L'arte non è solo un modo per esprimere la tua ispirazione, ma anche un grande mistero. Gli artisti spesso aggiungono piccole cose curiose ai loro dipinti o lasciano "messaggi" difficili da vedere a prima vista. Abbiamo stilato un elenco di celebri capolavori pittorici che nascondono segreti inaspettati.

1. Orecchio sbagliato

L'autoritratto di Vincent van Gogh raffigura l'artista con un orecchio destro traumatizzato. Ma in realtà si è tagliato l'orecchio sinistro, non il destro. Questa discrepanza è spiegata dal fatto che Van Gogh ha utilizzato uno specchio per creare il proprio ritratto.

2. Dipingere sotto il dipinto

Se guardi da vicino Il vecchio chitarrista di Pablo Picasso, puoi vedere una debole sagoma femminile dietro la testa dell'uomo. I ricercatori dell'Art Institute di Chicago hanno preso immagini a infrarossi e raggi X di questo famoso dipinto e hanno scoperto che molti altri disegni erano nascosti sotto. Molto probabilmente, l'artista non aveva abbastanza soldi per acquistare nuove tele e ha dovuto dipingere su quelle vecchie.

3. "Night watch" raffigura il giorno, non la notte

Nel 1947, il dipinto di Rembrandt "The Performance of a Rifle Company..." (meglio noto come "The Night Watch") fu restaurato. Dopo che il dipinto è stato ripulito da uno spesso strato di fuliggine, è diventato evidente che la scena raffigurata non si svolge di notte, ma alla luce del giorno.

4. Cappella Sistina

L'immagine del cervello umano è evidente non solo nella "Creazione di Adamo" di Michelangelo, ma anche in un altro affresco chiamato "La separazione della luce e dell'oscurità", che si può vedere nella Cappella Sistina. Guarda il collo di Dio: corrisponde perfettamente a una fotografia del cervello umano.

5. Simbolo di forza

Le figure di David e Golia nell'affresco realizzato da Michelangelo formano la lettera ebraica gimel, che simboleggia il potere nella tradizione mistica cabalistica.

6. Strabismo di Rembrandt

Dopo aver studiato gli autoritratti di Rembrandt, alcuni scienziati hanno deciso che l'artista soffriva di strabismo. Questa caratteristica gli ha fatto percepire il mondo in modo leggermente diverso: ha visto la realtà in 2D invece che in 3D. Tuttavia, forse è stato lo strabismo che ha aiutato Rembrandt a creare i suoi capolavori immortali.

7. Vendetta sugli amanti

Il dipinto più famoso di Gustav Klimt raffigura Adele Bloch-Bauer. Questo ritratto è stato commissionato dal marito di Adele, il barone dello zucchero Ferdinand Bloch-Bauer. Ha saputo che Adele e Klimt erano amanti e ha deciso che dopo centinaia di schizzi l'artista avrebbe odiato il suo modello. E il marito ingannato aveva ragione. Lavorare insieme ha davvero raffreddato i sentimenti tra Adele e Gustav.

8. Mondo in giallo

Per quasi tutti i suoi dipinti, Vincent van Gogh ha scelto il giallo. Gli scienziati ritengono che questo sia un effetto collaterale di un farmaco per l'epilessia che modifica la percezione del colore. Forse l'artista ha visto davvero il mondo mentre lo raffigurava sulle sue tele.

9. Previsione della fine del mondo

La ricercatrice italiana Sabrina Sforza Galizia offre un'interpretazione molto insolita dell '"Ultima Cena" di Leonardo da Vinci. Dice che in questa immagine è nascosta la profezia della fine del mondo, che avverrà il 21 marzo 4006. Il ricercatore ha tratto una tale conclusione decifrando i codici matematici e astrologici dell'immagine.

Ma questo non è l'unico segreto dell'Ultima Cena. Le mani di Cristo e degli apostoli, insieme al pane sulla tavola, formano qualcosa di simile alla designazione delle note. Si scopre che suona davvero come una melodia.

10. Mozart e massoni

Ci sono forti prove che Wolfgang Amadeus Mozart fosse un massone. Anche nel ritratto del bambino, eseguito da Pietro Antonio Lorenzoni, vediamo un simbolo massonico: una mano nascosta, che indica un rango gerarchico in una società segreta.

11. Gioconda sdentata

Il dentista e critico d'arte Joseph Borkowski, dopo aver studiato il dipinto di Leonardo da Vinci, è sicuro di essere stato in grado di svelare il segreto del sorriso della Gioconda. Crede che non avesse i denti anteriori, e questo è ciò che ha influenzato la sua espressione.

In quasi tutte le opere d'arte significative c'è un mistero, un doppio fondo o una storia segreta che vuoi scoprire.

Musica sui glutei

Hieronymus Bosch, Il giardino delle delizie, 1500-1510.

Frammento di trittico

Le controversie sui significati e sui significati nascosti dell'opera più famosa dell'artista olandese non si sono placate dalla sua apparizione. Nell'ala destra del trittico detto "Inferno musicale" sono raffigurati peccatori che vengono torturati negli inferi con l'ausilio di strumenti musicali. Uno di loro ha delle note impresse sulle natiche. La studentessa dell'Oklahoma Christian University Amelia Hamrick, che ha studiato il dipinto, ha trasposto la notazione del XVI secolo in una svolta moderna e ha registrato "una canzone infernale di 500 anni fa".

Gioconda nuda

La famosa "Gioconda" esiste in due versioni: la versione nuda si chiama "Monna Vanna", è stata dipinta dal poco noto artista Salai, che fu allievo e modello del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono sicuri che sia stato lui a fare da modello per i dipinti di Leonardo "Giovanni Battista" e "Bacco". Ci sono anche versioni che vestivano con un abito da donna, Salai fungeva da immagine della stessa Gioconda.

Vecchio Pescatore

Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Old Fisherman". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista.

Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).

C'era una balena?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrava un paesaggio ordinario. Barche, gente sulla riva e il mare del deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone si sono radunate sulla riva per un motivo: nell'originale, hanno esaminato la carcassa di una balena portata a riva.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno avrebbe voluto guardare una balena morta e ha ridipinto il dipinto.

Due "Colazioni sull'erba"

Édouard Manet, Pranzo sull'erba, 1863.

Claude Monet, Colazione sull'erba, 1865.

Gli artisti Edouard Manet e Claude Monet a volte sono confusi: dopotutto erano entrambi francesi, vivevano contemporaneamente e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Manet, "Colazione sull'erba", Monet prese in prestito e scrisse la sua "Colazione sull'erba".

Gemelli nell'Ultima Cena

Leonardo da Vinci, L'Ultima Cena, 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, attribuì particolare importanza a due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando delle modelle per loro da molto tempo. Finalmente riuscì a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantori. Leonardo non è riuscito a trovare una modella per Giuda per tre anni. Ma un giorno si imbatté in un ubriacone che giaceva nel canale di scolo per strada. Era un giovane che era stato invecchiato dal bere pesante. Leonardo lo invitò in un'osteria, dove iniziò subito a scrivere da lui Giuda. Quando l'ubriacone tornò in sé, disse all'artista che aveva già posato per lui una volta. Qualche anno fa, quando cantava nel coro della chiesa, Leonardo scrisse Cristo da lui.

"Ronda di notte" o "Ronda di giorno"?

Rembrandt, La ronda di notte, 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt, "The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg", è rimasto in diverse sale per circa duecento anni ed è stato scoperto dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Poiché le figure sembravano risaltare su uno sfondo scuro, fu chiamato Night Watch, e con questo nome entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro, effettuato nel 1947, si è scoperto che nella sala il quadro era riuscito a ricoprirsi di uno strato di fuliggine, che ne deformava il colore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, è stato finalmente rivelato che la scena presentata da Rembrandt si svolge effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del Capitano Kok mostra che la durata dell'azione non supera le 14 ore.

barca capovolta

Henri Matisse, "La barca", 1937.

Nel Museum of Modern Art di New York nel 1961 fu esposto il dipinto "The Boat" di Henri Matisse. Solo dopo 47 giorni qualcuno si accorse che il quadro era appeso a testa in giù. La tela raffigura 10 linee viola e due vele blu su sfondo bianco. L'artista ha dipinto due vele per un motivo, la seconda vela è un riflesso della prima sulla superficie dell'acqua.
Per non sbagliare su come dovrebbe essere appesa l'immagine, è necessario prestare attenzione ai dettagli. La vela più grande dovrebbe trovarsi nella parte superiore del dipinto e la punta della vela del dipinto dovrebbe essere diretta nell'angolo in alto a destra.

L'inganno in un autoritratto

Vincent van Gogh, Autoritratto con la pipa, 1889.

Ci sono leggende secondo cui Van Gogh avrebbe tagliato il proprio orecchio. Ora la versione più attendibile è che l'orecchio di van Gogh sia stato danneggiato in una piccola colluttazione con la partecipazione di un altro artista, Paul Gauguin.

L'autoritratto è interessante perché riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con l'orecchio destro bendato, perché durante il lavoro utilizzava uno specchio. In effetti, l'orecchio sinistro era danneggiato.

orsi alieni

Ivan Shishkin, "Mattina nella pineta", 1889.

Il famoso dipinto appartiene non solo al pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amici tra loro spesso ricorrevano all '"aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, che aveva dipinto paesaggi per tutta la vita, temeva che toccare gli orsi non sarebbe andato come aveva bisogno. Pertanto, Shishkin si è rivolto a un noto pittore di animali Konstantin Savitsky.

Savitsky ha dipinto forse i migliori orsi nella storia della pittura russa, e Tretyakov ha ordinato di cancellare il suo nome dalla tela, poiché tutto nel quadro “a partire dall'idea e finendo con l'esecuzione, tutto parla del modo di dipingere, di il metodo creativo peculiare di Shishkin.

Storia innocente "Gotico"

Grant Wood, "Gotico americano", 1930.

L'opera di Grant Wood è considerata una delle più strane e deprimenti nella storia della pittura americana. L'immagine con un padre e una figlia cupi trabocca di dettagli che indicano la severità, il puritanesimo e il retrogrado delle persone raffigurate.
L'artista, infatti, non intendeva raffigurare alcun orrore: durante un viaggio in Iowa, notò una casetta in stile gotico e decise di raffigurare quelle persone che, a suo avviso, sarebbero state ideali come abitanti. La sorella di Grant e il suo dentista sono immortalati sotto forma di personaggi da cui la gente dell'Iowa era così offesa.

La vendetta di Salvador Dalì

Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si è deteriorato quando ha scritto su uno dei quadri "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare tale scioccante.

Nel suo libro del 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il quadro "Una giovane vergine che si abbandona al peccato di sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità". La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la cromia del dipinto richiamano chiaramente la Figura alla finestra. C'è una versione secondo cui è così che Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.

Danae bifronte

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che ha avuto una relazione amorosa con Zeus, sembrava il volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, ha cominciato a somigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con cui l'artista ha vissuto dopo la morte della moglie.

La camera gialla di Van Gogh

Vincent van Gogh, "Camera da letto ad Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista, il colore, il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da inquietanti toni gialli.

I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore da parte del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Mentre esaminava le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così tanto proprio per quello che le è successo", ritiene l'esperto. "La sua espressione facciale è tipica delle persone che hanno perso i denti anteriori."

Maggiore sul controllo del viso

Pavel Fedotov, Il matchmaking del maggiore, 1848.

Il pubblico, che ha visto per la prima volta il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di gusto: l'artista Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori dell'epoca. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet adeguati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa è stata dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente si è provata per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.

Perché Freedom è nuda

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Libertà alle barricate, 1830.

Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix ha dipinto il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anna-Charlotte, che è andata alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e ha ucciso nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: i seni nudi mostrano che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.

quadrato non quadrato

Kazimir Malevich, Piazza suprematista nera, 1915.

In effetti, il "Quadrato Nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che inquadra il quadro. E il colore scuro è il risultato della miscelazione di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno scoperto l'iscrizione dell'autore su un famoso dipinto di Malevich. L'iscrizione recita: "Battaglia dei negri in una caverna buia". Questa frase si riferisce al nome del giocoso dipinto del giornalista, scrittore e artista francese Alphonse Allais "Battaglia dei negri in una caverna oscura nel cuore della notte", che era un rettangolo assolutamente nero.

Melodramma della Gioconda austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adele Bloch-Bauer", 1907.

Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto un modo molto insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e costringerlo a fare centinaia di schizzi finché l'artista non inizia a voltare le spalle a lei.

Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e la modella potesse vedere come i sentimenti di Klimt svanissero. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno verso l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.

Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin

Paul Gauguin, "Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo?", 1897-1898.

La tela più famosa di Gauguin ha una caratteristica: viene "letta" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra).

Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò a morire in montagna. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, barcollò fino alla sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.

112 proverbi in una foto

Pieter Brueghel il Vecchio, "Proverbi olandesi", 1559

Pieter Brueghel il Vecchio ha raffigurato una terra abitata da immagini letterali dei proverbi olandesi di quei giorni. Ci sono circa 112 idiomi riconoscibili nell'immagine dipinta. Alcuni di essi sono ancora usati oggi, come "nuota contro corrente", "sbatti la testa contro il muro", "armato fino ai denti" e "il pesce grosso mangia i piccoli".

Altri proverbi riflettono la stupidità umana.

Soggettività dell'arte

Paul Gauguin, Villaggio bretone sotto la neve, 1894

Il dipinto di Gauguin "Breton Village in the Snow" è stato venduto dopo la morte dell'autore per soli sette franchi e, inoltre, con il nome di "Cascate del Niagara". Il banditore ha accidentalmente appeso il dipinto a testa in giù dopo aver visto una cascata al suo interno.

immagine nascosta

Pablo Picasso, La stanza blu, 1901

Nel 2008, l'infrarosso ha mostrato che un'altra immagine era nascosta sotto la "stanza blu": un ritratto di un uomo vestito con un abito con una farfalla e con la testa appoggiata sulla mano. “Non appena Picasso ha avuto una nuova idea, ha preso in mano il pennello e l'ha incarnata. Ma non aveva l'opportunità di acquistare una nuova tela ogni volta che la musa lo visitava ”, spiega la possibile ragione di ciò la storica dell'arte Patricia Favero.

Donne marocchine inaccessibili

Zinaida Serebryakova, Nuda, 1928

Un giorno, Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante: intraprendere un viaggio creativo per ritrarre le figure nude delle fanciulle orientali. Ma si è scoperto che era semplicemente impossibile trovare modelli in quei luoghi. Un interprete per Zinaida è venuto in soccorso: le ha portato le sue sorelle e la sua sposa. Nessuno prima e dopo è stato in grado di catturare le donne orientali chiuse nude.

Intuizione spontanea

Valentin Serov, "Ritratto di Nicola II in giacca", 1900

Per molto tempo Serov non ha potuto dipingere un ritratto del re. Quando l'artista si è completamente arreso, si è scusato con Nikolai. Nikolai era un po 'turbato, si è seduto al tavolo, allungando le mani davanti a sé ... E poi l'artista si è reso conto: eccolo! Un semplice militare in giacca da ufficiale con occhi chiari e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore rappresentazione dell'ultimo imperatore.

Di nuovo diavolo

© Fedor Reshetnikov

Il famoso dipinto "Again deuce" è solo la seconda parte della trilogia artistica.

La prima parte è "Arrivato per le vacanze". Ovviamente una famiglia benestante, vacanze invernali, uno studente gioioso e eccellente.

La seconda parte è "Ancora il diavolo". Una famiglia povera della periferia della classe operaia, al culmine dell'anno scolastico, uno storditore noioso che di nuovo ha preso un diavolo. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Arrivato per le vacanze".

La terza parte è "Riesame". Casa rurale, estate, tutti camminano, un malizioso ignorante che non ha superato l'esame annuale è costretto a sedersi tra quattro mura e stipare. Nell'angolo in alto a sinistra puoi vedere l'immagine "Again deuce".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, Pioggia, vapore e velocità, 1844

Nel 1842, la signora Simon viaggiò in treno in Inghilterra. All'improvviso iniziò un forte acquazzone. L'anziano signore seduto di fronte a lei si alzò, aprì la finestra, sporse la testa e rimase a fissarla così per una decina di minuti. Incapace di contenere la sua curiosità, anche la donna aprì la finestra e guardò avanti. Un anno dopo, ha scoperto il dipinto "Pioggia, vapore e velocità" in una mostra alla Royal Academy of Arts e ha potuto riconoscere in esso l'episodio stesso del treno.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, La creazione di Adamo, 1511

Un paio di esperti di neuroanatomia americani ritengono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato delle illustrazioni anatomiche in una delle sue opere più famose. Credono che un enorme cervello sia raffigurato sul lato destro dell'immagine. Sorprendentemente, si possono trovare anche componenti complessi come il cervelletto, i nervi ottici e la ghiandola pituitaria. E l'accattivante nastro verde corrisponde perfettamente alla posizione dell'arteria vertebrale.

L'ultima cena di Van Gogh

Vincent van Gogh, Terrazza del caffè di notte, 1888

Il ricercatore Jared Baxter ritiene che Café Terrace at Night di Van Gogh contenga una dedica all'Ultima Cena di Leonardo da Vinci. Al centro dell'immagine c'è un cameriere dai capelli lunghi e con una tunica bianca, che ricorda gli abiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori del caffè. Baxter attira anche l'attenzione sulla croce, situata direttamente dietro la schiena del cameriere in bianco.

L'immagine della memoria di Dalì

Salvador Dalì, La persistenza della memoria, 1931

Non è un segreto che i pensieri che hanno visitato Dalì durante la creazione dei suoi capolavori fossero sempre sotto forma di immagini molto realistiche, che l'artista ha poi trasferito sulla tela. Quindi, secondo l'autore stesso, il dipinto "La persistenza della memoria" è stato dipinto a seguito di associazioni sorte alla vista del formaggio fuso.

Di cosa sta gridando Munch

Edvard Munch, "L'urlo", 1893.

Munch ha parlato dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Stavo camminando lungo il sentiero con due amici - il sole stava tramontando - improvvisamente il cielo è diventato rosso sangue, mi sono fermato, sentendomi esausto, e mi sono appoggiato il recinto - ho guardato sangue e fiamme sopra il fiordo nero-bluastro e la città - i miei amici sono andati avanti, e io mi sono alzato, tremando per l'eccitazione, sentendo l'urlo infinito che trafiggeva la natura. Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare così tanto l'artista?

Esiste una versione secondo cui l'idea di "Scream" è nata da Munch nel 1883, quando ci furono diverse eruzioni più forti del vulcano Krakatoa, così potenti da cambiare di un grado la temperatura dell'atmosfera terrestre. Un'abbondante quantità di polvere e cenere si è diffusa in tutto il mondo, arrivando fino alla Norvegia. Per diverse sere di seguito, i tramonti sembravano come se stesse per arrivare l'apocalisse: uno di loro è diventato una fonte di ispirazione per l'artista.

Scrittore tra la gente

Alexander Ivanov, "L'apparizione di Cristo al popolo", 1837-1857.

Decine di modelle hanno posato per Alexander Ivanov per il suo film principale. Uno di loro è conosciuto non meno dell'artista stesso. Sullo sfondo, tra viandanti e cavalieri romani che non hanno ancora ascoltato la predica di Giovanni Battista, si nota un personaggio con una tunica marrone. Il suo Ivanov ha scritto con Nikolai Gogol. Lo scrittore ha comunicato strettamente con l'artista in Italia, in particolare su questioni religiose, e gli ha dato consigli nel processo di pittura. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto da tempo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

gotta di Michelangelo

Raffaello Santi, La scuola di Atene, 1511.

Creando il famoso affresco "La scuola di Atene", Raffaello ha immortalato i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di loro era Michelangelo Buonarroti "nel ruolo" di Eraclito. Per diversi secoli, l'affresco ha custodito i segreti della vita personale di Michelangelo e i ricercatori moderni hanno suggerito che il ginocchio stranamente spigoloso dell'artista indica che ha una malattia articolare.

Ciò è abbastanza probabile, date le peculiarità dello stile di vita e delle condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e il cronico maniaco del lavoro di Michelangelo.

Specchio degli Arnolfini

Jan van Eyck, "Ritratto degli Arnolfini", 1434

Nello specchio dietro gli Arnolfini, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente si tratta di testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di loro è van Eyck, come testimonia l'iscrizione latina posta, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio al centro della composizione: "Jan van Eyck era qui". Questo è il modo in cui i contratti venivano solitamente sigillati.

Come un difetto si è trasformato in un talento

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoritratto all'età di 63 anni, 1669.

La ricercatrice Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti di Rembrandt e ha scoperto che l'artista soffriva di strabismo: nelle immagini i suoi occhi guardano in direzioni diverse, cosa che non si osserva nei ritratti di altre persone del maestro. La malattia ha portato al fatto che l'artista poteva percepire meglio la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo cecità" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma dal momento che il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, è proprio questo difetto di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo fenomenale talento.

Venere senza peccato

Sandro Botticelli, La nascita di Venere, 1482-1486.

Prima dell'avvento della Nascita di Venere, l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli è stato il primo pittore europeo a non trovare in lui nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono sicuri che la dea pagana dell'amore simboleggi l'immagine cristiana dell'affresco: il suo aspetto è un'allegoria della rinascita dell'anima che ha subito il rito del battesimo.

Suonatore di liuto o suonatore di liuto?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Suonatore di liuto, 1596.

Per molto tempo il dipinto è stato esposto all'Ermitage con il titolo "Suonatore di liuto". Solo all'inizio del '900 gli storici dell'arte concordarono sul fatto che la tela raffigura ancora un giovane (probabilmente Caravaggio fu messo in posa dall'amico artista Mario Minniti): sulle note davanti al musicista, una registrazione della parte di basso di è visibile il madrigale di Jacob Arcadelt “Sai che ti amo”. Una donna difficilmente potrebbe fare una scelta del genere: è solo dura per la gola. Inoltre, il liuto, come il violino all'estremità del quadro, era considerato uno strumento maschile nell'era di Caravaggio.

Pubblicazioni sezione musei

Segreti di dipinti famosi

Le opere d'arte spesso diventano particolarmente apprezzate se sono leggendarie o se improvvisamente si rivelano diverse da ciò che sembrano a prima vista. "Culture.RF" svela i segreti di famosi - e non molto - dipinti russi.

La monaca di Ilya Repin

Ilya Repin. Suora. 1878. Galleria statale Tretyakov / Ritratto ai raggi X

Una giovane ragazza in severi abiti monastici guarda pensierosa lo spettatore dal ritratto. L'immagine è classica e familiare: probabilmente non avrebbe suscitato interesse tra i critici d'arte se non fosse stato per le memorie di Lyudmila Shevtsova-Spore, nipote della moglie di Repin. Hanno una storia interessante.

Ciò non ha impedito all'artista di dipingere ripetutamente ritratti di Sophia. Per uno di loro, la ragazza ha posato in una sala da ballo cerimoniale: un vestito leggero ed elegante, maniche di pizzo, capelli alti. Mentre lavorava al dipinto, Repin ha litigato seriamente con la modella. Come sai, tutti possono offendere un artista, ma pochi possono vendicarsi con la stessa inventiva di Repin. L'artista offeso ha "vestito" Sophia nel ritratto con abiti monastici.

La storia, simile a una barzelletta, è stata confermata da una radiografia. I ricercatori sono stati fortunati: Repin non ha pulito lo strato di vernice originale, il che ha permesso di esaminare in dettaglio l'abito originale dell'eroina.

"Park Alley" di Isaac Brodsky

Isacco Brodsky. Vicolo del parco. 1930. Galleria statale Tretyakov, Mosca / Isaac Brodsky. Vicolo del parco a Roma. 1911

Lo studente di Repin, Isaac Brodsky, ha lasciato un mistero altrettanto interessante per i ricercatori. La Galleria Tretyakov conserva il suo dipinto "Park Alley", che a prima vista è insignificante: Brodsky aveva molte opere sul tema del "parco". Tuttavia, più ci si addentra nel parco, più strati colorati.

Uno dei ricercatori ha notato che la composizione del dipinto ricordava sospettosamente un'altra opera dell'artista: "Park Alley in Rome" (Brodsky era avaro dei titoli originali). Questo dipinto è stato considerato perduto per molto tempo e la sua riproduzione è stata pubblicata solo in un'edizione piuttosto rara del 1929. Con l'aiuto di una radiografia è stato ritrovato un vicolo romano misteriosamente scomparso, proprio sotto quello sovietico. L'artista non ha ripulito l'immagine già finita e ha semplicemente apportato una serie di semplici modifiche: ha cambiato gli abiti dei passanti alla moda degli anni '30 del XX secolo, "ha portato via" il serso ai bambini, rimosse le statue marmoree e modificati leggermente gli alberi. Così il soleggiato parco italiano con un paio di leggeri movimenti delle mani si è trasformato in un esemplare sovietico.

Alla domanda sul perché Brodsky abbia deciso di nascondere il suo vicolo romano, non hanno trovato risposta. Ma si può presumere che la rappresentazione del "fascino modesto della borghesia" nel 1930 fosse già inappropriata dal punto di vista ideologico. Tuttavia, di tutte le opere paesaggistiche post-rivoluzionarie di Brodsky, "Park Alley" è la più interessante: nonostante i cambiamenti, l'immagine conservava l'affascinante eleganza della modernità, che, purtroppo, non era più nel realismo sovietico.

"Mattina in una pineta" di Ivan Shishkin

Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Mattina in una pineta. 1889. Galleria Statale Tretyakov

Un paesaggio forestale con cuccioli che giocano su un albero caduto è forse l'opera più famosa dell'artista. Questa è solo l'idea del paesaggio che Ivan Shishkin ha suggerito a un altro artista: Konstantin Savitsky. Dipinse anche un'orsa con tre cuccioli: orsi, un esperto della foresta, Shishkin, non ci riuscì in alcun modo.

Shishkin ha compreso in modo impeccabile la flora della foresta, ha notato i minimi errori nei disegni dei suoi studenti: o la corteccia di betulla non è raffigurata allo stesso modo o il pino sembra falso. Tuttavia, le persone e gli animali nel suo lavoro sono sempre stati una rarità. È qui che Savitsky è venuto in soccorso. A proposito, ha lasciato diversi disegni e schizzi preparatori con i cuccioli: stava cercando pose adatte. "Morning in a Pine Forest" non era originariamente "Morning": il dipinto si chiamava "Bear Family in the Forest", e c'erano solo due orsi su di esso. In qualità di coautore, Savitsky ha apposto la sua firma sulla tela.

Quando la tela fu consegnata al mercante Pavel Tretyakov, si indignò: pagò Shishkin (ordinò il lavoro dell'autore), ma ricevette Shishkin e Savitsky. Shishkin, da uomo onesto, non si attribuiva la paternità. Ma Tretyakov è andato per principio e ha cancellato blasfemamente la firma di Savitsky dall'immagine con trementina. Savitsky in seguito rifiutò nobilmente il copyright e gli orsi furono attribuiti a Shishkin per molto tempo.

"Ritratto di una ragazza del coro" di Konstantin Korovin

Konstantin Korovin. Ritratto di una ragazza del coro. 1887. Galleria statale Tretyakov / Retro del ritratto

Sul retro della tela, i ricercatori hanno trovato un messaggio di Konstantin Korovin su cartone, che si è rivelato quasi più interessante del dipinto stesso:

“Nel 1883 a Kharkov, un ritratto di una ragazza del coro. Scritto su un balcone in un giardino pubblico commerciale. Repin ha detto, quando questo schizzo gli è stato mostrato da Mamontov S.I., che lui, Korovin, scrive e sta cercando qualcos'altro, ma a cosa serve - questa è solo pittura per dipingere. Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento. E la pittura di questo bozzetto è risultata incomprensibile??!! Quindi Polenov mi ha chiesto di rimuovere questo schizzo dalla mostra, poiché non piace né agli artisti né ai membri - al signor Mosolov e ad altri. La modella era una donna brutta, anche un po' brutta.

Konstantin Korovin

La "lettera" ha disarmato con la sua franchezza e l'audace sfida all'intera comunità artistica: "Serov non aveva ancora dipinto ritratti in quel momento" - ma sono stati dipinti da lui, Konstantin Korovin. E sarebbe stato il primo a utilizzare tecniche caratteristiche dello stile che in seguito sarebbe stato chiamato impressionismo russo. Ma tutto questo si è rivelato essere un mito che l'artista ha creato intenzionalmente.

L'armoniosa teoria "Korovin - il precursore dell'impressionismo russo" è stata distrutta senza pietà da una ricerca tecnica e tecnologica obiettiva. Sul lato anteriore del ritratto, hanno trovato la firma dell'artista a vernice, un po 'più in basso - a inchiostro: "1883, Kharkov". A Kharkov, l'artista lavorò nel maggio-giugno 1887: dipinse scenografie per le esibizioni dell'Opera privata russa di Mamontov. Inoltre, i critici d'arte hanno scoperto che il "Ritratto di una ragazza del coro" è stato realizzato in un certo modo artistico - a la prima. Questa tecnica di pittura a olio ha permesso di dipingere un quadro in una sessione. Korovin iniziò a utilizzare questa tecnica solo alla fine del 1880.

Dopo aver analizzato queste due incongruenze, i dipendenti della Galleria Tretyakov sono giunti alla conclusione che il ritratto è stato dipinto solo nel 1887 e Korovin ha aggiunto una data precedente per sottolineare la propria innovazione.

"L'uomo e la culla" di Ivan Yakimov

Ivan Jakimov. Uomo e culla.1770. Galleria statale Tretyakov / Versione completa dell'opera

Per molto tempo, il dipinto di Ivan Yakimov "Un uomo e una culla" ha lasciato perplessi gli storici dell'arte. E il punto non era nemmeno che tali schizzi quotidiani fossero assolutamente insoliti per la pittura del XVIII secolo: il cavallo a dondolo nell'angolo in basso a destra dell'immagine aveva una corda tesa in modo troppo innaturale, che logicamente avrebbe dovuto giacere sul pavimento. Sì, ed era troppo presto perché un bambino fin dalla culla giocasse con questi giocattoli. Inoltre, il camino non si adattava nemmeno a metà della tela, il che sembrava molto strano.

"Illuminò" la situazione - in senso letterale - radiografia. Ha mostrato che la tela è stata tagliata a destra e in alto.

Il dipinto è arrivato alla Galleria Tretyakov dopo la vendita della collezione di Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Possedeva il cosiddetto "Museo russo", una collezione di dipinti, sculture e oggetti d'antiquariato. Ma nel 1834, a causa di problemi finanziari, la collezione dovette essere venduta - e il dipinto "Un uomo e una culla" finì nella Galleria Tretyakov: non tutto, ma solo la metà sinistra. Quella di destra, purtroppo, è andata perduta, ma è ancora possibile vedere l'opera nella sua interezza, grazie a un'altra mostra unica della Galleria Tretyakov. La versione completa dell'opera di Yakimov è stata trovata nell'album "Raccolta di opere eccellenti di artisti russi e curiose antichità domestiche", che contiene disegni della maggior parte dei dipinti che facevano parte della collezione Svinin.

L'evoluzione della pittura in Russia dal X alla metà del XX secolo

Anche quei capolavori della pittura che ci sembrano familiari hanno i loro segreti. In generale, in quasi tutte le opere d'arte significative c'è un mistero, un "doppio fondo" o una storia segreta che vuoi scoprire.

La vendetta di Salvador Dalì

Il dipinto "Figura alla finestra" è stato dipinto nel 1925, quando Dalì aveva 21 anni. Quindi Gala non era ancora entrato nella vita dell'artista e sua sorella Ana Maria era la sua musa ispiratrice. Il rapporto tra fratello e sorella si è deteriorato quando ha scritto in uno dei dipinti "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi fa piacere". Ana Maria non poteva perdonare tale scioccante. Nel suo libro del 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister, scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro fece infuriare El Salvador. Per altri dieci anni dopo, la ricordò con rabbia in ogni occasione. E così, nel 1954, appare il dipinto "Una giovane vergine che si concede la sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità".

La posa della donna, i suoi riccioli, il paesaggio fuori dalla finestra e la cromia del dipinto richiamano chiaramente la Figura alla finestra. C'è una versione secondo cui è così che Dalì si è vendicato di sua sorella per il suo libro.

Danae bifronte

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono svelati solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela fu illuminata con i raggi X. Ad esempio, le riprese hanno mostrato che nella prima versione il volto della principessa, che ha avuto una relazione amorosa con Zeus, sembrava il volto di Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nella versione finale del dipinto, ha cominciato a somigliare al volto di Gertier Dirks, l'amante di Rembrandt, con cui l'artista ha vissuto dopo la morte della moglie.

La camera gialla di Van Gogh

Nel maggio 1888, Van Gogh acquisì un piccolo laboratorio ad Arles, nel sud della Francia, dove fuggì dagli artisti e dai critici parigini che non lo capivano. In una delle quattro stanze, Vincent allestisce una camera da letto. In ottobre tutto è pronto e decide di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Per l'artista, il colore, il comfort della stanza erano molto importanti: tutto doveva suggerire pensieri di relax. Allo stesso tempo, l'immagine è sostenuta da inquietanti toni gialli. I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano con il fatto che l'artista ha preso la digitale, un rimedio per l'epilessia, che provoca gravi cambiamenti nella percezione del colore da parte del paziente: l'intera realtà circostante è dipinta con toni verde-giallo.

Perfezione senza denti

L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è bello nella sua misteriosità. Tuttavia, il critico d'arte americano (e dentista part-time) Joseph Borkowski ritiene che, a giudicare dall'espressione del suo viso, l'eroina abbia perso molti denti. Mentre esaminava le fotografie ingrandite del capolavoro, Borkowski trovò anche cicatrici intorno alla sua bocca. "È così" sorridente "proprio per quello che le è successo", sostiene l'esperto, "l'espressione del suo volto è tipica di chi ha perso i denti anteriori".

Maggiore sul controllo del viso

Il pubblico, che ha visto per la prima volta il dipinto "Major's Matchmaking", ha riso di gusto: Fedotov lo ha riempito di dettagli ironici comprensibili agli spettatori dell'epoca. Ad esempio, il maggiore chiaramente non ha familiarità con le regole del galateo nobile: è apparso senza i bouquet adeguati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa è stata dimessa dai suoi genitori mercantili in un abito da ballo da sera, sebbene fosse giorno (tutte le lampade nella stanza erano spente). La ragazza ovviamente si è provata per la prima volta un abito scollato, è imbarazzata e cerca di scappare in camera sua.

Perché Freedom è nuda

Secondo lo storico dell'arte Etienne Julie, Delacroix ha dipinto il volto di una donna del famoso rivoluzionario parigino: la lavandaia Anna-Charlotte, che è andata alle barricate dopo la morte di suo fratello per mano dei soldati reali e ha ucciso nove guardie. L'artista l'ha raffigurata a torso nudo. Secondo il suo piano, questo è un simbolo di impavidità e altruismo, nonché del trionfo della democrazia: i seni nudi mostrano che Svoboda, come un cittadino comune, non indossa un corsetto.

quadrato non quadrato

In effetti, il "Quadrato Nero" non è affatto nero e per niente quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero è parallelo a nessuno degli altri suoi lati, e nessuno dei lati della cornice quadrata che inquadra il quadro. E il colore scuro è il risultato della miscelazione di vari colori, tra i quali non c'era il nero. Si ritiene che questa non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione di principio, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Melodramma della Gioconda austriaca

Uno dei dipinti più significativi di Klimt raffigura la moglie del magnate dello zucchero austriaco Ferdinand Bloch-Bauer. Tutta Vienna ha discusso della tempestosa storia d'amore tra Adele e il famoso artista. Il marito ferito voleva vendicarsi dei suoi amanti, ma ha scelto un modo molto insolito: ha deciso di ordinare un ritratto di Adele a Klimt e costringerlo a fare centinaia di schizzi finché l'artista non inizia a voltare le spalle a lei. Bloch-Bauer voleva che il lavoro durasse diversi anni e la modella potesse vedere come i sentimenti di Klimt svanissero. Ha fatto un'offerta generosa all'artista, che non ha potuto rifiutare, e tutto è andato secondo lo scenario del marito ingannato: il lavoro è stato completato in 4 anni, gli amanti si erano da tempo raffreddati l'uno verso l'altro. Adele Bloch-Bauer non ha mai scoperto che suo marito era a conoscenza della sua relazione con Klimt.

Il dipinto che ha riportato in vita Gauguin

La tela più famosa di Gauguin ha una caratteristica: viene "letta" non da sinistra a destra, ma da destra a sinistra, come i testi cabalistici a cui l'artista era interessato. È in questo ordine che si svolge l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona: dalla nascita dell'anima (un bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) all'inevitabilità dell'ora della morte (un uccello con una lucertola in i suoi artigli nell'angolo in basso a sinistra). Il dipinto è stato dipinto da Gauguin a Tahiti, dove l'artista è fuggito più volte dalla civiltà. Ma questa volta la vita sull'isola non ha funzionato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Terminata la tela, che sarebbe diventata il suo testamento spirituale, Gauguin prese una scatola di arsenico e andò a morire in montagna. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio è fallito. La mattina dopo, barcollò fino alla sua capanna e si addormentò, e quando si svegliò sentì una sete di vita dimenticata. E nel 1898, i suoi affari andarono in salita e iniziò un periodo più luminoso nel suo lavoro.

vecchio pescatore

Nel 1902, l'artista ungherese Tivadar Kostka Chontvari dipinse il dipinto "Old Fisherman". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivadar vi ha posto un sottotesto, che non è mai stato rivelato durante la vita dell'artista. Poche persone hanno pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine.

In ogni persona possono esserci sia Dio (la spalla destra del Vecchio è duplicata) sia il Diavolo (la spalla sinistra del vecchio è duplicata).

Molti capolavori della pittura ci sono ben noti. Quasi ogni opera d'arte porta un mistero o una storia segreta. Cercheremo di svelare questi misteri e condividerne alcuni.

1. Come Salvador Dalì si è vendicato di sua sorella

"Figure at the Window" è un dipinto dipinto da Dalì nel 1925, quando aveva solo 21 anni. A quel tempo, la sua musa ispiratrice era Ana Maria. Dali una volta scrisse nel suo dipinto "a volte sputo su un ritratto di mia madre, e mi dà piacere". Dopo questo, il rapporto tra fratello e sorella è stato completamente rovinato, perché Ana non poteva perdonarlo per questo. Quando nel 1949 fu pubblicato il libro "Salvador Dalì attraverso gli occhi di una sorella", in cui Dalì era raffigurato senza alcuna lode, si arrabbiò e la ricordò a lungo. Il dipinto "Giovane vergine che si concede la sodomia con l'aiuto delle corna della propria castità" è apparso nel 1954, quindi Dalì ha infastidito sua sorella per il suo libro. Se guardi da vicino, puoi vedere alcune somiglianze con il dipinto "Figura alla finestra".

2. Danae bifronte

Negli anni '60 del Novecento fu svelato il segreto del famoso dipinto di Rembrandt. Quando l'immagine è stata illuminata con i raggi X, hanno scoperto che il volto è molto simile a Saskia, la moglie del pittore, morta nel 1642. Nell'immagine finale, il volto sembra l'amante di Rembrandt, Gertier Dirks. L'artista ha vissuto con lei dopo la morte della moglie.

3. Camera da letto ad Arles di Van Gogh

Van Gogh è stato spesso frainteso da artisti e critici. Nel 1888 dovette fuggire nel sud della Francia, dove aprì un laboratorio. Equipaggia una delle quattro stanze come camera da letto. In autunno gli viene l'idea di dipingere la camera da letto di Van Gogh ad Arles. Voleva ritrarre il comfort della stanza, in modo che alla vista di tutti i pensieri sorgessero solo sul riposo. I ricercatori del suo lavoro hanno notato che l'immagine è stata realizzata nei toni del giallo e lo hanno spiegato dal fatto che Van Gogh ha preso un rimedio per l'epilessia: la digitale, e, come sai, cambia la percezione del colore e una persona vede tutto in verde -toni gialli.

4. La perfezione senza denti

Mona Lisa è la perfezione e il suo sorriso è impeccabile e misterioso. La maggior parte delle persone la pensa così, ma non un critico d'arte americano. Joseph Borkowski, dentista di professione, dopo aver studiato attentamente le fotografie ingrandite, disse che l'eroina aveva perso molti denti nella sua vita. Ha anche trovato cicatrici intorno alla bocca. L'esperto ritiene che il suo famoso sorriso sia molto tipico per quelle persone che sono rimaste senza denti anteriori.

Il dipinto dell'artista Fedotov "Major's Matchmaking" ha molto divertito il pubblico. Ci sono dettagli ironici nella foto che sono stati compresi dagli osservatori di quel tempo. Ad esempio, al maggiore mancano chiaramente le regole del galateo insite nella nobiltà: è venuto senza mazzi di fiori per la sua sposa e sua madre, come previsto. I genitori indossano un abito da sera per la sposa, anche se è giorno (le lampade nella stanza non sono accese). Nella foto vediamo che la ragazza, molto probabilmente, ha indossato per la prima volta un abito scollato, quindi è molto imbarazzata e cerca in tutti i modi di scappare e nascondersi da tutto ciò che sta accadendo.

Etienne Julie, un famoso storico dell'arte, crede che Delacroix abbia copiato il volto di una donna dal famoso rivoluzionario di Parigi - Anna Charlotte. Dopo la tragica morte del fratello per mano dei soldati reali, Anna si recò sulle barricate e uccise eroicamente nove guardie. Nella foto vediamo un rivoluzionario a petto nudo. Il petto nudo simboleggia l'altruismo e il coraggio e dimostra a tutti che Svoboda non indossa un corsetto come un cittadino comune.

7. Quadrato non nero

Il "Black Square" è molto popolare, anche se molti non si rendono nemmeno conto che non è nero e per niente quadrato. In un quadrilatero, nessun lato è parallelo a nessun altro, e nemmeno parallelo a nessuno dei lati della cornice in cui è inquadrato il quadro. Molte persone pensano che il quadrato sia nero, ma in realtà il colore è stato ottenuto mescolando colori diversi e il nero non c'era affatto. Come affermano gli storici dell'arte, questa era la posizione di principio di Kazimir Malevich, mentre si sforzava di creare una forma mobile e dinamica.

8. Vecchio pescatore

L'artista Tivadar Kostka Chontvari dall'Ungheria nel 1902 dipinse il dipinto "Old Fisherman". A molti può sembrare che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma l'artista ha posto un sottotesto nella sua foto, che non è mai stato rivelato durante la sua vita. Pochi avrebbero pensato di mettere uno specchio al centro dell'immagine. Tivadar Kostka Chontvari voleva dimostrare che sia Dio che il Diavolo possono essere presenti in ogni persona.

9. Romanticismo segreto

Klimt sulla sua tela raffigurava la moglie di Ferdinand Bloch-Bauer, un magnate dello zucchero austriaco. Molti sono rimasti sorpresi e hanno discusso del romanzo del famoso artista e di Adele. Il marito era terribilmente arrabbiato e ha deciso di vendicarsi dei suoi amanti in un modo insolito. Bloch-Bauer ordinò a Klimt un ritratto di sua moglie e ordinò di realizzare un numero enorme di schizzi in modo che l'artista iniziasse a uscire da lei. Pianificò che il lavoro sarebbe continuato per diversi anni e quindi i sentimenti degli innamorati sarebbero svaniti. Ferdinando fece un'offerta allettante, che l'artista non poteva rifiutare, e tutto andò come previsto dal marito ingannato. Il lavoro è durato 4 anni e durante questo periodo gli innamorati hanno perso i loro sentimenti l'uno per l'altro, e Adele non ha mai scoperto fino alla fine dei suoi giorni che suo marito era a conoscenza della relazione con Klimt.

10. Tornato in vita grazie a un dipinto

Gauguin è famoso per il suo dipinto “Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" che ha una particolarità: è necessario leggere la tela da destra a sinistra, e non da sinistra a destra, come tutti sono abituati. L'intera allegoria della vita spirituale e fisica di una persona va in questo ordine: all'inizio nasce l'anima (il bambino dorme in un angolo), e alla fine arriva l'inevitabile ora della morte (l'uccello tiene la lucertola tra i suoi artigli). Durante la sua vita, l'artista è spesso fuggito a Tahiti dalla civiltà e ha scritto le sue opere. In quel momento, la vita a Tahiti non ha funzionato fin dall'inizio: la povertà globale ha causato la depressione dell'artista. Dopo aver terminato la sua tela, Paul Gauguin prese l'arsenico e andò in montagna a suicidarsi. Ma poiché non ha calcolato la dose, l'idea del suicidio è fallita. Al mattino arrivò alla capanna e si addormentò, e dopo essersi svegliato sentì una sete di vita. Dal 1898 iniziò una striscia bianca nel suo lavoro e le cose andarono a gonfie vele.