Gustave Moreau (francese Gustave Moreau) (6 aprile 1826, Parigi - 18 aprile 1898, Parigi) - Artista francese, rappresentante del simbolismo.
Gustave Moreau nacque nel 1826 a Parigi nella famiglia del capo architetto di Parigi, i cui compiti includevano la manutenzione degli edifici pubblici e dei monumenti della città. Ben presto ha scoperto la sua capacità di disegnare e dipingere. Nel 1842, grazie al mecenatismo del padre, Moreau ricevette un certificato di copista di pittura, che gli consentiva di visitare liberamente il Louvre e di lavorare nelle sue sale in qualsiasi momento.
Con il sostegno e l'approvazione dei suoi genitori, nel 1846 entrò alla Scuola di Belle Arti, nella bottega di François Picot, maestro di orientamento classicista, che gli insegnò le basi della pittura. Qui la formazione era estremamente conservativa e consisteva principalmente nel copiare calchi in gesso da statue antiche, nel disegnare nudi maschili, nello studio dell'anatomia, della prospettiva e della storia della pittura. Dopo aver subito un fiasco al concorso per il Premio Roma, lascia la bottega di Pico. Moreau ammira Delacroix, la cui influenza è visibile nei primi lavori (ad esempio, la Pietà esposta al Salon del 1852).
Moreau era uno studente di Théodore Chassériot all'École des Beaux-Arts di Parigi. Nel 1849 Moreau espone le sue opere al Salon. Nel 1852, il padre di Moreau acquistò per lui una casa al numero 14 di rue La Rochefoucauld, sulla riva destra della Senna, non lontano dal palazzo Saint-Lazare. In questo luogo prestigioso, in un palazzo lussuoso, arredato lussuosamente e costosamente, come si conviene alle migliori case borghesi, Moreau allestisce un laboratorio al terzo piano. Vive e lavora nelle migliori condizioni, continua a ricevere ordini dal governo e viene accettato nell'alta società e nei circoli artistici ufficiali. 10 ottobre 1856 Delacroix scrive nel suo diario: “Addio al povero Chasserio. Lì ho visto Doz, Diaz e il giovane Moreau, l'artista. Mi piace abbastanza.
Moreau non ha mai negato di dover molto del suo lavoro a Chasserio, suo amico morto prematuramente (all'età di 37 anni). Alla sua partenza anticipata, Moreau dipinse la tela “Giovinezza e morte” (1865). L'influenza di Théodore Chasserio è evidente anche nelle due grandi tele che Moreau iniziò a dipingere negli anni '50 dell'Ottocento, I Proci di Penelope e Le Figlie di Teseo. Mentre lavorava su questi enormi dipinti con molti dettagli, non lasciava quasi mai lo studio. Tuttavia, questa elevata richiesta per se stesso in seguito divenne spesso la ragione per cui l'artista lasciò il suo lavoro incompiuto.
Durante due viaggi in Italia (1841 e dal 1857 al 1859), visitò Venezia, Firenze, Roma e Napoli, dove Moro studiò l'arte del Rinascimento: i capolavori di Andrea Mantegna, Crivelli, Botticelli e Leonardo da Vinci. Da lì porta diverse centinaia di copie di opere dei grandi maestri del Rinascimento. Scrive anche pastelli e acquerelli, che ricordano le opere di Corot. In questo periodo incontra Bonnat, Elie Delaunay e il giovane Degas, che aiuta nelle sue prime ricerche. D'ora in poi, Moreau adotta uno stile caratteristico intriso dello spirito del romanticismo: congelato ieratico, estraneo al movimento e all'azione. Nel 1862 morì il padre dell'artista.
Théophile Gautier ha scritto del dipinto di G. Moreau: esso “... è così strano, insolito alla vista e così deliberato nella sua originalità, creato per uno spirito esigente, sapiente e raffinato”. (“Museo Gustave Moreau”, Parigi, 1997, p. 16.). Nel 1864 espose al Salon “Edipo e la Sfinge”: il dipinto suscitò una forte reazione, non lasciando indifferente nessuno dei critici. Quest'opera simbolico-allegorica divenne il vero esordio creativo di Moreau. Una creatura con il volto e il seno di una donna, le ali di un uccello e il corpo di un leone - la Sfinge - era aggrappata al torso di Edipo; entrambi i personaggi sono in uno strano stordimento, come se si ipnotizzassero a vicenda con lo sguardo. Un disegno chiaro e una modellazione scultorea delle forme parlano di formazione accademica. La scoperta di Edipo e della Sfinge ha aiutato
« La cosa più importante per me è un impulso fugace e un incredibile desiderio di astrazione. L'espressione dei sentimenti e dei desideri umani è ciò che mi preoccupa veramente, anche se sono meno propenso a esprimere questi impulsi dell'anima che a scrivere ciò che è visibile. In altre parole, rappresento lampi di fantasia che nessuno sa interpretare, ma noto in essi qualcosa di divino, trasmesso attraverso una sorprendente plasticità. Vedo orizzonti magici aperti e tutta questa visione la definirei Esaltazione e Purificazione.»
—Gustave Moreau (1826-1898)
Gustave Moreau si distingue da tutti i pittori del XIX secolo. Ha vissuto a Parigi durante il periodo di massimo splendore delle mostre del Salon, durante il periodo di massimo splendore dei realisti e degli orientalisti francesi, durante la rivoluzione impressionista, ma è riuscito a mantenere la sua unicità e diventare una vera ispirazione per l'intero movimento del 20 ° secolo: il surrealismo. E alcuni lo considerano il fondatore del Fauvismo.
Il maestro visitò l'Italia per la prima volta nel 1841, cioè all'età di 15 anni. Era così ispirato dai dipinti degli artisti del Rinascimento che questo viaggio determinò il suo percorso creativo. Ha ricordato le opere di Leonardo da Vinci e Michelangelo: “I personaggi dei loro dipinti sembrano dormire nella realtà, come se fossero stati portati in paradiso vivi. Il loro sogno egocentrico è diretto ad altri mondi, non al nostro...” In generale, era come se uno stregone parlasse. Sì, ho scritto anche io. L'influenza della pittura medievale e rinascimentale è visibile nel suo lavoro con colore, composizione e prospettiva.
Cosa succede agli artisti che sono un po’ soli e non accettano le nuove tendenze della moda? Esatto: "A loro non piacciono le persone così qui." Durante il Secondo Impero, il pubblico apprezzava il rococò, lo sfarzo e il glamour, ma questo eccentrico vede altre dimensioni nei dipinti medievali. Questo è quello che ha detto di lui Auguste Renoir, per esempio: “ Gustave Moreau è un pessimo artista! Non sa nemmeno come disegnare correttamente una gamba. Ma cosa prende da tutti, e soprattutto dagli usurai ebrei: l'oro. Sì, sì, mette così tanto oro nei suoi dipinti che nessuno può resistere!” Il critico e pubblicista Castagnari, vedendo il suo lavoro, ha detto: “Beh, è una specie di retrogrado”. E aveva una parola significativa in quel momento. Ma a quanto pare Gustave vide qualcosa di più di Castagnari e rimase fedele al suo metodo.
E il metodo di Moreau si riduceva a quanto segue: ha provato a registrare un sogno. Non ti ricorda niente? Sì, i surrealisti più tardi fecero quasi questo. E il più famoso di loro, Salvador Dalì, si addormentava con una moneta in mano, sotto la quale poneva una bacinella di rame, in modo che nel momento in cui il corpo si addormenta e i muscoli si rilassano, la moneta cadesse e il rumore del suo impatto sul bacino lo avrebbe svegliato, così da registrare ciò che era riuscito a vedere in sogno. Molto probabilmente Gustave non è stato così schietto quando ha parlato del suo “le rêve fixée” (le rêve fixée - un sogno fermato). Voleva consapevolmente "provocare un risveglio dal sonnambulismo di routine della vita per vedere realtà spirituali superiori che sono più motivanti che descrittive e intrise di proprietà mistiche impermanenti". È difficile comprendere immediatamente le parole del maestro stregone, ma a quanto pare capisce la vita di tutti i giorni come un sogno, dal quale ci si può risvegliare in un sogno fisico, quando il subconscio è liberato dalle catene della mente. E presenta le sue tele come la chiave di questo risveglio nella realtà. Questo è “le rêve fixée”.
In generale, l'idea di una tale collisione di due mondi fu successivamente adottata da Odilon Redon, un importante rappresentante del simbolismo. Ha detto: “Gli sforzi di Moro erano mirati a creare un nuovo vocabolario visivo che descrivesse sia i problemi contemporanei che le tendenze generali”. Fermiamoci un po' qui. Gustave Moreau è considerato un simbolista. Ma il simbolismo è molto instabile, dirò addirittura che senza il contesto del tempo è impossibile. Ad esempio, una donna nella pittura del XIX secolo diventa un essere fragile e sensuale, spesso associato alla madre, alla cura, alla tenerezza e all'amore. Tuttavia, il simbolismo medievale, basato in gran parte su interpretazioni bibliche, lo interpreta in modo opposto: emozioni sfrenate, caos, desiderio irresistibile, paura, morte. (da non confondere con virgo, vergine). E Gustave si rivolge proprio a tali interpretazioni nelle sue opere “Salome con la testa di Giona il Battista” e “Edipo e la Sfinge”. A proposito, il già citato Redon ha affermato che è stata l'opera “Edipo e la Sfinge” a ispirarlo a scegliere il suo percorso isolato nell'arte.
E sotto c'è il suo dipinto "Ercole e gli uccelli di Stinfalo". Questa è la storia della terza fatica di Ercole, quando sconfisse, con l'aiuto di un tamburo donatogli da Pallade, i terribili uccelli che furono uccisi da piume mortali cadute dal cielo. Ercole colpì il tamburo, gli uccelli volarono in aria e in quel momento li colpì con un arco. Puoi notare che le rocce sulle tele sono dipinte come sulle tele dei maestri del Rinascimento. O anche notare qualche somiglianza con le opere degli artisti cinesi.
E la brama di astrazione e di toni scuri è chiaramente visibile nella sua ultima opera “Tomyris and Cyrus”. Mentre combatteva con i Massageti, il re persiano Ciro tese loro una trappola: lasciò grandi riserve di vino e si ritirò. I Massageti, dopo aver scoperto le provviste, morirono immediatamente bevendo e furono attaccati dai Persiani, catturando il figlio di Tomiri. Lei, dopo aver radunato tutto il suo esercito, sconfisse Ciro e mise la sua testa in un otre pieno di sangue. Naturalmente allora nessuno aveva sentito parlare di diritti umani, ma tutti erano concettualisti. E l'espressione "perdere la testa" aveva il significato più diretto. Questo è ciò di cui parla questa storia.
C'è stato anche un episodio interessante che sottolinea l'isolamento di Gustave Moreau dagli altri pittori dell'epoca. Nella Sala di Apollo al Louvre, Delacroix presentò il suo dipinto “Apollo sconfigge Pitone”. Il dipinto fu commissionato per la Seconda Repubblica, come simbolo delle vittorie sull'oscurantismo del passato. E Moreau allo stesso tempo espone il suo Phaeton, che somiglia moltissimo a Python. Ma il Fetonte di Gustavo non è stato ancora colpito dal fulmine di Zeus. Audacemente!
Inoltre non ho menzionato la brama di Gustav per l’ornamentalismo, che in seguito sarebbe diventato una delle componenti del modernismo o dell’art nouveau. Moreau a volte intreccia abilmente arabeschi e altri ornamenti nelle sue opere, creando l'illusione di una sorta di rune magiche che sembrano brillare sulla tela e cercano di dire qualcosa. Ma è meglio vedere di persona:
Gustave Moreau non era particolarmente popolare ai suoi tempi. La fama gli arrivò più tardi, dopo la sua morte. L'ultima volta di cui ho scritto, che ha abilmente percepito lo spirito del tempo, Gustave, al contrario, è rimasto fedele alla sua linea, nonostante tutte le pressioni di colleghi e critici, dando così spunti di riflessione alle generazioni future e ponendo di fatto le basi del surrealismo . Non c'è nessun profeta nel suo paese, o meglio nel suo tempo. Lo considero un collegamento molto importante tra l'arte del Medioevo, del Rinascimento e l'arte del XX secolo. Un collegamento perduto che è stato ritrovato molto più tardi del previsto. E in una certa misura, molto prima. Qui! Chiamiamolo uno stregone fuori dal tempo e dallo spazio. E quindi è ancora molto attuale oggi.
novembre 20, 2015 | 12:58
Un eremita nel cuore di Parigi: così lo chiamavano i contemporanei di Moreau. L'artista prestava davvero poca attenzione alla vita che lo circondava, i suoi interessi erano esclusivamente nel campo dell'arte. Nonostante ciò, l'attenzione nei suoi confronti era incessante: i dipinti di Moreau erano ampiamente conosciuti, avevano una grande influenza sui suoi contemporanei e si vendevano bene. Durante la sua vita, l'artista divenne l'idolo dei simbolisti, sebbene lui stesso non si considerasse un simbolista. In questo caso i tempi concordarono con la maggioranza: Gustave Moreau entrò nella storia dell'arte proprio come simbolista.
Fata con grifoni, 1876
Gustave Moreau trascorse quasi tutta la sua vita creativa nella casa n° 14 di rue La Rochefoucauld, acquistata da suo padre appositamente per organizzarvi il laboratorio d'arte di suo figlio. Qui l'artista visse, amò e creò per più di 45 anni: dal 1852 al 1898. Quando la sua salute peggiorò drasticamente, Moreau decise di trasformare questa dimora in una raccolta accessibile al pubblico delle sue opere. Trasformò gli ultimi due piani in spazi espositivi e lasciò in eredità la casa allo Stato, insieme ai dipinti e a tutti gli arredi ivi collocati. È così che è nato questo piccolo casa museo - una continuazione della vita e della volontà dell'artista, considerala una continuazione di se stesso.
Foto -Wikipedia
Sono andato al Museo Moreau non solo per guardare i dipinti, ma anche per sentire l'atmosfera che circondava l'artista, per vedere l'ambiente in cui viveva. Purtroppo non sono riuscito ad entrare nei soggiorni, quindi ho scattato le foto degli interni da Internet.
La stanza dell'artista. Foto -Wikipedia
Elisa de Romilly. Ritratto di Gustave Moreau. 1874
Nell'autunno del 1859, Moreau incontrò una giovane donna, Alexandrine Duret, che lavorava come governante accanto al suo laboratorio. Alexandrine non divenne la moglie di Moreau, ma vissero in amore e armonia in una casa in Rue La Rochefoucauld per più di 30 anni.
Felice Nadar. Ritratto di Alessandrina Duret. 1883
Boudoir è il soggiorno della padrona di casa. Foto: http://www.smarterparis.com/reviews/musee-national-gustave-moreau
Uno dei miei obiettivi era essere bella scala a chiocciola , che conduce dal secondo piano del laboratorio al terzo. Ho visto molte sue foto online, ma volevo sentirla a modo mio, per “parlare” brevemente.
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Nelle sue opere, Gustave Moreau non ha cercato l'obiettività e il naturalismo. Utilizzò principalmente soggetti biblici, mistici e fantastici e si rivolse ai motivi della mitologia antica e nordica.
Prometeo, 1868
Il ratto di Europa, 1868
Le spiegazioni di Moreau per alcuni dei suoi dipinti sono state conservate: leggendole, capisci quanto siano ricche di dettagli le sue opere, ognuna delle quali ha il suo significato speciale e complesso, funge da certo simbolo. Ecco perché i simbolisti amavano così tanto i dipinti di Moreau. Non ha avuto meno influenza su movimenti come il surrealismo e il fauvismo.
Giove e Semele, 1894 , schizzo
Giove e Semele, 1895
Nel 1895 Moreau completò una delle sue opere principali, Giove e Semele. Non è riuscito a dargli gli ultimi ritocchi, ha aggiunto sempre più dettagli e ha persino cucito altre strisce di tela più volte quando non aveva abbastanza spazio per rivelare completamente il suo piano. Quando il cliente finalmente prese il dipinto dal laboratorio, Moreau esclamò tristemente: "Oh, se solo avessi almeno altri due mesi!" La scena raffigurata sulla tela è tratta dalle Metamorfosi di Ovidio. La principessa tebana Semele fu sedotta dal re degli dei, Giove. La moglie gelosa e traditrice di Giove convinse Semele a supplicare Dio di apparirle in tutta la sua grandezza. Giove acconsentì e Semele fu uccisa dallo straordinario splendore che emanava da lui. Secondo l'interpretazione di Moreau, è "colpita da un parossismo di estasi divina". Nella foto, Giove appoggiava la mano sulla lira, attributo insolito per il dio del Signore del Cielo, mentre il suo attributo costante - l'aquila - era in basso. Ai piedi del trono, Moreau ha raffigurato figure che simboleggiano la Morte e il Dolore, che spiegano le basi tragiche della vita. Non lontano da loro, sotto le ali di un'aquila, si inchinò tristemente il dio Pan (simbolo della Terra), ai cui piedi ci sono figure dell'oscurità: Ombra e Povertà.
Moreau era un eccellente conoscitore dell'arte antica, un ammiratore dell'antica cultura greca e un amante degli oggetti di lusso orientali, delle armi e dei tappeti. Ciò non si nota subito nelle sale del museo, ma prestate attenzione alle cornici dei dipinti, a quanto sono eleganti e ricche, poiché sottolineano le idee dell'autore
La vita dell'umanità, 1886
Lavorando su dipinti enormi e ricchi di dettagli, Moreau non lasciava quasi mai lo studio. Era molto esigente con se stesso e questa esigenza spesso divenne la ragione per cui l'artista lasciò molte delle sue opere incompiute.
Ad esempio, un dipinto che il barone Rothschild si offrì di pagare, ma Moreau si rifiutò di venderlo incompiuto e non riuscì mai a finirlo... Questa tela è il culmine di uno dei temi preferiti di Moreau e uno degli ultimi tentativi dell'artista di far rivivere le tradizioni medievali. L’immagine mostra una scena “che si svolge su un’isola magica dove vivono solo donne e unicorni”. Qui puoi vedere un riferimento all’elegante scuola di Fontainebleau, un’associazione con il dipinto di Tiziano “L’amore terreno e celeste”, e ovviamente un’eco con il famoso arazzo medievale “La signora con l’unicorno”.
Unicorni, 1887
Apparizione, 1875 (Salomè con la testa di Giovanni Battista, frammento).
Fiore mistico, 1890 , frammento
“Mystical Flower” è una delle opere più misteriose dell’artista, creata nell’anno della morte della sua amata Alexandrina. L'immaginario cristiano appare qui più simile a quello pagano-celtico: la Santa Vergine siede su un fiore di giglio che cresce dalle pietre. Il paesaggio montuoso ricorda le opere di Leonardo e l'alto dettaglio dell'immagine del santo, combinato con figure solo abbozzate e spesso semiastratte nella parte inferiore, crea un ponte stilistico con la pittura del XX secolo.
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L'opera paradossale di Moreau si trova al crocevia dei movimenti artistici del diciannovesimo secolo. Peter Cook, al termine della sua opera monografica su Gustave Moreau (1826-1898), lo definisce un proto-simbolista, meno spesso un artista storico, ma in generale è difficile categorizzarlo. I migliori dei suoi intricati dipinti biblici e mitologici sono memorabili ma difficili da decifrare. Gustave Moreau: Pittura storica, spiritualità e simbolismo è un tentativo di far luce su questa figura altamente peculiare ai margini dell'arte francese.
Le sue classiche composizioni ad olio raffigurano figure in isolate aree chiare circondate da ampie aree scure, punteggiate da macchie multicolori che conferiscono a queste grotte e sale del trono l'aspetto di essere adornate con pietre preziose. Le espressioni facciali dei suoi personaggi sono sobrie e i loro gesti sono innaturali e solenni. Gli abiti e l'architettura sono ricoperti da intricate decorazioni, conferendo ai dipinti un aspetto pseudo-organico. Verso la fine del Secondo Impero, la pittura storica da salotto divenne un esercizio di sensazionalismo e solleticò i nervi. È difficile non vedere Moreau tormentarsi volontariamente con fedeltà a una tradizione di pittura storica i cui giorni, sospettava, erano contati. Il suo lavoro si colloca tra l'approccio neoclassico alla pittura storica e il movimento simbolista emergente, che Moreau riteneva non abbastanza significativo. Nella visione del mondo estremamente complessa ed eclettica dell'artista, la devozione all'arte si combinava con la mitologia panteistica e il misticismo cattolico. La posizione di Moreau come antirealista era una conseguenza del suo attaccamento all'idealismo. Le sue opinioni politiche erano estremamente monarchiche e nazionaliste.
Cook suggerisce che la risposta negativa alle opere da salotto di Moreau dopo il successo del suo Edipo e la Sfinge (1864) fosse dovuta alla confusione degli stili e alla difficoltà di interpretare le narrazioni pittoriche. Usò il neoclassicismo come base del suo approccio, ma incluse sia il sapore emotivo del romanticismo che l'ornamentalismo dell'arte dell'Estremo Oriente e islamica. Cook paragona i dipinti di Moreau ad altri esposti al Salon di quell'anno. Ciò è istruttivo, poiché molti di quei dipinti furono dipinti da artisti poco conosciuti e andarono perduti o finirono nei magazzini dei musei provinciali.
L'accoglienza mista delle sue opere da salone contribuì al fatto che Moreau iniziò a considerarsi un profeta inascoltato. Volendo garantire la sua posizione nelle generazioni future, trasmise i propri principi a numerosi studenti. E lavorò su dipinti che, secondo il progetto dell'artista, dovevano trovarsi in un museo postumo dedicato al suo lavoro. E se nessuno dei suoi studenti divenne suo seguace, allora la casa-museo parigina di Moreau si rivelò un'eredità più duratura. Moreau creò copie delle sue tele di successo in modo che potessero essere conservate qui.
Come insegnante all'École Supérieure des Beaux-Arts, Moreau entra in contatto con la generazione di artisti che più tardi creeranno il modernismo. Gli studenti Henri Matisse, Albert Marquet e Charles Camoin formarono la spina dorsale del movimento fauvista, che si opponeva agli ideali dell'insegnante. Cook dimostra che Moreau era un mentore benevolo, raccomandando la copia di un'ampia gamma di opere e facendo un'impressione positiva sui suoi studenti. Ma tra tutti i maggiori studenti di Moreau, solo Georges Rouault divenne un artista delle allegorie e un coerente oppositore del realismo. Moreau fu l'ultimo sostenitore di una tradizione dalla quale gli artisti successivi voltarono finalmente le spalle. Il suo lavoro è abbastanza attraente e sofisticato da meritare la tardiva attenzione che Cook gli ha dedicato.
Testo: Alexander Adams
Per amore dell'art Gustavo Moreausi isolò volontariamente dalla società. Il mistero con cui ha circondato la sua vita si è trasformato in una leggenda sull'artista stesso.
Vita di Gustave Moreau (1826-1898), come la sua opera, sembra completamente separato dalla realtà della vita francese nel XIX secolo. Avendo limitato la sua cerchia sociale ai familiari e agli amici intimi, l'artista si dedicò interamente alla pittura. Avendo un buon reddito dalle sue tele, non era interessato ai cambiamenti della moda sul mercato dell'arte. Il famoso scrittore simbolista francese Huysmans chiamò molto accuratamente Moreau “un eremita che si stabilì nel cuore di Parigi”.
Edipo e la Sfinge (1864)
Moreau è nato il 6 aprile 1826 a Parigi. Suo padre, Louis Moreau, era un architetto la cui responsabilità era quella di mantenere gli edifici pubblici e i monumenti della città. La morte dell'unica sorella di Moreau, Camille, ha riunito la famiglia. La madre dell'artista, Polina, era legata con tutto il cuore a suo figlio e, rimasta vedova, non si separò da lui fino alla sua morte nel 1884.
Fin dalla prima infanzia, i genitori hanno incoraggiato l'interesse del bambino per il disegno e lo hanno introdotto all'arte classica. Gustave leggeva molto, amava guardare gli album con riproduzioni di capolavori della collezione del Louvre e nel 1844, dopo essersi diplomato, conseguì una laurea - un risultato raro per un giovane borghese. Soddisfatto del successo del figlio, Louis Moreau lo assegnò allo studio dell'artista neoclassico François-Edouard Picot (1786-1868), dove il giovane Moreau ricevette la formazione necessaria per entrare alla Scuola di Belle Arti, dove superò con successo gli esami di 1846
San Giorgio e il drago (1890)
Grifone (1865)
Qui la formazione era estremamente conservativa e consisteva principalmente nel copiare calchi in gesso da statue antiche, nel disegnare nudi maschili, nello studio dell'anatomia, della prospettiva e della storia della pittura. Nel frattempo, Moreau rimase sempre più affascinato dai dipinti colorati di Delacroix e soprattutto del suo seguace Theodore Chasserio. Non essendo riuscito a vincere il prestigioso Prix de Rome (la Scuola mandava a proprie spese i vincitori di questo concorso a studiare a Roma), Moro lasciò la scuola nel 1849.
Il giovane artista rivolse la sua attenzione al Salon, una mostra ufficiale annuale alla quale ogni principiante cercava di partecipare nella speranza di essere notato dalla critica. I dipinti presentati da Moreau al Salon negli anni '50 dell'Ottocento, ad esempio "Il Cantico dei Cantici" (1853), rivelavano una forte influenza di Chasserio: eseguiti in modo romantico, si distinguevano per il colore penetrante e l'erotismo frenetico.
Moreau non ha mai negato di dover molto del suo lavoro a Chasserio, suo amico morto prematuramente (all'età di 37 anni). Scioccato dalla sua morte, Moreau dedicò alla sua memoria il dipinto “Giovinezza e morte”.
Salomè balla davanti a Erode (1876)
Tuttavia, gli ammiratori del lavoro di Moreau hanno percepito le sue nuove opere come un appello alla liberazione dell'immaginazione. Divenne l'idolo degli scrittori simbolisti, tra cui Huysmans, Lorrain e Péladan. Tuttavia, Moreau non era d'accordo con il fatto di essere classificato come simbolista; in ogni caso, quando nel 1892 Péladan chiese a Moreau di scrivere una recensione elogiativa del salone simbolista Rosa e Croce, l'artista rifiutò risolutamente
Nel frattempo, la fama poco lusinghiera di Moro non lo privò di clienti privati, che continuarono ad acquistare le sue piccole tele, solitamente dipinte su soggetti mitologici e religiosi. Durante il periodo dal 1879 al 1883, creò quattro volte più dipinti rispetto ai 18 anni precedenti (il più redditizio per lui fu una serie di 64 acquerelli, creati sulla base delle favole di La Fontaine per il ricco marsigliese Anthony Roy - per ogni acquerello Moro ricevette dai 1000 ai 1500 franchi). E la carriera dell’artista decolla.
Ulisse batte i pretendenti (dettaglio)
Lo stesso Moreau non voleva ammettere di essere né unico, né fuori dal passo con i tempi e, inoltre, incomprensibile. Si considerava un artista-pensatore, ma allo stesso tempo, cosa che sottolineava particolarmente, metteva al primo posto il colore, la linea e la forma, e non le immagini verbali. Volendo proteggersi da interpretazioni indesiderate, spesso accompagnava i suoi dipinti con commenti dettagliati e si rammaricava sinceramente che "fino ad ora non c'era una sola persona che potesse parlare seriamente della mia pittura".
Ercole e l'Idra di Lerna (1876)
Moreau prestò sempre particolare attenzione alle opere dei maestri antichi, quegli stessi “vecchi otri” nei quali, secondo la definizione di Redon, volle versare il suo “vino nuovo”. Per molti anni Moro studiò i capolavori degli artisti dell'Europa occidentale, e principalmente rappresentanti del Rinascimento italiano, ma gli aspetti eroici e monumentali lo interessavano molto meno del lato spirituale e mistico dell'opera dei suoi grandi predecessori.
Moro aveva il più profondo rispetto per Leonardo da Vinci, che nel XIX secolo. considerato il precursore del romanticismo europeo. Nella casa di Moreau erano conservate le riproduzioni di tutti i dipinti di Leonardo presentati al Louvre, e l'artista vi si rivolgeva spesso, soprattutto quando aveva bisogno di rappresentare un paesaggio roccioso (come, ad esempio, nei dipinti "Orfeo" e "Prometeo") o uomini effeminati. che somigliavano a quelli creati da Leonardo con l'immagine di San Giovanni. “Non avrei mai imparato ad esprimermi”, dirà Moreau, artista già maturo, “senza una costante meditazione davanti alle opere dei geni: la Madonna Sistina e alcune creazioni di Leonardo”.
Fanciulla tracia con la testa di Orfeo sulla lira (1864)
L'ammirazione di Moreau per i maestri del Rinascimento era caratteristica di molti artisti del XIX secolo. A quel tempo, anche artisti classici come Ingres erano alla ricerca di nuovi soggetti, non tipici della pittura classica, e la rapida crescita dell'impero coloniale francese suscitò l'interesse degli spettatori, soprattutto dei creativi, per tutto ciò che è esotico.
Pavone che si lamenta con Giunone (1881)
Gli archivi del Museo Gustave Moreau rivelano l'incredibile ampiezza degli interessi dell'artista: dagli arazzi medievali ai vasi antichi, dalle xilografie giapponesi alla scultura erotica indiana. A differenza di Ingres, che si limitava esclusivamente a fonti storiche, Moreau combinava coraggiosamente su tela immagini tratte da culture ed epoche diverse. Il suo"Unicorni", ad esempio, sembrano presi in prestito da una galleria di dipinti medievali, e il dipinto “Apparizione” è una vera raccolta di esotismo orientale.
Unicorni (1887-88)
Moreau cercava deliberatamente di saturare i suoi dipinti il più possibile con dettagli sorprendenti, questa era la sua strategia, che chiamava “la necessità del lusso”. Moreau ha lavorato a lungo sui suoi dipinti, a volte per diversi anni, aggiungendo costantemente sempre nuovi dettagli che si moltiplicavano sulla tela, come riflessi negli specchi. Quando l'artista non aveva più abbastanza spazio sulla tela, ha orlato altre strisce. Ciò è accaduto, ad esempio, con il dipinto “Giove e Semele” e con il dipinto incompiuto “Giasone e gli Argonauti”.
Diomede divorato dai suoi cavalli (1865)
Tuttavia, i legami di Moreau con il modernismo sono molto più complessi e sottili di quanto sembrassero ai decadenti che adoravano il suo lavoro. Gli studenti di Moreau alla Scuola di Belle Arti, Matisse e Rouault, parlarono sempre del loro maestro con grande calore e gratitudine, e il suo laboratorio fu spesso chiamato la "culla del modernismo". Per Redon, il modernismo di Moreau risiede nel "seguire la propria natura". È stata questa qualità, combinata con la capacità di autoespressione, che Moreau ha cercato in ogni modo di sviluppare nei suoi studenti. Insegnò loro non solo le basi tradizionali dell'artigianato e della copia dei capolavori del Louvre, ma anche l'indipendenza creativa - e le lezioni del maestro non furono vane. Matisse e Rouault furono tra i fondatori del Fauvismo, il primo influente movimento artistico del XX secolo basato sulle idee classiche sul colore e sulla forma. Moreau, che sembrava un conservatore incallito, divenne così il padrino di un movimento che aprì nuovi orizzonti alla pittura del XX secolo.
L’ultimo romantico del XIX secolo, Gustave Moreau, chiamava la sua arte “silenzio appassionato”. Nelle sue opere, una combinazione di colori nitidi era armoniosamente combinata con l'espressione di immagini mitologiche e bibliche. "Non ho mai cercato i sogni nella realtà né la realtà nei sogni. Ho dato libertà all'immaginazione", amava ripetere Moreau, considerando la fantasia una delle forze più importanti dell'anima. I critici lo vedevano come un rappresentante del simbolismo, sebbene l'artista stesso rifiutasse ripetutamente e decisamente questa etichetta. E non importa quanto Moreau si affidasse al gioco della sua immaginazione, ha sempre riflettuto attentamente e profondamente sul colore e sulla composizione delle tele, su tutte le caratteristiche delle linee e delle forme e non ha mai avuto paura degli esperimenti più audaci.
Autoritratto (1850)