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Genere quotidiano nell'arte del XIX secolo. Lezione d'arte 7a elementare. Sviluppato da un insegnante di belle arti presso il MBOU "Economic Gymnasium"
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Genere quotidiano. Il genere quotidiano nell'arte è la rappresentazione di scene ed eventi raccolti dalla vita di tutti i giorni, che riflettono le fasi della vita di una persona dalla nascita alla morte, il suo lavoro, il tempo libero, l'intrattenimento. Il termine deriva dalla parola francese: genere, razza, stile.
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Cosa racconta un'immagine di tutti i giorni? COSA RACCONTA L'IMMAGINE DI TUTTI I GIORNI? Se il genere storico è rivolto al passato, allora il genere quotidiano è rivolto al presente, alla quotidianità, contemporaneo all'artista. Il genere quotidiano è spesso chiamato semplicemente genere, e i dipinti di tutti i giorni sono chiamati dipinti di genere. Sembrerebbe, cosa potrebbe esserci di interessante nel rappresentare una vita ordinaria e insignificante? Ma, in primo luogo, ciò che è normale per un artista del 17 ° secolo può essere interessante per uno spettatore del 21 ° secolo: abbiamo l'opportunità di osservare la vita di epoche lontane. E in secondo luogo, ovviamente, ti è diventato chiaro da tempo che la trama e la storia non sono la cosa più importante nel film. Anche se è proprio nella pittura di genere che spesso si incontrano soggetti interessanti. Il genere domestico apparve in Olanda, dove nel XVII secolo le persone conducevano una vita tranquilla e misurata e non erano affatto interessate a decorare le loro modeste case con ritratti di re o dipinti mitologici. Erano contenti di vedere raffigurati nella foto la loro vita, le loro stanze, le loro attività e il loro tempo libero - quindi ammiravano se stessi e il loro modo di vivere, come noi oggi ammiriamo, ad esempio, una fotografia scattata magistralmente della nostra stanza, o un amato gatto su una sedia, o amici riuniti per chiacchierare davanti a una tazza di tè.
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Itineranti I Peredvizhniki erano vicini alle idee dei democratici rivoluzionari, alla tesi di Chernyshevskij: "bella è la vita", intendevano la loro arte come un dovere verso il popolo e la Patria. E quindi i generi principali sono storico, vita quotidiana, ritratto, paesaggio. Scene della storia russa (a volte lette in modo così toccante nel contesto del regime politico e della vita sociale nella seconda metà del XIX secolo dell'Impero russo), una descrizione realistica della vita quotidiana delle persone, un ritratto psicologico da cui la coscienza della nazione - rappresentanti dell'intellighenzia e dei contadini, cari al cuore - guarda lo spettatore natura nativa - i temi principali dell'arte russa avanzata. Gli Erranti ricevettero il sostegno ideologico dal teorico e critico V.V. Stasov e un significativo sostegno materiale da P.I. Tretyakov. Ognuna di queste aree della pittura del XIX secolo ebbe un'influenza significativa sulla cultura dell'Europa in futuro, alcune furono importanti solo per lo sviluppo dell'arte, altre divennero un certo fattore sociale nella formazione dell'opinione pubblica e persino della visione del mondo di la fine del XIX e l'inizio del XX secolo.
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Alexey Venetsianov. Nella pittura russa, il primo maestro del genere quotidiano fu Venetsianov. Ha raffigurato la vita contadina che conosceva bene. Spesso nei dipinti di Venetsianov l’uomo è circondato dalla natura. Nel film “Sul terreno arabile. Primavera”, una donna guida per le briglie due cavalli attaccati a un erpice, un enorme rastrello che dissoda il terreno. E sul bordo del campo siede un bambino, intento a giocare. Alexey Venetsianov. Sui seminativi. Primavera. 1820. Tela, olio. 51,2x65,5. Galleria statale Tretyakov C'è una sproporzione in questa composizione: la contadina è più alta dei cavalli, ma questi sono veri, grandi cavalli da lavoro e non pony. Quindi, si scopre che l'artista non sapeva come rappresentare fedelmente una figura umana o un cavallo? Affatto. Guarda come la nostra eroina cammina a piedi nudi sul terreno arato: senza intoppi, facilmente, come se ballasse. Ma le contadine che lavorano camminano a piedi nudi sui terreni coltivabili? E il bambino gioca con i fiori estivi, i fiordalisi, che in primavera non esistono. Questo è un mondo poetico dove la contadina è come una dea, cammina sulla terra come su una soffice nuvola. E il normale paesaggio russo con un campo e un cielo alto sembra trasformarsi e acquisire caratteristiche maestose.
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Dipinto Tea Party a Mytishchi, breve descrizione Il dipinto Tea Party a Mytishchi fu dipinto da Perov nel 1862, su commissione dell'artista dall'amministrazione della città di Mytishchi. Nel mese di maggio 1775, l'imperatrice Caterina II, che a quel tempo decise di visitare la Lavra di San Sergio, sulla via della processione della scorta reale nella regione di Mytishchi, le fu offerto di dissetarsi in uno dei molte sorgenti; Caterina trovò l'acqua molto gustosa, il che spinse l'imperatrice a emanare un decreto per condurre la fornitura d'acqua alle sorgenti di Mytishchi a Mosca. Bere il tè a Mytishchi era considerato una buona educazione a causa dell'acqua insolitamente gustosa delle sorgenti sul territorio di Mytishchi. La trama di Tea Party a Mytishchi era basata su eventi reali che Perov osservava spesso in vari sobborghi di Mosca, monaci importanti e soddisfatti di sé che bevevano il tè; più di una volta l'artista vide storpi cenciosi che mendicavano per le strade vicino alle proprietà, che di solito venivano portati via lontano dalle cameriere. Il dipinto Tea Party a Mytishchi di Perov è un dipinto di genere accusatorio in cui l'artista ha cercato di descrivere in dettaglio gli eventi reali di quel tempo, come se ridicolizzasse il pubblico ben nutrito e ridacchiante della Russia servile. Cercando di allontanarsi dalla pittura accademica, Perov ha riflesso il dipinto Tea Party in sfumature grigio-marroni, come se mostrasse questa ottusità della vita quotidiana con i suoi mezzi pittorici. Il tea party a Mytishchi fece una grande impressione sul pubblico progressista dell'epoca alle mostre a Mosca e San Pietroburgo; i contemporanei chiamavano Perov un artista di genere satirico che comprendeva profondamente il russo
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Dipingere “Troika” Perov Dipingere Troika. riflette vividamente quei tempi terribili in cui il lavoro minorile era considerato un evento quotidiano. Il freddo e la fame costrinsero questi bambini a lavorare per pochi centesimi per nutrire se stessi e le loro famiglie. Stanchi dell'enorme fardello, i bambini tirano fuori dal fiume una grande botte piena d'acqua, il loro sentiero corre lungo il noioso muro del monastero. Qualche passante, vedendo i bambini svolgere un lavoro così massacrante, ha deciso di aiutarli spingendo da dietro un pesante carico. Perov ha dipinto il dipinto Troika in toni crepuscolari marrone-grigio, come se mostrasse allo spettatore tutto il grigiore e la bassezza di quel tempo senz'anima, confrontando i bambini con un trio di cavalli imbrigliati, il cui lavoro è usato senza pietà da persone ricche e ben nutrite. Il dipinto di Perov Troika è stato concepito dall'artista per aprire gli occhi delle persone sulla realtà, il che aiuta ad avere compassione e sradicare l'insensibilità umana.
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Trasportatori di chiatte sul Volga Ilya Repin. Barge Haulers on the Volga descrizione del dipinto di Repin 1870-1873 Il famoso dipinto di Ilya Efimovich Repin Barge Haulers on the Volga, l'artista lo dipinse tra il 1870 e il 1873. Ilya Efimovich è stato ispirato a dipingere il dipinto Barge Haulers on the Volga dal suo viaggio agli schizzi lungo la Neva, nelle vicinanze di Ust-Izhora nel 1869. Avendo goduto della bellezza della natura, l'artista è rimasto molto toccato dalla vita della gente comune, i trasportatori di chiatte che tiravano una pesante chiatta. I trasportatori di chiatte stanchi e sporchi, vestiti a brandelli, contrastavano notevolmente con il pubblico ricco e magnificamente vestito che di solito sostava non lontano sulla riva. Tutta questa scena colpì davvero il pittore, suscitando nel suo animo simpatia e pietà per queste persone. Perché non tradurre questa trama su tela, Barge Haulers Going Ford, pensò Ilya Efimovich, rendendosi conto in anticipo che questo dipinto avrebbe avuto molti critici, soprattutto perché l'idea del dipinto potrebbe evocare nello spettatore simpatia e pietà per queste persone svantaggiate
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La servitù della gleba è già una cosa del passato, ma per il russo comune non cambia nulla. Il dipinto Date di Makovsky è dipinto nel 1883 ed è un esempio lampante della pittura russa. Come la maggior parte delle altre opere dell’artista, è dedicata alla difficile vita dei contadini di quell’epoca. I contadini devono ancora lavorare per i proprietari terrieri per pochi soldi e mandano i loro figli a studiare nelle officine cittadine. Ma, una volta entrati nella famiglia di qualcun altro, la vita è estremamente difficile per i bambini. Separati dalle loro famiglie e ancora poveri, riescono a malapena a sopravvivere giorno dopo giorno, lavorano fino allo sfinimento e sono costantemente malnutriti. Sono questi aspetti della vita che Makovsky descrive. Su una piccola tela il creatore raffigura un'intera epoca. Vediamo due personaggi senza nome: un adolescente e sua madre, che è venuta a trovare suo figlio. Non sappiamo chi siano questi personaggi, ma capiamo che possono essere riconosciuti come la maggior parte delle famiglie dell'epoca. I personaggi sono radicati nella memoria, lasciando un segno nell’animo dello spettatore: ci preoccupiamo per la sorte di queste persone, ma capiamo che non possiamo aiutare. E questo mi rende così triste...
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Jan Vermeer di Delft CAMERIERA CON BROCCA DI LATTE ca. 1658 Amsterdam (Paesi Bassi), Rijksmuseum
I predecessori delle opere del genere quotidiano possono essere considerati dipinti rupestri realizzati da popoli primitivi, che raffigurano scene di caccia, danze rituali e processioni. Anche alcuni dipinti di tombe egizie ed etrusche avevano carattere di genere: coltivazione della terra, raccolta di frutta e verdura, caccia, pesca e feste. Si credeva che queste immagini fornissero al defunto una vita ricca e ben nutrita nell'aldilà. Anche i vasi dell'antica Grecia erano decorati con scene di tutti i giorni.
Durante il Rinascimento, molte opere storiche acquisirono un carattere di genere pronunciato: eventi leggendari furono spesso “trasferiti” ai tempi moderni e furono saturi di molti dettagli quotidiani. E in Rus', il genere apparve per la prima volta nelle miniature dei libri e fu chiamato "lettere di tutti i giorni".
I PRIMI ARTISTI DI GENERE IN EUROPA
Jan Vermeer di Delft RAGAZZA CON UNA LETTERA ALLA FINESTRA APERTA 1650 circa. Dresda, Galleria dei Grandi Maestri
Hieronymus Bosch, il grande pittore olandese vissuto a cavallo tra il XV e il XVI secolo, e l'artista italiano del XVI secolo sono considerati i fondatori del genere quotidiano nell'arte europea. Caravaggio (nome completo: Michelangelo Merisi da Caravaggio). Ma la pittura quotidiana emerse come genere indipendente solo nel XVII secolo. in Olanda, che aveva da poco conquistato l’indipendenza e fondato la prima repubblica borghese. Dopo molti anni di dominio spagnolo, gli artisti sentirono particolarmente acutamente il fascino di una vita tranquilla e pacifica e iniziarono a glorificare le attività più semplici: prendersi cura dei bambini, pulire la stanza, leggere lettere.
Uno dei maestri più famosi è Jan Vermeer. Il personaggio preferito del maestro è una donna immersa nelle faccende domestiche, come l’eroina del famoso dipinto “La cameriera con la brocca di latte”.
GENERE QUOTIDIANO IN RUSSIA
PAPÀ. Fedotov ABBINAMENTO DI UN MAGGIORE 1848 Mosca, Galleria Statale Tretyakov
In Russia, K. P. Bryullov (la sua “serie italiana”) e A. G. Venetsianov, che dedicò tutta la sua opera alla vita dei contadini russi, furono tra i primi a dedicarsi al genere quotidiano.
P. A. Fedotov ha introdotto una nota satirica nella pittura di genere. Il suo dipinto "Major's Matchmaking" è una storia divertente di un ufficiale in bancarotta che, volendo migliorare il suo benessere, sposerà la figlia di un commerciante.
Dedicato alla vita quotidiana privata e pubblica (solitamente contemporanea all'artista). Le scene quotidiane ("genere"), conosciute nell'arte fin dai tempi antichi, divennero un genere speciale nell'era feudale (nei paesi dell'Estremo Oriente) e durante la formazione della società borghese (in Europa). Il periodo di massimo splendore del genere quotidiano dei tempi moderni è associato alla crescita di tendenze artistiche democratiche e realistiche, con gli artisti che si dedicano alla rappresentazione del lavoro e della vita delle persone. Immagini su temi quotidiani erano già presenti nell'arte primitiva (scene di caccia, processioni), negli antichi dipinti e rilievi orientali (raffigurazioni della vita di re, nobili, artigiani, contadini), nelle pitture vascolari e nei rilievi dell'antica Grecia, dove erano spesso incluso in composizioni mitiche o scene dell'aldilà. Occupavano un posto significativo nell'arte ellenistica e romana antica (dipinti, mosaici, sculture). Nell'arte medievale dell'Europa e dell'Asia, le scene di genere erano spesso intrecciate in composizioni religiose e allegoriche (dipinti, rilievi e miniature). Dal IV secolo si sviluppò la pittura di genere dell'Estremo Oriente (Cina, poi Corea, Giappone).
Nel genere quotidiano del realismo critico russo, l'esposizione della servitù della gleba e la simpatia per gli svantaggiati erano completate da una penetrazione profonda e accurata nel mondo spirituale degli eroi, da una narrazione dettagliata e da uno sviluppo drammatico dettagliato della trama. Queste caratteristiche si manifestarono chiaramente a metà del XIX secolo. nei dipinti di P. A. Fedotov, pieni di bruciante beffa e dolore, nei disegni di A. A. Agin e T. G. Shevchenko, furono percepiti negli anni '60 dell'Ottocento. scrittori di genere democratico - V. G. Perov, P. M. Shmelkov, che combinavano un giornalismo diretto e acuto con una profonda esperienza lirica delle tragedie della vita dei contadini e dei poveri urbani. Su questa base crebbe il genere quotidiano degli Itineranti, che giocò un ruolo di primo piano nella loro arte, che rifletteva esclusivamente in modo completo e accurato la vita popolare della seconda metà dell'Ottocento, comprendendone intensamente i modelli sociali. Un quadro dettagliato della vita di tutti gli strati della società russa è stato fornito da G. G. Myasoedov, V. M. Maksimov, K. A. Savitsky, V. E. Makovsky e, con particolare profondità e portata, I. E. Repin, che hanno mostrato non solo la barbara oppressione del popolo, ma anche i combattenti per la loro liberazione, le potenti forze vitali nascoste nel popolo. Una tale ampiezza di compiti per un dipinto di genere lo avvicinava spesso a una composizione storica. Nei dipinti di N. A. Yaroshenko, N. A. Kasatkin, S. V. Ivanov, A. E. Arkhipov alla fine del XIX - inizio del XX secolo. rifletteva la stratificazione del villaggio e la vita della classe operaia. il genere quotidiano degli Itineranti ha trovato un'ampia risposta nell'arte di Ucraina (N.K. Pimonenko, K.K. Kostandi), Bielorussia (Yu.M. Pan), Lettonia (Ya.M. Rosenthal, Ya.T. Valter), Georgia (G I. Gabashvili, A. R. Mrevlishvili), Armenia (E. M. Tatevosyan), ecc. Successi del realismo democratico nel genere quotidiano del XIX secolo. sono stati associati alla formazione e all’ascesa della cultura artistica di molti popoli durante la loro lotta per la liberazione nazionale e sociale (M. Munkacsi in Ungheria, K. Purkin nella Repubblica Ceca, A. e M. Gierymski e J. Helmonski in Polonia, N. Grigorescu in Romania, I. Myrkvichka in Bulgaria, D. Skutetsky in Slovacchia, J. F. di Almeida Junior in Brasile, L. Romanyach a Cuba). Il genere e le caratteristiche quotidiane si manifestano anche nei ritratti paesaggistici, storici e di battaglia. Allo stesso tempo, il genere quotidiano è talvolta intriso di moralità religioso-patriarcale o borghese, caratteristiche di idilliaco o di intrattenimento. L'indebolimento delle tendenze socio-critiche segnò il lavoro di alcuni importanti artisti di genere (J. Bastien-Lepage, L. Lhermitte in Francia, L. Knaus, B. Vauthier in Germania, K. E. Makovsky in Russia). Artisti associati all'impressionismo (E. Manet, E. Degas, O. Renoir in Francia), negli anni 1860-80. affermarono un nuovo tipo di pittura di genere, in cui cercavano di catturare un aspetto apparentemente casuale e frammentato della vita, l'acuta specificità dell'aspetto dei personaggi, l'unità delle persone e il loro ambiente naturale. Queste tendenze hanno dato impulso a un'interpretazione più libera del genere quotidiano, a una percezione pittorica diretta delle scene quotidiane (M. Liebermann in Germania, E. Verenschöll, K. Krogh in Norvegia, A. Zorn, E. Yusefson in Svezia, U. Sickert in Gran Bretagna, T. Akins negli USA, V. A. Serov, F. A. Malyavin, K. F. Yuon in Russia).
A cavallo tra il XIX e il XX secolo. nell'arte del simbolismo e nello stile Art Nouveau si delinea una rottura con la tradizione del genere quotidiano del XIX secolo. Le scene quotidiane sono trattate come simboli senza tempo; la vitale concretezza dell'immagine cede il posto a compiti monumentali e decorativi (E. Munch in Norvegia, F. Hodler in Svizzera, P. Gauguin in Francia, V. E. Borisov-Musatov in Russia).
Tradizioni del genere realistico quotidiano del XIX secolo. furono raccolti nel XX secolo. artisti che cercavano di rivelare le contraddizioni del capitalismo, di mostrare la resilienza, la forza interiore e la bellezza spirituale delle persone del popolo (T. Steinlen in Francia, F. Brangwin in Gran Bretagna, K. Kollwitz in Germania, D. Rivera in Messico , J. Bellows negli USA, F. Maserel in Belgio, D. Derkovich in Ungheria, N. Balkansky in Bulgaria, S. Lukyan in Romania, M. Galanda in Slovacchia, ecc.). Dopo la seconda guerra mondiale 1939-45, questa direzione fu continuata dai maestri del neorealismo: R. Guttuso, A. Pizzinato e altri in Italia, A. Fougeron e B. Taslitsky in Francia, Ueno Makoto in Giappone. Una caratteristica del genere quotidiano era la combinazione di tratti caratteristici della vita quotidiana acutamente percepiti con immagini e situazioni generali, spesso simboliche. Nei paesi in via di liberazione e in via di sviluppo dell'Asia e dell'Africa, si sono sviluppate scuole distintive di genere quotidiano nazionale, che passano dall'imitazione e dalla stilizzazione a una riflessione profonda e generalizzata dello stile di vita dei loro popoli (A. Sher-Gil, K. K. Hebbar in India, K. Affandi in Indonesia, M Sabri in Iraq, A. Tekle in Etiopia, gli scultori Kofi Antubam in Ghana, F. Idubor in Nigeria). Gli artisti dei movimenti modernisti - pop art e iperrealismo - a volte si rivolgono a scene quotidiane, ma le loro opere non vanno oltre la registrazione passiva di frammenti di realtà estratti dal contesto della vita reale.
Dopo la Rivoluzione d'Ottobre del 1917, il genere quotidiano acquisì nella Russia sovietica nuove caratteristiche, determinate dalla formazione e dallo sviluppo della società socialista: l'ottimismo storico, l'affermazione del lavoro libero e disinteressato e un nuovo modo di vivere, basato sull'unità della società e della società. principi personali. Questa unità dà origine a una stretta connessione tra il genere quotidiano e il genere storico, che spesso sono intrecciati. Il genere quotidiano ha svolto un ruolo cruciale nello sviluppo dell'arte sovietica, riflettendo in molti modi la costruzione del socialismo e del comunismo, la formazione del mondo spirituale del popolo sovietico. Fin dai primi anni del potere sovietico, gli artisti (B. M. Kustodiev, I. A. Vladimirov) hanno cercato di catturare i cambiamenti portati dalla rivoluzione nella vita del paese. Negli anni '20 L'associazione AHRR ha organizzato una serie di mostre dedicate alla vita sovietica e i suoi maestri (E. M. Cheptsov, G. G. Ryazhsky, A. V. Moravov, B. V. Ioganson) hanno creato una serie di autentiche immagini tipiche che mostrano nuove relazioni tra le persone. Gli artisti dell'associazione OST (A. A. Deineka, Yu. I. Pimenov) hanno creato un tipo speciale di dipinti dedicati all'edilizia, al lavoro e allo sport, in cui generalmente esprimevano nuove caratteristiche dell'aspetto e della vita del popolo sovietico; dipinti poetici di vita tradizionale e nuova sono stati eseguiti da P. V. Kuznetsov, M. S. Saryan, P. P. Konchalovsky, K. S. Petrov-Vodkin. Genere domestico degli anni '30. ha affermato una percezione gioiosa e festosa della vita (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, T. G. Gaponenko, V. G. Odintsov, F. G. Krichevsky). Il genere quotidiano sovietico rifletteva la difficile vita della parte anteriore e posteriore durante la Grande Guerra Patriottica del 1941-45 (Yu. M. Neprintsev, B. M. Nemensky, A. I. Laktionov, V. N. Kostetsky, A. F. Pakhomov, L V. Soifertis), l'entusiasmo per il collettivo lavoro e vita sociale, caratteristiche tipiche della vita quotidiana negli anni del dopoguerra (T. N. Yablonskaya, S. A. Chuikov, F. P. Reshetnikov, S. A. Grigoriev, U. M. Japaridze , E. F. Kalnyn, L. A. Ilyina). Dalla seconda metà degli anni '50. nei dipinti di G. M. Korzhev, V. I. Ivanov, E. E. Moiseenko, V. E. Popkov, T. T. Salakhov, D. D. Zhilinsky, E. K. Iltner, I. A. Zarin, I. N. Klycheva, N. I. Andronov, A. P. e S. P. Tkachevs, T. R. Mirzashvili, S. M. Muradyan, nelle incisioni di G. F. Zacharov, V. M. Yurkunas, V. V. Tolly, la vita quotidiana delle persone appare ricca e complessa, piena di grandi pensieri ed esperienze. Opere del genere quotidiano degli anni '60 -'80. spesso servono per esprimere profondi pensieri filosofici sulla vita.
Un contributo importante allo sviluppo del genere realistico quotidiano è stato dato da artisti dei paesi socialisti, che riflettevano chiaramente la formazione di nuove relazioni sociali nella vita dei loro popoli, mostrando i tratti caratteristici della vita nazionale (K. Baba in Romania, S Venev in Bulgaria, V. Womaka nella RDT, M. Benka, L. Fulla in Cecoslovacchia, Nguyen Duc Nung in Vietnam, Kim Yongjun nella RPDC, Jiang Zhaohe nella RPC).
Bibliografia: N. Apraksina, Pittura domestica, Leningrado, 1959; B. M. Nikiforov, Pittura di genere, M., 1961; Pittura di genere russa del XIX secolo. [Album delle riproduzioni, M., 1961]; Pittura di genere russa del XIX-inizio XX secolo, M., 1964; [E. J. Fechner], pittura di genere olandese del XVII secolo. nello Stato Eremo, M., 1979; Brieger L., Das Genrebild. Eine Entwicklung der bürgerlichen Malerei, Münch., ; Hütt W., Das Genrebild, Dresda, .
). Tuttavia ai fini del presente articolo prenderemo in considerazione esclusivamente l'oggetto dell'art.
Storicamente, tutti i generi erano divisi in alti e bassi. A genere elevato o la pittura storica includeva opere di natura monumentale, portatrici di una sorta di moralità, un'idea significativa, che mostravano eventi storici, militari associati alla religione, alla mitologia o alla finzione artistica.
A genere basso incluso tutto ciò che riguarda la vita di tutti i giorni. Si tratta di nature morte, ritratti, dipinti domestici, paesaggi, animalismo, immagini di persone nude, ecc.
Animalismo (lat. animale - animale)
Il genere animalesco è nato nell'antichità, quando le prime persone dipingevano animali predatori sulle rocce. A poco a poco, questa direzione è diventata un genere indipendente, implicando una rappresentazione espressiva di qualsiasi animale. Gli animalisti di solito hanno un grande interesse per il mondo animale, ad esempio possono essere ottimi cavalieri, tenere animali domestici o semplicemente studiare a lungo le loro abitudini. Secondo le intenzioni dell'artista, gli animali possono apparire realistici o sotto forma di immagini artistiche.
Tra gli artisti russi, molti erano esperti di cavalli, ad esempio. Così, nel famoso dipinto di Vasnetsov "Bogatyrs", i cavalli eroici sono raffigurati con la massima abilità: i colori, il comportamento degli animali, le briglie e la loro connessione con i cavalieri sono attentamente studiati. A Serov non piacevano le persone e considerava il cavallo in molti modi migliore dell'uomo, motivo per cui lo raffigurava spesso in una varietà di scene. sebbene dipingesse animali, non si considerava un pittore di animali, quindi gli orsi nel suo famoso dipinto “Mattina in una foresta di pini” furono creati dal pittore di animali K. Savitsky.
In epoca zarista, i ritratti con animali domestici, cari all'uomo, divennero particolarmente popolari. Ad esempio, nel dipinto l'imperatrice Caterina II appariva con il suo amato cane. Gli animali erano presenti anche nei ritratti di altri artisti russi.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere quotidiano
Pittura storica
Questo genere coinvolge dipinti monumentali progettati per trasmettere alla società un piano grandioso, una verità, una moralità o dimostrare eventi significativi. Comprende opere su temi storici, mitologici, religiosi, folcloristici e scene militari.
Negli stati antichi, miti e leggende furono a lungo considerati eventi del passato, quindi venivano spesso raffigurati su affreschi o vasi. Successivamente, gli artisti iniziarono a separare gli eventi accaduti dalla finzione, che si esprimeva principalmente nella rappresentazione di scene di battaglia. Nell'antica Roma, in Egitto e in Grecia, scene di battaglie eroiche venivano spesso raffigurate sugli scudi dei guerrieri vittoriosi per dimostrare il loro trionfo sul nemico.
Nel Medioevo, a causa del predominio dei dogmi ecclesiastici, prevalevano i temi religiosi; nel Rinascimento, la società si rivolgeva al passato principalmente con lo scopo di glorificare i suoi stati e governanti, e dal XVIII secolo questo genere è stato spesso rivolto a con lo scopo di educare i giovani. In Russia, il genere si diffuse nel XIX secolo, quando gli artisti spesso cercavano di analizzare la vita della società russa.
Nelle opere degli artisti russi è stata presentata, ad esempio, la pittura di battaglia e. Ha toccato soggetti mitologici e religiosi nei suoi dipinti. La pittura storica prevaleva tra, il folklore - tra.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della pittura storica
Natura morta (natura francese - natura e morte - morta)
Questo genere di pittura è associato alla rappresentazione di oggetti inanimati. Possono essere fiori, frutta, piatti, selvaggina, utensili da cucina e altri oggetti, dai quali l'artista spesso crea una composizione secondo il suo progetto.
Le prime nature morte apparvero nei paesi antichi. Nell'antico Egitto era consuetudine raffigurare le offerte agli dei sotto forma di vari cibi. Allo stesso tempo, il riconoscimento dell'oggetto veniva prima, quindi gli artisti antichi non si preoccupavano particolarmente del chiaroscuro o della trama degli oggetti della natura morta. Nell'antica Grecia e a Roma, fiori e frutti venivano trovati nei dipinti e nelle case per la decorazione degli interni, quindi erano raffigurati in modo più autentico e pittoresco. La formazione e la fioritura di questo genere avvennero nei secoli XVI e XVII, quando le nature morte iniziarono a contenere significati religiosi e di altro tipo nascosti. Allo stesso tempo, sono apparse molte varietà a seconda del soggetto dell'immagine (floreale, frutta, scienziato, ecc.).
In Russia, la pittura di natura morta fiorì solo nel XX secolo, poiché prima veniva utilizzata principalmente per scopi educativi. Ma questo sviluppo è stato rapido e catturato, inclusa l'arte astratta con tutte le sue direzioni. Ad esempio, creava bellissime composizioni di fiori, preferiva, lavorava e spesso “rivitalizzava” le sue nature morte, dando allo spettatore l'impressione che i piatti stessero per cadere dal tavolo o che tutti gli oggetti stessero per iniziare a ruotare. .
Gli oggetti raffigurati dagli artisti erano, ovviamente, influenzati dalle loro visioni teoriche o dalla visione del mondo e dallo stato d'animo. Si trattava quindi di oggetti raffigurati secondo il principio della prospettiva sferica da lui scoperto, e di nature morte espressioniste stupite dalla loro drammaticità.
Molti artisti russi utilizzavano la natura morta principalmente per scopi educativi. Pertanto, non solo ha affinato le sue capacità artistiche, ma ha anche condotto numerosi esperimenti, disponendo gli oggetti in modi diversi, lavorando con la luce e il colore. ha sperimentato la forma e il colore della linea, a volte allontanandosi dal realismo per passare al puro primitivismo, a volte mescolando entrambi gli stili.
Altri artisti hanno combinato nelle nature morte ciò che avevano precedentemente raffigurato con le loro cose preferite. Ad esempio, nei dipinti puoi trovare il suo vaso preferito, spartiti e un ritratto di sua moglie che aveva realizzato in precedenza, e ha raffigurato i suoi fiori preferiti fin dall'infanzia.
Molti altri artisti russi hanno lavorato nello stesso genere, ad esempio, e altri.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere della natura morta
Nudo (nudi francese - nudità, abbreviato in nu)
Questo genere ha lo scopo di rappresentare la bellezza del corpo nudo ed è apparso prima della nostra era. Nel mondo antico si prestava grande attenzione allo sviluppo fisico, poiché da esso dipendeva la sopravvivenza dell'intero genere umano. Pertanto, nell'antica Grecia, gli atleti gareggiavano tradizionalmente nudi in modo che ragazzi e giovani potessero vedere i loro corpi ben sviluppati e lottare per la stessa perfezione fisica. Intorno al VII-VI secolo. AVANTI CRISTO e. Apparvero anche statue maschili nude, che personificavano il potere fisico di un uomo. Le figure femminili, al contrario, venivano sempre presentate al pubblico in vesti, poiché non era consuetudine esporre il corpo femminile.
Nelle epoche successive, l'atteggiamento nei confronti della nudità è cambiato. Così, durante l'ellenismo (dalla fine del VI secolo aC), la sopportazione passò in secondo piano, lasciando il posto all'ammirazione per la figura maschile. Nello stesso periodo cominciarono ad apparire le prime figure femminili nude. In epoca barocca, le donne con figure sinuose erano considerate ideali; in epoca rococò, la sensualità divenne fondamentale e nei secoli XIX e XX i dipinti o le sculture con corpi nudi (soprattutto quelli maschili) erano spesso banditi.
Gli artisti russi si sono ripetutamente rivolti al genere del nudo nelle loro opere. Quindi, questi sono ballerini con attributi teatrali, mettono in posa ragazze o donne al centro di scene monumentali. Questo ha molte donne sensuali, anche in coppia, ha tutta una serie di dipinti raffiguranti donne nude in varie attività, e questo ha ragazze piene di innocenza. Alcuni, ad esempio, raffiguravano uomini completamente nudi, sebbene tali dipinti non fossero accolti favorevolmente dalla società del loro tempo.
Esempi di dipinti di famosi artisti russi nel genere del nudo
Paesaggio (francese Paysage, da pays - terreno)
In questo genere la priorità è la rappresentazione dell'ambiente naturale o artificiale: aree naturali, vedute di città, villaggi, monumenti, ecc. A seconda dell'oggetto scelto, si distinguono paesaggi naturali, industriali, marini, rurali, lirici e altri.
I primi paesaggi di artisti antichi furono scoperti nelle pitture rupestri del Neolitico ed erano immagini di alberi, fiumi o laghi. Successivamente il motivo naturale venne utilizzato per decorare la casa. Nel Medioevo il paesaggio fu quasi completamente sostituito da temi religiosi, e nel Rinascimento, al contrario, venne alla ribalta il rapporto armonioso tra uomo e natura.
In Russia, la pittura di paesaggio si è sviluppata a partire dal XVIII secolo ed era inizialmente limitata (i paesaggi, ad esempio, sono stati creati in questo stile), ma in seguito un'intera galassia di talentuosi artisti russi ha arricchito questo genere con tecniche di diversi stili e movimenti. ha creato il cosiddetto paesaggio low-key, cioè, invece di inseguire viste spettacolari, ha raffigurato i momenti più intimi della natura russa. e arrivò a un paesaggio lirico che stupì il pubblico con il suo stato d'animo sottilmente trasmesso.
E questo è un paesaggio epico, quando allo spettatore viene mostrata tutta la grandiosità del mondo circostante. rivolto all'infinito all'antichità, E. Volkov sapeva come trasformare qualsiasi paesaggio discreto in un'immagine poetica, stupiva lo spettatore con la sua meravigliosa luce nei paesaggi e poteva ammirare all'infinito angoli di foresta, parchi, tramonti e trasmettere questo amore allo spettatore.
Ciascuno dei paesaggisti ha concentrato la sua attenzione sul paesaggio che lo ha affascinato in modo particolarmente forte. Molti artisti non potevano ignorare progetti di costruzione su larga scala e dipinsero molti paesaggi industriali e urbani. Tra questi ci sono opere
Forse nessun altro genere è associato a tanti pregiudizi e vicissitudini interpretative come quello quotidiano. Attira l'attenzione con un inizio di trama divertente. Le migliori opere del genere quotidiano attirano lo spettatore come storie abilmente costruite. E, allo stesso tempo, dipinti di questo tipo vengono spesso rimproverati di aneddotismo e meschina descrittività. L’arte quotidiana dovrebbe rappresentare scene di vita quotidiana o celebrazioni? Alcuni artisti si offendono addirittura quando vengono definiti artisti di genere, ritenendo che questa definizione sminuisca ingiustamente il loro lavoro. Sembra che il genere, scivolando sull'apparenza delle cose e degli eventi, escluda i voli di fantasia, i sogni e i simboli, l'allegoria poetica.
Cosa significa il concetto di genere quotidiano? Strettamente legato alla pittura storica e alla ritrattistica, ne differisce. Gli artisti che dipingono quadri su temi quotidiani non si rivolgono a eventi storici specifici, non a individui, ma al flusso della vita. Il genere quotidiano racconta il tipico e fornisce una descrizione dettagliata delle tradizioni consolidate. Ma è impossibile senza l'interazione con il paesaggio e la natura morta dei suoi vicini, migliorando con il loro aiuto l'impatto delle immagini.
Quando è stata la prima volta che un artista ha catturato una persona comune nelle sue preoccupazioni quotidiane?
i prezzi della caccia e i rituali magici esistono nella cultura artistica fin dall'antichità. Uniti con i miti, non si sono ancora trasformati in un genere separato, sebbene abbiano lasciato schizzi della natura che stupiscono con la loro vivida vitalità. La pittura e la piccola scultura dell'antico Egitto conservavano molti motivi espressivi del lavoro quotidiano che facevano parte del rituale funebre. Le figure dei servi laboriosi appaiono come sostituti magici delle persone viventi, chiamate a servire il loro padrone nell'aldilà. I mosaici e l'arte decorativa della tarda antichità contengono molti soggetti del genere quotidiano del lavoro, della famiglia, dell'amore, del teatro, della caricatura e della satira. Plinio il Vecchio nella “Storia Naturale” (I secolo d.C.) scrive dell'emergere di un tipo speciale di pittori, riporografi e scrittori di vita quotidiana che raffiguravano le botteghe di calzolai e barbieri.
Il cristianesimo primitivo si nascondeva nelle catacombe romane, utilizzando un linguaggio di allusioni e simboli pittorici.
E la vita quotidiana, esteriormente del tutto ordinaria, occupava un posto d'onore in questa scrittura segreta: la pesca significava il battesimo, la costruzione - la creazione di una comunità ecclesiale, una festa allegra - la beatitudine delle anime giuste in paradiso. L'amore per l'osservazione del genere si diffuse anche nell'arte del Medioevo europeo maturo, sebbene ora occupasse un posto più secondario. Le scene quotidiane sono decorate con capitelli di colonne e testi di manoscritti medievali. Nei modelli in pietra delle cattedrali gotiche, in marginalia (dalla parola latina marginalia, che denota ornamenti ai margini di un manoscritto), puoi vedere pastori, taglialegna, fornai, viticoltori, giocolieri - quasi tutte le professioni del mondo medievale. Le loro fatiche difficili sono una chiara illustrazione del tempo terreno, che completa il suo ciclo annuale nelle faccende quotidiane. E nell'antica Rus', insieme alle icone, furono create immagini di genere quotidiano, dapprima marginali, poi, nel XVII secolo, già esistenti sotto forma di lettere quotidiane indipendenti.
La fusione organica dei generi quotidiani e religiosi è caratteristica dell'arte di molti paesi dell'Oriente medievale: India, Indonesia, Vicino e Medio Oriente, Cina e Giappone. Un influsso particolare ebbe sulla cultura dell'Estremo Oriente la setta Chan (Zen in Giappone), nei cui insegnamenti un piccolo episodio quotidiano - l'acquisto di un cavallo o il taglio di una carcassa da un macellaio - poteva trasformarsi in pretesto per una riflessione filosofica sull'essenza profonda della vita. universo.
Le lettere della Genesi (per usare l'antico termine russo) assorbivano le ricerche spirituali dei popoli del Rinascimento.
Nel XV e all'inizio del XVI secolo prese finalmente forma un tipo di pittura indipendente dedicata ai rituali nuziali e carnevaleschi e alla vita di varie classi. Ogni dettaglio di queste immagini è carico di significato simbolico. Una candela può dare inizio alla vita umana, fiori e frutti sono gli elementi della terra e della fertilità, un uccello in gabbia è la castità della fanciulla, una scopa purifica la casa non solo dalla polvere, ma dagli spiriti maligni. Come in un rito popolare, cose ed eventi costituiscono una rappresentazione teatrale che introduce il destino privato dell'uomo nella corrente principale dell'universo, un piccolo cerchio delle vicende umane nella grande pendenza del cosmo. Allo stesso tempo, le immagini quotidiane del Rinascimento, a differenza di quelle medievali, sono realistiche, l'allegoria non esclude la verità della vita in esse. La visione del mondo medievale viene sostituita dalla religione della Natura e dell'uomo, che deifica non tanto il creatore quanto la creazione stessa, il mondo terreno nella sua infinita diversità. E quindi, i pittori dimostrano diligentemente la materialità dell'esistenza, dotando oggetti e situazioni di persuasività sensoriale.
La rivalutazione dei valori medievali è visibilmente attuata, ad esempio, nelle scene di mercato dell'olandese Joachim Beukelar, dove gli episodi evangelici sono relegati in secondo piano, e vengono portati in primo piano i forti mercanti contadini e le loro merci. Verdura, pesce e carne, i frutti di Madre Natura, che incarnano chiaramente la sua fertilità e la sua energia in continuo rinnovamento. Questo stato d'animo prevale nei migliori dipinti quotidiani del XVI-XVII secolo, dipinti da Pieter Bruegel il Vecchio, Caravaggio, i fratelli Le Nain, Velazquez, Vermeer, Brouwer. Allo stesso tempo, le classi inferiori (contadini, poveri urbani) sono solitamente raffigurate con amore speciale: questi piccoli di questo mondo sono i più vicini alla madre comune, la loro presenza sottolinea il fascino della mente naturale.
L'Illuminismo, che finalmente adottò il punto di vista dell'uomo terreno, conferì un significato educativo al genere quotidiano.
Ma, d'altra parte, questo atteggiamento, nonostante i risultati di Hogarth, Chardin, Greuze, ha portato al fatto che il genere è stato distrutto, gravato di moralismo. Non ha più mostrato allo spettatore il misterioso rapporto tra l'uomo e il cosmo, ma usando esempi aneddotici viventi ha raccontato quanto sia brutto bere e imbrogliare e, al contrario, quanto siano piacevoli una pia vita familiare e il duro lavoro. Ripetuti di quadro in quadro, questi motivi si trasformarono in cliché, diventando sempre più falsi e ipocriti. Il genere quotidiano (ora solo un genere) si è in qualche modo svalutato.
L'artista Alexander Ivanov ha persino posto una domanda perplessa: “In generale, i generi, che tipo di pittura? È questo il dipinto? Ma, come in risposta a questo scetticismo, le immagini quotidiane della prima metà del XIX secolo ravvivarono la loro autorità, dimostrando di essere in grado di incarnare compiti ideologici significativi che preoccupavano il creatore dell’“Apparizione di Cristo al popolo”.
In molti paesi europei, il genere quotidiano rifletteva poeticamente le caratteristiche del carattere nazionale.
Queste sono le immagini di A. Venetsianov in Russia, o, al contrario, ha catturato i mali sociali della società con un'espressività non inferiore alla letteratura del realismo critico. F.M. Dostoevskij, che ha lasciato una serie di sottili giudizi sull'arte della scrittura quotidiana, in particolare, ha osservato che: “un pittore storico conosce l'esito degli eventi che descrive, mentre un pittore di genere, agendo come partecipante e testimone oculare, agisce più a caso”, collocando i suoi eroi in un'ambientazione che ricorda molti dipinti degli Erranti, in particolare V. Perov. Insieme alla regia drammatica, la rappresentazione idilliaca-narrativa si sta sviluppando anche nel genere del XIX secolo, ad esempio nei dipinti di K. Makovsky.
Il gusto del salone ha causato notevoli danni al genere quotidiano del XIX secolo, portando molte delle sue immagini al livello di pettegolezzi divertenti, un'immagine carina ma vuota della morale. Tuttavia, l'impressionismo, e poi l'arte della svolta tra il XIX e il XX secolo, restituirono nuovamente l'importanza della pittura quotidiana. Il flusso dell'esistenza momentanea, fermato e trasformato dall'artista, è diventato molto più significativo delle tele storiche su larga scala. Forse la drammaticità dei cambiamenti imminenti ha dato significato alla vita di tutti i giorni. Il genere è stato trasformato in una leggenda fiabesca o in un'epopea monumentale tra i simbolisti (K. Petrov-Vodkin, G. Segantini, F. Hodler). D'altra parte, la vita privata, le sue gioie e le sue preoccupazioni quotidiane divennero materiale prezioso per i dipinti, come se riassumesse l'esistenza della Russia pre-rivoluzionaria, nel suo aspetto chiaro (B. Kustodiev) o liricamente triste (A. Korin). .
Il destino del genere quotidiano russo dopo la rivoluzione rifletteva le contraddizioni della vita artistica.
Gli anni Venti del XX secolo hanno offerto una straordinaria varietà di tipologie: qui ci sono immagini di poster monumentali (un certo numero di artisti OST), osservazioni astutamente ironiche (ad esempio, di S. Luchishkin o S. Adlivankin) e concentrati e autonomi -riflessione contenuta (artisti del circolo Makovets). La storia successiva ha contribuito all’espulsione dalla cultura ufficiale di tutto ciò che non rientrava nello slogan secondo cui la vita diventa “sempre migliore, sempre più divertente”. Il genere quotidiano doveva mostrare vacanze collettive in fattoria con tavole imbandite, ogni sorta di immagini scintillanti di infanzia felice e vecchiaia felice. Ma anche attraverso il falso splendore spesso emergeva la verità. Di tanto in tanto apparivano scene da camera della vita quotidiana che davano speranza e tregua mentale dalle tragedie e dall'ipocrisia circostante.
Nel dopoguerra il genere quotidiano divenne, per qualche tempo, forse la forma d'arte più apprezzata. I dipinti raffiguravano il ritorno al lavoro pacifico, le gioie semplici e le preoccupazioni della giornata (studenti bocciati, ragazzi di calcio, studenti Suvorov in vacanza). La loro rappresentazione spontanea della vita quotidiana, in contrasto con i dipinti pseudo-monumentali impersonali, sembrava naturale, calma e, quindi, attraente.
Nella seconda metà del XX secolo, nelle diverse scuole nazionali, temi e motivi associati al genere quotidiano hanno trovato diverse incarnazioni.
La drammatica rigidità del linguaggio, come, ad esempio, nei dipinti di artisti degli anni '60, l'ironica trasformazione dei contemporanei in personaggi di dipinti antichi, l'ammirazione delle caratteristiche patriarcali dello stile di vita nazionale - tutto questo, passando davanti a noi , costituivano un vasto teatro di vita. Gli artisti degli anni '70 hanno introdotto l'acutezza documentaria nella loro arte, mentre la generazione successiva, al contrario, ha preferito la spontaneità lirica alla pittura energica e capricciosa.
Artisti del genere quotidiano continuano oggi ad arricchire la tradizione secolare, fermando attimi e trasformandoli in simboli del tempo.
Nella preparazione della pubblicazione sono stati utilizzati i materiali dell'articolo
“Genere quotidiano” di M. Sokolov, M. 1989