Le principali innovazioni culturali sorte nella prima metà del XX secolo si sono formate principalmente nella corrente principale del modernismo, che è diventato un percorso specifico di degenerazione artistica dei problemi di questo secolo. La tradizione fu decisamente respinta a favore dell’avanguardia. Le sue caratteristiche principali sono l'allontanamento dai valori culturali dei secoli XVIII e XIX, principalmente dal principio del realismo, la proclamazione dell'indipendenza dell'arte dalla realtà, la creazione di stili di linguaggio e contenuti nuovi e unici nella raffinata arti.

Uno dei movimenti più famosi del modernismo nel primo decennio del XX secolo fu il Fauvismo (dal francese fanve - selvaggio), rappresentato dai nomi dei pittori francesi - A. Matisse, A. Marquet, J. Rouault, A. Derain e altri, uniti dal desiderio di creare immagini artistiche esclusivamente con l'aiuto di colori brillanti e penetranti. Usavano la natura e il paesaggio non tanto come oggetti di immagine, ma come motivo per creare composizioni di colori intensi.

Durante il primo quarto del 20° secolo, uno dei più alla moda e influenti metodi artistici c'era l'espressionismo (dall'espressione francese - espressività). Basandosi sull'intuizionismo filosofico di A. Bergson e sulla fenomenologia di E. Husserl, i campioni di questo movimento artistico (artisti tedeschi F. Mark, E. Nolde, P. Klee, artista russo V. Kandinsky, compositori austriaci A. Schönberg, A. Berg, ecc. ) ha affermato che lo scopo dell'arte non è la rappresentazione della realtà moderna, ma un'espressione unica della sua essenza nel mondo soggettivo dell'uomo. Hanno lottato attraverso i mezzi visivi, musicali, arte letteraria(F. Kafka) trasmettono tensione emozioni umane, l'irrazionalità delle immagini che sorgono in una persona. La deformazione di figure normali per il bene di una maggiore trasmissione delle paure e delle sofferenze umane, spesso apparendo sotto forma di una raccolta di visioni fantastiche e da incubo, diventa la direzione centrale del loro lavoro. Descrivono il mondo circostante in movimento infinito, uno scontro incomprensibilmente caotico di forze ostili allo stato naturale dell'uomo. Le evidenti contraddizioni della vita europea all’inizio del secolo, particolarmente acute durante la prima guerra mondiale e Rivoluzione d'Ottobre in Russia, e poi in Germania, diede origine nell'opera degli espressionisti a una feroce protesta contro la guerra e la violenza, un appello alla fratellanza umana universale.

Uno dei movimenti artistici influenti nel primo quarto del XX secolo è stato il cubismo (dal francese cubo - cubo) - un movimento d'avanguardia nelle belle arti che ha evidenziato la costruzione di forme volumetriche su un piano e l'uso di una prospettiva multidimensionale superficiale , che ha permesso di rappresentare l'oggetto raffigurato sotto forma di molte linee intersecanti e forme geometriche: cubo, cono, cilindro. Secondo l'autore del termine “cubismo”, L. Vossel, nei dipinti questa direzione"molti cubi" domina. L'anno di origine di questa tendenza è considerato il 1907, quando l'eccezionale artista P. Picasso espose il suo dipinto cubico programmatico “Les Demoiselles d'Avignon” - un grande pannello raffigurante una scena di bordello. Le figure femminili nella foto non sono quasi tridimensionali, piatte, i personaggi sono raffigurati in un colore rosato, in forma geometrica, i loro volti sono dipinti con tratti grossolani. I più famosi rappresentanti del cubismo P. Picasso, J. Braque, H. Gris, F. Picabia, M. Duchamp, F. Leger e altri hanno dimostrato con la loro creatività il rifiuto di ricreare lo spazio attraverso prospettiva lineare, sostituendolo con un'immagine simultanea di un oggetto da diversi punti di vista. Se nella prima fase dello sviluppo del cubismo (1907-1913), chiamata "analitica", tutte le immagini sono frantumate in piccoli piani e cubi, il che, secondo gli autori, consente una visione più profonda dell'essenza degli oggetti e dei fenomeni, allora nella fase sintetica si presta sempre più attenzione al colore, i dipinti diventano più astratti, decorativi e generalizzati, e i toni ascetici verdastri, brunastri e grigi lasciano il posto a quelli più luminosi e contrastanti. Il cubismo aveva grande influenza sullo sviluppo dell'arte d'avanguardia, contribuì all'emergere dell'astrattismo, del futurismo e del suprematismo.

L'astrattismo ottenne una popolarità diffusa e una grande influenza nella prima metà del XX secolo - metodo creativo arte astratta, o non oggettiva, non figurativa, in particolare la pittura. Credo estetico Questo metodo è stato delineato dall'eccezionale artista russo V. Kandinsky nel libro "Sull'arte spirituale" (1910), dove sosteneva che l'artista è un profeta e un attivista, che spinge avanti con tutte le sue forze "il carro bloccato dell'umanità". Ma questo può essere fatto solo creando una “nuova realtà”, che non è altro che una realtà soggettiva interna emanata dall’intelletto e dai sentimenti dell’artista. L'essenza dell'arte astratta, secondo i suoi sostenitori (W. Kandinsky, P. Mondrian, F. Kupka, ecc.), è che la pittura, libera dalla rappresentazione delle forme della realtà visibile, può esprimere ciò che esiste oggettivamente in modo molto più profondo e completo. .

Ci sono due direzioni principali nell'arte astratta. Il primo di essi, indicato dal lavoro di V. Kandinsky, F. Kupka e altri, pone l'accento sul valore espressivo indipendente della macchia di colore, sulla sua ricchezza coloristica delle relazioni cromatiche, con l'aiuto del quale l'artista si sforza di esprimere le profonde “verità dell'esistenza”, eterne “essenze spirituali”, non soggette alla cruda oggettività della realtà. Ciò è incarnato nella forma più vivida nel dipinto di V. Kandinsky “Schizzo 1 per Composizione VII” (1913), dove c'è un tripudio di colori rosso, arancione, giallo, bluastro-verdastro, intervallati da strisce nere, sopra le quali si alza un la figura rossa, che ricorda sia il volto che il violoncello, dovrebbe, secondo il piano dell'artista, esprimere la complessa melodia dei sentimenti, delle emozioni e delle esperienze apparentemente risonanti di una persona. Si chiamava espressionismo astratto.

La seconda direzione dell'arte astratta, che ha le sue origini nell'opera dei grandi Pittore francese P. Cezanne e i cubisti, caratterizzati dalla creazione di nuovi tipi spazio artistico combinando tutti i tipi di forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate (K. Malevich, P. Mondrian, T. van Doesburg, ecc.). Si esprime in diverse varietà: Suprematismo (dal latino più alto, ultimo) di K Malevich, Raggismo di M. Larionov, Non-oggettività di P. Mondrian. L'eccezionale artista K. Malevich, che ha lavorato per diversi anni a Vitebsk, ha guadagnato fama mondiale per il suo "quadrato nero", che considerava non un "quadrato vuoto", ma una "suscettibilità al vuoto assoluto". Al nero seguirono altre immagini di quadrati: rossi, addirittura bianchi su sfondo bianco. Nel 1914 apparve il dipinto “Suprematismo dinamico”, che diede il nome a questo movimento artistico. Su uno sfondo bianco c'è un triangolo che si tocca luoghi differenti con altre forme geometriche, triangoli, cerchi di diverse dimensioni. Il suprematismo era considerato da Malevich come il predominio assoluto nell'attività artistica della sensazione “pura”, liberata da ogni legame con la realtà oggettiva.

Le tecniche innovative sviluppate dagli aderenti all'arte astratta hanno avuto una potente influenza sull'emergere e sullo sviluppo della pop art, dell'op art e sono ampiamente utilizzate nel design moderno, nel design art, nel teatro, nel cinema e in televisione.

Il futurismo è uno dei movimenti d'avanguardia nella cultura del primo quarto del XX secolo, diffuso soprattutto in Italia e Russia. Il suo punto di partenza fu la pubblicazione sul quotidiano parigino Le Figaro il 20 febbraio 1910 da parte del poeta italiano F. Marinetti del Manifesto futurista. L'essenza di questo movimento è una protesta ribelle e anarchica contro la cultura tradizionale, un'apologia per gli ultimi risultati scientifici e tecnologici e un'esaltazione del ruggito delle moderne città industriali. Hanno cercato di eliminare il “cancro” della cultura tradizionale con il bisturi del tecnicismo, dell’urbanistica e della nuova scienza. Il mezzo principale per ripulire il mondo dalla vecchia spazzatura Futuristi italiani U. Boccioni, G. Balla, G. Severini ed altri furono visti in guerre e rivoluzioni. Dopo aver salutato con gioia la prima guerra mondiale, molti di loro si offrirono volontari per combattere e morirono. Il loro slogan: “La guerra è l’unica igiene al mondo!” Alcuni di loro dopo la guerra si unirono al partito fascista del dittatore italiano B. Mussolini. La poesia dei futuristi è astrusa, mira a distruggere la lingua viva, e rappresenta la violenza contro il vocabolario e la sintassi. Nella pittura e nella cultura si caratterizzano per la negazione dell'armonia come principio fondamentale dell'arte. La familiarità con le presentazioni popolari delle conquiste della fisica e della psicologia fa nascere tra i futuristi il ​​desiderio di rappresentare non gli oggetti stessi, ma i campi energetici, magnetici e psicologici che li formano, e il movimento viene rappresentato sovrapponendo fasi successive su un'immagine. Di conseguenza, nell'immagine compaiono fotogrammi “sfocati” raffiguranti un cavallo con venti zampe, un'auto con molte ruote. Ancora uno caratteristica importante Il futurismo era il desiderio di portare nelle arti visive i rumori e i suoni del mondo tecnico con l'ausilio di mezzi visivi. J. Balla, ad esempio, chiama il suo dipinto “Velocità di macchina + luce + rumore”.

Il futurismo in Russia era significativamente diverso dalla sua controparte italiana. I suoi sostenitori A. Kruchenikh, V. Mayakovsky, V. Khlebnikov, V. Kamensky e i fratelli Burliuk erano caratterizzati dal desiderio di creare nuovi principi basati su paradossi semantici, dall'innovativa "creazione di parole e innovazione di parole", che si manifestava chiaramente in l'astrusità di V. Khlebnikov. Si distinguevano per un senso accresciuto dell'imminente "rivoluzione mondiale", dell'inevitabile "crollo del vecchio" e dell'emergere di una "nuova umanità". Cercarono di mettere la loro arte al servizio della rivoluzione, ma all'età di 20 anni non piacquero alle nuove autorità, furono sottoposti a dure critiche e i loro gruppi furono sciolti.

Uno dei movimenti artistici più influenti nella cultura del XX secolo è stato il surrealismo (dal francese surrealismo, letteralmente superrealismo, iperrealismo), sviluppatosi negli anni '20. I suoi principali rappresentanti sono gli scrittori A. Breton, G. Appolinaire, P. Eluard, F. Soupault, gli artisti S. Dali, P. Bloom, M. Ernst, H. Miro, i drammaturghi A. Artaud, J. Cheale, i registi I. Bergman, A. Hitchcock, ecc.) Proclamò la fonte dell'arte la sfera del subconscio - istinti, sogni, allucinazioni, delusioni, ricordi dell'infanzia e il metodo principale - la sostituzione delle connessioni logiche con libere associazioni. Il compito dell'artista, nella loro comprensione, era quello di penetrare nelle profondità del subconscio umano con l'aiuto di linee, piani, forme e colori, che, manifestandosi nei sogni, unisce realtà e irrealtà in un unico insieme. Maggior parte artista famoso questa direzione - Salvador Dalì chiama il suo approccio alla creatività il "metodo paranoico-critico", che consente di combinare immagini ben note alla mente - persone, animali, edifici, paesaggi - in modo grottesco in modo che, ad esempio, gli arti si trasformano in pesci, i torsi delle donne in cavalli e le labbra femminili aperte in un divano rosato. Nel suo famoso dipinto Costruzione morbida con fagioli bolliti: una premonizione guerra civile in Spain (1936)" sesso e orrore si intrecciano: la morbida carne femminile al centro contrasta con le mani ruvide e callose, una che stringe un seno, l'altra che preme nel terreno come una vecchia radice vite mangiare fagioli bolliti, a simboleggiare persone normali che diventano vittime della guerra.

Sconvolto dalle catastrofi del 20 ° secolo, Dalì sciocca lo spettatore con composizioni fantastiche, eseguite magistralmente, in cui le paure del complesso di Edipo sono intricate intrecciate, personificate nei ritratti di V.I. Lenin, montati sulla tastiera di un pianoforte nero (“Allucinazione distorta : l'apparizione delle sei teste di Lenin sul pianoforte" ( 1931) e in una fotografia di un dittatore fascista su un piatto dorato sotto l'ombra cupa di un telefono nero, appeso a un albero tagliato ed emettendo una gigantesca lacrima dal suo tubo (" Il mistero di Hitler" (1939), con gli orrori della guerra "Il volto della guerra" (1940-1941), dove il teschio, gli occhi e la bocca del teschio sono inclinati su altri teschi. Sogni sensuali che emergono dal subconscio , incubi e fantasie paranoiche, trasformandosi in una realtà nascosta, formano un'immagine fluttuante, ondeggiante, piena di dinamismo, al centro della quale c'è spesso l'immagine di un Gala strettamente vestito, semivestito e completamente nudo (nata russa Elena Deluvina -Dyakonova) era l'adorata moglie dell'artista, che lui descriveva come molto sexy e appassionata.

Il surrealismo ha avuto un forte impatto su varie sfere della cultura, la sua influenza è stata avvertita dall'arte fotografica (F. Nadara, D. Cameron, ecc.), dal “teatro dell'assurdo” (E. Ionesco, S. Becket), dal cinema (A Tarkovskij, ecc.).

cultura artistica catarsi

Il XX secolo segna una svolta significativa nella storia dell'uomo e nelle forme della sua attività culturale. D'accordo con quanto indicava l'inizio del XX secolo tappa importante Nello sviluppo della coscienza artistica dell'umanità, registriamo non solo un confine nel cambiamento delle immagini del mondo, ma una certa rottura globale con le precedenti tendenze artistiche. Questo non significa questo stiamo parlando sulla nascita all'inizio del secolo di un nuovo stile globale, sulla formazione di nuove tecniche di espressione artistica, che portano alla formazione di stili stabili e universalmente significativi forme artistiche. Al contrario, assistiamo a ricerche artistiche musive che non rientrano in un'unica formula.

Non bisogna dimenticare, però, che anche l'Ottocento si presentava in un panorama non riducibile ad un'unica formula di ricerca artistica. Tuttavia, nei processi artistici del XIX secolo si possono, in un modo o nell'altro, distinguere periodi brevi ma ben definiti dello sviluppo dominante del realismo, del naturalismo, dell'impressionismo e del simbolismo. Differenza fondamentale processi artistici Il XX secolo è che movimenti artistici eterogenei si sviluppano non in sequenza, ma in parallelo, e allo stesso tempo sono percepiti come uguali. Tutta la loro diversità (modernismo, astrattismo, surrealismo, postmodernismo, ecc.) crea un quadro globale ritratto collettivo uomo del XX secolo.

Il termine modernismo (dal francese - nuovo) significa nuovo, arte Moderna, che ha avuto origine alla fine del XIX secolo ed è associato alla crisi globale Cultura europea Dizionario enciclopedico sovietico di Prokhorov A. M.. M., 1985. La soggettività della visione del mondo risiede nel fatto che la base di ogni esperimento estetico era personale, approcci individuali. Un'opposizione dimostrativa di nuove forme in relazione alle forme armoniose dell'arte classica. La crisi dell’arte del XX secolo è stata una conseguenza della crisi globale fine del XIX-XX secoli (guerre mondiali, rivoluzioni, conflitti etnici - elementi di instabilità dell'era di transizione). La crisi si esprimeva in tutti gli ambiti della cultura: nella scienza, nella filosofia, nell'etica, nel diritto, ma soprattutto nell'arte, in primis nella pittura. La piattaforma ideologica delle nuove forme moderniste era la filosofia di Nietzsche, la psicoanalisi di Freud e Jung e l'esistenzialismo di Heidegger e Jaspers. Il significato di questa filosofia è che non c'è e non può esserci alcuna speranza nel mondo, una persona deve rendersi conto che vive solo oggi e non domani, cioè non ha futuro, e se ce n'è uno, non sarà suo , e per quelli che verranno dopo di lui, ma per loro questo non è più il futuro, ma il presente, quindi bisogna vivere nel presente, vivere nel presente e agire nel presente. Una persona può vivere prendendosi cura del futuro solo finché non incontra l'assurdo. È l'assurdità che fa sì che una persona guardi il mondo con gli occhi aperti non nell'umiltà e non nella sottomissione al destino, quindi una persona è obbligata a vivere secondo quelle norme di comportamento e di azioni che corrispondono alla sua struttura mentale, non creano disagio con se stesso, e se ciò richiede una solitudine forzata, allora deve cadere della solita società. L'arte modernista è una sintesi del romanticismo e del sentimentalismo dei secoli XIX e XVIII e dell'ideologia filosofica del XX secolo. I modernisti partivano dall'atteggiamento secondo cui le contraddizioni sono insolubili era moderna e alla fine arrivò alla negazione delle verità spirituali e morali.

La ricerca di qualcosa di nuovo si è trasformata nel desiderio di ripristinare integrità e organicità esistenza umana nel quadro di un unico sistema cosmologico attraverso mezzi artistici, cioè nell'arte è tornato al metodo della creazione del mito, alle forme arte primitiva, alle forme creatività dei bambini, cioè a quelle forme in cui una persona si sentiva in armonia in questo mondo, dove non c'era falsità, dove non c'era violenza contro la persona umana

La crisi dell'arte si è manifestata più chiaramente nella pittura: la maggior parte degli artisti del XX secolo si è allontanata dal rappresentare il mondo come lo vediamo. Il mondo a volte sembrava deformato e irriconoscibile, poiché gli artisti erano guidati più dalla propria immaginazione, l'allontanamento dal realismo non era un vuoto capriccio, gli artisti volevano dire: “il mondo non è affatto come lo vediamo: è è intrinsecamente privo di significato e assurdo, è come lo mostriamo nei nostri dipinti."

L'avanguardia è un movimento nella cultura artistica del XX secolo, che rompe con le norme e le tradizioni esistenti, trasformando la novità mezzi espressivi come fine a se stesso. Dizionario enciclopedico sovietico di Prokhorov A. M.. M., 1985. L'avanguardia è strettamente correlata al modernismo, il concetto di modernismo è più ampio di quello di avanguardia, che si riferisce solo alla cultura artistica, e di modernità a tutto ciò che è nuovo. Nelle avanguardie del XX secolo c'erano molte direzioni, tendenze che coesistevano fianco a fianco, in parallelo, spesso si incrociavano, si sostituivano o si annullavano. Tre movimenti hanno acquisito lo status di eterno: astrattismo, cubismo, surrealismo (superrealismo). La prima impressione quando si incontra l'avanguardia è che tutto sia sbagliato. La sua formula principale: se questo non è mai stato fatto prima, allora bisogna farlo, segno costante: un consapevole ribaltamento delle idee tradizionali. L'avanguardia cercò di far nascere non un'arte, ma un metodo di conoscenza e di metterlo al posto della filosofia tradizionale. Pertanto, gli artisti d'avanguardia creano qualcosa di speciale nel loro lavoro, che include il problema del pensiero astratto, un'idea indiretta dell'essere e un mondo concentrato di idee. Pertanto, l’arte astratta non è uno stile, è un modo di pensare. I periodi: dall'Art Nouveau (XIX) a “Les Demoiselles d'Avignon” (il primo dipinto cubico di Picasso) sono caratterizzati da una ristrutturazione del tipo d'arte tradizionale; il linguaggio delle avanguardie non è ancora stato sviluppato, quindi gli artisti sono costretti a spiegare da soli i postulati fondamentali della loro posizione.

L'astrattismo è una direzione artistica nata negli anni '10 del 20 ° secolo, rifiutando di rappresentare oggetti e fenomeni reali Prokhorov A. M. Dizionario enciclopedico sovietico. M., 1985. Arte astratta negando i compiti cognitivi creatività artistica, è una manifestazione estrema del modernismo. Il fondatore dell'arte astratta è considerato Wassily Kandinsky. L'essenza di questo movimento è che con l'aiuto di un pennello e di una matita puoi creare una vibrazione speciale dell'anima e introdurla allo spirito della musica. Mezzi artistici: punti luce, linee, forme geometriche, astrazioni. L'arte astratta ricorda la musica e Kandinsky ha creato il proprio linguaggio pittorico astratto, in cui ogni colore aveva un certo significato simbolico. Un altro rappresentante dell'arte astratta è Kazimir Malevich. La sua opera “Black Square” (1913) fu esposta come una sorta di nuovo segno planetario.

Il movimento modernista - il surrealismo, associato a Salvador Dalì, nacque all'inizio degli anni '20 del XX secolo, stabilizzandosi negli anni 25-26. Il surrealismo proclamò che la fonte dell'arte è la sfera dell'inconscio (istinti, sogni, allucinazioni) e il metodo dell'arte per rompere le connessioni logiche, sostituite da associazioni soggettive. Ibid.. Il mondo reale è il mondo che è nel nostro subconscio . Il surrealismo si è manifestato non solo nella pittura, ma anche nella scultura e nel cinema.

Il postmodernismo è una rivoluzione estetica avvenuta in Europa negli anni '60 e '70. Come termine, iniziò ad essere utilizzato nel 1979. Questo non è uno stile, cita esempi ben noti, ma in modo deliberatamente senza senso e la caratteristica principale è l'eclettismo (una combinazione di vari elementi: Oriente, Occidente, Africa, cultura europea). Questo percorso poneva un punto di partenza e un punto su un lato sviluppo più elevato. Il postmodernismo è il risultato dei movimenti studenteschi, era una reazione alla società dei consumi. Hanno cercato di introdurre una nuova super-idea in una società ideologicamente priva. Un vero artista nel mondo è circondato da nemici, quindi il postmodernismo è una forma di ribellione estetica ed è stato espresso dall’idea di una nuova rivoluzione sessuale e di una nuova sensualità. Sia il modernismo che il postmodernismo non possono rivendicare un'ampia popolarità, cioè sono nati come elitari, tuttavia, la modernità e il postmodernismo sono diventati quella fase nello sviluppo della cultura del 20 ° secolo, che non solo ha delineato tutte le sue punti dolenti, ma divenne anche l'arte che collegava l'era del XX secolo con l'Eterno, dimenticato nel trambusto.

L'invasione no forme classiche“Krivtsun nelle arti visive, nella musica e nella letteratura fu inizialmente percepito come un segno inequivocabile della morte dell’arte, come la distruzione di qualcosa di molto importante che la pratica artistica della fine del XIX secolo conservava ancora. Secondo Krivtsun, la tesi sulla morte dell'arte doveva essere proclamata affinché fosse possibile la rinascita di una nuova fase del suo sviluppo. L'unicità della nuova fase della creatività artistica è stata quella di rivedere tutte le idee precedenti sulle possibilità e sullo scopo dell'arte.

caratteristiche generali cultura artistica XX secolo. Di base eventi storici. Tappe dello sviluppo della cultura europea del Novecento. Sviluppo di processi di integrazione in ambito economico e culturale. Guerre mondiali, rivoluzioni e la loro influenza sullo sviluppo della cultura artistica. La rivoluzione scientifica e tecnologica, la rivoluzione “elettronica” e il loro impatto sulla cultura artistica. Accelerare il ritmo di sviluppo della cultura artistica. Cataclismi globali dell'epoca e la loro incarnazione nell'arte (P. Picasso, I. Stravinsky, M. Gorky, R. Tagore, T. Mann, B. Brecht, A. Berg, A. Scriabin, S. Eisenstein, A. Platonov , F Kafka, D. Orwell, ecc.). Sviluppo delle culture nazionali e dialogo tra di esse. Nazionale e universale nella cultura artistica del Novecento.

Ampliare i confini specifici e di genere dell'arte, cambiando la struttura morfologica del mondo dell'arte. Artificazione delle forme di frontiera attività creativa. Nuovi tipi di arte. Il ruolo dominante delle forme spettacolari della cultura artistica e la diversità dei loro generi.

Culture di massa e d'élite, loro modificazioni artistiche. Cultura e arte della “terza direzione”. Novità nel funzionamento della cultura artistica. Ulteriori sviluppi mezzi di comunicazione di massa, mezzi tecnici di registrazione, conservazione e diffusione, replica di cui all'art. Nuovi modi di produzione artistica e forme di consumo artistico (produzione cinematografica, registrazione sonora, registrazione video, " arte informatica", trasmissioni televisive e radiofoniche, ecc.). Educazione artistica e l'istruzione nel XX secolo.

Di base direzioni artistiche e i loro rappresentanti.

Il realismo, le sue modificazioni nazionali e sociali (B. Brecht, T. Mann, E. Remarque, A. Barbusse, L. Aragon, R. Rolland, M. Carne, T. Dreiser, C. Chaplin, M. Sholokhov, A. Fadeev, A. Tolstoj, S. Eisenstein, ecc.)

L'espressionismo come fenomeno della cultura tedesca ed europea del primo terzo del Novecento. Peculiarità della visione del mondo e dell'atteggiamento incarnate nell'arte espressionista. Coltivazione di stati emotivi estremi e negativi, appello ai lati negativi della realtà. L'originalità dei mezzi espressivi e delle forme dell'arte espressionista. "Nuova Scuola Viennese" nella musica, gruppi "Bridge" e "Blue Rider" nella pittura, espressionismo nel cinema ("Homunculus" di R. Reinert, "Il gabinetto del dottor Caligari" di R. Wiene, ecc.)

Cubismo in pittura (P. Picasso, J. Braque). Cubo-futurismo russo (gruppo " Fante di quadri"). Suprematismo (K. Malevich e l'associazione Unovis). L'influenza del Suprematismo sull'arte russa ed europea del primo terzo del XX secolo). Espressionismo astratto di V. Kandinsky. Il suo trattato “Sullo spirituale nell’arte”. Il ruolo delle opere di V. Kandinsky e A. Scriabin nell'emergere della musica a colori.

Surrealismo. Predecessori del surrealismo. Manifesti del surrealismo. Appello alla "realtà dei sogni". Temi e immagini di opere surreali. Tecniche e mezzi espressivi. Surrealismo nella poesia (L. Aragon, A. Breton, R. Vitrac, R. Desnos, M. Moriz, ecc.), nella pittura (S. Dali, R. Magritte, I. Tanguy, ecc.), nel cinema (L. Bunuel).

Altre scuole e movimenti artistici del Novecento.

13. Cultura artistica della Russia. Le principali fasi di formazione e sviluppo. Antica Rus' Rus' di Kiev (secoli X-XII) Periodo storico specifico Antica Rus'(secondo terzo dei secoli XII - metà XV) Rus' moscovita (seconda metà dei secoli XV - XVI) Adozione del cristianesimo. La sua influenza sulla cultura, inclusa l'arte. Influenza reciproca tra paganesimo e cristianesimo. La nascita della scrittura. La formazione delle tradizioni dei libri scritti a mano. Policentrismo della cultura russa dei secoli XII-XV. I principali centri della chiesa e della cultura religiosa. Architettura religiosa. Principali monumenti. Progetto architettonico di una chiesa con cupola a croce. Semantica dell'arredamento esterno. Decorazione d'interni tempio (affreschi, mosaici, icone). Influenza del canone bizantino. Principali scuole di pittura di icone. Caratteristiche delle scuole regionali di pittura di icone. Formazione di una cultura russa unificata. Mosca come centro culturale dell'antica Rus' nella seconda metà. XV – XVI secolo Cremlino di Mosca. Caratteristiche architettoniche. Stile tenda in architettura. Decorazione iconografica delle cattedrali del Cremlino di Mosca. L'opera di F. Greek, A. Rublev, Dionisio come il risultato più alto dell'antica pittura di icone russa. La secolarizzazione della cultura russa nel XVII secolo. Artigianato e arti e mestieri. “Naryshkinskoe (Mosca) Barocco” in architettura. I cambiamenti linguaggio figurativo e il significato delle icone. S. Ushakov. Parsuns. Teatro di corte.

Cultura artistica del XX secolo.

Il XX secolo è stato caratterizzato da numerose innovazioni nell’arte e nella letteratura associate a cambiamenti catastrofici nel coscienza pubblica durante il periodo delle rivoluzioni e delle guerre mondiali, nonché un netto salto in campo scientifico sviluppo tecnico società. Le nuove condizioni della realtà sociale hanno avuto un impatto sull'intera cultura artistica nel suo insieme, da un lato, dando nuovo respiro alla tradizione classica, e dall'altro, dando vita a una nuova arte - Avanguardia(dal francese "avant" - avanzato e "guardia" - distaccamento), o Modernismo(dal latino modernus - nuovo, moderno), che rifletteva più pienamente il volto del tempo. In sostanza, il termine “modernismo” si riferisce a tendenze artistiche, movimenti, scuole e attività di singoli maestri del Novecento, che proclamarono la libertà di espressione come base del loro metodo creativo.

Gli architetti hanno dovuto affrontare un compito: superare l'eclettismo, tornare all'organizzazione stilistica dell'architettura e allo stesso tempo allontanarsi dalle forme classiche, dalla pianificazione regolare, la risposta a questa sfida è stata moderno. L'architettura moderna si distingue per il rifiuto di linee rette e angoli a favore di linee più naturali, “naturali” e per l'uso di nuove tecnologie (metallo, vetro). Come molti altri stili, anche l'architettura moderna si distingue per il desiderio di creare edifici sia esteticamente belli che funzionali. Lo stile Art Nouveau più completo si esprimeva nella costruzione individuale di palazzi, palazzi e nella tipologia di condominio, privilegiando l'asimmetria nel raggruppamento dei volumi dell'edificio e nella posizione delle aperture di finestre e porte. L’Art Nouveau influenzò le arti, i mestieri e la cultura della vita quotidiana. Molta attenzione è stata prestata non solo aspetto edifici, ma anche gli interni, che sono stati elaborati con cura. Tutti gli elementi strutturali: scale, porte, pilastri, balconi sono stati lavorati artisticamente.
Ponendosi il compito di armonizzazione estetica della società, gli architetti nella loro ricerca hanno toccato, ovviamente, non solo l'edilizia individuale, ma anche la costruzione di edifici industriali, stazioni ferroviarie, istituzioni pubbliche e commerciali, edifici religiosi, condomini redditizi, comprese case di “appartamenti economici” per i lavoratori. In molte città queste case costituiscono ancora il grosso dello sviluppo residenziale dei centri storici. Qualunque cosa progettassero gli architetti Art Nouveau, partirono dall'interno, dalla disposizione più ottimale e conveniente degli spazi interni in conformità con il loro scopo funzionale. Ma è qui che inizia l'arte moderna dell'interior design maestri moderni lontani dai loro predecessori in termini di perfezione dell'organizzazione degli spazi interni e della loro funzionalità.

Casa Milà, Barcellona. Arco. A. Gaudì

Nozioni di base per " nuova architettura» S. E. Le Corbusier (1887-1965) ricercava forme puramente geometriche, linee ad angolo retto, combinazioni impeccabili di orizzontale e verticale e colore bianco assoluto. La famosa Villa Savoy si distingue per la squisita perfezione delle forme e la chiarezza delle proporzioni, l'unità organica con la natura e la possibilità di completa privacy.

Edificio residenziale a Marsiglia- una sorta di modello di casa ideale per una persona. Pensata per 350 famiglie, incarna chiaramente l’idea dell’autore secondo cui “una casa è una macchina per vivere”. Comprende 337 appartamenti a due piani, negozi, alberghi, roof garden, palestra, piscina, asilo, cioè tutto ciò di cui una persona ha bisogno per una vita confortevole.

La cultura artistica stava vivendo una disintegrazione fino ad allora senza precedenti in movimenti drammaticamente diversi. In questi vivaci e numerosi movimenti artistici si possono distinguere alcuni dei principali: Fauvismo, Espressionismo, Astrattivismo, Futurismo, Cubismo, Surrealismo, Purismo, Orfismo, Costruttivismo.
Fauvismo(dal francese Les Fauves - "selvaggio, predatori") si basava sull'insolita luminosità del colore e sulla deliberata ruvidità della forma. I Fauves massimizzavano l'espressività della macchia di colore attraverso il contrasto con toni aggiuntivi, senza preoccuparsi del colore reale degli oggetti. Allo stesso tempo, l’eccessiva vivacità dei loro dipinti, una certa “aggressività visiva”, hanno portato a un’inevitabile semplificazione della forma, alla comparsa di contorni netti che separano punti luminosi di colore. I Fauves lavoravano principalmente nel genere paesaggistico, talvolta raffigurando varie scene all'interno. Raramente ricorrevano alla ritrattistica e, se ciò accadeva, la loro ritrattistica era caratterizzata da una leggera ironia rispetto al modello ritratto. Viene considerato il capo di questa scuola Artista francese Henri Matisse, che ha rotto completamente con colore ottico. Nel suo dipinto il naso di una donna potrebbe benissimo essere verde se questo gli conferisse espressività e composizione. Matisse ha dichiarato: “Non dipingo donne; Disegno immagini".

L'essenza del flusso astrattismo(dal latino astrazione – distrazione, rimozione) consisteva nel completo rifiuto di rappresentare oggetti e fenomeni reali nella pittura, nella grafica e nella scultura; l’artista si alienava dalla realtà. Secondo l’artista tedesco Paul Klee “più il mondo diventava terribile, più l’arte diventava astratta”. Il più grande rappresentante dell'arte astratta era l'artista russo Vasilij Kandinskij(1866-1944), nella cui opera vediamo il predominio assoluto del colore sull'immagine. Nelle sue composizioni, cerchi colorati, quadrati, triangoli, combinati con linee nere diritte su sfondo bianco, evocavano vari tipi di associazioni di soggetti. Kandinsky associava i colori a un certo stato d'animo e ai suoni mondo oggettivo(“violini viola”, “suono giallo”).

Vasily Kandinsky "Cosacchi"

Formazione cubismo(dal francese cubisme, derivato da cubo - cubo) come movimento indipendente nelle belle arti fu promosso dalla mostra nel 1904 dei dipinti di Cézanne, che invitò gli artisti a ridurre l'intero mondo visibile alle forme geometriche più semplici. Esponenti di spicco del credo cubista furono il francese Georges Braque (1882-1963) e lo spagnolo Pablo Picasso (1881-1973). Braque ha semplificato le forme in piccoli cubi, ha creato combinazioni di piani intrecciati, ha mostrato l'oggetto come se fosse immediatamente angoli diversi, così è stato scritto "Porto in Normandia". Picasso, sotto l'influenza della plasticità “selvaggia” della scultura negra, subì forme naturali deformazione geometrica. Non è un caso che la sua pittura, programmatica per il cubismo, "Le fanciulle di Avignone" suscitò scandalo e fu soprannominato il “segno del bordello”. I corpi in esso contenuti, sezionati da ampi bordi piatti, sfumati di colore, formano un rilievo duro e dinamico.

Georges Braque "Porto in Normandia"

Surrealismo come una delle tendenze artistiche, si è formata in Francia all'inizio degli anni '20. Il nuovo movimento prende il nome dalla parola francese “surrealisme”, che significa “superrealismo”. Caratteristica distintiva questa direzione era l'uso di combinazioni paradossali varie forme e allusioni. La base di tutti i concetti del surrealismo è la surrealtà, espressa nella combinazione della realtà con un sogno. Come principale approccio creativo i surrealisti proponevano una combinazione contraddittoria e assurda di immagini naturalistiche. L'obiettivo principale c'era una separazione dello spirituale dal materiale e la sua esaltazione.
Gli artisti hanno creato immagini illogiche e spaventose di oggetti comuni con precisione fotografica o hanno utilizzato tecniche pittoriche non standard che hanno permesso di esprimere il subconscio. Per raggiungere le profondità del loro subconscio, gli artisti hanno utilizzato una varietà di metodi, a volte radicali. C'erano spesso casi in cui i surrealisti lavoravano sotto l'influenza della fame, della droga, dell'ipnosi, della privazione del sonno o dell'anestesia. Nonostante il completo caos delle immagini, era ancora possibile discernere periodicamente in esse una certa premurosità. I surrealisti più famosi: Salvador Dalì (1904-1989), René Magritte (1898-1967). Salvador Dalì sapeva come dare effetto ai suoi dipinti Illusione Ottica, combinando rappresentazione naturalistica con temi assurdi. In uno dei suoi quadri più famosi "La persistenza della memoria" presentato su uno sfondo desertico strana creatura, simile ai resti di una specie di animale marino. In esso puoi vedere contemporaneamente i tratti del viso di una persona e di una lumaca senza guscio. Ci sono orologi in giro, ti fanno pensare alla fragilità della vita umana, alla fluidità e alla monotonia del tempo.

Salvador Dalì "La persistenza della memoria"

Alla fine del 19° secolo nasce film. Primo film brevi(15-20 metri, circa 1,5 minuti di dimostrazione) erano per lo più documentari, ma già nella drammatizzazione comica dei fratelli Lumiere “The Watered Waterman” si riflettono le tendenze all'emergere dei lungometraggi.
La breve durata dei primi film era dovuta alle imperfezioni tecniche dell'attrezzatura cinematografica, tuttavia, nel 1900, la lunghezza dei film era aumentata a 200-300 metri (15-20 minuti di dimostrazione). I miglioramenti nella tecnologia delle riprese e della proiezione hanno contribuito ad un ulteriore aumento della durata dei film, ad un aumento qualitativo e quantitativo delle tecniche artistiche di ripresa, recitazione e regia. E l'ampia distribuzione e popolarità del cinema ne assicuravano la redditività economica, che però non poteva che incidere sul valore artistico dei film girati. Durante questo periodo, man mano che le trame dei film diventavano più complesse e allungate, iniziarono a prendere forma i generi cinematografici, la loro originalità artistica e si creò un insieme di tecniche visive specifiche per ciascun genere.
Il cinema “muto” raggiunse il suo apice negli anni '20 del XX secolo, quando era già pienamente formato come forma d'arte indipendente. avendo il proprio mezzi artistici. I film comici con Charlie Chaplin hanno avuto un enorme successo. I primi film sonori apparvero nel 1928 e non furono subito accettati. Dopo la prima guerra mondiale il cinema europeo subì un declino e al primo posto arrivò il cinema americano.
In una zona pittoresca vicino a Los Angeles, i più grandi studi cinematografici americani cominciano a concentrarsi. La data di nascita ufficiale di Hollywood è il 1913. Primo grande successo arrivò a Walt Disney (1901-1966) nel 1929 con il film Silly Symphonies e il primo lungometraggio d'animazione al mondo, Biancaneve e i sette nani (1937). Tra questi film sono nati Plutone e Pippo, altri popolari eroi Disney, così come il primo film a colori con Topolino - "The Concert". La divulgazione della nuova forma d'arte è stata facilitata dai premi assegnati per i risultati ottenuti nel campo della cinematografia. La prima consegna del premio ebbe luogo il 19 maggio 1929, e fu qui che fu presa la decisione di istituire un premio annuale, chiamato Oscar. La tradizione di organizzare festival cinematografici internazionali in Europa risale al 1932. Il primo festival cinematografico internazionale ebbe luogo a Venezia e nel 1935 il primo festival cinematografico internazionale si tenne a Mosca.

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Cultura artistica. Cultura artistica russa dell'inizio del XX secolo

Cultura artistica russa inizio del 20° secolo era in uno stato di crisi spirituale associato allo stato d'animo di “frontiera”, alla crescita delle tendenze individualistiche, alla negazione del realismo e della socialità nell'arte. Secondo M.V. Nesterov, è arrivata l’era della “rivalutazione generale dei valori”. Uno dei fenomeni di quel tempo era la decadenza: il predominio di motivi decadenti, disperazione e rifiuto della vita; era molto spesso inerente ai movimenti modernisti. Il concetto di "modernismo" (francese moderne - moderno) implicava nuove tendenze nella letteratura e nell'arte che andavano contro le tradizioni realistiche degli anni precedenti. I seguaci del modernismo cercavano modi per esprimere l'individuo nell'arte, allontanandosi dalla realtà oggettiva e rifiutando in modo dimostrativo la sua riflessione veritiera. Il neoromanticismo prevalse nella letteratura, nella pittura e nella musica.

Per la letteratura russa, l'inizio del XX secolo. - periodo speciale. Questa volta segna gli ultimi anni della vita e del lavoro di L.N. Tolstoj. Nel romanzo "Resurrezione" (1899), lo scrittore condannò l'ingiustizia sociale ed espresse simpatia per le forze rivoluzionarie. La rottura di Tolstoj con la Chiesa (1901) trasformò il “tolstoismo” in una setta ostile all’Ortodossia. Il lavoro di A.P. ha guadagnato grande popolarità. Cechov, che in quegli anni scrisse i suoi migliori romanzi e racconti: "La mia vita", "Uomini", "La casa con soppalco", "La signora con il cane", "La sposa", così come i drammi "Il gabbiano" e “The Cherry Orchard” messo in scena sul palco del Teatro d'Arte di Mosca. Le opere di Cechov divennero una cronaca della vita dell'intellighenzia russa all'inizio del secolo. Estraneo alla “politica”, Cechov prevedeva una nuova vita felice per i suoi compatrioti, che dovevano lavorare “per il bene di un grande futuro”. Opere di A.M. "Old Woman Izergil", "Chelkash", "Girl and Death", "Song of the Falcon", "Song of the Petrel" di Gorky e altri glorificano il desiderio di libertà e amore dell'uomo, la sua disponibilità al sacrificio di sé nella lotta per alti ideali. Gorky ha proclamato una nuova direzione nella letteratura: il "realismo eroico", che non solo descrive la vita, ma è anche capace di essere "al di sopra, migliore, più bello". Nel 1906 Gorky scrisse il dramma "Nemici" e il romanzo "Madre". Esprimendo solidarietà ai rivoluzionari, si guadagnò la reputazione di scrittore proletario. All'inizio del secolo, la letteratura russa fu riempita con i nomi di giovani scrittori di talento: I.A. Bunin e A.I. Kuprin, che continuò le tradizioni realistiche del XIX secolo.

Il contrappeso al realismo in letteratura era movimenti modernisti– simbolismo, acmeismo, futurismo.

I principi del simbolismo, sorti nel 1890, furono dichiarati da D.S. Merezhkovsky e K.D. Balmont. Merezhkovsky credeva che la ragione del declino della letteratura fosse la predominanza del realismo, contrapponendolo all '"idealismo divino". La base della nuova arte, a suo avviso, doveva diventare il “contenuto mistico” espresso da “simboli”. Simbolisti – A.A. Blok, V.Ya. Bryusov, K.D. Balmont, A. Bely, F.K. Sologub, D.S. Merezhkovsky e altri hanno fatto cenno al lettore con favolose mondo ideale, vivendo secondo le leggi della “Bellezza eterna”. Affascinati dall'arte “pura”, che portava piacere estetico ai suoi creatori, i simbolisti preferivano l'individualismo, il narcisismo e cercavano un mondo sacro dove il loro “genio spontaneo” avrebbe trionfato. Ciò li avvicinò all’idea del “superuomo” di F. Nietzsche. I simbolisti evitavano la realtà sociale. Nel 1905 accettarono con entusiasmo le “bandiere rosse della rivoluzione” (A. Bely), ma questo loro “rivoluzionario” era solo una ribellione “estetizzata”, lontana dall’autentica ribellione. dramma storico. Solo i simbolisti più talentuosi furono in grado di elevarsi al di sopra dell’estetica “pura”. AA. Blok ha scritto cicli di poesie "Patria" e "Sul campo di Kulikovo", dedicandosi a temi della vita popolare e della storia russa. La creatività di Blok e A. Bely di quegli anni era sotto forte influenza poesia di N.A. Nekrasova.

L'acmeismo ("acme" greco - il punto più alto, il tempo di fioritura) nella poesia russa è nato come reazione al simbolismo con la sua negazione della realtà. I fondatori dell'Acmeismo furono N.S. Gumilev e S.M. Gorodetskij. Nel 1910 Gumilyov pronunciò un "discorso funebre" per il simbolismo e nel 1911 creò un circolo letterario, la "Bottega dei poeti". Acmeisti N.S. Gumilev, A.A. Akhmatova, O.E. Mandelstam, M.A. Kuzmin, G.V. Ivanov e gli altri si sono rivolti a veri e propri “problemi terreni” con la loro estetica e immagini sensuali. Consideravano la poesia una professione, un mestiere (da cui il nome "gilda") e cercavano di ripensare le semplici verità quotidiane, evitando deliberatamente ricerche socio-filosofiche. La prima raccolta di poesie di Anna Akhmatova, "Evening", ha ricevuto una vivace risposta da parte del pubblico. Sono stati notati l'accademismo del suo stile e la penetrazione nel mondo anima umana, Fiducia. Un eccezionale poeta acmeista era Gumilyov. Le sue poesie su temi storici e naturali-esotici hanno una precisione e una precisione uniche. L'ideale di un eroe lirico per Gumilyov era una personalità autosufficiente e volitiva.

Nel 1910-1912 Il futurismo è apparso nella poesia russa. Il nome di questo movimento indicava il desiderio dei suoi seguaci di essere poeti del “futuro”. C'erano diversi circoli futuristi. I più grandi - cubo-futuristi - D.D. Burlyuk, V.V. Khlebnikov, A.E. Kruchenykh, V.V. Kamensky, V.V. Majakovskij. Il leader degli egofuturisti era I.V. Settentrionale. B.L. Pasternak e N.N. Aseev ha iniziato la sua carriera creativa nel circolo futuristico “Centrifuge”. Il futurismo proclamava la libertà di parola poetica, il cosmopolitismo e il rifiuto delle tradizioni letterarie in nome di una nuova parola, di un nuovo stile, di un nuovo eroe, di un nuovo mondo. Khlebnikov si dichiarò "Presidente del Globo" e predisse la "rinascita della lingua" - la creazione di una "lingua assente" che unirebbe i popoli. Nel manifesto “Uno schiaffo al gusto pubblico” (1912), i futuristi invitarono a buttare giù Puskin, Dostoevskij e Tolstoj dal “piroscafo della modernità” e al loro congresso del 1913 crearono il Teatro Budetlyanin, simbolo del che presto divenne il “quadrato nero” di Malevich. Il lavoro di Mayakovsky occupava un posto speciale. Le sue prime poesie sono piene di lirismo, arguzia, sincera protesta contro il bigottismo e il decadimento sociale, nonché la volontà di partecipare alla creazione pratica di qualcosa di nuovo.

Un vero fenomeno della letteratura russa dell'inizio del XX secolo. divennero “poeti del popolo” con una visione estetica completamente nuova. SA Esenin, N.A. Klyuev, S.A. Klychkov, P.V. Oreshin, A.V. Shiryaevets, P.A. Radimov e altri hanno cantato con sentimento la natura, lo spirito e le tradizioni della Russia contadina, la fede ortodossa del popolo, il loro desiderio di una vita migliore (raccolte “Radunitsa” e “Libro d'ore rurale” di Yesenin, “Pines Chime” e “Pesnoslov " di Klyuev, "Canzoni" e " Il giardino segreto" di Klychkov, poesia lirica e ribelle di Oreshin). I poeti contadini erano membri di vari circoli e società: la “Società per la rinascita della Rus' artistica” di spirito monarchico presso la cattedrale sovrana Feodorovsky a Tsarskoye Selo (1915), il gruppo “Bellezza” (1915) e la società “Strada” (1915-1917) a Pietrogrado. Fino al 1917, il tema della rivoluzione e della "lotta di classe" non era molto evidente nel loro lavoro, sebbene Klychkov partecipò alla rivolta di Mosca del 1905 e Klyuev fu in prigione per 6 mesi con accuse "politiche". Entrambi i poeti simpatizzavano con i rivoluzionari. Klyuev ammirava il loro servizio sacrificale alla "santa causa", li paragonava ai primi martiri cristiani e piangeva "bruciati, piegati, uccisi". La visione poetica del mondo di Oreshin era meno sentimentale. Il suo eroe era un contadino indigente. I “poeti del popolo” sono uniti nelle loro idee sul passato, presente e futuro dei contadini della Grande Russia con il loro “paradiso della corteccia di betulla” o, come in Klyuev, “lo spazio della capanna” e il loro “Salvatore contadino”.

Nelle belle arti la cosa principale unione creativa rimase l'Associazione degli Itineranti, che si unirono i migliori pittori Russia. All'inizio del 20 ° secolo. includeva V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, I.E. Repin, V.E. Makovsky, V.D. Polenov, I.I. Levitan, A.I. Kuindzhi e altri. I loro dipinti si distinguono per la rappresentazione altamente fantasiosa e veritiera della vita popolare, dei soggetti della storia russa, natura nativa. Gli artisti A.P. erano vicini ai Wanderers. Riabushkin, A.M. Vasnetsov, V.V. Vereshchagin e altri Le tradizioni di questa scuola furono in gran parte ereditate da pittori che divennero famosi all'inizio del XX secolo: M.A. Vrubel, V.A. Serov, K.A. Korovin, M.V. Nesterov e altri.

L'impressionismo divenne una nuova direzione nella pittura, i cui rappresentanti di spicco furono K.A. Korovin, V.A. Serov, I.E. Grabar, F.A. Malyavin e altri Nelle loro opere hanno catturato in modo imparziale il mondo dinamico e in rapida evoluzione che li circonda. Le opere di Serov sono intrise di un'entusiasta poeticizzazione dell'uomo. Studente I.E. Repin, Serov ha abilmente rappresentato il profondo psicologismo delle immagini umane e ha anche guadagnato fama per i suoi paesaggi e dipinti storici. Il simbolismo è presentato nelle opere di M.A. Vrubel, che ha creato il suo fantastico mondo fatato e sforzandosi di rivelare il complesso mondo interiore dell'uomo, e V.E. Borisova-Musatova. L'Art Nouveau è stato sviluppato nelle opere di artisti mondiali: A.N. Benois, A.I. Kuindzhi, E.E. Lansere e altri.Al contrario, gli artisti K.S. Petrov-Vodkin, M.F. Larionov e altri seguirono le tradizioni della stampa popolare russa e della pittura di icone. All'inizio del secolo, il tema dell'antica Rus' attirò l'attenzione degli artisti. Si rifletteva chiaramente nelle opere di V.M. Vasnetsova, N.K. Roerich, I.Ya. Bilibina. Comprensione filosofica Qui si trovano i principi fondamentali ortodossi della vita russa, il patrimonio storico e spirituale del popolo russo primi lavori M.V. Nesterova.

Dopo la rivoluzione del 1905, le tendenze moderniste radicali nella pittura si intensificarono. Nel 1910 nacque l'avanguardia, che comprende il futurismo di A.V. Lentulov, astrattismo di V.V. Kandinsky e K.S. Malevich, ecc. Nel 1910-1911. Gli artisti d'avanguardia formarono la società del “Fante di quadri”. Secondo la definizione di Malevich, l’avanguardia è l’arte delle forme “pure” e della non oggettività. Nel 1915, la creazione concettuale di Malevich “Black Square” fu presentata in una mostra a Pietrogrado. Esperimenti di V.V. Kandinskij, R.R. Falka, P.N. Filonova, M.Z. Chagall e altri artisti d'avanguardia non erano devoti ai dettagli mondo reale, ma a schemi immaginari della struttura del mondo.

Il tema della vita e delle aspirazioni sociali dei contadini, il suo desiderio di una giusta riorganizzazione sociale (“prosperità generale”) alla vigilia e dopo la rivoluzione del 1917 è rivelato in modo esauriente nelle opere di E.V. Chestnyakov e altri artisti popolari.

L’industrializzazione del paese ha portato ad una rivoluzione nell’architettura. Nuovi materiali da costruzione (cemento armato, strutture metalliche) hanno accelerato il ritmo dello sviluppo urbano e cambiato l’aspetto delle città. L’Art Nouveau e gli stili neo-russi dominavano nell’architettura. Lo stile neo-russo, seguendo le tradizioni e lo spirito dell'antica architettura russa, si combina armoniosamente con le tendenze moderniste. Rappresentanti dell'Art Nouveau e dello stile neo-russo - F.O. Shekhtel, L.N. Kekushev, V.M. Vasnetsov, A.V. Shchusev e altri erano impegnati nella costruzione di edifici, il cui scopo era determinato dalle esigenze dell'epoca. Insieme a chiese e palazzi, queste erano stazioni ferroviarie, banche, scambi, telegrafi, fabbriche, fabbriche e negozi che divennero la decorazione delle città russe.

Una pietra miliare importante nella storia dell'arte teatrale russa fu l'apertura nel 1898 del Teatro d'Arte di Mosca (MAT), creato da K.S. Stanislavskij e V.I. Nemirovich-Danchenko - creatori nuova scuola recitazione e regia. Stanislavskij propose di rendere il nuovo teatro “ragionevole, morale, accessibile a tutti”. La prima produzione del Teatro d'Arte di Mosca è stata il dramma di A.K. Lo "Zar Fyodor Ioannovich" di Tolstoj e alla fine del 1898 ebbe luogo la prima del "Gabbiano" di Cechov, che in seguito divenne l'emblema del Teatro d'Arte di Mosca. Il repertorio del teatro consisteva quasi interamente nella drammaturgia di Cechov e Gorkij. Nel 1902, finanziato dal filantropo S.T. Morozov, fu costruito l'edificio del Teatro d'Arte di Mosca (architetto F.O. Shekhtel). Il Teatro d'Arte di Mosca è diventato un esempio di abile combinazione delle tradizioni teatrali classiche con le urgenti esigenze del nostro tempo. L'esperienza del Teatro d'Arte di Mosca ha acquisito un grande significato sociale, il desiderio di trasmettere la "verità della vita" sul palco ha causato un acceso dibattito. Feroci oppositori del Teatro d'Arte di Mosca furono i simbolisti V.Ya. Bryusov e V.E. Meyerhold. Bryusov ha criticato il Teatro d'Arte di Mosca per "verità non necessaria". Meyerhold contrapponeva i principi realistici e democratici del Teatro d'Arte di Mosca agli esperimenti estetici del teatro convenzionale. Nel 1904 fu aperta San Pietroburgo Teatro drammatico V.F. Komissarzhevskaya, vicino nello spirito al Teatro d'Arte di Mosca e all'intellighenzia democratica.

La leggendaria ballerina A.P. ha portato fama mondiale al balletto russo. Pavlova e il famoso coreografo M.M. Fokin. Lo schizzo coreografico “The Dying Swan” del compositore C. Saint-Saens è stato eseguito da Anna Pavlova e catturato dall'artista V.A. Serov, diventando un simbolo dell'arte del balletto. Nel 1911 Diaghilev creò da migliori artisti balletto, raccolto per la partecipazione alle "Stagioni russe", una compagnia permanente - "Balletti russi di Sergei Diaghilev". L'assistente di Diaghilev fu l'instancabile innovatore M.M. Fokine, che vedeva nel balletto “una comunità di danza, musica e pittura”.

Sviluppo del russo arte musicale incarnato nella creatività compositori eccezionali e nel creare un sistema educazione musicale. All'inizio del 20 ° secolo. Nuovi conservatori furono aperti a Saratov, Odessa e Kiev. Apparvero forme di educazione musicale extracurriculare: nel 1906 a Mosca, su iniziativa di S.I. Taneyev ha aperto il conservatorio popolare.

C'è stato un crescente interesse per la musica mondo interiore persona, il “segno dei tempi” è stato il rafforzamento del principio lirico. Il grande compositore russo N.A. Rimsky-Korsakov, erede delle tradizioni del "Mighty Handful", scrisse l'opera lirica "La sposa dello zar" (1898). Motivi lirici riflesso nelle opere di S.V. Rachmaninov e A.N. Scriabin - diplomati al Conservatorio di Mosca. Maestro delle soluzioni originali, Rachmaninov, tuttavia, seguì le tradizioni dei classici russi e fu un fedele allievo di P.I. Čajkovskij. Il lavoro di Scriabin era più complesso, innovativo e filosofico. Musica di I.F. Stravinsky ha avuto successo sul palcoscenico del balletto (balletti “L'uccello di fuoco”, “Petrushka”, “La sagra della primavera”). Il compositore ha mostrato interesse per il lontano passato storico del popolo russo e per il suo folklore.

Il Mariinsky e Mosca rimasero i centri della vita musicale Teatri Bolshoi. Qui si sono esibiti grandi cantanti lirici - F.I. Shalyapin, L.V. Sobinov, A.V. Nezhdanov. Ma aumentò anche l’autorevolezza dell’opera privata del S.I. Mamontov, poi S.I. Zimina. Sul palco dell'opera Mamontov si è rivelato per la prima volta talento unico l'attore e cantante Chaliapin, che, secondo A.M. Gorkij, la stessa “epoca” dell’arte russa, “come Pushkin”.

Il cinema è diventato una forma d'arte nuova e molto popolare. Il primo imprenditore cinematografico russo A.A. Khanzhonkov nel 1907-1908. ha iniziato la produzione di lungometraggi nazionali. Costruì una fabbrica cinematografica a Mosca, così come i cinema “Khudozhestvenny”, “Mosca” (ora Casa Khanzhonkov), ecc. Tra i primi lungometraggi russi ci sono “Il principe Argento” (1907), “Stenka Razin e la principessa " (1908), " Pietro il Grande" (1910), "Difesa di Sebastopoli" (1911).

Domande di controllo e compiti

1. Quali sono le principali caratteristiche dell'assetto politico-amministrativo Impero russo all'inizio del XX secolo?

2. Quali fattori hanno determinato il passaggio dalla divisione in classi della società russa alla divisione in classi?

3. Quali sono i risultati e le conseguenze socio-politiche della rivoluzione del 1905-1907?

4. Sulla base del contenuto delle Leggi Fondamentali del 1906, analizzare la natura dei cambiamenti in sistema statale Russia. Questo sistema è diventato costituzionale?

5. Quali sono le ragioni dell'incompletezza della riforma agraria di Stolypin?

6. Quali motivazioni hanno guidato la Russia nella scelta dei suoi alleati in politica estera all'inizio del XX secolo? Quali sono state le difficoltà nella scelta degli alleati?

7. Quali sono le principali contraddizioni nello sviluppo della cultura russa? Età dell'argento»?

Letteratura:

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2. Diari dell'imperatore Nicola II e dell'imperatrice Alexandra Feodorovna: in 2 volumi / Rep. ed., comp. V.M. Krustalev. M., 2012.

3. Kiryanov Yu.I. Partiti di destra in Russia. 1911-1917 M., 2001.

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7. Tyukavkin V.G.. I grandi contadini russi e la riforma agraria di Stolypin. M., 2001.

8. Shatsillo K.F.. Dalla pace di Portsmouth alla prima guerra mondiale. Generali e politica. M., 2000.

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