"Pittura- forse la più antica delle arti conosciute dall'umanità. Le immagini di animali e persone realizzate nell'era della società primitiva sulle pareti delle caverne sono sopravvissute fino ad oggi. Da allora sono passati molti millenni, ma la pittura è sempre rimasta compagna invariabile della vita spirituale dell'uomo.
Come ogni ramo indipendente della creatività artistica, la pittura ha una serie di caratteristiche uniche e originali. Racconta la vita, raffigura le persone, la natura, il mondo oggettivo che circonda una persona immagini visive. Queste immagini vengono create utilizzando un intero sistema di tecniche sviluppate e migliorate da molte generazioni di artisti.
A differenza di uno scrittore, un artista non può mostrare una catena di eventi che si svolgono in luoghi diversi in momenti diversi. Nell'incarnare la trama, il pittore è limitato dai limiti di un momento e di un ambiente immutabile. Pertanto, cerca di trovare e rappresentare in rilievo una situazione in cui i caratteri dei personaggi, le loro relazioni e l'intero significato dell'evento della vita catturato sono rivelati nel modo più completo.
Il "linguaggio" artistico della pittura aiuta a raggiungere questo obiettivo. Dopotutto, l'autore dei dipinti racconta, mostrando. E in questa "narrativa visiva" e il colore - luminoso o opaco, calmo o fiammeggiante, e il movimento delle linee - veloce, teso o liscio, lento, e molte, molte altre caratteristiche della soluzione pittorica sono molto espressive, contribuiscono alla divulgazione di sentimenti, pensieri, stati d'animo. Pertanto, il contenuto dell'immagine della trama è pienamente compreso solo dallo spettatore, che non solo “legge” una certa trama in essa, ma “vede” anche la sua incarnazione pittorica.
Se un disegno costituisce, per così dire, lo “scheletro” di un dipinto, allora la sua “carne e sangue” è il colore. Gli artisti usano il colore non solo per trasmettere la vera colorazione degli oggetti, ma anche per creare una certa atmosfera, ai fini dell'incarnazione poetica dell'idea. Ricorda "La ragazza con le pesche" di V.A. Serov: un tono generale grigio-bluastro, ombreggiato da una macchia rosa del vestito della ragazza, sfumature che penetrano in ogni millimetro della tela e riflessi di una luce tremolante e tremolante - dopotutto, questo crea quell'impressione di freschezza, purezza, gioia giovanile di la vita, che è l’essenza stessa dell’immagine. E che enorme ruolo semantico hanno le numerose sfumature di rosso trovate nella tela di I.E. Repin “Ivan il Terribile e suo figlio Ivan”! Quanto sono importanti i contrasti del bianco e nero nella tragica narrazione di V.I. Surikov!
Esiste due tipi principali di pittura: monumentale e da cavalletto. dipinto monumentale sempre associato all'architettura - questa è la pittura delle pareti e dei soffitti degli edifici, decorandoli con immagini di mosaici e altri materiali, vetrate colorate - dipinti e ornamenti realizzati con vetri colorati - ecc. pittura da cavalletto non è associato ad un edificio specifico e può essere spostato da una stanza all'altra.
A pittura da cavalletto Esistono molte varietà ("generi"). Il più importante di loro - soggetto dipinto, ritratto, paesaggio e natura morta.
Nelle opere di alcuni generi di pittura, per così dire, risaltano aspetti separati dell'essere. COSÌ, ritratto riproduce la forma di una persona. In altri casi, gli eroi dei ritratti su tela sono mostrati nel loro consueto ambiente quotidiano, in altri non troviamo dettagli aggiuntivi. Il compito principale e, ovviamente, più difficile dell'artista in questo genere è rivelare il mondo interiore della persona raffigurata, le caratteristiche principali del suo carattere e la psicologia.
I dipinti che mostrano la vita della natura appartengono a questo genere paesaggio. I veri maestri dell'arte paesaggistica non solo raffigurano la natura di un particolare paese, regione, luogo, ma trasmettono anche nei loro dipinti la percezione della natura da parte di una persona, sempre associata alla visione del mondo e alle esperienze dell'artista. Ad esempio, nel famoso "Vladimirka" di I. Levitan, raffigurante la strada lungo la quale in epoca zarista i prigionieri venivano condotti ai lavori forzati, i sentimenti di pesantezza, dolore e profonda amarezza sembravano addensarsi. Nel paesaggio di A. Savrasov "The Rooks Have Arrived", lo spettacolo dell'inizio della primavera russa ispira un sentimento di luminosa speranza, leggera, premurosa tristezza. Incontriamo anche immagini penetranti di carattere nazionale tra gli artisti sovietici. COSÌ, maestri del paesaggio sovietico: G. Nissky, M. Saryan, S. Gerasimov e molti altri - hanno mostrato meravigliosamente nei loro dipinti i cambiamenti che gli anni del sistema sovietico hanno apportato all'aspetto della loro terra natale, hanno cantato la poesia e la bellezza dei nuovi tempi.
francese la parola "natura morta" significa tradotto letteralmente "natura morta". I maestri di questo genere raffigurano frutta, verdura, fiori, mobili, ecc. Tuttavia, le nature morte veramente artistiche non sono affatto una ripetizione cieca di forme, linee, colori della natura. Così come nei paesaggi, le nature morte riflettono in modo unico le idee dei contemporanei sulla bellezza, i loro pensieri e stati d'animo.
Nella sezione sovietica della Galleria Tretyakov ci sono nature morte di I. Mashkov “Moscow Food. Pane”, “Cibo di Mosca. Carne, selvaggina." Qui l'artista raffigura prodotti eroici, potenti, succosi, stuzzicanti nel loro solenne splendore. Ha cantato l'abbondanza dei doni della terra, la sua fertilità, la generosità. Questo carattere dell'immagine parla eloquentemente di una visione del mondo che afferma la vita, di un ottimismo purosangue, così caratteristico del popolo sovietico. Caratteristiche simili, sebbene ogni volta espresse a modo loro, possiamo ritrovarle nelle meravigliose nature morte degli artisti sovietici P. Konchalovsky, M. Saryan e altri. Tutti i generi di pittura, ciascuno a modo suo, possono esprimere grandi idee e sentimenti che entusiasmano le persone.
Come scrivere un dipinto da cavalletto? Nei secoli passati, vari tipi di legno servivano come base, e in Oriente, inoltre, seta, pergamena, carta di riso, ecc. I maestri moderni, di regola, usano la tela come base. Affinché la tela assorba e trattenga la vernice, viene prima incollata e quindi adescata con uno strato denso di una miscela speciale. Un'immagine viene applicata sulla tela innescata con vernici. Gli artisti moderni usano spesso i colori ad olio. Molto meno spesso, i dipinti vengono creati utilizzando acquerelli: acquerelli. Ancora meno comunemente usato pastello- vernici pressate a secco miscelate con colla liquida.
Prima di prendere in mano il pennello, l'artista di solito disegna schizzi preliminari (schizzi), quindi sulla tela i volti dei personaggi, le forme degli oggetti, i contorni della situazione, delinea la costruzione (composizione) del quadro futuro .
Quindi studia attentamente in opere accuratamente eseguite dalla natura (studi) le pose di cui ha bisogno e gli stati psicologici delle persone, degli arredi, della luce, e solo dopo procede alla creazione dell'immagine stessa.
Alla fine, l'idea dell'artista riceve un'espressione completa e completa, e la sua immagine diventa per noi fonte di grande gioia nella conoscenza della vita.
Pittura monumentale - si tratta di dipinti di grandi dimensioni sulle pareti interne o esterne degli edifici (affreschi, pannelli, ecc.). Un'opera di pittura monumentale non può essere separata dalla sua base (parete, supporto, soffitto, ecc.). Vengono scelti anche temi significativi per i dipinti monumentali: eventi storici, gesta eroiche, racconti popolari, ecc. Mosaico e vetrate, che possono anche essere attribuiti all'arte decorativa, si fondono direttamente con la pittura monumentale. Qui è importante raggiungere l'unità stilistica e figurativa della pittura monumentale e dell'architettura, sintesi delle arti. La pittura monumentale, oltre al suo legame con l'architettura (stilistica, compositiva e tematica), deve avere una generalizzazione delle immagini, stilizzazione, colori adeguati alla situazione e scala con gli oggetti circostanti.
La pittura da cavalletto è un tipo di pittura che, a differenza del monumentale, non è associata all'architettura, ha un carattere indipendente, un significato indipendente ed è percepita indipendentemente dall'ambiente.. Le opere di pittura da cavalletto (immagini) possono essere trasferite da un interno all'altro , mostrato in altri paesi . Il termine "pittura da cavalletto" deriva dal cavalletto su cui vengono creati i dipinti.
Miniatura (dal lat. minium - vernici rosse utilizzate nella progettazione di libri scritti a mano) - nelle arti visive, nei dipinti, nelle opere scultoree e grafiche di piccole forme, nonché nell'arte della loro creazione.
Ritratto in miniatura - un ritratto di piccolo formato (da 1,5 a 20 cm), caratterizzato da una speciale sottigliezza di scrittura, una tecnica di esecuzione peculiare e l'uso di mezzi inerenti solo a questa forma pittorica.
Le tipologie e i formati delle miniature sono molto diversi: venivano dipinte su pergamena, carta, cartone, avorio, metallo e porcellana, utilizzando acquerello, tempera, smalti artistici speciali o colori ad olio. L'immagine può essere inscritta in un cerchio, ovale, rombo, ottagono, ecc. secondo la decisione compositiva dell'autore (o su richiesta del cliente). Un ritratto in miniatura classico è una miniatura realizzata su una sottile lastra d'avorio.
Oltre a un pittoresco, il ritratto in miniatura può essere da camera o cerimoniale; a una, due o più cifre; avere una trama o non averne una. Come in un grande ritratto “adulto”, il volto raffigurato può essere collocato su uno sfondo neutro, paesaggistico o in un interno. E sebbene il ritratto in miniatura sia soggetto agli stessi modelli fondamentali di sviluppo e agli stessi canoni estetici dell'intero genere del ritratto nel suo insieme, ma, tuttavia, differisce da esso sia nell'essenza della soluzione artistica sia nella sua area di applicazione - la miniatura è sempre più intima. .
L'illuminazione (dal latino illumino - illumino, rendo luminoso, decoro) è il processo di creazione di miniature colorate (miniature) e ornamenti nei libri scritti a mano medievali.
I manoscritti miniati sono libri medievali scritti a mano decorati con miniature e ornamenti colorati. Nella tradizione russa, oltre al termine "miniato" per i libri scritti a mano con miniature, viene spesso utilizzato il termine manoscritti frontali. Con l'invenzione della stampa i libri manoscritti caddero progressivamente in disuso.
Per creare libri, sono state utilizzate vernici con pigmenti naturali, di conseguenza, il rosso, il blu, il verde, il giallo e altri colori erano sorprendenti in termini di saturazione e profondità. Inoltre, argento e oro venivano usati per creare miniature.
È comune che tutti i tipi di belle arti riflettano la realtà esclusivamente in immagini visive e visive. Innanzitutto è pittura, grafica, scultura, ma anche arti e mestieri. Tutti ricreano forme visibili nello spazio reale o condizionato, ma non nel tempo. Se tipi di arte come la musica, il teatro, il cinema svolgono la trama o l'azione nel tempo, allora nelle belle arti è possibile dimostrare solo un momento specifico, ma ciò non lo rende meno potente. Se ricordiamo che la visione per una persona è il canale principale per ottenere informazioni, allora le immagini visive artistiche servono come vettori speciali che ci consentono di trasmettere molto, moltissimo.
Uno dei principali tipi di belle arti è senza dubbio la pittura. Riflette accuratamente tutta la diversità del mondo circostante, così come l'umore, l'impressione e il colore di molti colori e sfumature. La pittura secondo la tecnica di esecuzione si divide in olio, acquerello, tempera, affresco, mosaico, cera, vetro colorato, pastello, tempera. Ebbene, per genere, la pittura può essere da cavalletto, monumentale, decorativa, teatrale e decorativa, in miniatura.
pittura da cavalletto- questi sono dipinti che hanno un carattere e un significato assolutamente indipendenti. L'idea incorporata nell'opera non cambierà significato a seconda del luogo in cui si trova, ma il suono artistico e la percezione dipenderanno comunque dal luogo di esposizione. Poiché la pittura da cavalletto prende il nome dalla parola macchina, un dispositivo su cui gli artisti dipingono quadri di grandi dimensioni, è chiaro che la proporzionalità della stanza, il suo design, l'illuminazione sono importanti per l'esposizione di un'opera da cavalletto.
Dipinto "Ponte di pietra"
dipinto monumentale- si tratta, di regola, di opere di grandi dimensioni attaccate a strutture architettoniche, che decorano soffitti, pareti e frammenti vari. Molto spesso si tratta di un affresco, un mosaico, un pannello.
Dipinto monumentale "Serata d'inverno"
Vicenc Will Valmaran. Affresco, 1757
Imperatrice Teodora. Frammento di mosaico nella Chiesa di San Vitale
pittura decorativa serve anche per decorare strutture architettoniche, ma è ampiamente utilizzato anche per decorare vari prodotti. Agendo in unità con la composizione tridimensionale (con l'interno, l'esterno o la forma del prodotto), accentua l'espressività dell'intera composizione o addirittura la trasforma, introducendo la propria scala, ritmo, colore.
Pittura decorativa del soffitto
Pittura teatrale e decorativa cerca attraverso scene, costumi, trucco, luci di creare un'immagine visiva per lo spettacolo. La base di tutto questo sono gli schizzi degli artisti, che aiutano a rivelare il contenuto dello spettacolo, i caratteri dei personaggi e aiutano lo spettatore a percepire ciò che sta accadendo sul palco.
Composizione teatrale e decorativa: Roerich N.K. "Cortile"
miniatura possono essere definite opere d'arte, distinte per le loro piccole dimensioni e, ovviamente, per la sottigliezza delle tecniche artistiche. Le miniature dei libri, ad esempio, sono apparse già come libri scritti a mano e con l'inizio della stampa si sono sviluppate e le pagine dei libri erano già impensabili senza tali decorazioni. Non meno diffuso è il ritratto in miniatura. Questo è, di regola, un ritratto pittoresco di piccolo formato. Si ritiene che per la prima volta tali ritratti siano apparsi nel Rinascimento. Oggi è nota una gamma molto ampia di materiali e mezzi tecnici per realizzare miniature. Forse molti li hanno visti nella tecnica dello smalto, ma si possono realizzare con colori ceramici su porcellana, tempera, acquerello su pergamena, carta, cartone, avorio, e anche olio su metallo. A tutto quanto sopra si può aggiungere che tutti i tipi di opere possono essere combinati nell'uno o nell'altro genere e sulla base di temi simili. Tutti sanno che esistono i generi della natura morta, del paesaggio, del ritratto, dell'interno, della pittura di trama, e ci sono anche i generi: domestico, storico, di battaglia, e ognuno di essi ha i suoi fan e ammiratori.
Il nome "pittura da cavalletto" deriva dall'elemento principale, o strumento, che prende parte alla creazione dei dipinti. Naturalmente stiamo parlando di un cavalletto, che viene spesso chiamato macchina utensile. Alla sua superficie viene attaccata una tela o un foglio di carta, sul quale vengono poi applicati i colori. La pittura da cavalletto comprende tutti i dipinti che sono attualmente nei musei e nelle collezioni private di tutto il mondo. Pertanto, a volte è difficile immaginare il numero di tutti i generi e le varietà che sono alla base di questo tipo di arte.
Gli storici dell'arte moderna hanno deciso di dividere la pittura in varie sottospecie, che prendono il nome in base alla tecnica di esecuzione del dipinto, nonché al tipo di colori utilizzati. Di conseguenza, si formò una certa cronologia, perché nel tempo ne apparvero sempre di più.La pittura da cavalletto del mondo antico, del Medioevo e del Rinascimento è divisa in due sottogruppi: tempera e olio. L'artista ha utilizzato colori secchi, cioè a tempera, che ha diluito con acqua, oppure ha utilizzato colori ad olio, oltre a una serie di solventi chimici.
La pittura a tempera da cavalletto è una scienza complessa che richiede molte abilità, oltre che una grande pazienza da parte del maestro che dipinge il quadro. Nell'antichità i colori a tempera venivano mescolati con vari prodotti naturali, tra cui tuorli e albumi, miele, vino e così via. Sicuramente a questa composizione è stata aggiunta acqua, a seguito della quale la vernice si è impregnata ed è diventata adatta per l'applicazione sulla tela. potrebbero formare un motivo bello e unico solo se applicati in strati separati o in piccoli tratti. Pertanto, la forma d'arte della tempera è caratterizzata da linee e transizioni chiare, confini ben definiti e assenza di sfumature che passano dolcemente. A causa del fatto che sono tempera, possono iniziare a sgretolarsi. Inoltre, molte opere d'arte su base tempera sono sbiadite, avendo perso i colori e le sfumature precedenti.
La pittura a olio affonda le sue origini nel XIV secolo, quando Van jan Eyck utilizzò per primo l'olio per creare i suoi capolavori. sono ancora utilizzati da tutti gli artisti del mondo, poiché con il loro aiuto puoi trasmettere non solo le transizioni di colore nell'immagine, ma anche renderla voluminosa e vivace. Le vernici a base di oli naturali possono essere applicate in strati di vari spessori, con esse è possibile realizzare transizioni di colore miste e uniformi. Ciò consente all'artista di mettere le sue emozioni ed esperienze sulla tela in uno spettro completo, per rendere l'immagine ricca e unica.
Ma, nonostante tutti i suoi vantaggi, l'olio col tempo, come la tempera, perde le sue qualità cromatiche. Lo svantaggio principale di tali vernici è anche considerato craquelure che appare sulla superficie dei dipinti. Nel passaggio da un colore all'altro possono formarsi delle crepe, trasformando l'immagine in una "vetrata" frammentata. Pertanto, il dipinto da cavalletto, dipinto ad olio, è verniciato, quindi l'immagine può essere conservata nella sua forma originale per un periodo più lungo.
L'arte moderna, che è diventata molto più diversificata e innovativa, è molto diversa dall'arte degli anni passati. Tuttavia, nonostante i materiali e i colori più progressisti, i dipinti dei nostri giorni non sembrano così vivi e pieni di emozioni ed esperienze come le opere d'arte dei secoli passati.
Viste Cavalletto monumentale Decorativo monumentale Pittura di icone Pittura in miniatura Generi Stili Battaglia mitologica Paesaggio storico Ritratto Natura morta Animale domestico Nudo
Guardati attorno quanto è bello! Le persone sono sempre state alla ricerca di modi per salvare e ricordare ciò che vedono. Puoi scattare una foto del mondo che ti circonda, ma prima non c'erano le fotocamere e disegnare è molto più divertente!
Un pittore può fare miracoli: mostrare eventi di un lontano passato, mostrarci eroi epici ed eroi delle fiabe, essere trasportati nel futuro e presentarci personaggi inesistenti.
Il principale mezzo espressivo della pittura è il colore. L'artista di solito compone il colore sulla tavolozza e poi trasferisce la vernice sulla tela dell'immagine, creando un ordine di colori: la colorazione.
Il colore può essere caldo e freddo, allegro e triste, calmo e teso, chiaro e scuro. Il colore crea l'atmosfera di un dipinto.
Per creare un'immagine, oltre al colore, è necessaria una composizione, ovvero la posizione dei dettagli dell'immagine. L'artista inizia a lavorare sulla tela con schizzi: schizzi.
La pittura si divide in da cavalletto e monumentale. L'artista dipinge quadri su un cavalletto, chiamato anche cavalletto. Da qui il nome "pittura da cavalletto".
E la parola "monumentale" parla di qualcosa di grande e significativo. Pittura monumentale: si tratta di grandi dipinti sui muri degli edifici nella metropolitana, negli aeroporti, nelle chiese. Vengono scelti anche temi significativi per i dipinti monumentali: eventi storici, gesta eroiche, racconti popolari.
La pittura monumentale comprende mosaici e vetrate, che possono anche essere attribuiti all'arte decorativa. Il mosaico è un modello composto da piccoli pezzi o materiali vari.
Una vetrata è un'immagine su vetro o composta da pezzi di vetro multicolore. Vetrate vengono inserite al posto delle finestre o nella porta.
L'affresco è una tecnica di pittura con idropitture su intonaco umido di pareti, che richiede un lavoro molto veloce prima che l'intonaco sia asciutto.
Perché non dipingevano quadri! Le vernici venivano realizzate utilizzando albume d'uovo, colla o linfa di fico. Poi sono comparsi i colori ad olio, a base di olio vegetale.
La pittura a base di tuorlo d'uovo o albume si chiama tempera. Usando la tecnica della tempera, l'artista non deve mescolare i colori, devono essere applicati in uno strato molto sottile, uno accanto all'altro, senza transizioni. I toni misti possono essere ottenuti solo applicando uno strato all'altro.
Pittura a cera La pittura basata sulla colla si chiama tempera. Le vernici a guazzo sono dense, opache. Disegnano su carta, cartone, tela, seta, osso.
Il pastello è una tecnica per dipingere e disegnare su una superficie ruvida di carta o cartone con matite speciali. Allo stesso tempo, iniziano con matite dure e finiscono con quelle morbide, e la polvere colorata viene strofinata con le dita.
L'acquerello è una tecnica di pittura con gli acquerelli. Di solito l'acquerello viene eseguito su carta sciogliendo i colori in acqua. Il dipinto ad acquerello è trasparente e morbido.
Spatola: uno strumento a forma di coltello o spatola con manico ricurvo. Una spatola viene utilizzata dagli artisti per rimuovere la vernice bagnata da un dipinto. A volte viene utilizzata una spatola al posto di un pennello per applicare la vernice in uno strato uniforme o con un tratto in rilievo.
I generi di pittura sono apparsi quando gli artisti hanno iniziato a mostrare temi diversi nei loro dipinti. Il compito principale del paesaggista è mostrare la natura in tutta la sua bellezza.
Tradotta dal francese, la parola "natura morta" significa "natura morta". La natura morta è chiamata l'immagine delle cose che circondano una persona: piatti, tessuti, fiori, frutta e verdura, frutti di mare e selvaggina.
Un ritratto è l'immagine di una persona o di un gruppo di persone. Nel ritratto, l'artista non solo trasmette la somiglianza, ma cerca anche di raccontare la vita e le attività di una persona.
Nei tempi antichi, l'uomo cercava di rappresentare il mondo in immagini come lo vedeva lui stesso. La pittura serviva a decorare templi, abitazioni e tombe.
Nel Rinascimento apparvero i generi di pittura che abbiamo già esaminato: paesaggio, natura morta, ritratto, animalesco, quotidiano, mitologico, storico, battaglia.
Il classicismo è uno stile artistico incentrato sulle forme degli antichi classici, principalmente greci. Gli artisti hanno prestato particolare attenzione al chiaroscuro. Presta attenzione alla precisione con cui l'autore ha rappresentato le pieghe sui tessuti con l'aiuto delle ombre. E anche gli artisti del classicismo nei loro dipinti usavano solo tre colori - rosso, blu e giallo - e li mescolavano per ottenere altri colori.
La parola "barocco" significa "strano", "bizzarro". I dipinti in stile barocco sono stravaganti, lussureggianti. Spesso combinano dettagli molto grandi e, al contrario, molto piccoli, e la luce e le ombre non si sovrappongono in modo fluido l'una nell'altra, ma sono delineate nettamente.
La pittura del romanticismo spesso rifletteva gli eventi della storia e del presente, utilizzava il contrasto di luci e ombre, colori intensi.
La rivoluzione nella pittura fu l’emergere dell’impressionismo, che cercò di trasmettere un’impressione fugace, evitando qualsiasi dettaglio nel disegno. Tali dipinti sono stati dipinti all'aria aperta, ed è meglio guardarli allontanandosi di qualche passo.
Se gli artisti impressionisti erano interessati a tutto ciò che è fugace, casuale, allora i rappresentanti della direzione postimpressionista cercavano qualcosa di permanente e stabile. I dipinti sono stati dipinti non su un'impressione istantanea, ma tenendo conto del percorso dei raggi luminosi, del calcolo delle ombre.
Il modernismo ha cercato di stabilire le sue basi artistiche. Il modernismo ha unito molti movimenti artistici: espressionismo, cubismo, costruttivismo, surrealismo, astrattismo, pop art. L'espressionismo è una direzione nell'arte, che è caratterizzata da orecchiabilità, grottesco.
I dipinti nello stile del cubismo raffigurano oggetti reali sotto forma di molti piani semitraslucidi intersecanti (quadrangoli, triangoli, semicerchi).
La pittura astratta, a volte chiamata avanguardia, astrattismo o underground, utilizza colori audaci, insoliti, corretti, come figure delineate su un righello.
Guarda il lavoro dell'autore, che lavora nello stile del Fauvismo. Usa alcuni colori, proprio come nella tua scatola di colori. Usa anche contorni chiari, come se avesse disegnato prima con una matita e poi solo con i colori. Le figure nella figura sono senza ombre, senza volume.
Il primitivismo è una direzione nelle arti visive, i cui dipinti ricordano le opere dell'arte primitiva, medievale, popolare e infantile.
Quanti "-ismi"! È persino spaventoso prendere un pennello o una matita! Ma non aver paura, ciascuno degli artisti di cui hai appena visto i dipinti una volta ha preso carta e pittura per la prima volta. E anche lui non ci riuscì tutto in una volta. Sii più audace: fantastica, crea, disegna!