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Pittura decorativa monumentale. Pittura monumentale e vetrate. L'era dell'URSS e questo tipo di creatività

Nelle scuole moderne, agli studenti delle scuole superiori viene insegnata una materia molto importante e necessaria chiamata "Cultura artistica mondiale". Il corso MHK racconta agli scolari i capolavori dell'architettura e delle belle arti dall'antichità ai giorni nostri. Il programma include anche una sezione come l'arte monumentale. Adesso lo conosceremo meglio.

Cos'è l'arte monumentale?

Questa è una sezione speciale che si distingue per il carico plastico o semantico di un'opera architettonica, nonché per l'importanza e il significato del contenuto ideologico. La parola "monumentale" deriva dal latino moneo, che significa "ricordare". E non c'è da stupirsi, perché questo tipo di arte è uno dei più antichi della terra.

Storia dell'arte monumentale

Le radici di questo tipo di architettura e pittura risalgono alla società primitiva. Gli antichi allora imparavano solo a disegnare, tenevano goffamente il carbone tra le dita, ma le loro opere di pittura monumentale sulle pareti delle caverne erano già sorprendenti. Certo, erano disegnati in modo goffo, non c'era abbondanza di colori, ma c'era un senso. Consisteva nella rappresentazione degli antichi sulle forze della natura, le loro stesse vite e varie abilità. Pertanto, le pareti delle grotte erano decorate con varie scene della vita di un uomo primitivo: la preda di mammut, la donna più bella della grotta, danze rituali attorno al fuoco e molti, molti altri.

La società primitiva fu sostituita dal mondo antico e anche la creatività monumentale trovò il suo posto lì. Nell'antico Egitto, quest'arte era molto rispettata e amata. Questo è ciò che ci dicono le sfingi e le piramidi egizie sopravvissute fino ad oggi. Durante il Rinascimento ci fu un fiorire di architettura monumentale. Nacquero capolavori come il dipinto "La creazione di Adamo", così come la Cappella Sistina. Tutte queste opere furono realizzate dal genio del suo tempo: Michelangelo Buonarroti.

Alla fine del XIX e all'inizio del XX secolo, l'arte ha preso una nuova strada. Lo stile "moderno" allora più popolare si rifletteva in quest'opera, motivo per cui la maggior parte delle opere monumentali sono state realizzate in questa direzione. Questo dipinto particolarmente influenzato e si rifletteva nelle opere di artisti come M. Vrubel, M. Denis e altri. Ma anche l'architettura non è stata dimenticata, a quel tempo lavoravano scultori come E. Bourdelle e A. Maillol. La maggior parte delle opere del genere che ammiriamo e ammiriamo fino ad oggi sono state create dalle loro mani.

Questo tipo di arte ha ricevuto il massimo sviluppo e riconoscimento nell'URSS. La Terra dei Soviet si poneva davanti a sé e imponenti monumenti e piedistalli riflettevano al meglio le sue idee. Statue imponenti, alte e svettanti riflettono il coraggio e la forza d'animo dei lavoratori di quel tempo.

Esempi di questa forma d'arte

Ciò include sia l'architettura che la pittura. L'arte monumentale comprende mosaici, affreschi, monumenti e busti, varie composizioni scultoree e decorative, vetrate colorate e persino ... fontane. Ora puoi vedere quanta arte è inclusa qui. Non c'è da stupirsi che in tutto il mondo siano stati creati migliaia di musei, dove sono esposti all'ammirazione generale pannelli, busti e sculture di varie epoche e generazioni.

Varietà di opere

Ciò include due tipi di creatività: scultura e belle arti. di solito rappresenta vari pannelli, murales sui muri, bassorilievi, ecc. Servono come decorazione per l'ambiente e fanno necessariamente parte di qualsiasi insieme, essendo la sua parte importante. Nella pittura monumentale si distinguono una varietà di tecniche: affresco, vetrate, mosaico, ecc. Va notato che la pittura monumentale si trova su una struttura appositamente creata per essa o su una base architettonica immobile.

L'era dell'URSS e questo tipo di creatività

L'arte monumentale era molto apprezzata in URSS. Contribuisce allo sviluppo del gusto artistico, all'educazione alla moralità e ai sentimenti patriottici per la loro patria. Arricchisce emotivamente, regalando ricordi indimenticabili quando lo si guarda, che rimangono per sempre nell'anima e nel cuore di grandi e piccini. L'arte monumentale sovietica è caratterizzata dall'umanesimo e dall'organizzazione artistica. Opere di pittura e architettura, realizzate nello stile appropriato, si potevano trovare ovunque: vicino a scuole e asili, fabbriche e parchi. Sono riusciti a costruire monumenti anche nei luoghi più insoliti.

Questo tipo di creatività si è diffuso dopo la Rivoluzione d'Ottobre, quando si stava costruendo un nuovo paese con nuove leggi, ordini e socialismo. Fu allora che le opere d'arte monumentale ricevettero un riconoscimento speciale tra la gente. Tutti i pittori, scultori, architetti sono stati presi dall'impulso di creare un capolavoro di arte monumentale per dimostrare che il tempo è cambiato, è arrivata una nuova vita, un nuovo modo di vivere, nuove scoperte scientifiche e un nuovo tipo di arte.

Lavoro immortale

Una delle creazioni più memorabili di quei tempi fu la magnifica scultura monumentale di Vera Mukhina "Operaia e contadina collettiva", che personificava il duro lavoro e l'impresa del popolo sovietico. La storia del monumento è molto interessante e istruttiva. Nel 1936 fu completata la costruzione del Palazzo dei Soviet, in cima al quale doveva esserci un monumento "Operaia e contadina collettiva". Per creare una struttura scultorea, sono stati selezionati i migliori artigiani, tra cui Vera Mukhina. Sono stati concessi due mesi per lavorare e gli è stato detto che la statua avrebbe dovuto personificare due figure: un lavoratore e un contadino collettivo. Quattro scultori hanno eseguito la stessa idea in modi completamente diversi. Per alcuni le figure stavano calme e serene, per altri, al contrario, si precipitavano violentemente in avanti, come se cercassero di sorpassare qualcuno. E solo Mukhina Vera Ignatievna ha catturato nel suo lavoro un momento meraviglioso del movimento iniziato, ma non completato. È stato il suo lavoro ad essere approvato dalla commissione. Ora il monumento "Operaia e contadina collettiva" è in restauro.

Pittura monumentale: esempi

Come accennato in precedenza, le belle arti di questo tipo sono radicate in tempi antichi. Già allora, sulle pareti delle caverne venivano creati magnifici disegni raffiguranti il ​​processo di caccia, antichi rituali, ecc.

La pittura monumentale e decorativa è divisa in diversi tipi:

  • Affrescare. Questa immagine viene creata su intonaco bagnato con diversi tipi di vernici, ottenute da un pigmento sotto forma di polvere. Quando tale vernice si asciuga, si forma un film che protegge il lavoro da influenze esterne.
  • Mosaico. Il disegno è disposto sulla superficie con piccoli pezzi di vetro o pietre multicolori.
  • Tempera. Opere di questo tipo sono realizzate con vernici a base di un pigmento di origine vegetale, diluito in un uovo o olio. Come un affresco, viene applicato su intonaco bagnato.
  • vetrate. Simile a un mosaico, è anch'esso composto da pezzi di vetro multicolore. La differenza è che i pezzi sono uniti tra loro da adesioni e il lavoro finito viene posizionato nell'apertura di una finestra.

Le opere più famose della pittura monumentale sono gli affreschi di Teofane il Greco, ad esempio l'icona a doppia faccia "Nostra Signora del Don", sull'altro lato della quale è raffigurata l '"Assunzione della Vergine". Inoltre, le opere d'arte includono la "Madonna Sistina" di Raffaello Santi, "L'ultima cena" di Leonardo da Vinci e altri dipinti.

Architettura monumentale: capolavori dell'arte mondiale

I bravi scultori valgono sempre il loro peso in oro. Pertanto, il mondo si è arricchito di opere come l'Arco di Trionfo, situato a Mosca, il monumento a Pietro 1 "Il cavaliere di bronzo", la scultura del David, realizzata da Michelangelo e situata al Louvre, la statua della bellissima Venere , le cui mani furono tagliate, e molti altri. Tali tipi di arte monumentale e decorativa affascinano e attirano milioni di occhi, vuoi ammirarli ancora e ancora.

Esistono diversi tipi di architettura di questo tipo:

  • Monumento. Di solito si tratta di una scultura di una o più persone ferme o congelate in qualche posa. Realizzato in pietra, granito, marmo.
  • Monumento. Perpetua nella pietra qualsiasi evento della storia, come la guerra patriottica, o una grande personalità.
  • Stele. Questo tipo di architettura è una lastra di pietra, granito o marmo, in piedi e con qualche tipo di iscrizione o disegno.
  • un pilastro costituito da quattro spigoli rivolti verso l'alto.

Conclusione

L'arte monumentale è una cosa complessa e ambigua. Per tutte le persone evoca sentimenti diversi, per qualcuno è orgoglio per i maestri che le mani umane sono state in grado di produrre un capolavoro. Qualcuno si sente sconcertato: come potrebbe un lavoro del genere essere svolto da una persona comune, perché ci sono tanti piccoli dettagli? Un altro spettatore si fermerà semplicemente ad ammirare i monumenti della pittura e dell'architettura, sia antichi che moderni. Ma gli oggetti dell'arte monumentale non lasceranno nessuno indifferente. Questo perché tutti i maestri che hanno fatto qualcosa in questo stile hanno un enorme, straordinario, vero talento, pazienza e amore sconfinato per il proprio lavoro.

È consuetudine dividere la pittura in cavalletto e monumentale. La pittura da cavalletto si riferisce a quella realizzata con colori ad olio su tela, cartone o altro materiale solido. Di norma, non è di dimensioni così impressionanti, viene eseguito su un cavalletto ed è in grado di vagare per mostre, musei e interni dei proprietari. Un'altra cosa è la pittura monumentale. È rigidamente attaccato alla superficie architettonica, spesso ha dimensioni gigantesche e la tecnologia di esecuzione ha le sue caratteristiche. Esistono molte tecniche diverse di pittura monumentale, ma intendiamo parlarvi solo di tre di esse. Questo è un affresco, mosaico e vetro colorato.

COSÌ…
Con il termine "affresco" si intende la scrittura su base di calce grezza con pitture diluite con acqua, oppure pitture che hanno nella loro composizione un legante di calce (pasta di calce, acqua di calce). L'ossido di calcio idrato, contenuto nella pasta di calce e, quindi, nella malta di calce, è l'elemento principale di questa tecnica, che, entrando in reazione chimica con l'anidride carbonica atmosferica, forma il carbonato di calcio - una struttura vetrosa trasparente, che, penetrando l'intero strato di primer e vernici e formando sulla loro superficie un sottile film trasparente, fissa (cementa) sia l'intero terreno che lo strato pittorico dell'affresco, che protegge anche dagli influssi atmosferici. Ciò che rende questa tecnica quasi eterna. La sua morte arriva con la distruzione dell'architettura.

Il termine "affresco" deriva dall'espressione italiana "a fresko" - nell'umido, cioè scrivere su terreno calcareo umido, ancora fresco. In Italia, dove ha avuto origine il termine “affresco”, si chiamano affresco tutti i murales, di qualsiasi materiale, che vengono realizzati in architettura. Nella sua terra natale, il termine fu stabilito alla fine del XIV secolo, sebbene il metodo di scrittura su terreno calcareo umido fosse usato da tempi molto precedenti e avvenisse non solo nella penisola appenninica. Come in ogni altra tecnica, nella pittura monumentale il lavoro dei maestri è difficile. E l'affresco richiede una preparazione particolarmente attenta del muro, perché il "primer del pittore" cadrà solo per il terzo consecutivo. I primi due chiudono il mattone o la muratura del muro e lo livellano. E con molta attenzione! In modo che non rimangano bolle d'aria, in modo che le irregolarità vengano appianate, in modo che nel secondo strato, più sottile del primo, la superficie sia l'ideale. Non c'è da stupirsi che sia instancabilmente "levigato" con una tavola speciale. E poi, sopra i due precedenti, spalmano uno strato di intonaco per dipingere. Sottile, meno di un centimetro di spessore, viene applicato in parti ed esattamente quanto l'artista può dipingere in un giorno. Altrimenti, l'intonaco si asciugherà e dovrà essere raschiato. In un affresco eseguito in modo “grezzo” sono spesso visibili le giunture di collegamento, i confini tra le parti, che l'artista ha completato in un certo periodo. E disegna anche i contorni del disegno, graffiato nell'intonaco, trasferito al muro da un cartone pre-creato.
Affare difficile affresco! Richiede abilità e coraggio speciali, accuratezza e lungimiranza. . . È necessario scrivere sull'umidità, finché l'intonaco non si è asciugato, finché la vernice non scorre liberamente nel terreno. È necessario scrivere con precisione, perché è difficile da correggere, perché gli errori si trovano pochi giorni dopo l'asciugatura (correggere con la tempera). È necessario scrivere, anticipando un cambiamento di colore, perché allo stato grezzo i colori sono molto più brillanti. In una parola, “buon fresco” (it.), “fresco pulito” (buono!) senza modifiche risulta essere un fenomeno rarissimo e di difficile realizzazione. Ecco perché l'affresco è dipinto non solo in “modo grezzo” (“a fresco” - it.), ma anche in “modo secco” (“a secco” - it.). Scrivono su intonaco essiccato, impastando la calce nelle vernici. Allo stesso tempo funge da imbiancatura e fa sembrare il dipinto più simile a un guazzo, mentre le vernici a base d'acqua conferiscono all'affresco un "carattere acquerello".
Il termine "affresco" arrivò in Russia dall'Italia non prima del XVIII secolo. Lo si può giudicare dal fatto che anche nei secoli XVI-XVII non si trovava nei documenti russi, e su questa natura dell'opera negli annali, negli statuti e nei decreti si scriveva: “scrittura murale su gesso grezzo”. Con il termine "pittura murale" si intendevano tutti i dipinti su superfici architettoniche, realizzati con qualsiasi tecnica, sia essa pittura su gesso grezzo, su legante in emulsione o colla.

L'affresco era diffuso in epoche passate. Si presume che fosse conosciuto nell'Antica Grecia, fu scritto nell'Antica Roma, Bisanzio, nella Rus' dei secoli X-XII. Numerosi affreschi furono realizzati nell'Europa medievale.
Con questa tecnica sono state create opere significative ed eccezionali. Iniziando un discorso sull'affresco come tecnica murale, va subito detto che non esisteva un'unica tecnica ad affresco, cioè un unico sistema di scrittura su terreno calcareo umido, tecnica che, originatasi nel profondo della cultura antica, fu poi portata in tutta la regione della cultura europea, e naturalmente che, durante il suo utilizzo da parte di popoli diversi e per un tempo considerevole, è cambiata in accordo con i compiti artistici che i maestri di una certa epoca e regione hanno dovuto affrontare, sulla base delle tradizioni dell'artigianato e le proprietà dei materiali locali. L'unica cosa tipica di tutte le sue modifiche è il legante di calce dei suoi primer e vernici. Tutto il resto è un caleidoscopio di formulazioni di primer, metodi di applicazione, gamme di vernici, sistemi di scrittura, ecc.
Il più delle volte si usavano colori a tempera (principalmente quelli a uovo intero), con i quali gli affreschi venivano aggiunti e dipinti già quando il loro strato pittorico si era asciugato, il che era spesso dettato dalla necessità di correggere frammenti fallati, aggiungendo dettagli.
“L'affermazione di singoli ricercatori secondo cui Michelangelo, Raffaello e molti altri maestri italiani del XVI secolo dipinsero le loro opere usando solo la tecnica di un affresco puro è completamente sbagliata. Essi, così come nei secoli precedenti, usavano il ritocco su intonaco secco e la pittura con pitture minerali separate sotto forma di tempera. Tuttavia G. B. Armenini (XVI sec.) scrive nel suo trattato che a suo tempo alcuni artisti ritoccarono gli affreschi anche con matite pastello e colori ad olio.Va aggiunto che nessuno dei monumenti della pittura murale russa dei sec. solo a fresco - tutti, in un modo o nell'altro, furono completati a secco. Da nessuna parte e mai un affresco è stato dipinto come un acquarello, cioè un sistema di scrittura con colori molto liquidi e pitture diluite solo con acqua. La scienza moderna non ha motivi incondizionati per considerare l'affresco la tecnica più antica di pittura murale, poiché gli studi scientifici sui suoli degli antichi murales egiziani, condotti ai nostri tempi, indicano in modo convincente che l'antica cultura egizia non conosceva la calce e che questo materiale proveniva lì solo in epoca tolemaica, cioè non prima del IV secolo a.C e.
L'affresco, tra le altre tecniche di pittura monumentale, è il più vicino al cavalletto per lo stesso processo di pittura con i colori. E sebbene l'artista non lavori con una tavolozza in mano e non al cavalletto, ma vicino al muro (spesso enorme), la pittura nella sua manifestazione è una cosa sola. Il pennello colorato bagnato nella mano dell'artista è soggetto alla sua volontà, al suo carattere. Vediamo negli affreschi il potere di scolpire con il colore, tracce di pennellate, densità, trasparenze di colori e allo stesso tempo “suono”.

La pittura monumentale è il tipo più antico di pittura, conosciuto dal Paleolitico (dipinti nelle grotte di Altamira, Lasko, ecc.). A causa della stazionarietà e della durata delle opere di pittura monumentale, ne sono rimasti numerosi esempi da quasi tutte le culture che hanno creato un'architettura sviluppata e talvolta fungono da unico tipo di pittura sopravvissuta dell'epoca.

Nella moderna pittura monumentale, i nuovi materiali del mosaico e del vetro colorato vengono attivamente controllati. Nella pittura l'affresco, estremamente laborioso e che richiede virtuosismo tecnico, lascia il posto alla tecnica “a secco” (su intonaco secco), più stabile nell'atmosfera delle città moderne.

Guarda anche

Collegamenti

  • Otto Demo. Mosaici di chiese bizantine. Principi dell'arte monumentale di Bisanzio / Per. dall'inglese. ES Smirnova. ed. e comp. A. S. Preobrazenskij.

Fondazione Wikimedia. 2010 .

  • Ferrovia del Caucaso settentrionale
  • PCI

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Libri

  • Dipinto monumentale di Novgorod nei secoli XIV-XV, Edizione 1987. La sicurezza è buona. Il libro di L. I. Lifshitz è dedicato alla pittura monumentale di Novgorod nei secoli XIV-XV. Novgorod non è accidentalmente chiamata "Firenze russa". Una volta… Categoria: artisti russi Editore: Arte, Acquista per 2600 rubli
  • Dipinto monumentale dell'età di Giotto in Italia 1280-1400 (Edizione Deluxe), Joachim Peschke, Edizione deluxe dal design elegante, che è un album riccamente illustrato in un cofanetto. Grandi cicli di affreschi, molti dei quali appaiono in tutto il loro splendore per la prima volta da... Categoria:

I primi lavori di pittura monumentale possono essere considerati murales nelle grotte di Lasko, Altamir e altri. Era ampiamente utilizzato nei complessi funerari e templari dell'antico Egitto, così come a Creta-Miceneo, che praticamente non ci è pervenuto.

Fin dai tempi antichi, la pittura è diventata il principale elemento decorativo nella decorazione di strutture in pietra, cemento e mattoni. Affresco e sono stati ampiamente utilizzati nell'architettura dei templi di Bisanzio e per questo hanno avuto una grande influenza sul monumentale dell'antica Rus'.

I maestri moderni della pittura monumentale combinano audacemente la pittura con forme scultoree, utilizzano nuovi materiali artistici: vernici sintetiche, mosaici in rilievo in ceramica.

Nell'arte del Medioevo, la tecnica del vetro colorato era molto sviluppata. I grandi maestri del Rinascimento hanno creato molti affreschi grandiosi nel design e nella realizzazione. Oggi gli artisti stanno attivamente padroneggiando nuove tecniche e materiali per creare affreschi e mosaici.

Caratteristiche distintive della pittura monumentale

La pittura monumentale comprende vetrate colorate, affreschi, decorazioni a mosaico di edifici. Agendo in sintesi con l'architettura, le opere d'arte monumentale sono spesso un'importante dominante semantica dell'insieme.

La decorazione di pareti, facciate, soffitti conferisce alla pittura monumentale qualità architettoniche e ornamentali vicine all'arte decorativa. Pertanto, è spesso chiamato arte decorativa e monumentale.

Secondo il contenuto figurativo e tematico, è consuetudine distinguere tra dipinti monumentali e decorativi e opere con tratti di monumentalità. Entrambe le direzioni derivano dalle peculiarità di questo tipo di pittura: connessione sintetica e diretta con oggetti architettonici.

Di solito, le composizioni pittoriche poste sulle facciate e negli interni incarnano le idee filosofiche e sociali più generali dell'epoca. Questo detta la maestosità delle forme. Le opere che hanno caratteristiche di monumentalità sono caratterizzate da contenuti socialmente significativi. Così, il fondatore della scuola messicana di pittura monumentale, Siqueiros, nei suoi dipinti della National Preparatory School, del Palace of Fine Arts, del National Museum of History, ha mostrato gli eventi politici più acuti.

Le opere di un altro fondatore della scuola messicana di pittura monumentale - Diego Rivera - sono francamente pubblicitarie, storiche ed educative. Ha usato la pittura monumentale come mezzo di propaganda, agitazione ed educazione.

Introduzione.

Pittura di icone monumentali - pittura su strutture architettoniche e altre basi fisse.

Tecniche di base:

Al Secco

Mosaico

La pittura monumentale è il tipo più antico di pittura, conosciuto dal Paleolitico (dipinti nelle grotte di Altamira, Lasko, ecc.). Grazie alla stazionarietà e alla longevità delle opere di pittura monumentale, ne sono rimasti numerosi esempi da quasi tutte le culture che hanno creato un'architettura sviluppata e talvolta fungono da unico tipo di pittura sopravvissuta dell'epoca.

A partire dalla prima antichità e fino al tardo Rinascimento, la pittura monumentale, insieme alla scultura monumentale, è uno dei metodi principali per decorare strutture in pietra, mattoni e cemento. Era ampiamente utilizzato nei templi e nei complessi funerari dell'antico Egitto, nell'architettura della civiltà cretese-micenea. La pittura monumentale greca antica, che praticamente non è pervenuta fino a noi (ad eccezione dei mosaici), compresa la pittura di sculture in marmo e crisoelefantino (avorio con finiture in oro), determinò in gran parte la natura della percezione delle opere di plastica classica ed ellenistica e architettura. Nell'antica Roma, soprattutto dopo l'antica rivoluzione architettonica romana, era estremamente diffuso, anche nella progettazione di abitazioni private (quattro stili della pittura romana antica). Mosaici e affreschi, ampiamente utilizzati nell'architettura dei templi di Bisanzio, hanno avuto un'influenza decisiva sullo sviluppo dell'antica arte monumentale russa. Nell'arte del Medioevo europeo, lo sviluppo senza precedenti della tecnologia del vetro colorato merita un'attenzione speciale. I principali maestri del Rinascimento hanno creato molti affreschi grandiosi e virtuosi nell'esecuzione.

1. Affrescare

L'affresco è una tecnica di pittura su intonaco fresco. Ama i grandi piani, i monumenti, il ritmo sublime e, allo stesso tempo, un linguaggio generalizzato, semplificato. La principale difficoltà della pittura ad affresco è la necessità di un lavoro veloce, una mano sicura e un'idea del tutto chiara dell'intera composizione e di ciascuna delle sue parti: bisogna avere tempo fino a quando l'intonaco si asciuga, cioè sul stesso giorno. Quindi il lavoro sta procedendo. Da qui la semplicità del linguaggio figurativo degli affreschi, la generalizzazione della sua composizione e la chiarezza dei contorni.



La tecnica dell'affresco è nota fin dall'antichità. Ma, come evidenziato da campioni pompeiani e romani, gli affreschi antichi e tardi differivano in qualche modo:

UN). Il Rinascimento usava solo due strati di calce, l'antichità - molto.

B). La superficie dell'antico affresco era lucida: era ricoperta di cera calda (il cosiddetto encausto).

Alla fine del XIV sec compare una tecnica ad affresco mista, detta "Buon affresco", cioè "buon affresco". Ha lavorato con questa tecnica Giotto e la sua scuola. La tecnica consiste nel fatto che dapprima è stato applicato il primo strato di sabbia, calce e acqua, dopo che questo strato si è asciugato, su di esso è stata delineata una rete quadrata e gli elementi principali della composizione sono stati gettati con il carbone. Dopo aver superato la tradizione bizantina della pittura di icone, Giotto divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana, sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. C'è il chiaroscuro nei suoi affreschi, questo finalmente separa Giotto dalla tradizione bizantina. Intorno al 1400, la tecnica dell'affresco fu finalmente migliorata: invece di una rete quadrata, ora viene utilizzato il cartone (un grande disegno dettagliato a grandezza naturale), attraverso il quale vengono forati i contorni dell'immagine.

Esempi.

1. "Affresco con torero", arte cretese-micenea, 1500. aC, Palazzo di Cnosso, Creta.

Il più grande e dinamico dei dipinti murali minoici scoperti finora. Ma davanti a noi non c'è una corrida, come dice il nome, ma un gioco rituale, i cui partecipanti saltano sul dorso di un animale. Due degli snelli atleti raffigurati nell'affresco sono ragazze: esse, come negli affreschi egizi, si distinguono principalmente per una carnagione più chiara. Il volteggio sull'animale sacro, il toro, era una sorta di rituale dell'epoca, e molto probabilmente l'affresco raffigura la stessa persona in tre fasi successive della stessa azione. I movimenti degli atleti, la loro fluida leggerezza e disinvoltura, ovviamente significavano più per l'artista dell'effettiva accuratezza dell'immagine o del dramma interno di ciò che stava accadendo. Idealizza il rito, sottolineandone il lato plastico e giocoso.

2. Giotto. “Incontro di Gioacchino e Anna alla Porta Aurea”, Cappella del Arena a Padova, 1304/06

L'immagine si trova nell'ordine superiore destro della cappella, dedicata alla vita di Gioacchino, padre della Vergine Maria. Giotto è audace nelle sue immagini, hanno l'effetto della fotografia istantanea, dell'evento visivo momentaneo. Secondo la leggenda, gli anziani coniugi Anna e Gioacchino, dopo che un angelo aveva annunciato separatamente a ciascuno che avrebbero avuto un figlio, si affrettarono a incontrarsi. Anna, accompagnata da diverse donne, va incontro al marito di ritorno dal campo, e si incontrano davanti alla Porta Aurea di Gerusalemme. Profondamente commossi, si abbracciano calorosamente. Nel quadro, la fusione delle loro figure è sottolineata anche dall'unità dell'alta torre perversa sullo sfondo. La linea di due profili fusi, per così dire, continua, sottolineando, la verticale dell'angolo destro della torre rivolta verso l'alto. Come è impossibile scorgere la vita della città attraverso le strette feritoie delle pareti spoglie delle torri, così è impossibile intuire dai volti dei protagonisti della scena cosa avvenga nell'animo dei felici coniugi. I loro sentimenti si riflettono piuttosto sui volti delle donne in piedi sotto l'arco delle porte della città, e sul volto curioso del pastorello nell'angolo sinistro del quadro.

L'unità compositiva della scena è sottolineata dalla tensione interna, dal potere suggestivo degli sguardi e dei gesti. Elementi di architettura - un ampio arco del cancello e una torre perversa - dividono i personaggi in gruppi separati, ma allo stesso tempo li uniscono. La profondità del primo piano è trasmessa da un ponte di pietra gettato sul fossato della città. La verosimiglianza dello spazio retrostante il cancello è raggiunta dal disegno tridimensionale del terrazzo su due pilastri, che sottolinea contemporaneamente le tre figure femminili sotto l'arco.

3. Soffitto della Cappella Sistina, Michelangelo, 1502/18, Vaticano.

*tratto da Varyusha, perché nessuno ne scrive meglio di lei ^_^*

Nell'opera di Michelangelo si indicava il crollo dello stile rinascimentale e si delineavano i germogli di una nuova visione artistica del mondo. Michelangelo Buonarroti(1475-1564). Il suo genio si è manifestato nell'architettura, nella pittura, nella poesia, ma soprattutto nella scultura. Ha percepito il mondo in modo plastico, in tutti i settori dell'arte è principalmente uno scultore. Il corpo umano gli sembra il soggetto più degno dell'immagine. Ma questo è un uomo di razza speciale, potente ed eroica. L'arte di Michelangelo è dedicata alla glorificazione del combattente umano, alla sua attività eroica e alla sua sofferenza. La sua arte è caratterizzata dalla gigantomania, un inizio titanico. La più grandiosa delle sue opere fu la pittura della volta Cappella Sistina (1508-1512). Michelangelo ha svolto un'opera davvero titanica: per quattro anni ha dipinto da solo un'area di circa 600 metri quadrati. metri. Il grandioso dipinto è dedicato alle scene della storia sacra, a partire dalla creazione del mondo. Michelangelo dipinse sul soffitto circa 200 figure e composizioni figurative. Il dipinto è diventato un'inesauribile enciclopedia di varie pose, angoli per le future generazioni di scultori. Possenti giganti dipinti da Michelangelo, vecchi, donne, bambini sono tridimensionalmente plastici come sculture scultoree. Forte movimento del corpo umano in forti curve. Nessun dito o articolazione rimane disteso o immobile. Ogni pensiero che l'immagine sia un aereo scompare. Le figure si muovono liberamente nello spazio. Affreschi di Michelangelo sfondano il piano del muro. Questa illusione di spazio e movimento è stata un'enorme conquista dell'arte europea. La scoperta di Michelangelo che la decorazione può spingere in avanti o respingere una parete e un soffitto in seguito fa uso dell'arte decorativa del barocco.

4. Al Secco

Nel Medioevo le tradizioni dell'affresco vengono dimenticate, ma a poco a poco comincia a svilupparsi una nuova tecnica. Fino al XIV secolo era particolarmente apprezzata la tecnica “al secco”, pittura su intonaco secco. Ma quando si utilizza questa tecnica, le vernici non penetrano in profondità nell'intonaco e quindi trattengono molto meno.

Esempi.

4. L'Ultima Cena, Leonardo da Vinci, Santa Maria delle Grazie, 1495/98

L'affresco si trova nel refettorio del monastero, raffigurante la scena dell'ultima cena di Cristo con i discepoli. Per una maggiore durabilità dell'immagine, Leonardo decise di ricoprire il muro di pietra con uno strato di resina, gesso e mastice, per poi scrivere su questo strato con la tempera. A causa del metodo scelto, il dipinto iniziò a crollare entro pochi anni dalla fine dei lavori.

5. Mosaico

Il rapido sviluppo dell'architettura cristiana doveva avere un impatto sulla pittura paleocristiana e portare a cambiamenti su larga scala di natura veramente rivoluzionaria. Improvvisamente è nata la necessità di ricoprire vaste aree di pareti con immagini degne della loro cornice monumentale. Si è reso necessario ottenere la conformità dell'aspetto interno con l'ambiente architettonico. Nel corso di questo processo sorse un nuovo straordinario tipo di belle arti: i mosaici murali paleocristiani, che in larga misura soppiantarono i metodi di realizzazione di pitture murali che esistevano prima. Il mosaico è composto da pezzi di vetro colorato a forma di cubo (1 m 3) - smalto, che consente di dare colori vivaci e vari. La luminosità trasparente e il rigoroso ordine geometrico dell'immagine realizzata con lo smalto hanno reso il mosaico una tecnica incredibilmente adatta per la decorazione del tempio. Questo è allo stesso tempo un coro discordante, ma sorprendentemente ben realizzato, che cerca l'unità, una consonanza di forma e la sua espressività interiore. Il mosaico nega che la superficie sia solida e piatta, smaterializza e alla fine visualizza questa superficie.

Esempi.

5. Il sistema dei mosaici della Cattedrale di Santa Sofia di Kyiv

· Zenit della cupola, Cristo Pantocratore.

· Volte della cupola, 4 arcangeli: Michele, Gabriele, Raffaele, Uriel.

· Il tamburo è tagliato da 12 finestre, tra di loro c'è un'immagine di 12 apostoli.

Vele, 4 apostoli: Marco, Matteo, Luca, Giovanni

Archi sottopancia: 40 martiri di Sebaste (10 su ogni arco)

Superficie occidentale dei pilastri orientali: Annunciazione (a sinistra - Arch. Gabriele, a destra - Vergine Maria)

· Lo strombo dell'abside, Madonna di Oranta, la governante, o come viene chiamato il “Muro Indistruttibile”.

Livello centrale dell'abside: Eucaristia (comunione degli apostoli con pane e vino)

Livello inferiore: rango gerarchico (12 cifre)