Argomento della lezione: Civiltà occidentale nella prima metà del XX secolo. Arte e architettura. Parte 1.
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Le principali direzioni dell'arte e della cultura nel periodo tra la prima e la seconda guerra mondiale:
Dadaismo o Dadaismo - movimento modernista nella letteratura, nelle belle arti, nel teatro e nel cinema. Ha avuto origine durante Prima guerra mondiale nella Svizzera neutrale, Zurigo. Esisteva dal 1916 al 1922.
Dadaismo espresso più chiaramente in singole buffonate scandalose: scarabocchi di recinzioni (le radici del moderno graffiti), pseudo-disegni privi di significato, accostamenti di oggetti casuali. Negli anni '20, francese Dadaismo fuso con surrealismo, e in Germania - con espressionismo.
Origine del termine
Il fondatore del movimento è un poeta Tristan Tzara trovato una parola nel dizionario "Si si". “Nella lingua della tribù negra Kru”, scrive Tzara in un manifesto del 1918, “significa la coda della vacca sacra, in alcune zone d'Italia è quella che chiamano madre, può essere una designazione per il bambino cavallo di legno, balia, doppia affermazione in russo e rumeno... Potrebbe "essere la riproduzione di chiacchiere incoerenti per bambini. In ogni caso, qualcosa di completamente privo di significato, che da quel momento in poi divenne il nome di maggior successo dell'intero movimento".
Caratteristica
Dadaismoè nata come reazione alle conseguenze Prima guerra mondiale, la cui crudeltà, secondo Dadaisti, ha sottolineato l'insensatezza dell'esistenza. Il razionalismo e la logica furono dichiarati tra i principali colpevoli di guerre e conflitti devastanti. Basato su questo, Dadaisti(in particolare, A. Bretone) credeva che la cultura europea moderna dovesse essere distrutta scomposizione dell'art(in particolare, espressione artistica e linguaggio).
L'idea principale Dadaismo era distruzione coerente di qualsiasi estetica. Dadaisti proclamato: “I dadaisti non sono niente, niente, niente, senza dubbio non realizzeranno niente, niente, niente”. 
Principi di base si si c'era irrazionalità, negazione dei canoni e degli standard riconosciuti nell'arte, cinismo, delusione e mancanza di sistema. Si crede che Dadaismo era il predecessore surrealismo, che ha in gran parte determinato la sua ideologia e i suoi metodi.
Principalmente Dadaismo presentato in letteratura, ma ha ricevuto qualche riflessione anche nel cinema.
Rappresentanti del dadaismo
Hans Arp (1886-1966), Germania, Svizzera e Francia
Marcel Duchamp (1887-1968), Francia
Max Ernst (1891-1976), Germania e Stati Uniti
Otto Freundlich (1878-1943), Germania, Francia
Philippe Soupault (1897-1990), Francia
Tristan Tzara (1896-1963), Francia
Hugo Ball (1886-1927), Germania
Raoul Hausmann (1886-1971), Germania
Kurt Schwitters (1887-1948), Germania
Cubismo(Cubismo francese) - direzione d'avanguardia nelle belle arti, principalmente nella pittura, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme convenzionali enfaticamente geometrizzate, dal desiderio di “dividere” oggetti reali in primitivi stereometrici.
L'emergere del cubismo
Emergenza cubismo tradizionalmente datato al 1906-1907 e associato alla creatività Pablo Picasso E Giorgio Braque. Termine "cubismo" apparve nel 1908, dopo il critico d'arte Luigi Vaucelle nominati nuovi dipinti Matrimonio "stranezze cubiche" (francese: bizarreries cubiques).
Dal 1912 a cubismo sta emergendo un nuovo ramo, chiamato dai critici d'arte "cubismo sintetico". Una semplice dichiarazione degli obiettivi e dei principi principali cubismo abbastanza difficile da dare; nella pittura si può distinguere tre fasi questa direzione, riflettendo diversi concetti estetici, e considerarli separatamente: Quella di Cézanne (1907-1909), analitico(1909-1912) e sintetico (1913-1914) cubismo.
Importanti risultati
Le opere cubiste più famose dell'inizio del XX secolo furono i dipinti Picasso "Les Demoiselles d'Avignon", "Chitarra", opere di artisti come Juan Gris, Fernand Léger, Marcel Duchamp, sculture Alessandra Archipenko e così via. Cubismo sviluppato fuori dalla Francia; particolarmente fruttuoso in Cecoslovacchia.
Cubismo di Cézanne
Questo è ciò che viene solitamente chiamata la prima fase. cubismo, che è caratterizzato una tendenza all'astrazione e alla semplificazione delle forme degli oggetti. Secondo uno dei primi ricercatori dell'arte moderna André Salmona, cubismo era una reazione alla mancanza di forma impressionismo, e il suo sviluppo è dovuto alle idee postimpressionisti, particolarmente artisti simbolisti, che si opponevano a obiettivi e interessi puramente pittoreschi impressionisti fenomeni di ordine semantico. Seguente trascendentalismo fine del XIX secolo, sostenevano questo La vera realtà è l'idea e non il suo riflesso nel mondo materiale. Il ruolo dell'artista, quindi, è quello di creare forme simboliche per incarnare idee, piuttosto che imitare l'aspetto mutevole delle cose. Questo concetto è diventato la ragione per analizzare i mezzi a disposizione dell’artista, chiarirne le capacità espressive e stabilire l’ideale di un’arte puramente espressiva, come la musica, poco dipendente dal mondo esterno. U Simbolisti le sperimentazioni in questo campo hanno riguardato principalmente la linea e il colore, ma un simile approccio analitico, una volta applicato, ha inevitabilmente portato a analisi della forma.
Influenza diretta sulla formazione cubismo sperimentato la forma nella pittura Paolo Cézanne. Nel 1904 e nel 1907 si tennero mostre delle sue opere a Parigi. IN " PRitratto di Gertrude Stein", creato Picasso nel 1906 la passione per l'arte è già sentita Cezanne. Poi Picasso dipinto un quadro "Le ragazze di Avignone", che è considerato il primo passo verso cubismo. Probabilmente incarnava l’interesse dell’artista per la scultura primitiva iberica e negra. Durante il 1907 e l'inizio del 1908 Picasso continuò a utilizzare forme di scultura negra nelle sue opere (più tardi questa volta cominciò a essere chiamata "Negro" periodo del suo lavoro).
Nell'autunno del 1907 ebbero luogo due eventi importanti: una mostra retrospettiva Cezanne e conoscenza Matrimonio E Picasso. Estate 1907 Matrimonio trascorso a Estaque, dove si interessò alla pittura Cezanne. Dalla fine del 1907 Matrimonio E Picasso ha iniziato a lavorare in stile cubista.
Cubisti, che furono fortemente influenzati da alcuni postulati formulati Cezanne e pubblicato Emilio Bernardo nell'autunno del 1907, ricercato identificare le forme geometriche più semplici sottostanti gli oggetti. Per esprimere più pienamente le idee delle cose, loro rifiutò la prospettiva tradizionale come un'illusione ottica e ha cercato di darne un quadro completo formare decomposizioni e combinando diversi tipi in un'unica immagine. Ha portato ad un crescente interesse per i problemi di forma differenziazione nell'uso dei colori: caldo - per elementi sporgenti, freddo - per quelli distanti.
Cubismo analitico
Cubismo analitico, seconda fase cubismo, caratterizzato la scomparsa delle immagini degli oggetti e la progressiva cancellazione delle distinzioni tra forma e spazio. Nei dipinti di questo periodo compaiono colori iridescenti, piani traslucidi che si intersecano, la cui posizione non è chiaramente definita. La disposizione delle forme nello spazio e il loro rapporto con le grandi masse compositive è in continua evoluzione. Di conseguenza, c'è interazione visiva di forma e spazio.
Elementi cubismo analitico apparso nelle opere Matrimonio già nel 1909, ed in lavorazione Picasso- nel 1910; tuttavia un impulso più forte per lo sviluppo di questa fase dello stile venne dato dal sodalizio artistico "Rapporto aureo", fondata nel 1912 Albert Gleizes, Jean Metzinger e fratelli Marcel Duchamp, Raymond Duchamp-Villon E Jacques Villon. Il libro fu pubblicato quello stesso anno Gleza E Metzinger "A proposito del cubismo", e nel 1913 poeta Guillaume Apollinaire ha pubblicato un libro "Artisti cubisti". Hanno delineato il principale principi dell'estetica cubismo, su cui si basava il concetto di un universo dinamico e in costante cambiamento Henri Bergson, così come le scoperte delle scienze naturali e della matematica effettuate agli albori dell'era industriale. All'artista è stato affidato il ruolo di creatore di un nuovo modo di vedere il mondo.
Cubismo sintetico
Cubismo sintetico notato un cambiamento radicale nella percezione artistica del movimento. Questo è apparso per la prima volta nei lavori Juan Gris, che ne divenne un attivo sostenitore cubismo dal 1911. Cubismo sintetico ha cercato di arricchire la realtà creando nuovi oggetti estetici che abbiano la realtà in sé e non siano solo un'immagine del mondo visibile. Questa fase di stile è caratterizzata da negazione dell'importanza della terza dimensione nella pittura E enfatizzando la superficie pittorica. Se dentro analitico E cubismo ermetico tutti i mezzi artistici dovevano servire a creare un'immagine della forma, quindi in cubismo sintetico colore, struttura della superficie, motivo e linea vengono utilizzati per costruire (sintetizzare) un nuovo oggetto. I primi segni di questa tendenza apparvero già nel 1912, ma ricevette la sua incarnazione più completa nei collage del 1913. Frammenti di carta di diverse forme e trame furono incollati sulla tela: dai giornali e dagli appunti alla carta da parati. Gli artisti hanno sostenuto che la superficie del dipinto non è una riproduzione illusoria della realtà, ma un oggetto autosufficiente. Presto, però, cubisti lasciato l'attrezzatura applicazioni, perché, come sembrava loro, l'immaginazione dell'artista può creare combinazioni più ricche di elementi e trame, non limitate dalle capacità della carta.
Negli anni '20 cubismo ha praticamente concluso la sua esistenza, avendo avuto un notevole impatto sullo sviluppo dell'arte del XX secolo.
Pittura metafisica
Pittura metafisica (Italiano: Pittura metafisica)- orientamento nella pittura italiana del primo Novecento.
De Chirico e la formazione del gruppo
Antenato pittura metafisicaÈ Giorgio de Chirico, che, durante il suo soggiorno a Parigi nel 1913-1914, creò paesaggi urbani del deserto, anticipando l'estetica futura metafisica; la sua serie "Le Piazze d'Italia" ha dato una dimensione fantastica all’italiano convenzionale classico architettura, che ha ricreato nei suoi dipinti. Nel 1915, l'Italia entrò nella prima guerra mondiale, l'artista fu costretto a tornare a Ferrara, dove attendeva la mobilitazione. Formazione di un gruppo di artisti che professavano l'estetica metafisica, accadde nel 1916, quando i destini confluirono in un ospedale di Ferrara Giorgio De Chirico con chi ha rotto Futurismo di Carlo Carrà, Filippo de Pisis e fratello minore De Chirico, Andrea che ha preso uno pseudonimo Alberto Savinio. Negli anni '20 si unì a loro brevemente Giorgio Morandi.
Estetica
IN pittura metafisica la metafora e il sogno diventano la base perché il pensiero vada oltre la logica ordinaria, e il contrasto tra l'oggetto raffigurato in modo realistico e accurato e la strana atmosfera in cui era collocato ha accentuato l'effetto surreale.
Movimento metafisico sulla base di questo nuovo approccio alla pittura nacque e nel 1916-1922 riunì artisti e scrittori attorno alla rivista "Valori Plastici", in cui è stata pubblicata una serie di lavori teorici De Chirico E Savinio dedicato alla pittura metafisica. Nel mio lavoro "Anadiomene" di Alberto Savinio formula due principi fondamentali della poetica metafisica: "spettralità" e "ironia". Soggetto "manichino", che diventa il filo conduttore dei dipinti De Chirico E Carrà, anch'esso apparso per la prima volta nelle voci Savinio. Pittura metafisica fatto affidamento immagini del precedente art e incluso vari elementi culturali del passato. Savinio E De Chirico sono stati chiaramente influenzati neoclassico pittura Arnold Böcklin; Carlo Carra, che si allontanò dagli esperimenti futuristici, tornò all'antico classico tradizioni - Dipinti del Trecento e del Quattrocento(lo si può vedere nelle sue costruzioni prospettiche nei paesaggi). Famoso critico d'arte italiano Roberto Longhi una volta lo notò argutamente "Il Quattrocento è diventato un palcoscenico d'opera per burattini metafisici e ospiti di pietra". Gli artisti hanno cercato di trovare linea metafisica tra il mondo dei viventi e quello dei non viventi, quindi nei loro dipinti gli esseri viventi sembrano cose inanimate, UN gli oggetti inanimati vivono le loro vite segrete. Affatto "segreto"- parola preferita Giorgio De Chirico.
Due tendenze
IN movimento metafisico si notava due tendenze: uno è particolarmente ricco significati e reminiscenze simboliche e letterarie (De Chirico, Savinio), la seconda è meno dottrinaria, ma più condizionale fantasia pittoresca (Carrà, Morandi). Il movimento non ha creato una propria scuola o un gruppo specifico; è stata piuttosto una reazione futurismo, espressione della sua crisi, e fu in questa veste che ebbe influenza in Italia, dove altri artisti cominciarono a professare in quel periodo un'estetica simile (Mario Sironi, Ardengo Soffici, Massimo Campigli, Atanasio Soldati), così come in tutta Europa.
Fine della scuola
Movimento metafisico scomparve dalla scena abbastanza rapidamente. L'ultimo dipinto in questo stile De Chirico scrisse nel 1918, Morandi nel 1920, e Carrà nel 1921. Tuttavia, una serie di idee metafisici sono stati prelevati surrealisti. Movimento metafisico Due grandi mostre in Germania, tenutesi nel 1921 e nel 1924, furono dedicate alla pittura.
Lavori artisti metafisici particolarmente ampiamente rappresentato nei musei e nelle collezioni private milanesi (collezioni Ucker, Toninelli, Mattioli); a Londra (raccolta di Roland Penrose); a New York (Museo d'Arte Moderna); a Chicago (Istituto d'Arte); a Stoccolma (Museo Nazionale) e a Venezia (Fondazione Peggy Guggenheim).
Gruppo "Stile"
Espressionismo (dal latino expressio, "espressione")- un movimento d'avanguardia nell'arte europea che si sviluppò tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, caratterizzato dalla tendenza ad esprimere le caratteristiche emotive di una o più immagini (di solito una persona o un gruppo di persone) o lo stato emotivo dell'immagine artista stesso. Espressionismo rappresentato in una varietà di forme artistiche, tra cui pittura, letteratura, teatro, cinema, architettura e musica.
"L'espressionismo, uno dei movimenti artistici più influenti del XX secolo, si è formato principalmente sul suolo tedesco e austriaco. Essendo emerso nelle arti visive (il gruppo "Bridge", 1905; "The Blue Rider", 1912), esso acquisì il suo nome solo nel 1911 dal nome del gruppo di artisti francesi che apparvero alla mostra della Secessione di Berlino. il concetto di "espressionismo" diffuso alla letteratura, al cinema e ai campi correlati della creatività come designazioneun sistema in cui, in contrasto con il naturalismo e l'estetismo, si afferma l'idea dell'impatto emotivo diretto, dell'accentuata soggettività dell'atto creativo, dell'aumento dell'affettazione, della condensazione dei motivi del dolore, del grido, e quindi il principio dell'espressione prevale su quello Immagine."
Prerequisiti per l'emergere e l'origine del termine
Si crede che espressionismo ha avuto origine in Germania e il filosofo tedesco ha svolto un ruolo importante nella sua formazione Friedrich Nietzsche, che ha attirato l'attenzione su tendenze precedentemente immeritatamente dimenticate nell'arte antica. Nel libro "La nascita della tragedia o ellenismo e pessimismo" (1871) Nietzsche espone la sua teoria dualismo, costante lotta tra due tipi di esperienza estetica, due inizi nell'arte greca antica, che lui chiama Apollineo e Dionisiaco . Nietzsche polemizza con tutta la tradizione estetica tedesca, che interpretava ottimisticamente con la sua luce l'arte greca antica, Apollineo sostanzialmente l'inizio. Per la prima volta parla di un'altra Grecia: tragica, inebriata di mitologia, Dionisiaco, e traccia parallelismi con i destini dell'Europa. Inizio apollineo rappresenta l'ordine, l'armonia, la calma artistica e dà origine alle arti plastiche (architettura, scultura, danza, poesia), Inizio dionisiaco - questa è ebbrezza, oblio, caos, dissoluzione estatica dell'identità nella massa, che dà vita all'arte non plastica (prima di tutto la musica). Inizio apollineo si oppone Dionisiaco come l'artificiale si oppone al naturale, condannando tutto ciò che è eccessivo e sproporzionato. Tuttavia, questi due principi sono inseparabili l'uno dall'altro, agiscono sempre insieme. Combattono secondo Nietzsche, nell'artista, e entrambi sono sempre presenti in qualsiasi opera d'arte.
Influenzato dalle idee Nietzsche Si rivolgono ad artisti e scrittori tedeschi (e poi anche ad altri). caos di sentimenti, a quello, quello Nietzsche chiamate "Inizio dionisiaco". Nella sua forma più generale, il termine "espressionismo" si riferisce a opere in cui con mezzi artistici forti emozioni espresse, e quello stesso espressione delle emozioni, la comunicazione attraverso le emozioni diventa l'obiettivo principale della creazione di un'opera.
Si ritiene che il termine stesso "espressionismo"è stato introdotto da uno storico dell'arte ceco Antonin Mateshek nel 1910 in contrapposizione al termine "impressionismo": "L'espressionista vuole soprattutto esprimere se stesso...<Экспрессионист отрицает...>impressione istantanea e costruisce strutture mentali più complesse... Impressioni e immagini mentali attraversano l'animo umano come attraverso un filtro che le libera da tutte le cose superficiali per rivelare la loro pura essenza<...и>unire, condensare in forme, tipi più generali, che esso<автор>li riscrive attraverso semplici formule e simboli."
Espressionismo in architettura
I maggiori rappresentanti - Erich Mendelsohn, finlandesi Ero Saarinen E Álvar Aalto; opere chiave - Teatro dell'Opera di Sydney (architetto Jorn Utzon) E Centro Olimpico a Tokio (architetto: Kenzo Tange).
Rappresentanti dell'espressionismo
arte
Hans (Jean) Arp (1887-1966)
Aleksandr Archipenko (1887-1964)
Ernest Barlach (1870-1938)
Max Beckmann (1884-1950)
George Gros (1893-1959)
Otto Dix (1891-1969)
Heinrich Campendonk (1889—1957)
Vasilij Kandinskij (1866-1944)
Ernst Ludwig Kirchner (1880—1938)
Paul Klee (1879-1940)
Oskar Kokoschka (1886-1980)
Alfred Kubin (1877-1959)
Agosto Macke (1887-1914)
Franz Marc (1880-1916)
Amedeo Modigliani (1884—1920)
Edvard Munch (1863-1944)
Otto Müller (1874-1930)
Ernst Wilhelm Nye (1902—1968)
Emil Nolde (1867—1956)
Max Pechstein (1881-1955)
Cristiano Rolfs (1849-1938)
Georges Rouault (1871-1958)
Chaim Soutine (1893-1943)
Erich Heckel (1883—1970)
Ossip Zadkine (1890-1967)
Egon Schiele (1890-1918)
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976)
Aleksej von Jawlenskij (1864-1941)
Konrad Felixmuller (1897-1977)
Wilhelm Morgner (1891-1917)
Gustav Klimt (1862-1918)
Frida Kahlo (1907-1954)
Il cubismo, come movimento artistico d'avanguardia, nacque e si sviluppò nel primo quarto del XX secolo in Francia, così come in alcuni altri paesi. I rappresentanti del cubismo francese, che ha dato il nome all'intero movimento (dal cubismo francese), sono considerati J. Braque, P. Picasso, H. Gris. Lo stile cubista si sviluppò, producendo esperimenti formali, a prima vista, nell'identificazione di forme geometriche ordinarie, nella scomposizione di forme più complesse in forme semplici e anche nella creazione di forme volumetriche su un piano.
Se parliamo dell'aspetto storico, l'apparizione di questo stile risale al 1907, e l'inizio del movimento stesso è strettamente connesso con le opere di Pablo Picasso e Braque, mentre uno dei primi dipinti di Picasso “Les Demoiselles d'Avignon” è attribuito a questo genere. La tela raffigura contorni di forma irregolare, senza applicare i principi base del disegno.
I disegni nello stile del cubismo hanno rotto tutti gli stereotipi dello sviluppo artistico che si erano sviluppati durante lo sviluppo delle belle arti in Europa, a partire dal Rinascimento. Entrambi gli artisti - rappresentanti di questo stile - Braque e Picasso preferivano mostrare soggetti ordinari e primitivi, cercando allo stesso tempo tipi semplificati. Considerando che il loro compito principale era la costruzione di un elemento tridimensionale su una superficie, gli artisti erano considerati rappresentanti di una prima forma di cubismo, che apparteneva al periodo “Cézanne”, il cui periodo di massimo splendore risale al 1907-1909. Il volume nei dipinti di quel periodo veniva esaltato con l'aiuto del colore, mentre enormi volumi cadevano visivamente sulla tela. Un esempio lampante di tale immagine è il dipinto di P. Picasso “Tre donne”.
I critici chiamarono l’ulteriore periodo di sviluppo del cubismo di due anni il termine “cubismo analitico”, caratterizzato dall’immagine di cose frantumate in piccole particelle. Queste particelle sono chiaramente separate l'una dall'altra da linee, ma allo stesso tempo l'intera posizione raffigurata appare sfocata sulla tela. Altra caratteristica è l'assoluta assenza di colori sulla tela. Un esempio di ciò è il disegno di Braque “In onore di Bach”, dipinto nel 1912. L'ultimo periodo di sviluppo del cubismo, anch'esso biennale, chiamato sintetico, differisce dai due precedenti in quanto durante la sua formazione i dipinti si trasformano gradualmente in pannelli colorati. Gli artisti hanno cercato di trovare nuovi oggetti per l'esposizione estetica, negando il ruolo della terza dimensione nel mondo artistico. Pertanto, nell'immagine vengono introdotte lettere stencil e poesie di diverse dimensioni, vengono creati collage e le forme acquisiscono una pronunciata qualità decorativa. Durante questo periodo, insieme a Picasso e Braque, anche Juan Gris iniziò a creare nello stile del cubismo sintetico. Un esempio di tale creatività è stato il dipinto “Taverna” di P. Picasso del 1924. Con lo scoppio della guerra, la fruttuosa collaborazione tra Picasso e Braque si incrinò, ma va notato che le loro opere ebbero un'enorme influenza su molte altre aree della pittura: Vorticismo, Orfismo e anche Futurismo.
Riassumendo tutto ciò che è stato detto, notiamo che questa direzione ha lasciato un segno importante nella storia dello sviluppo di molte aree dell'arte. Nonostante questo genere non abbia sempre trovato i suoi ammiratori, ha comunque offerto l'opportunità di aiutare coloro che entrano in un mondo dell'arte così controverso a pensare in modo astratto.
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Cubismo Cubismo
(francese cubisme, da cubo - cubo), movimento modernista nelle belle arti (principalmente pittura) del primo quarto del XX secolo. L'emergere del cubismo risale al 1907, quando P. Picasso dipinse il dipinto “Les Demoiselles d'Avignon” (Museum of Modern Art, New York), insolito nella sua acuta grottesca: figure deformate e ruvide sono qui raffigurate senza alcun elemento di chiaroscuro e prospettiva, come combinazione di scomposizione sul piano dei volumi. Nel 1908, a Parigi, si formò il gruppo “Bateaux-lavoir” (“Raft Boat”), che comprendeva Picasso, J. Braque, lo spagnolo X. Gris, gli scrittori G. Apollinaire, G. Stein e altri. , formarono e furono espressi in modo coerente i principi fondamentali del cubismo.Un altro gruppo, che sorse nel 1911 a Puteaux vicino a Parigi e prese forma nel 1912 alla mostra "Section d'or" ("Sezione aurea"), comprendeva divulgatori e interpreti del Cubismo - A. Glez, J. Metsenger, J. Villon, A. Le Fauconnier e artisti che solo parzialmente entrarono in contatto con il Cubismo - F. Léger, R. Delaunay, il ceco F. Kupka. La parola "Cubisti" fu usato per la prima volta nel 1908 dal critico francese L. Vaucelles come soprannome beffardo per gli artisti che raffiguravano soggetti del mondo sotto forma di combinazioni di volumi geometrici regolari (cubo, sfera, cilindro, cono).
Il cubismo, nato nelle condizioni di un'acuta crisi della cultura borghese nell'era dell'imperialismo, segnò una rottura decisiva con le tradizioni dell'arte realistica. Allo stesso tempo, il lavoro dei cubisti aveva il carattere di una sfida alla bellezza standard dell’arte da salotto, alle vaghe allegorie del simbolismo e all’instabilità della pittura tardo impressionista. Minimizzando e spesso abbandonando completamente la funzione visivo-cognitiva dell'arte, cercando di costruire le loro opere da una combinazione di forme elementari, "primarie", i rappresentanti del cubismo si sono rivolti alla costruzione di una forma volumetrica su un piano, smembrando un volume reale su un piano geometrizzato corpi, spostati, che si intersecano tra loro, percepiti da diversi punti di vista. Entrando nella cerchia dei movimenti ribelli borghesi-individualisti, il cubismo si distinse tra loro per la sua attrazione per il duro ascetismo del colore, per forme semplici, pesanti, tangibili, per motivi elementari (come casa, legno, utensili, ecc.). Ciò è particolarmente caratteristico della prima fase del cubismo, che si sviluppò sotto l'influenza della pittura di P. Cezanne (la sua mostra postuma ebbe luogo a Parigi nel 1907) e della scultura africana. In questo periodo “Cézanne”, il cubismo (1907-09), la geometrizzazione delle forme enfatizza la stabilità e l’oggettività del mondo; potenti volumi sfaccettati sembrano essere strettamente disposti sulla superficie della tela, formando una sorta di rilievo; il colore, evidenziando le singole sfaccettature di un oggetto, esalta e contemporaneamente frammenta il volume (P. Picasso, “Tre donne”, 1909, Hermitage; J. Braque, “Estaque”, 1908, Kunstmuseum, Berna). Nella fase successiva, “analitica”, del cubismo (1910-12), l'oggetto si disintegra, si divide in piccoli bordi nettamente separati gli uni dagli altri; la forma dell'oggetto sembra distesa sulla tela (P. Picasso, “A. Vollard”, 1910, Museo Pushkin; J. Braque, “In onore di J. S. Bach”, 1912, collezione privata, Parigi). Nell’ultima fase, “sintetica” (1912-14), vince il principio decorativo e i dipinti si trasformano in pannelli piatti colorati (P. Picasso, “Chitarra e violino”, 1913, GE; J. Braque, “Donna con Chitarra”, 1913, Museo Nazionale d'Arte Moderna, Parigi); C'è interesse per tutti i tipi di effetti strutturati: adesivi (collage), polveri, strutture tridimensionali su tela, ovvero il rifiuto di rappresentare lo spazio e il volume è, per così dire, compensato da strutture materiali in rilievo nello spazio reale. Allo stesso tempo, apparve la scultura cubista con la sua geometrizzazione e spostamenti di forma, costruzioni spaziali su un piano (composizioni e assemblaggi non figurativi - sculture di materiali eterogenei di Picasso, opere di A. Laurent, R. Duchamp-Villon, rilievi e figure geometrizzati di O. Zadkine, J. Lipchitz, controrilievi concavi di A. P. Archipenko). Nel 1914, il cubismo iniziò a cedere il passo ad altri movimenti, ma continuò a influenzare non solo gli artisti francesi, ma anche i futuristi italiani, i cubo-futuristi russi (K. S. Malevich, V. E. Tatlin), gli artisti tedeschi del Bauhaus (L. Feininger, O. Schlemmer). . Il tardo cubismo si avvicinò all'arte astratta (“cubismo astratto” di R. Delaunay); allo stesso tempo, alcuni dei maggiori maestri del XX secolo, che cercarono di sviluppare un linguaggio artistico moderno, laconico ed espressivo, si appassionarono al cubismo , superando la sua influenza, - il messicano D. Rivera, i cechi B Kubishta, E. Filla e O. Gugfreund, l'italiano R. Guttuso, il polacco Yu. T. Makovsky e altri.
P. Picasso. "Signora con ventaglio" 1909. Museo di Belle Arti intitolato ad A. S. Pushkin. Mosca.
(Fonte: “Enciclopedia dell'arte popolare”. A cura di V.M. Polevoy; M.: Casa editrice “Enciclopedia sovietica”, 1986.)
cubismo(Fonte: “Art. Enciclopedia illustrata moderna”. A cura del Prof. Gorkin A.P.; M.: Rosman; 2007.)
Scopri cos'è "Cubismo" in altri dizionari:
Una delle prime tendenze dell'arte d'avanguardia. L'anno della sua origine è considerato il 1907, quando Picasso espose il suo programma cubista. il dipinto “Le fanciulle di Avignone” e poco dopo il “Nudo” delle Nozze. Il nome K. è stato dato alla direzione in... ... Enciclopedia degli studi culturali
Cubismo- Cubismo. P. Picasso. Ritratto di A. Vollard. 1910 Mosca. Museo statale di belle arti dal nome. COME. Puškin. CUBISM (francese cubisme, da cubo cubo), movimento d'avanguardia nelle belle arti del primo quarto del XX secolo. Si è sviluppato... Dizionario enciclopedico illustrato
Una direzione pittorica nata in Francia intorno al 1908, che può essere considerata una reazione all'impressionismo (vedi questa parola) con la sua attrazione per la pienezza luminosa del quadro, che faceva perdere la chiarezza dei dettagli dei singoli oggetti, Piace... Enciclopedia letteraria
Cubismo- CUBISMO Movimento pittorico nato in Francia intorno al 1908, che può essere considerato una reazione all'impressionismo (vedi questa parola) con la sua attrazione per la pienezza della luce nel quadro, che faceva perdere la chiarezza dei singoli dettagli. .. ... Dizionario dei termini letterari
- [fr. cubisme] causa. movimento d'avanguardia (AVANTGARDIST) nelle belle arti dell'inizio del XX secolo; i cubisti scomponevano un oggetto in facce piatte o lo paragonavano ai corpi più semplici: una palla, un cono o un cubo. Dizionario delle parole straniere. Komlev N.G., 2006 ... Dizionario delle parole straniere della lingua russa
- (cubismo francese da cubo cubo), movimento d'avanguardia nelle belle arti 1° quarto. 20 ° secolo Si è sviluppato in Francia (P. Picasso, J. Braque, H. Gris) e in altri paesi. Il cubismo ha portato alla ribalta gli esperimenti formali nella costruzione... ... Grande dizionario enciclopedico
CUBISMO, cubismo, tanti. nessun marito (da cubo1) (obbligatorio). Movimento pittorico (in parte anche in altre arti) dell'inizio del XX secolo, che raffigurava oggetti della realtà scomposti in forme geometriche semplici, senza osservare alcuna somiglianza esterna con... ... Dizionario esplicativo di Ushakov
CUBISMO, eh, marito. Nelle belle arti dell'inizio del XX secolo: la direzione formalista, i suoi seguaci rappresentavano il mondo oggettivo in forme geometriche semplici (cubo, cono, facce). | agg. cubista, oh, oh e cubista, oh, oh... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov
cubismo- a, m.cubime cubo. Movimento formalista d'avanguardia nelle prime belle arti europee. 20 ° secolo; Cercando di rivelare la struttura geometrica del volume, i cubisti scomponevano l'oggetto in facce piane o lo paragonavano ai corpi più semplici... Dizionario storico dei gallicismi della lingua russa
Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon, 1907 Cubismo (cubismo francese) modernista... Wikipedia
una direzione del modernismo che ha tentato di modellare - attraverso la creatività artistica - una specifica teoria della conoscenza, basata sul presupposto dell'antipsicologismo (vedi Antipsicologismo). Rappresentanti classici della pittura nella pittura sono J. Braque, P. Picasso, F. Leger, H. Gris, R. Delaunay (in un certo periodo del suo lavoro), J. Metzinger e altri; in poesia - G. Apollinaire, A. Salmon e altri.Il termine "K." fu utilizzato per la prima volta da Matisse (1908) in relazione al dipinto di J. Braque “Houses in Estac”, che presumibilmente gli ricordava i blocchi dei bambini. Nello stesso 1908, nel numero di ottobre della rivista “Gils Blas”, il critico L. Voxen notava che la pittura moderna “si riduce alla rappresentazione di cubi” - quindi “il nome della nuova scuola era originariamente nella natura di ridicolo” (J. Golding). Nel 1907-1908, K. prese forma come direzione nella pittura (il dipinto di P. Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”, 1907, è tradizionalmente considerato il biglietto da visita di K.); alla fine degli anni '10, il poeta francese A. Salmon registrò “l'inizio di un'arte completamente nuova” - sia in relazione alla pittura che in relazione alla poesia. Geneticamente, K. risale all'espressionismo (secondo P. Picasso, "quando abbiamo inventato il cubismo, non intendevamo inventarlo affatto. Volevamo solo esprimere ciò che era in noi stessi /enfatizzato da me - M.M./" (vedi Espressionismo).Come ogni movimento modernista, K. dimostra una metodologia programmatica e atteggiamenti puramente riflessivi riguardo alla comprensione della creatività artistica: già nel 1912, una monografia concettuale degli artisti A. Gleizes e J. Metzinger “Sul cubismo” e un lavoro critico di A. Salmon "Young Painting of Modernity". Secondo i critici, K. può essere considerato una delle tendenze più radicali del modernismo, poiché "rompe coraggiosamente con la maggior parte delle tradizioni che hanno funzionato in modo impeccabile dal Rinascimento" (M. Serulaz). Secondo i critici, K. può essere considerata una delle tendenze più radicali del modernismo, poiché "rompe coraggiosamente con la maggior parte delle tradizioni che hanno funzionato in modo impeccabile dal Rinascimento" (M. Seryulaz). rispetto alle dichiarazioni programmatiche degli artisti cubisti, K. è nella sua essenza un diverso, “nuovo modo di presentare le cose” (X .Gris). Di conseguenza, “quando il Cubismo... mostrò la natura convenzionale dello spazio, così come la intendeva il Rinascimento, proprio come gli impressionisti mostrarono a loro tempo la natura convenzionale del colore, si trovarono di fronte allo stesso malinteso e insulto” (R. Garaudy) . Nel 1912, la Camera dei Deputati francese discusse addirittura la questione del divieto della mostra cubista al Salon d'Autunno; socialista J. -L. Breton ritiene che “è del tutto inaccettabile che... i palazzi nazionali servano da luogo per manifestazioni di carattere così antiartistico e antinazionale”; allo stesso tempo, però, si è giunti alla conclusione che “i gendarmi non dovrebbero essere chiamati” (parole del deputato Samba). Oggettivamente K. può essere considerata una tappa significativa nella storia dell'evoluzione del paradigma modernista nell'arte: secondo i critici d'arte, “fu con la decisione di proclamare apertamente i propri diritti al dissenso in campo artistico e con l'esercizio di questi diritti, nonostante tutti gli ostacoli, che gli artisti moderni sono diventati i precursori del futuro. Pertanto, il loro ruolo rivoluzionario non può essere negato: la loro posizione morale ha portato loro una brillante riabilitazione ai nostri giorni, in misura molto maggiore dei loro meriti artistici, rispetto ai quali L'ultima parola è ancora lontana dall'essere detta" (R. Lebel). Il tono emotivo prevalente di K. divenne un'esperienza acuta e acutamente catastrofica della svolta tra il XIX e il XX secolo, associata al dominio di quelle che M. Duchamp definì le "forze meccaniche della civiltà" (confrontare con la percezione pateticamente ottimistica di l'industria delle macchine nel contesto del futurismo - vedi Futurismo): il mondo oggettivo ha rivelato il suo nuovo volto al mondo umano, mettendo in dubbio la versione precedente della sua comprensione umana, distruggendo le consuete ontologie della conoscenza tradizionale. Non è un caso che N. Berdyaev abbia visto nelle opere cubiste una sorta di ritratti di esistenza inautentica ("queste sono smorfie demoniache di spiriti legati della natura"), che implica necessariamente sollevare domande sul vero volto del mondo, sulla possibilità di questa autenticità e la possibilità della sua rappresentazione. A causa della comprensione riflessiva di questo contesto, la pittura è una delle direzioni filosoficamente più articolate nello sviluppo dell'estetica modernista; già nel manifesto “Sul cubismo” (1912) si afferma che il dipinto in quanto tale è una sorta di immagine ( concetto) del mondo (è documentato nella storia dell'arte che già in P. Cezanne i critici vedevano una “critica della teoria della conoscenza scritta a colori” - E. Novotny). K. coinvolge attivamente nella sua comprensione riflessiva della natura della creatività artistica le idee di Platone, il realismo medievale, G. Hegel - principalmente nell'aspetto della ricerca dell'essenza astratta (eidos ideale) di un oggetto e della giustificazione filosofica dell'oggetto presunzione di variabilità dell'ontologia, che è alla base dell'idea di modellizzazione relativa dei mondi possibili (discorso Non si tratta tanto della padronanza concettuale e contenutistica della tradizione filosofica accademica, ma della connessione degli artisti a quell'atmosfera culturale di l'inizio del XX secolo. , in cui le idee filosofiche si rivelarono una sorta di focus sulla moda: ad esempio, su J. Braque, L. Reinhardt nota che lui, “il figlio di un contadino parmense ... padroneggiava la filosofia nelle conversazioni a tavola all'inizio del secolo"). In un modo o nell'altro, l'attenzione all'analisi riflessiva della creatività in quanto tale è uno dei lati distintivi (e uno dei più forti) di K. Secondo J. Maritain, “ai tempi del Rinascimento, l'arte apriva gli occhi su Nell’ultimo mezzo secolo, si potrebbe dire, è stato colto da un altro impulso di introspezione, che ha portato a una rivoluzione almeno altrettanto significativa... Le sue lezioni sono utili tanto per il filosofo quanto per l’artista.” L'estetica di K. è praticamente una modellazione specifica del processo cognitivo, basata sul principio fondamentale di K. di "negazione del realismo ingenuo, che presuppone il rifiuto dell'artista di fare affidamento sulla percezione visiva del mondo oggettivo. Questo principio è alla base di K. Il programma dichiarato di "fighting vision", cioè la lotta contro l'accettazione acritica della fenomenologia delle riprese video come base della cognizione in generale e della comprensione della pittura da parte dell'artista in particolare (il mondo è distorto, la sua essenza non è visibile e non può essere visto, cioè la riduzione fenomenologica non può pretendere di essere un metodo adeguato di conoscenza del mondo): secondo la formulazione di A. Gleizes e J. Metzinger, “l'occhio sa interessare e sedurre la mente con le sue delusioni ", ma la base di questa tentazione non è altro che un'illusione ottica, trompe loeil. Come ha scritto J. Braque, "i sentimenti sono privati di forma, lo spirito prende forma. Solo ciò che è prodotto dallo spirito è affidabile." In questo contesto è naturale, secondo K., che, "volendo raggiungere la proporzione dell'ideale, gli artisti, non essendo più limitati da qualcosa di umano, ci presentano opere più speculative che sensuali" (G .Apollinaire). In questo contesto, è significativo che R. Lebel chiami la sua monografia dedicata a K., “The Inside Out of Painting”, sottolineando così l'intenzione dei cubisti di penetrare oltre (attraverso) la serie fenomenologica. Ad esempio, Berdyaev ha scritto di P. Picasso: “ lui, come un chiaroveggente, guarda attraverso tutte le copertine... [...] Vai ancora più in profondità, e non ci sarà più qualsiasi materialità - esiste già una struttura interna della natura, una gerarchia di spiriti", e la tendenza di questo movimento "conduce all'uscita dalla carne fisica, materiale, su un altro piano più alto". Quindi, "invece della confusione di Dopo le esperienze sensoriali di Monet e Renoir, i cubisti promettono al mondo qualcosa di più duraturo, non illusorio: la conoscenza" (L. Reinhardt). Nell'evoluzione dei fondamenti filosofici di K. si possono distinguere due fasi . Il presupposto iniziale del concetto estetico di K. è la presunzione di distruzione dell'oggetto in quanto tale: secondo R. Delaunay (che iniziò la sua carriera creativa con Kandinskij - vedi Espressionismo), “finché l'arte non si libera dal soggetto, essa condanna stessa alla schiavitù”. Quindi, secondo la strategia cubista della creatività artistica, "non c'è nemmeno bisogno di provare a imitare le cose... Le cose in sé non esistono affatto. Esistono solo attraverso (in) noi" (J. Braque). Come si nota nell'opera di A. Gleizes e J. Metzinger, programmatica per K., "il cubismo sostituisce i brandelli di libertà ottenuti da Courbet, Manet, Cézanne e dagli impressionisti con una libertà illimitata. Ora, avendo finalmente riconosciuto la conoscenza oggettiva come una chimera e ritenendo provato che tutto ciò che la folla accetta come naturale è una convenzione; l’artista non riconoscerà altre leggi se non quelle del gusto”. La missione dell'artista in questo contesto si articola nel liberare se stessi (e attraverso questo gli altri) dalla “banale apparenza delle cose” (A. Glez, J. Metzinger). K. accetta come suo credo fondamentale la formula “Basta con la pittura decorativa e gli scenari pittoreschi!” (A. Glez, J. Metzinger). In questo contesto K. postula come metodo un “lirismo” o “lirismo rovesciato” (termine di G. Apollinaire) specificamente articolato, che K. intendeva come metodo per liberare la coscienza dalla schiavitù del mondo oggettivo, raggiunto attraverso l'evocazione programmatica da parte dell'artista di un sentimento di disgusto per il soggetto della sua opera (come scrisse J. Braque, “è come bere cherosene bollente”). Secondo Ozanfant e Jeanneret, il “liricismo” può essere considerato il paradigma di base del primo cubismo: “il suo contributo teorico può essere riassunto come segue: il cubismo considera il dipinto come un oggetto che crea lirismo – lirismo come unico obiettivo di questo oggetto. All'artista è concessa ogni libertà, purché crei lirismo." In pratica, ciò significa che K. va oltre i confini delle belle arti - verso l'arte astratta: se il mondo osservato visivamente può essere (è) illusorio, allora l'interesse dell'artista dovrebbe essere focalizzato sul mondo vero (essenziale), cioè. il mondo delle forme geometriche pure: come scrive Mondrian, “le idee di Platone sono piatte” (non è senza interesse che il matematico Prance sia direttamente coinvolto nelle discussioni teoriche dei cubisti). Secondo l'autovalutazione riflessiva di K., “per noi linee, superfici, volumi non sono altro che sfumature della nostra comprensione della pienezza / quel noumenico che non è rappresentato dall'apparenza di un oggetto - MM. /", e tutto ciò che è “esterno” è ridotto nella visione cubista “a un denominatore di massa” (A. Glez), cioè alla sua base geometrica. Di conseguenza, l'estetica di K. è costruita sull'idea di deformazione della forma tradizionale (visivamente osservabile) di un oggetto, - deformazione, che ha lo scopo di esporre la vera essenza dell'oggetto. Il cubismo si costituisce come neoplasticismo, basato sulla negazione della plasticità tradizionale: "il cubismo considera l'immagine essere del tutto indipendente dalla natura, e utilizza forme e colori non per amore della loro capacità imitativa, ma per amore del loro valore plastico” (Ozanfant, Jeanneret) K. arriva così all'idea della modellazione plastica di il mondo come ricerca cognitiva della sua base plastica (strutturale), cioè del suo vero volto, non nascosto dietro una serie fenomenologica. In altre parole, il programma concettuale maturo di K. risulta essere molto lontano dall'idea originaria di rinunciando all’oggetto: come scrisse M. Duchamp (durante il periodo cubista della sua opera), “mi sforzo sempre di inventare, invece di esprimere me stesso”. K. fa una svolta radicale dalla critica dell'oggetto in quanto tale alla critica della sua comprensione inadeguata (in particolare soggettiva). Il pathos critico del K. maturo non è più diretto contro la realtà come illusione soggettiva, ma contro la soggettività nell'interpretazione della realtà. A questo proposito, K. prende decisamente le distanze dall’oggetto visivamente osservabile (dato nell’esperienza) (oggetto-natura o “rivoluzione artistica volumetrica del cubismo” e “la sorprendente innovazione che consiste nell’inclusione di molti aspetti dello stesso oggetto in azione”. Come scrive A.Lot, nella pratica delle “rappresentazioni K.” la consueta “struttura prospettica viene rovesciata. Vediamo parte dello stesso oggetto, ad esempio, un cesto di frutta, dal basso, un'altra parte - di profilo, una terza - da qualche altra parte. E questo è tutto ciò che è collegato sotto forma di aerei che si scontrano con un botto sulla superficie dell'immagine, si trovano uno accanto all'altro, si sovrappongono e si compenetrano." Classico a questo proposito può essere si considerino, ad esempio, "Danza" di J. Metzinger; "Studente con un giornale"", "Strumenti musicali" di P. Picasso; "Bottiglia, bicchiere e pipa", "Lode a J.S. Bach" di J. Braque; " Ritratto dei predoni di scacchi" di M. Duchamp, ecc. (cfr. analogamente in M. Chagall: “Io e il villaggio”, “L'ora tra il lupo e il cane”, ambientazione simultanea di un volto intero, di un profilo, ecc.) . E se nel quadro della “K analitica”. L'artista era meno interessato al fenomeno del movimento e al problema della sua fissazione pittorica (“un quadro è una rivelazione silenziosa e immobile” di A. Glez), quindi "K. Representations", costituisce al contrario un dinamismo programmatico (ad esempio, "Nude Descending a Staircase" di M. Duchamp è per molti versi vicino a scoperte futuristiche nel campo della trasmissione del "dinamico" o “linea energetica” del movimento). Tuttavia, il movimento è inteso da K. non come un movimento osservato visivamente nello spazio (una sorta di agitazione per la visione), ma direttamente come movimento - movimento in quanto tale, cioè, secondo il concetto di K., ciò che sappiamo del movimento come come. 3) "K astratto." o "purismo", cioè “pittura pura” (peinture pure), nell’ambito della quale tutti i principi fondamentali della pittura vengono portati alla loro logica conclusione: il principio dell’antipsicologismo. il principio della ricerca degli “elementi del mondo” geometricamente articolati e il principio dell'antivisualismo. (Secondo il criterio del radicalismo, A. Salmon paragonò la pittura pura alla religione degli ugonotti.) Il movimento di K. dal simultanismo al purismo è chiaramente dimostrato dall'evoluzione creativa di R. Delaunay: se nella sua opera “In Honor di Blériot” i cerchi concentrici sono il prodotto dell'analisi (“rifrazione”) di un fenomeno come il volo di Blériot attraverso la Manica, e possono essere letti come proiezioni del movimento delle eliche degli aerei, poi in “Ritmi circolari” gli stessi cerchi (con tutte le somiglianze esterne) sono una fissazione degli elementi del movimento - il prodotto di un'analisi essenziale di ciò che l'artista sa del movimento. Rivelando l'essenza della "K astratta". in una delle interviste. P. Picasso parla praticamente della sua tecnica visiva come l'implementazione del metodo del tipo ideale”, come lo intendeva M. Weber: “l'arte astratta non è altro che una combinazione di macchie di colore... Bisogna sempre iniziare da qualche parte. Successivamente, tutte le tracce della realtà potranno essere rimosse. E non c'è niente di sbagliato in questo, perché l'idea dell'oggetto raffigurato avrà già il tempo di lasciare un segno indelebile sull'immagine/vedere. Traccia - M.M./". In questo contesto K. attualizza le figure semantiche di "eidos" in Platone e di "universali" nel realismo scolastico: secondo G. Apollinaire, il quadro appare in questo contesto come espressione di "forme metafisiche" In questo senso, le opere cubiste, secondo Maritain, "non si discostano dalla realtà, sono simili ad essa... per somiglianza spirituale". si forma la possibilità per l'artista di costituire effettivamente in modo creativo l'essenza di un oggetto da elementi non oggettivi (confrontare con l'idea postmodernista di significare frammenti di testo semanticamente neutri - vedi Segno bianco, effetto realtà). Pertanto, la peinture pure è, secondo la definizione di A. Gleize, "una sorta di pittura di nuovi insiemi che utilizza elementi presi in prestito non dalla realtà visibile, ma interamente creati dall'artista e dotati di potente realtà". G. Apollinaire designa questa capacità del soggetto creativo come “orfismo” (ma analogie con l'impulso vivificante dei canti di Orfeo, che possono muovere le pietre) e intende in questo contesto l'artista come un soggetto che introduce una struttura integrale nella il caos sensoriale, visto direttamente nella sfera dell'astrazione. A questo proposito K. ritiene che il mistero della creatività sia simile e vicino al mistero della Creazione: “l'artista canta come un uccello, e questo canto non si spiega” (Picasso). In questo contesto, A. Glez vede analogie essenziali tra il paradigma della prospettiva costituito nella pittura rinascimentale (ciò che A. Glez chiama “spazio-forma”) e K., che rompe l’idea stessa di prospettiva (ciò che A. Glez chiama “forme del tempo”), da un lato, e l’approccio scientifico e mistico (l’immagine come “rivelazione silenziosa”) alla realtà, dall’altro. “Astratto” (“puro”) K. ha effettivamente gettato le basi per la tradizione dell'astrattismo nella storia dell'arte del XX secolo, tutte le direzioni e versioni dell'astrattismo risalgono al suo programma estetico, secondo L. Venturi, “oggi , quando parliamo di arte astratta, intendiamo il cubismo e i suoi eredi." (È proprio per questo che nella critica artistica marxista, incentrata sui valori del materialismo, K. è stato valutato inequivocabilmente negativamente: dal verdetto categorico di G.V. Plekhanov “sciocchezze in un cubo!” - alla raffinata tesi di M Lifshitz: "la formula "riconosciuta da tutto il mondo "non significa nulla. Dopotutto, questo mondo è un po' pazzo - è uscito dalle sue articolazioni, secondo la famosa espressione di Shakespeare.") In generale, il ruolo di K. L'evoluzione del modernismo artistico "è quasi impossibile da sopravvalutare", poiché "nella storia dell'arte... fu una rivoluzione non meno importante della rivoluzione del primo Rinascimento" (J. Berger). K. crea un linguaggio artistico fondamentalmente nuovo (vedi Linguaggio dell'arte), e in quest'area “le scoperte fatte dal cubismo sono rivoluzionarie quanto le scoperte di Einstein e Freud” (R. Rosenblum). Inoltre, secondo J. Golding, “il cubismo è stato, se non... la rivoluzione artistica più importante, in ogni caso la più completa e radicale dopo il Rinascimento... Da un punto di vista visivo, è più facile per compiere la transizione dopo trecentocinquanta anni, che separano l'impressionismo dall'alto rinascimento, rispetto ai cinquant'anni che separano l'impressionismo dal cubismo. .. Il ritratto di Renoir... è più vicino al ritratto di Raffaello che al ritratto cubista di Picasso." Secondo lo storico K. K. Gray, la formazione del paradigma cubista può essere interpretata come l'inizio di una nuova era nella storia dell'arte e una nuova visione del mondo nella storia della cultura in generale. Gehlen ha paragonato la concezione del paradigma cubista nell'arte con la rivoluzione cartesiana in filosofia - sia in termini di significato e radicalità della rottura della tradizione, sia in termini di contenuto: come l'epistemologia di R. Descartes, il concetto di creatività artistica di K. si basa sul rifiuto dell'empirismo e del sensazionalismo, che in un lontano futuro ha portato alla costituzione del paradigma della “sensibilità postmoderna” nella cultura europea (vedi Sensibilità postmoderna) M.A. Mozheiko
Le capacità e le fantasie di una persona a volte sono semplicemente sorprendenti. La pittura e l'architettura sono diventate proprio l'area in cui le persone sviluppano ed esprimono la propria creatività in un'ampia varietà di direzioni. Per sorprendere il mondo con nuovi rami dell'arte, gli artisti cercano con tutte le loro forze di rappresentare ciò che vedono sotto una luce completamente nuova e insolita. Da qui l'avanguardia, il risultato dello sviluppo di molte idee e progetti creativi. E da esso, a sua volta, è nato un concetto come lo stile cubista. La sensazione di qualcosa di straordinario e interessante.
Cubismo nell'arte
Il cubismo divenne una delle principali tendenze dell’arte d’avanguardia. Dal francese cubismo significa cubo - un movimento artistico in stile francese dell'inizio del XX secolo. I principali rappresentanti e fondatori furono Pablo Picasso e Georges Braque, grazie alle loro creazioni il mondo vide questo stile in un colore completamente nuovo e insolito.
Il concetto stesso di "cubismo" è nato a causa di una forte osservazione sulle opere di J. Braque secondo cui stava spostando città e figure in progressioni geometriche e cubi. La componente artistica del concetto è stata costruita sul tentativo di trovare i modelli spaziali più ordinari e le configurazioni di cose e fenomeni che personificassero la complessità e la diversità della vita. Nella sua essenza, il cubismo è primitivismo, che percepisce il mondo attraverso le forme di figure geometriche.
La nascita della cultura
Le origini erano dipinti di Paul Cezanne e sculture africane. Sotto l'influenza di questa azione nacquero le famose “Demoiselles d'Avignon” di P. Picasso (1907), che diedero vita al cubismo. In sostanza, questa tendenza è un grande desiderio di smembrare gli oggetti della realtà in primitivi stereometrici. Nella sua formazione ha attraversato tre fasi: Cézanne, analitica e sintetica. Il cubismo è una forma d'arte relativamente complessa che ha saputo unire pittori, scultori, musicisti e poeti di tutto il mondo. Diamo un'occhiata a tre stili di questo movimento.
Cezannovski
Questa è la prima fase del cubismo, caratterizzata da forme astratte e semplificate di oggetti. Lo sviluppo del cubismo fu naturalmente influenzato dagli esperimenti di configurazione nelle opere di Paul Cézanne. Nel 1904 e nel 1907 ci furono mostre delle sue opere a Parigi. Nel “Ritratto di Gertrude Stein”, realizzato da Picasso, si nota già la sua passione per l'arte di Cézanne. Successivamente, Picasso dipinse il dipinto “Les Demoiselles d’Avignon”, che è considerato il primo passo sulla via del cubismo. Nell'autunno del 1907 ebbero luogo due eventi significativi: la mostra di Cézanne e l'incontro di Braque e Picasso. E alla fine dello stesso anno iniziano una stretta collaborazione in stile cubista.
Analitico
Questa è la fase successiva, caratterizzata dalla scomparsa delle immagini degli oggetti e dalla graduale cancellazione delle differenze tra forma e spazio. In tali dipinti compaiono già colori iridescenti, che si intersecano attraverso piani traslucidi, e la loro posizione non è chiaramente definita. Elementi di cubismo analitico sono le opere di Braque del 1909, così come le creazioni di Picasso del 1910. Tuttavia, il cubismo analitico iniziò a maturare più intensamente quando nacque l’unione creativa della “Sezione aurea”, guidata da famosi maestri.
Sintetico
Questa è la terza fase del movimento, i cui elementi emergono nelle opere di Juan Gris, che divenne un ardente sostenitore del movimento nel 1911. La caratteristica più importante del suo lavoro è il rifiuto della terza dimensione nella pittura e l'enfasi sulla superficie. La struttura della superficie più importante è il contorno e il motivo, che vengono utilizzati per progettare un nuovo oggetto.
Dipinti in questo stile
La rinuncia alla rappresentazione tridimensionale della realtà è una caratteristica fondamentale del movimento chiamato cubismo. I dipinti di questo stile sono riconoscibili in tutto il mondo per le loro forme piatte senza chiaroscuro né prospettiva. Le immagini sono deformate, illogiche, irrazionali e scomposte in alcuni dettagli. Una natura morta o un ritratto sono come un insieme di forme geometriche che interagiscono tra loro. In quale direzione viene classificato il cubismo nella pittura? Questa è principalmente astrazione, primitivismo e avanguardia.
Pablo Picasso è un rappresentante di spicco
L’esempio più eclatante è il dipinto di Pablo Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”. Il lavoro del maestro si distingue per le linee tagliate e audaci, gli angoli appuntiti e l'assenza di giochi di ombre. Il cubismo di Picasso è caratterizzato da rappresentazioni irrealistiche di donne nude. Il maestro ha utilizzato toni neutri e naturali.
Le maschere africane, secondo gli storici dell'arte, rappresentano un simbolo dell'emergere del movimento innovativo del cubismo nella pittura. Quindi, secondo il critico d'arte Ernst Gombrich, Paul Cezanne è il fondatore e Picasso è il suo allievo. Cezanne, in una lettera a Pablo, espone i suoi consigli sull'uso di forme semplici e geometriche (sfere, cilindri, coni). L'autore del messaggio intendeva questa base come base per creare l'immagine, ma Picasso ha interpretato questo cubismo nel suo significato letterale.
Fatti storici
Sin dal Rinascimento, i creatori hanno cercato di trasmettere immagini con il massimo realismo. Nel cubismo, gli artisti si allontanarono completamente dal realismo, dalla naturalezza, dall'armonia di luci e ombre. La caratteristica principale del lavoro degli artisti è il desiderio di creare il cubismo; i dipinti sono presentati in un’immagine piatta anziché tridimensionale. Di regola, usavano forme geometriche per rappresentare astrattamente persone, natura e oggetti. Le forme trasmesse nello stile cubista sono tangibili, semplici e semplici.
Ma non tutto andò liscio. I dipinti realizzati in stile cubista non hanno messo immediatamente radici nel mondo dell'arte: queste immagini molto spesso sono diventate oggetto di incomprensioni e critiche serie. Questo divenne un movimento radicale per la pittura, che sostituì il realismo e divenne oggetto di recensioni poco lusinghiere. La natura morta in questo stile è diventata un audace esperimento creativo. All'inizio c'erano pochi fan del cubismo nell'arte, ma tra loro c'erano critici e mecenati che hanno dato un uguale contributo alla storia dello sviluppo di questo movimento.
Architettura
Il cubismo in architettura è iniziato in un modo molto insolito. Alla Mostra autunnale di Parigi del 1912, un certo gruppo di autori presentò un enorme modello (10 x 3 metri) di una “casa cubista”. Le facciate sono state create dallo scultore Raymond Duchamp-Villon e la decorazione delle stanze è stata realizzata da diverse persone, tra cui Andre Marais, un artista di talento e maestro del suo mestiere. Le camere erano arredate in modo impressionante e le pareti erano decorate con piccoli dipinti di artisti cubisti. Dopo la mostra a Parigi, questa casa è stata esposta all'Armory Show di New York.
Lo stile cubista è una nuova tendenza dell’epoca, cioè un aspetto universale che si adatta al tipo generale di arte. Poi apparvero immediatamente i primi edifici degli architetti cubisti. Ma non a Parigi, ma a Praga, il più grande centro dell'arte cubista.
L'architettura di questo movimento è estremamente all'avanguardia e allo stesso tempo incredibilmente tradizionale. Possiamo vedere in esso le stesse famose facciate simmetriche, frontoni, portelli, portali delle case degli anni passati. Gli architetti di questo orientamento si proponevano solo di decorare l'aspetto degli edifici con disegni aggiornati, che rimanevano gli stessi nella struttura.
Cubismo ceco
Con la fine della Prima Guerra Mondiale gli architetti della Repubblica Cecoslovacca ripresero il loro mestiere, ma gli edifici erano già diversi. I noiosi triangoli creati negli anni '20 furono sostituiti da semicerchi e cilindri. In quel momento fondarono un'architettura chiamata Rondocubismo. A Praga e Rotterdam nel 20 ° secolo furono costruiti edifici, i cui creatori furono in grado di implementare a modo loro una delle soluzioni più non standard nell'architettura cubista.
Questa tendenza ha trovato riconoscimento e spazio direttamente a Praga, poiché le sue origini non risiedono solo negli edifici geometrici, ma anche nell'architettura gotica, tipica di Praga. Furono le tecniche gotiche e la loro nitidezza a diventare i principi fondamentali per Pavel Janak, che influenzarono la creazione della sua teoria dell'architettura cubista.
Architetti famosi
I principali maestri del cubismo furono Pavel Janák, Josef Gonchar, Vlastislav Hoffmann, Emil Koalicek e Josef Chochol. Hanno lavorato a Praga, così come in altre città. L’edificio in stile cubista più famoso al mondo è la casa “Alla Madre Nera di Dio” a Praga, costruita da Josef Goczar.
Oggi l'aspetto di questa casa può sembrare quotidiano e insignificante, ma all'inizio del XX secolo questo edificio era estremamente insolito e anche un po' audace. Vlastislav Hoffman ha progettato i padiglioni d'ingresso del cimitero Dyablitsky, Yosef Chokhol ha costruito un paio di edifici residenziali vicino a Vysehrad. Inoltre, non lontano da Piazza Venceslao si possono vedere le lanterne cubiste progettate da Emil Kralicek. Divenne anche il creatore della Casa dei Diamanti a Praga.
Luoghi insoliti
Gli edifici più speciali e sorprendenti in stile cubista possono essere visti oggi a Rotterdam (nei Paesi Bassi). Questa è un'intera città di case cubiche, costruite nel 1978-1984 secondo il progetto del maestro Piet Blom. Le case hanno tre piani, una superficie totale di circa 100 mq. metri. Non hanno pareti diritte, tranne quelle situate al centro. Al piano terra si trovano soggiorno e cucina, al secondo un ufficio, una camera da letto e un bagno, al terzo (con tetto in vetro) molti hanno un giardino d'inverno.
I 5 rappresentanti più talentuosi del cubismo
- Pablo Picasso, dipinto "Les Demoiselles d'Avignon";
- Georges Braque, dipinto “La casa dell'Estac”;
- Juan Gris, dipinto “Ritratto di Picasso”;
- Paul Cezanne, dipinto “Pierrot e Arlecchino”;
- Fernand Léger, tela “Costruttori”.
Fatto divertente
È interessante notare che Picasso divenne il cubista più costoso, ricercato ed efficiente. Il suo dipinto “Nudo, foglie verdi e busto” è stato valutato 155 milioni di dollari. Le tele sono al primo posto in popolarità tra i ladri d'arte. Il valore totale delle sole vendite ufficiali di dipinti supera i 270 milioni.