Programma - schema di una lezione di pittura: Natura morta con oggetti di materiali diversi (Imitazione delle tecniche di pittura ad olio). Schema di una lezione di pittura sul tema “Natura morta con oggetti di materiali diversi”. 6a elementare Sistema di generalizzazione del materiale

L'argomento della lezione è “Pittura”.

Obiettivi della lezione:

Didattico: Promuovere la formazione della conoscenza sulla pittura, le sue tipologie, divisioni.

Sviluppo: introdurre il lavoro di A. A. Plastov. Promuovere lo sviluppo del pensiero creativo, della reattività emotiva e della capacità di descrivere immagini.

Educativo: promuovere la formazione del gusto estetico; esigenze di comunicazione indipendente con le arti visive; promuovere lo sviluppo della cultura comunicativa (la capacità di comunicare, lo sviluppo del discorso monologo); sentimenti di patriottismo, amore per la propria patria.

Metodi di lezione: esplicativo - illustrativo, riproduttivo, parzialmente - ricerca.

Forme di lezione: frontale, di gruppo, individuale.

Supporti e attrezzature didattiche: computer, proiettore, lavagna interattiva, dispense.

Formazione di competenze generali: 3. Prendere decisioni in situazioni standard e non standard e assumersene la responsabilità. 4.Cercare e utilizzare le informazioni necessarie per l'efficace svolgimento dei compiti professionali, lo sviluppo professionale e personale. 6. Sviluppare in squadra e in squadra, comunicare in modo efficace con colleghi, management e consumatori.

Piano della lezione:

1. Dichiara lo scopo della lezione (2 min.)

II.Parte principale (40 min.)

1. Generalizzazione e sistematizzazione della conoscenza (riscaldamento terminologico (4 min.)

2.Apprendimento di nuovo materiale.

A) “Pittura”, divisioni della pittura, tipologie (10 min.)

B) Arte sovietica, rapporto su A.A. Plastova (8 minuti)

B) Descrizione delle riproduzioni (10 min.)

3.Fissare il materiale.

A) descrizione della riproduzione da parte degli studenti, secondo il promemoria - suggerimento (8 min.)

III. Parte finale - (3 min.)

1.Messaggio sul raggiungimento dell'obiettivo della lezione.

2. Dare voti.

3.Compiti a casa.

Durante le lezioni.

I.Organizzazione dell'inizio della lezione.

1. Saluto, messaggio sull'argomento della lezione, scopi e obiettivi, (2 min.)

II.Parte principale.

1.Riscaldamento terminologico (4 min).

I concetti principali del corso sono riportati alla lavagna. Gli studenti danno la loro definizione.

1. Scultura, 2. estetica, 3.elencare i tipi di cinematografia,4.musica, 5.architettura.

1. Tradotto dal greco. costruttore. L'arte di progettare e costruire edifici e altre strutture (nonché i loro complessi) che creano l'ambiente materiale organizzato necessario affinché le persone vivano e lavorino.

2. La scienza della bellezza, le leggi dell'emergenza, del funzionamento e della valutazione delle forme espressive nella natura, nella società e nell'arte.

3. lungometraggi, cortometraggi, documentari.

4.B tradotto dal greco come “l’arte delle muse”. Un tipo di arte in cui i mezzi per incarnare immagini artistiche sono suoni musicali organizzati in un certo modo.

5. Un tipo di arte figurativa, le cui opere hanno una forma tridimensionale, tridimensionale e sono realizzate in materiali solidi o plastici.

2.Apprendimento di nuovo materiale.

UN) L'insegnante svela il contenuto del concetto di “pittura”. Divisioni della pittura, tipi di pittura (10 min.)

La pittura (dal russo: vivi e scrivi) è un tipo di arte che consiste nel creare dipinti, dipinti che riflettono la realtà nel modo più completo e realistico.

Si chiama pittura un'opera d'arte realizzata con colori (olio, tempera, acquerello, tempera, ecc.) applicati su qualsiasi superficie dura. Il principale mezzo espressivo della pittura è il colore, la sua capacità di evocare vari sentimenti e associazioni esalta l'emotività dell'immagine. L'artista di solito disegna il colore richiesto per dipingere su una tavolozza, quindi trasforma la vernice in colore sul piano pittorico, creando un ordine di colori: la colorazione. Secondo la natura delle combinazioni di colori, può essere caldo e freddo, allegro e triste, calmo e teso, chiaro e scuro.

La pittura è una delle forme d'arte più antiche e quindi più interessanti. Nel corso degli anni sono apparse nuove tecniche, materiali e tecniche, ma la pittura, dopo secoli, rimane lo strumento principale per trasmettere immagini visive indimenticabili, del tutto naturali o bizzarre. La pittura può svolgere funzioni educative o documentarie, ma, soprattutto, consente di ammirare le possibilità estetiche e le caratteristiche di qualsiasi stile, l'unicità del lavoro del maestro e ogni scena che cattura. La pittura è sempre autosufficiente: una cornice di alta qualità parla solo di un'attenta attitudine al lavoro, ma è un dipinto memorabile che può diventare un vero punto forte di ogni interno.

La pittura si divide in da cavalletto e monumentale. L'artista dipinge su tela tesa su un telaio e montata su un cavalletto, che può anche essere chiamato macchina. Da qui il nome “pittura da cavalletto”(diapositiva). E la stessa parola “monumentale” parla di qualcosa di grande e significativo. Dipinto monumentale ( diapositiva ) sono dipinti di grandi dimensioni presenti sulle pareti interne o esterne degli edifici (affreschi, pannelli, ecc.). Un'opera di pittura monumentale non può essere separata dalla sua base (parete, supporto, soffitto, ecc.). Anche i temi dei dipinti monumentali vengono scelti in modo che siano significativi: eventi storici, gesta eroiche, racconti popolari, ecc. Mosaici ( diapositiva) e vetrate (diapositiva ), che può anche essere classificato come arte decorativa. Ciò che è importante qui è il raggiungimento dell'unità stilistica e figurativa della pittura monumentale e dell'architettura, sintesi delle arti.

A differenza della pittura come forma d'arte indipendente, l'approccio (metodo) pittorico può essere utilizzato nelle sue altre tipologie: nel disegno, nella grafica e persino nella scultura. L'essenza dell'approccio pittorico risiede nel rappresentare un oggetto in relazione con l'ambiente spaziale luce-aria circostante, in una sottile gradazione di transizioni tonali.

In base alle tecniche e ai materiali utilizzati, la pittura può essere suddivisa nelle seguenti tipologie: olio (diapositiva), - una delle tecniche pittoriche che utilizza vernici con olio vegetale come legante principale, tempera (diapositiva) - vernici preparate sulla base di pigmenti naturali in polvere secca.Le pitture a tempera sono tra le più antiche. Fino ai secoli XV-XVII. le tempere erano il materiale principale per la pittura da cavalletto. Così, i famosi dipinti dei sarcofagi degli antichi faraoni egiziani furono realizzati con colori a tempera,cera (diapositiva) -un tipo di tecnica pittorica in cui la cera funge da legante per la pittura, le opere conservano per molti secoli la freschezza originaria del colore locale, la densità e la consistenza dello strato pittorico, smalto (diapositiva) - la base dello smalto è una lega vetrosa - "fluten" - stagno e piombo bruciati mescolati con vetro frantumato, additivi di potassio, sodio e zolfo. Il colore dello smalto è dato da vari ossidi metallici, adesivo (diapositiva) - un tipo di tecnica pittorica in cui la colla funge da legante per il pigmento. Con un alto contenuto di colla nella vernice, la superficie acquista lucentezza, la vernice diventa più intensa, affresco (diapositiva)- tecnica di pittura con acqua pulita o di calce su intonaco fresco e umido.In alcuni casi è difficile separare la pittura dalla grafica. Le opere realizzate ad acquerello, tempera e pastello possono riguardare sia la pittura che la grafica. Arti grafiche(diapositiva) – un tipo di arte figurativa che utilizza linee, tratti, macchie e punti come principali mezzi di rappresentazione. Quando si disegna la grafica, di solito viene utilizzato non più di un colore (ad eccezione del nero principale) in rari casi: due.

B) Arte sovietica, rapporto di A.A. Plastov. (8 min.)

L’arte sovietica può essere orgogliosa di artisti eccezionali che hanno determinato il volto della cultura artistica sovietica. Ad esempio:

Shishkin Ivan Ivanovich, Surikov Vasily Ivanovich, Vasnetsov Viktor Mikhailovich, Roerich Nikolai Konstantinovich(diapositive di ritratti e riproduzioni di artisti).

Conoscere il lavoro di A.A. Plastova. (diapositive dei dipinti dell’artista sulla lavagna interattiva).

È un magnifico maestro di dipinti e schizzi complessi, un eccellente illustratore e un artista estremamente versatile nelle sue aspirazioni creative. Allo stesso tempo, la sua arte si distingue per una straordinaria integrità. Ciò è spiegato dal fatto che fin dai primi passi la sua arte è profondamente e direttamente connessa con la lotta, i pensieri e i sentimenti della sua gente nativa e, prima di tutto, con le persone che conosce molto bene: i contadini.

Rapporto biografico.

Arkady Alexandrovich Plastov

(1893-1972)

Nato e cresciuto nel villaggio di Prislonikha, nella regione di Ulyanovsk. Qui, essendosi già diplomato alla Scuola di Pittura di Mosca, divenne contadino nei primi anni dopo la rivoluzione. Qui negli anni '30 si dedicò interamente alla sua arte preferita. Nel 1931, quando A.A. Plastov aveva circa quarant'anni; la sua casa e il suo laboratorio a Prislonikha furono bruciati. Tutte le sue opere furono bruciate. Ma l'artista non si è perso d'animo e ha trovato la forza per creare nuove opere. Questo fu il periodo di massimo splendore della sua creatività.

Plastov era un pittore del villaggio, del suo nativo, del suo residente. Non gli piaceva lasciare la sua nativa Prislonikha. Non ha cercato di trasferirsi a Mosca, dove una volta aveva ricevuto un'educazione artistica presso la Stroganov School of Art and Industry. Sono rimasto fedele a me stesso e al percorso che avevo scelto una volta.

La vita del suo villaggio natale è un tema costante nei dipinti di Plastov, anche se a volte in essi non troveremo segni specifici di questo particolare villaggio e dei suoi abitanti. Come ogni grande artista, Plastov è un maestro della selezione artistica e della generalizzazione, capace di vedere nel concreto il generale, inerente al tempo. La partecipazione diretta ad esso ha permesso a questo meraviglioso pittore di evitare dichiaratività e schiettezza nelle sue numerose opere. Le sue opere sono intrise di un senso vivo e riverente della realtà. Lo spettatore non dubita mai della reale esistenza degli eroi di Plastov. È profondamente preoccupato per i sentimenti espressi dall'artista: un senso di orgoglio per la forza delle persone comuni, ammirazione per il loro lavoro disinteressato nei campi nativi.

L'arte di Plastov è brillante, audace, affermativa nella vita. Ciò è spiegato dalla propensione dell’artista a rappresentare quegli aspetti della vita che rivelano l’ottimismo dell’uomo russo. In una scena di lavoro nel villaggio o in una vacanza rumorosa, in un episodio della vita dei bambini del villaggio o nel ritratto di un giovane contadino collettivo, ovunque si può avere fiducia nella forza spirituale del popolo russo, nostro contemporaneo, pieno di autostima. stima e forza interiore.

V) Descrizione delle riproduzioni di A.A. Plastov (10 min.)

Sul tabellone interattivo sono riprodotte rispettivamente “Il fascista volò”, “La cena dei trattoristi” e “La prima neve”.

...1942, un periodo terribile di guerra, quando l'ombra della sconfitta non era ancora scomparsa oltre l'orizzonte della storia. Quindi Plastov ha creato un dipinto che lo ha reso famoso. “Il fascista volò oltre” è una terribile rivelazione dell’orrore e della morte della guerra. La cieca crudeltà della guerra incorniciata da una natura inappropriatamente bella. Il sangue degli innocenti, che batte negli occhi, taglia il cuore. Il grido dell’anima dell’artista, in cui fin dalla prima infanzia si coltivarono gli ideali dell’amore cristiano e della misericordia. Perché Plastov, paradossalmente, vivendo in un paese di ateismo militante ed essendo un artista riconosciuto, le cui opere venivano regolarmente esposte in mostre in tutta l'Unione, rimase un uomo profondamente religioso.

“Il fascista volò oltre” (1942)

Tardo autunno. Cielo basso e cupo. Foglie gialle su giovani betulle sottili, erba rossastra. Una mandria pascola ai margini della foresta e un pastorello contadino corre qua e là...

Ma poi passò un aereo fascista e il pilota, spingendo l'auto a terra, colpì brutalmente e insensatamente con una mitragliatrice... Il ragazzo cadde a terra e seppellì la testa nell'erba. Il cane ululò a lungo. La mandria fuggì. E sopra il campo di raccolti invernali che si risvegliava alla vita, scomparendo gradualmente in lontananza, un aereo volò via...

È difficile dire che l'artista Plastov sia stato testimone oculare di una scena del genere. Forse non aveva mai visto un episodio del genere. Ma non è questo il punto.

Forte dolore e rabbia riempirono il cuore dell’artista. Il popolo sovietico è morto per mano di mostri fascisti. La guerra portò sangue, morte e lacrime. Irruppe negli angoli remoti della Russia e arrivò in campi pacifici. I villaggi bruciarono negli incendi e le città furono distrutte. L'anno era il 1941. Il nemico si stava avvicinando a Mosca.

L'artista ha sentito il bisogno di parlare delle atrocità dei nazisti, della loro insensata crudeltà, dell'omicidio di bambini e anziani innocenti. Così è nata l'idea del dipinto. Plastov non aveva mai raggiunto una tale profondità di sentimenti, una tale eccitazione emotiva.

Sullo sfondo della pacifica natura nativa, il crimine commesso dai nazisti sembra particolarmente mostruoso e crudele. Non è un caso che Plastov abbia scelto il motivo autunnale, che con la sua triste bellezza mette figurativamente in risalto la tragica morte della pastorella. L'artista ha dipinto il pendio della collina in modo che assomigliasse ad un tappeto prezioso, scintillante di toni caldi. L'oro delle giovani betulle, qua e là le macchie rosse lampeggianti del fogliame autunnale, il velluto verde dell'inverno: tutto questo è percepito come un bellissimo accompagnamento musicale a una canzone triste, tenera, lirica, piena di profonda tragedia interiore.

Insegnante: Non c'era nulla di accidentale o superfluo in questa immagine. Ogni dettaglio è estremamente semplice e allo stesso tempo estremamente espressivo. Dai un'occhiata più da vicino all'immagine, al suo paesaggio nazionale premuroso, leggermente triste, ma così vicino al cuore. In queste giovani e sottili betulle, sembra, che ondeggiano al vento, in questo cielo grigio e campi lontani - e sentirai una fastidiosa sensazione di dolore e indignazione, risentimento e rabbia per la vita del ragazzo interrotta così presto, per il profanato terra.

Lo studente fornisce una descrizione della riproduzione.

"Cena dei trattoristi" (1951)

Sulla terra scende il crepuscolo, il campo arato si è oscurato e la luce del sole al tramonto ha dipinto tutto con ardenti toni rosso-dorati. Vicino al trattore si sedettero a cena un conducente del trattore e un ragazzo, il suo assistente, una ragazza con una bella veste bianca portò loro pane e latte nel campo. Ora i conducenti dei trattori si godono un beato momento di breve riposo (dopotutto devono lavorare di notte): il maggiore taglia il pane, il ragazzo osserva il denso flusso di latte fresco che la ragazza versa.

L'artista dedica il suo lavoro alla rappresentazione del lavoro di una normale persona sovietica, sebbene il processo lavorativo in sé non venga mostrato. Lo spettatore vede persone che hanno lavorato molto e con successo durante una lunga giornata. Gli è chiaro che questo lavoro non è facile, che ha richiesto molto impegno sia da parte del conducente del trattore che del ragazzo.

Plastov ha disposto le figure in un gruppo compatto e questo gli ha conferito maggiore integrità. Un gruppo di persone sedeva sul terreno ricoperto di erba folta e fiori selvatici. E dietro di loro si estende la vasta distesa di un campo appena arato. Questo spazio che si estende fino al lontano orizzonte, sopra il quale si estende il cielo, coperto di nuvole serali biancastre, produce un'impressione maestosa. Dà origine a una sensazione di pace solenne, conferendo all'immagine un suono epico. Il silenzio dei campi corrisponde allo stato di fantasticheria in cui è immerso il trattorista, e al silenzio della ragazza e del ragazzo. La natura, come le persone, gode della pace dopo una giornata di sole.

Insegnante: "Cena dei trattoristi"- uno dei dipinti più poetici di Plastov. Ma non è facile rispondere alla domanda su quale sia il segreto di questa poesia. Magari nella magica illuminazione serale, che dona morbidezza ai contorni di figure, paesaggi e oggetti. Forse in una sorprendente fusione tra uomo e natura. E molto probabilmente, nella massima semplicità del motivo della trama, l'aspetto delle persone e del paesaggio, la semplicità, che è un'alta manifestazione della verità della vita. In questa tela, Plastov evita tutto ciò che potrebbe complicare la narrazione, interrompere il ritmo misurato, piacevole e pieno di sentimento della storia. La composizione dell'immagine stessa è semplice, il cui piano è diviso in due parti quasi uguali: grandi figure di persone in basso, un campo arato e un cielo alto in alto. Ritmi lineari semplici. L'aspetto delle persone raffigurate è semplice e senza pretese. Semplici nella loro inesauribile potenza, i pesanti strati di terra e la rigogliosa crescita dell'erba dipinta dal sole al tramonto.

Nel 1931, quando A.A. Plastov aveva circa quarant'anni; la sua casa e il suo laboratorio a Prislonikha furono bruciati. Tutte le sue opere furono bruciate. Ma l'artista non si è perso d'animo e ha trovato la forza per creare nuove opere. Questo fu il periodo di massimo splendore della sua creatività. Durante questo periodo fu dipinto il dipinto “La prima neve”.

Lo studente fornisce una descrizione della riproduzione.

"Prima neve" (1931)

In questo dipinto l'artista è riuscito a trasmettere la sensazione di gioia della prima neve. Nonostante lo sfondo dell'immagine sia scuro, cupo, e il cielo grigio basso, le case umide, le betulle con le ultime foglie evocano malinconia, la prima neve trasforma immediatamente tutto.

La trama dell'immagine è semplice. Il bambino si preparò per andare a fare una passeggiata, uscì e vide la prima neve cadere a fiocchi sulla terra. Il ragazzo tornò di corsa in casa e chiamò sua sorella per guardare la nevicata. La ragazza corse fuori sul portico di casa con un vestito di cotone leggero, si sentì gli stivali sui piedi nudi e si gettò la sciarpa di sua madre sulle spalle. Lei, con gli occhi spalancati, osserva cosa sta succedendo, come suo fratello. Ci sono sorrisi sui volti dei ragazzi. Fratello e sorella gioiscono alla prima neve con la gioia che è caratteristica solo dei bambini. E la neve continua a cadere e cadere dal cielo, coprendo i tetti delle case, il portico di una casa di paese e la strada. Un corvo curioso, camminando in modo importante, calpesta ancora la prima neve con una certa apprensione. Lei è sorpresa quanto i ragazzi: forse è la prima volta che vede la neve.

Insegnante: Questa foto mi rende felice perché la neve è così bella! Ricordo subito la mia infanzia, quando noi, essendo gli stessi bambini, ci rallegravamo per l'arrivo dell'inverno, e con esso la prima neve, prendevamo i fiocchi di neve in bocca e facevamo pupazzi di neve. Sì, questo tempo è passato, ma rimarrà per sempre nella nostra memoria e il dipinto “Prima neve” ci ricorderà questo periodo meraviglioso. È sempre bello godersi la purezza della prima neve dopo un autunno nuvoloso e buio.

3.Fissare il materiale.

UN) C'è una riproduzione sulla lavagna interattiva" Estate ". Gli studenti descrivono verbalmente l'immagine, basandosi su un promemoria: un suggerimento. (8 minuti)

Promemoria - suggerimento:

1.Guarda attentamente l'immagine.

2. Cerca di cogliere e comprendere lo stato d'animo trasmesso dall'artista.

3.Che periodo dell'anno è mostrato nell'immagine?

4. Personaggi dell'immagine: primo piano, sfondo.

5.Quali oggetti sono mostrati nell'immagine?

“D’estate” (1953-1954)

Gli eroi preferiti dell’artista sono i bambini.Sulla tela il maestro ha raffigurato una afosa giornata estiva.I raccoglitori di funghi e il loro cane si trovavano sotto una betulla. In primo piano nella foto c'è una ragazza con un abito bianco e una sciarpa rossa. Si siede sull'erba, con le gambe nude distese, raccoglie bacche mature da un ramo e le mette in un boccale. Il viso della ragazza è abbronzato, un rossore gioca sulle sue guance scure. Gli occhi della ragazza sono bassi. I capelli scuri escono da sotto la sciarpa e le ricadono sul petto. Accanto alla ragazza, con la testa sulle zampe, giace un cane. È molto stanca e ha caldo.

Sullo sfondo c'è una nonna stanca con un vestito blu e una sciarpa blu. La donna sta sonnecchiando. Si mise una mano sotto la testa e con l'altra si coprì il viso dal sole. La mano della donna è disegnata in modo molto chiaro. La sua mano è abbronzata e forte, è chiaro che questa contadina è una gran lavoratrice.

Sull'erba c'è un cestino e un secchio pieno di funghi. Nelle vicinanze c'è una brocca di frutti di bosco maturi, vuoi metterli in bocca e sentire il sapore aspro dei frutti di bosco. Possiamo concludere che la donna e la ragazza sono andate nella foresta a raccogliere funghi e bacche.

I raccoglitori di funghi si trovano sotto una betulla in una bellissima radura. Alcuni fiori gialli possono essere visti tra l'erba color smeraldo. I raggi luminosi del sole cadono sulle foglie e appaiono dorate.

I colori vivaci ti sollevano il morale, guardando l'immagine, ricordi la calda estate, inali l'odore di bacche e fiori. Sembra che ci troviamo in questa bellissima radura, dove si trovano gli stanchi raccoglitori di funghi.

III.Parte finale:

1. Riassumendo la lezione.

2. L'insegnante dà i voti.

3.Compiti a casa:Prepara una descrizione di un dipinto del tuo artista preferito.

18/04/2013 anno accademico

Lezione di pittura aperta

in 1a elementare

insegnante Ershova I.M.

Argomento della lezione : “Costruzione passo passo di una natura morta”

“Natura morta con oggetto semplice e verdure dai colori freddi”

Obiettivi: consolidare la conoscenza del genere delle belle arti “natura morta”;

Sviluppare l'immaginazione figurativa, il pensiero compositivo.

Compiti:

Educativo: disporre correttamente l'immagine sul foglio; posizionare gli oggetti

su un piano, costruiteli tenendo conto delle proporzioni e dei tagli prospettici.

Educativo: sviluppo dell'attenzione, della memoria visiva, dell'occhio, del sentimento

proporzioni, percezione del colore, gusto artistico.

Educatori: coltivare l’amore per il mondo che ci circonda,

determinazione, perseveranza, precisione, capacità di vedere

senti la bellezza.

Tipo di lezione: combinato

Metodi di insegnamento:esplicativo e illustrativo, riproduttivo

Attrezzature e materiali:

per l'insegnante: articoli per la casa (brocche, tazze, ciotole, ecc.), gesso, lavagna

Freddo;

per studenti: Carta A3, matite di grafite di diverse durezze, gomma,

Pennelli, acquerelli, tavolozza, contenitore per l'acqua;

Campo visivo:

lavoro degli studenti dal fondo naturale;

riproduzioni di artisti:

K. Korovin “Natura morta. Fiori e frutti."

V. Van Gogh “Girasoli”

I. Mashkov “Frutta su un piattino”

K. Petrov-Vodkin “Natura morta con mele”

P. Konchalovsky “Vassoio e verdure”

Z. Serebryakova “Cesto con zucchine”

Avanzamento della lezione:

1 lezione

I Parte organizzativa.

Verifica della preparazione per la lezione 3 minuti

II Parte principale.

Oggetto del messaggio. 2 minuti.

Discorso introduttivo 5 minuti.

L'insegnante si offre di indovinare l'enigma, i bambini rispondono all'unisono.

Se vedi nella foto

Vaso miracoloso sul tavolo,

Contiene un bouquet bellissimo

Crisantemi bianchi come la neve

Costa molti piatti

Sia in vetro che semplice

Forse una tazza o un piattino

Con bordo dorato.

Eppure, e succede,

La partita è pareggiata lì.

In conclusione mettiamo

Pesche e prugne mature

E anche nella foto forse

Disegnato per essere una torta

Ed è per questo che l'immagine si chiama - natura morta.

La parola “natura morta” significa “natura morta”, “natura inanimata”. Ci è venuto dalla lingua francese.

Tradotto dall'olandese, dal tedesco e dall'inglese, il nome di questo genere significa "vita tranquilla", "natura morta".

La natura morta emerse come genere indipendente nel XVII secolo. in Olanda.

Gli artisti che lavoravano in questo genere venivano chiamati “piccoli olandesi”. La loro caratteristica distintiva è la sorprendente matericità degli oggetti nelle nature morte e l'attenta resa dei dettagli.

Una natura morta di solito non richiede le stesse dimensioni della tela di un dipinto storico o di un paesaggio epico. Questo è un genere più “modesto”. Ma allo stesso tempo, non si dovrebbe percepire la natura morta nelle belle arti come l'immagine di un insieme casuale di oggetti. Molto spesso, l'artista “mette in posa” la natura, cioè, in base all'idea concepita, seleziona consapevolmente gli oggetti adatti. Inoltre, il progetto dell’artista presuppone determinate combinazioni di forme e colori degli oggetti, illuminazione e posizione nello spazio. La composizione di una natura morta nasce inizialmente nella testa dell’autore, anche se molte cose possono spingere l’artista a un’idea figurativa e plastica: osservazioni di vita, ricordi, un libro letto, poesia, musica.

A volte è più difficile mettere in scena una natura morta che dipingerla. L'artista introduce il proprio ordine nella disposizione degli oggetti. Uno in cui nulla può essere rimosso, aggiunto o riorganizzato senza violare l'unità della composizione.

L'insegnante ti ricorda le regole di costruzione, le soluzioni compositive e l'implementazione passo passo delle tecniche pittoriche per disegnare una semplice natura morta di 2-3 frutti e verdure, completata nella lezione precedente. Successivamente si offre di conoscere una natura morta di composizione più complessa. In un dialogo con i bambini, l'insegnante discute le caratteristiche artistiche delle riproduzioni di nature morte di artisti famosi affisse alla lavagna.

Domande problematiche (test di conoscenza): 10 minuti.

• Che tipi di natura morta conosci?
• Trova le caratteristiche distintive delle nature morte presentate e commenta.
• Quali colori (caldi o freddi) predominano nelle nature morte e perché?
• Cosa accomuna gli oggetti di una natura morta?
• In che modo gli artisti trasmettono il volume di frutta e verdura sulla superficie piana dei dipinti? Perché i tratti più chiari su tutti i frutti e gli oggetti si trovano su un lato e quelli più scuri sull'altro? (risposte dei bambini)
• Che ruolo gioca la luce del sole in una natura morta?La luce del sole, illuminando gli oggetti, li rende chiari da un lato (luce) e scuri dall'altro (ombra). Luce e ombra aiutano a trasmettere l'immagine tridimensionale degli oggetti, la loro realtà.
• Quali riproduzioni di nature morte ti sono piaciute di più e perché?

L'insegnante spiega diversi schemi compositivi per la costruzione di nature morte. Per consolidare le conoscenze, l'insegnante chiede ai bambini di leggere i diagrammi presentati e rispondere alle seguenti domande:

1 Cosa indicano le linee verticali e orizzontali nell'immagine degli oggetti (linee assiali)?

2 Determinare quali oggetti nelle nature morte si trovano più vicini e quali sono più lontani? Spiega perchè?

3 Cos'è la composizione? (Questa è la combinazione di parti di un disegno educativo, un'opera d'arte per l'espressione più vivida del loro contenuto. Questa è la corretta disposizione degli oggetti su un foglio di carta).

Gli oggetti dovrebbero essere armoniosamente combinati tra loro, toccandosi, formando un unico insieme, ma non bloccandosi a vicenda(contrasto ragionevole tra grande e piccolo, bianco e scuro, largo e stretto, lucido e opaco, oggetti di forma sferica e piatta aumentano l'espressività, eliminano la monotonia, ravvivano l'atmosfera);

Questo modello di costruzione di una natura morta è chiamato composizione.

Qualsiasi composizione deve avere un centro compositivo. In genere, questo centro compositivo è l'oggetto più grande raffigurato nell'immagine. È meglio posizionarlo sullo sfondo e assicurarsi di evidenziarlo con il colore(nell'intero gruppo deve esserci un oggetto principale, che nel suo significato semantico, cima, forma, colore sarebbe quello principale, centrale.)

Riscaldamento del gioco. 10 minuti.

Gli studenti sono divisi in 2-3 gruppi di 3-4 persone. Viene chiesto loro di comporre una composizione della natura morta proposta da forme geometriche e incollarla su un foglio di carta. L'insegnante allega le composizioni finite alla lavagna per l'analisi del lavoro e le raccomandazioni per eliminare gli errori.

III Lavoro indipendente. 13-15 minuti.

Usando brevi segmenti di tratti, gli studenti usano una matita su un pezzo di carta per delineare la posizione generale della natura morta, tenendo conto delle raccomandazioni precedenti, dei contorni di tutti gli oggetti, osservando le proporzioni e la disposizione degli oggetti nella natura morta, segnare i confini delle luci, delle ombre, di tutti gli oggetti e dell'ambiente.

IV Riepilogo della lezione: 2 min.

Risposte alle domande:

In che genere di pittura abbiamo lavorato oggi?

Avanzamento della lezione:

Lezione 2

I Parte organizzativa.

Verifica della preparazione per la lezione 2 minuti.

II Parte principale.

Discorso introduttivo 5 minuti.

L'insegnante suggerisce di visualizzare diverse opere educative in diverse tecniche di esecuzione. Presta particolare attenzione ai lavori realizzati con la tecnica dell'acquerello.

Quali tecniche sono state utilizzate per realizzare il lavoro?

In cosa differisce la tecnica della tempera dall'acquerello?

III Lavoro indipendente. 25 minuti

Gli studenti chiariscono i dettagli in un disegno a matita. Passando a lavorare con gli acquerelli. Bagnare un foglio di carta con acqua in modo che la vernice non rotoli via durante i lavori successivi. Durante il lavoro, l'insegnante aiuta gli studenti che hanno difficoltà nel lavoro.

IV Riepilogo della lezione: 13 min

Visualizza i disegni e analizza i loro meriti.

Seleziona i disegni che esprimono la maggiore somiglianza con la natura;

Valutazione dei disegni;

Pulizia dei luoghi di lavoro.

3° anno di studio

Bersaglio: familiarizzare gli studenti con la natura morta come genere di belle arti.

Compiti: educativo: insegnare le basi della composizione e le regole per costruire una natura morta. sviluppando: promuovere la percezione estetica della realtà reale e il riflesso artistico e figurativo di questa realtà nel disegno; sviluppare il senso delle proporzioni, della proporzionalità e del colore. educativo: coltivare un senso di visione artistica armoniosa, integrale della bellezza degli oggetti ordinari (verdura, frutta, fiori, vetro, metallo), rispetto per il materiale artistico e accuratezza nel lavoro.

Modulo: lavoro pratico.

Forme e metodi utilizzati nella lezione:

1. Verbale (storia, spiegazione)
2. Visivo (illustrazioni dell'artista)
3. Pratico (completare un compito pratico)

Attrezzatura per le lezioni:

Materiale didattico:

1. Riproduzioni di dipinti di F. Snyders, J. Chardin, E. Manet, Gauguin, Cézanne, Matisse.
2. Illustrazioni di natura morta:
   • grisal;
   • acquerello a colori;
   • campioni all'aria aperta.
3. Produzione su vasta scala.
4. Esposizione di opere didattiche degli studenti.

Materiale e attrezzatura tecnica: cavalletti, carta (carta whatman), colori (acquerello, tempera, olio), tavolozza, pennelli, acqua, matita, gomma, temperino.

Avanzamento della lezione

1. Momento organizzativo (5 minuti)
Saluto, preparazione del posto di lavoro, compostezza, concentrazione prima di iniziare il lavoro. Individuare e selezionare un punto di osservazione espressivo.

2. Storia “Dalla storia della natura morta” (5 minuti)
Se passiamo alla storia, vedremo che nei tempi antichi gli artisti egiziani e greci amavano raffigurare i frutti della terra, oggetti di sacrificio e utensili domestici. Queste tradizioni furono continuate dai Romani, che dipinsero affreschi sulle pareti delle ville e delle tombe a scopo decorativo.

Nell'Olanda del XVII secolo divennero famosi i grandi maestri della natura morta: gli artisti Jan Davids de Heem e Willem Kalf; nelle Fiandre, grandi tele raffiguranti selvaggina furono create da Frans Snyders (dimostrazione di riproduzioni di dipinti), in Francia del 18esimo secolo. J.B. Chardin, nel XIX secolo, E. Manet, Gauguin, Cézanne, Matisse e altri artisti si dedicarono alla natura morta.

In Russia nel 19 ° secolo. le nature morte furono dipinte da I.T. Khrutsky (1810-1885) ("Natura morta con una candela"). All'inizio del XX secolo in Russia, K. Korovin, I. Repin, M. Vrubel, Mashkov, Kuprin, Konchalovsky, Petrov-Vodkin lavoravano nel genere della natura morta.

3. Parte principale (10 minuti)

La natura morta è un genere indipendente di belle arti, nonché un mezzo ausiliario della “pittura di genere”.

La natura morta deriva dal francese "nature morte - natura morta" e significa l'immagine di oggetti domestici (frutta, verdura, animali, uccelli, ecc.)

Le nature morte differiscono per contenuto, tecnica di esecuzione, selezione delle cose, trama, composizione e colore.

Nel genere della natura morta, gli artisti affermano la poesia e la bellezza del mondo, delle cose di tutti i giorni e incoraggiano le persone ad ammirare la bellezza di frutta, verdura, fiori, metallo e vetro sotto forma degli oggetti più comuni.

Le nature morte sono divise in educative e creative.

La natura morta educativa offre l'opportunità di studiare i principi di base del disegno e della pittura realistici e sviluppa anche la percezione estetica, la visione, le capacità motorie della mano, l'integrità della visione e, soprattutto, il pensiero artistico e creativo.

La natura morta, come compito educativo per gli studenti, è necessaria per padroneggiare i principi della rappresentazione costruttiva lineare della forma e introduce la teoria della prospettiva, che sviluppa il pensiero spaziale-figurativo.

Il processo educativo di lavorare su una natura morta è suddiviso in fasi (la divisione in fasi è condizionata).

Prima fase di lavoro:

• analisi preliminare dell'allestimento della natura morta (integrità dell'allestimento);
• scegliere un posto di lavoro (punto di vista);
• fare schizzi (2-3 minuti ciascuno).

Seconda fase di lavoro:- posizionamento compositivo dell'immagine sul piano del foglio. È necessario disporre l'intero gruppo di oggetti in modo che il piano del foglio sia riempito uniformemente, gli oggetti raffigurati non poggino sui bordi del foglio e, viceversa, non rimanga molto spazio vuoto. Spesso il centro visivo non coincide con il centro compositivo. Molta attenzione dovrebbe essere prestata all'illuminazione (artificiale, ambientale, laterale o naturale).

La terza e la quarta fase del lavoro- trasmettere la natura della forma e delle proporzioni degli oggetti. Quando si individuano le basi costruttive della forma degli oggetti, è necessario verificare la prospettiva delle forme grandi e soprattutto le basi degli oggetti.

Sesta fase di lavoro disegno dettagliato della forma degli oggetti.

Quando si disegna una forma dettagliata, è necessario osservare attentamente tutte le sfumature e le transizioni di luci e ombre, tutti i dettagli della forma. Quando si inizia a identificare il volume degli oggetti utilizzando il tono o il colore, è necessario determinare il punto più chiaro e quello più scuro nella natura morta. Dopo aver stabilito questi due poli, presta attenzione alla penombra.

La settima fase finale del lavoro- generalizzazione e sintesi. Riassumendo il lavoro sulla natura morta. In questa fase, è necessario controllare attentamente l'impressione generale dell'immagine della natura da lontano con gli occhi socchiusi e confrontare la forza dei riflessi con la natura, che dovrebbe fondersi con le ombre, cioè dovrebbe esserci unità tonale e cromatica di l'immagine.

3. Visione di un film educativo (10 minuti) Master class di S. Andriyaki sulla natura morta “Gigli gialli”.
(come una delle opzioni per lavorare su una natura morta).

4. Parte pratica (45 minuti)
Con il permesso dell'insegnante, gli studenti iniziano a lavorare su una natura morta dal vero. Fornire assistenza pedagogica individuale. Per ogni studente, la pausa dal lavoro può essere individuale. Ciò non distrae gli altri bambini dal completamento del proprio compito e non interrompe il processo creativo.

5. Riassumendo la lezione (15 minuti)
Esposizione dei lavori degli studenti. Mobilitare i bambini per l’autostima. Suggerimenti e raccomandazioni dall'insegnante agli studenti. L'uso di informazioni relative all'attività creativa pratica dell'insegnante.

Nature morte realizzate dagli studenti dello studio d'arte "Zhivopi"

copia dall'opera di S. Andriyaka

GOU SPO Collegio Russo di Cultura Tradizionale di San Pietroburgo

Programma delle lezioni per la disciplina “Pittura”

Soggetto: “Natura morta di oggetti semplici nella forma, diversi nella materialità. »

Argomento della lezione: "Disegnare una natura morta per la pittura"

Gruppo 319 N

Insegnante:

Saprykin V.G.

Argomento della lezione: “Disegnare una natura morta per dipingere”

Obiettivi della lezione:

Educativo:

Insegnare i principi base della costruzione lineare degli oggetti;

Applicare le conoscenze acquisite quando si realizzano disegni per la pittura dal vero.

Sviluppo:

Sviluppare capacità analitiche, pensiero logico e costruttivo;

Promuovere lo sviluppo delle capacità creative e della percezione estetica del mondo.

Sviluppo delle capacità motorie fini.

Educativo:

Imparare ad autovalutare il lavoro svolto;

Essere in grado di trovare risposte alle domande poste;

Instillare il gusto per la grafica.

Obiettivi della lezione:

Applicare la conoscenza della prospettiva durante il disegno;

Determina le proporzioni e rivela la plasticità degli oggetti in una natura morta.

Sussidi didattici:

Materiale sulle tecniche di disegno.

Supporto materiale per la lezione:

Cavalletti, sedie, tavolette, carta, matite di varia morbidezza, gomma.

Tipo di lezione: lezione pratica

Struttura della lezione:

1. Momento organizzativo - 5 minuti.

2. Parte introduttiva (definizione di scopi e obiettivi, un breve sondaggio sul lavoro svolto) - 10 minuti.

3. Lavoro individuale con gli studenti - 10 minuti.

4. Lavoro (pratico) indipendente degli studenti - 15 minuti.

5. La parte finale (analisi del lavoro svolto, riassunto della lezione) - 5 minuti.

Durante le lezioni:

GOU SPO Collegio Russo di Cultura Tradizionale

Instradamento

(Piano delle lezioni di formazione)

Disciplina accademica: “Pittura”

Argomento (sezione): "Natura morta da oggetti di forma semplice".

Numero di ore per argomento: 36 ore

Numero di serie della lezione secondo il piano: n. 25-28

Insegnante: Saprykin V.G.

Argomento della lezione: Dipinto di natura morta.

Lo scopo della lezione: Disegna un'immagine nel genere della natura morta.

Obiettivi della lezione:

Educativo:Sistematizzare la conoscenza dei tipi e dei generi delle belle arti (natura morta)

 Sviluppare abilità grafiche nel rappresentare oggetti tridimensionali di forma semplice e la capacità di identificare sfumature di colori “freddi” e “caldi” al fine di sviluppare gusto artistico e osservazione

Sviluppo: - Sviluppare rappresentazioni visive e impressioni della natura, senso delle proporzioni, proporzionalità (posizionando 2-4 oggetti su un foglio grande)

Educativo:

Promuovere un atteggiamento premuroso nei confronti della natura;

Coltiva la pulizia.

Risultati pianificati:

Soggetto: Crea una composizione di oggetti in base al tuo design in una natura morta.

UUD cognitivo: rompicapo

Normativa: Comporre raffigurare

Comunicativo: Capacità esprimere giudizi sulle caratteristiche artistiche delle opere d'arte raffiguranti la natura morta.

Risultati personaliCapacità di conoscenza artistica del mondo; abilitàfare domanda a conoscenze acquisite nelle proprie attività artistiche e creative.

Tipo di lezione: Scoperta di nuove conoscenze.

Metodi e tecniche: conversazione, storia, illustrazioni, lavoro pratico.

Attrezzatura didattica per l'insegnante: lavagna multimediale, proiettore, presentazione,B.M. Nemensky “Belle arti e lavoro artistico” gradi 1-4 Mosca “Illuminazione” 2008