbeth Rainers.

“Il primo stile di Hals è caratterizzato da una predilezione per i toni caldi, una chiara modellazione delle forme con l'aiuto di tratti pesanti e densi. Negli anni Venti del Seicento, Hals, insieme ai ritratti, dipinse scene di genere e composizioni su temi religiosi” (“L'evangelista Luca”, “L'evangelista Matteo”, circa 1623-1625)”.

Louvre "Zingaro", Parigi

Negli anni 1620-1630. Hals ha dipinto una serie di ritratti, che raffigurano rappresentanti del gente comune("Giullare con liuto", 1620-1625, "Allegro compagno di bevute", "Malle Babbe", "Zingaro", "Mulatto", "Ragazzo pescatore"; tutto intorno al 1630).

L'unico ritratto a figura intera è "Ritratto di Willem Heithuissen" (1625-1630).

“Nello stesso periodo, Hals ha radicalmente riformato il ritratto di gruppo, rompendo con i sistemi compositivi convenzionali, introducendo nelle opere elementi di situazioni di vita che forniscono un collegamento diretto tra l'immagine e lo spettatore (“Banchetto di ufficiali della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano", 1623-27 circa; "Banchetto degli ufficiali della compagnia fucilieri di San Giorgio", 1627, "Ritratto di gruppo della compagnia fucilieri di Sant'Adriano", 1633; "Ufficiali della compagnia fucilieri di San Giorgio", 1633; . Giorgio", 1639)." Non volendo lasciare Haarlem, Hals rifiutò gli ordini se ciò richiedeva di andare ad Amsterdam. L'unico ritratto di gruppo che iniziò ad Amsterdam doveva essere terminato da un altro artista.

Negli anni 1620-1640, periodo di massima popolarità, Hals scrisse molto doppi ritratti coppie di sposi: il marito sul ritratto a sinistra e la moglie a destra. L'unico quadro in cui gli sposi sono raffigurati insieme è "Ritratto di famiglia di Isacco Massa e sua moglie" (1622).

"I reggenti della casa di cura"

Nel 1644 Hals divenne presidente della Corporazione di St. Luca. Nel 1649 completò un ritratto di Descartes.

“Le caratteristiche psicologiche si approfondiscono nei ritratti degli anni Quaranta del Seicento. (“Reggenti dell'Ospedale di Santa Elisabetta”, 1641, ritratto giovanotto, circa 1642-50, "Jasper Schade van Westrum", circa 1645); nella colorazione di queste opere comincia a predominare un tono grigio-argento. Lavori successivi I Khalsa vengono eseguiti in modo molto libero e risolti in modo parsimonioso. combinazione di colori, costruito sui contrasti dei toni del bianco e del nero ("Uomo in abiti neri", 1650-52 circa, "V. Cruz", 1660 circa); in alcuni di essi si manifestava un sentimento di profondo pessimismo ("Regents of the Asylum", "Regents of the Asylum", entrambi - 1664)."

“In vecchiaia, Hals ha smesso di ricevere ordini ed è caduto in povertà. L'artista morì nell'ospizio di Haarlem il 26 agosto 1666.

La più grande collezione di dipinti dell'artista si trova nel Museo Hals di Haarlem.

Il fondatore del ritratto realistico olandese fu Frans Hals (Hals) (circa 1580-1666), il cui patrimonio artistico, con la sua nitidezza e il potere di abbracciare il mondo interiore di una persona, va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista dalle ampie vedute, audace innovatore, ha distrutto i canoni del ritratto di tenuta (nobile) del XVI secolo che si era sviluppato prima di lui. Non gli interessava una persona raffigurata secondo la sua posizione sociale in una posa maestosa-solenne e un costume da cerimonia, ma una persona in tutta la sua essenza naturale, caratteristica, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni. Nei ritratti di Hals sono rappresentati tutti i settori della società: borghesi, tiratori, artigiani, rappresentanti delle classi inferiori della società, dalla parte di quest'ultimo, le sue speciali simpatie, e nelle loro immagini ha mostrato la profondità di un potente pieno talento di sangue. Il democratismo della sua arte è dovuto ai legami con le tradizioni dell'era della rivoluzione olandese. Hals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con i loro modi senza cerimonie, il potente amore per la vita. Hals ha ampliato la portata del ritratto introducendo elementi della trama, catturando la persona ritratta in azione, in una specifica situazione di vita, sottolineando le espressioni facciali, i gesti, la postura, colti istantaneamente e con precisione. L'artista ha cercato la forza emotiva e la vitalità delle caratteristiche del ritratto, il trasferimento della loro energia incontenibile. Hals non solo ha riformato i ritratti su commissione e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto al limite genere quotidiano.
Hals è nato ad Anversa, poi si è trasferito ad Haarlem, dove ha vissuto tutta la vita. Era una persona allegra, socievole, gentile e spensierata. Il volto creativo di Khals si formò all'inizio degli anni '20 del XVII secolo. La popolarità diffusa gli fece guadagnare ritratti di gruppo di ufficiali della compagnia di fucilieri di St. George (1627, Harlem, Frans Hals Museum) e della compagnia di fucilieri di St. Adrian (1633, ibid.). Durante la festa vengono presentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Allegro, con un tocco di umorismo, l'umore unisce ufficiali di caratteri e modi diversi. Non c'è un personaggio principale qui. Tutti i presenti sono uguali partecipanti alla celebrazione. Hals ha superato la connessione puramente esterna dei personaggi, caratteristica dei ritratti dei suoi predecessori. L'unità della composizione asimmetrica si ottiene attraverso una comunicazione vivace, una libertà illimitata di disposizione delle figure unite da un ritmo ondulatorio.
Con brillantezza e forza, il pennello energico dell'artista scolpisce volumi di forme. flussi luce del sole scivolare sui volti, brillare in pizzo e seta, brillare negli occhiali. La gamma colorata, dominata da abiti neri e colletti bianchi, è ravvivata da sonore baltee da ufficiale giallo oro, lilla, blu e rosa. Pieni di coscienza della propria dignità e allo stesso tempo gesticolando liberamente, naturalmente, compaiono i borghesi olandesi dai ritratti di Hals, che trasmettono uno stato immediatamente colto. Braccia sui fianchi, un ufficiale con un cappello a tesa larga sorride con fervore (1624, Londra, collezione Wallace). La naturalezza e la vivacità della posa, la nitidezza dei tratti, la massima abilità nell'uso del contrasto del bianco e del nero nella pittura conquistano.
I ritratti di Hals sono diversi per temi e immagini. Ma i ritratti sono uniti da tratti comuni: l'integrità della natura, l'amore per la vita. Hals è un pittore della risata, un sorriso allegro e contagioso. Con gioia frizzante, l'artista ravviva i volti dei rappresentanti della gente comune, dei visitatori delle osterie e dei ragazzi di strada. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono sguardi e gesti verso lo spettatore.
Il respiro amante della libertà è alimentato dall'immagine dello "Zingaro" (1630 circa, Parigi, Louvre). Hals ammira l'orgoglioso atterraggio della sua testa in un'aureola di capelli soffici, un sorriso seducente, un vivace scintillio nei suoi occhi, un'espressione di indipendenza. Il profilo vibrante della silhouette, i raggi di luce che scivolano, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata la zingara, riempiono l'immagine con il brivido della vita. Ritratto di Malle Babbe (inizio 1630, Berlino - Dahlem, Galleria di foto), la proprietaria della taverna, soprannominata non a caso la "strega di Harlem", si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo furbo e ardente, che si volta bruscamente e sorride ampiamente, come se rispondesse a uno dei clienti abituali della sua taverna. Un minaccioso gufo incombe in una cupa sagoma sulla sua spalla. Colpiscono la nitidezza, le visioni dell'artista, la forza cupa e la vitalità dell'immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica, la succosità della pennellata angolare aumentano l'ansia della scena.
Entro la metà del XVII secolo, i cambiamenti avvenuti nella società olandese erano chiaramente indicati; man mano che in essa si rafforza la posizione della borghesia, che ha perso il contatto con le masse, essa diventa sempre più conservatrice. L'atteggiamento dei clienti borghesi a artisti realisti. Anche Hals perse la sua popolarità, la cui arte democratica divenne estranea alla rinata borghesia, correndo dietro la moda aristocratica.
L'ottimismo che afferma la vita del maestro è stato sostituito da profonda riflessione, ironia, amarezza, scetticismo. Il suo realismo divenne psicologicamente più profondo e critico, la sua abilità più raffinata e perfetta. Anche la colorazione di Hals è cambiata, acquisendo maggiore moderazione; nella prevalente gamma tonale grigio-argento, fredda, tra bianco e nero, piccole macchie di colore rosato o rosso, individuate con precisione, acquistano una sonorità speciale. La sensazione di amarezza, delusione è palpabile nel "Ritratto di un uomo vestito di nero" (1660 circa, San Pietroburgo, Hermitage), in cui le più fini sfumature colorate del viso si arricchiscono e prendono vita accanto a sobrie, quasi toni monocromatici in bianco e nero.
Il risultato più alto di Hals sono i suoi ultimi ritratti di gruppo dei reggenti e dei reggenti (fiduciari) della casa di cura, eseguiti nel 1664, due anni prima della morte dell'artista, che finì la sua vita da solo nel rifugio. Pieno di vanità, freddo e devastato, assetato di potere e spavaldo, seduto al tavolo del vecchio fiduciario del gruppo “Ritratto dei reggenti dell'asilo per anziani” (Harlem, Frans Hals Museum. La mano del vecchio artista inconfondibilmente accuratamente applica pennellate libere e rapide.La composizione è diventata calma e rigorosa.La scarsità dello spazio, la disposizione delle figure, la luce uniformemente diffusa, illuminando ugualmente tutti i raffigurati, contribuiscono a mettere a fuoco le caratteristiche di ciascuno di essi.La cromia è laconico con una predominanza di toni neri, bianchi e grigi. Gli ultimi ritratti di Hals stanno accanto alle creazioni più straordinarie del mondo ritratto dipinto: il loro psicologismo è vicino ai ritratti del più grande dei pittori olandesi - Rembrandt, che, come Hals, sopravvisse alla gloria della sua vita, entrando in conflitto con l'élite borghese della società olandese.

Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. In gioventù venne ad Haarlem, dove visse quasi ininterrottamente fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni Trenta del Seicento, Amsterdam). Poco si sa della vita di Hals. Nel 1610 entrò nella Corporazione di San Luca e nel 1616 nella Camera degli oratori (attori dilettanti). Hals divenne rapidamente uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem.
Nei secoli XV-XVI. nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dominanti, personaggi famosi e artisti. L'arte di Khals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un ricco cittadino, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare il raffigurato, l'importante per lui è la loro naturalezza e originalità. I suoi nobili si comportano in modo disinibito come i rappresentanti degli strati inferiori della società, raffigurati nei dipinti di Hals come persone allegre, non prive di autostima.
Un posto importante nell'opera del pittore è occupato da un ritratto di gruppo. I migliori lavori i ritratti di ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio (1627) e della compagnia di fucilieri di Sant'Adriano (1633) divennero questo genere. Ogni personaggio nei dipinti ha la sua brillante personalità e, allo stesso tempo, queste opere si distinguono per la loro integrità.
Hals dipinse anche ritratti su misura, in cui i ricchi borghesi e le loro famiglie sono posti in pose rilassate ("Ritratto di Isaac Massa", 1626; "Ritratto di Hethuisen", 1637). Le immagini di Hals sono vivaci e dinamiche, sembra che le persone nei ritratti parlino con un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.
I rappresentanti dell'ambiente popolare nei ritratti di Hals si distinguono per vivida espressività e immediatezza. Nelle immagini di ragazzi di strada, pescatori, musicisti e frequentatori di osterie si avverte la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo "zingaro" è notevole. Una giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il cui sguardo sornione è rivolto a un interlocutore invisibile al pubblico. Hals non idealizza la sua modella, ma l'immagine di una zingara allegra e spettinata delizia con il suo fascino vivace.
Molto spesso i ritratti di Hals includono elementi della scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o giocano strumenti musicali("I ragazzi che cantano", 1624-1625). Con lo stesso spirito, è stata rappresentata la famosa "Malle Babbe" (inizio 1630), presentando il noto proprietario della taverna di Haarlem, che i visitatori chiamavano alle sue spalle la strega di Haarlem. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.
Nel 1640 Il Paese mostra segni di svolta. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha già cessato di essere una classe progressista basata su tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attrae più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hals non ha abbandonato il realismo e la sua popolarità è crollata. Note di tristezza e delusione compaiono nel dipinto di questo periodo ("Ritratto di un uomo con un cappello a tesa larga"). La sua tavolozza diventa più rigorosa e calma.
All'età di 84 anni, Hals crea due dei suoi capolavori: ritratti di gruppo di reggenti (fiduciari) e reggenti di una casa di cura (1664). Queste ultime opere del maestro olandese si distinguono per l'emotività e la brillante individualità delle immagini. Dalle immagini dei reggenti - vecchi e vecchie - si respira tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dalla colorazione, sostenuta nei toni del nero, del grigio e del bianco.
Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua arte veritiera e che afferma la vita grande influenza su molti artisti olandesi.

Dipinto di Rembrandt.

	Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) è stato un pittore, disegnatore e incisore olandese. L'opera di Rembrandt, intrisa del desiderio di una comprensione profondamente filosofica della vita, il mondo interiore di una persona con tutta la ricchezza delle sue esperienze spirituali, segna l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo, una delle vette del mondo cultura artistica. Patrimonio artistico Rembrandt si distingue per un'eccezionale diversità: ha dipinto ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti su temi storici, biblici, mitologici, Rembrandt era maestro consumato disegno e incisione. Dopo un breve studio all'Università di Leida (1620), Rembrandt decise di dedicarsi all'arte e studiò pittura con J. van Swanenbürch a Leida (1620-1623 circa) e P. Lastman ad Amsterdam (1623); nel 1625-1631 lavorò a Leida. I dipinti di Rembrandt del periodo di Leida sono contrassegnati da una ricerca di indipendenza creativa, sebbene mostrino ancora l'influenza di Lastman e dei maestri del caravagismo olandese ("Bringing to the Temple", 1628-1629 circa, Kunsthalle, Amburgo). Nei dipinti "L'apostolo Paolo" (circa 1629-1630, Museo Nazionale, Norimberga) e "Simeone nel tempio" (1631, Mauritshuis, L'Aia), usò per la prima volta il chiaroscuro come mezzo per migliorare la spiritualità e l'espressività emotiva di immagini. Negli stessi anni Rembrandt lavorò intensamente al ritratto, studiando le espressioni facciali del volto umano. Nel 1632 Rembrandt si trasferì ad Amsterdam, dove presto sposò la ricca patrizia Saskia van Uylenburgh. Gli anni Trenta del Seicento sono un periodo di felicità familiare e di grande successo artistico di Rembrandt. Il dipinto "The Anatomy Lesson of Dr. Tulp" (1632, Mauritshuis, L'Aia), in cui l'artista ha risolto in modo innovativo il problema ritratto di gruppo, conferendo alla composizione una vita disinvolta e unendo i ritratti in un'unica azione, portò a Rembrandt una grande fama. Nei ritratti dipinti da numerosi ordini, Rembrandt van Rijn ha trasmesso con cura i tratti del viso, i vestiti, i gioielli (dipinto "Ritratto di un Burgrave", 1636, Galleria di Dresda).

Negli anni Quaranta del Seicento si stava preparando un conflitto tra il lavoro di Rembrandt e le limitate esigenze estetiche della società contemporanea. Si manifestò chiaramente nel 1642, quando il dipinto “ La Guardia notturna" (Rijksmuseum, Amsterdam) ha provocato le proteste dei clienti che non hanno accettato l'idea principale del maestro - invece del tradizionale ritratto di gruppo, ha creato una composizione eroicamente elevata con una scena dell'esibizione della corporazione dei tiratori in allarme , cioè. essenzialmente un quadro storico che evoca ricordi della lotta di liberazione del popolo olandese. L'afflusso di ordini da Rembrandt sta diminuendo, le circostanze della sua vita sono oscurate dalla morte di Saskia. L'opera di Rembrandt sta perdendo la sua vistosità esteriore e le note di maggiore insite in essa in precedenza. Dipinge scene bibliche e di genere calme, calde e intime, rivelando le sottili sfumature delle esperienze umane, i sentimenti di vicinanza spirituale e familiare ("David and Jonathan", 1642, "The Holy Family", 1645, entrambi nell'Eremo, St. Pietroburgo).

Il miglior gioco di chiaroscuro, che crea un'atmosfera speciale, drammatica, emotivamente intensa, sta diventando sempre più importante sia nella pittura che nella grafica di Rembrandt (il monumentale foglio grafico "Cristo guarisce il malato" o "Foglia di cento fiorini", circa 1642- 1646; paesaggio aereo e luminoso dinamico “Tre alberi”, acquaforte, 1643). Il 1650, pieno di tempi difficili per Rembrandt le prove della vita, apre il periodo della maturità creativa dell'artista. Rembrandt si rivolge sempre più al genere del ritratto, raffigurante le persone a lui più vicine (numerosi ritratti della seconda moglie di Rembrandt, Hendrickje Stoffels; "Ritratto di una donna anziana", 1654, Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo; "Il figlio di Tito che legge", 1657 , Kunsthistorisches Museum, Vienna).

A metà del 1650, Rembrandt acquisì una matura abilità pittorica. Gli elementi di luce e colore, indipendenti e anche in parte opposti nelle prime opere dell'artista, ora si fondono in un unico insieme interconnesso. La calda massa rosso-marrone, ora lampeggiante, ora sbiadita, tremolante di vernice luminosa esalta l'espressività emotiva delle opere di Rembrandt, come se le riscaldasse con un caldo sentimento umano. Nel 1656 Rembrandt fu dichiarato fallito, tutta la sua proprietà fu venduta all'asta. Si è trasferito nel quartiere ebraico di Amsterdam, dove ha trascorso il resto della sua vita in circostanze estremamente anguste. Creato da Rembrandt nel 1660 composizioni bibliche riassumere le sue riflessioni sul senso della vita umana. In episodi che esprimono lo scontro tra oscurità e luce nell'animo umano ("Assur, Haman and Ester", 1660, The Pushkin Museum, Mosca; "The Fall of Haman" o "David and Uriah", 1665, State Hermitage Museum, St. . Pietroburgo), la ricca gamma calda, lo stile flessibile e impastato della scrittura, l'intenso gioco di ombre e luci, la trama complessa della superficie colorata servono a rivelare conflitti complessi ed esperienze emotive, ad affermare il trionfo del bene sul male.

Il dipinto storico "The Conspiracy of Julius Civilis" ("The Conspiracy of the Batavis", 1661, un frammento è stato conservato, il Museo Nazionale, Stoccolma) è intriso di grave dramma ed eroismo. Nell'ultimo anno della sua vita, Rembrandt ha creato il suo capolavoro maggiore- dipinto monumentale “Ritorno figliol prodigo” (circa 1668-1669, State Hermitage Museum, San Pietroburgo), che incarnava tutte le questioni artistiche e morali dell'ultimo lavoro dell'artista. Con incredibile abilità, ricrea in esso un'intera gamma di complessi e profondi sentimenti umani, subordinati mezzi artistici rivelando la bellezza della comprensione umana, della compassione e del perdono. Il culmine del passaggio dalla tensione dei sentimenti alla risoluzione delle passioni si incarna in pose scultoree espressive, gesti meschini, nella struttura emotiva del colore che lampeggia brillantemente al centro dell'immagine e svanisce nello spazio ombreggiato dello sfondo. Il grande pittore, disegnatore e incisore olandese Rembrandt van Rijn morì il 4 ottobre 1669 ad Amsterdam. L'influenza dell'arte di Rembrandt fu enorme. Ha influenzato il lavoro non solo dei suoi allievi diretti, di cui Karel Fabritius si è avvicinato maggiormente alla comprensione del maestro, ma anche sull'arte di ogni artista olandese più o meno significativo. L'arte di Rembrandt ha avuto un profondo impatto sullo sviluppo di tutta l'arte realistica mondiale in seguito.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn(olandese. Rembrandt Harmenszoon van Rijn[ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə (n) soːn vɑn ˈrɛin], 1606-1669) - Pittore, disegnatore e incisore olandese, Grande maestro chiaroscuro, il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. Riuscì a incarnare nelle sue opere l'intera gamma di esperienze umane con una tale ricchezza emotiva, che le belle arti non conoscevano prima di lui. Le opere di Rembrandt, estremamente diverse nel genere, aprono allo spettatore il mondo spirituale senza tempo delle esperienze e dei sentimenti umani.

1 Biografia

1.1 Anni di apprendistato
1.2 Influenza di Lastman e dei caravagisti
1.3 Workshop a Leida
1.4 Generazione proprio stile
1.5 Successo ad Amsterdam
1.6 Dialogo con gli italiani
1.7 Guardia notturna
1.8 Periodo di transizione
1.9 Il tardo Rembrandt
1.10 Lavori recenti

2 Problemi di attribuzione
3 studenti di Rembrandt
4 fama postuma
5 Al cinema
6 Note
7 collegamenti

Biografia

Anni di apprendistato

Rembrandt Harmenszoon ("figlio di Harmen") van Rijn nacque il 15 luglio 1606 (secondo alcune fonti, nel 1607) in una numerosa famiglia di un ricco proprietario di mulini Harmen Gerritszoon van Rijn a Leida. La famiglia della madre rimase fedele alla fede cattolica anche dopo la Rivoluzione olandese.

"Allegoria della musica" del 1626 - un esempio dell'influenza di Lastman sul giovane Rembrandt

A Leida, Rembrandt ha frequentato la scuola latina all'università, ma ha mostrato il massimo interesse per la pittura. All'età di 13 anni fu incaricato di studiare belle arti dal pittore storico di Leida Jacob van Swanenbürch, cattolico per fede. Le opere di Rembrandt di questo periodo non sono state identificate dai ricercatori e rimane aperta la questione dell'influenza di Swanenbürch sulla formazione del suo stile creativo: oggi si sa troppo poco di questo artista di Leida.

Nel 1623 Rembrandt studiò ad Amsterdam con Pieter Lastman, che si era formato in Italia e si era specializzato in materie storiche, mitologiche e bibliche. Tornato a Leida nel 1627, Rembrandt, insieme al suo amico Jan Lievens, aprì il proprio laboratorio e iniziò a reclutare studenti. Nel giro di pochi anni, ha guadagnato una notevole fama.

Willem Klas Hedda. Natura morta con torta, 1627

L'età "d'oro" della natura morta fu il XVII secolo, quando finalmente prese forma come genere indipendente pittura, specialmente nel lavoro degli olandesi e artisti fiamminghi. Allo stesso tempo, il termine "vita tranquilla e congelata" sembrava riferirsi a nature morte (olandese stilleven, tedesco Stilleben, inglese still-life). I primi "stilleven" erano semplici nella trama, ma anche allora gli oggetti raffigurati su di essi portavano e carico semantico: il pane, un bicchiere di vino, il pesce sono simboli di Cristo, un coltello è simbolo di sacrificio, un limone è simbolo di sete inappagata; noci in un guscio - un'anima legata dal peccato; la mela ricorda la caduta.

A poco a poco, il linguaggio simbolico dell'immagine si è arricchito.

Franciscus Geisbrechts, XVII secolo

I simboli trovati sulle tele avevano lo scopo di ricordare la fragilità della vita umana e la caducità dei piaceri e delle conquiste:

Il teschio ricorda l'inevitabilità della morte.

I frutti marci sono un simbolo dell'invecchiamento.

I frutti maturi simboleggiano la fertilità, l'abbondanza, in figuratamente ricchezza e prosperità.

Numerosi frutti hanno il loro significato: l'autunno è indicato da pere, pomodori, agrumi, uva, pesche e ciliegie e, naturalmente, una mela. Fichi, prugne, ciliegie, mele o pesche hanno sfumature erotiche.

Germogli di grano, rami di edera o alloro (raro) - un simbolo di rinascita e il ciclo della vita.

Conchiglie di mare, a volte lumache vive: il guscio di un mollusco è i resti di un animale un tempo vivente, significa morte e fragilità.

La lumaca strisciante è la personificazione del peccato mortale della pigrizia.

I grandi molluschi denotano la dualità della natura, simbolo della lussuria, un altro dei peccati capitali.

Bolle di sapone: brevità della vita e repentinità della morte; un riferimento all'espressione homo bulla - "un uomo è una bolla di sapone".

Candela fumante estinguente (estremità di cenere) o lampada a olio; un berretto per spegnere le candele: una candela accesa è un simbolo anima umana, il suo sbiadimento simboleggia la partenza.

tazze, giocando a carte o ossa, scacchi (raramente) - un segno di un obiettivo di vita errato, una ricerca del piacere e una vita peccaminosa. Parità di opportunità in gioco d'azzardo significava anche riprovevole anonimato.

Una pipa da fumo è un simbolo di piaceri terreni fugaci e sfuggenti.

Maschera di carnevale - è un segno dell'assenza di una persona al suo interno. Destinato anche a una mascherata festosa, un piacere irresponsabile.

Specchi, sfere di vetro (specchio): uno specchio è un simbolo di vanità, inoltre è anche un segno di riflesso, ombra e non un fenomeno reale.

Beyeren. Natura morta con aragosta, 1667

Piatti rotti, di solito calici di vetro. Un bicchiere vuoto, opposto a uno pieno, simboleggia la morte.

Il vetro simboleggia la fragilità, la porcellana bianca come la neve - la purezza.

Il mortaio e il pestello sono simboli della sessualità maschile e femminile.

La bottiglia è un simbolo del peccato di ubriachezza.

Coltello: ricorda la vulnerabilità di una persona e la sua mortalità.

Clessidra e orologio meccanico: la caducità del tempo.

Strumenti musicali, note: la brevità e la natura effimera della vita, un simbolo delle arti.

Libri e Mappe geografiche(mappa mundi), penna da scrittura - un simbolo delle scienze Un globo, sia la terra che il cielo stellato.

Una tavolozza con pennelli, una corona di alloro (di solito sulla testa di un teschio) sono simboli di pittura e poesia.

Le lettere simboleggiano le relazioni umane.

Gli strumenti medici ricordano le malattie e la fragilità del corpo umano.

Portamonete, portagioie: gioielli e cosmetici sono progettati per creare bellezza, attrattiva femminile, allo stesso tempo sono associati alla vanità, al narcisismo e al peccato mortale dell'arroganza. Segnalano anche l'assenza dei loro proprietari sulla tela.

Armi e armature sono un simbolo di potere e potenza, una designazione di ciò che non può essere portato con te nella tomba.

Corone e tiare papali, scettri e poteri, ghirlande di foglie sono segni di transitorio dominio terreno, che si oppone all'ordine celeste del mondo. Come le maschere, simboleggiano l'assenza di chi le indossava.

Chiavi: simboleggiano il potere di una casalinga che gestisce le scorte.

Rovine: simboleggiano la vita transitoria di coloro che un tempo le abitavano.

Insetti, uccelli e animali erano spesso raffigurati nelle nature morte. Mosche e ragni, ad esempio, erano considerati simboli di avarizia e malvagità, e lucertole e serpenti erano considerati simboli di inganno. Gamberi o aragoste personificavano le vicissitudini del destino o della saggezza.

Jacques Andrè Joseph Aved. Circa 1670.

Il libro - la tragedia di Sofocle "Elettra" - in questo caso il simbolo è ambiguo. Inserendolo nella composizione, l'artista richiama l'inevitabilità della punizione per qualsiasi crimine non sulla terra, ma in cielo, poiché la tragedia è permeata di questo pensiero. Il motivo antico in tali nature morte simboleggiava spesso la continuità dell'arte. Sul frontespizio sta il nome del traduttore, il famoso poeta olandese Jost van den Vondel, le cui opere in antico e racconti biblici erano così attuali che fu persino perseguitato. È improbabile che l'artista abbia collocato Vondel per caso: è possibile che, parlando della vanità del mondo, abbia deciso di menzionare la vanità del potere.

La spada e l'elmo sono l'emblema della gloria militare transitoria.

Il bianco con un pennacchio rosso è il centro compositivo dell'immagine. Le piume significano sempre vanità e vanità. L'immagine è datata dall'elmo con il pennacchio. Lodewijk van der Helst nel 1670 raffigurato in un tale elmo sul ritratto postumo dell'ammiraglio Sterlingwerf. L'elmo dell'ammiraglio è presente in molte altre nature morte di van Streck.

Ritratto di una sanguigna. A differenza dell'olio, la sanguigna è molto mal conservata, così come la carta, a differenza della tela. Questo foglio parla dell'inutilità degli sforzi dell'artista, i bordi consumati e strappati sono progettati per rafforzare questa idea.

La frangia dorata è la vanità del lusso.

Teschio - nella cultura antica, un attributo di Kronos (Saturno), cioè un simbolo del tempo. Anche la Ruota della fortuna era raffigurata con un teschio. Per i cristiani è un segno di vanità mondana, contemplazione mentale della morte, attributo della vita eremitica. Con lui raffigurato San Francesco d'Assisi, San Girolamo, Maria Maddalena, l'apostolo Paolo. Anche il teschio è un simbolo vita eterna Cristo crocifisso sul Calvario, dove, secondo la leggenda, fu sepolto il teschio di Adamo. Un orecchio avvolto attorno a un teschio è un simbolo dell'immortalità dell'anima ("Io sono il pane della vita" - Giovanni 6:48), speranza per la vita eterna.

Una pila di carte logore è la vanità della conoscenza.

Un corno da polvere su una catena è un soggetto molto caratteristico per una natura morta olandese. Qui, a quanto pare, dovrebbe essere interpretato come qualcosa che porta la morte, in contrasto con la cornucopia

Adrian van Utrecht. "Vanitas". 1642.

mughetti, viole, nontiscordardime circondati da rose, garofani, anemoni - simboli di modestia e purezza;

un grande fiore al centro della composizione è la “corona della virtù”;

i petali sgretolati vicino al vaso sono segni di fragilità;

un fiore appassito è un accenno alla scomparsa dei sentimenti;

iris - un segno della Vergine;

rose bianche - amore platonico e simbolo di purezza;

rose rosse - un simbolo di amore appassionato e un simbolo della Vergine;

i fiori rossi sono un simbolo del sacrificio espiatorio di Cristo;

giglio bianco non solo bel fiore, ma anche simbolo della purezza della Vergine Maria;

blu e fiori blu- un ricordo del cielo azzurro;

cardo - un simbolo del male;

garofano - un simbolo del sangue versato di Cristo;

papavero - un'allegoria del sonno, dell'oblio, simbolo di uno dei peccati capitali - la pigrizia;

anemone: aiuto nella malattia;

tulipani - simbolo di una bellezza che sta rapidamente scomparendo, la coltivazione di questi fiori era considerata una delle attività più vane e futili; tulipano simboleggiava anche amore, simpatia, comprensione reciproca; tulipano bianco - falso amore, tulipano rosso - amore appassionato (in Europa e in America, il tulipano è associato alla primavera, alla luce, alla vita, ai colori ed è considerato un fiore accogliente e amichevole, in Iran, Turchia e altri paesi dell'est, il tulipano associato a sentimenti di amore ed erotismo).

Natalia MARKOVA,
capo del dipartimento di grafica del Museo Pushkin im. A, S, Pushkin

Natura morta nell'Olanda del XVII secolo

Possiamo dire che il tempo ha agito come l'obiettivo di una fotocamera: con un cambiamento nella lunghezza focale, la scala dell'immagine è cambiata fino a quando nell'inquadratura sono rimasti solo gli oggetti e l'interno e le figure sono state espulse dall'immagine. "Cornici" con una natura morta si trovano in molti dipinti di artisti olandesi del XVI secolo. È facile da rappresentare nella forma autopittura una tavola apparecchiata tratta dal Ritratto di famiglia di Martin van Heemskerck (1530 circa. Musei statali, Kassel) o un vaso di fiori tratto da una composizione di Jan Brueghel il Vecchio. Lo stesso Jan Brueghel ha fatto qualcosa del genere, scrivendo all'inizio del XVII secolo. le prime nature morte di fiori indipendenti. Sono apparsi intorno al 1600 - questa volta è considerata la data di nascita del genere.

Martin Van Hemskerk. Ritratto di famiglia. Frammento. OK. 1530. Musei statali, Kassel.

In quel momento il di va per definirlo non esisteva ancora. Il termine "natura morta" è nato in Francia nel XVIII secolo. e tradotto letteralmente significa "natura morta", "natura morta" (nature morte). In Olanda, i dipinti raffiguranti oggetti venivano chiamati "stillleven", che può essere tradotto sia come "natura morta, modello", sia come "vita tranquilla", che trasmette molto più accuratamente le specificità della natura morta olandese. Ma questo concetto generale è entrato in uso solo dal 1650, e prima di allora i dipinti venivano chiamati secondo la trama dell'immagine: b lumentopf - un vaso di fiori, banketje - una tavola apparecchiata, fruytage - frutti, toebackje - nature morte con accessori per fumatori, doodshoofd - dipinti raffiguranti teschi. Già da questa enumerazione si evince quanto grande fosse la varietà degli oggetti raffigurati. In effetti, l'intero mondo oggettivo che li circonda sembrava riversarsi sui dipinti degli artisti olandesi.

Abramo van Beuren. Natura morta con aragoste. XVII secolo.Kunsthaus, Zurigo

Nell'arte, ciò significò una rivoluzione non inferiore a quella che fecero gli olandesi in campo economico e sociale, avendo conquistato l'indipendenza dal potere della Spagna cattolica e creando il primo stato democratico. Mentre i loro contemporanei in Italia, Francia, Spagna si concentravano sulla creazione di enormi composizioni religiose per altari di chiese, dipinti e affreschi sui soggetti dell'antica mitologia per sale del palazzo, gli olandesi dipingevano piccoli quadri con vedute degli angoli del loro paesaggio natale, balli durante una vacanza in villaggio o un concerto casalingo nella casa di un borghese, scene in una taverna rurale, per strada o in una casa di appuntamenti, tavoli imbanditi con colazione o dolce, cioè la natura è "bassa", senza pretese, non oscurata dalla tradizione poetica antica o rinascimentale, tranne forse per la poesia olandese contemporanea. Il contrasto con il resto d'Europa era impressionante.

I dipinti venivano raramente creati su ordinazione, ma per lo più venduti liberamente nei mercati per tutti e avevano lo scopo di decorare le stanze delle case dei cittadini e persino dei residenti rurali, di quelli più ricchi. Successivamente, nel XVIII e XIX secolo, quando la vita in Olanda divenne più difficile e scarsa, questi dipinti domestici furono ampiamente venduti all'asta e prontamente acquisiti nelle collezioni reali e aristocratiche di tutta Europa, da dove alla fine migrarono nei più grandi musei del mondo . Quando a metà del XIX secolo. gli artisti di tutto il mondo si sono rivolti a rappresentare la realtà che li circondava, dipinti di maestri olandesi del XVII secolo. è servito da modello per loro in tutti i generi.

Jan Venix. Natura morta con pavone bianco. 1692. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo

Una caratteristica della pittura olandese era la specializzazione degli artisti per genere. All'interno del genere della natura morta, c'era persino una divisione in argomenti separati, e diverse città avevano i loro tipi di natura morta preferiti, e se il pittore si trasferiva in un'altra città, spesso cambiava radicalmente la sua arte e iniziava a dipingere quelle varietà di il genere che era popolare in questo posto.

Haarlem divenne il luogo di nascita del tipo più caratteristico di natura morta olandese: la "colazione". I dipinti di Pieter Claesz raffigurano una tavola imbandita con piatti e stoviglie. Un piatto di peltro, un'aringa o un prosciutto, una focaccia, un bicchiere di vino, un tovagliolo stropicciato, un limone o un tralcio d'uva, posate: una selezione parsimoniosa e precisa di oggetti crea l'impressione di una tavola apparecchiata per una persona. La presenza di una persona è indicata dal disordine "pittoresco" introdotto nella disposizione delle cose e dall'atmosfera di un accogliente interno residenziale, ottenuta dalla trasmissione dell'ambiente luce-aria. Il tono dominante grigio-brunastro unisce gli oggetti in un'unica immagine, mentre la natura morta stessa diventa un riflesso dei gusti individuali di una persona, del suo stile di vita.

Abramo van Beuren. Colazione. XVII secolo. Museo Pushkin im. Pushkin, Mosca

A Utrecht si sviluppò una lussureggiante ed elegante natura morta di fiori. I suoi principali rappresentanti sono Jan Davids de Heem, Justus van Huysum e suo figlio Jan van Huysum, famoso soprattutto per la sua scrittura meticolosa e la colorazione chiara.

A L'Aia, centro dell'industria marittima, Pieter de Putter e il suo allievo Abraham van Beyeren perfezionarono l'immagine dei pesci e degli altri abitanti del mare; L'Università di Leiden ha creato e migliorato il tipo di natura morta filosofica "vanitas" (vanità delle vanità). Nei dipinti di Harmen van Steenwijk e Jan Davidsz de Heem, oggetti che incarnano gloria e ricchezza terrene (armature, libri, attributi artistici, utensili preziosi) o piaceri sensuali (fiori, frutti) sono affiancati da un teschio o da una clessidra come un ricordo della caducità della vita. Una natura morta da "cucina" più democratica ha avuto origine a Rotterdam nel lavoro di Floris van Schoten e Francois Reykhals, e le sue migliori realizzazioni sono associate ai nomi dei fratelli Cornelis e Herman Saftleven.

A metà del secolo, il tema delle modeste "colazioni" si trasforma nelle opere di Willem van Aelst, Urian van Streck e, in particolare, Willem Kalf e Abraham van Beyeren, in lussuosi "banchetti" e "dessert". Calici dorati, porcellane cinesi e maioliche di Delft, tovaglie di tappeti, frutti del sud sottolineano il gusto per l'eleganza e la ricchezza che si è affermato nella società olandese a metà del secolo. Di conseguenza, le colazioni "monocromatiche" vengono sostituite da colori succosi, colorati e saturi, caldi e dorati. L'influenza del chiaroscuro di Rembrandt fa risplendere i colori nei dipinti di Kalf dall'interno, poetizzando il mondo oggettivo.

Willem Kalf. Natura morta con calice - nautilus e ciotola Porcellana cinese. Museo Thyssen - Bornemisza, Madrid

I maestri dell'immagine dei "trofei di caccia" e dei "cantieri degli uccelli" erano Jan-Baptiste Veniks, suo figlio Jan Veniks e Melchior de Hondekuter. Questo tipo di natura morta divenne particolarmente diffuso nella seconda metà - fine del secolo in connessione con l'aristocratizzazione dei borghesi: la sistemazione dei possedimenti e l'intrattenimento con la caccia. dipingere due ultimi artisti mostra un aumento della decoratività, del colore, del desiderio di effetti esterni.

La straordinaria capacità dei pittori olandesi di trasmettere il mondo materiale in tutta la sua ricchezza e diversità è stata apprezzata non solo dai contemporanei, ma anche dagli europei nei secoli XVIII e XIX, che hanno visto nelle nature morte, prima di tutto, e solo questa brillante maestria di trasmettere la realtà. Tuttavia, per gli stessi olandesi XVII secolo queste immagini erano cariche di significato, offrivano cibo non solo per gli occhi, ma anche per la mente. I dipinti sono entrati in dialogo con il pubblico, raccontando loro importanti verità morali, ricordando loro l'inganno delle gioie terrene, l'inutilità delle aspirazioni umane, indirizzando i loro pensieri a riflessioni filosofiche sul significato della vita umana.