Rosso, bianco, blu: come le sfumature in una foto influenzano la nostra percezione emotiva. I colori in fotografia: fondamentali e complementari

(Ultimo aggiornamento il: 23/02/2018)

Perché le foto colorano

Poniamoci una domanda migliore: perché il colore è nella fotografia e cosa dovrebbe essere per essere appropriato? La domanda sembra stupida, ma poiché poche persone se lo pongono, tanti colori artistici, appariscenti o viceversa, lenti e sbiaditi sono prodotti da fotografi amatoriali di tutto il mondo.

• Il colore conferisce alla fotografia credibilità, documentario. Con rare eccezioni, le persone vedono il mondo a colori. Una delle conclusioni più importanti da ciò è che qualsiasi distorsione del colore deve avere una giustificazione estetica comprensibile per lo spettatore. "Sono daltonico, è così che la vedo!" - anche un'opzione se lo spettatore è a conoscenza di questo fatto.
• Il colore aiuta a enfatizzare i centri semantici e visivi dell'immagine. Più luminoso è l'oggetto, maggiore è l'attenzione che attira su di sé. quindi, il colore può aiutarti nella costruzione di una composizione o può interferire.

Su uno sfondo urlante, qualsiasi oggetto andrà perso. Ricorda: lo sfondo non dovrebbe discutere con il soggetto, ma integrarlo, svilupparlo ed enfatizzarlo.

La differenza di colore è minima, ma nel primo esempio uno sfondo più attivo richiede più attenzione di quanto vorremmo

• Il colore in fotografia aiuta a costruire il volume e la geometria della cornice. Più il soggetto è vicino, più luminoso è il colore. La saturazione degli oggetti distanti è sempre inferiore alla saturazione del colore degli oggetti vicini. Potrebbero esserci delle eccezioni nella fotografia di paesaggio, o viceversa, nella macrofotografia, ma la regola rimane la stessa: la foschia dell'aria riduce la saturazione del colore degli oggetti distanti.
• La tonalità del colore, la temperatura generale della gamma cromatica aiutano lo spettatore a comprendere le condizioni in cui l'oggetto viene catturato: inverno-estate, natura-interno, mattina-sera.

Questi sono i punti fondamentali da tenere a mente quando si valutano le immagini durante il processo di modifica. Il colore nella fotografia come dimensione aggiuntiva può migliorare notevolmente l'impressione dell'immagine o può ucciderla completamente.

Regole generali per lavorare con il colore in fotografia

Non ci addentreremo nelle profondità della teoria della scienza del colore in quanto tale: puoi leggere la ruota dei colori, la tonalità e i colori complementari in qualsiasi libro di testo sui colori. Considereremo i principi pratici generali della ripresa e dell'elaborazione delle immagini che possono essere utilizzati immediatamente nella pratica.

Sbarazzarsi del colore

Prova a rimuovere il colore nella fase di conversione dell'immagine nel convertitore RAW. Ci sono trame, oggetti e condizioni in cui il colore è in linea di principio superfluo, non dà nulla alla cornice e addirittura interferisce. Ad esempio, un eccellente motivo in bianco e nero e colori selvaggi, sfumature incongrue che portano caos visivo. Assicurati che il tuo scatto abbia davvero bisogno di colore e non dimenticare che puoi sbarazzarti del colore in linea di principio.
Ti dirò come convertire correttamente le immagini a colori in bianco e nero in uno dei seguenti articoli.

Non dovrebbero esserci troppi colori.

Non dovrebbero esserci più di due o tre sfumature di colore appartenenti alla stessa gamma di colori nella cornice. Tutti gli altri elementi nella cornice devono essere sbiaditi, desaturati o acromatici (ovvero neutri, nei toni del grigio). Pertanto, i principali accenti visivi, connessioni e combinazioni saranno espressi a colori. Dovrebbe esserci un'interazione tra gli oggetti principali e ausiliari nella cornice. Sono questi oggetti che sono accentuati dal colore. In questo caso vale la regola "less is more".

Una tecnica di elaborazione esagerata è ancora popolare, quando l'intera immagine viene scolorita artificialmente, ad eccezione di un singolo dettaglio. Nonostante la durezza di questo approccio alla composizione, in alcuni casi i risultati sono piuttosto impressionanti. Prova a scattare in un modo che raggiunga questo effetto senza post-elaborazione in Photoshop.

Esercizio. Guarda il soggetto socchiudendo gli occhi in modo che tutto sia sfocato, privo di dettagli. Cosa attira l'attenzione? Cosa discute con cosa, cosa interagisce con cosa? Questi oggetti corrispondono ai soggetti principali delle riprese o attirano solo l'attenzione su se stessi?

Non trasformare la saturazione

Non cercare di ottenere colori drammatici aumentando artificialmente la saturazione del colore con strumenti come Tonalità/Saturazione o Vividezza. Aumentando la saturazione in questo modo, si perdono sfumature, sfumature, sottili transizioni, ottenendo invece vistosi colori acidi. Il metodo è adatto per attirare l'attenzione a breve termine, come la parola grossa "SEX !!!" nel titolo di una cattiva pubblicità di qualche ferramenta o cornici. "Die", un buco colorato nell'immagine: questo è un matrimonio fotografico che priva l'immagine di profondità, dettagli e vera espressività.

Leggi anche: Come salvare le immagini per i siti web

Se giri il colore con lo strumento tonalità/saturazione, ci sarà sicuramente chi dirà: “Che colore profondo, che bellezza!”. Non credergli, vogliono solo dirti qualcosa di carino.

Esercizio. Sposta il cursore "saturazione" verso sinistra per diminuire la saturazione. Vengono visualizzati ulteriori dettagli in aree importanti dell'inquadratura?

Sottoesposizione come modo per ottenere colori espressivi

Se hai bisogno di ottenere colori saturi profondi, usa la tecnica di sottoesporre il fotogramma di circa mezzo stop o poco più. La saturazione della maggior parte dei colori si manifesta nei toni medi e scuri, solo il colore giallo è più attivo nelle alte luci. I produttori di fotocamere ne tengono conto e la sottoesposizione è spesso incorporata nelle impostazioni della fotocamera, quindi non esagerare.

Tieni presente che la conversione del file nel profilo colore sRGB-1966 renderà l'immagine più scura e i colori più saturi e densi. Il motivo è la gamma cromatica ristretta di questo profilo colore. Per una conversione di alta qualità del profilo, è necessario regolare ulteriormente l'immagine.

Il colore nella foto è soggetto all'intenzione dell'autore

La tonalità del colore si basa sull'idea, la decisione estetica, l'intenzione del fotografo. È improbabile che nel caso ordinario un ritratto di bambini con una sfumatura blu "creativa" sembri appropriato, mentre un leggero giallo in una foto di cibo può essere associato al calore di un caminetto, illuminazione serale. Se l'immagine ha una tonalità innaturale semplicemente perché la fotocamera ha stimato in modo errato la temperatura della luce e il fotografo non ha corretto questo difetto, oppure lo spettatore non riesce a capire cosa voleva dire l'autore quando ha scelto una combinazione di colori, questo è un matrimonio fotografico , non creatività.

Tre idee per lavorare con il colore in fotografia, in conclusione

Nell'ambito di un articolo è impossibile rivelare tutte le sfumature del lavoro con il colore e in futuro considereremo più in dettaglio i singoli principi e le tecniche. Lo scopo di questo testo è delineare i vettori generali per l'ulteriore sviluppo del fotografo nell'ambito del mestiere, offrire uno sguardo critico agli attuali metodi di ripresa e post-elaborazione delle immagini e pensare. Non ci sono regole incrollabili anche nell'ambito di alcuni tipi di fotografia: quotidiana, artistica, pubblicitaria, tecnica. Spetta a te, e solo a te, determinare quale soluzione tecnica o artistica scegliere in ciascun caso, anche se hai scelto l'elaborazione batch nel convertitore come flusso di lavoro principale.

Testo dell'articolo aggiornato: 02/11/2019

Se provi ad analizzare perché le fotografie scattate da fotografi professionisti e di talento sono così accattivanti per lo spettatore, diventa chiaro che oltre alla composizione e all'esposizione corrette, il fotografo ha lavorato anche con il colore. La teoria del colore gioca ovviamente un ruolo enorme nella fotografia, ma non molti di noi hanno una conoscenza sufficiente in quest'area o capiscono come usarla per migliorare il proprio lavoro. Nel tutorial di oggi, condividerò ciò che io stesso ho imparato sulle sfumature in quest'area.

Chiarisco subito che alcune definizioni, concetti che incontrerai di seguito potrebbero essere di difficile comprensione. Ad essere sincero, neanche io ho capito bene cosa ho scritto ... Ma ho comunque deciso di pubblicare questo tutorial fotografico, perché penso che possa dare una certa comprensione ai fotografi dilettanti alle prime armi "in quale direzione scavare per migliorare le loro abilità fotografiche”, danno un incentivo a cercare ulteriori video e articoli sul tema della teoria del colore, e relative regole, tecniche e linee guida.

Prendo inoltre atto che la maggior parte del materiale che ho ricevuto in fonti inglesi, le lezioni video verranno fornite in russo e, se non ce ne sono di adatte nella mia lingua madre, in inglese. Quindi, se da qualche parte la traduzione non è molto attendibile, vi chiedo di non buttare pomodori, ma di correggerla nei commenti. Grazie per la comprensione.

Ci sarà molto testo. Penso che dalla prima volta poche persone padroneggeranno l'intero articolo fino alla fine, dovranno tornarci sopra. Per comodità, fornisco il contenuto: facendo clic sul collegamento, puoi andare al punto desiderato della lezione.

1. Meccanica del colore

2. Contesto storico

3. Ruota dei colori di base

3.1 Colori primari

3.2 Colori secondari

3.3 Colori terziari

4. Modello a colori

5. Cos'è uno spazio colore?

6. Uso del colore in fotografia

6.1 Tonalità di colore

6.2 Saturazione

6.3 Leggerezza

7. Sfumature, ombre e toni

8. Armonia dei colori

8.1 Colori complementari

8.2 Triade

8.3 Colori simili

8.4 Colori monocromatici

9. Psicologia del colore

11. Glossario dei termini

1. Meccanica del colore

Una persona vede il colore, ma non lo sente, poiché esiste solo nella luce.

La parte visibile dello spettro (figura sopra) che percepiamo fa parte del più ampio spettro elettromagnetico.

Il tetto rosso di una casa è percepito come rosso perché la superficie dipinta assorbe tutta la luce visibile tranne il rosso che viene riflesso da essa e percepito dall'occhio.

In realtà, questo sembra un po' più complicato, poiché spesso il colore di un oggetto è una miscela di più colori e non un colore puro.

La base scientifica della teoria del colore è, ovviamente, più ampia di questa descrizione: è un argomento vasto in sé, e molti libri sono stati scritti a riguardo. Ma come fotografi, non abbiamo bisogno di approfondire l'argomento.

2. Cenni storici sull'origine della teoria dei colori

A qualcuno probabilmente piace la storia, ma la lezione di oggi riguarda qualcos'altro. Quindi fermiamoci brevemente. ​

Ciò che comprendiamo oggi sulla teoria dei colori è stato scoperto da Isaac Newton. I suoi esperimenti sulla divisione dello spettro visibile con un prisma portarono all'invenzione della prima ruota dei colori.

Dopo aver pubblicato molte varianti delle ruote dei colori di altri autori, il teorico tedesco Johannes Itten ha sviluppato la ruota dei colori che i designer e i fotografi usano oggi. Si basa sui colori primari: giallo, rosso e blu.

La ruota dei colori di Itten teneva conto dell'ipotesi di Johann Wolfgang von Goethe sul valore emotivo dei colori: ad esempio, il blu era associato al freddo e il rosso al caldo.

3. La ruota dei colori come base della teoria dei colori

La teoria dei colori può sembrare semplice a prima vista, ma diventa più complessa man mano che impari. Nel corso dei secoli, artisti, teorici, filosofi e molti altri hanno cercato di spiegare il colore utilizzando varie teorie e sistemi. Ancora oggi ci sono aree in cui alcune teorie sul colore rimangono controverse.

Quando noi stiamo parlando sulla teoria dei colori, è naturale considerarla dal punto di vista dei colori primari, secondari e terziari. Quindi iniziamo con il diagramma della ruota dei colori in fotografia.

3.1 Colori primari

Un vero colore primario è un colore che non contiene altri colori (cioè non mescola colori diversi quando si forma).

Per la maggior parte di noi che possediamo computer e televisori, i colori primari sono rosso (Red), verde (Green) e blu (Blue), abbreviato in RGB. I colori RGB sono noti anche come colori primari digitali utilizzati per visualizzare le immagini nei dispositivi elettronici.

Quando si tratta di stampare in una tipografia, utilizziamo ciano (C yan), magenta (M agneta) e giallo (Y ellow) come inchiostri primari (CMYK). Per confondere ancora di più: giallo ( Y giallo), rosso ( R ED) e blu ( B lue) vengono insegnati come colori primari nelle scuole d'arte. Che è anche chiamata la combinazione di colori YRB.

Ogni schema è utilizzato nel proprio settore e ha i suoi vantaggi. Nel tutorial di oggi, useremo la ruota dei colori YRB: ruota dei colori artistica(Figura 3) per illustrare il punto di vista descritto. Ciò potrebbe contraddire completamente il modello di colore, che considereremo di seguito. Tuttavia, YRB è un sistema adottato dagli artisti sin dal XIX secolo.

3.2 Colori secondari

I colori secondari nello schema YRB si formano mescolando due colori primari.

• Arancione = giallo + rosso;
• Viola = rosso + blu;
• Verde = blu + giallo;

3.3 Colori terziari

I colori terziari nello schema YRB si formano mescolando colori primari e secondari. Il nome del colore è formato dal nome del colore primario all'inizio e dal colore secondario che lo segue:

• giallo-arancio;
• rosso-arancio;
• rosso-viola;
• blu viola;
• blu verde;
• giallo verde.

4. Modello a colori (modello a colori)​

Un modello di colore è un sistema per creare uno spettro completo di colori utilizzando un insieme di colori primari. Esistono due modelli di colore: additivo e sottrattivo, differiscono nel modo in cui vengono creati i colori.

IN modello additivo stiamo parlando dei colori della radiazione o della luminescenza (ad esempio, il bagliore del monitor di un computer o di una lampadina), si formano mescolando due raggi di colori primari (il colore risultante sarà più chiaro dei suoi componenti).

Il nome "additivo" deriva dalla parola inglese "add" (aggiungi). Se i raggi dei tre colori primari vengono mescolati, risulterà bianco e se non c'è alcuna radiazione, rimarrà il nero (immagina il monitor di un computer spento e rimane solo l'oscurità). Quando mescoliamo due colori primari, otteniamo il secondario:

• blu (ciano) = verde + blu;
• magenta = blu + rosso;
• giallo = rosso + verde.

IN modello sottrattivo stiamo parlando di pigmenti fisici, come quelli contenuti nell'inchiostro di una macchina da stampa o stampante. Assorbono parzialmente il bianco e riflettono la radiazione rimanente, che viene vista dall'occhio umano come un colore (dipenderà da quale parte dello spettro avviene l'assorbimento).

• ciano = bianco meno rosso;
• magenta = bianco meno verde;
• giallo = bianco meno blu.

Nota 1. In diverse fonti, il colore ciano è chiamato blu o blu-verde.

Nota 2. Dal momento che abbiamo a che fare con pigmenti fisici nel modello sottrattivo, i colori primari qui sono chiamati "inchiostri primari".

Nel modello sottrattivo, se mescoliamo due colori primari, viene assorbita più luce e il colore risultante sarà più scuro. Se mescoli tutti e tre i colori primari, ottieni il nero (massimo assorbimento della luce) e se tutti e tre i colori primari sono assenti (non abbiamo messo la vernice su carta bianca), ottieni il bianco.

Oltre ai due descritti, ci sono altri modelli di colore che sono responsabili di come intendiamo il colore al momento.

Gli artisti possono manipolare il colore quando dipingono i loro quadri. È più difficile per i fotografi: possiamo solo osservare la nostra scena, che stiamo girando, e notare cosa succede ai colori su di essa. Probabilmente, solo quando scattiamo in studio abbiamo l'opportunità di influenzare in qualche modo la componente cromatica della foto.

Considera un altro modo di intendere il colore, che ha più a che fare con la fotografia.

5. Cos'è uno spazio colore

Per i fotografi, lo spazio colore è più rilevante. Si tratta di una gamma di colori definita matematicamente (chiamata anche gamut) che un dispositivo può visualizzare (come il monitor di un computer) o stampare (come una stampante a getto d'inchiostro).​

Lo usiamo tutti i giorni durante la configurazione di una fotocamera, durante la post-elaborazione in Lightroom o Photoshop, durante la pubblicazione di immagini su Internet e durante la stampa. ​

Esistono molti spazi colore, come sRGB per il web, CMYK per la stampa, Rec. 709 per HDTV, ecc. I fotografi ne usano solo alcuni.

Lo spazio colore CIELAB (CIE = International Commission on Illumination; LAB è spiegato di seguito) viene utilizzato come standard per confrontare gli spazi colore. Lo spazio colore CIELAB (il grafico dei colori nella figura sopra) è specificamente progettato per mostrare la copertura di tutti i colori che la persona media può vedere.

I fotografi dovrebbero avere familiarità con i seguenti spazi colore. Il triangolo nero mostrerà la gamma di ogni spazio colore all'interno di CIELAB.

RGB standard (sRGB)

• Lo spazio colore standard per la visualizzazione di immagini su Internet.
• Include solo il 35% dei colori CIELAB visibili.
• Senza impostazioni aggiuntive, qualsiasi interfaccia di file, programma o dispositivo a 8 bit può essere considerata come nello spazio colore sRGB.
• Gamma di colori più ristretta, soprattutto nell'area dei colori blu-verde, e quindi non può essere utilizzata dagli specialisti dell'editoria.

AdobeRGB

• Sviluppato da Adobe nel 1998 per includere la maggior parte dello spazio colore CMYK per la stampa, ma utilizza i colori RGB primari per la visualizzazione sui monitor.
• Contiene poco più del 50% di tutti i colori visibili.
• Consente di stampare colori più vividi, ma senza la conversione in sRGB su Internet non viene visualizzato correttamente.
• Può essere convertito in sRGB, ma non viceversa.

ProPhoto RGB

• Sviluppato da Kodak, noto anche come ROMM RGB (Reference Output Medium Metric).
• Include oltre il 90% di tutti i colori visibili.
• Ampia gamma di colori Per evitare la posterizzazione dell'immagine, si consiglia di lavorare con una profondità di colore di 16 bit.
• Ideale per la post-elaborazione, può essere convertito in sRGB per il web o CMYK per la stampa.

• Abbreviazione di Cyan, Magenta, Yellow e K, che sta per nero. Questo è un modello di colore sottrattivo utilizzato nella stampa a colori.
• ​Tecnicamente, è un modello di colore, non uno spazio. Ma può essere visualizzato su CIELAB per il confronto con lo spazio colore RGB.
• Un confronto diretto tra la visualizzazione RGB e le stampe CMYK è difficile a causa delle differenze nelle tecnologie e nelle proprietà del colore.
• È possibile stampare utilizzando immagini ProPhoto RGB o Adobe RGB. Per risultati ottimali, è meglio consultare la propria tipografia.

• CIELAB, chiamato anche formalmente L*a*b*, dove L = luminosità, dal bianco più brillante al nero più scuro. Asse A dal verde al rosso e asse B dal blu al giallo.
• Copre tutti i colori percepiti.
• I colori sono assoluti e non dipendono dal dispositivo di riproduzione.
• Viene preso come base nei sistemi di gestione del colore per la comunicazione tra diversi dispositivi (ad esempio, quando si convertono i colori del computer per la stampa: Adobe RGB -> Lab -> CMYK).

Consiglio pratico n. 1. Scegliere lo spazio colore giusto per il tuo flusso di lavoro

La gestione dello spazio colore può creare confusione per i fotografi amatoriali principianti. Non esiste uno standard prestabilito per la scelta dello spazio colore in cui lavorare. Ogni fotografo ha preferenze di flusso di lavoro diverse. Molti professionisti scattano in formato RAW ed elaborano le immagini con una profondità di colore di 16 bit utilizzando lo spazio colore ProPhoto RGB in Lightroom e Photoshop. Quando le foto vengono preparate per la pubblicazione su Internet, vengono convertite in sRGB.

IN photoshop per impostare lo spazio colore di lavoro, premere Modificare > colore Impostazioni(Modifica>Regola colori), Sotto Lavorando Spazio (Spazio di lavoro) scegliere lo spazio colore desiderato. Per impostare lo spazio colore di output, fare clic su Modificare > Convertire A Profilo(Modifica > Converti in profilo) e scegli uno spazio colore sotto Destinazione Spazio(spazio bersaglio).

In un programma Lightroom Per impostazione predefinita, la gestione delle immagini utilizza lo spazio colore ProPhoto RGB e questa opzione non può essere modificata. Ma puoi scegliere lo spazio colore da esportare. Possiamo cambiare lo spazio colore delle immagini esportate in Photoshop andando a Lightroom > preferenza(Lightroom > Impostazioni). Per esportare le immagini in un'altra posizione, vai al menu File > Esportare (File > Esporta) e scegli uno spazio colore nella sezione File Impostazioni(Impostazioni file).

La maggior parte dei monitor visualizza i colori in modo impreciso. Ciò crea problemi durante la stampa di immagini da un computer. Senza calibrazione, il colore delle stampe potrebbe differire dai colori delle immagini sullo schermo. La soluzione è usare un calibratore.

Dobbiamo calibrare il monitor? Forse no. Se non ci guadagniamo da vivere con la fotografia, allora questo non è necessario. Inoltre, i calibratori costano denaro. In alternativa, puoi verificare la precisione del colore del nostro display utilizzando apposite tabelle.

6. Applicare il colore alla fotografia

Non possiamo controllare il colore al momento dello scatto, ma possiamo intensificare o attenuare i colori in generale o in modo selettivo in fase di post-elaborazione.

Ciò si ottiene regolando parametri come la tonalità ( tinta) , saturazione ( saturazione) e luminosità ( leggerezza) . Tutti i fotografi impegnati nella post-elaborazione delle immagini hanno incontrato il termine HSL nell'editor di Lightroom o nel livello di regolazione Tinta/ Saturazione(Tonalità/Saturazione) in Photoshop.

Prima di iniziare, definiamo i termini per non confonderci in futuro.

Tonalità = colore. Saturazione = intensità del colore. Leggerezza = leggerezza.

Consiglio pratico numero 3.Scopriamo dove sono le impostazioni HSL

IN photoshop questa sezione è chiamata Tinta/ Saturazione(che ha anche un cursore Luminosità). Situato nel pannello Regolazioni (Correzione), sotto il pannello Livelli (Livelli), oppure può essere trovato andando a strato > Nuovo regolazione strato > Tinta/ Saturazione(Livelli > Nuovo livello di regolazione > Tonalità/saturazione).

In un programma Lightroom cursori HSL sono nel modulo Sviluppare(Sviluppo). L - designazione Luminanza (Leggerezza) in Lightroom.

6.1 Tonalità di colore (Tinta)​

Una tonalità è essenzialmente un colore. Qualcuno lo definisce come il nome di un colore o il colore di un colore. Ad esempio, la tonalità del rosso, rosso, rimane rossa anche se ne riduciamo la saturazione o la luminosità.

I colori (tonalità di colore) sono caldi e freddi. Si ritiene che i colori caldi dell'immagine evidenzino, avvicinino, svolgano un ruolo più attivo nell'immagine. I colori freddi calmano, allontanano, trasmettono un senso di distanza o fungono da sfondo.

Vediamo come gestire il colore in fotografia per i propri scopi, soprattutto se un determinato colore viene utilizzato particolarmente spesso.

Rosso

• Colore caldo e intensificante.
• Si distingue da qualsiasi altro sfondo di colore. Domina la composizione anche in piccole quantità. Pertanto, è meglio usarlo con moderazione.
• Siamo più sensibili ai colori caldi, specialmente ai rossi, perché ci sono più coni rossi nella retina (64% di tutti i coni di colore).
• Il rosso è il colore principale per il tono della pelle in RGB. Quando si converte in CMYK, la maggior parte dei dettagli passa al ciano.

Consiglio pratico numero 4.Alla luce di quanto sopra, utilizziamo l'impostazione selettivo colore (Correzione colore selettiva) vphotoshop per una correzione precisa del tono della pelle nelle immagini

A strati selettivo colore scegliere dal menu a discesa Rossi(Rosso). Usando i cursori Giallo (Giallo) E Magenta(Viola) per correggere il tono della pelle e ciano(blu) per saturazione.

Nota. Beh, forse devo ancora approfondire i metodi per regolare il tono della pelle.J

Verde

• Colore freddo.
• Saturato e contrastato, il canale verde domina la conversione predefinita in bianco e nero in Photoshop (59% verde, 30% rosso e 11% blu).
• Questo è il colore naturale del fogliame, ma se fai cadere il contagocce sopra la foglia nell'immagine in Photoshop, in realtà troverai più giallo che verde! Soprattutto alla luce del sole.
• Una persona è più brava a distinguere i livelli di luminosità del verde rispetto ad altri colori, quindi i dispositivi per la visione notturna funzionano in questa gamma di colori.
• Può non rientrare nella gamma da CMYK a RGB (in particolare Adobe RGB e ProPhoto RGB). Questo deve essere preso in considerazione durante la stampa.

Consiglio pratico numero 5.Per migliorare la saturazione del colore del fogliame degli alberi, utilizzare lo strumentoMirata regolazione Attrezzo (Strumento di regolazione del target) invece di scegliere un canale di colore separato

È sul pannello HSL in Lightroom. Innanzitutto, assicurati di scegliere Tonalità di colore (Hue) prima di usare Mirata regolazione Attrezzo.

C'è anche un'opzione per utilizzare lo strumento Mirata regolazione Attrezzo nel convertitore Adobe Camera RAW per Photoshop. La sua icona si trova nell'angolo in alto a sinistra. Può anche essere trovato in un livello di regolazione. Tinta/ Saturazione.

*L'icona in tutti e tre i casi potrebbe essere leggermente diversa.

Blu

• Colore freddo e distante.
• Quando vediamo il blu, è associato al cielo, così come allo spazio, alla distanza e al fresco.
• Il blu puro (R:0, G:0, B:255) non è percepito dalla visione umana. Pertanto, le sfumature blu possono non rientrare nella gamma di colori, in particolare il blu brillante. Prestare attenzione ai cieli blu nelle immagini durante la stampa.
• Se guardi da vicino, il cielo ha spesso diverse sfumature e tonalità di blu invece che blu puro o quasi puro. Devi tenerne conto nella post-elaborazione per non renderlo eccessivamente saturo.
• Il canale blu è il più rumoroso di tutti i canali RGB.

Consiglio pratico numero 6. Desaturare il cielo blu per evidenziare il primo piano

Ti fa venire voglia di aggiungere saturazione al cielo in post-elaborazione, specialmente se la foto è una luminosa giornata di sole. Poiché il blu è un colore sfuggente, abbassarne leggermente la saturazione può far risaltare maggiormente il primo piano. Anche un oggetto in primo piano dai colori caldi (rosso/arancione/giallo) aiuterà.

Forse non è il miglior esempio. In ogni caso, i fotografi professionisti ti consigliano di studiare attentamente la tua foto e assicurarsi che i colori nell'immagine non competano tra loro per attirare l'attenzione dello spettatore.

Consiglio pratico numero 7. Rendiamo l'acqua più bianca aggiungendo un pizzico di blu

L'aggiunta di una leggera sfumatura di blu all'acqua fa percepire allo spettatore il bianco come più bianco. L'effetto sarà ancora più forte se scatti con una bassa velocità dell'otturatore, rendendo il flusso dell'acqua sempre più fluido.

Viene raccontato come ho fotografato questa cascata in Himalaya

In Lightroom o ACR in Photoshop, usa il pennello di regolazione (Pennello di regolazione) per selezionare selettivamente una cascata nell'immagine. Successivamente è necessario spostare il cursore temp(Temperatura) a sinistra per aggiungere una piccola sfumatura blu all'acqua.

Giallo

• Colore caldo.
• Primario nella combinazione di colori YRB, ma non in RGB.
• Ha il più alto valore di luminosità (~luminosità) di tutti i colori. Pertanto, è difficile determinare il grado di saturazione del colore.
• Come il rosso, il giallo risalta e attira l'attenzione se lo sfondo è più scuro o meno saturo. Lo usiamo nelle foto di post-elaborazione con foglie autunnali.
• Il giallo dovrebbe essere bilanciato con il magenta durante l'elaborazione del tono della pelle.

Arancia

• Colore caldo.
• Giallo/arancione è la luce solare che percepiamo. Dà anche una sensazione di calore.
• Come il rosso, l'arancione risalta molto. Deve essere usato con moderazione.

Consiglio pratico numero 8. Miglioriamo il colore del tramonto aggiungendo un po' di colore al cielo

In Photoshop, possiamo aggiungere colore a un nuovo livello per migliorare il colore del sole. Questa è una tecnica di post-elaborazione semplice ed efficace.

Passo 1. Creiamo un nuovo livello. Scegliamo uno strumento Spazzola (Spazzola) tenendo premuto il tasto Opz/Alt per selezionare una pipetta. Usalo per selezionare la tinta giallo/arancione della luce del sole. Potrebbe essere necessario aumentare la saturazione o la luminosità della tonalità selezionata.

Passo 2 Noi usiamo Spazzola IMPOSTANDO Opacità (Opacità) da 100 e durezza (Rigidità) a 0. Su un nuovo livello, cerchia il punto in cui vuoi rendere più luminosa la luce del sole.

Passaggio 3 Cambia la modalità di fusione del nuovo livello su cui abbiamo disegnato Morbido leggero(Luce soffusa). Riduciamo Opacità fino a circa il 20% (sperimentando con l'immagine). Creiamo una maschera in questo livello e quelle aree su cui non abbiamo bisogno di cambiare colore, dipingiamo con il nero.

Nota: come puoi vedere, ho usato due strati di vernice: uno è arancione, preso con una pipetta, il secondo è rosso.

La storia di come ho fotografato questo paesaggio -

6.1.1 Il concetto di temperatura colore

Finora abbiamo parlato del colore in modo isolato, ma è necessario avere un'idea anche della temperatura del colore. Questa funzione è anche chiamata bilanciamento del bianco.

Il bilanciamento del bianco consente di modificare i colori per simulare i cambiamenti nella temperatura del colore.

Perché è per i fotografi? La selezione del bilanciamento del bianco corretto consente di visualizzare i colori dell'immagine senza dominanti indesiderate. Possiamo anche aggiungere intenzionalmente una determinata tonalità a un'immagine per scopi artistici.

Il bilanciamento del bianco automatico (AWB) delle moderne fotocamere digitali è abbastanza buono per determinare la corretta temperatura del colore nell'intervallo 3000-7000K (la temperatura della luce diurna è di circa 5500K). Tutto ciò che è al di fuori di questo intervallo dovrà essere impostato manualmente sul bilanciamento del bianco (ad es. aree ombreggiate, interni, specialmente con illuminazione artificiale, con flash, ecc.).

I fotografi particolarmente esigenti acquistano set di obiettivi di calibrazione per la regolazione del bilanciamento del bianco (ad esempio, "ColorChecker Passport") o un copriobiettivo bianco traslucido (ad esempio, ExpoDisc) per personalizzare il bilanciamento del bianco. In generale, il modo migliore per ottenere il giusto bilanciamento del bianco è fotografare sempre in formato RAW, poiché tale file conserva tutte le informazioni sul colore ricevute dal sensore.

Correggere il bilanciamento del bianco è abbastanza semplice. Scegli un preset di bilanciamento del bianco dal menu a discesa WB in Lightroom o ACR in Photoshop.

Quando si scatta in JPEG, si perde la possibilità di selezionare le preimpostazioni WB. Dovremo regolare manualmente il bilanciamento del bianco utilizzando il cursore. temperatura( Temperatura ) .​

La temperatura del colore è misurata in Kelvin (K), che va dal giallo (più freddo) al blu (più caldo) con il bianco al centro.

Penso che molti di voi si siano già grattati la testa perché il giallo (che è considerato un colore caldo) si chiama freddo! I libri di testo scrivono quanto segue su questo: quando viene riscaldato, un pezzo di metallo inizia prima a diventare rosso. All'aumentare della temperatura, diventa bianco e si illumina di blu al massimo riscaldamento. Inoltre, la fiamma alla sua massima temperatura è blu, nonostante l'idea sbagliata comune che sia rossa.

Se le temperature più fredde sono rosse e le temperature più calde sono blu, perché l'impostazione della temperatura in Lightroom e Photoshop è invertita? Ciò è dovuto alla rappresentazione visiva della compensazione del colore. Ad esempio, la foto è stata scattata in interni con illuminazione artificiale senza flash. L'immagine avrà una tinta giallo/arancione. La fotocamera aumenterà la temperatura del colore (blu) per correggere il bilanciamento del bianco.

È ancora più chiaro in post-elaborazione. Quando l'immagine ha una sfumatura blu o gialla, sposta il cursore Temperatura nella direzione opposta per correggere il bilanciamento del bianco.

Consiglio pratico numero 10. Nella post-elaborazione, puoi utilizzare filtri digitali (foto filtro)

Sono finiti i giorni in cui dovevi portare una borsa con un set di questi accessori per conservare i filtri colorati. Tali filtri sono stati installati in un supporto speciale montato davanti all'obiettivo.

I più comuni sono i filtri caldi e freddi. Il loro effetto è quello di aumentare o diminuire la temperatura del colore dell'immagine.

Ora questo effetto è facile da ricreare in post-elaborazione con un clic. In Photoshop vai a Immagine> Regolazioni> foto filtro(Immagine>Regolazione>Filtro fotografico). Possiamo anche fare clic sull'icona foto filtro (Filtro fotografico) sul pannello Regolazioni(Correzione). Seleziona un filtro dal menu a discesa. Possiamo anche cliccare colore (Colore) e scegli qualsiasi colore come filtro. Noi cambiamo Densità(Densità)(0-100%) filtrare e mettere un segno di spunta in " Conserva Luminosità» (Mantieni il bagliore) in modo che il filtro non renda l'immagine più scura.

Oltre ai filtri incorporati in Photoshop, ce ne sono altri sotto forma di preset (compresi quelli a pagamento) o programmi che applicano filtri alle immagini.

Un buon esempio di tale software è il pacchetto Color Efex Pro della Google Nik Collection. È un plug-in per Photoshop, Photoshop Elements, Lightroom e Apple Aperture. Ho mostrato esempi di utilizzo di questa applicazione gratuita nel tutorial su come elaboro i file RAW in Lightroom e Photoshop.

6.1.2 Impostazione manuale del bilanciamento del bianco

Una delle cose complicate nell'usare un dispositivo di scorrimento temperatura per regolare il bilanciamento del colore è che questo processo è un gioco d'ipotesi. La percezione di BB è molto soggettiva, poiché ogni persona percepisce il "neutro" a modo suo. Se preferisci impostare la temperatura del colore in modo più metodico, ti piacerà il punto nero bianco E grigio" strumento" colore campionatore Pure l". Può essere trovato a strati Curve(Curve), Livelli (Livelli) E esposizione(Esposizione) in Photoshop.

Lo strumento stesso è facile da usare, più difficile trovare un pixel nero, bianco o grigio puro in un'immagine.

Consiglio pratico numero 11. Trovare pixel neri, bianchi e grigi in una foto

Il segreto per trovare il vero punto nero, bianco o grigio è usare un livello Soglia(Soglia, Isohelia). Aggiungilo sopra i livelli di regolazione Curve/Livelli/esposizione.

Trascina la freccia nel livello Soglia dal centro verso sinistra fino a quando l'immagine è completamente bianca. Ora inizia a muovere lentamente la freccia indietro (verso il centro) finché non appare il nero (indicato dalle frecce rosse). Il controllo incrociato con il grafico assicurerà che la freccia punti ai pixel esistenti. Questi sono pixel neri. Ingrandisci e applica lo strumento colore campionatore Attrezzo (situato dove si trova la pipetta, sotto) per evidenziare il pixel nero.

Trascina la freccia su Soglia dal centro verso destra finché l'immagine non è completamente nera. Ora inizia a muovere lentamente la freccia indietro (verso il centro) finché non appare il bianco (indicato dalle frecce rosse). Il controllo incrociato con il grafico assicurerà che la freccia punti ai pixel esistenti. Questi sono pixel bianchi. Ingrandisci e applica colore campionatore Attrezzo per selezionare un pixel bianco.

Ricerca del punto di grigio. Questi passaggi sono simili alla ricerca di un punto nero. L'unica differenza è che devi aggiungere un nuovo livello sopra il livello dell'immagine e sotto il livello di regolazione. Soglia, riempilo con il 50% di grigio e cambia la sua modalità di fusione in Differenza(Differenza). Sposta la freccia su Soglia nella posizione più a sinistra e iniziamo a spostarci lentamente verso destra finché non vediamo l'aspetto del nero. È grigio al 50%. Ingrandisci, seleziona qualsiasi pixel grigio e contrassegnalo con lo strumento colore campionatore attrezzo.

Ora abbiamo contrassegnato i pixel neri, bianchi e grigi e possiamo correggere il bilanciamento del bianco.

Clicca su colore campionatore Attrezzo per il nero (se non è chiaro quale dei tre, è necessario spostare il mouse su di esso e attendere un paio di secondi prima che appaia il suggerimento) e fare clic sul punto in cui si trova il pixel nero. Potrebbe essere necessario ingrandire per determinare con precisione la posizione del pixel.

Ripeti questi passaggi per il bianco e il grigio. Ora il nostro scatto ha il bilanciamento del bianco corretto!

Puoi anche guardare un tutorial video sulla regolazione del bilanciamento del bianco in Photoshop, utilizzando i punti nero, bianco e grigio per il livello Curve (Curve), Livelli (Livelli) ed Esposizione (Esposizione). Peccato che l'autore del video lavori in silenzio, tuttavia, dopo averlo visto più volte, puoi capire l'algoritmo delle azioni (soprattutto se attivi i sottotitoli).

In generale, il bilanciamento del bianco può essere regolato in diversi modi. Ecco altri due tutorial sull'impostazione di questo parametro in Photoshop e Lightroom.

6.2 Saturazione

La saturazione è l'intensità di un colore. Si chiama anche colore. Il valore di crominanza più alto rappresenta il colore nella sua forma più pura.

In fotografia raramente vediamo il colore nella sua forma più pura. Poiché in realtà il colore può essere di diversa saturazione, luminosità, sfumature e tonalità.

La visione umana è progettata in modo tale che i colori più saturi attirino l'occhio, i colori meno saturi sembrano trovarsi a distanza. Allo stesso tempo, diverse tonalità sature possono competere per attirare l'attenzione.

In questo capitolo vedremo come controllare la saturazione (nel prossimo capitolo la luminosità) per aumentare la profondità di un'immagine.

6.2.1 Aumentare la saturazione

Possiamo aumentare la saturazione di un fotogramma o di un soggetto durante o dopo lo scatto.

Per migliorare la saturazione e la chiarezza dell'immagine mentre si fotografa, è possibile utilizzare un filtro polarizzatore che rimuove l'abbagliamento e la foschia. L'effetto massimo del polarizzatore si ottiene quando l'asse dell'obiettivo della fotocamera è perpendicolare alla direzione del sole.

Nella post-elaborazione, gli strumenti più comuni per regolare il contrasto in Photoshop sono di gran lunga Livelli E Curve(Livelli e curve). Puoi anche usare le impostazioni luminosità/ contrasto(Luminosità/Contrasto), Vividezza (Succosità) O Tinta/ Saturazione. Lightroom ha i cursori contrasto (Contrasto) E Chiarezza (Definizione).

Consiglio pratico numero 12. Cos'è la chiarezzaChiarezza)? Come funziona?

A rigor di termini, la chiarezza non è una questione di teoria dei colori, ma consideriamo comunque di cosa si tratta.

Aumento definizione (Chiarezza) enfatizza i bordi, soprattutto nei mezzitoni. Il bordo è il punto in cui la parte luminosa dell'immagine incontra la parte scura. In altre parole, la nitidezza migliora il microcontrasto, rendendo le aree scure più scure e le aree chiare più chiare nei mezzitoni. A causa di ciò che qualsiasi immagine sembra migliore.

6.2.2 Desaturazione

La presenza di colori vivaci non è sempre positiva per l'immagine. A volte ha senso abbassare la saturazione di aree selezionate dell'immagine. Ciò aggiunge profondità e dimensione all'immagine 2D.

In natura, le scene desaturate si verificano quando c'è nebbia, foschia o tempo nuvoloso. Queste condizioni meteorologiche diffondono la luce in modo che i colori appaiano meno saturi, consentendo un effetto monocromatico mistico o addirittura nostalgico.

Consiglio pratico numero 13. Regolazione selettiva della saturazione mediante Maschere di saturazione ( Saturazione maschera )

Amiamo le immagini colorate. Ma a volte l'eccessiva luminosità dell'immagine la rende innaturale e insapore.

E se avessimo solo bisogno di regolare la saturazione su una parte dell'immagine? Puoi usare lo strumento regolazione Spazzola (pennello correttivo) in Lightroom o Tinta/ Saturazione in Photoshop con una maschera di livello, ma non saremo in grado di effettuare una selezione precisa se nella cornice sono presenti molti dettagli fini.

Idea Maschere di saturazione (Saturazione maschera) simile alla maschera di luminosità ( Luminosità maschera). La differenza è che la maschera di saturazione funziona sulle aree più sature con una transizione graduale verso quelle meno sature. Ciò significa che tale regolazione avviene senza transizioni evidenti all'occhio.

Che è successo Maschera di livello in Photoshop. Cercherò di spiegare brevemente, anche se non sono sicuro di cosa succede senza una dimostrazione visiva. Supponiamo di dover combinare 2 immagini: in quella inferiore Petya è a sinistra, in quella superiore Vasya è a destra. Può essere applicato aphotoshop2 strati e sulla parte superiore della cornice cancella con una gomma. Ma un modo più efficiente è sovrapporre la seconda immagine sopra la prima e applicarvi una maschera di livello (strato maschera) da riempire di nero. Ora, se dipingi su questa maschera con un pennello Colore bianco Secondo Petya, le aree bianche appariranno sopra l'immagine in basso e tutte le aree nere rimarranno opache. A differenza della gomma, l'immagine in alto non viene cancellata, ma solo la sua trasparenza viene ridotta. Se siamo andati oltre il bordo del viso di Petya con il bianco, lo ridipingiamo semplicemente con il nero e scompare di nuovo.

Che è successo Maschera di luminosità (Luminosità maschera) in Photoshop? Diciamo che nell'esempio sopra, vogliamo dipingere con un pennello la sagoma di un ramo di pino contro il cielo. Non importa quanto ci sforziamo, non possiamo farlo con precisione. Ma con una serie di manipolazioni, puoi ottenere una copia in bianco e nero di questa immagine e trasformarla in una maschera di livello.

Esempio di utilizzo: vogliamo abbassare la luminosità del cielo serale, ma non scurire le immagini del pino. Noi creiamoLuminosità mascherae su di esso riduciamo la luminosità - solo il cielo diventerà più scuro, senza intaccare l'immagine dell'albero. E una tale correzione dell'immagine sarà invisibile allo spettatore, poiché nell'immagine in bianco e nero della Luminance Mask, le transizioni dai toni scuri a quelli chiari sono realizzate in modo molto fluido. Otteniamo un analogoHDR, ma dall'aspetto molto naturale.

Cos'è la maschera di saturazione (Saturazione maschera) vPhotoshop? Supponiamo di voler ridurre la saturazione solo delle zone troppo acide dell'immagine, senza intaccare quelle normali. Crea una copia del livello. Con l'aiuto di una serie di manipolazioni, ne viene creata una copia in bianco e nero, dove i colori acidi saranno bianchi, i colori normali saranno neri e i colori di transizione saranno grigi. Ora, se riduciamo la saturazione in questo strato, allora questo parametro diminuirà solo nelle zone acide, senza intaccare quelle normali. E poiché ci sono aree grigie nella maschera di saturazione, la trasparenza di questo livello cambia uniformemente e anche il passaggio dai colori acidi a quelli normali avviene in modo molto uniforme, impercettibile alla vista.

Vediamo il confronto Maschere di saturazione (Saturazione maschera) E Maschere di luminosità (Luminosità maschera) sugli esempi.

Il primo piano rimane nero. L'aggiunta di un livello di regolazione della saturazione con una maschera influirà solo sulle luci e non sulle aree con saturazione inferiore e colori tenui.

Ok, è meglio guardare una volta che leggere cinque volte. Ecco il primo tutorial con un esempio di utilizzo Maschere di saturazione (Saturazione maschera) in Photoshop per correggere l'immagine.

Ecco un esempio di correzione di una foto di matrimonio utilizzando lo stesso Maschere di saturazione.

Nel prossimo tutorial, ho intenzione di entrare nei dettagli su come creare e utilizzare correttamente le maschere di luminosità. Ora posso solo offrire di guardare un video in inglese, che descrive questo potente strumento.

6.3 Leggerezza (leggerezza)

Ragazzi, ho letto dozzine di articoli in russo e inglese, ma non ho capito appieno quale fosse questo parametro. Cercherò di spiegare, ma non sono sicuro di aver ragione...

In generale, i principali parametri di colore includono tonalità (Tonalità), saturazione (Saturazione) e luminosità (Luminosità). In inglese, la parola "lightness" è sinonimo di luminosità (luminosità, valore) e luminosità (luminosità). Ma nel contesto della teoria del colore, i concetti di "luminosità" e "leggerezza" sono diversi.

La luminosità è un valore relativo che mostra quanto è luminosa una superficie per lo spettatore in relazione alla luminosità di una superficie bianca sotto la stessa illuminazione ... non ho capito niente ...))

Molte fonti danno questo esempio: un foglio di carta blu giace sul tavolo, è illuminato da una lampadina e riflette la luce. Questo foglio di carta avrà una certa luminosità, e una certa leggerezza, calcolata in relazione alla tazza bianca. Ora la situazione è la stessa, ma il tavolo è illuminato dal sole, una fonte di luce più potente. Ora la luminosità del foglio di carta è aumentata, ma la leggerezza è rimasta la stessa, poiché sotto questa illuminazione il rapporto tra la luminosità del foglio blu e la tazza bianca è rimasto lo stesso ... non ho ancora capito niente, anche dopo aver visto il seguente video in inglese ...))

Posso solo fare un esempio del genere: il bianco viene aggiunto a un barattolo di vernice rossa: la luminosità del colore rosso aumenta e se si mescola il nero, la luminosità diminuisce. Cioè, quando dicono di un colore che è rosso scuro o rosso chiaro, intendono la sua leggerezza.

Anche in un articolo sulla teoria dei colori, citano un'immagine del genere e affermano che tutti e tre i quadrati hanno la stessa luminosità (100%), ma la luminosità è diversa ...

Ogni colore ha la sua luminosità e il giallo ha la luminosità più alta di tutti i colori. Ciò porta al fatto che percepiamo il giallo come il più luminoso, anche se nella foto tutti i colori sono ugualmente luminosi e saturi.

Da ciò si conclude che la visione umana è più sensibile alla luce che all'ombra.

Un'immagine con uno sfondo in bianco e nero ha il maggior contrasto, ma i nostri occhi sono più attratti da uno sfondo scuro. Possiamo applicare questo principio per evidenziare un oggetto in un'immagine.

Durante il Rinascimento apparve una tecnica pittorica chiamata Chiaroscuro (distribuzione chiaroscuro). La parola "Chiaroscuro" viene dall'Italia e significa "luce-ombra". La tecnica utilizza il contrasto tonale tra luce e ombra per creare un'immagine tridimensionale. L'attenzione dello spettatore è attratta da un oggetto illuminato dalla luce su uno sfondo scuro.

Consiglio pratico numero 14. Crea volume regolando in modo selettivo la saturazione e la luminosità

Considerando la scena, devi prestare attenzione alla provenienza della luce. L'area d'ombra ha meno saturazione. Pertanto, ha senso aumentare la saturazione delle aree illuminate!

Inoltre, quando aumentiamo la saturazione, usiamo Vividezza, invece di aumentare la saturazione dei toni tenui. Questo crea spesso un effetto più naturale.

Ora diamo un'occhiata a come desaturare selettivamente un'immagine.

Nell'editor di Lightroom. Applicabile regolazione Spazzola (Spazzola di regolazione) per delineare le aree dell'immagine che dobbiamo desaturare. Questo creerà una selezione e possiamo applicare le impostazioni con il cursore Saturazione (Saturazione) . Oppure possiamo fare lo stesso con Radiale filtro(Filtro radiale).

Con Photoshop. Uno dei modi più semplici è desaturare completamente l'immagine e mascherare determinate aree con una maschera di livello (maschera di livello). Ma, se è necessaria maggiore precisione, è meglio provare la maschera di luminosità, la maschera di zona o colore Allineare (gamma di colori). Queste tecniche vengono utilizzate per creare una selezione prima di applicare un livello di regolazione del contrasto. Applicare gli strumenti Scherma (chiarificatore) e Brucia (dimmer) sopra il livello grigio al 50% è un altro buon modo per creare luci e ombre artistiche. Non so come usarlo, ma voglio dimostrare due video tutorial.

La prima lezione in russo è un esempio di come aggiungere volume usando la manifestazione di luci e ombre con uno strumentoSchivare & BruciarevPhotoshop. Come minimo, controlla lo schema per scurire e schiarire un ritratto femminile, la cui descrizione inizia a 1:34 minuti.

La seconda lezione è in inglese (puoi anche studiare paesaggi e migliorare una lingua straniera). L'autore utilizza attivamenteSchivare & Brucia, così come le maschere per ridurre o aumentare la saturazione nei punti giusti.

Un altro video tutorial (sempre in inglese) è l'elaborazione di un paesaggio in Lightroom utilizzando un pennello di regolazione o un filtro radiale per gli stessi scopi: correggere il motivo in bianco e nero, saturare l'immagine.

Non so se posso padroneggiare tali metodi di elaborazione. Ma almeno ora è chiaro perché i miei paesaggi a volte sembrano piatti, mentre i professionisti ne hanno di voluminosi.

7. Sfumature, ombre e toni (Tinte, Sfumature EToni) nella teoria dei colori

Questi concetti sono più rilevanti per gli artisti e coloro che lavorano con i pigmenti. Ma per noi fotografi, questa è un'informazione utile.

Sfumature, ombre e toni sono il prodotto della miscelazione del colore con il bianco, il nero e il grigio. Questo riduce la cromaticità, ma il colore predominante rimane invariato.

• Tinte: sfumare un colore con il bianco per aumentare la luminosità.
• Shadows (Shades): una miscela di colore con il nero per ridurre la luminosità.
• Toni: fusione di un colore con il grigio per creare un tono tenue.​

L'uso di tonalità, ombre e toni è più comune nelle immagini monocromatiche. Vedremo questo nel prossimo capitolo.

8. Armonia dei colori

L'armonia dei colori è la teoria della combinazione dei colori per creare un'immagine armoniosa (piacevole alla vista). Rappresenta l'equilibrio e l'unità dei colori. Il cervello umano raggiunge uno stato di equilibrio dinamico quando riconosce l'interesse visivo e l'ordine creato dall'armonia.

In fotografia, abbiamo poco controllo sulla combinazione dei colori (solo in una certa misura). Lo spettatore è attratto da oggetti luminosi e colorati, per migliorare l'impatto dell'immagine, è necessario pensare costantemente alla combinazione di colori (e tenerne conto durante lo scatto o in post-elaborazione).

Tuttavia, lo studio armonia dei colori può aiutarti a capire perché alcuni dei nostri scatti attirano più attenzione di altri.

Designer e fotografi professionisti possono utilizzare lo strumento Adobe CC (precedentemente chiamato Adobe Kuler: https://color.adobe.com/en/create/color-wheel) per analizzare i colori nelle loro foto per trovare combinazioni di colori armoniose. Cominciamo con le armonie di colori più comuni.

Consiglio pratico numero 15. Utilizzo di Adobe CC per analizzare i colori delle immagini

Passo 1: Fai clic sull'icona della fotocamera nell'angolo in alto a destra (crea dall'immagine). Selezionare l'immagine desiderata e fare clic su "Apri" ( aprire) .

Passo 2: Vedremo che l'immagine viene analizzata sulla base di 5 colori in grandi quadrati. Quindi fare clic sulla ruota dei colori nell'angolo in alto a destra.

Passaggio 3: Diamo un'occhiata alla ruota dei colori e vediamo se i colori nell'immagine corrispondono a qualsiasi armonia cromatica.

Puoi anche sperimentare con il menu a sinistra nel passaggio 2 per analizzare le diverse proprietà del colore.

Video tutorial con un esempio di utilizzo Adobe CCper creare l'armonia dell'immagine.

Un'altra lezione di coinvolgimentoAdobe CC per una corretta classificazione del colore dell'immagine (in inglese).

8.1 Colori complementari

Cosa sono i colori complementari? Questi sono i colori che si trovano l'uno di fronte all'altro sulla ruota dei colori. Un tipico esempio di colori complementari è il tramonto, dove sono presenti il ​​blu e il giallo/arancione.

Poiché i colori si trovano alle estremità opposte della ruota dei colori, l'intero spettro dei colori è presente nell'immagine. La presenza di entrambi i colori in proporzioni uguali crea reciproca completezza.

Nota: in post-elaborazione, non dovresti aumentare la saturazione di entrambi i colori allo stesso modo. I colori complementari saturi possono enfatizzarsi reciprocamente e creare un effetto di contrasto (un apparente aumento o diminuzione dei parametri percepiti degli oggetti).

I colori complementari meno saturi sono più armoniosi e risaltano meno nell'immagine.

Consiglio pratico numero 16. Creare volume con sfumature calde e fredde

Ricordi che i colori caldi ti avvicinano e quelli freddi ti allontanano? Usiamo questa mossa psicologica quando abbiamo colori aggiuntivi nell'immagine per enfatizzare il volume dell'immagine.

Nell'esempio sopra, possiamo saturare il giallo/arancio più del blu. Il blu meno saturo lascerà il posto al giallo/arancione più saturo, che risalterà ancora di più.

8.2 Triade

Una triade è quando tre colori sulla ruota dei colori sono alla stessa distanza l'uno dall'altro. Come nel caso dei colori complementari, questo indica la presenza di una gamma completa di colori.

La triade ei colori complementari hanno un impatto visivo simile: creano un senso di unità ed equilibrio. Allo stesso tempo, l'effetto dei colori tenui è più forte di quelli saturi.

Quando ci sono molti colori in un'immagine, ha senso rendere 1 colore dominante per evitare la competizione per l'attenzione.

8.3 Colori analoghi (armonia cromatica successiva)

Una combinazione di colori simili è costituita da tre tonalità affiancate sulla ruota dei colori. È più armonioso e ha un aspetto leggermente monocromatico. Di solito osservato in natura, ad esempio in autunno.

I colori in genere hanno una luminosità (o luminosità) simile, poco contrasto e sono meno colorati dei colori complementari e triadici.

8.4 Colori monocromatici

I colori monocromatici sono caratterizzati da un solo colore, ma combinando diverse sfumature, sfumature e toni.

Ciò offre una gamma più ampia di toni contrastanti per attirare l'attenzione o creare attenzione.

Un'immagine monocromatica distrae meno di un'immagine a colori. Ciò consente allo spettatore di prestare maggiore attenzione a ciò che è raffigurato nell'immagine e alla sua storia.

Suggerisco di guardare un video tutorial con una panoramica di 5 armonie di colori ed esempi di immagini in cui l'accostamento dei colori è realizzato tenendo conto di questi concetti.

Consiglio pratico numero 17. Miglioramento delle immagini con la tonalità (correzione del colore)

La tonalità è il processo di miglioramento o modifica del colore di un'immagine. Per la fotografia, questo può essere fatto in post-elaborazione, ad esempio in Photoshop.

La gradazione del colore è più comunemente usata nell'industria cinematografica. Prendiamo ad esempio il film Amélie of Montmartre o 300 Spartans, in cui un chiaro tema cromatico attraversa l'intero film. Lo scopo del viraggio è dare al film una personalità.

Se fatto correttamente in termini di armonia dei colori, possiamo stabilire una stretta relazione tra il soggetto e lo sfondo e dirigere l'attenzione dello spettatore a modo nostro.

La correzione del colore va oltre lo scopo di questo articolo. Dovrebbe essere studiato separatamente. Ecco un esempio di un video in cui fanno miracoli con il ritratto di un bambino.

Consiglio pratico numero 18. Applicare il tono diviso per migliorare l'armonia cromatica dell'immagine

Split toning (split-toning) consiste nell'aggiungere un colore alle luci e/o ombre dell'immagine.

Se selezioniamo i colori che sono già nell'immagine (e se sono già armoniosi), questo migliorerà l'effetto dell'armonia dei colori. Possiamo anche scegliere altri colori per sperimentare il risultato.

La divisione dei toni è facile da eseguire in Lightroom e ACR in Photoshop. Come mostrato nell'immagine qui sotto, usa i cursori per regolare Tinta E Saturazione Per Punti salienti (Sveta) E Ombre(Ombre). Noi usiamo Bilancia (Bilancia) per regolare le impostazioni verso luci o ombre.

IN Lightroom split-toning è nel modulo Sviluppo. IN Photoshop quando apri l'immagine, vai su Filtro> Filtro Camera RAW (Filtro> Filtro Camera RAW). Questo visualizzerà il pannello di divisione dei toni come mostrato nell'immagine sopra.

• Se nell'immagine è presente più di un colore dominante, ridurremo la saturazione o la luminosità degli altri per evitare contrasti simultanei o contrastanti.
• I colori tenui hanno un aspetto migliore in quantità uguali rispetto ai colori puri e saturi.
• Vale la pena sperimentare diversi livelli di saturazione e luminosità di ciascun colore per creare un'immagine tridimensionale.
• L'impatto visivo è più evidente per i colori accesi che per quelli scuri.

9. Psicologia del colore

La psicologia del colore è lo studio di come il colore influenza il comportamento umano.

Questo argomento è studiato in dettaglio e ampiamente utilizzato nel marketing e nel branding. Il colore influenza il modo in cui il consumatore percepisce inconsciamente il prodotto e alla fine diventa o meno un acquirente. Da un punto di vista fotografico, i colori nell'immagine influenzano il modo in cui lo spettatore percepisce il nostro lavoro.

La percezione del colore può essere influenzata da cultura, geografia, religione, ora del giorno, stagione, genere dello spettatore, ecc. Questo spiega perché un colore può avere molteplici significati.

Ecco un buon video che spiega come il colore influisce sugli aspetti psicologici di come uno spettatore percepisce un'immagine.

• ​Rosso associato a passione, amore, eccitazione, fiducia, rabbia e pericolo.
• Colore molto emozionante. Diventa facilmente visibile anche in piccole quantità. Inoltre dà energia ed entusiasmo.
• Molto efficace su uno sfondo scuro. Dovrebbe essere usato con moderazione.

• Verde associato alla natura, alla vita, alla crescita, alla prosperità, alla purezza, alla salute e all'armonia.
• Colore naturale naturale. Ha un effetto calmante e calmante, dona calma.
• Stimola la ghiandola pituitaria, aumenta il rilascio di istamine e provoca contrazioni muscolari più lisce. Allo stesso tempo allevia lo stress e rinvigorisce

• Blu associato a freddezza, spazio, distanza, eternità, mascolinità, affidabilità e tristezza.
• Stimola il corpo a produrre sostanze chimiche che causano calma e tranquillità, cioè ha un effetto sedativo.
• Un blu più ricco e vibrante: il blu elettrico o il blu brillante è energizzante.​

• Giallo associato a calore, divertimento, ottimismo, felicità, ricchezza e cautela.
• Stimola i processi mentali, il sistema nervoso, attiva la memoria e il desiderio di comunicazione.
• Il colore con il massimo livello di luminosità risalterà sullo sfondo di altri colori.​

• Viola associato a ricchezza, lusso, raffinatezza, ispirazione e tranquillità.
• Raramente presente in natura, simboleggia magia, mistero e spiritualità.
• Essendo un equilibrio tra rosso e blu, il viola può causare ansia e ansia, ma è il colore preferito delle ragazze adolescenti

• Arancia associato a energia, divertimento, creatività, vitalità, gioia, eccitazione e avventura.
• Stimola l'attività, la comunicazione, stimola l'appetito.
• L'arancia pura può indicare mancanza di intelligenza e cattivo gusto

• Nero associato all'eleganza, alla raffinatezza, all'autorità, al potere, alla morte, alla notte, al male e al misticismo.
• Può provocare forti emozioni, ma in grandi quantità può anche essere travolgente.
• Ci permette di sentirci poco appariscenti e misteriosi, evocando un senso di potenziale e possibilità.​

• Bianco associato a purezza, innocenza, semplicità, leggerezza, vuoto e neutralità.
• Simboleggia la forza, la vittoria, la pace e la conquista.
• Promuove la chiarezza mentale, incoraggia la rimozione degli ostacoli, schiarisce i pensieri e ti dà l'opportunità di iniziare una nuova vita.

• Grigio associato a calma, equilibrio, moderazione, saggezza, ma anche neutrale, noioso e deprimente.
• Il colore più importante nella fotografia!
• Il grigio scuro intenso evoca un senso di mistero.
• Percepito come durevole, classico, spesso elegante e nobile.
• Controllato e poco appariscente, è considerato il colore del compromesso.

10. Aumentare il livello di conoscenza sulla teoria dei colori

Come puoi vedere, la teoria dei colori non può essere compresa immediatamente! Tutto ciò di cui abbiamo bisogno è un po' di tempo per digerire le informazioni ricevute e implementarle nel nostro flusso di lavoro.

Capire come percepiamo il colore e cosa attira l'attenzione aiuta i professionisti a creare foto migliori. E sono sicuro che si può garantire che aiuterà qualsiasi fotografo amatoriale!

L'ultimo video nell'articolo di oggi, in cui tutti quegli aspetti della teoria dei colori che abbiamo discusso oggi sono discussi visivamente e con esempi.

Ebbene, se stai leggendo queste righe, allora hai imparato tutti i miei scritti e non l'ho scritto invano. Per favore condividi un link a questa lezione sui social network - forse qualcuno sarà interessato all'argomento, lo aiuterà a migliorare le sue foto. Grazie! Buona fortuna con le tue foto. Se non ti sei iscritto alle notifiche di nuovi articoli su questo blog, ti consiglio di farlo, perché ci sono idee per pubblicare qualcos'altro di interessante per i fotografi alle prime armi.

Come imparare a lavorare con il colore in fotografia? 23 gennaio 2015

Una domanda scottante. E devo dire che se non senti il ​​colore, un approccio formalizzato non farà il lavoro per te. Tuttavia, potrebbe aiutare.
Viveva Johannes Itten. E ha scritto il libro "L'arte del colore".
Tra le altre cose, ha inventato la sua ruota dei colori. Dodici bit.
Su come differisce dal cerchio ottico, puoi leggere dal mio amico e collega Andrey Zhuravlev.
Lui, sobsna, ecco un cerchio. A proposito, non puoi deridere quel giallo caldo non si chiama terra di Siena, ma turchese ciano. È importante per noi parlare della stessa cosa qui, quindi accettiamo tali convenzioni.

Esiste un'applicazione popolare per Flash: Adobe Kuler. E non dovrebbero mai essere usati. Il fatto è che in esso è implementato solo un cerchio ottico, il che è corretto dal punto di vista della fisica e dello spettro reale (RGB). E questo cerchio riguarda qualcos'altro. Semmai, è fatto da artisti per artisti.

Il giallo è in prima linea: è il più chiaro e non può essere ottenuto mescolando altri colori più scuri. Il giallo fa parte della triade primaria (RYB). Include anche blu e rosso. Mescolando i colori primari, otteniamo una triade secondaria: verde, arancione, viola.

La disposizione dei fiori nel cerchio non è casuale. Ogni colore puro ha un tono "nativo". Il tono è luminosità, non ha nulla a che fare con la tonalità (sui concetti, sì). Il giallo è il più leggero e in cima. Viola - il più scuro - opposto al giallo e in fondo. Questi sono due colori puri che non hanno un tono "fratello". Se disegni un asse verticale al centro del cerchio, i fratelli si guarderanno l'un l'altro, come in uno specchio. Il tono è uguale a puro sientha ed erbaceo, verde e arancione e così via.

I colori opposti sono chiamati complementari o complementari.
Itten, tra l'altro, ha individuato tipi di contrasti proprio con questa madre.
Siamo abituati al fatto che la parola "contrasto" si riferisca al grado di differenza tra buio e luce. Sebbene in realtà il contrasto sia il grado di QUALSIASI differenza su qualsiasi scala.

Perciò. Per imparare a lavorare con il colore, devi vedere questi contrasti e distinguerli:
1. acromatico (più scuro-più chiaro)
2. sfumature di colore (blu non rosso, verde non giallo)
3. temperatura (a proposito, il colore non è caldo o freddo di per sé - solo nel contesto di altri colori)
4. saturazione (rosso - grigio)
5. colori complementari (blu - arancio, verde - rosso...)
6. per area (pallina rossa su un grande prato verde)
7. simultaneo ("guarda questa immagine incomprensibile per 30 secondi senza battere ciglio, quindi guarda attentamente il muro bianco e vedi il volto di Marilyn Monroe" - una volta andato su Internet)

Sul secondo tipo di contrasti derivano le combinazioni armoniche. Ebbene, cioè "regole", quali colori sono combinati con quali e quali escludere dalla foto.

Nelle illustrazioni seguenti, puoi ruotare le figure nere in un cerchio con qualsiasi angolazione, lo schema funzionerà. Ebbene, le immagini hanno lo scopo di illustrare l'appartenenza al tipo di schema e non a un giro specifico della figura nel cerchio. Le foto sono tratte dal pubblico VK Retouch Pro.

Schema correlato (3 settori contigui)

Relativo-contrasto (4-6 adiacenti)

Triadico (triangolo equilatero)

Cordati (1, 2, 3 o 4 accordi rigorosamente con un angolo di 0 o 90 gradi - giallo in alto, viola in basso)

Complementare

Ogni "polo" del circuito può e deve essere diviso simmetricamente. Ad esempio, nell'ultimo esempio, posso dividere il giallo in erba e terra di Siena in proporzioni uguali e ottenere più variazioni di tonalità. Non puoi dividere il giallo solo in erboso. Dovrebbe dividersi in entrambe le direzioni. In modo che la scissione quando è mescolata dà, per così dire, il giallo.

Pavel Kosenko, nei commenti al post di Andrey, il link a cui fornisco sopra, impreca terribilmente contro tutti questi circoli e schemi, accennando alla ciarlataneria. Rispondo. Se usi questi schemi proprio così, non ne verrà fuori nulla di veramente buono. Ma qualcuno ha dimenticato che abbiamo ben 7 tipi di contrasti. E gli schemi descrivono solo il secondo (sfumature di colore). All'interno, le fotografie dovrebbero vivere e unire armoniosamente le restanti 6, per le quali non hanno escogitato schemi. Tuttavia, all'interno del secondo tipo, tutte queste combinazioni funzionano bene =)

Nodo della memoria. Invece del quack Cooler di Adobe, puoi usare questo. Fa la stessa cosa del Cooler, solo che entrambi i cerchi sono cuciti al suo interno con la possibilità di cambiare: RYB e RGB. Hai davvero bisogno solo di RYB =)

E per capire perché la tua foto sembra una cacca in termini di colore, è sufficiente porsi 7 domande: "E il mio contrasto di saturazione?" E gli altri sei. Tutti hanno bisogno di lavorare.

E allora? Qui ci sono tutti i tipi di contrasti e schemi. Esiste un plug-in che fa clic sul pulsante e tutti i colori sono belli?
- No, pigrone. Questo è un cheat sheet e le regole. I colori nella foto devono essere modificati manualmente. Ops.
- E i preset e il cross-processing? Sono clack e belli.
- Rimani su Instagram e divertiti. E per quanto riguarda la creazione di immagini?

Quando si crea una fotografia, poche persone prestano attenzione alla componente cromatica della cornice.
Anche l'armonia dei colori gioca molto ruolo importante nella percezione dell'immagine.
Quali rapporti sono i più iconici e quali, al contrario, sono in conflitto con l'idea dell'autore.
Sì, e la percezione dello spettatore nella fase iniziale inizia con la consapevolezza di "piacevole-spiacevole" alla vista.
Cominciamo con la questione dei colori primari e secondari in fotografia.

I colori primari sono sicuramente il blu, il verde, il rosso. A questo proposito, i canoni esistenti della composizione del colore sono guidati da questi colori.
Quando li mescoli, otterrai sicuramente qualsiasi altro colore. La luce bianca si ottiene mescolando tutti e tre i colori primari, indicando armonia.
I colori secondari sono posizionati sul cerchio luminoso uno di fronte all'altro: ciano e rosso, magenta e verde, giallo e blu. Se inizi a mescolare il colore principale con un colore complementare che è in diretto contrasto con esso, ti ritroverai con il grigio.
I colori complementari si ottengono quando il rapporto tra gli altri due è viola, arancione, viola.
Se assumiamo di prendere uno dei colori primari e confrontarlo con quello aggiuntivo, otteniamo un contrasto di colore.
E lui, a sua volta, ravviva l'immagine, dà dinamismo alla composizione della cornice, e se, al contrario, usiamo combinazioni armoniose, allora la percezione diventa più calma.

Dettaglio importante: Il colore "forte" in fotografia deve essere utilizzato in modo tale che l'inquadratura sia bilanciata.

È necessario utilizzare il contrasto cromatico in fotografia?
Ancora una volta, tutto dipende dalla tua idea. Questa tecnica è sicuramente un potente strumento per la percezione della composizione dell'inquadratura. Il contrasto più potente si ottiene se il colore primario è correlato a quello secondario, la cornice risulta essere “appariscente”.
Uno di questi esempi è mescolare il blu con il giallo. Di conseguenza, ottieni una risonanza cromatica che migliora l'impatto emotivo.
Non dimenticare inoltre che se un colore prevale su un altro nell'inquadratura, ciò riduce l'effetto dell'esposizione.

Inoltre, non dimenticare l'impatto effettivo del colore stesso. I colori caldi - come il rosso e il giallo - "sporgenti", si concentrano sull'oggetto o sul soggetto, ma "freddi" - blu, verde - "in ritirata", aumentano visivamente la risoluzione spaziale dell'inquadratura. Se vuoi mescolare un colore caldo con uno freddo, allora quello caldo dominerà sicuramente e quello freddo sarà lo "sfondo".

Ovviamente ogni colore porta il proprio carico semantico aggiuntivo, quando percepisce una fotografia, lo spettatore è principalmente respinto dalle proprie associazioni.
Ci sono anche idee generalmente accettate sui colori.
Il rosso è una sfida, l'amore, il sangue, un colore di avvertimento.
Giallo e arancione: il sole, la gioia.
I colori freddi, ad esempio il blu, sono associati al cielo, al mare e alla solitudine.
Infine, il verde evoca pace e tranquillità.
Pertanto, non bisogna dimenticare l'influenza subconscia del colore su una persona nella costruzione di una composizione.

Come ottenere la saturazione del colore in fotografia?
Uno dei fattori più importanti è la qualità della luce naturale. I colori più brillanti si ottengono al mattino o al pomeriggio quando la luce è diretta verso la parte anteriore del soggetto.
Se lavori in condizioni di studio, l'uso di filtri speciali influirà sulla saturazione del colore nella cornice.

Quali colori stanno bene tra loro?
I colori posti uno accanto all'altro sulla "ruota dei colori" danno combinazioni armoniose (giallo con rosso, giallo con verde, verde con blu e). Tuttavia, anche i colori meno contrastanti possono creare armonia.
Tale armonia nella cornice ha un effetto calmante sullo spettatore. Non solo, puoi scattare bellissime foto usando un colore o le sue sfumature. Questo effetto può essere ottenuto con una luce soffusa che unisce i colori. Questo effetto è creato artificialmente e si chiama "colore monocromatico".

I colori caldi hanno un effetto stimolante, i colori freddi fanno il contrario. I colori caldi sono vicini allo spettro giallo, i colori freddi sono vicini allo spettro blu (il colore del freddo, il freddo notturno, la nebbia mattutina è prima dell'alba). Evocano certe emozioni. I fotografi sanno bene che i toni caldi nelle immagini sembrano visivamente sporgere verso l'esterno, rendendo gli oggetti convessi, mentre quelli freddi, al contrario, si allontanano, rendendo gli oggetti concavi.

Il compito del fotografo è rendere armoniosa la foto. Usare la teoria dei colori è un modo per raggiungere questo obiettivo. Il colore svolge una serie di funzioni utili:

1. influisce sulla percezione della fotografia in generale;
2. conferisce alla foto un fascino speciale;
3. crea l'atmosfera dell'immagine;
4. ti permette di creare equilibrio, armonia o contrasto nell'immagine;
5. seleziona l'oggetto richiesto.

Tipi e combinazioni di colori

La ruota dei colori è lo strumento principale di qualsiasi fotografo professionista, artista, designer.

Il diagramma contiene 12 colori primari e misti: questa è la base. Aggiungendo il nero o il bianco ai modelli di colore presentati, puoi ottenere molte sfumature diverse.

Inoltre, la ruota dei colori è tradizionalmente divisa in due metà: calda e fredda.

Colori contrastanti

I colori contrastanti o complementari si trovano uno di fronte all'altro sulla ruota spettrale. Ogni colore può essere contrastato non solo con un colore contrastante, ma anche con una coppia. Questo è il cosiddetto contrasto interrotto.

Le tonalità opposte si completano a vicenda: se combinate, ognuna di esse diventa più luminosa e più satura.

Il contrasto rende l'immagine più dinamica, ti consente di evocare reazioni emotive interessanti: ad esempio, il rosso provocherà passione e il blu ti calmerà all'istante.

Esistono diversi modi per utilizzare il contrasto in fotografia:

1. cerca i colori opposti intorno, prova a catturare buoni angoli con loro;
2. usa i contrasti quando crei composizioni per le riprese in scena;
3. applica il contrasto nella fotografia di ritratto: scegli un colore contrastante per i vestiti e uno sfondo.

È anche possibile il contrasto di toni caldi e freddi. Quindi, gli oggetti "caldi" sembrano favorevolmente su uno sfondo "freddo". Ma con la combinazione inversa, dovresti stare molto attento.

Combinazioni simili

Combinazioni simili vengono create utilizzando 2-3 toni affiancati sulla ruota spettrale. I toni vicini portano armonia e calma alla foto.

Con questo metodo, non dovresti scegliere colori ricchi e luminosi. Vale la pena dare la preferenza a tonalità pastello e chiare.
Il vantaggio del metodo è la capacità di combinare un numero enorme di toni diversi.

combinazione monocromatica

Questo tipo di fotografia si crea combinando con tutte le sue possibili sfumature. Il metodo consente di trasmettere overflow e sottili relazioni cromatiche. Tali immagini sembrano sempre nobili.

Altre combinazioni

Una delle combinazioni più popolari è la classica triade: colori che formano un triangolo equilatero nella ruota spettrale. Questa combinazione sembra sempre viva, anche quando si usano toni tenui.

Molto apprezzata anche la scelta dei colori equidistanti, ovvero la triade analogica. Il primo colore diventa la base della composizione e trasmette l'atmosfera, il secondo enfatizza e batte i toni selezionati e il terzo pone sottilmente gli accenti. Il metodo viene utilizzato in composizioni confortevoli, poiché conferisce morbidezza all'immagine.

Una delle opzioni preferite per combinare i colori è una triade contrastante. In questo caso, non viene selezionato il colore opposto, ma i suoi due "vicini". Tali sfumature formano un triangolo isoscele in un cerchio. Il vantaggio del metodo sta nel creare una tensione morbida e nella capacità di utilizzare proporzioni diverse.

Ci sono anche opzioni complicate: combinazioni di toni sotto forma di rettangolo, quadrato, pentagono. Una tale varietà può essere utilizzata solo da fotografi esperti e professionisti. Una combinazione errata di toni porterà all'effetto opposto: posizionerà gli accenti in modo errato, renderà la foto discreta o fastidiosa.

Regole di base per lavorare con il colore

Quando si lavora con il colore, è importante rispettare le seguenti regole:

1. Scegli il tuo sfondo con saggezza: uno sfondo bianco rende il colore più spesso e uno sfondo nero lo rende più luminoso.
2. Posiziona gli accenti: un tocco luminoso può cambiare una foto oltre il riconoscimento. Un tono debole può essere esaltato con una tonalità contrastante.
3. Scegli la giusta direzione della luce: il colore cambia a seconda della natura dell'illuminazione;
4. Cambia l'angolo di ripresa: il colore può variare a seconda della posizione della fotocamera durante le riprese.
5. Decidi il colore dominante: molto spesso, la tonalità dominante è associata al soggetto principale.

Tutti i fotografi professionisti preferiscono utilizzare la ruota dei colori. Tuttavia, seguire sconsideratamente le regole non porterà necessariamente al risultato atteso. Nella fotografia, non è importante solo la giusta scelta del colore, ma anche un gusto artistico, un senso del colore e un'esperienza sviluppati. Sentiti libero di scattare foto, acquisire esperienza! Conoscendo la psicologia del colore, puoi facilmente creare capolavori che attirano l'attenzione dello spettatore.