Come altri tipi di attività spirituale umana, la musica è un mezzo per conoscere il mondo, dato a una persona in modo che impari a capire se stesso, vedere la bellezza dell'Universo e comprendere il significato della vita. “La musica è il linguaggio dei sentimenti”, diceva Robert Schumann. Ma la musica iniziò a imparare ad esprimere sentimenti solo alla fine del Rinascimento, a cavallo tra il XVI e il XVII secolo. Era un momento in cui una persona si rendeva conto di essere una persona capace di pensare, sentire e creare, quando fiorì l'arte secolare e nacque l'opera. L'espressione delle passioni-affetti umani divenne il compito principale dell'arte musicale nel XVIII secolo e, nell'era del romanticismo, il mondo delle emozioni e delle sensazioni diventa l'area principale a cui si rivolgono i compositori alla ricerca di temi, immagini e persino mezzi di espressione.
Sentimenti, suoni, schizzi della vita circostante, movimento... Ma il mondo delle idee non è soggetto alla musica? "Ogni opera veramente musicale ha un'idea", ha detto Beethoven. L'idea espressa nella sua famosa Quinta Sinfonia, l'autore stesso ha formulato come segue: "Dall'oscurità alla luce, attraverso la lotta alla vittoria". Non è affatto necessario che le parole aiutino la musica nell'incarnazione delle idee, sia essa un programma letterario, un libretto d'opera, un'epigrafe poetica o spiegazioni dell'autore. Non conosciamo il programma della 6a sinfonia di Čajkovskij, che, secondo lo stesso compositore, esisteva nella sua immaginazione, pochissimi conoscono le dichiarazioni frammentarie di Čajkovskij, che concretizzano il contenuto figurativo e ideologico dell'opera. Tuttavia, è improbabile che qualcuno dubiti che questa musica riguardi la vita e la morte, la confusione dello spirito umano, comprendendo la tragica inevitabilità della partenza.
Emozioni e sensazioni, movimento e cambiamento, idee e rappresentazioni, vita quotidiana e natura, reale e fantastico, le più sottili sfumature di colore e grandiose generalizzazioni: tutto è accessibile alla musica, anche se non nella stessa misura. Quali mezzi ha l'arte musicale, quali regolarità ne sono alla base, in quali forme esprime un contenuto così vario?
La musica esiste in uno speciale sistema di coordinate, le cui dimensioni più importanti sono lo spazio e il tempo del suono. Entrambe le dimensioni costituiscono le proprietà primarie e generiche della musica, sebbene solo la prima sia specifica per essa: il tono. Delle migliaia di suoni del mondo circostante, solo i suoni musicali possono diventare musica (il rumore e gli effetti di percussione sono usati in modo molto selettivo anche nelle opere dei moderni compositori d'avanguardia). Ma il suono musicale stesso non può essere percepito né emotivamente né esteticamente. Non ancora musica, ma un insieme di suoni musicali che possono essere assimilati alla tavolozza di un artista oa un insieme di parole a disposizione del poeta.
Si ritiene che i principali mezzi espressivi della musica siano la melodia, l'armonia e il ritmo.
La portatrice di significato e la più piccola unità strutturale del linguaggio musicale è l'intonazione, la cui esistenza ribadisce la profonda connessione tra i due mondi - verbale e sonoro - e dimostra che anche all'inizio della musica "c'era una parola. " Tuttavia, qui il concetto di intonazione acquista un significato diverso, molto più profondo e comprensivo. L'accademico B. Asafiev ha detto molto accuratamente questo: "La musica è l'arte del significato intonato". I progenitori di molte intonazioni musicali erano le intonazioni del linguaggio umano, ma non ordinarie, ma quelle che compaiono nei momenti di più vivida espressione di passioni o emozioni. Le intonazioni di pianti, lamentele, esclamazioni o domande sono entrate in musica dal vero e, anche senza essere associate alla parola (ad esempio, nei generi strumentali), conservano il loro significato emotivo e psicologico primario. Un attributo obbligatorio dell'inizio eroico nella musica sono le intonazioni imperative e invocative - in particolare, un quarto ascendente, sull'ultimo suono del quale cade un accento metrico.
IN epoche diverse per diversi compositori, alcune proprietà dell'armonia si manifestavano in modo diverso: i classici vi apprezzavano, prima di tutto, la capacità di collegare logicamente le consonanze, attivare il processo di sviluppo musicale e costruire una composizione (che era particolarmente pronunciata in forma sonata); i romantici aumentarono significativamente il ruolo delle qualità espressivo-emotive dell'armonia, sebbene non fossero indifferenti alla brillantezza del suono; I compositori impressionisti si sono completamente immersi nell'ammirare il colore del suono: non è un caso che il nome stesso di questa direzione sia direttamente correlato a una tendenza simile nella pittura europea.
Le manifestazioni delle proprietà espressive della modalità sono molto diverse. Le tonalità maggiori e minori, familiari a tutti, hanno una colorazione emotiva e coloristica abbastanza definita: la maggiore suona leggera, allegra ed è associata a immagini gioiose e luminose, la musica scritta in minore è, di regola, di colore cupo ed è associata con l'espressione di stati d'animo tristi-malinconico o luttuosi.
Di grande importanza nella musica è il tempo, cioè la velocità dell'esecuzione, che dipende dalla frequenza di alternanza dei battiti metrici. I tempi lenti, veloci e moderati sono associati non solo a diversi tipi di movimento, ma anche a una certa area di espressività. È impossibile immaginare, ad esempio, un'elegia romantica a un ritmo veloce o un Krakowiak al tempo di un adagio. Il tempo ha una forte influenza sullo "stato d'animo del genere": è la natura lenta del movimento che consente di distinguere una marcia funebre da una marcia militare o da una marcia scherzo, e cambiamenti di tempo più radicali possono ripensare completamente il genere - trasforma un lento valzer lirico in uno scherzo vertiginoso e un galante minuetto in un maestoso - un'imponente sarabanda. Spesso il tempo e il metro giocano un ruolo decisivo nella creazione di un'immagine musicale. Confrontiamo due delle opere più famose di Mozart: il tema della prima parte della 40a sinfonia e l'aria di Pamina dal secondo atto dell'opera "Il flauto magico". Si basano sulla stessa intonazione di lamentela - lamento, dipinta nei toni elegiaci di sol minore. La musica della prima parte della sinfonia è simile a un discorso agitato in cui il sentimento si riversa direttamente, crea una sensazione di impulso tremante, quasi romantico. I testi dell'aria sono addolorati, profondi, senza speranza, come incatenati dall'interno, ma pieni di tensione nascosta. Allo stesso tempo, il tempo ha un'influenza decisiva sulla natura dell'immagine lirica: nel primo caso è veloce, e nel secondo è lento, così come le dimensioni: nella sinfonia è in due parti, con motivi giambici che cercano un ritmo forte, nell'aria di Pamina è con una pulsazione in tre parti, ammorbidita e più fluida.
La musica è l'arte dell'espressione sonora, un tipo speciale di pensiero con immagini sonore. Come altri tipi di arte, come la pittura, la scultura, la coreografia, la musica riproduce le esperienze emotive delle persone e la realtà che le circonda in una forma viva e figurativa.
Le opere di grandi compositori richiedono una lotta per un futuro migliore, risvegliano nobili impulsi e aspirazioni spirituali. Questo tipo di musica non è per tutti. Non tutti possono comprendere il significato del suo design e la bellezza delle immagini artistiche.
Il famoso romanzo di Jack London descrive come il ragazzo che lavora Martin Eden, dopo aver ascoltato per la prima volta l'esecuzione di musica classica per pianoforte, fosse scoraggiato.
La performance di Ruth "ha sbalordito Martin, lo ha colpito come un duro colpo alla testa, ma stordito e schiacciato, allo stesso tempo ha smosso la sua anima".
La capacità della musica di grande potenza impressionante di trasmettere le sfumature più sottili del sentimento in movimento, in continuo sviluppo, è uno dei suoi aspetti più potenti e attraenti.
Caratterizzando la musica come un'area principalmente di esperienze emotive, non si può dire che il contenuto di qualsiasi opera musicale sia interamente limitato a una cerchia di stati d'animo e sentimenti profondamente personali. Esprimendo sentimenti in opere musicali con grande potere artistico viene riprodotta tutta la diversità della realtà circostante. Conoscere i migliori lavori creatività musicaleè chiaro che il loro contenuto non è solo esperienze e stati d'animo emotivi, ma anche una seria riflessione, l'immagine di vari personaggi umani nei loro reciproci scontri e lotte di vita, grandi conflitti sociali.
Uno dei "pittori" musicali eccezionali è stato N.A. Rimskij-Korsakov.
Come in ogni arte, il contenuto di un brano musicale si trasforma in un'immagine artistica, e spesso in un intero sistema di immagini. Le immagini dell'arte musicale sono percepite a orecchio. Ecco perché no, anche la più vivida descrizione verbale e letteraria di un'opera musicale può dare un'idea reale del suo suono immediato.
E in ogni immagine musicale, che si tratti di una semplice melodia di una canzone popolare o romanticismo lirico, caratteristica musicale eroe o idea principale lavoro strumentale- i fenomeni della realtà sono riprodotti da specifici mezzi espressivi del linguaggio musicale.
Il concetto di linguaggio musicale copre una varietà di elementi costitutivi e mezzi espressivi dell'arte musicale. Ciò include la natura metodica dell'intonazione della musica, il ritmo, l'organizzazione modale dei suoni. discorso musicale, presentazione polifonica, tempo di esecuzione, registri sonori alti o bassi, timbro e molto altro.
Un aspetto importante della musica è l'organizzazione ritmica. Vari aspetti della realtà sono ricreati dai mezzi espressivi del ritmo musicale. Lo sviluppo di un sentimento musicale-ritmico nelle persone è stato facilitato da varie manifestazioni di periodicità ritmica, a partire dall'attività vitale del corpo umano stesso: respirazione e battiti cardiaci uniformi, polso, regolarità del passo naturale durante la deambulazione, ordine dei movimenti di lavoro durante colpi di ascia, pala, colpo di falce. Non è un caso che uno dei più antichi tipi di canti in origine fossero i cosiddetti cori di lavoro, che contribuivano a stabilire un ritmo di lavoro misurato della squadra di lavoro. Le esclamazioni del ritornello di tali canzoni ("Ancora una volta", "Take", "Muoviamoci", "Wow") sono servite come segnali per fare uno sforzo lavorativo congiunto.
IN mondo moderno molti tipi di musica. E ogni persona sceglie quello che gli si addice. Ma la cosa principale è che le opere musicali non dovrebbero perdere la loro missione - migliorare la vita, migliorare l'umanità, aprire la strada al futuro - radiosa e bella.
La musica è l'arte più alta del mondo. (Lev Nikolaevic Tolstoj)
Se vuoi che i tuoi figli facciano il primo passo possibile verso il Premio Nobel, inizia non dalla chimica, ma dalla musica. Per la stragrande maggioranza dei premi Nobel durante l'infanzia erano circondati dalla musica. Perché la musica è cibo per il cervello, nelle strutture della musica tutte successive scoperte scientifiche. Sia Einstein al violino che Planck al pianoforte non sono un caso, non un capriccio, ma una necessità divina. ". ( Mikhail Kazinik)
Serata creativa M.Kazinik-Segni segreti della cultura"Tra i piaceri della vita, la musica è inferiore solo all'amore, ma l'amore è anche una melodia!"
(A.S. Pushkin)
La musica è l'unica lingua del mondo, non ha bisogno di essere tradotta, l'anima parla all'anima in essa. (Berthold Auerbach)
La musica è il vero linguaggio umano universale. (Carlo Giulio Weber)
La musica è una potente fonte di pensiero. Senza educazione musicale, lo sviluppo mentale a tutti gli effetti è impossibile. (Vasily Alexandrovich Sukhomlinsky)
La musica è un bisogno delle persone. (Ludwig van Beethoven)
La musica è il mediatore tra la vita della mente e la vita dei sensi. (Ludwig van Beethoven)
La musica è la poesia dell'aria. (JP Richter)
La musica è il linguaggio universale dell'umanità. (Henry Longfellow)
La musica è l'arte della tristezza e della gioia senza motivo. (Tadeusz Kotarbinski)
La musica è rumore pensante. (Victor Marie Hugo)
La musica è una rivelazione più alta della saggezza e della filosofia. (Ludwig van Beethoven)
La musica è intelligenza incarnata in suoni meravigliosi. (Ivan Sergeyevich Turgenev)
La musica è una scorciatoia per i sentimenti. (Lev Nikolaevic Tolstoj)
La musica ha più a che fare con le azioni morali dell'uomo di quanto si pensi comunemente. (VF Odoevskij)
La musica ispira il mondo intero, fornisce le ali all'anima, favorisce il volo dell'immaginazione ... (Platone)
La musica lava via la polvere della vita quotidiana dall'anima. (Berthold Auerbach)
La musica soffoca la tristezza. (William Shakespeare)
La musica, anche nelle situazioni drammatiche più terribili, deve sempre catturare l'orecchio, rimanere sempre musica. (Wolfgang Amadeus Mozart)
La musica per me è la stessa poesia, e di tutti i tipi di poesia, è la più accattivante.
(Romain Rolland)
La musica dovrebbe accendere il fuoco nei cuori delle persone. (Ludwig van Beethoven)
La musica ci è cara perché è l'espressione più profonda dell'anima, l'eco armonica delle sue gioie e dei suoi dolori. (Romain Rolland)
La musica è l'esercizio inconscio dell'anima in aritmetica. (Gottfried Guglielmo Leibniz)
La musica è un tesoro in cui ogni nazionalità contribuisce con il proprio, per il bene comune. (PI Ciajkovskij)
La musica mi fa dimenticare me stesso, la mia vera posizione, mi porta in un altro, non nella mia posizione ... (Leo Nikolayevich Tolstoy)
La musica non ha patria; la sua patria è l'intero universo. (F. Chopin)
La musica non può pensare, ma può incarnare il pensiero. (R.Wagner)
La musica non è solo un fattore nobilitante ed educativo. La musica è il guaritore della salute. (Vladimir Bechterev)
La musica non dice nulla alla mente: è un'assurdità perfettamente strutturata.
(Anthony Burgess)
La musica nobilita la morale, ma la morale corrompe la musica. (Krzysztof Bilica)
La musica nobilita la morale. (Aristotele)
La musica forma il mezzo tra il pensiero e l'apparenza. (Heinrich Heine)
La musica unisce le sfere morale, emotiva ed estetica di una persona. La musica è il linguaggio dei sentimenti. (Vasily Alexandrovich Sukhomlinsky)
Solo la musica è la lingua del mondo e non ha bisogno di traduzione, perché parla all'anima.
(B. Averbach)
La musica ci incoraggia a pensare in modo eloquente. (Ralph Waldo Emerson)
La musica è come il dramma. La regina (melodia) ha più potere, ma la decisione spetta sempre al re. (Roberto Schumann)
La musica mostra a una persona le possibilità di grandezza che sono nella sua anima.
(Ralph Waldo Emerson)
La musica con la sua melodia ci porta ai confini dell'eternità e ci dà l'opportunità di comprenderne la grandezza in pochi minuti. (Thomas Carley)
La musica crea sentimenti che non sono nella vita. (Stanislav Vitkevich)
La musica è in grado di esercitare una certa influenza sul lato etico dell'anima. (Aristotele)
La musica ha bisogno di parole tanto quanto la scultura. (Anton Grigorievich Rubinstein)
La musica, come ogni altro linguaggio umano, deve essere inseparabile dal popolo, dal suolo di questo popolo, dal suo sviluppo storico. (Vladimir Vasilievich Stasov)
La musica è terribile quando non c'è tatto o misura in essa. (William Shakespeare)
La musica, come la pioggia, goccia dopo goccia, penetra nel cuore e lo ravviva.
(Romain Rolland)
L'ignoranza musicale ha sempre amato afferrare la bacchetta del direttore d'orchestra. (Boris Andreev)
(PI Ciajkovskij)
vera musica sempre rivoluzionario, unisce le persone, le turba, le chiama avanti. (Dmitry Shostakovich)
La vera musica è in grado di esprimere solo sentimenti umani, solo idee umane progressiste. (Dmitry Shostakovich)
"La musica accompagna una persona per tutta la vita. Senza musica, è difficile immaginare la vita di una persona. Senza i suoni della musica, sarebbe incompleta, sorda, povera ... Le persone hanno bisogno di tutti i tipi di musica - dalla semplice melodia di un flauto al suono di un'enorme orchestra sinfonica, da canzoni popolari senza pretese alle sonate di Beethoven" (D.D. Shostakovich).
Non credere che una persona possa capire subito la musica. Questo è impossibile. Devi abituarti prima. (VF Odoevskij)
Non so se gli angeli suonano davvero Bach solo in presenza di Dio; ma sono sicuro che nella loro cerchia familiare suonano Mozart. (KarlBarth)
Noi non ascoltiamo musica, ma la musica ascolta noi. (Theodor Adorno)
Non sparare al pianista: fa del suo meglio. (Oscar Wilde)
Niente evoca il passato con tanta forza quanto la musica; ottiene di più: quando lo invoca, sembra che esso stesso ci passi davanti, avvolto, come le ombre di coloro che ci sono cari, da un velo misterioso e triste. (Germaine de Staël)
Ho bisogno di nuove orecchie per nuova musica. (Friedrich Nietzsche)
Oh musica! Eco di un lontano mondo armonioso! Sospiro di un angelo nella nostra anima! (JP Richter)
Sulla musica è necessario scrivere note. (Boleslav Pashkovskij)
Il campo della musica è disordini spirituali. Lo scopo della musica è quello di suscitare queste emozioni, e anche lei stessa si ispira ad esse. (Giorgio Sabbia)
La musica, anche nelle situazioni drammatiche più terribili, deve sempre catturare l'orecchio,
sii sempre musica.
(Wolfgang Amadeus Mozart
Il materiale musicale, cioè melodia, armonia e ritmo, è certamente inesauribile.
(PI Ciajkovskij)
La musica è una scorciatoia per i sentimenti.
(L. Tolstoj)
La musica ha avuto origine in tempi antichi. Ciò è evidenziato dai tanti oggetti trovati con immagini di strumenti musicali, esecutori, sebbene le opere musicali di epoche lontane non ci siano pervenute.
Sin dai tempi antichi, la musica è stata riconosciuta come un mezzo importante e indispensabile per plasmare qualità personali persona, la sua mondo spirituale. IN Grecia antica c'era persino una dottrina che confermava l'effetto della musica sulle emozioni umane. È stato dimostrato che alcune melodie rafforzano il coraggio e la resistenza, mentre altre, al contrario, coccolano.
Qual è l'unicità della musica come arte? Confrontalo con la pittura, la scultura, la letteratura.
La musica non può rappresentare o descrivere i fenomeni della vita con lo stesso grado di concretezza di questi tipi di arte (sebbene abbia alcune possibilità di rappresentazione).
È possibile trasmettere determinati contenuti con l'aiuto dei suoni? Come chiamiamo il contenuto della musica?
Il famoso psicologo B.M. Teplov ha scritto: "Nel senso più diretto e immediato, il contenuto della musica sono sentimenti, emozioni, stati d'animo". (Psicologia delle abilità musicali. - M .; L., 1947. - S. 7.)
La particolarità della musica è che riesce a trasmettere con grande immediatezza e potenza lo stato emotivo di una persona, tutta la ricchezza di sentimenti e sfumature che esistono nella vita reale.
Poiché la musica è una forma d'arte temporanea (a differenza della pittura, della scultura), ha la capacità di trasmettere cambiamenti di stati d'animo, esperienze, dinamiche di stati emotivi e psicologici. Ogni brano musicale ha quindi un certo "programma sensoriale" (termine dello psicologo V. G. Razhnikov), che si svolge nel tempo.
La musica può anche rappresentare qualsiasi fenomeno specifico della realtà - il suono delle onde, l'ululato del vento, lo scrosciare di un ruscello, il canto degli uccelli - per onomatopea.
Esiste la cosiddetta musica a programma, in cui il compositore indica il titolo dell'opera, cioè implica la presenza di un programma generalizzato, oppure scrive musica per un certo testo letterario. Nella musica del programma, vari tipi di momenti pittorici, ma è importante notare che anche luminoso opere pittoriche hanno sempre una connotazione emotiva: il cinguettio di un uccellino può essere amichevole, allegro, oppure può essere allarmante; il rumore delle onde, pacificato o minaccioso.
Pertanto, l'espressività è sempre inerente alla musica e il rappresentazionalismo ha un valore ausiliario. La figuratività non è presente in ogni opera, ma anche brillantemente musica visiva esprime sempre stati d'animo, stati emotivi e psicologici.
La musica, compresa la musica non collegata alla parola, esprime determinati pensieri ed evoca generalizzazioni. Ma sorgono attraverso la percezione emotiva di suoni, melodie, quando l'ascoltatore traccia lo sviluppo, lo scontro di personaggi, temi, confronta varie immagini in parti dell'opera.
Un'altra caratteristica della musica rispetto alla pittura, la scultura è la necessità di un intermediario per riprodurla.
Un importante compositore musicologo B.V. Asafiev ha osservato che la musica esiste nella trinità dei processi della sua creazione da parte del compositore, riproduzione da parte dell'esecutore e percezione da parte dell'ascoltatore.
L'esecutore, essendo l'intermediario del compositore, deve ravvivare, dare voce a un brano musicale, comprenderlo in modo creativo ed esprimere quei pensieri e sentimenti che l'autore ha cercato di trasmettere.
In generale, le possibilità espressive della musica hanno una costanza sufficiente. Quindi, ad esempio, la musica del lutto è percepita da tutte le persone come un lutto e la musica tenera è percepita come tenera. Ascoltare la musica è un processo creativo, poiché lo stesso lavoro dà origine a persone diverse varie esibizioni musicali e non musicali a seconda esperienza di vita, esperienza di percezione della musica.
Su cosa si basa l'espressività del linguaggio musicale? Quali sono i mezzi di espressione musicale?
Questi includono tempo, dinamica, registro, timbro, ritmo, armonia, modo, melodia, intonazione, ecc.
L'immagine musicale è creata da una certa combinazione! mezzi di espressione musicale. Ad esempio, un carattere formidabile può essere trasmesso da dinamiche piuttosto rumorose, un registro basso, combinato con un tempo contenuto. Carattere gentile: ritmo calmo, dinamica morbida e ritmo misurato. Il ruolo dei singoli mezzi musicali nella creazione di un'immagine; sembra essere irregolare. Ogni immagine musicale è dominata da determinati fondi espressività.
L'espressività del linguaggio musicale è per molti aspetti simile all'espressività della parola. C'è un'ipotesi sull'origine della musica dalle intonazioni del discorso, che sono sempre emotivamente colorate.
Ci sono molte somiglianze tra musica e parole. I suoni musicali, come la parola, sono percepiti dall'orecchio. Con l'aiuto della voce vengono trasmessi gli stati emotivi di una persona: risate, pianto, ansia, gioia, tenerezza, ecc. La colorazione dell'intonazione nel discorso viene trasmessa utilizzando timbro, tono, forza della voce, tempo del discorso, accenti, pause. L'intonazione musicale ha le stesse possibilità espressive.
B. V. Asafiev ha scientificamente confermato la visione dell'arte musicale come arte intonazionale, la cui specificità sta nel fatto che incarna il contenuto emotivo e semantico della musica, proprio come lo stato interno di una persona è incarnato nelle intonazioni del discorso. L'intonazione del discorso esprime, prima di tutto, i sentimenti, gli stati d'animo, i pensieri di chi parla, nonché l'intonazione musicale. Quindi, il discorso eccitato di una persona si distingue per ritmo veloce, continuità o presenza di piccole pause, aumento del tono e presenza di accenti. La musica che trasmette confusione di solito ha le stesse caratteristiche. Il discorso lugubre di una persona, come la musica lugubre (tranquilla, lenta), è interrotto da pause, esclamazioni. IO
BV Asafiev ha usato il termine intonazione in due significati. | La prima è la più piccola particella espressiva e semantica, "intonazione del grano", "cellula" dell'immagine. Ad esempio, l'intonazione di due suoni discendenti con un'enfasi sul primo (intervallo di seconda minore) di solito esprime dolore, sospiro, pianto e un salto verso l'alto nella melodia di quattro suoni (per quarto) con un'enfasi sul secondo suono è un principio attivo.
Il secondo significato del termine è usato in senso lato: come intonazione pari alla lunghezza di un'opera musicale. In questo senso la musica non esiste al di fuori dell'intonazione. La forma musicale è il processo di modifica delle intonazioni.
La forma musicale in senso lato è la totalità di tutti i mezzi musicali che esprimono contenuto. In un senso più stretto, la struttura di un'opera musicale, il suo rapporto parti separate e sezioni all'interno della parte, cioè la struttura dell'opera.
La natura temporale della musica consente di trasmettere i processi di sviluppo, tutti i tipi di cambiamenti. Per comprendere il significato dell'opera, per sentirlo, è necessario seguire lo sviluppo delle immagini musicali.
Tre principi sono importanti nella creazione di una forma: ripetizione, contrasto, sviluppo (variazione).
La ripetizione può variare. Una frase musicale ripetuta due volte di seguito sostituisce uno stop, questo aiuta ad ascoltare più profondamente, a ricordare la melodia. In un altro caso, un tema contrastante suona tra le ripetizioni. Il ruolo di tali ripetizioni è molto grande: costituiscono la base della drammaturgia musicale, in quanto consentono di affermare il primato dell'immagine.
Se c'è un episodio contrastante tra le sezioni ripetute, si forma una semplice forma tripartita. Schematicamente, può essere rappresentato come segue: ABA.
Il valore espressivo della ripetizione di un tema aumenta se, dopo la comparsa di una nuova immagine (B), essa stessa muta. Convenzionalmente, la sua “seconda apparizione è designata come A1. In questo caso la forma tripartita può essere rappresentata dallo schema ABA1.
La ripetizione è collegata a un altro principio: ai contrasti, che ti consente di innescare la ripetizione. Il contrasto aiuta a esprimere un cambiamento di umore nella musica, può suonare come opposizione. Quindi, ad esempio, se la prima parte era piena di spensieratezza, divertimento, la parte centrale introduce un'immagine contrastante (ansia, cattiveria, ecc.). Nella terza parte, a seconda che la ripetizione sia accurata o modificata, si può seguire lo sviluppo dell'immagine, la drammaturgia musicale.
Il contrasto è associato a un altro principio di formazione: lo sviluppo. Se l'argomento stesso è costituito da due (o più) elementi contrastanti o una sezione del modulo - da più argomenti, ciò dà origine a conflitti, possibilità della loro collisione, sviluppo. Questo principio ha una varietà - sviluppo variazionale, che ha origine da improvvisazioni popolari.
Questi tre principi di formazione spesso si verificano insieme. Forme musicali più complesse si formano con l'aiuto di questi stessi principi.
Cerchiamo di caratterizzare alcuni tipi di musica - generi musicali.
In linea di massima, la musica può essere suddivisa in vocale e strumentale. musica vocale associato alla parola, al testo poetico. Le sue varietà sono musica solista, d'insieme e corale. Nella musica strumentale, il contenuto è espresso più in generale. Le sue varietà includono musica solista, d'insieme e orchestrale.
Ma la divisione della musica solo in vocale e strumentale è molto condizionata. Esiste grande varietà generi di musica popolare e classica.
Le persone non possono vivere senza musica. Ascoltano musica ovunque, anche nella foresta quando camminano e ascoltano il canto degli uccelli. La musica è condizionatamente divisa in classica e moderna. La musica classica richiede una buona comprensione, altrimenti può sembrare noiosa e poco interessante. La maggior parte delle persone preferisce la musica moderna: pop, rock, disco, rap, techno, ecc.
Per rendere un brano musicale più espressivo, i suoi creatori ne usano spesso vari stili linguistici. Nonostante la comunanza della stragrande maggioranza strumenti linguistici, ogni stile linguistico ha le sue differenze linguistiche, che hanno alcuni mezzi di espressione specifici.
Considerare i principali tipi e generi, analizzare le caratteristiche dell'uso dei mezzi linguistici nelle canzoni di vari stili in inglese è lo scopo di questo lavoro.
La scelta dell'argomento del nostro lavoro è dovuta a informazioni insufficienti sulle caratteristiche linguistiche dei moderni mass media. cultura musicale, così come il crescente interesse dei giovani oggi per i più popolari e specie moderne e generi della cultura musicale.
L'opera è composta da un'introduzione, 3 capitoli, una conclusione e un'appendice. Il primo capitolo è dedicato alla questione del ruolo della musica nella vita della società. Questo capitolo discute le caratteristiche della musica come forma d'arte. Nel secondo capitolo, ci rivolgiamo alla moderna cultura musicale di massa e ne sveliamo i principali tipi e generi. Nel terzo capitolo, analizziamo le caratteristiche dell'implementazione degli stili linguistici nei testi delle canzoni inglesi attraverso l'uso di mezzi espressivi specifici. In appendice diamo esempi di testi sul nostro argomento.
Abbiamo utilizzato metodi di ricerca come osservazione, analisi comparativa, confronto.
È stata utilizzata una vasta gamma di materiali sul nostro argomento.
La musica ha una forte influenza su mondo interiore persona. Può portare piacere o, al contrario, provocare una forte ansia mentale, incoraggiare l'ascoltatore a pensare e aprire davanti a lui aspetti della vita precedentemente sconosciuti. È la musica che viene data per esprimere sentimenti così complessi che a volte sono impossibili da descrivere a parole. La musica unisce le persone nelle loro aspirazioni di amicizia, pace, fonde i loro pensieri e sentimenti in un unico flusso. La musica ti permette di realizzare problemi complessi non solo con la mente, ma anche con il cuore, come per sentirli dall'interno, non solo per pensare, ma anche per entrare in empatia. La musica gioca un ruolo importante nell'educazione estetica delle persone. Aiuta le persone ad imparare ad apprezzare e comprendere il bello, arricchisce l'intelletto e i sentimenti.
Ci sono composizioni musicali strumentali e vocali. Gli scienziati affermano che l'umanità esiste sulla terra da circa un milione di anni. Quando la gente ha avuto la musica? I primi strumenti, secondo i ricercatori, sono apparsi contemporaneamente all'emergere della parola, il che significa che il linguaggio delle parole e il linguaggio della musica si sono formati in parallelo, completandosi e arricchendosi a vicenda. All'inizio, la musica appare in stretta connessione con i processi lavorativi. Un altro motivo per l'emergere della musica risiede nell'eterno bisogno di una persona di riversare i suoi sentimenti, stati d'animo in melodie, cioè l'emergere della musica è dovuto alla natura emotiva di una persona.
La musica è un'arte e, quindi, è una delle forme coscienza pubblica. Come ogni arte, la musica riflette la vita in immagini artistiche. La musica è l'arte del suono. Può evocare in una persona l'idea della grandezza e della bellezza della natura, delle tempeste e delle tragedie della vita, canta la volontà e il coraggio di un eroe che entra nella lotta contro gli elementi, fa piangere o gioire l'ascoltatore in occasione della vittoria. La musica è in grado di rivelare gli impulsi più intimi dell'anima, i sentimenti e gli stati d'animo di una persona. Ecco perché la musica è chiamata arte espressiva. Un'altra caratteristica della musica è la performance. Affinché un brano musicale diventi noto alla gente, deve essere eseguito. Nella musica è importante anche la connessione delle impressioni uditive con il linguaggio umano. I principali schemi musicali sono determinati principalmente dall'espressività del linguaggio umano, dal suo ritmo, tempo e carattere.
La musica professionale è molto varia. La cosiddetta musica leggera e divertente è creata per il relax ed è spesso percepita come sottofondo della vita quotidiana. L'area più difficile dell'arte musicale professionale è la musica classica. Il classico si riferisce a domande eterne essendo. Al centro degli scritti classici ci sono morali, religiosi e problemi filosofici. Un'area speciale della musica classica sono le opere sacre, solitamente destinate ad accompagnare i servizi di culto. Tali opere trasmettono i sentimenti religiosi più intimi di una persona. Un altro settore importante creatività professionale- musica jazz e rock. Trasmettono la percezione del mondo da parte di un uomo di una nuova era, la cui vita è stata radicalmente cambiata dalla rivoluzione tecnologica, dalle guerre mondiali e dalle catastrofi sociali. Ci sono molte varietà di jazz e rock. Alcuni sono vicini alla musica divertente, mentre altri, al contrario, richiedono un ascoltatore serio e preparato.
Una profonda comprensione della musica richiede un certo sforzo da parte dell'ascoltatore, ma quanto guadagna una persona che ha fatto questo sforzo! Un mondo meraviglioso si apre davanti a lui, pieno di suoni che affascinano con bellezza e spiritualità. Questo mondo è aperto alle persone, l'importante è ascoltare la musica.
Capitolo 2. Cultura musicale di massa moderna. Tipi e generi
2. 1. Musica jazz
I commercianti di schiavi, che in diversi secoli portarono centinaia di migliaia di negri fuori dall'Africa, non potevano, ovviamente, prevedere che la musica creata dai discendenti di questi schiavi, con la sua bellezza e originalità, avrebbe conquistato il mondo e si sarebbe diffusa in quasi tutti continenti. Questa musica è jazz. Tra i primi schiavi stabilitisi in America, questi canti e questi ritmi non erano ancora molto diversi dal canto africano. Nel tempo, il ricordo della musica africana è svanito, il che è stato notevolmente facilitato dal fatto che i missionari insegnassero loro inni religiosi. Tuttavia, i negri cantavano queste melodie a modo loro. In effetti, erano già spiritual, cioè canzoni religiose negre. È chiaro che la musica negra si è sviluppata in isolamento, solo fugacemente e superficialmente a contatto con la musica bianca. In questo periodo fiorì la canzone popolare dei neri americani, il blues. Il blues è una denuncia, un grido di protesta. La musica era triste, ma non troppo. Cantano dell'amore ingannato, del bisogno, del duro lavoro. Sulla base del blues e degli spiritual, nasce il jazz, un arrangiamento orchestrale di canzoni popolari e religiose di neri negli Stati Uniti. Il termine jazz (originariamente jass) non ricorreva prima fine del XIX- XX secoli. , può anche derivare dal francese jaser (con il significato di "chiacchierare", che è conservato nello slang americano: jazz - "fucks", "nonsense"), e da qualsiasi parola in una delle lingue africane. Nei circoli più alti del Nuovo e del Vecchio Mondo, la parola, che in seguito divenne un termine puramente musicale, era associata a qualcosa di rumoroso, maleducato, sporco. Il risultato è il jazz interazione a lungo termine vari strati di cultura musicale in tutto il Nord America, ovunque gli schiavi negri dall'Africa (principalmente occidentali) dovevano padroneggiare la cultura dei loro padroni bianchi. Questi sono inni religiosi - spirituale e la forma più comune di musica quotidiana (banda di ottoni) e folklore rurale (i negri hanno skiffle) e, soprattutto, salone musica per pianoforte ragtime - ragtime (letteralmente "ritmo irregolare"). Esistono diversi tipi di musica jazz.
2. 1. 1. Folclore africano
Il folklore africano include i seguenti generi di canzoni: a) Canzone di lavoro / Canzone di lavoro (inglese, canzone di lavoro) - un tipo di canzone di lavoro, uno dei primi generi arcaici del folklore afroamericano. Legato alle origini africane in Di più di tutti gli altri generi folcloristici negri. Una caratteristica distintiva della canzone di lavoro è la sua funzione sociale intrinseca: l'accompagnamento e l'organizzazione ritmica del processo lavorativo.
b) Spirituals / Spiritual (spirituale) - un genere spirituale arcaico di canto corale dei neri nordamericani. Presumibilmente deriva dagli inni folcloristici monofonici negri, eseguiti in modo domanda-risposta all'alba dell'era coloniale e nel XIX secolo. sviluppato in un'originale forma finita di polifonia.
c) Blues / Blues (da sentirsi blu - essere tristi o da diavoli blu malinconia, blues. Blues - originariamente collettivo plurale, che denota uno stato di tristezza, malinconia, sconforto) è un genere tradizionale della musica afroamericana, che è una delle più alte conquiste della cultura musicale negra. Blues è un brano solista (raramente duetto), la cui particolarità sta nel carattere vocale-strumentale. Il principio di costruzione della forma ereditato dall'Africa - una breve domanda del solista e la stessa breve risposta del coro nel blues si è trasformato in un principio vocale-strumentale: il cantautore fa una domanda e risponde da solo, il più delle volte alla chitarra .
d) Ragtime / Ragtime (da "torn time") è un genere americano originale che si è sviluppato nell'ultimo quarto del XIX secolo nel campo della musica folk sotto l'influenza di alcune varietà arcaiche di musica strumentale negra, così come canzoni kunsong e danze keykuok. Nella distribuzione e nello sviluppo del ragtime, il ruolo di primo piano spettava ai musicisti bianchi.
2. 1. 2. Jazz tradizionale e swing Jazz tradizionale.
a) Jazz arcaico (primo) / Arhic (primo) jazz - la designazione dei tipi di jazz più antichi e tradizionali. Nel jazz, le sue origini si sono fuse in un unico canale, avvenuto nella seconda metà dell'Ottocento e all'inizio del Novecento. Spesso, flussi separati si collegavano arbitrariamente tra loro: ad esempio, secondo una delle tradizioni africane, le bande di ottoni suonavano marce funebri sulla strada per il cimitero e sulla via del ritorno - balli divertenti. Nei pub, cantanti blues itineranti cantavano con l'accompagnamento del pianoforte, le orchestre tipicamente europee da salotto includevano nel loro repertorio le canzoni e le danze dei loro cakewalks (o cakewalks, cake-walk - un ballo su musica ragtime). L'Europa ha riconosciuto il ragtime proprio come accompagnamento a quest'ultimo. Tutte queste combinazioni sono chiamate condizionatamente jazz arcaico.
b) Jazz classico / Jazz classico - il nome generale degli stili che si sono sviluppati sulla base del jazz arcaico. Il periodo classico risale al 1890-1929 circa. Si è conclusa con l'inizio dell '"era dello swing". Momenti di massimo splendore jazz classico- intorno al 1917 (New Orleans) e ancora a metà degli anni '20 (Chicago). Si ritiene che le circostanze più favorevoli abbiano accompagnato la formazione del jazz nella città portuale di New Orleans. A New Orleans coesistevano fianco a fianco due culture afroamericane: i creoli relativamente liberi (neri francofoni, di solito cattolici) e gli schiavi protestanti anglosassoni liberati dopo la guerra civile americana. I creoli avevano accesso alla cultura classica di origine europea, di cui, diciamo, nel New England puritano, anche gli immigrati dall'Europa erano privati. Le bande di ottoni a New Orleans, come in Europa, erano parte integrante della vita urbana. Ma nell'ambiente afroamericano, la banda di ottoni è cambiata radicalmente. Da un punto di vista ritmico, la loro musica era primitiva come le danze e le marce europee e non aveva nulla a che fare con il jazz del futuro. Il materiale melodico principale era distribuito in modo razionale e compatto tra i tre strumenti: tutti e tre suonavano lo stesso tema - la cornetta (tromba) lo portava più o meno vicino all'originale, il clarinetto mobile sembrava serpeggiare attorno alla linea melodica principale, e il il trombone di tanto in tanto inseriva repliche rare ma potenti. I leader degli ensemble più famosi non solo a New Orleans, ma in tutto lo stato della Louisiana erano Bank Johnson, Freddie Keppard e Charles "Buddy" Bolden. Parallelamente, un ambiente jazz stava prendendo forma a Chicago, dove molti New Orleans si stabilirono dopo che gli Stati Uniti entrarono nella prima guerra mondiale nel 1917. guerra mondiale e la legge marziale fu dichiarata a New Orleans. La "Creole Jazz Band" del trombettista Joe "King" Oliver era particolarmente famosa. Fame "Creole Jazz Band" ha portato un'esibizione coordinata di due cornette contemporaneamente: lo stesso Oliver e il suo giovane studente Louis Armstrong. I primi dischi di Oliver - Armstrong, registrato nel 1923 con le famose "pause" di due cornette - divennero dei classici del jazz.
L'età del jazz inizia negli anni '20. Louis Armstrong afferma la priorità del solista improvvisatore con i suoi ensemble Hot Five e Hot Seven; la pianista e compositrice Jelly Roll Morton diventa famosa a New Orleans. New York sta iniziando a essere orgogliosa delle proprie forze jazz: le orchestre di Harlem di Fletcher Henderson, Louis Russell (lo stesso Armstrong ha lavorato con entrambi) e Duke Ellington, che si è trasferito qui nel 1926 da Washington e ha rapidamente conquistato una posizione di leadership nel famoso Cotton Club. Fu negli anni '20 che il principio principale Il jazz non è una forma, ma improvvisazione. Si ritiene che in New Orleans Jazz / Dixieland sia di natura collettiva, sebbene ciò non sia del tutto esatto, poiché in realtà il materiale di partenza (tema) non è ancora separato dal suo sviluppo.
c) Altalena classica / Altalena classica. Essendosi affermato come genere indipendente, il jazz ha inevitabilmente generato una serie di propaggini. Il più notevole di questi era lo swing, che era jazz arrangiato per big band - grandi orchestre, cioè orchestre pop e da ballo, la cui composizione è stata ampliata rispetto a quella tradizionale. Lo swing classico è uno stile swing maturo del periodo 1930-1944. È una nuova fase più elevata nello sviluppo dello swing iniziale. Lo swing fiorì nel 1938-1942, dopodiché iniziò a perdere gradualmente la sua importanza dominante in connessione con il progresso del jazz moderno. Il "re dello swing" si chiama Benny Goodman. La sua carriera è iniziata con diversi arrangiamenti di Fletcher Henderson. Ma anche gli storici negri ammettono che l'orchestra di Goodman, originariamente composta da musicisti bianchi, suonava meglio dell'orchestra di Henderson. Gli anni '50 videro una rinascita dello swing classico nelle sue forme tradizionali e modernizzate.
2. 1. 3. Jazz moderno.
Modern jazz / Modern jazz - una designazione generale degli stili e delle direzioni del jazz sorti dopo la fine del periodo stile classico e "l'era dello swing" (dalla fine degli anni '30 ad oggi). Bop è considerato il primo stile del jazz moderno.
a) Bop / Thief - uno stile jazz che si è sviluppato all'inizio degli anni '40. Il bop venne a sostituire lo swing, emergendo come una nuova forma sperimentale di jazz negro in piccoli ensemble. Le tendenze più importanti che caratterizzano il bop sono la modernizzazione del vecchio hot jazz, il culto dell'improvvisazione solista libera, l'innovazione nel campo della melodia, del ritmo, dell'armonia, della forma e di altri mezzi di espressione. Era nuovo di zecca forma esterna- era "musica per musicisti", non c'erano "istruzioni" per ballare sotto forma di ritmo chiaro, accordi forti all'inizio e alla fine, non c'erano melodie semplici e riconoscibili nella nuova musica. I musicisti hanno suonato canzoni e blues popolari di Broadway, ma invece delle melodie familiari di queste canzoni, hanno usato deliberatamente improvvisazioni. Bop è considerato il primo stile significativo del genere moderno. Si dice che il trombettista Gillespie sia stato il primo a chiamare ciò che ha fatto con i suoi colleghi "ribop" o "bebop" o "bop" in breve.
b) Hard bop / Hard bop (da "hard, hard bop") - una varietà di stile del jazz della costa orientale nata dal bop nei primi anni '50. Differisce in espressività, ritmo rigido, orientamento alla tradizione blues. Il fulcro dell'hard bop era il quintetto dei Jazz Messengers.
c) Cool jazz / Cool jazz (cool / cold jazz) - uno stile di jazz moderno nato alla fine degli anni '40. È stato creato da alcuni jazzisti negri - boppers basati sui risultati del bop, ma è l'opposto in molti modi. Prima di tutto, questo si è manifestato in un allontanamento dalle tradizioni dell'hot jazz, che ha seguito il bop, nel rifiuto della sua intrinseca eccessiva espressività ritmica e dell'enfatizzata specificità negra. Nuova musica ha messo radici nei club d'élite. La figura centrale di questo periodo è il cantante "microfono" - Frank Sinatra. Un altro pianista il cui nome è associato a cool, il cieco Lenny Tristane, è stato il primo a utilizzare le capacità dello studio di registrazione (accelerando il nastro, sovrapponendo un disco all'altro). Tristane è stato il primo a registrare le sue improvvisazioni spontanee, non vincolate dalla forma di un quadrato.
d) Progressive / Progressive (progressive) - una direzione stilistica nel jazz nata nei primi anni '40 sulla base delle tradizioni dello swing classico e del bop. Principalmente associato alla pratica di big band e grandi orchestre di tipo sinfonico.
e) Free jazz / Free jazz (free jazz) - uno stile di jazz moderno associato a esperimenti radicali nel campo dell'armonia, della forma, del ritmo e delle tecniche di improvvisazione. Tratti caratteristici del free jazz: il culto della libera improvvisazione individuale o di gruppo, l'uso di polimetria e poliritmia, politonalità e atonalità, tecnica seriale e dodecafono, forme libere, tecnica modale, ecc. Già nel lavoro su uno degli album orchestrali di il trombettista Davis, l'arrangiatore Evans suggerì al trombettista di improvvisare basandosi non su una sequenza armonica di una certa durata - un quadrato, ma su una certa scala - un modo (modo), anch'esso non casuale, ma estratto dallo stesso tema, ma non il accompagnamento di accordi, ma piuttosto la melodia stessa. Il principio della modalità, che è ancora alla base di tutta la musica asiatica professionale, ha aperto possibilità davvero illimitate per arricchire il jazz con l'esperienza della cultura musicale mondiale. E Davis ed Evans non hanno mancato di approfittarne.
2. 2. Schiocco moderno bella musica pop e rock.
La musica popolare, o pop, non è complessa come la musica classica. I pezzi di musica popolare sono più piccoli e hanno una trama più semplice. In un lontano passato, tutti i tipi di musica sono nati dalle stesse radici, i generi classici da danze popolari e popolare - dalle canzoni popolari. Le loro strade si separarono in un momento in cui la musica classica si stava gradualmente sviluppando e diffondendo a causa dell'aumento del numero di orchestre, l'emergere teatri d'opera e, soprattutto, l'aspetto notazione musicale. Per quanto riguarda la musica popolare, non aveva un pubblico di ricchi ascoltatori e non poteva competere musica classica; Questa posizione continuò fino al XIX secolo. In una fase iniziale, la musica popolare non è andata oltre musica folk: il pubblico che non aveva uno speciale educazione musicale, ma con una voglia matta di musica, era divertito da musicisti erranti, menestrelli e trovatori. La tradizione orale ha dato origine a una colossale varietà di canti popolari popolari. Quando in seguito gli studiosi si interessarono al folklore musicale, la notazione musicale registrò, di solito per puro caso, una delle tante varianti dello stesso canto.
La canzone popolare, di regola, si rivolgeva a temi eterni. In assenza di una stampa popolare e di case editrici, le esigenze del grande pubblico di composizioni letterarie e, in misura minore, musicali erano soddisfatte da storie semplici e stampate in modo primitivo - le cosiddette "ballate volanti". Nel 1650 fu pubblicata a Londra una raccolta di The Dancing Master compilata da John Playford (1623-1686). Con l'aiuto di altri musicisti, Playford raccolse brani di danza rurale, li registrò e fornì le proprie spiegazioni dei passi di danza da utilizzare nei balli all'aperto che stavano diventando di moda. L'insegnante di danza divenne una delle fonti principali per il drammaturgo inglese John Gay (1685-1732) e il compositore John Pepush (1667-1752) quando stavano lavorando all'Opera del mendicante. Verso la fine del XVIII secolo. in Svizzera ha inventato il primo dispositivo meccanico per estrarre melodie: l'organo a botte. Inoltre, il pianoforte si è diffuso, con un piccolo strumento a tastiera per il soggiorno potrebbe essere acquistato a un prezzo molto modesto prezzo adeguato. Gli editori hanno organizzato l'uscita di brani per pianoforte, sentimentali nel contenuto e spesso volutamente spettacolari nella forma, con molti begli arpeggi, difficili solo a prima vista, ma abbastanza accessibili ai dilettanti. Apparvero molte lunghe canzoni, le cosiddette. ballate da salotto, che erano per lo più solo "annacquate" arie d'opera, imitazione di compositori come Bellini e Donizetti. Tentativi individuali di editori musicali come Playford e i suoi seguaci, che hanno esplorato il tesoro della musica popolare in modo più intuitivo che con la conoscenza, hanno gradualmente convinto gli amanti della musica popolare ad azioni più coerenti. Successivamente, questo lavoro fu pubblicato in un'edizione ampliata chiamata Musica popolare della nostra antichità (1855-1859), che contribuì all'affermazione della "musica popolare" come genere indipendente. La musica pop e rock moderna è rappresentata da diversi generi. Eccone alcuni: a) Country / Country (Country - rurale, rurale) - nato dalle origini folcloristiche e rappresentato negli Stati Uniti da molti stili e tendenze, la canzone tradizionale e la cultura musicale strumentale della popolazione bianca delle aree rurali . formato questa specie musica all'inizio del XX secolo. come risultato di un lungo processo di mescolanza di forme arcaiche folclore musicale varie nazioni europee. Originariamente suonato nelle zone rurali come musica di contadini, braccianti agricoli, boscaioli. Il country è diventato una direzione della musica che non è stata assorbita dalla potente ondata di rock and roll. E si è manifestato nel lavoro di tale artisti popolari come J. Carson (1868-1949), R. Puckett (1884-1946), J. Rogers (1897-1933) e il gruppo Carter Family. Star country come H. Williams, R. Acuff e J. Cash hanno rafforzato lo status del genere, avvicinandosi allo stile rock, anche se senza adottare la sua caratteristica aggressività e volume. W. Nelson, P. Kline, K. Wells, T. Wynette, R. Foley, E. Arnold, Loretta Lynn e il canadese H. Snow sono diventati celebrità in un'epoca in cui la musica country assumeva una propria trama influenzata dal pop. Tra le altre stelle versione tradizionale il paese può essere chiamato D. Parton, R. Miller, G. Brooks, R. McIntyre e H. Williams Jr.
b) Rhythm and blues / Rhythm and blues (abbr. R & B) - stile vocale e strumentale blues musica nera Anni '30, nati sotto l'influenza dello swing. Combina elementi di blues classico, canzoni gospel, Harlem jump, musica dance negra vecchio stile. Rhythm and blues è considerato uno dei prime forme Musica rock negra. Le sue modifiche includono rock and roll e twist.
c) Beat / Beat (beat) - in senso lato - una pulsazione metro-ritmica nella musica. Nel jazz, il tipo di ritmo è determinato dall'interpretazione della struttura metrica della misura, dal rapporto tra accenti frazionari e ritmici, dal grado della loro coincidenza o discrepanza. Di norma, un ritmo rigorosamente organizzato si contrappone a un ritmo più libero e flessibile. I micro-spostamenti sempre emergenti degli accenti ritmici relativi ai battiti della battuta accrescono l'impressione di impulsività, conflitto interno e tensione del movimento musicale.
d) Musica rock / Musica rock (rock - swing, shake) - un tipo di musica pop moderna, originata dai generi di canto e danza del folklore urbano negro degli anni 20-30, rhythm and blues, musica country e rock -n- rotolo. Caratteristiche importanti la musica rock è lei funzioni sociali, forme di esistenza, equipaggiamento tecnico. Dal punto di vista musicale, le sue caratteristiche più caratteristiche possono essere considerate l'uso di strumenti musicali elettrici (ad esempio chitarre elettriche) e l'enfasi su un ritmo e un volume del suono chiaramente definiti. Musica rock - la principale varietà di musica popolare, nata intorno al 1954. In storia breve musica rock, sono chiaramente tracciate due fasi: il periodo del rock and roll (1954-1962) e il periodo del rock (dal 1962 al attualmente). Il rock and roll ha guadagnato popolarità a metà degli anni '50. Ci sono tre fonti interconnesse nel cuore del rock and roll. In primo luogo, la musica degli ensemble ritmici e blues negri è un analogo di band swing jazz più morbide e raffinate. Il nome rhythm and blues descrive letteralmente il tipo di musica che queste band eseguivano: la base delle melodie sono forme di 12 battute di blues rurale, basate su accordi tonici, sottodominanti e dominanti; i ritmi sono nettamente sincopati e fortemente accentati, la battuta di sottofondo più tipica è l'enfasi sulla seconda e quarta battuta in 4/4. I cantanti di tali gruppi dovevano gridare per coprire il suono forte dell'ensemble; successivamente, questo stile di blues "gridato" divenne il modo accettato dai cantanti rock and roll. In secondo luogo, la musica da chiesa nera ha svolto un ruolo importante nella formazione del rock and roll. gruppi vocali che ha preso in prestito lo stile di canto e le armonie dalla tradizione dei cosiddetti. vangelo nero (inno religioso). La caratteristica principale dello stile è la formula "domanda - risposta": il solista (e in chiesa - il predicatore) pronuncia un verso e il coro gli risponde. In terzo luogo, Elvis Presley, insieme ad altri artisti come Buddy Holly, Carl Perkins e i fratelli Everly, ha combinato spontaneamente elementi degli stili musicali del country bianco e western, del country blues nero e del rhythm and blues. Il primo rock and roll era dominato da una chiara pulsazione ritmica (beat), chitarra elettrica, sassofono tenore penetrante e voci istericamente frenetiche. Il tema delle canzoni ruotava attorno alla vita quotidiana degli adolescenti: la scuola, i genitori, le automobili e soprattutto l'amore giovanile. Indirettamente, e spesso direttamente, questa musica sfidava le norme sociali.
e) Soul / Soul (anima) - questa è musica in senso lato, tutta la musica negra associata alla tradizione blues. Questo concetto si riferisce anche allo stile della musica vocale negra sorto dopo la seconda guerra mondiale sulla base delle tradizioni del ritmo e del blues e della canzone gospel (una canzone religiosa con un tema evangelico). Il soul jazz è una forma di hard bop che si è evoluta dalla musica funky. È inoltre caratterizzato da un orientamento verso le tradizioni del blues e del folklore afroamericano.
f) Funky / Funky (evasivo) - lo stile di gioco jazz contemporaneo, che si distingueva per l'intonazione blues più intensa, una tendenza a una deviazione significativa dal sistema equilibrato, un modo espressivo caldo della terapia del suono, attraverso l'insolito, l'estasi, indicando la relazione di questo stile di esecuzione con l'arcaico musica cult dei neri. Lo stile funky è stato sviluppato da musicisti hard bop tra la fine degli anni '50 e l'inizio degli anni '60.
2. 3. Sottoculture musicali giovanili moderne.
a) Rock psichedelico (rock psichedelico) - stile dal vivo musica espressiva di solito utilizzando apparecchiature elettroniche.
b) Punk rock (Pank rock) - un tipo di musica rock. Il punk rock, che ha fatto sentire la sua presenza per la prima volta negli anni '70, ha portato sul palco artisti con abiti inimmaginabili e acconciature inimmaginabili, a cui importava poco della purezza del linguaggio e del suono. La parola punk ("punk") divenne un termine ufficiale a metà degli anni '70 per descrivere la versione più non musicale della musica. "Il nostro mestiere non è la musica, ma il caos", ha detto uno degli aderenti a questo stile. A poco a poco, gruppi punk come i Sex Pistols - uno dei loro successi si chiamava "Anarchy in the UK" ("Anarchy in UK", 1976) - presero l'abitudine di muoversi costantemente sul palco durante le esibizioni.
c) Il rap (rap) è uno stile musicale nato a metà degli anni '70. I suoi tratti caratteristici: brevi frasi, ritmo chiaro. La musica rap, discendente dello stile calypso, era un genere di conversazione piuttosto che di canzone che deliziava i suoi giovani ascoltatori e scioccava i loro genitori, soprattutto con testi aggressivi e misogini. Negli anni '80, gli attacchi antisociali di gruppi rap come Public Enemy, 2 Live Crew e Beastie Boys hanno portato il governo degli Stati Uniti a richiedere alle case discografiche di etichettare i loro prodotti con etichette di avvertimento.
d) Techno (techno) - un tipo di musica da ballo che viene solitamente eseguita su strumenti elettronici. Caratteristiche caratteristiche del suono techno - "macchina", a volte accompagnato da voci.
e) Il reggae è un tipo di musica un tempo popolare nelle Indie Occidentali. Musica dal ritmo rigoroso e duro.
Oltre a questi generi della moderna cultura musicale di massa, ci sono musica dance. Comprende i seguenti tipi: a) modifiche dance del blues: boogie-woogie, jive, jump, rock and roll, madison, halli-gully, twist, shake, ecc.
b) Danze latinoamericane: sambo, rumba, mambo, bolero, tango, cha-cha-cha, ecc.
c) Tap dance americana tip tap.
Capitolo 3. Implementazione degli stili linguistici e delle loro caratteristiche nelle composizioni musicali di diversi generi.
Per rendere una canzone più espressiva, i cantautori usano spesso stili linguistici diversi. La scienza che studia gli stili e l'uso di mezzi linguistici stilisticamente diversi si chiama stilistica. Con l'aiuto di questa scienza, possiamo imparare a comprendere meglio qualsiasi brano musicale, le sfumature dei pensieri e dei sentimenti dell'autore, sviluppare la suscettibilità emotiva e il gusto estetico.
La stilistica funzionale studia vari stili di linguaggio: scientifico, colloquiale, commerciale, poetico, oratorio, giornalistico. I confini tra gli stili non possono, ovviamente, essere molto rigidi. Ogni stile ha il suo caratteristiche specifiche nel vocabolario e nella fraseologia, nelle costruzioni sintattiche e talvolta nella fonetica.
stile linguistico della maggioranza composizioni musicali considerato uno stile conversazionale.
Nei moderni paesi di lingua inglese, non è raro che gli oratori utilizzino deliberatamente forme colloquiali come folk, sottolineando così la loro democrazia, appartenente al popolo. Nelle canzoni, tali forme sono utilizzate per gli stessi scopi: ridurre lo stile espressivo, a volte conferendogli disattenzione, a volte più semplicità e folk. Nel campo del vocabolario, si nota:
1) l'uso diffuso di parole "ridotte", cioè, prima di tutto, parole colloquiali familiari, oltre a parole gergali: "Esco con i ragazzi".
una tendenza a sostituire costantemente i verbi neutri o tipo libro con verbi con elementi post-positivi: abbattere, assumere, sellare, molto più spesso che in altri stili, specifiche interiezioni colloquiali come hey! OH! Perché!
La sintassi dello stile familiare-colloquiale ha le seguenti caratteristiche distintive:
1) la predominanza di una connessione alleata su una alleata in frasi complesse: “Guarda quelle. Potresti pensare di vedere chi sono veramente. ".
2) l'uso diffuso dell'ellisse (cioè la perdita di membri facilmente ripristinabili della frase dal discorso). In particolare, è comune omettere il pronome soggetto: "Stai zitto e vattene dall'inizio".
Uso della ripetizione: “Quando il mio riflesso mostrerà chi sono dentro? Quando il mio riflesso mostrerà chi sono dentro?
uso eccessivo di elementi introduttivi come appunto, certo, no about.
5) l'uso di varianti strutturali abbreviate di forme perfette con l'omissione del verbo ausiliare hanno: “. meglio mostrarmi quello che hai.
uso della doppia negazione: Non hai bisogno di anelli di diamanti.
l'uso di parole troncate: "cos = perché, forme: "t = it, desinenze: dancin" = danzante.
8) l'uso delle forme verbali contratte: devo (=devo), gonna(=sono/sto/stavo per), wanna (=voglio).
Dal punto di vista fonetico, la forma orale dello stile colloquiale familiare si distingue per la pronuncia trascurata, a volte anche per l'uso deliberato della pronuncia dialettale (feller = compagno). Uso della forma troncata verbi ausiliari molto caratteristico di questo stile: è "s, non è" t, tu "ve, noi" II e. eccetera.
CONCLUSIONE
In questo articolo, le caratteristiche della musica come forma d'arte sono considerate in dettaglio. I principali tipi e generi del musical moderno cultura di massa. Dopo aver esaminato questo lavoro, imparerai qual è la divisione principale della moderna cultura musicale di massa, oltre a cosa sono caratteristiche ciascuno dei generi.
Nel nostro lavoro, ci siamo concentrati su Analisi comparativa caratteristiche del linguaggio opere musicali. Abbiamo analizzato i testi del main generi musicali e giunse alla conclusione che esecutori musicali aderiscono a uno stile familiare-colloquiale, inoltre, ognuno di loro utilizza tecniche simili e diverse nelle proprie opere. Da un lato, la presenza di strutture musicali comuni aiuta a raggiungere melodia e ritmo nelle canzoni e, dall'altro, la differenza nelle tecniche prevalenti di ciascuno degli interpreti contribuisce alla divulgazione intenzione dell'autore presentazione della composizione, sottolinea la sua unicità e individualità.
Le questioni discusse interessano non solo i dilettanti genere musicale ma anche per musicisti professionisti.