Jan van Eyck e suo fratello maggiore Hubert van Eyck furono i fondatori del Rinascimento olandese. Di Hubert non si sa quasi nulla. Jan era suo allievo, prestò servizio come pittore di corte all'Aia alla corte di Giovanni di Baviera nel 1422-1425. Successivamente lavorò alla corte di Filippo il Buono, duca di Borgogna, viaggiò in Portogallo e in Spagna per le sue missioni diplomatiche .
Dal 1430 si stabilì a Bruges, dove iniziò l'attività creativa. C'è un'opinione controversa secondo cui il lavoro di van Eyck è iniziato con il lavoro sulle miniature del Libro d'ore Torino-Milano Chegodaev A.D. General History of Arts, Volume 3, 1962. P. 586 ..
L'opera che segnò l'inizio del Rinascimento nei Paesi Bassi - l'altare di Gand nella Cattedrale di San Bavone - fu completata nel 1432. Nel suo livello superiore è raffigurata la scena dell'Annunciazione, in quello inferiore - le figure di Giovanni il Battista e Giovanni Evangelista. Su entrambi i lati ci sono i ritratti del donatore Joss Wade, un borghese di Gents, e di sua moglie. I colori del lato esterno dell'altare sono piuttosto contenuti, soprattutto nelle immagini dei Giovanni, mentre la sua parte interna è piena di colori chiari e luminosi. Qui, nella fila superiore, è raffigurato Dio Padre in trono, a sinistra ea destra di lui sono la Madre di Dio e Giovanni Battista, inchinati in preghiera; più avanti su entrambi i lati ci sono angeli musicali e Adamo ed Eva completano la fila. Sul livello inferiore al centro c'è una scena di adorazione dell'agnello sacrificale, che simboleggia il sacrificio di Cristo per l'umanità, a sinistra del quale sono i giusti dell'Antico Testamento ea destra gli apostoli. Poi vengono i papi e i vescovi, i monaci ei laici completano la fila.
Nei giorni feriali, essendo chiuso, l'altare appare severo e sobrio. Nei giorni festivi si aprivano le porte dell'altare ei parrocchiani potevano vedere scene piene di colori allegri, realizzate con la tecnica della pittura a olio. L'azione della composizione centrale si svolge su un prato verde circondato da boschetti, che è un'immagine del paradiso terrestre.
Altre composizioni d'altare di Jan van Eyck sono più sobrie, da camera, ma hanno anche un'armoniosa combinazione di amore per la vita rinascimentale e rigore religioso medievale.
Alcuni dei dipinti più famosi di van Eyck sono la Madonna del cancelliere Rolin (1435 circa) e la Madonna del canonico van der Pale (1436). In entrambi questi dipinti c'è una sorta di realismo mistico. Nella prima opera, sullo sfondo vediamo un vasto paesaggio di una grande città con un fiume e campi infiniti, e al centro della composizione c'è Nicholas Rolin, inchinato in preghiera davanti alla Madre di Dio. Lo spazio del secondo, al contrario, si concentra nella cornice di una piccola chiesa angusta. Qui, a destra della Madonna, è raffigurato Georg van der Pale. In entrambe le composizioni, le immagini dei donatori testimoniano la separazione del ritratto in un genere indipendente. Si ritiene che uno dei fondatori di questo genere sia stato Jan van Eyck, che in seguito divenne uno dei primi grandi maestri della ritrattistica del Rinascimento settentrionale.
Uno dei famosi ritratti di van Eyck è "Timothy", noto anche come "Ritratto di un uomo" (1432). Raffigura un uomo dallo sguardo inespressivo, ma allo stesso tempo irrimediabilmente misterioso. Questa nota è tipica per altri ritratti dell'artista, ad esempio "L'uomo con il turbante rosso" (1433) e il ritratto di sua moglie Margarita van Eyck (1439).
Epoca nell'opera dell'artista fu il "Ritratto dei coniugi Arnolfini" (1434), raffigurante una coppia di sposi al momento del matrimonio. Il mercante Giovanni Arnolfini e sua moglie Giovanna sono raffigurati nella vita di tutti i giorni - a casa. Ma l'immagine è piena di simboli e dei più piccoli dettagli che indicano l'esclusività del momento.
Ad esempio, sul pavimento sono raffigurate due paia di scarpe - questo piccolo dettaglio ci rimanda all'Antico Testamento: “E Dio disse: non venire qui; togliti i calzari dai piedi, perché il luogo sul quale stai è terra santa” (“Esodo”, 3:5) Pentateuco di Mosè. Torah; L'Antico Testamento, la Bibbia.. L'artista mostra che al momento il pavimento della loro stanza è il suolo sacro per gli sposi, poiché in esso viene celebrato il sacramento del matrimonio. La concentrazione di posture, espressioni facciali e mani giunte indicano anche la solennità dell'occasione.
Il lavoro di Jan van Eyck ha introdotto molte nuove tendenze nello sviluppo delle belle arti nei Paesi Bassi e in altri paesi europei. È ancora subordinato alla religiosità medievale, ma porta già un interesse per il lato materiale, quotidiano della vita umana quotidiana, sottolinea il significato dell'uomo nel mondo.
Van Eyck, Jan, pittore olandese. Uno dei fondatori dell'arte del primo Rinascimento nei Paesi Bassi, Jan van Eyck nel 1422-1424 lavorò alla decorazione del castello del conte a L'Aia, nel 1425 divenne pittore di corte del duca di Borgogna Filippo il Buono, nel 1427 visitò la Spagna, nel 1428-1429 il Portogallo. Intorno al 1430, Jan van Eyck si stabilì a Bruges.
L'opera più grande di van Eyck è la famosa "Pala di Gand", iniziata, secondo un'iscrizione successiva sulle porte esterne, dal fratello maggiore di van Eyck Hubert (lavorò negli anni Venti del Quattrocento a Gand, morì intorno al 1426) e terminata da Jan nel 1432. Jan van Eyck è uno dei primi maestri del ritratto in Europa, che si è distinto nel suo lavoro come genere indipendente. Busto, solitamente raffigurante un modello di tre quarti, ritratti di van Eyck (“Timothy”, 1432, “Portrait of a Man in a Red Turban”, 1433, entrambi alla National Gallery, Londra; ritratto della moglie dell'artista Margareta , 1439, Pinacoteca Comunale, Bruges) si distinguono la rigorosa semplicità e la raffinatezza dei mezzi espressivi. Il trasferimento imparzialmente veritiero e attento dell'aspetto di una persona è subordinato in essi a una divulgazione vigile e penetrante dei tratti principali del suo carattere. Jan van Eyck ha creato il primo ritratto in coppia nella pittura europea: un'immagine del mercante Giovanni Arnolfini e di sua moglie, intrisa di un simbolismo complesso e allo stesso tempo di un sentimento intimo e lirico.
Rimane aperto il problema della partecipazione dell'artista Hubert van Eyck ai lavori sull'altare: secondo la maggior parte dei ricercatori avrebbe potuto iniziare i lavori solo sulla parte centrale dell'altare, ma in generale i lavori furono eseguiti da Jan van Eyck. Nonostante la presenza di caratteristiche arcaiche e gotiche in una serie di scene dell'altare, la "Pala di Gand" ha aperto una nuova era nello sviluppo dell'arte dei Paesi Bassi. Il complesso simbolismo religioso si traduce in immagini concrete, vitalmente convincenti e tangibili. Con eccezionale realismo ed espressività nuda e cruda, le figure nude di Adamo ed Eva sono raffigurate sulle porte esterne dell'altare. Le figure di angeli cantanti e suonanti sui pannelli laterali si distinguono per una convincente tangibilità plastica. Gli sfondi paesaggistici nella scena "Adorazione dell'Agnello" al centro dell'altare risaltano con sottile poesia, padronanza del trasferimento dello spazio e dell'ambiente luce-aria.
L'apice del lavoro di van Eyck sono le monumentali pale d'altare "Madonna del cancelliere Rolin" (circa 1436, Louvre, Parigi) e "Madonna del canonico van der Pale" (1436, Pinacoteca municipale, Bruges). Sviluppando e arricchendo le conquiste dei suoi predecessori, in primo luogo R. Campin, trasforma la tradizionale scena di adorazione della Madre di Dio in un'immagine maestosa e colorata del mondo visibile, reale, pieno di calma contemplazione. L'artista è ugualmente interessato alla persona in tutta la sua individualità unica e al mondo che lo circonda. Nelle sue composizioni, ritratti, paesaggi, interni e nature morte agiscono alla pari e formano un'unità armoniosa. L'estrema completezza e allo stesso tempo la generalizzazione della pittura rivelano il valore intrinseco e la bellezza di ogni oggetto, che nell'opera di van Eyck acquista peso e volume reali, una caratteristica trama superficiale. I dettagli e l'insieme sono in un rapporto organico: elementi architettonici, arredi, piante fiorite, tessuti lussuosi ornati di pietre preziose, come se incarnassero particelle dell'infinita bellezza dell'universo: un paesaggio panoramico pieno di luce e aria nella "Madonna della Chancellor Rolen” è percepito come un'immagine collettiva dell'Universo.
L'arte di Van Eyck è intrisa di una profonda comprensione dell'esistenza come incarnazione logica della provvidenza di Dio, la cui espressione era una costruzione rigorosa, ponderata e allo stesso tempo vitale e naturale della composizione, piena di un sottile senso di proporzione spaziale. La soluzione dei problemi creativi che van Eyck deve affrontare ha richiesto lo sviluppo di nuovi mezzi di espressione artistica. Uno dei primi ha padroneggiato le possibilità plastiche della pittura a olio, utilizzando strati di vernice sottili e traslucidi, posti uno sopra l'altro (il modo fiammingo della pittura trasparente a più strati). Questo metodo pittorico ha permesso a van Eyck di ottenere un'eccezionale profondità, ricchezza e luminosità del colore, sottigliezza di luci e ombre e transizioni colorate. I toni sonori, intensi, puri dei colori nei dipinti di van Eyck, permeati di aria e luce, formano un unico insieme armonioso.
Il lavoro dell'artista van Eyck, che ha ricreato in modo più vivido la bellezza e la diversità vivente dell'universo, ha determinato in larga misura i percorsi per l'ulteriore sviluppo della pittura olandese, la gamma dei suoi problemi e interessi. La potente influenza dell'arte di van Eyck fu vissuta non solo dagli olandesi, ma anche dai maestri italiani del Rinascimento (Antonello da Messina).
Le prime informazioni documentate su Jan van Eyck risalgono ai primi anni 1420, quando lavorava a L'Aia su ordine del sovrano d'Olanda, Giovanni di Baviera. Dal 1425 divenne pittore di corte di Filippo il Buono, duca di Borgogna. Per suo conto, visita la Spagna e il Portogallo nel 1427-1429, dove avrebbe dovuto dipingere ritratti di principesse, possibili spose del duca. Purtroppo questi ritratti non sono pervenuti fino a noi, ma il fatto stesso di tale compito indica che l'artista si è affermato come abile ritrattista già negli anni Venti del Quattrocento.
I ritratti superstiti di Jan van Eyck risalgono al decennio successivo. Ci permettono di considerarlo il più significativo maestro della ritrattistica del Nord Europa dell'epoca. In sostanza, ha trasformato questa forma d'arte da un'arte secondaria in un genere indipendente. Queste opere sono di dimensioni piuttosto ridotte ed eseguite ad olio su tavola di legno. La tecnica della pittura a olio, conosciuta nei Paesi Bassi e prima, fu straordinariamente migliorata da van Eyck. Il famoso pittore e storico dell'arte italiano del XVI secolo, Giorgio Vasari, considerava addirittura il maestro olandese l'inventore dei colori ad olio. Utilizza infatti nuove composizioni, ottenendo una speciale profondità e luminosità del colore. Sottili strati colorati trasparenti sono stati sovrapposti ad una leggera verniciatura di fondo, creando un effetto di stupefacente purezza e luminosità della gamma cromatica.
Nella maggior parte dei casi, van Eyck fornisce un'immagine della persona ritratta all'altezza del petto, mostrandola in un calmo giro di tre quarti. Lo sfondo del ritratto è solitamente scuro, neutro, mentre la figura, e soprattutto il volto, sono illuminati da una luce morbida e diffusa, in cui i tratti caratteristici dell'aspetto della modella acquistano una straordinaria realtà vitale. Tale, ad esempio, è uno dei primi di questa serie, "Ritratto del cardinale Albergati" (1431-1432, Vienna, Museo di Storia dell'Arte). È anche interessante che per lui sia stato conservato solo un disegno preparatorio dell'artista, chiaramente eseguito dal vero, con le note più dettagliate del maestro che determinano la combinazione di colori del ritratto. Un confronto tra un ritratto pittorico e uno pittorico mostra che l'artista, mentre si sforza di seguire fedelmente la natura, vuole allo stesso tempo rivelare i tratti più profondi del carattere del modello.
Se nel disegno lo spettatore percepisce l'eroe come un uomo anziano e di buon carattere, allora nel dipinto appare come una persona sobria, riservata, immersa nei suoi pensieri. Alla ricerca della monumentalità e del significato dell'immagine, il maestro utilizza le possibilità del colore. Quasi metà della superficie pittorica del ritratto è occupata dalla macchia rossa dei paramenti cardinalizi. Accanto ad un altro accento plastico - il volume luminoso di una grande testa, crea una sensazione di particolare stabilità della figura seduta. Una tecnica simile - una combinazione di un punto luminoso dell'abbigliamento e un volto evidenziato dalla luce, è anche caratteristica di altri ritratti a busto del maestro ("Ritratto di Margaret van Eyck, moglie dell'artista", 1439, Bruges, Groeninge Museum).
Un posto speciale nella ritrattistica di Jan van Eyck è "Ritratto degli Arnolfini" (1434, Londra, National Gallery). La giovane coppia è raffigurata a figura intera, all'interno della propria stanza. Prima che lo spettatore appaia persone reali nel loro ambiente quotidiano. Convincente, come sempre con Eick, l'autenticità dell'aspetto è qui combinata con un senso di solennità dell'azione in corso. La maestosa calma delle pose, il gesto dimostrativo delle mani toccanti di un uomo e di una donna indicano che è rappresentato il momento della conclusione di un contratto di matrimonio. Sorprendente l'osservazione dell'artista, la capacità di trasmettere le intime esperienze emotive del raffigurato, come se non si trovasse davanti all'artista, ma davanti all'altare. La giovane sposa, con timida e gentile creduloneria, mette la mano nella mano dello sposo. Lo stesso con tutto il suo aspetto, la postura calma e sicura, il gesto dell'altra mano alzata in un giuramento, ispira fiducia nella forza e nell'affidabilità dell'alleanza che si sta concludendo. Una nuova parola nell'arte del ritratto è l'esposizione di persone ritratte in un ambiente domestico, che rende il dipinto legato alla pittura di genere. È vero, molti oggetti, insieme a caratteristiche puramente quotidiane, hanno un significato simbolico "parlante" (ad esempio, un paio di scarpe di legno simboleggia l'inseparabilità e una frusta vicino al muro - la purezza della sposa, un cane ai piedi del raffigurato - un'allegoria della fedeltà, ecc.). Lo spazio della stanza non è chiuso: dietro una stretta fascia di una finestra, data in forte prospettiva, si intravede un pezzo di città, e uno specchio tondo convesso al centro della parete di fondo aumenta la profondità della stanza , che riflette le persone che entrano attraverso le porte. Una tecnica simile di gioco spaziale sarà presto adottata da van Eyck da molti seguaci.
L'opera più significativa di Jan van Eyck, che gli ha procurato la massima fama, è il monumentale polittico in più parti, noto come "Altare di Gand" (così chiamato per la sua posizione - la Cattedrale di San Bavone a Gand).
Prima di passare alla storia di questa creazione unica, vale la pena spendere qualche parola sulla storia della forma stessa dell'altare pittorico. Comincia a svilupparsi nel Nord Europa solo dalla fine del XIV secolo. Le volte ogivali del tempio gotico non erano molto favorevoli alla pittura dello spazio interno. Le barriere dell'altare erano solitamente decorate con sculture, rotonde o in rilievo. La tipologia dell'altare si sviluppa gradualmente da più ante lignee dipinte, che potevano essere chiuse per una migliore conservazione della parte centrale, che rimaneva scultorea. L'ulteriore processo di sviluppo della composizione dell'altare portò all'inizio del XV secolo alla creazione di un altare puramente pittoresco. Spesso allo stesso tempo, la pittura delle ali esterne veniva eseguita in grisaglia (monocromatica), come se imitasse la scultura. Il contenuto principale ha iniziato a concentrarsi ora sulle parti interne della piega. Qui l'artista ha potuto rivelare tutto il suo talento compositivo e coloristico.
Secondo l'iscrizione sulla cornice del polittico di Gand, i lavori iniziarono verso la metà degli anni 1420 dal fratello maggiore di Jan, Hubert van Eyck. È autenticamente noto, tuttavia, che già nel 1426 Hubert morì. Così, tutto il lavoro principale per la creazione del maestoso altare ricadde sulla quota del fratello minore, che lo completò nel 1432. Questa creazione era una nuova parola nell'arte del Nord Europa. In queste parti, nulla di simile era stato creato prima in termini di dimensioni, complessità della composizione, copertura del dipinto, per non parlare dell'accattivante perfezione dell'abilità pittorica. La complessità della costruzione dell'altare è straordinaria. Composto da tante ali separate con varie scene della vita celeste e terrena, dà allo stesso tempo un quadro completo dell'universo, come sembrava all'uomo di quel tempo. I parrocchiani della cattedrale potevano vedere l'altare in due stati: nei giorni feriali la sua parte interna principale era chiusa da porte; nei giorni festivi venivano svelati, introducendo lo spettatore ai segreti più profondi della vita, e mostrando anche all'occhio la parte più preziosa della pittura.
Sia la parte interna che quella esterna del polittico sono divise orizzontalmente in due ordini, ciascuno dei quali, a sua volta, è costituito da più immagini indipendenti. La pittura delle porte esterne è quasi monocroma. Nel livello inferiore sono presentate singole figure: al centro - immagini di due Giovanni - il Battista e l'Evangelista, eseguite in grisaille sotto forma di statue. Lungo i bordi ci sono figure inginocchiate - ritratti del committente dell'altare e di sua moglie. Solo i loro vestiti scarlatti di diverse sfumature sono evidenziati a colori. L'ordine superiore è quasi interamente occupato dalla scena dell'Annunciazione, risolta in modo molto anticonvenzionale. Le figure di Maria e dell'Arcangelo sono poste nelle ali esterne, mentre in quelle centrali domina lo spazio luminoso deserto di una stanza ordinaria, e nella finestra aperta si possono vedere le strade di una tipica città olandese con alte case addossate sotto il cielo limpido della sera. Così, qui allo spettatore è stata presentata la vita che si svolge sulla terra.
Quando l'altare si è aperto, lo spettatore si è trovato in un mondo completamente diverso: il mondo celeste, che non può essere visto nella vita reale, ma può essere immaginato solo dall'immaginazione dell'artista-creatore. Ma questa immaginazione era basata su vivide impressioni della realtà, che hanno aiutato il maestro a creare uno spettacolo che affascina con un senso dell'inesauribile ricchezza dell'esistenza terrena e celeste. Anche senza sbirciare nelle singole composizioni, lo spettatore si è trovato in preda a colori radiosi, colori radiosi e armonia di luce.
La composizione principale e più grande del polittico si trova al centro del livello inferiore. Ecco una scena dell'adorazione dell'Agnello sacrificale, un simbolo di Cristo, che morì sulla croce per espiare i peccati dell'umanità. Intorno all'altare ci sono santi e apostoli, giusti e vergini, nelle ali laterali i soldati di Cristo e gli eremiti, giusti giudici e pellegrini. Tutto questo si svolge in un paesaggio soleggiato, su un bel prato verde punteggiato di fiori, delimitato da boschetti, dove la vegetazione del nord si combina con palme e aranci. Le distanze stanno annegando in una foschia blu, sagome di torri cittadine e chiese che si stagliano sullo sfondo di un cielo limpido. Questa è la Gerusalemme celeste e l'intero paesaggio è l'incarnazione delle idee sul paradiso. Ma queste idee si basano su una conoscenza e un amore così profondi per la vera realtà terrena, e la natura e le persone sono trasmesse con tale vitalità e carattere, con un'attenzione così amorevole a ogni volto, a ogni fiore, che non era nell'arte del Nord Europa prima di Jan van Eyck. .
Se il livello inferiore, con tutta l'idea mistica di base, glorifica essenzialmente la bellezza dell'esistenza terrena con tutta la sua diversità e variabilità, allora le immagini principali del livello superiore rappresentano la perfezione eterna e immutabile dei celesti. Al centro c'è un'immagine solennemente maestosa di Dio Padre, ai lati c'è la Madre di Dio come incarnazione della bellezza e della dignità femminile, e Giovanni Battista è il precursore di Cristo. Sono lodati dagli angeli musicali e cantanti. Le sonore macchie di colore delle vesti colorate tempestate di pietre preziose, lo splendore dell'oro e del broccato, i motivi di velluto creano un'immagine abbagliante, improvvisamente chiusa ai bordi dalle figure nude dei progenitori dell'umanità: Adamo ed Eva. Nonostante la bellezza dei loro corpi, raffigurati dall'artista con inedita verosimiglianza, il contrasto tra la nudità naturalistica e le magnifiche vesti regali rafforza il sentimento di insicurezza delle persone nei confronti del peccato. E allo stesso tempo, ponendo i progenitori alla pari del creatore di tutte le cose, il maestro esalta l'intera umanità.
Negli anni successivi, Jan van Eyck si dedicò più di una volta alla creazione di dipinti religiosi, sebbene non così grandiosi e monumentali come la Pala di Gand. Di queste opere, le più famose sono "Madonna del cancelliere Rolin" (1435 circa, Parigi, Louvre) e "Madonna del canonico van der Pale" (1436, Bruges, Museo Groeninge). Come si evince dai titoli, i quadri rappresentano clienti che si rivolgono alla Madre di Dio. Qui l'artista dimostra ancora una volta la sua brillante abilità di ritrattista. L'aspetto di ciascuno è profondamente individuale. Autorità e fiducia in se stessi possono essere chiaramente lette nella persona del cancelliere della Borgogna Nicolas Rolen. Proveniente da una famiglia umile, ha raggiunto una posizione elevata grazie alla sua intelligenza, conoscenza e destrezza negli affari politici e finanziari. Altre caratteristiche sono enfatizzate nel canone van der Pale. Anche questo è un uomo di spirito forte, ma è vecchio e malato, il suo viso è solcato dalle rughe, ci sono vene sclerotiche sulla tempia, ma nei suoi occhi si leggono testardaggine e fermezza di volontà.
I compiti spaziali sono risolti in modo diverso in questi due dipinti, il che potrebbe anche essere dovuto alla differenza nella posizione e nello status dei clienti. Pieno di forza ed energia, il cancelliere è raffigurato in una stanza, la cui parete di fondo è tagliata da un porticato, dietro di essa si apre la vista di un paesaggio lontano: un fiume che scorre in piena che entra nelle profondità dello spazio pittorico, una città sulle sue sponde, figure di persone. E sebbene, come nell '"Altare di Gent", i singoli dettagli abbiano un significato simbolico, nel complesso prevale la gioia dell'artista, e con lui dello spettatore, di fronte alla grandezza, alla bellezza e alla diversità del mondo terreno. Canon van der Pale appare davanti alla Madonna, seduto su un trono in uno spazio ristretto. Conduce un dialogo interno concentrato con lei ed è completamente distaccato dagli interessi e dalle tentazioni della realtà che lo circonda.
L'arte di Jan van Eyck ha espresso con accattivante persuasività la bellezza naturale dell'essere, la dignità spirituale e il valore della persona umana. Ha avuto un enorme impatto sull'ulteriore sviluppo della pittura sia nel suo paese natale che in altri paesi europei.
Lilia Aleshina
Le opere dei maestri della pittura dei secoli passati, create in un'epoca in cui la macchina fotografica non era ancora stata inventata, sono una delle fonti più affidabili di informazioni sulla vita, i costumi, l'aspetto, le preferenze di gusto e altri dettagli della vita del nostro antenati. Spesso confondono i ricercatori e provocano polemiche che non si placano da decenni. Una di queste tele è un dipinto del pittore fiammingo Jan van Eyck.
"Ritratto dei Arnolfini" esposto alla National Gallery di Londra, che lo acquistò nel 1842 per sole 730 sterline.
Qualche parola su Jan van Eyck
L'artista nacque tra il 1385 e il 1390 nella città di Maaseik, nei Paesi Bassi settentrionali. Da giovane ha lavorato a fianco del fratello maggiore Hubert. Era anche un artista di successo ed è considerato uno degli autori della famosa pala d'altare di Gand. Nel 1425, il maestro Jan divenne pittore di corte del duca di Borgogna, Filippo III il Buono. Nel 1431 acquistò una casa nella città di Bruges, dove visse fino alla morte.
È erroneamente considerato il fondatore della pittura a olio. In effetti, ha semplicemente migliorato questa tecnica, ma, indubbiamente, ha fatto molto per farla diventare la principale nei Paesi Bassi, da dove è penetrata in Germania e in Italia.
Giovanni Arnolfini
L'uomo raffigurato nel famoso dipinto dell'artista Jan van Eyck è un ricco mercante della città italiana di Lucca. Anche nella sua prima giovinezza, Giovanni Arnolfini andò a Bruges, dove fondò diverse manifatture tessili producendo abiti costosi per aristocratici. Inoltre, era impegnato in transazioni per l'acquisto / vendita di gioielli, anche con monarchi europei. Si ritiene che alla fine della sua vita Arnolfini abbia subito un fallimento. Continuò però a godere di prestigio tra i mercanti e i ricchi artigiani della città di Bruges e fu spesso invitato anche come arbitro per dirimere dispute economiche.
Descrizione del dipinto di Jan van Eyck “Ritratto degli Arnolfini”
La tela raffigura un uomo e una donna in piedi a una certa distanza l'uno dall'altro nella camera da letto di una casa di città. Il giovane (Giovanni Arnolfini aveva 34 anni al momento in cui scriviamo) è raffigurato quasi a volto intero. La sua mano destra è alzata all'altezza delle spalle, come se stesse per prestare giuramento. La sua signora è in piedi, voltandosi a sinistra. La stanza in cui si trovano è vista dall'alto. Pertanto, l'immagine non ha un unico punto di convergenza degli assi orizzontale e verticale.
Il centro semantico del dipinto di Jan van Eyck "Ritratto degli Arnolfini" sono le mani giunte dei personaggi. Il loro contatto sembra molto cerimoniale. Il pittore ha raffigurato le mani quasi al centro della tela, dando loro così un significato speciale.
Descrizione delle figure
Entrambi i personaggi del dipinto di Jan van Eyck (“Ritratto dei Arnolfini”) sono vestiti a festa. Nel bagno della donna è visibile un lungo strascico ben raddrizzato, il che significa che appartiene a ricchi borghesi. Ha la pancia rotonda. Secondo gli esperti, lui, come la sua postura sotto forma della cosiddetta curva gotica, molto probabilmente non è un segno di gravidanza, ma un tributo alla moda, sottolineando così il vantaggio principale della donna: la fertilità.
L'uomo indossa un cappello cilindrico a corona larga, un gancio di velluto rosso vino foderato di pelliccia e un indumento intimo di tessuto nero costoso. Nonostante il ricco corredo, è ovvio che l'uomo non è un aristocratico. Lo testimoniano i suoi zoccoli di legno, che venivano indossati da chi camminava, mentre i rappresentanti della classe nobile andavano a cavallo o si muovevano su una barella.
Interni
Il dipinto di Van Eyck "Ritratto dei Arnolfini" si distingue per l'attento disegno di tutti i dettagli della stanza raffigurata. Sul pavimento lo spettatore vede un costoso tappeto orientale, un lampadario sul soffitto, uno specchio rotondo sul muro, una parte superiore vetrata della finestra, una panca con arance. Tutto ciò indica che il proprietario è una persona ricca. Dominante nell'ambientazione è un letto con baldacchino.
Il segreto della bella signora
Se tutto è chiaro con l'uomo ritratto da van Eyck (“Ritratto dei Arnolfini”), allora l'identità della dama è in discussione.
Alcuni storici dell'arte considerano il dipinto una prova documentaria del matrimonio del mercante. Allora la signora deve essere sua moglie. Si sa che nel 1426 Arnolfini sposò la tredicenne Constanza Trenta. Tuttavia, nel 1433 morì, cioè al momento del dipinto non era viva. Quindi o è stata raffigurata postuma nella foto, oppure questa è la seconda moglie di Arnolfini, di cui non sono state conservate prove documentali.
C'è anche un'opinione secondo cui la signora nel ritratto è Marguerite van Eyck, e l'uomo è l'artista stesso. Testimonianza indiretta di questa ipotesi è la presenza sulla tela dell'immagine della statuetta di S. Margherita, che si trova accanto al volto della dama. Allo stesso tempo, c'è un'altra versione. Secondo lei, Margarita era la protettrice delle donne durante il parto e la sua immagine accanto all'alcova significa il desiderio di una rapida aggiunta alla famiglia.
Caratteristiche distintive
Il ritratto dei coniugi Arnolfini presenta diversi tratti distintivi. In particolare, è considerato uno dei primi ritratti di matrimonio laici nella storia della pittura europea. Prima della creazione di questa tela, gli artisti non si sono sforzati di rappresentare piccoli dettagli e dettagli quotidiani con la stessa cura che hanno iniziato a fare dopo la comparsa dei dipinti di Jan van Eyck.
Tecnica
Creando "Ritratto dei Arnolfini", Jan van Eyck ha utilizzato colori ad olio. Come già accennato, a quel tempo questa tecnica era una parola nuova nella pittura. Ha permesso di applicare strati di vernice trasparenti uno dopo l'altro e di ottenere la fusione di tratti, ottenendo contorni ammorbiditi. Essendo fluido, l'olio si è asciugato molto più a lungo della tempera utilizzata in precedenza, consentendo di ottenere il massimo realismo e persino l'illusione dello spazio tridimensionale.
Simboli
Nel Medioevo, gli artisti raffiguravano sulle loro tele vari oggetti e segni che trasmettevano ai contemporanei informazioni sulle virtù o sui vizi delle persone raffigurate.
Mentre lavorava al suo famoso dipinto, van Eyck usò anche il linguaggio dei simboli. Il "Ritratto degli Arnolfini" è ancora considerato una delle opere d'arte mondiale più difficili da interpretare, poiché gli esperti fino ad oggi non riescono a raggiungere un consenso sul significato segreto di alcuni dettagli interni:
- Lampadario. La lampada nel dipinto "Ritratto dei Arnolfini" è realizzata in metallo. Ha solo una candela accesa. Lei è al di sopra dell'uomo. Nel fatto che la seconda candela si sia spenta, alcuni storici vedono un indizio che il dipinto raffigura una donna morta.
- Cane. Ai piedi della coppia c'è un cucciolo di Griffon di Bruxelles. È più vicino alla signora e personifica la sua fedeltà a suo marito.
- Finestra. Sebbene i personaggi siano vestiti con abiti caldi foderati di pelliccia, sullo sfondo si può vedere un ciliegio, che ha molti frutti maturi. Molto probabilmente, dovrebbe significare un desiderio di fertilità nel matrimonio.
- arance. Questo è un altro simbolo di fertilità. Potrebbero anche essere usati per sottolineare l'elevato status di proprietà della famiglia.
Specchio
L'elemento simbolico principale raffigurato sulla tela “Ritratto degli Arnolfini” è uno specchio. Mostra il riflesso dei personaggi principali, così come altre due persone. Alcuni ricercatori affermano che l'artista si è raffigurato allo specchio.
Si ritiene che questi siano testimoni del matrimonio, che a quei tempi poteva avvenire senza la partecipazione di un sacerdote firmando un contratto matrimoniale. A proposito, nel fatto che una donna e un uomo si sono tesi la mano sinistra l'uno verso l'altro, gli storici vedono un accenno a un matrimonio ineguale. Nel Medioevo in Europa, tali unioni significavano che in caso di morte del marito, la vedova ei suoi figli non potevano reclamare l'eredità, ma ricevevano solo una piccola quota fissa della sua proprietà. In alcuni paesi esisteva persino un concetto legale di "matrimonio della mano sinistra".
Non meno interessante è la cornice dello specchio. Contiene medaglioni raffiguranti scene della Passione di Cristo. È interessante che queste trame nel Medioevo fossero interpretate come il matrimonio del Salvatore con la chiesa.
La storia della tela fino al XIX secolo
Il dipinto "Ritratto degli Arnolfini" ha una storia complicata. Non è noto se sia stato consegnato al cliente o meno. Secondo i documenti sopravvissuti, all'inizio del XVI secolo il ritratto era di proprietà del cortigiano spagnolo Don Diego de Guevara, che risiedeva stabilmente nei Paesi Bassi. Lo presentò allo stadtholder dei Paesi Bassi spagnoli, Margherita d'Austria. Ha ordinato di fornirle due porte di legno.
Nel 1530 il dipinto "Ritratto dei coniugi Arnolfini" fu ereditato dal successivo stadtholder - Maria d'Ungheria, che lo trasportò in Spagna nel 1556. Il successivo proprietario della tela fu Filippo II. Fino al 1700, il dipinto era nella residenza dei monarchi spagnoli Alcazar. Per fortuna, quando vi scoppiò un incendio nel 1734, il “Ritratto degli Arnolfini”, i cui simboli sono ancora oggetto di controversia, era già a Palazzo Reale. Poi se ne sono perse le tracce.
Il destino del ritratto dopo le guerre napoleoniche
La tela è stata ritrovata nel 1815. Il suo nuovo proprietario, il colonnello britannico James Hay, disse a tutti di aver acquistato il dipinto a Bruxelles. Tuttavia, molti ricercatori ritengono che il "Ritratto degli Arnolfini" fosse in un convoglio con opere d'arte, che i francesi inviarono a Parigi come trofei. Fu catturato dagli inglesi dopo la sconfitta delle truppe di Giuseppe Bonaparte. Gli inglesi, invece di restituire i dipinti e le statue a Madrid, li caricarono su una nave diretta a Londra. Apparentemente, James Hay, che allora comandava il 16 ° Reggimento Dragoni e prese parte alla battaglia con l'esercito del fratello di Napoleone, si appropriò di diversi dipinti confiscati, tra cui la famosa opera di van Eyck.
La storia del dipinto "Ritratto dei Arnolfini" non è finita qui. Nel 1816, il colonnello Hay la portò a Londra e la consegnò al futuro re Giorgio IV "per essere testata". Si sa che il dipinto rimase nelle stanze del Principe Reggente fino alla primavera del 1818, ma poi fu restituito al suo proprietario. Nel 1828, il colonnello consegnò il dipinto a un amico perché lo custodisse e non si seppe nulla del suo destino per i successivi 13 anni.
Nel 1842 la tela fu acquistata per una cifra piuttosto modesta per la National Gallery di Londra, e fino al 1856 vi fu esposta con il titolo "Flemish Man and His Wife". Successivamente, l'iscrizione sulla lastra è stata modificata. Oggi la tela è indicata in tutti i cataloghi come "Ritratto degli Arnolfini", e davanti ad essa si radunano sempre folle di spettatori.
Alcuni documenti testimoniano che il "Ritratto dei Arnolfini" aveva un coperchio superiore in legno raffigurante una fanciulla nuda che compie un bagno rituale della sposa. Era conservato nella collezione di dipinti del cardinale Ottaviani, ma attualmente è perduto. Lo ha descritto lo storico italiano Fazio nel suo De viris illustribus.
Un altro fatto interessante: quando il dipinto di van Eyck è stato studiato sotto la radiazione infrarossa, si è scoperto che tutti i dettagli attribuiti al simbolismo erano completati alla fine del lavoro sulla tela. In altre parole, non rientravano nelle intenzioni del pittore, ma comparvero successivamente, forse su richiesta dei committenti.
Ora conosci il contenuto del dipinto di van Eyck "Ritratto degli Arnolfini". Sicuramente sarà al centro dell'attenzione di tutti coloro a cui piace risolvere misteri storici per molto tempo a venire, quindi è del tutto possibile che ci attendano forti sensazioni.
Ogni persona, anche molto lontana dall'arte, almeno una volta nella vita ha sentito un nome del genere: Jan van Eyck. I suoi dipinti possono essere definiti perfetti nella tecnica e nella selezione dei colori, nella trama e nel realismo. Decorerebbero facilmente le migliori collezioni e le persone esperte di pittura affermano che le tele dell'artista hanno un significato nascosto e sono piene di un mistero che vuoi svelare.
Un po' sul genio del pennello
L'eccezionale artista visse e lavorò nell'era del primo Jan van Eyck, i cui dipinti possono essere studiati per ore, nacque nei Paesi Bassi (ora la città di Maaseik si trova in Belgio) alla fine del XIV secolo. Fu allora che gettò le basi per una nuova tendenza nella pittura art nova, e gli furono insegnate le basi da suo fratello Hubert, ben noto nei circoli degli amanti dell'arte. La buona educazione di Jan può essere giudicata dalle iscrizioni che ha lasciato sulle sue opere. Queste erano parole nella loro nativa fiamminga, francese, greca, latina ed ebraica. E l'artista ha prestato grande attenzione ai più piccoli dettagli, il che dà il diritto di giudicare i poteri di osservazione e la mente acuta di van Eyck.
Riconoscimento nella vita
È noto per certo che Jan van Eyck, i cui dipinti deliziano le persone nel ventunesimo secolo, era popolare anche tra i suoi contemporanei. Nel 1422 lavorò alla corte di Giovanni di Baviera a L'Aia, dove dipinse le stanze del conte. È vero, non è sopravvissuta una sola opera. Quindi il maestro si trasferì nelle Fiandre ed entrò al servizio del duca di Borgogna, che lavorò per sedici anni.
Filippo il Buono affidava spesso all'artista incarichi segreti, il che parla della grande fiducia del duca nel pittore. E ha generosamente dotato l'artista di doni e solidi pagamenti in contanti. Per conto dello stesso Filippo, Jan prese parte ad una missione diplomatica in Portogallo, il cui scopo era tra il duca vedovo e la principessa Isabella. Parallelamente al suo lavoro a corte, Jan van Eyck eseguiva ordini da chiese e monasteri.
Artista innovativo
Per cos'altro è famoso Jan van Eyck (elencheremo i dipinti con i nomi nel nostro articolo)? Il fatto che sia considerato da molti l'inventore dei colori ad olio e il divulgatore delle tecniche di pittura ad olio nel Vecchio Mondo. Il maestro, infatti, ha solo migliorato tali composizioni coloranti, rendendole ad asciugatura rapida e dando loro la possibilità di essere applicate in più strati (compresi quelli trasparenti). Pertanto, sembrava che le sue tele sembrassero brillare dall'interno.
Opere più famose
Molti dipinti di Jan van Eyck. "Madonna in chiesa" è una delle prime opere, è realizzata con la tecnica dell'applicazione di strati in successione su un primer di gesso bianco levigato, verniciato. Pertanto, ha un sorprendente effetto di bagliore interiore. Una piccola tela raffigura la Madre di Dio con Gesù bambino in chiesa. In primo piano è la sagoma femminile della Madonna, sulla cui testa sfoggia una costosa corona. Yang ha disegnato in grande dettaglio le pieghe sulle corone, l'interno del tempio, il gioco di luci e ombre. Questo capolavoro è attualmente conservato a Roma.
Jan van Eyck ha dipinto quadri che possono sembrare strani. Questo è ciò che è considerato il dipinto "Ritratto dei Arnolfini" (1434). A prima vista, questa è una normale immagine raffigurante un uomo e una donna al momento del loro matrimonio. Tuttavia, la firma del pittore in un posto ben visibile, le scene della vita di Cristo sullo specchio, solo una candela sopra gli sposi novelli e così via, non sembrano del tutto standard. Ci sono molti simboli diversi nell'immagine: le arance denotano ricchezza, un cane - fedeltà, una candela - l'occhio che tutto vede e la luce di Cristo. Oggi quest'opera è conservata alla National Gallery di Londra.
Quali altri dipinti ha creato Jan van Eyck? Puoi vedere le foto di alcuni di loro nell'articolo:
- La pala d'altare di Gand, scritta nel 1432 con suo fratello.
- "Timoteo" (1432).
- "Nostra Signora del Cancelliere Rolin" (1436).
- "Ritratto di uomo con garofano" (1435).
- "Santa Barbara" (1437) e altri.
In totale, il pittore ha realizzato un centinaio di opere a tema religioso e innumerevoli ritratti. I suoi dipinti attirano l'attenzione con la loro radiosità interiore, così come la sottile maestria che possedeva il grande Jan van Eyck. Non c'è da stupirsi che sia considerato uno dei veri geni del pennello.