Theodore Gericault è un artista francese dell'inizio del XIX secolo, il cui lavoro combinava le caratteristiche del classicismo, del romanticismo e del realismo. L'artista è nato a Rouen, ha ricevuto un'ottima educazione, studiando al Liceo.
Nel 1817 l'artista si recò in Italia, dove studiò l'arte rinascimentale. Dopo il ritorno dall'Italia, Gericault si dedicò alla rappresentazione di immagini eroiche. Era preoccupato per gli eventi legati all'affondamento della fregata Medusa. Durante il naufragio, dei 140 membri dell'equipaggio, si salvarono solo 15. Riuscirono a sbarcare sulla zattera e furono trasportati in mare per 12 giorni finché i salvati furono recuperati dal brigantino Argus. Come molti hanno sostenuto, il disastro è avvenuto per colpa del capitano, che è stato imbarcato sulla nave sotto il patronato.
Questi eventi furono oggetto di un dipinto di grandi dimensioni dell’artista intitolato “La Zattera della Medusa”. L'enorme tela raffigura persone su una zattera che hanno appena notato una nave all'orizzonte.
L'artista ha creato il dipinto “La zattera della Medusa” per circa un anno. Prima di iniziare il dipinto, Géricault si rasò la testa. L'artista aveva bisogno di solitudine e pace. Allora si rasò la testa per non vedere nessuno. Si chiuse nel suo studio e ne uscì solo quando ebbe finito il suo capolavoro.
“Non c'è alcun eroe nella tela di Gericault “La zattera della Medusa”, ma le persone senza nome sono immortalate, sofferenti e degne di simpatia. Nella composizione del dipinto, l'artista è fedele alla tradizione della pittura classica: l'intera tela è occupata da un gruppo piramidale di corpi umani scolpiti e tridimensionali. I personaggi nella foto mantengono la grandezza anche nei momenti di disperazione. E solo il movimento appassionato che permea l'intero gruppo sconvolge l'equilibrio. La composizione dell'immagine è costruita su due diagonali intersecanti, che avrebbero dovuto enfatizzare sia il desiderio delle persone di andare dove è visibile la nave di soccorso, sia il movimento spontaneo del vento in arrivo, che gonfia la vela e porta via la zattera . La forte illuminazione dall’alto sottolinea in modo contrastante la tensione dei personaggi del film”. [Tropinin 1989: 305]
Come possiamo vedere, sulla tela il movimento principale si sviluppa in diagonale l'uno verso l'altro. Qui si possono rintracciare le tradizioni barocche. Vale anche la pena notare i forti contrasti di luce e ombra, che in questa situazione creano un forte carico emotivo e uno stress mentale persistente. Va detto che i romantici, come i rappresentanti del barocco, a differenza dei classicisti, si rivolgono a manifestazioni estreme di emozioni. Ricordiamo che nel classicismo c'è il rigore delle forme e la precisione delle linee, una stretta subordinazione al canone di questo genere, che si riflette nelle opere create nelle tradizioni di questo genere. Lo stesso non si può dire del genere barocco, dove le emozioni vengono in primo piano. Pertanto, una persona in questo concetto non è soggetta alla ragione, ma vive e agisce nel potere dei sentimenti. L'eroe, sopraffatto dalle emozioni, nella maggior parte dei casi non si controlla, da qui vari conflitti con la società e semplicemente con il mondo che lo circonda. Quindi, possiamo vedere che l'immagine è all'intersezione tra classicismo e barocco, il che è chiaramente visibile nella miscela di queste tradizioni quando l'artista raffigura una trama tragica. Ciò può essere spiegato dal fatto che l'artista ha vissuto e lavorato durante, se non nella lotta, nella contrapposizione tra queste due direzioni.
“La combinazione di colori dell'immagine è molto dura e cupa, solo occasionalmente ci sono punti di luce intensa qua e là. Lo stile stesso dell'immagine, l'accuratezza e la scultoreità nella rappresentazione dei corpi umani indicano che l'opera è stata eseguita nel modo artistico del classicismo. Tuttavia, la trama dell'immagine - moderna e molto contraddittoria - ci permette di classificare quest'opera come uno dei capolavori del romanticismo. Per la prima volta l’artista ha mostrato il cambiamento dinamico degli stati psicologici delle persone, un tempestoso e drammatico conflitto con gli elementi”. [Turchin 1982: 295]
Vale anche la pena notare la combinazione di colori utilizzata dall'autore sulla sua tela. Nella foto vediamo sfumature di rosso freddo, blu scuro e grigio sporco e marrone, che simboleggiano la disperazione generale e la tragedia della situazione delle persone in pericolo sulla zattera. Pertanto, questa combinazione di colori crea un'atmosfera deprimente di sconforto e disperazione, ma allo stesso tempo nell'immagine possiamo osservare punti luminosi bianchi, che a loro volta possono simboleggiare la speranza per un futuro migliore e luminoso.
“Il colore dell’immagine è quasi monocromatico. I colori spenti caratterizzano l'immagine con una sorta di spietata franchezza. L'acqua in lontananza sembra brillare, fiocchi di schiuma cadono sulle assi della zattera. Dietro la zattera si alza un’onda gigantesca, pronta a gettare i superstiti negli abissi dell’oceano”. [Vorotnikov 1997: 153]
Vale la pena notare che il dipinto contiene ritratti di partecipanti reali agli eventi: il dottor Savigny e l'ingegnere Correard. Entrambi sono fuggiti da un terribile incidente e hanno posato per Géricault mentre dipingevano. Va sottolineato che l’artista era interessato alla situazione della lotta dell’uomo con gli elementi e all’eroica vittoria su di essi. Da qui possiamo concludere che l’autore pensava al problema della sopravvivenza umana in condizioni estreme al limite delle capacità del corpo umano, che si riflette direttamente nella tela. Ma questo non è l'unico problema che Géricault ha toccato nella sua opera. Ha anche riflettuto sui temi della reciproca convivenza delle persone nella società. Il suo dipinto, o meglio l'immagine di persone che annegano su una zattera fatiscente, è un'allegoria di persone in condizioni difficili e instabili nella società. Va ricordato il libro di Julian Barnes “A History of the World in 10.5 Chapters”, ovvero il quinto capitolo di questo romanzo postmoderno della seconda metà del XX secolo (1989). Nel suo libro, l'autore esamina una serie di problemi umani universali da una prospettiva filosofica. Barnes attira l'attenzione dei lettori sull'incompetenza degli ufficiali di marina della fregata "Medusa", sulla corruzione della Royal Navy e sull'atteggiamento insensibile dei rappresentanti della classe dominante nei confronti dei ranghi inferiori. In un senso più ampio, può riferirsi alle azioni di persone che vivono e sopravvivono a spese degli altri, contrariamente al bene altrui. Possiamo vedere un riflesso di questo problema nella tela di Géricault, dove molte immagini umane sono divise in persone vive che guardano con speranza un punto dell’orizzonte visibile in lontananza, che ricorda vagamente la sagoma di una nave; e ai corpi umani senza vita che giacciono statici in posizioni bizzarramente deformate sulla zattera decrepita. Tutte le persone sono raffigurate in una sorta di groviglio di corpi umani intrecciati. Vivi e morti. L'artista mostra così allegoricamente la connessione tra la vita e la morte, la sua inseparabilità.
Il cannibalismo, descritto nel quinto capitolo del romanzo di Barnes, divenne una sorta di risultato di un sanguinoso massacro su una zattera fatiscente, che per due settimane divenne un miserabile rifugio per un gruppo di persone in difficoltà. Nella tela di Géricault non ci sono dettagli e frammenti incredibilmente sanguinosi che rappresentino chiaramente il cannibalismo. Ma possiamo vedere una somiglianza con questo nell'immagine di due uomini, quando uno ha afferrato la schiena dell'altro con i denti.
Nel suo dipinto, Géricault ha catturato il momento dell'avvicinarsi della salvezza sotto forma di una nave appena visibile all'orizzonte. La reazione a questa azione varia. Alcune persone hanno perso ogni speranza di liberazione dal tormento e dalla sofferenza e hanno fatto i conti con l'arrivo della loro morte imminente; un altro gruppo agita vigorosamente le braccia verso la nave che si avvicina, cercando così di attirare la massima attenzione dell'equipaggio della nave. Loro, come possiamo vedere, non si perdono d'animo e credono nella salvezza immediata.
Nel libro di D. Barnes, un'allegoria della speranza e della rapida salvezza è una farfalla bianca che, secondo il ragionamento delle persone sulla zattera, può vivere solo vicino alla terra.
“Altri vedevano in questa farfalla ordinaria un segno, un messaggero del Cielo, bianco come la colomba di Noè. Persino gli scettici che non credono nella provvidenza di Dio concordano cautamente con l’idea incoraggiante che le farfalle non siano lontane dal terreno solido”. [Barnes 2005: 133]
L'artista non ha raffigurato sulla tela una farfalla dalle ali bianche, ma il simbolo dell'avvicinarsi della salvezza è la combinazione di colori chiari, con i colori di cui l'artista ha dipinto il cielo lungo la linea dell'orizzonte. In contrasto con la combinazione di colori attorno alle persone sulla zattera. Pertanto, l'artista simboleggia con l'illuminazione celeste la speranza di salvezza apparsa insieme alla nave all'orizzonte.
Elenco della letteratura usata
foto zattera Gericault Barnes
1. Barnes D.-M.: AST:LUX, 2005.
2. Tropinin V.A. (a cura di M.M. Rakovskaya). - M: Belle Arti, 1982.
3. Turchin V.S. Teodoro Géricault. - M: Belle Arti, 1982.
4. Filimonova S.V. Storia della cultura artistica mondiale. - Mozyr: Vento Bianco, 1997.
5. 100 artisti del XX secolo 1999.
Il dipinto di Jacques Louis David "Il giuramento degli Orazi" è un punto di svolta nella storia della pittura europea. Stilisticamente appartiene ancora al classicismo; Questo è uno stile orientato all'antichità e, a prima vista, David mantiene questo orientamento. "Il giuramento degli Orazi" è basato sulla storia di come i tre fratelli Orazio, patrioti romani, furono scelti per combattere i rappresentanti della città ostile di Alba Longa, i fratelli Curiazi. Tito Livio e Diodoro Siculo raccontano questa storia; Pierre Corneille scrisse una tragedia basata sulla sua trama.
“Ma è il giuramento oraziano che manca in questi testi classici.<...>È David a trasformare il giuramento nell'episodio centrale della tragedia. Il vecchio impugna tre spade. Sta al centro, rappresenta l'asse dell'immagine. Alla sua sinistra ci sono tre figli che si fondono in un'unica figura, alla sua destra ci sono tre donne. Questa immagine è sorprendentemente semplice. Prima di David, il classicismo, con tutta la sua attenzione a Raffaello e alla Grecia, non riusciva a trovare un linguaggio maschile così severo e semplice per esprimere valori civici. David sembrava aver sentito quello che diceva Diderot, che non ha avuto il tempo di vedere questa tela: "Devi dipingere come dicevano a Sparta".
Ilya Doronchenkov
Al tempo di Davide, l'Antichità divenne tangibile per la prima volta attraverso la scoperta archeologica di Pompei. Prima di lui, l'Antichità era la somma dei testi di autori antichi - Omero, Virgilio e altri - e di diverse decine o centinaia di sculture conservate in modo imperfetto. Ora è diventato tangibile, fino ai mobili e alle perline.
“Ma non c’è niente di tutto questo nella foto di David. In esso l’Antichità è sorprendentemente ridotta non tanto all’ambiente circostante (elmi, spade irregolari, toghe, colonne), ma allo spirito di semplicità primitiva e furiosa”.
Ilya Doronchenkov
David ha orchestrato attentamente l'aspetto del suo capolavoro. Lo dipinse ed espose a Roma, ricevendo lì critiche entusiastiche, e poi inviò una lettera al suo mecenate francese. In esso, l'artista riferì che a un certo punto smise di dipingere un quadro per il re e iniziò a dipingerlo per se stesso, e, in particolare, decise di renderlo non quadrato, come richiesto per il Salon di Parigi, ma rettangolare. Come l'artista aveva sperato, le voci e la lettera alimentarono l'entusiasmo del pubblico, e il dipinto ottenne un posto privilegiato al Salon già aperto.
“E così, tardivamente, il quadro viene rimesso a posto e si impone come unico. Se fosse stato quadrato sarebbe stato appeso in fila con gli altri. E cambiando le dimensioni, David lo ha reso unico. È stato un gesto artistico molto potente. Da un lato, si è dichiarato il principale nella creazione della tela. D’altronde ha attirato l’attenzione di tutti su questa foto”.
Ilya Doronchenkov
Il dipinto ha un altro significato importante, che lo rende un capolavoro di tutti i tempi:
“Questo dipinto non si rivolge all’individuo, ma alla persona in fila. Questa è una squadra. E questo è un comando per una persona che prima agisce e poi pensa. David ha mostrato molto correttamente due mondi non sovrapposti, assolutamente tragicamente separati: il mondo degli uomini attivi e il mondo delle donne sofferenti. E questo accostamento - molto energico e bello - mostra l'orrore che in realtà si nasconde dietro la storia degli Orazi e dietro questa immagine. E poiché questo orrore è universale, “Il giuramento degli Orazi” non ci lascerà da nessuna parte”.
Ilya Doronchenkov
Astratto
Nel 1816 la fregata francese Medusa naufragò al largo delle coste del Senegal. 140 passeggeri lasciarono la cella su una zattera, ma solo 15 si salvarono; per sopravvivere ai 12 giorni di vagabondaggio sulle onde dovettero ricorrere al cannibalismo. Scoppiò uno scandalo nella società francese; Il capitano incompetente, monarchico per convinzione, fu ritenuto colpevole del disastro.
“Per la società liberale francese, il disastro della fregata “Medusa”, la morte della nave, che per un cristiano simboleggia la comunità (prima la Chiesa, ora la nazione), è diventato un simbolo, un pessimo segno di il nuovo regime emergente della Restaurazione”.
Ilya Doronchenkov
Nel 1818, il giovane artista Theodore Gericault, alla ricerca di un soggetto degno, lesse il libro dei sopravvissuti e iniziò a lavorare sul suo dipinto. Nel 1819 il dipinto fu esposto al Salon di Parigi e divenne un successo, simbolo del romanticismo nella pittura. Géricault abbandonò rapidamente la sua intenzione di rappresentare la cosa più seducente: una scena di cannibalismo; non ha mostrato l'accoltellamento, la disperazione o il momento della salvezza stessa.
“A poco a poco ha scelto l’unico momento giusto. Questo è il momento della massima speranza e della massima incertezza. Questo è il momento in cui le persone sopravvissute sulla zattera vedono per la prima volta all'orizzonte il brigantino Argus, che per primo è passato accanto alla zattera (non se ne è accorto).
E solo allora, camminando in controtendenza, mi sono imbattuto in lui. Nello schizzo, dove l’idea è già stata ritrovata, “Argus” si nota, ma nella foto si trasforma in un puntino all’orizzonte, scomparendo, che attira lo sguardo, ma sembra non esistere”.Ilya Doronchenkov
Géricault rifiuta il naturalismo: invece di corpi emaciati, nei suoi dipinti ha atleti belli e coraggiosi. Ma questa non è idealizzazione, è universalizzazione: il film non parla di passeggeri specifici della Medusa, parla di tutti.
“Gericault sparge i morti in primo piano. Non è stato lui a inventare questo: la gioventù francese era entusiasta dei corpi morti e feriti. Ha eccitato, colpito i nervi, distrutto le convenzioni: un classicista non può mostrare il brutto e il terribile, ma lo farà. Ma questi cadaveri hanno un altro significato. Guarda cosa sta succedendo al centro dell'immagine: c'è una tempesta, c'è un imbuto in cui viene attirato l'occhio. E lungo i corpi, lo spettatore, in piedi proprio di fronte all'immagine, sale su questa zattera. Siamo tutti lì."
Ilya Doronchenkov
Il dipinto di Gericault funziona in un modo nuovo: non è rivolto a un esercito di spettatori, ma a ogni persona, tutti sono invitati alla zattera. E l’oceano non è solo l’oceano delle speranze perdute del 1816. Questo è il destino umano.
Astratto
Nel 1814 la Francia era stanca di Napoleone e l'arrivo dei Borbone fu accolto con sollievo. Tuttavia, molte libertà politiche furono abolite, iniziò la Restaurazione e alla fine degli anni venti dell'Ottocento la generazione più giovane iniziò a rendersi conto della mediocrità ontologica del potere.
“Eugene Delacroix apparteneva a quello strato dell’élite francese che insorse sotto Napoleone e fu messo da parte dai Borboni. Tuttavia fu trattato con gentilezza: ricevette una medaglia d'oro per il suo primo dipinto al Salon, “La barca di Dante”, nel 1822. E nel 1824 realizzò il dipinto “Il massacro di Chios”, raffigurante la pulizia etnica quando la popolazione greca dell’isola di Chios fu deportata e sterminata durante la Guerra d’indipendenza greca. Questo è il primo segno di liberalismo politico nella pittura, che riguardava paesi ancora molto lontani”.
Ilya Doronchenkov
Nel luglio 1830, Carlo X emanò diverse leggi che limitavano seriamente le libertà politiche e inviò truppe per distruggere la tipografia di un giornale dell'opposizione. Ma i parigini risposero col fuoco, la città fu ricoperta di barricate e durante i “Tre Giorni Gloriosi” cadde il regime borbonico.
Nel famoso dipinto di Delacroix, dedicato agli eventi rivoluzionari del 1830, sono rappresentati diversi strati sociali: un dandy con il cilindro, un vagabondo, un operaio in camicia. Ma la principale, ovviamente, è una giovane e bella donna con il petto e le spalle nudi.
“Delacroix realizza qui qualcosa che non accade quasi mai con gli artisti del XIX secolo, che pensavano sempre più realisticamente. Riesce in un'immagine - molto patetica, molto romantica, molto sonora - a coniugare realtà, fisicamente tangibile e brutale (guardate i cadaveri amati dai romantici in primo piano) e simboli. Perché questa donna purosangue è, ovviamente, la Libertà stessa. Gli sviluppi politici a partire dal XVIII secolo hanno posto gli artisti di fronte alla necessità di visualizzare ciò che non può essere visto. Come puoi vedere la libertà? I valori cristiani vengono trasmessi a una persona in un modo molto umano - attraverso la vita di Cristo e la sua sofferenza. Ma astrazioni politiche come libertà, uguaglianza, fraternità non esistono. E Delacroix è forse il primo e non l’unico che, in generale, ha affrontato con successo questo compito: ora sappiamo che cos’è la libertà”.
Ilya Doronchenkov
Uno dei simboli politici presenti nel dipinto è il berretto frigio sulla testa della ragazza, simbolo araldico permanente della democrazia. Un altro motivo significativo è la nudità.
“La nudità è stata a lungo associata alla naturalezza e alla natura, e nel XVIII secolo questa associazione fu forzata. La storia della Rivoluzione francese conosce anche uno spettacolo unico, quando un'attrice teatrale francese nuda ritraeva la natura nella cattedrale di Notre-Dame. E la natura è libertà, è naturalezza. E questo è ciò che risulta significare questa donna tangibile, sensuale e attraente. Denota libertà naturale."
Ilya Doronchenkov
Sebbene questo dipinto abbia reso famoso Delacroix, fu presto rimosso dalla vista per molto tempo, ed è chiaro il motivo. Lo spettatore che sta di fronte a lei si trova nella posizione di chi è attaccato dalla Libertà, di chi è attaccato dalla rivoluzione. Il movimento incontrollabile che ti schiaccerà è molto scomodo da guardare.
Astratto
Il 2 maggio 1808 scoppiò a Madrid una ribellione antinapoleonica, la città era nelle mani dei manifestanti, ma la sera del 3 si verificarono esecuzioni di massa di ribelli nelle vicinanze della capitale spagnola. Questi eventi portarono presto ad una guerriglia che durò sei anni. Al termine, al pittore Francisco Goya verranno commissionati due dipinti per immortalare la rivolta. Il primo è “La rivolta del 2 maggio 1808 a Madrid”.
“Goya descrive davvero il momento in cui è iniziato l'attacco: il primo colpo dei Navajo che ha dato inizio alla guerra. È questa compressione del momento che è estremamente importante qui. È come se avvicinasse la macchina da presa; da una panoramica si passa a un’inquadratura estremamente ravvicinata, cosa mai accaduta prima a questa portata. C'è un'altra cosa emozionante: il senso di caos e di accoltellamento è estremamente importante qui. Non c'è nessuna persona qui per la quale ti senti dispiaciuto. Ci sono vittime e ci sono assassini. E questi assassini dagli occhi iniettati di sangue, i patrioti spagnoli, in generale, fanno il mestiere di macellaio”.
Ilya Doronchenkov
Nella seconda foto i personaggi cambiano di posto: quelli che sono tagliati nella prima foto, nella seconda sparano a chi li ha tagliati. E l'ambivalenza morale della battaglia di strada lascia il posto alla chiarezza morale: Goya è dalla parte di coloro che si sono ribellati e stanno morendo.
“I nemici ora sono separati. A destra ci sono quelli che vivranno. Questa è una serie di persone in uniforme armata, assolutamente identiche, ancora più identiche dei fratelli Horace di David. I loro volti sono invisibili e i loro shako li fanno sembrare macchine, robot. Queste non sono figure umane. Si stagliano in sagoma nera nell'oscurità della notte sullo sfondo di una lanterna che inonda una piccola radura.
A sinistra ci sono quelli che moriranno. Si muovono, volteggiano, gesticolano e per qualche motivo sembra che siano più alti dei loro carnefici. Anche se il personaggio principale e centrale - un madrileno in pantaloni arancioni e camicia bianca - è in ginocchio. È ancora più in alto, è un po’ sulla collina”.
Ilya Doronchenkov
Il ribelle morente si trova nella posa di Cristo e, per maggiore persuasività, Goya raffigura le stimmate sui palmi delle mani. Inoltre, l'artista gli fa rivivere costantemente la difficile esperienza di guardare l'ultimo momento prima dell'esecuzione. Infine, Goya cambia la comprensione di un evento storico. Prima di lui l’evento veniva raffigurato con il suo lato rituale, retorico; per Goya l’evento è un momento, una passione, un grido non letterario.
Nella prima immagine del dittico è chiaro che gli spagnoli non stanno massacrando i francesi: i cavalieri che cadono sotto gli zoccoli dei cavalli sono vestiti con costumi musulmani.
Il fatto è che le truppe di Napoleone includevano un distaccamento di mamelucchi, cavalieri egiziani.
“Sembrerebbe strano che l’artista trasformi i combattenti musulmani in un simbolo dell’occupazione francese. Ma questo permette a Goya di trasformare un evento moderno in un anello della storia della Spagna. Per ogni nazione che ha forgiato la propria identità durante le guerre napoleoniche, era estremamente importante rendersi conto che questa guerra è parte di un’eterna guerra per i propri valori. E una guerra così mitologica per il popolo spagnolo fu la Reconquista, la riconquista della penisola iberica dai regni musulmani. Così Goya, pur rimanendo fedele al documentario e alla modernità, mette questo evento in connessione con il mito nazionale, costringendoci a comprendere la lotta del 1808 come l’eterna lotta degli spagnoli per il nazionale e il cristiano”.
Ilya Doronchenkov
L'artista è riuscito a creare una formula iconografica per l'esecuzione. Ogni volta che i suoi colleghi - siano essi Manet, Dix o Picasso - affrontavano il tema dell'esecuzione, seguivano Goya.
Astratto
La rivoluzione pittorica del XIX secolo ebbe luogo nel paesaggio in modo ancora più palpabile che nell'immagine dell'evento.
“Il paesaggio cambia completamente l’ottica. Una persona cambia la sua scala, una persona si sperimenta in modo diverso nel mondo. Il paesaggio è una rappresentazione realistica di ciò che ci circonda, con la sensazione dell'aria carica di umidità e dei dettagli quotidiani in cui siamo immersi. Oppure può essere una proiezione delle nostre esperienze, e poi nello scintillio di un tramonto o in una gioiosa giornata di sole vediamo lo stato della nostra anima. Ma ci sono paesaggi sorprendenti che appartengono a entrambe le modalità. Ed è molto difficile sapere, infatti, quale sia il dominante”.
Ilya Doronchenkov
Questa dualità è chiaramente dimostrata dall'artista tedesco Caspar David Friedrich: i suoi paesaggi ci raccontano la natura del Baltico e allo stesso tempo rappresentano un'affermazione filosofica. C'è un languido senso di malinconia nei paesaggi di Federico; la persona in essi raramente penetra oltre lo sfondo e di solito dà le spalle allo spettatore.
Il suo ultimo dipinto, Le età della vita, mostra una famiglia in primo piano: bambini, genitori, un vecchio. E inoltre, dietro il divario spaziale: il cielo al tramonto, il mare e le barche a vela.
“Se guardiamo come è costruita questa tela, vedremo un'eco sorprendente tra il ritmo delle figure umane in primo piano e il ritmo delle barche a vela in mare. Ecco figure alte, ecco figure basse, ecco grandi barche a vela, ecco barche a vela. La natura e le barche a vela sono quella che viene chiamata la musica delle sfere, è eterna e indipendente dall'uomo. L'uomo in primo piano è il suo essere ultimo. Il mare di Friedrich è molto spesso metafora dell’alterità, della morte. Ma la morte per lui, credente, è la promessa della vita eterna, di cui non conosciamo. Queste persone in primo piano - piccole, goffe, scritte in modo poco attraente - ripetono con il loro ritmo il ritmo di una barca a vela, come un pianista ripete la musica delle sfere. Questa è la nostra musica umana, ma tutto fa rima con la stessa musica che per Friedrich riempie la natura. Pertanto, mi sembra che in questo dipinto Friedrich non prometta un paradiso nell’aldilà, ma che la nostra esistenza finita sia ancora in armonia con l’universo”.
Ilya Doronchenkov
Astratto
Dopo la Rivoluzione francese, le persone si resero conto di avere un passato. Il XIX secolo, attraverso gli sforzi degli esteti romantici e degli storici positivisti, creò l'idea moderna di storia.
“Il XIX secolo ha creato la pittura storica come la conosciamo. Non eroi greci e romani astratti, che agiscono in un ambiente ideale, guidati da motivazioni ideali. La storia del XIX secolo diventa teatralmente melodrammatica, si avvicina all'uomo e ora siamo in grado di entrare in empatia non con grandi gesta, ma con disgrazie e tragedie. Ogni nazione europea ha creato la propria storia nel XIX secolo e, nel costruire la storia, ha, in generale, creato il proprio ritratto e i propri progetti per il futuro. In questo senso, la pittura storica europea del XIX secolo è terribilmente interessante da studiare, anche se, a mio avviso, non ha lasciato, quasi nessuna, opere veramente grandi. E tra queste grandi opere vedo un'eccezione, di cui noi russi possiamo giustamente essere orgogliosi. Questa è "La mattina dell'esecuzione di Streltsy" di Vasily Surikov."
Ilya Doronchenkov
La pittura storica del XIX secolo, incentrata sulla verosimiglianza superficiale, di solito segue un singolo eroe che guida la storia o subisce la sconfitta. Il dipinto di Surikov qui è un’eccezione sorprendente. Il suo eroe è una folla in abiti colorati, che occupa quasi i quattro quinti dell'immagine; Ciò fa sì che il dipinto appaia sorprendentemente disorganizzato. Dietro la folla vivente e vorticosa, una parte della quale presto morirà, si erge la variopinta e ondulata Cattedrale di San Basilio. Dietro il congelato Pietro c'è una fila di soldati, una fila di forche - una linea di bastioni del muro del Cremlino. L'immagine è cementata dal duello di sguardi tra Pietro e l'arciere dalla barba rossa.
“Si può dire molto sul conflitto tra società e Stato, popolo e impero. Ma penso che ci siano altri significati in questo pezzo che lo rendono unico. Vladimir Stasov, promotore dell'opera dei Peredvizhniki e difensore del realismo russo, che ha scritto molte cose inutili su di loro, ha parlato molto bene di Surikov. Chiamò dipinti di questo tipo “corali”. In effetti, manca loro un eroe: manca un motore. Le persone diventano il motore. Ma in questa immagine il ruolo delle persone è molto chiaramente visibile. Joseph Brodsky ha detto magnificamente nella sua conferenza per il Nobel che la vera tragedia non è quando muore un eroe, ma quando muore un coro”.
Ilya Doronchenkov
Gli eventi si svolgono nei dipinti di Surikov come contro la volontà dei loro personaggi - e in questo il concetto di storia dell'artista è ovviamente vicino a quello di Tolstoj.
“La società, le persone, la nazione in questa immagine sembrano divise. I soldati di Pietro in uniforme che sembrano neri e gli arcieri in bianco sono contrapposti come buoni e cattivi. Cosa collega queste due parti disuguali della composizione? Questo è un arciere in camicia bianca che va all'esecuzione e un soldato in uniforme che lo sostiene per la spalla. Se rimuoviamo mentalmente tutto ciò che li circonda, non potremo mai immaginare nella nostra vita che questa persona venga condotta all'esecuzione. Questi sono due amici che tornano a casa e uno sostiene l'altro con amicizia e calore. Quando Petrusha Grinev fu impiccato dai Pugacheviti in La figlia del capitano, dissero: "Non preoccuparti, non preoccuparti", come se volessero davvero tirarla su di morale. Questa sensazione che un popolo diviso dalla volontà della storia sia allo stesso tempo fraterno e unito è una qualità sorprendente della tela di Surikov, che non conosco da nessun'altra parte."
Ilya Doronchenkov
Astratto
Nella pittura le dimensioni contano, ma non tutti i soggetti possono essere raffigurati su una tela di grandi dimensioni. Varie tradizioni pittoriche raffiguravano gli abitanti dei villaggi, ma il più delle volte - non in dipinti enormi, ma questo è esattamente ciò che è "Funerale a Ornans" di Gustave Courbet. Ornans è una ricca cittadina di provincia, da cui proviene lo stesso artista.
“Courbet si trasferì a Parigi, ma non entrò a far parte dell’establishment artistico. Non ricevette una formazione accademica, ma ebbe una mano potente, un occhio molto tenace e una grande ambizione. Si è sempre sentito un provinciale e si trovava a suo agio a Ornans. Ma ha vissuto quasi tutta la sua vita a Parigi, lottando con l'arte che stava già morendo, lottando con l'arte che idealizza e parla del generale, del passato, del bello, senza accorgersi del presente. Tale arte, che piuttosto loda, che piuttosto delizia, di regola, trova una grande richiesta. Courbet è stato, infatti, un rivoluzionario nella pittura, anche se ora questa sua natura rivoluzionaria non ci è molto chiara, perché scrive la vita, scrive la prosa. La cosa più rivoluzionaria in lui era che smise di idealizzare la sua natura e cominciò a dipingerla esattamente come la vedeva, o come credeva di vederla.
Ilya Doronchenkov
Il dipinto gigante raffigura quasi cinquanta persone quasi a tutta altezza. Sono tutte persone reali e gli esperti hanno identificato quasi tutti i partecipanti al funerale. Courbet dipinse i suoi connazionali, ed essi furono contenti di vedersi nel quadro esattamente come erano.
“Ma quando questo dipinto fu esposto nel 1851 a Parigi, suscitò uno scandalo. Andò contro tutto ciò a cui il pubblico parigino era abituato in quel momento. Ha insultato gli artisti con la mancanza di una composizione chiara e una pittura ruvida e densa, che trasmette la materialità delle cose, ma non vuole essere bella. Ha spaventato la persona media per il fatto che non riusciva davvero a capire chi fosse. Colpisce l'interruzione delle comunicazioni tra gli spettatori della provincia francese e i parigini. I parigini percepivano l'immagine di questa folla rispettabile e ricca come un'immagine dei poveri. Uno dei critici ha detto: "Sì, questa è una vergogna, ma questa è la vergogna della provincia, e Parigi ha la sua vergogna". La bruttezza in realtà significava la massima veridicità.
Ilya Doronchenkov
Courbet si rifiutò di idealizzare, il che fece di lui una vera avanguardia del XIX secolo. Si concentra sulle stampe popolari francesi, su un ritratto di gruppo olandese e sull'antica solennità. Courbet ci insegna a percepire la modernità nella sua unicità, nella sua tragedia e nella sua bellezza.
“I salotti francesi conoscevano immagini di duro lavoro contadino, contadini poveri. Ma la modalità di rappresentazione era generalmente accettata. I contadini avevano bisogno di essere compatiti, i contadini avevano bisogno di simpatizzare. Era una visione un po' dall'alto verso il basso. Una persona che simpatizza è, per definizione, in una posizione prioritaria. E Courbet ha privato il suo spettatore della possibilità di tale empatia condiscendente. I suoi personaggi sono maestosi, monumentali, ignorano i loro spettatori e non permettono di stabilire un contatto con loro che li rende parte del mondo familiare, rompono con grande forza gli stereotipi.
Ilya Doronchenkov
Astratto
Il XIX secolo non amava se stesso, preferendo cercare la bellezza in qualcos'altro, che fosse l'Antichità, il Medioevo o l'Oriente. Charles Baudelaire fu il primo a imparare a vedere la bellezza della modernità, e fu incarnata nella pittura da artisti che Baudelaire non era destinato a vedere: ad esempio, Edgar Degas ed Edouard Manet.
“Manet è un provocatore. Manet è allo stesso tempo un pittore brillante, il fascino dei cui colori, colori combinati in modo molto paradossale, costringe lo spettatore a non porsi domande ovvie. Se osserviamo da vicino i suoi dipinti, saremo spesso costretti ad ammettere che non capiamo cosa abbia portato queste persone qui, cosa stanno facendo uno accanto all'altro, perché questi oggetti sono collegati sul tavolo. La risposta più semplice: Manet è innanzitutto un pittore, Manet è innanzitutto un occhio. È interessato alla combinazione di colori e texture, e l'abbinamento logico di oggetti e persone è la decima cosa. Tali immagini spesso confondono lo spettatore che è alla ricerca di contenuti, che è alla ricerca di storie. Manet non racconta storie. Sarebbe potuto rimanere un apparecchio ottico così sorprendentemente preciso e raffinato se non avesse creato il suo ultimo capolavoro già in quegli anni in cui era in preda a una malattia mortale.
Ilya Doronchenkov
Il dipinto "Bar alle Folies Bergere" fu esposto nel 1882, dapprima guadagnò il ridicolo della critica, e poi fu rapidamente riconosciuto come un capolavoro. Il suo tema è un caffè-concerto, fenomeno sorprendente della vita parigina della seconda metà del secolo. Sembra che Manet abbia catturato in modo vivido e autentico la vita delle Folies Bergère.
“Ma quando iniziamo a dare uno sguardo più da vicino a ciò che Manet ha fatto nella sua pittura, capiremo che ci sono un numero enorme di incoerenze che inconsciamente disturbano e, in generale, non ricevono una risoluzione chiara. La ragazza che vediamo è una commessa, deve usare la sua attrattiva fisica per far fermare i clienti, flirtare con lei e ordinare più drink. Nel frattempo lei non flirta con noi, ma ci guarda attraverso. Sul tavolo ci sono quattro bottiglie di champagne, calde, ma perché non ghiacciate? Nell'immagine speculare, queste bottiglie non si trovano sullo stesso bordo del tavolo in cui si trovano in primo piano. Il bicchiere con le rose è visto da un'angolazione diversa rispetto a tutti gli altri oggetti sul tavolo. E la ragazza allo specchio non assomiglia esattamente alla ragazza che ci guarda: è più grassa, ha forme più arrotondate, è protesa verso il visitatore. In generale, si comporta come dovrebbe comportarsi quella che stiamo guardando”.
Ilya Doronchenkov
Le critiche femministe hanno attirato l'attenzione sul fatto che il profilo della ragazza ricorda una bottiglia di champagne sul bancone. È un'osservazione calzante, ma difficilmente esaustiva: la malinconia del quadro e l'isolamento psicologico dell'eroina resistono a un'interpretazione semplice.
“Questa trama ottica e i misteri psicologici del quadro, che sembrano non avere una risposta definitiva, ci costringono ogni volta ad avvicinarci di nuovo e a porre queste domande, inconsciamente intrisi di quel sentimento della vita moderna bella, triste, tragica, quotidiana che Baudelaire sognato e che Manet ci lascerà per sempre davanti agli occhi."
Ilya Doronchenkov
Non importa quanto stanco e sazio di impressioni possa essere un visitatore del Louvre, probabilmente si fermerà nella 77a sala della Galleria Denon davanti al dipinto “La zattera della Medusa” e, dimenticando la fatica, inizierà a guardare all'enorme tela. Il pubblico, che vide per la prima volta il dipinto alla mostra del Salon di Parigi nell'agosto 1819, ne rimase stupito non meno dei nostri contemporanei. I giornali hanno scritto che folle di visitatori si sono fermate "davanti a questa immagine spaventosa che attira ogni sguardo". I parigini, a differenza degli spettatori di oggi, non dovevano spiegare cosa raffigurava il giovane pittore Theodore Gericault (1791 -1824). Sebbene il dipinto fosse chiamato "Scena di un naufragio", tutti riconobbero inequivocabilmente la zattera della Medusa, la cui storia era nota a ogni francese dell'epoca.
1. Il film è basato su una storia vera
La Medusa era una fregata navale francese da 40 cannoni che vide l'azione durante le guerre napoleoniche dell'inizio del XIX secolo. È interessante notare che la nave non fu affatto danneggiata durante queste battaglie navali, ma naufragò quando si incagliò nel 1816 durante una spedizione per colonizzare il Senegal. A causa della mancanza di barche a bordo, i marinai costruirono una zattera. Ma alla fine solo 10 persone su 147 salite a bordo della zattera sopravvissero. Subito dopo, Géricault realizza il suo dipinto, ispirandosi alle storie di due sopravvissuti.
2. Storia del dipinto: indagine
Impressionato dalla tragica storia, Gericault non solo intervistò i membri sopravvissuti dell'equipaggio della Medusa, ma lesse anche tutto ciò che riuscì a trovare sul disastro. Gericault disegnò dozzine di schizzi, sperimentò figure di cera, ricreando la situazione e studiò i cadaveri annegati all'obitorio. Di conseguenza, ha pianificato attentamente ogni elemento del suo capolavoro.
3. L'immagine è più grande di quanto sembri
Le dimensioni del dipinto sono 4,91 × 7,16 metri. Cioè, la "Zattera della Medusa" ha le dimensioni di una vera zattera di 7 metri, costruita dai marinai.
4. Géricault dovette addirittura ricostruire la zattera
Géricault ha costruito una replica della zattera della Medusa nel suo laboratorio e l'ha utilizzata come modello visivo.
5. Il dipinto "La zattera di Medusa" raffigura l'ultima parte di un viaggio di 13 giorni
C'erano circa 150 marinai sulla zattera della nave naufragata e la maggior parte di loro morì di una morte terribile. La prima notte ci furono 20 morti per suicidio, risse e anche per alcune persone gettate in mare. Dopo 4 giorni erano rimaste solo 67 persone. A causa della fame, molti di loro iniziarono a praticare il cannibalismo. L'ottavo giorno le persone più deboli e ferite furono gettate in mare. Entro il 17 luglio 1816, solo 15 uomini erano rimasti in vita quando l'Argus colpì la zattera. Di questi, altre 5 persone morirono presto.
6. Un segno di speranza
L'uomo sul lato destro della zattera guarda speranzoso all'orizzonte per la salvezza.
7. Il dipinto è considerato un documento storico
Le dimensioni della tela, i piccoli dettagli e l'autenticità della storia fanno credere a molti storici dell'arte che La Zattera di Medusa debba essere classificata come documento storico.
8. Géricault si è ispirato a Caravaggio
I critici d'arte ritengono che la tecnica di trasmettere luci e ombre nel dipinto “La zattera di Medusa” sia molto simile ai dipinti religiosi dell'artista italiano del XVI secolo. Un altro riferimento a Caravaggio sono le pose eroiche dei marinai nel dipinto.
9. "La zattera della Medusa" - un'importante pietra miliare nel genere del romanticismo francese
L'attenta indagine condotta da Géricault, così come le tecniche utilizzate da Caravaggio, hanno dato all'artista l'opportunità di trasmettere emozioni in modo molto realistico, oltre a creare una straordinaria combinazione di realtà e tragico romanticismo.
10. L'angolazione della "Zattera di Medusa" è stata scelta per evocare la massima empatia.
Grazie agli schizzi originariamente realizzati da Géricault, gli storici dell'arte hanno potuto ripercorrere l'intera storia della creazione del dipinto. Uno dei cambiamenti più importanti apportati alla tela finale, rispetto agli schizzi iniziali, è che la prospettiva è stata cambiata. Inizialmente Gericault prevedeva di trainare la zattera dall'alto. Ma poi ha sentito che un'angolazione laterale (come se fosse a un passo dalla zattera) avrebbe creato più empatia nel pubblico.
11. Opinione dei critici
Géricault debuttò con il suo dipinto al Salon di Parigi nel 1819. Le opinioni dei critici riguardo al dipinto differivano. Alcuni hanno affermato che “l’immagine è meravigliosa ed è impossibile distogliere lo sguardo da essa”. Altri hanno espresso la loro indignazione per le montagne di cadaveri: "Il signor Géricault si sbagliava. L'immagine dovrebbe attirare l'anima e lo sguardo, e non respingere".
12. Géricault temeva che La zattera della Medusa sarebbe stato un fallimento.
Dopo aver dedicato molto tempo e sforzi al dipinto, l'artista ventisettenne ha ritenuto che il mondo dell'arte francese non fosse unanime nell'approvazione del dipinto al suo debutto. Dopo il primo giorno di mostra, Géricault volle addirittura togliere il dipinto e regalarlo a un amico.
13. Gli storici francesi hanno apprezzato il dipinto.
Dopo il naufragio, la società francese fu indignata dall'incompetenza del capitano della nave e dall'apparente inadeguatezza dei tentativi di salvare le vittime del naufragio. Il capitano era su una delle barche a cui era legata la zattera. Quando fu evidente che la pesante zattera era praticamente impossibile da trainare, il capitano diede l'ordine di tagliare le funi. 147 persone furono condannate a morte. Dopo l'apparizione dell'immagine con la scena della morte dei marinai, il mondo intero venne a conoscenza del suo atto. Lo storico e pubblicista Jules Michelet ha riassunto lo scandalo che circonda il dipinto con una frase appropriata: “Questa è la Francia stessa, questa è la nostra società caricata sulla zattera della Medusa”.
14. Titolo del dipinto
Sebbene il dipinto sia conosciuto oggi come “La zattera della Medusa”, in origine portava un titolo molto meno provocatorio: “Scena del naufragio”. Ma questo non ha ingannato nessuno, visto che la tragedia era sulla bocca di tutti. Alla fine l'artista decise di rinominare il dipinto.
15. Géricault non visse abbastanza da vedere il giorno in cui il suo dipinto divenne famoso
Dopo la mostra al Louvre, "La zattera di Medusa" ha vinto un concorso indetto dal museo. Tuttavia, Géricault era sconvolto perché il museo non voleva aggiungere il dipinto alla sua galleria nazionale. Sfortunatamente, Géricault morì a 32 anni e non visse abbastanza da vedere il curatore del Louvre aggiungere il dipinto alla collezione del museo. Da allora, La Zattera della Medusa è considerata un capolavoro per quasi 200 anni.
Per coloro che sono interessati alla pittura, abbiamo raccolto.
Theodore Gericault - La zattera di Medusa (frammento)
Jean Louis André Théodore Géricault (1791, Rouen - 1824, Parigi) è stato un pittore francese, il più grande rappresentante della pittura europea dell'epoca romantica. I suoi dipinti, tra cui “La zattera della Medusa”, divennero una nuova parola nella pittura, sebbene il loro vero significato nello sviluppo delle belle arti fu realizzato molto più tardi. Tra i ricercatori non esiste un unico punto di vista sulla direzione di cui l'artista fosse rappresentante: è considerato il precursore del romanticismo, un realista in anticipo sui tempi o uno dei seguaci di David.
"La zattera della Medusa" (Le Radeau de La Méduse) di Theodore Gericault è uno dei dipinti più famosi dell'epoca romantica. Il motivo per creare l'immagine fu un disastro marittimo avvenuto il 2 luglio 1816 al largo delle coste del Senegal con passeggeri e membri dell'equipaggio della fregata "Medusa" che lasciarono la nave, che si incagliò, su una zattera. Poi, sulla secca dell'Argen, a 40 leghe dalla costa africana, si schiantò la fregata Medusa. Per evacuare i passeggeri si prevedeva di utilizzare le barche della fregata, il che avrebbe richiesto due viaggi. Avrebbe dovuto costruire una zattera per trasferire il carico dalla nave su di essa e quindi aiutare a rimettere a galla la nave. La zattera, lunga 20 metri e larga 7, fu costruita sotto la supervisione del geografo Alexandre Correara. Nel frattempo il vento cominciò ad aumentare e si formò una crepa nello scafo della nave. Credendo che la nave potesse andare in pezzi, i passeggeri e l'equipaggio furono presi dal panico e il capitano decise di abbandonarla immediatamente. Diciassette persone rimasero sulla fregata, 147 persone si trasferirono sulla zattera. La zattera sovraccarica aveva poche provviste e nessun mezzo di controllo o di navigazione.
In condizioni meteorologiche pre-tempesta, l'equipaggio della barca si rese presto conto che trainare la pesante zattera era quasi impossibile; Temendo che i passeggeri della zattera cominciassero a farsi prendere dal panico e salissero sulle barche, le persone a bordo hanno tagliato le corde di traino e si sono dirette verso la riva. Tutti coloro che sopravvissero sulle barche, compreso il capitano e il governatore, raggiunsero la riva separatamente.
La situazione sulla zattera, lasciata in balia del destino, si trasformò in un disastro. I sopravvissuti furono divisi in gruppi opposti: ufficiali e passeggeri da un lato, marinai e soldati dall'altro. La prima notte della deriva, 20 persone sono state uccise o si sono suicidate. Durante la tempesta, decine di persone morirono nella lotta per il posto più sicuro al centro, vicino all'albero maestro, dove erano immagazzinate magre scorte di cibo e acqua, o furono travolte in mare dall'onda. Il quarto giorno rimasero in vita solo 67 persone, molte di loro, tormentate dalla fame, iniziarono a mangiare i cadaveri dei morti. L'ottavo giorno, i 15 sopravvissuti più forti gettarono in mare i deboli e i feriti, e poi tutte le loro armi, per non uccidersi a vicenda. I dettagli del viaggio scioccarono l'opinione pubblica moderna. Il capitano della fregata, Hugo Duroy de Chaumarey, un ex emigrante, a cui fu attribuita gran parte della colpa per la morte dei passeggeri della zattera, fu nominato sotto patronato (successivamente fu condannato e condannato con sospensione della pena, ma questo non fu segnalato al pubblico). L'opposizione ha accusato il governo dell'incidente. Il Ministero della Marina, cercando di mettere a tacere lo scandalo, ha cercato di impedire che le informazioni sul disastro apparissero sulla stampa.
Nell'autunno del 1817 fu pubblicato il libro "La morte della fregata Medusa". Testimoni oculari dell'evento, Alexandre Correard e il medico Henri Savigny, descrissero il vagabondaggio della zattera durato tredici giorni. Il libro (probabilmente era già alla sua seconda edizione, nel 1818) cadde nelle mani di Gericault, che vide nella storia ciò che cercava da molti anni: una trama per la sua grande tela. L'artista ha percepito il dramma “Medusa”, a differenza della maggior parte dei suoi contemporanei, compresi i suoi amici più stretti, come una storia universale e senza tempo.
Géricault ha ricostruito gli eventi attraverso lo studio dei materiali documentari a sua disposizione e l'incontro con testimoni e partecipanti al dramma. Secondo il suo biografo, Charles Clément, l’artista ha compilato “un dossier di testimonianze e documenti”. Ha incontrato Correard e Savigny, ha parlato con loro e probabilmente ha anche dipinto i loro ritratti. Lesse attentamente il loro libro; forse si imbatté nell'edizione del 1818 con litografie che trasmettevano in modo abbastanza accurato la storia dei passeggeri della zattera. Un falegname che prestava servizio sulla fregata fece una piccola copia della zattera per Gericault. L'artista stesso ha realizzato figure di persone in cera e, posizionandole su un modello di zattera, ha studiato la composizione da diversi punti di vista, magari ricorrendo all'aiuto di una camera oscura. Gericault è stato uno dei primi artisti europei a praticare lo sviluppo di motivi visivi in plastica.
Infine, Géricault si sofferma su uno dei momenti di maggiore tensione della storia: la mattina dell'ultimo giorno di deriva della zattera, quando i pochi sopravvissuti videro all'orizzonte la nave Argus. Géricault affittò uno studio che potesse accogliere la grandiosa tela che aveva progettato (il suo studio si rivelò di dimensioni insufficienti) e lavorò per otto mesi, quasi senza lasciare lo studio.
Gericault era completamente assorbito dal suo lavoro. In precedenza conduceva un'intensa vita sociale, ma ora non usciva di casa e si tagliava addirittura i capelli per non cercare di tornare al suo precedente passatempo. Solo pochi amici sono entrati nel laboratorio. Cominciava a scrivere la mattina presto, appena la luce lo permetteva, e lavorava fino alla sera. Géricault ha posato per Eugene Delacroix, che ha anche avuto l'opportunità di osservare il lavoro dell'artista su un dipinto che rompe tutte le consuete idee sulla pittura. Delacroix in seguito ricordò che quando vide il dipinto finito, "con gioia iniziò a correre come un matto e non riuscì a fermarsi fino a casa".
Théodore Géricault - Cadavere nudo che scivola nell'acqua - Besançon - Museo delle Belle Arti
(Eugene Delacroix ha posato per questa figura)
Il dipinto fu completato nel luglio 1819. Prima del Salon, le grandi tele erano raccolte nel foyer del Teatro Italiano. Qui Géricault vide la sua opera in un modo nuovo e decise di rifare subito la parte in basso a sinistra, che gli sembrava non abbastanza convincente come base per una composizione piramidale. Proprio nel foyer del teatro, lo riscrisse, aggiungendo due nuove figure: un corpo che scivola in mare (Delacroix posò per lui) e un uomo in piedi dietro un padre con un figlio morto. Due traverse al centro della zattera sono state modificate e la zattera stessa è stata allungata a sinistra, creando così l'impressione che le persone si accalcassero nella parte della zattera più vicina allo spettatore.
Theodore Gericault - La zattera della Medusa
Géricault espose “La zattera della Medusa” al Salon del 1819 e, come notarono i critici, fu sorprendente che questo dipinto fosse stato autorizzato a essere mostrato. Il Salon del 1819 era pieno di opere che glorificavano la monarchia; Il genere principale era quello storico; erano ampiamente rappresentati anche soggetti allegorici e religiosi. La pittura religiosa era frequentata secondo un programma speciale e facilmente aggirava i soggetti mitologici fino ad allora popolari. Forse il dipinto di Géricault è apparso al Salon grazie all'impegno dei suoi amici. Per ridurre l’attualità del dipinto, è stato esposto con il titolo “Scena del naufragio”.
Gli spettatori - oppositori con approvazione e realisti con indignazione - hanno notato l'orientamento politico nel film, la critica al governo, per colpa della quale sono morti i passeggeri della Medusa. Qualcuno, come l’autore dell’opuscolo “Le opere più notevoli esposte al Salon del 1819”, Gault de Saint-Germain, ha visto l’orientamento esclusivamente politico de “La zattera della Medusa”.
Qualche tempo dopo, il dipinto fu mostrato nel Regno Unito con diverso successo: una mostra di un dipinto fu organizzata dall'imprenditore William Bullock.
Dopo la morte dell'artista nel 1824, il dipinto, insieme ad altre opere e collezioni di Géricault, fu messo all'asta. Il capo del Dipartimento di Belle Arti, il visconte de La Rochefoucauld, avvicinato dal direttore del Louvre de Forbin con la richiesta di acquistare la tela, offrì per essa 4-5mila franchi, sebbene fosse valutata 6000. Là si temeva che “La Zattera della Medusa” venisse acquistata da collezionisti che intendevano dividere la grandiosa tela in quattro parti. Dedreux-Dorcy acquistò il dipinto per 6.005 franchi, fungendo da intermediario nell'affare.
Nel 1825 de Forbin riuscì a trovare l’importo richiesto e l’opera principale di Géricault prese posto al Louvre.
Attualmente "La zattera della Medusa" si trova nella sala 77 del primo piano della Galleria Denon al Louvre, insieme ad altre opere della pittura francese dell'epoca romantica.
È caratteristico che l’interesse per la pittura di Géricault si sia intensificato durante gli anni di crisi politiche e rivoluzioni. Il pathos giornalistico de “La zattera della Medusa” era richiesto durante la caduta della Seconda Repubblica, che segnò la morte della società.
Questa foto riguarda il cannibalismo
Theodore Gericault, "La zattera della Medusa"
La storia si è rivelata brutta. Una storia che le autorità francesi hanno cercato di mettere a tacere. Fu quasi immediatamente "dimenticato" - fino alla mostra al Salon di Parigi del 1819, dove l'autore, Theodore Gericault, mostrò al pubblico il suo dipinto.
Naturalmente qui stiamo parlando meno di cannibalismo e più di valori senza tempo e complessità umane universali.
Che noi - non in una forma così terribile e selvaggia - ma incontriamo costantemente.
fatti sulla zattera della fregata "Medusa"
- La fregata militare "Medusa", avvolta in un'atmosfera eroica dopo le guerre napoleoniche, intraprese un tranquillo viaggio commerciale e di crociera. E, prima di raggiungere l'Africa, si è schiantato.
- Il capitano ordinò la costruzione di una zattera e il trasferimento del carico su di essa per liberare la nave.
- La zattera fu costruita, ma la nave si spezzò. La gente fu presa dal panico; il capitano cala le barche in acqua: vi entrano alcune persone (compreso il capitano).
- La maggior parte fu caricata su una zattera, trainata da scialuppe di salvataggio.
- Di notte, rendendosi conto che le barche non riuscivano a trainare la pesante zattera (con 150 persone), il capitano ordinò...
- ...tagliare le corde.
- Le barche partirono, ma la zattera rimase in mare.
- Le barche raggiunsero le coste e le persone che si trovavano a bordo (compresi il capitano e il governatore) furono salvate.
- Immaginate l'orrore e il panico di coloro che erano rimasti sulla zattera quando al mattino scoprirono, o meglio non trovarono, le barche.
- Sulla zattera c'era una divisione in classi: passeggeri e ufficiali da un lato, soldati e marinai dall'altro.
- La prima notte, 20 persone furono uccise (e si suicidarono).
- Il quarto giorno sopravvissero 67 persone.
- Il quinto giorno iniziò il cannibalismo.
- Tagliavano le vene dei più deboli e ne bevevano il sangue.
- Il viaggio durò tredici giorni. Quando la nave raccolse i sopravvissuti, ne erano rimasti solo 15.
- Di quelli salvati, 5 sono già morti sulla nave.
- In totale, delle 150 persone salite sulla zattera 13 giorni fa, 10 persone sono sopravvissute.
Sul dipinto stesso “La zattera della Medusa”.
Theodore Gericault scrisse il momento in cui le persone, esauste e sconvolte dal dolore, videro una nave all'orizzonte.
In primo piano c'è un vecchio, indifferente e devastato. Tutto quello che può fare è tenere il corpo di suo figlio che scivola nell'acqua, che è riuscito a proteggere dai compagni di viaggio affamati.
Con la composizione di quattro gruppi di personaggi, l'artista ha creato un'energica diagonale: dai cadaveri lo sguardo scivola al centro della zattera (dove si risveglia la speranza) fino a un gruppo di persone che invocano la salvezza. Si sente la forza in loro, sventolano energicamente i loro stracci, sono praticamente salvi!
Il prezzo di questa salvezza spetta a loro; per la vita...
Non c'è nessun personaggio principale nella foto, tutti sono principali e tutti sono secondari. Ognuno ha le proprie emozioni, i propri punti di forza. Qualcuno muore proprio prima della salvezza, la sua vita lo lascia davanti allo spettatore. Chi, al contrario, si risveglia; qualcuno non si sveglierà mai.
L'immagine è stata inondata di ondate di critiche.
Dal “Perché rimproverare il vecchio” alle valutazioni artistiche non sempre giuste.
L'enorme tela (491x716 cm) con la sua trama terribile (e vergognosa per la nazione francese) non era adatta né per un palazzo né per l'atrio di una casa rispettabile. Dopo la morte dell’artista, il dipinto fu acquistato all’asta per 6.000 franchi (il Louvre non ne diede più di 5.000) dall’amico di Theodore Gericault, Dedre-Dorcy.
Essendo il proprietario del dipinto, rifiutò un'offerta redditizia proveniente dagli Stati Uniti e successivamente donò la tela al Louvre per gli stessi 6.000 franchi a condizione che il dipinto fosse esposto permanentemente.
Oggi può essere visto lì se qualcuno entra nella sala 77 della Galleria Denon del Louvre (1° piano).
