Stilizzazione delle forme animali nella composizione. Approcci di base alla stilizzazione grafica delle forme naturali (sull'esempio di esemplari animali e vegetali). Piante stilizzate nell'opera dell'artista

LAVORO METODOLOGICO

Sul tema di:

"Stilizzazione delle forme vegetali nell'ornamento"

Polishchuk Olga Veniaminovna

Insegnante della scuola d'arte per bambini n. 1 dal nome. NP Shleyna.

Kostroma 2015

"L'arte è un'astrazione, estraila dalla natura, fantastica sulla sua base e pensa più al processo di creazione che al risultato."

Paolo Gauguin

Contenuto

1. Nota esplicativa. Il concetto di ornamento e le sue tipologie.

5. Sintesi della lezione sull'argomento: "Stilizzazione delle forme vegetali nell'ornamento alle lezioni di composizione decorativa".

6. Elenco dei riferimenti.

7. Lavoro creativo degli studenti della Children's Art School.

8. Elenco dei diplomi di mostre-concorsi cittadini, regionali, regionali, internazionali.

1. Nota esplicativa

La moderna cultura mondiale è proprietaria di un enorme patrimonio nel campo di tutti i tipi di belle arti. Studiando i più grandi monumenti di architettura, pittura, scultura e arti decorative e applicate, non si può ignorare un'altra area della creatività artistica. Si tratta di decorazione.L'ornamento fa parte della cultura materiale della società. Un attento studio e sviluppo del più ricco patrimonio di questa componente della cultura artistica mondiale contribuisce alla coltivazione del gusto artistico, alla formazione di idee nel campo della storia culturale e rende il mondo interiore più significativo.

La letteratura sull'ornamento può essere ampia. Il testo in tutte le opere ha un ruolo secondario. Sono giunto alla conclusione che è necessario parlare di ornamento nelle lezioni di composizione, che darebbero allo studente un'idea delle sue forme principali. Toccherò di più sull'ornamento floreale. Ho chiamato il mio lavoro "Stilizzazione delle forme vegetali nell'ornamento", in esso voglio mostrare come le piante possono essere trasformate in una forma d'arte.

È noto che la natura e l'arte sono strettamente interconnesse. La pittura e la scultura si basano su un'imitazione più o meno diretta della natura. Anche l'ornamento si basa sull'imitazione della natura e, in effetti, per l'ornamento ci sono molti prototipi in natura.

Piante, animali, persone e opere d'arte del lavoro umano fungono da prototipo per l'ornamento. In che modo, allora, l'artista dovrebbe trasformare un motivo tratto dalla natura in una forma e un colore che, sotto forma di ornamento, potrebbero corrispondere al suo scopo? Cos'è un ornamento rispetto al prototipo in natura? È un ornamento realizzato da una mano umana, trasformato dalla sua immaginazione.

Ornamento- uno schema basato sulla ripetizione e l'alternanza dei suoi elementi costitutivi; progettato per decorare vari oggetti. L'ornamento è uno dei tipi più antichi di attività pittorica umana, che in un lontano passato aveva un significato simbolico e magico, il simbolismo.

L'emergere dell'ornamento risale a secoli fa e, per la prima volta, le sue tracce furono catturate nell'era paleolitica (15-10 mila anni a.C.). Nella cultura neolitica, l'ornamento ha già raggiunto un'ampia varietà di forme e ha cominciato a dominare. Nel tempo, l'ornamento perde la sua posizione dominante e il suo significato conoscitivo, conservando, tuttavia, un importante ruolo di snellimento e decorazione nel sistema dell'arte plastica. Ogni epoca, stile, cultura nazionale costantemente emergente ha elaborato il proprio sistema; pertanto, l'ornamento è un segno affidabile dell'appartenenza delle opere a un determinato tempo, popolo, paese. Lo scopo dell'ornamento era determinato: decorare. L'ornamento raggiunge uno sviluppo speciale dove prevalgono le forme condizionali di riflessione della realtà: nell'Antico Oriente, nell'America precolombiana, nelle culture asiatiche dell'antichità e del Medioevo, nel Medioevo europeo. Nell'arte popolare, fin dai tempi antichi, si sono formati principi stabili e forme di ornamento, che determinano in gran parte le tradizioni artistiche nazionali.

Gli ornamenti possono essere collocati in vari luoghi e la natura dell'ornamento dovrebbe essere coerente con la natura della parte dell'oggetto che decora. Pertanto, un ornamento (decorazione) è un motivo costruito sulla ripetizione ritmica di elementi geometrici - motivi vegetali o animali, e progettato per decorare una varietà di cose (articoli per la casa, mobili, abbigliamento, armi, ecc.), Strutture architettoniche.

A seconda dei motivi (il motivo fa parte dell'ornamento, il suo elemento principale), gli ornamenti sono divisi in diversi gruppi:geometrica, vegetativa, zoomorfa, antropomorfa e combinata.

ornamento geometrico può essere costituito da punti, linee, cerchi, rombi, poliedri, stelle, croci, spirali, ecc.

Ornamento floreale È composto da foglie stilizzate, fiori, frutti, rami, ecc. Il motivo più comune tra tutti i popoli è il motivo "albero della vita": questo è un ornamento floreale. È raffigurato sia come un cespuglio fiorito, sia in modo più decorativo - in modo generalizzato. Le composizioni di un tale ornamento sono molto diverse.

ornamento zoomorfo raffigura figure stilizzate o parti di figure di animali reali e fantastici.

Ornamento antropomorfo utilizza come motivi figure stilizzate maschili e femminili o parti del viso e del corpo di una persona.

Ornamento teratologico. I suoi motivi sono personaggi creati dalla fantasia di una persona, possono avere contemporaneamente segni di diversi animali o un animale e una sirena umana, centauri, sirene.

ornamento calligrafico . Consiste in singole lettere o elementi di testo, a volte in combinazioni complesse con elementi geometrici o floreali.

Ornamento araldico . Segni, emblemi, stemmi, elementi di equipaggiamento militare: scudi, armi, bandiere sono usati come motivi.

Spesso nei modelli ci sono combinazioni di vari motivi. Un tale ornamento può essere chiamatocombinato.

Per composizione, gli ornamenti si dividono in più tipologie: a fascia (fregi), a quadrato, a cerchio, a triangolo (rosette).

Esistono tre tipi: ornamenti lineari, cellulari, chiusi.

Ornamenti lineari - questi sono ornamenti in una striscia con un'alternanza verticale o orizzontale di un motivo.

Ornamento cellulare o rapport - questo è un motivo che si ripete sia verticalmente che orizzontalmente, questo è un ornamento infinito in tutte le direzioni. Il rapporto è un elemento di ornamento, il suo motivo principale.

ornamento chiuso disposti in un rettangolo, quadrato, cerchio. Il motivo in esso o non si ripete o si ripete con una svolta sull'aereo.

L'ornamento può essere simmetrico o asimmetrico.

Simmetria (dal greco antico - proporzionalità) - conformità, immutabilità, manifestata in qualsiasi cambiamento, ripetizione, riproduzione. La simmetria bilaterale, ad esempio, significa che i lati destro e sinistro sembrano uguali rispetto a un piano.Asimmetria - mancanza o violazione della simmetria.

L'asse di simmetria è una linea immaginaria che divide una figura in due parti speculari. Secondo il numero di assi di simmetria, le figure sono: con un asse di simmetria, con due, con quattro, e in un cerchio c'è generalmente un numero infinito di assi di simmetria.

Nelle arti visive, la simmetria è un mezzo per creare una forma artistica. È presente nella composizione ornamentale ed è una delle manifestazioni del ritmo nell'ornamento.

Ritmo in una composizione ornamentale, chiamano il modello di alternanza e ripetizione di motivi, figure e intervalli tra loro. Il ritmo è la proprietà principale di qualsiasi composizione ornamentale. Una caratteristica dell'ornamento è la ripetizione ritmica di motivi ed elementi di questi motivi, le loro inclinazioni e svolte.

Costruzione ritmica - questa è la disposizione reciproca dei motivi in ​​\u200b\u200buna composizione ornamentale. Il ritmo organizza un certo movimento nell'ornamento: passaggi dal piccolo al grande, dal semplice al complesso, dal chiaro allo scuro, o ripetizioni delle stesse forme a determinati intervalli.

A seconda del ritmo, il pattern diventa statico o dinamico.

Un ritmo irregolare conferisce dinamica alla composizione e uno uniforme la rende calma.

2. Scopi e obiettivi del lavoro metodologico e della stilizzazione didattica nelle lezioni di composizione decorativa.

Nella Russia moderna, un ruolo serio nell'educazione di bambini e adolescenti è svolto dal sistema di istruzione aggiuntiva, il cui scopo principale è motivare il bambino alla conoscenza e alla creatività.

In una scuola d'arte, non si tratta solo di acquisire conoscenze e abilità di base dell'alfabetizzazione visiva, ma anche di sviluppare capacità creative.

Le lezioni in una scuola d'arte dovrebbero insegnare ai bambini a condurre un lavoro creativo in modo coerente e competente, sviluppare la capacità di pensare in modo figurato ed essere in grado di vedere e riflettere in modo interessante, importante, sorprendente. Per fare ciò, l'insegnante include una serie di tecniche metodologiche per l'osservazione, le associazioni, le emozioni che incoraggiano il bambino a determinate esperienze. Una varietà di forme volte a sviluppare il potenziale creativo del bambino. Il compito dell'insegnante è preservare le qualità caratteristiche dei bambini: freschezza e immediatezza della percezione, ricchezza dell'immaginazione, entusiasmo per il processo dell'immagine.

Tutto il lavoro dovrebbe essere basato sul desiderio di instillare negli studenti la capacità non solo di rappresentare la realtà, ma anche di esprimere il proprio atteggiamento nei suoi confronti, cioè di creare un'immagine artistica.

La ricchezza emotiva delle lezioni in cui lavorano con vernici e altri materiali dovrebbe essere pensata. L'insegnante deve educare la sensibilità dei bambini a ciò che i sentimenti, gli stati d'animo, i colori sono in grado di esprimere in quanto tali, le loro gradazioni e combinazioni. Questo è aiutato dalla "tecnologia dell'umore emotivo". Prevede varie tecniche: fare appello all'immaginazione dei bambini, risvegliare l'interesse con l'aiuto di momenti di gioco, ascoltare musica, testi, ecc.

La novità della situazione, l'insolito inizio del lavoro, la bella varietà di materiali aiutano a prevenire la monotonia e la noia. Tutto ciò sviluppa l'immaginazione, la reattività emotiva dei bambini, rivela capacità creative attraverso l'instaurazione di collegamenti tra il mondo delle immagini e il mondo dei sentimenti e delle emozioni. I lavori sono diversi, ma tutti sono creativi.

Dopo tanti anni di pratica didattica, capisci che insegnare a disegnare a un bambino è un percorso piuttosto entusiasmante, intenso, creativo. Un bambino che viene a scuola inizialmente arde solo di voglia di imparare: è attento, concentrato, pronto all'apprendimento, ma può essere spaventato, semplicemente "preso alla sprovvista" dalla teoria delle belle arti.

Moty, concetti ed espressioni complessi. Quindi tutto dipende dall'insegnante.

I programmi di insegnamento tipici sono principalmente finalizzati all'insegnamento di principi e compiti accademici e non contengono materiale per lo sviluppo di capacità creative, non introducono nuove tecnologie, tecniche e tecniche.

Nel mondo moderno, le scuole di istruzione aggiuntiva devono mostrare costantemente un alto livello di attività, la partecipazione a vari concorsi, mostre le obbliga a studiare nuovi materiali artistici, tecniche e metodi di lavoro moderni. Questo, a sua volta, porta al fatto che è necessario ristrutturare il proprio lavoro.

Il lavoro metodologico è compilato tenendo conto della tendenza nelle belle arti del nostro tempo. Compiti di lavoro metodico:

Ampliare e arricchire le conoscenze e le idee dei bambini nel campo dell'alfabetizzazione visiva, del colore, della forma.

Sviluppare capacità estetiche, formare il gusto artistico degli studenti.

Impara ad applicare il metodo dimostrativo e la tecnica di visualizzazione nell'insegnamento (è impossibile condurre lezioni senza tabelle, modelli e disegni).

Scopi e obiettivi dell'insegnamento della stilizzazione.

Obiettivi:

Lo sviluppo artistico ed estetico della personalità degli studenti sulla base della stilizzazione acquisita da loro nel processo di padronanza del programma, abilità e abilità per tradurre le loro idee in forme artistiche.

Aiuta a plasmare la visione del mondo del bambino, alimentando il pensiero artistico e figurativo, il gusto, la percezione della bellezza nella natura.

Identificazione di bambini dotati nel campo della composizione decorativa, loro ulteriore sviluppo creativo.

Compiti:

Introduzione alle tecniche di styling.

Scopri come modellare le forme delle piante in modi diversi.

Impara ad applicare le tecniche grafiche nello styling.

Impara le abilità del lavoro indipendente con gli schizzi.

L'acquisizione da parte degli studenti dell'esperienza dell'attività creativa.

3. Arte decorativa e applicata, stilizzazione nell'ornamento.

Gli artisti delle arti e dei mestieri hanno sempre prestato grande attenzione allo studio di varie forme del mondo vegetale e alla loro rappresentazione su oggetti per la casa: piatti, tessuti, prodotti in legno e altro ancora.

Gli artigiani popolari hanno creato immagini completamente diverse del mondo vegetale su un piano o su una forma tridimensionale, in base alla loro visione e secondo il loro gusto. Fiori e piante potrebbero essere raffigurati da loro sia sotto forma di un disegno lineare, sia sotto forma di una complessa forma spaziale. Ciò dipendeva dal grado di stilizzazione del motivo naturale. L'artista non utilizza motivi naturali per decorare oggetti senza alcun grado di stilizzazione. La stilizzazione, che trasforma l'aspetto reale del raffigurato, si ottiene sempre attraverso la sua generalizzazione. Lo scopo della stilizzazione è presentare un'immagine generalizzata e semplificata dell'oggetto raffigurato, per rendere il motivo più comprensibile, il più espressivo possibile per lo spettatore, mentre, ciò che è importante, l'artista è conveniente per l'esecuzione. Il materiale su cui verrà eseguita l'immagine e il posto assegnato per l'arredamento costringono l'artista a scegliere l'una o l'altra opzione di stilizzazione.

Piante - fiori, foglie, frutti potrebbero essere stilizzati in modo semplificato, resi in modo naturalistico, oppure la loro immagine potrebbe essere complicata. Le foglie erano raffigurate come una massa di fogliame, a volte separatamente come una foglia di papiro in Egitto, foglia di alloro e foglia d'acanto in Grecia. I fiori erano un motivo preferito, ad esempio il giglio nell'arte egea, la rosa nell'arte gotica, il loto e il giglio nell'arte egizia, il crisantemo in Giappone, ecc.

Nel XVIII secolo il maestro stesso inventò il prodotto e lo eseguì lui stesso fino all'ultima operazione. Quando creava un motivo ornamentale, si concentrava sempre su un motivo canonico visivo. Grandi maestri del Rinascimento in Italia realizzarono disegni per arazzi, tessuti e ceramiche. I motivi pittorici di questo periodo si distinguono per il loro realismo e colori festosi.

All'inizio del XIX secolo, l'interesse per i motivi vegetali aumentò in Europa. L'immagine delle piante diventa un argomento separato nell'arte. Si stanno diffondendo le scuole artistico-industriali. Al servizio della produzione in rapido sviluppo di articoli decorati con ornamenti, ha portato alla nascita dei primi metodi di rappresentazione di vari motivi, come il metodo di "determinazione delle forme perfette delle piante" e la stilizzazione di schizzi naturali di piante come ornamenti del passato. Allo stesso tempo, è stata conservata la copia dei disegni campione. Questo metodo è classico ed esiste nella prima metà del XIX secolo. Si basava sull'uso di una forma idealizzata di una pianta o di una sua parte, ottenuta come risultato di una generalizzazione creativa delle forme naturali, come motivo ornamentale. La forma vegetale, secondo il metodo delle "forme perfette", è stata interpretata dall'artista, tenendo conto degli ornamenti dei secoli passati e di alcune leggi per costruire un'immagine artistica delle piante. La generalizzazione creativa in essa era intesa come stilizzazione elementare - schematizzazione basata sulla somiglianza del contorno di un fiore, foglia, frutto con varie forme geometriche (triangolo, quadrato, cerchio, ecc.).

Nella seconda metà del XIX secolo, la maggior parte delle opere d'arte applicata erano sature di ornamenti floreali, che causavano ripetizioni di motivi precedentemente sviluppati. Le speranze per il rinnovamento dei motivi ornamentali iniziarono ad essere associate al crescente movimento di "ritorno alla natura". Ci sono compiti per disegnare piante dalla natura.

Libri e manuali sul disegno e la stilizzazione delle piante sono pubblicati in Germania e Austria, in particolare: "Flowers and Ornament" di Karl Krumbolts, "Plants in Art" di Joseph Ritter von Stock, "Drawing Stylized and Natural Plants" di Johann Stauffager, "Forme delle piante. Campioni e uso delle piante nell'ornamento" Meurer.

Hanno fatto schizzi di due tipi. Il primo tipo copre schizzi di gruppi di piante con la conservazione di tutti gli angoli, proporzioni, colori casuali. Il secondo tipo si distingue per il fatto che gli angoli per raffigurare le piante sono selezionati tenendo conto della maggiore identificazione delle caratteristiche. Il lavoro arriva con una grande analisi del progetto e del disegno. L'ornamentale è stato ottenuto appiattendo l'immagine naturale introducendo un contorno dello stesso spessore, anche riempiendolo di colore, senza trasmettere chiaroscuri.

M. Meurer è riuscito a combinare tutti i risultati accumulati in un unico metodo. Il corso di studio comparativo delle forme vegetali di Meurer comprendeva: studio teorico dei fondamenti della botanica, disegno di piante dal vero, disegno di un erbario, copia di ornamenti del passato. Quindi gli studenti potrebbero passare alla modifica delle forme vegetali naturali in forme artistiche basate sulla loro immaginazione. Allo stesso tempo, nel processo di trasformazione delle forme delle piante, era necessario pensare non solo alla bellezza, ma anche tenere conto del materiale con cui sarebbe stato realizzato l'ornamento e delle piante stesse, fiori e foglie, dovrebbe essere riconoscibile.

Così,bersagliostile creativo nelle arti e nei mestieri - questa è la creazione di una nuova immagine artistica, che ha aumentato l'espressività e la decoratività e sta al di sopra della natura, al di sopra degli oggetti reali del mondo circostante.

4. Il principio della stilizzazione delle forme vegetali. Il concetto di stile.

Quindi cos'è lo stile?Il termine "stilizzazione" è equiparato al concetto di "decorativo" nelle arti visive.

Stilizzazione – questa è un'imitazione deliberata o una libera interpretazione del linguaggio artistico di qualsiasi stile caratteristico di un particolare autore, tendenza, direzione, scuola nazionale, ecc. in un senso diverso, applicabile solo alle arti plastiche,stilizzazione - generalizzazione decorativa delle figure e degli oggetti raffigurati utilizzando una serie di tecniche convenzionali, semplificando il motivo e la forma, i rapporti volumetrici e cromatici. Nell'arte decorativa, la stilizzazione è un metodo naturale di organizzazione ritmica dell'insieme; la stilizzazione più tipica per l'ornamento, in cui l'oggetto dell'immagine diventa il motivo del disegno.

Le lezioni di stilizzazione sono una delle più importanti nel processo di formazione del pensiero figurativo artistico degli studenti. Come ha dimostrato la pratica, le lezioni di stilizzazione devono essere svolte in stretta collaborazione con il disegno e la pittura accademici, nonché collegamenti interdisciplinari, ad esempio con la composizione, la scienza del colore.

Gli insegnanti affrontano un compito importante: il bambino deve guardare le cose, i fenomeni che ci circondano, analizzare la struttura interna, lo stato dell'oggetto, per poterlo trasformare, modificare, semplificare, renderlo più conveniente e infine creare un nuovo, modello dell'autore. Pertanto, gli studenti hanno bisogno di essere aiutati a sviluppare una visione planare-ornamentale della natura e un pensiero figurativo-associativo.

Il concetto di stilizzazione e stile

In una composizione decorativa, un ruolo importante è svolto dal modo creativo in cui l'artista può rielaborare la realtà circostante e portarvi i suoi pensieri e sentimenti, sfumature individuali. Questo è chiamatomessa in piega .

Stilizzazionecome il processo di lavoro sia una generalizzazione decorativa degli oggetti raffigurati (figure, oggetti) con l'aiuto di una serie di metodi condizionali per modificare la forma, le relazioni volumetriche e cromatiche.

Nell'arte decorativa la stilizzazione è un metodo di organizzazione ritmica dell'insieme, grazie al quale l'immagine acquisisce segni di maggiore decoratività ed è percepita come una sorta di motivo del motivo (quindi si parla di stilizzazione decorativa nella composizione).

Lo stile può essere diviso in due tipi:

a) superficie esterna , che non ha carattere individuale, ma implica la presenza di un modello già pronto o di elementi di uno stile già creato (ad esempio, un pannello decorativo realizzato con le tecniche della pittura Khokhloma);

b) decorativo , in cui tutti gli elementi dell'opera sono soggetti alle condizioni di un insieme artistico già esistente (ad esempio, un pannello decorativo subordinato all'ambiente interno che si è sviluppato in precedenza).

La stilizzazione decorativa differisce dalla stilizzazione in generale per la sua connessione con l'ambiente spaziale. Pertanto, per una completa chiarezza del problema, considera il concetto di decoratività. La decoratività è generalmente intesa come la qualità artistica di un'opera, che nasce dalla comprensione da parte dell'autore del rapporto della sua opera con l'ambiente soggetto-spaziale a cui è destinata. In questo caso, un'opera separata è concepita e realizzata come elemento di un insieme compositivo più ampio. Si può dire cosìstile è un'esperienza artistica del tempo e la stilizzazione decorativa è un'esperienza artistica dello spazio.

L'astrazione è caratteristica della stilizzazione decorativa: una distrazione mentale da segni insignificanti e casuali dal punto di vista dell'artista per focalizzare l'attenzione su dettagli più significativi che riflettono l'essenza dell'oggetto.

Stilizzazione delle forme naturali

La natura che ci circonda è un oggetto eccellente per la stilizzazione artistica. Lo stesso argomento può essere studiato e visualizzato un numero infinito di volte, scoprendone costantemente nuovi aspetti, a seconda del compito.

La stilizzazione delle forme naturali può iniziare con l'immagine delle piante. Può essere fiori, erbe, alberi, muschi, licheni in combinazione con insetti e uccelli.

Nel processo di stilizzazione decorativa di motivi naturali, puoi procedere in due modi: inizialmente disegna oggetti dalla natura, quindi elaborali nella direzione di rivelare qualità decorative, oppure esegui immediatamente uno schizzo decorativo stilizzato, partendo dalle caratteristiche naturali degli oggetti . Entrambi i modi sono possibili, a seconda di quale modo di rappresentazione è vicino all'autore. Nel primo caso è necessario disegnare con cura i dettagli e studiare gradualmente le forme man mano che si lavora. Nel secondo metodo, l'artista studia a lungo e con attenzione i dettagli dell'oggetto e ne evidenzia i più caratteristici.

Ad esempio, il cardo spinoso si distingue per la presenza di spine e spigolosità sotto forma di foglie, quindi, quando si disegna, è possibile utilizzare angoli acuti, linee rette, una silhouette spezzata, applicare contrasti nell'elaborazione grafica della forma, linea e spot, chiaro e scuro, con una combinazione di colori: contrasto e chiavi diverse

Lo stesso motivo può essere trasformato in modi diversi: vicino alla natura o sotto forma di accenno ad essa, associativamente; tuttavia, si dovrebbe evitare un'interpretazione troppo naturalistica o uno schematismo estremo, privando il riconoscimento. Puoi prendere una caratteristica e renderla dominante, mentre la forma dell'oggetto cambia nella direzione della caratteristica in modo che diventi simbolica.

Il lavoro di schizzo preliminare è una fase molto importante nella creazione di un disegno di una composizione stilizzata, poiché realizzando schizzi naturali, l'artista studia più a fondo la natura, rivelando la plasticità delle forme, il ritmo, la struttura interna e la trama degli oggetti naturali. La fase di schizzo e schizzo è creativa, ognuno trova ed elabora il proprio stile, il proprio stile individuale nel trasferimento di motivi noti.

Evidenziamo i requisiti di base per disegnare forme naturali:

Iniziando il lavoro, è importante identificare le caratteristiche più pronunciate della forma della pianta, la sua sagoma animale, le svolte scorciate.

Quando si organizzano i motivi, è necessario prestare attenzione al loro orientamento plastico (verticale, orizzontale, diagonale) e posizionare il disegno di conseguenza.

Prestare attenzione alla natura delle linee che compongono il contorno degli elementi raffigurati: lo stato della composizione nel suo insieme (statico o dinamico) può dipendere dal fatto che abbia configurazioni diritte o morbide, filanti.

È importante non solo abbozzare ciò che si vede, ma trovare un ritmo e raggruppamenti di forme interessanti, facendo una selezione dei dettagli visibili nell'ambiente raffigurato sul foglio.

Le principali caratteristiche comuni che sorgono nel processo di styling per oggetti ed elementi di composizione decorativa, issemplicità delle forme, loro generalizzazione e simbolismo, eccentricità, geometricità, vivacità, sensualità.

Innanzitutto, la stilizzazione decorativa è caratterizzata dalla generalizzazione e dal simbolismo degli oggetti e delle forme raffigurati. Questo metodo artistico implica un rifiuto consapevole della completa autenticità dell'immagine e dei suoi dettagli dettagliati.Metodo di stile richiede di separare dall'immagine tutto ciò che è superfluo, secondario, che interferisce con una chiara percezione visiva al fine di esporre l'essenza degli oggetti raffigurati, mostrare la cosa più importante in essi, attirare l'attenzione dello spettatore sulla bellezza precedentemente nascosta ed evocare le corrispondenti vivide emozioni in lui.

Per mostrare in modo più chiaro e sensuale l'essenza dell'oggetto stilizzato, tutto ciò che non è necessario, superfluo e secondario viene separato da esso e rimosso da esso.vengono utilizzate le loro caratteristiche più caratteristiche e più sorprendenti e, allo stesso tempo, di norma, le caratteristiche dell'oggetto raffigurato vengono esagerate in vari gradi e talvolta distorte per creare un'astrazione. Per tali esagerazioni artistiche, le forme naturali (ad esempio le forme delle foglie) vicine al geometrico vengono finalmente trasformate in geometriche, eventuali forme allungate vengono allungate ancora di più e quelle arrotondate vengono arrotondate o compresse. Molto spesso, tra diversi tratti caratteristici di un oggetto stilizzato, uno viene scelto e reso dominante, mentre altri tratti caratteristici dell'oggetto vengono attenuati, generalizzati o addirittura completamente scartati. Di conseguenza, c'è una consapevole distorsione e deformazione delle dimensioni e delle proporzioni degli oggetti naturali raffigurati, i cui obiettivi sono: aumentare la decoratività, migliorare l'espressività (espressione), facilitare e accelerare la percezione da parte dello spettatore dell'intenzione dell'autore. In questo processo creativo si crea spontaneamente una situazione in cui quanto più l'immagine si avvicina all'essenza della natura dell'oggetto, tanto più diventa generalizzata e condizionale. Di norma, un'immagine stilizzata può essere facilmente trasformata in un'immagine astratta.

Il risultato della stilizzazione creativa è l'immagine di un oggetto con caratteristiche generalizzate che rendono l'immagine simbolica.

Tutti i tipi e i metodi di stilizzazione degli oggetti naturali si basano su un unico principio pittorico:trasformazione artistica veri oggetti naturali con l'aiuto di una varietà di mezzi visivi e tecniche visive.

La trasformazione artistica di oggetti naturali ha l'obiettivo principale: la trasformazione di forme naturali reali in forme stilizzate o astratte, dotate di espressività ed emotività di tale potere,luminosità e memorabilità, irraggiungibili in immagini realistiche.

Sintesi della lezione sull'argomento: "Stilizzazione di forme vegetali in un ornamento a nastro nelle lezioni di composizione decorativa".

Argomento della lezione : "Stilizzazione di forme vegetali in un ornamento a strisce"

Obiettivi della lezione:

Educativo: conoscerestudenticon le peculiarità della stilizzazione delle forme vegetali, per rivelare il concetto di "stilizzazione", per raccontare tutto sull'ornamento, i suoi tipi. Padroneggiare la stilizzazione come mezzo per tradurre le forme esterne delle piante in motivi ornamentali.

Organizzazione di un ornamento a nastro costituito da motivi floreali ottenuti nel processo di stilizzazione.

Sviluppando: contribuirelo sviluppo del pensiero creativo e consentirne l'attuazione creando le condizioni in classe per la scelta di una soluzione creativa per la composizione di un motivo vegetale,ampliare gli orizzonti e le conoscenze degli studenti nel campo della composizione decorativa.

Educativo: instillare negli studenti un senso di amore per l'arte, formare un senso della composizione, infondere accuratezza nell'esecuzione del lavoro.

Compiti:

1. Correggi il concetto di "ornamento".

2. Dare il concetto di styling.

3. Studiare la struttura delle forme vegetali.

4. Insegnare la stilizzazione di queste forme vegetali utilizzando i mezzi di espressione grafica.

5. Fissare i concetti di simmetria, asimmetria.

6. Sviluppo del senso del ritmo.

Metodi: verbale, visivo,pratico.

Fasi di lavoro:

1. Analizza la struttura di questa forma vegetale (in quali forme geometriche può essere rappresentata nell'immagine).

2. Dai uno stile a questa forma vegetale usando un'espressione grafica:

Crea un'immagine lineare di un motivo ornamentale, basato su elementi geometrici (figure).

Crea un'immagine di un motivo ornamentale basato su un punto.

3. Usando l'immagine risultante, crea un motivo floreale che sarà un rapporto per un ornamento a nastro (lavora su uno schizzo).

4. Ingrandisci l'immagine dell'ornamento. L'ornamento dovrebbe essere limitato a 2-3 motivi vegetali ripetuti (rapporti).

5. Crea un'immagine dell'ornamento a colori.

Avanzamento del corso.

Riportare l'argomento, discutere lo scopo della lezione. COSÌ,Oggil'argomento della nostra lezione: " Stilizzazione delle forme vegetali in un ornamento a nastro".

Lo scopo della lezione è conoscere le peculiarità della stilizzazione delle forme vegetali e applicare nella pratica le conoscenze acquisite. Innanzitutto, ricorderemo cos'è un ornamento e i suoi tipi, quindi passeremo alla stilizzazione. L'ornamento è decorazione.L'origine dell'ornamento non è nota con certezza. L'emergere dell'ornamento affonda le sue radici nei secoli. Un ornamento è un segno affidabile che un'opera appartiene a un certo tempo, popolo, paese.

Un ornamento è un motivo costruito sulla ripetizione ritmica di elementi geometrici - motivi vegetali, animali, ecc., Progettato per decorare una varietà di cose (articoli per la casa, mobili, abbigliamento, armi, architettura).

A seconda del motivo si dividono gli ornamenti: geometrici, floreali, animali, antropomorfi, ecc. Considereremo un ornamento floreale. Gli ornamenti vegetali si basano su piante realmente esistenti in natura: fiori, foglie, frutti, ecc. Per composizione, gli ornamenti si dividono in più tipologie: in una striscia (cosa faremo con te), in un quadrato, in un rettangolo, in un cerchio. Sulla base di ciò si distinguono tre tipi di ornamento: lineare, cellulare, chiuso.

Gli ornamenti lineari sono ornamenti in una striscia con un'alternanza lineare del motivo.

Gli ornamenti cellulari sono un motivo che si ripete sia verticalmente che orizzontalmente. Questo ornamento è infinito in tutte le direzioni.

Gli ornamenti chiusi sono disposti in un rettangolo, quadrato, cerchio.

Guardando tutti questi ornamenti, notiamo che la forma naturale, con il potere dell'immaginazione con l'aiuto di linee condizionali, macchie, si trasforma in qualcosa di nuovo. Immaginiamo la pianta, anche se non è ancora la stessa della natura. La forma esistente è semplificata alla forma geometrica limite generalizzata. Ciò consente di ripetere più volte il motivo dell'ornamento senza alcuno sforzo aggiuntivo. Ciò che è stato perso dalla forma naturale durante la semplificazione e la generalizzazione ha portato alla piattezza dell'immagine. Ecco cos'è la stilizzazione: generalizzazione decorativa, semplificazione, appiattimento degli oggetti raffigurati, cambiando forma e colore.

In che modo le forme naturali si trasformano in motivi ornamentali? Innanzitutto, uno schizzo è fatto dalla natura. Inoltre - reincarnazione - il passaggio da uno schizzo a una forma condizionale. È necessario semplificare, scomporre l'immagine in semplici forme geometriche. Questa è una trasformazione, una stilizzazione di un motivo. La stilizzazione implica una distrazione dalle caratteristiche non essenziali, concentrandosi su caratteristiche più significative che trasmettono l'essenza (es. cardo spinoso). Da uno schizzo puoi creare diversi ornamenti. Quindi, ripetendo il motivo, viene creato il tuo ornamento unico.

Il lavoro di schizzo preliminare è una fase molto importante nella creazione di un disegno di una composizione stilizzata. Il lavoro della lezione si svolge in due fasi: nella prima gli studenti realizzano uno schizzo dalla natura e nella seconda lo traducono in una forma geometrica. Questa pianta dovrebbe essere riconoscibile.

Dopo che l'ornamento è stato completamente raffigurato, iniziamo a pensare al colore. Il colore è uno dei mezzi importanti nell'ornamento ed è strettamente correlato alla composizione. Le combinazioni di colori possono essere ripetute ritmicamente. così come gli elementi della forma. Possono essere nitidi, contrastanti o morbidi. Le combinazioni contrastanti vengono create utilizzando colori di diversa luminosità e saturazione. Il contrasto maggiore si crea combinando il nero con colori chiari. Una combinazione più morbida crea una connessione con il grigio. Colori complementari, tonalità calde e fredde sono nettamente separate dal contrasto. La morbidezza dei colori è ottenuta da tinte riprese in diverse tonalità. Combinazioni colorate possono essere create con diverse tonalità dello stesso colore.

1. Un esempio di come tradurre uno schizzo di un fiore dalla natura in una forma geometrica stilizzata, durante una lezione di composizione decorativa, senza violare l'immagine di questa pianta.

La silhouette dovrebbe adattarsi a forme geometriche semplici.

Quando si sviluppa un motivo ornamentale, è consigliabile trasformare la forma volumetrico-spaziale in una planare. Se hai bisogno di un'immagine tridimensionale, assicurati di usare generalizzazioni, convenzioni.

2. Un esempio di fiore Trandoon, stilizzato in diverse forme, in una lezione di composizione decorativa. È importante non solo abbozzare ciò che si vede, ma trovare un ritmo e interessanti raggruppamenti di forme (steli, foglie), facendo una selezione di elementi visibilidettaglinell'ambiente raffigurato sul foglio.

Lo stesso motivo può essere trasformato in modi diversi: vicino alla natura o sotto forma di un suo accenno,associativo; tuttavia, qualsiasi pianta non dovrebbe essere privata del riconoscimento durante la stilizzazione (materiale dimostrativo - fotografie e disegni con esempi di stilizzazione delle piante).

Quando si lavora suschizzi di motivi (fiore.) è necessario prestare attenzione ai suoi tratti caratteristici e più sorprendenti, abbandonando i dettagli secondari. Allo stesso tempo, le caratteristiche del fiore possono essere esagerate al massimo e portate a un livello iconico.

Come puoi cambiare la forma di un oggetto? Ad esempio, se la campana ha una forma allungata, può essere estesa più attivamente e un fiore di tarassaco, di forma circolare, può essere arrotondato il più possibile.

È anche importante prestare attenzione all'angolazione dell'oggetto raffigurato. Acomposizione statica si consiglia di evitare i giri di tre quarti, e utilizzare una vista dall'alto o laterale, disponendo il motivo lungo l'asse verticale o orizzontale.

INcomposizione dinamica è più saggio usare angoli e pendenze.

Anche il colore e il colore della composizione ornamentale sono soggetti a trasformazione. Può essere condizionale, completamente astratto dalla versione naturale.

Lavoro per bambini realizzato nelle lezioni di composizione.

Metodi di rappresentare la realtà circostante con la grafica. Mezzi espressivi di base della grafica. La stilizzazione come metodo per rappresentare gli oggetti nella grafica. Principi di stilizzazione nello sviluppo della forma. Trasferimento delle proprietà della trama di un oggetto, approcci stilistici.

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Ministero dell'Istruzione e della Scienza della Federazione Russa

Istituto di istruzione di bilancio dello Stato federale

istruzione professionale superiore

"Naberezhnye Chelny Institute of Social and Pedagogical Technologies and Resources"

(FGBOU VPO "NISPTR")

Facoltà artistica e grafica

Dipartimento di Arti Grafiche e Metodi Didattici

LAVORO FINALE DI QUALIFICA

Approcci di base alla stilizzazione grafica delle forme naturali (sull'esempio di campioni di animali e piante)

Specialità - 050000

Naberezhnye Chelny, 2015

introduzione

1. Metodi di rappresentazione grafica della realtà circostante

1.1 Metodi realistici di rappresentazione grafica della realtà circostante

1.2 Metodi creativi per rappresentare la realtà circostante mediante la grafica

2. I principali mezzi espressivi della grafica e il loro utilizzo in una composizione stilizzata

2.1 Il punto come mezzo espressivo nella grafica

2.2 Lo spot come mezzo espressivo nella grafica

2.3 La linea come mezzo espressivo nella grafica

2.4 Il tratto come mezzo espressivo nella grafica

3. Stilizzazione come metodo per rappresentare oggetti ambientali nella grafica

3.1 Il concetto di stilizzazione e stile

3.2 Tipi di stili grafici

4. Principi stilistici nello sviluppo della forma

4.1 La generalizzazione come principio fondamentale dello stile

4.2 Generalizzazione geometrica

4.3 Generalizzazione della silhouette

4.4 Generalizzazione con segno

5. Styling basato sul trasferimento delle proprietà della texture dell'oggetto

5.1 Trasferimento di stilizzazione di trame di oggetti mediante mezzi grafici

5.2 Trasferimento della trama degli oggetti mediante stilizzazione da parte del modulo

5.3 Ingrandimento di una parte degli oggetti visualizzati

6.1 Soluzione ornamentale di immagini reali

6.2 Dividere la superficie degli oggetti raffigurati e riempire i piani risultanti con decorazioni

7. Approcci metodologici alla stilizzazione grafica delle forme naturali in una scuola secondaria

7.1 Tenere conto delle caratteristiche psicologiche, pedagogiche e di età degli studenti nell'organizzazione delle lezioni nelle classi primarie

7.2 Metodologia per insegnare la stilizzazione delle forme naturali mediante mezzi grafici

Conclusione

Elenco delle fonti utilizzate

Applicazione

introduzione

Lo stato attuale del problema di ricerca e la rilevanza dell'argomento scelto. Attualmente, l'educazione artistica è diventata una delle aree più importanti della politica statale nel campo dell'istruzione e mira a preservare la cultura nazionale del paese e creare prospettive per il suo ulteriore sviluppo. Un ruolo importante nel raggiungimento di questi obiettivi è dato alle scuole di istruzione generale con una direzione artistica ed estetica, e il loro fattore unificante, rispettivamente, è l'insegnamento degli scolari nelle discipline del ciclo artistico ed estetico. Nello studio di questi argomenti viene assegnato un posto speciale vista grafica disegno, che è associato a un'immagine su un piano e si basa su una percezione sviluppata delle forme naturali, nonché sul loro riflesso utilizzando vari mezzi e tecniche grafici durante la creazione di un'immagine artistica. Uno dei mezzi importanti per creare un'immagine artistica nel processo di creazione di un'immagine grafica è stilizzazione. Nel processo di apprendimento nelle lezioni di belle arti, la stilizzazione è un fattore determinante nel disegno di forme naturali, soprattutto nella fase iniziale dell'immagine. Di conseguenza, va notato che la stilizzazione è un metodo mediante il quale gli studenti acquisiscono conoscenze fondamentali sulla realtà, formano idee artistiche generalizzate sulla sua riflessione figurativa e sviluppano una comprensione delle caratteristiche dello stile nazionale. Pertanto, attraverso lo studio di concetti come "grafica", "stilizzazione", "disegno di forme naturali", è necessario determinare le modalità e le modalità della loro interpretazione accessibile in relazione agli studenti. Comprendere l'arte in termini di stilizzazione nella grafica con uno studio approfondito della realtà aiuterà gli studenti a comprendere meglio l'unicità della cultura nazionale.

Tutto ciò, innanzitutto, richiede un supporto metodologico completo, che consiste non solo nello sviluppo di progetti evidence-based, curricula, sussidi didattici e libri di testo, ma anche e soprattutto in una ricerca scientifica e metodologica volta a individuare relazioni interdisciplinari e coerenza nelle lo sviluppo delle belle arti e le possibilità espressive. Allo stesso tempo, i curricula sulle belle arti esistenti nelle scuole di istruzione generale sono ridotti a una breve descrizione dei compiti educativi in ​​​​ambiti accademici e i materiali educativi e metodologici per questi programmi, di norma, non sono disponibili. Pertanto, spesso l'intera metodologia di insegnamento si riduce alla "formazione" degli studenti per padroneggiare la tecnica del disegno, la stilizzazione grafica delle forme naturali e i problemi associati alla formazione mirata di una personalità creativa vengono risolti molto meno spesso.

Pertanto, la rilevanza dell'argomento scelto è dovuta alla contraddizione creata tra l'esistenza di un'ampia varietà di approcci alla stilizzazione grafica delle forme naturali e la metodologia attualmente non sufficientemente sviluppata per insegnarne le basi.

Base metodologica di questo lavoro sono: la teoria e la metodologia dell'insegnamento del disegno, che sono presentate nelle opere di N.N. Rostovtseva, T.G. Kazakova, VA Koroleva, L.n. Zorina, N.P. Sakulina e altri; studi di stile artistico e stilizzazione (N.M. Sokolnikova, E.O. Sokolova, K.T. Dahldiyan); studi di approcci alla stilizzazione grafica delle forme naturali (V.V. Kandidsky, G.M. Logvinenko, V.N. Molotova, F.M. Parmon, N.N. Tretyakov); disposizioni teoriche del problema dell'educazione degli studenti per mezzo delle belle arti (N.N. Rostovtsev, V.S. Kuzin, T.G. Kazakova).

Scopo dello studio- studio e descrizione dei principali approcci alla stilizzazione grafica delle forme naturali, che in futuro serviranno come ausilio metodologico per padroneggiare le abilità visive da parte degli studenti.

Lo scopo di questo lavoro è risolvere quanto segue compiti:

1. Descrivere i metodi grafici per rappresentare la realtà circostante e i principali mezzi espressivi della grafica;

2. Studiare la stilizzazione come metodo per raffigurare oggetti della realtà;

3. Descrivere i principi dello stile nella progettazione dei moduli

4. Caratterizzare lo styling basato sul trasferimento delle proprietà materiche dell'oggetto;

5. Descrivi gli approcci stilistici decorativi.

Oggetto di studioè il processo di disegno di forme naturali stilizzate.

Materia di studio sono tecniche per lo styling grafico.

Quando si risolvono i compiti impostati, quanto segue metodi di ricerca: studio e analisi della letteratura metodologica e storico-artistica sul tema della ricerca; analisi di programmi su temi speciali del ciclo artistico ed estetico nelle scuole secondarie, elaborazione grafica del materiale.

Novità scientifica La ricerca è la seguente: viene determinato il programma minimo necessario di conoscenze teoriche, abilità pratiche e abilità degli studenti nel processo di padronanza delle tecniche di stilizzazione grafica delle forme naturali.

Significato pratico La ricerca sta nel fatto che i principali approcci alla stilizzazione grafica delle forme naturali studiati e descritti nel lavoro possono essere introdotti nel processo di apprendimento nelle scuole secondarie. I materiali di ricerca possono essere utilizzati per migliorare curricula e programmi nelle materie del ciclo artistico ed estetico, e anche presi in considerazione nello sviluppo di sussidi didattici e libri di testo sulle belle arti.

1. Metodi di rappresentazione grafica della realtà circostante

1.1 Metodi realistici di rappresentazione grafica della realtà circostante

Uno dei metodi per rappresentare la realtà circostante mediante la grafica è il cosiddetto metodo realistico. Si basa sulla posizione della corretta visione e comprensione della realtà da parte dell'artista. Il metodo realistico aiuta a padroneggiare le regole e i metodi corretti di rappresentazione per mezzo della grafica, poiché è molto difficile per un artista trasmettere l'intera idea in un'immagine artistica senza avere determinate abilità e abilità nel suo arsenale. L'immagine realizzata con il metodo realistico è comprensibile e allo stesso tempo figurativa per lo spettatore. Senza immagini è difficile determinare il concetto ideologico di un'opera d'arte e, in generale, cosa vi è raffigurato. I metodi realistici per rappresentare la realtà circostante includono metodi come lunga analisi della natura(metodo di disegno lungo) e metodo dello schizzo breve(metodo dello schizzo). Consideriamo ciascuno in modo più dettagliato.

Il metodo dell'analisi a lungo termine della natura implica uno studio profondo e serio delle leggi dell'immagine di una forma nello spazio (cioè su un piano). Si basa sulla regolarità strutturale delle forme della natura, sulle regole e sui metodi dell'immagine su un piano secondo le leggi della prospettiva, nonché sulla conoscenza teorica dell'ottica e dell'anatomia. Tutto ciò aiuta l'artista a vedere dietro i segni esterni dell'oggetto la sua struttura nascosta e i tratti caratteristici, nonché le leggi della struttura della forma. Guarda consapevolmente la natura, la analizza e la raffigura secondo le proprie leggi di struttura.

I metodi realistici richiedono che la forma di un oggetto o di un oggetto sia rappresentata in modo corretto ed espressivo, che il raffigurato delizia e catturi lo spettatore e, dopo un esame dettagliato diretto, lo convinca che tutto è rappresentato correttamente e accuratamente. Basta guardare le opere di grandi artisti e confrontarle con opere mediocri, si vede che a prima vista non differiscono più o meno. Tuttavia, a un esame più attento, si può vedere che in un quadro mediocre l'immagine della forma non sembra abbastanza convincente, ci sono violazioni nelle proporzioni, fenomeni prospettici, distorsioni delle proporzioni anatomiche del corpo umano. Ad un attento esame delle opere dei grandi maestri, al contrario, tutte le leggi della costruzione dell'immagine iniziano ad ammirare con la loro deliziosa persuasività, a partire dalla forma degli oggetti, per finire con l'anatomia e le leggi del chiaroscuro. Più consideri il lavoro di un artista brillante, più inizi ad ammirare la conoscenza e l'abilità di un grande artista.

Il metodo dell'arte realistica, il metodo della riflessione realistica della realtà, è stabilito nel periodo del disegno accademico dalla natura. All'inizio, lo studente copia accuratamente tutto ciò che vede in natura, quindi inizia a scartare consapevolmente piccoli dettagli insignificanti, concentrandosi sulla cosa principale e, infine, crea un'immagine artistica della natura. Parlando del metodo di riflessione realistica della realtà, Goethe ha scritto: “Non ho mai contemplato la natura con uno scopo poetico. Ho iniziato disegnandolo, poi l'ho studiato scientificamente in modo tale da comprendere con precisione e chiarezza i fenomeni naturali. Così, a poco a poco, ho imparato a memoria la natura, in tutti i suoi più piccoli dettagli, e quando avevo bisogno di questo materiale come poeta, era tutto a mia disposizione e non c'era bisogno che peccassi contro la verità.

Per rappresentare in modo convincente e veritiero la natura nel suo lavoro, l'artista deve studiarla attentamente e attentamente, annotare, evidenziare i suoi tratti più caratteristici e durante il periodo di lavoro sull'immagine, controllare più di una volta se tutto è stato convincente e corretto trasmesso nell'immagine. Un artista si avvicina a un'immagine artistica nell'arte realistica confrontando la sua immagine con la natura, controllando e chiarendo la struttura della forma, la posizione di un dato oggetto nello spazio, l'illuminazione, ecc. Naturalmente, il disegno dalla natura da solo non consente il artista per risolvere completamente il concetto creativo della composizione. Qui sono necessari sia un grande lavoro creativo che uno studio più approfondito e completo del metodo del lavoro creativo. Eppure, il disegno dalla natura nel lavoro creativo dell'artista occupa un ruolo dominante, e talvolta influenza l'ulteriore soluzione dell'intera composizione. Così, ad esempio, la ricerca di una soluzione compositiva per il dipinto di Savrasov "The Rooks Have Arrived" mostra come gli studi dalla natura abbiano gradualmente cambiato l'intento compositivo originario dell'artista. In primo luogo, l'artista fornisce una soluzione compositiva all'immagine così come l'ha vista per la prima volta in natura. Un nuovo schizzo dalla natura (da un diverso punto di vista) suggerisce all'artista una diversa soluzione della composizione. Ora i tronchi di betulla sono al centro dell'attenzione, per amore dei quali l'artista allunga il formato verticale del quadro, alza leggermente la linea dell'orizzonte. L'acqua di fusione è ancora in primo piano, la chiesa si trova rigorosamente al centro. Tuttavia, ulteriori osservazioni e schizzi naturali cambiano radicalmente l'intenzione originaria dell'artista. La linea dell'orizzonte corre lungo il centro dell'immagine, l'acqua di fusione si sposta nell'angolo in basso a destra e anche le betulle si spostano a destra. Tuttavia, un nuovo schizzo dalla natura non soddisfa ancora pienamente l'artista, continua a cercare una soluzione più emotiva alla composizione, che alla fine trova. Così, grazie agli schizzi della natura, l'artista ha trovato ogni volta un nuovo punto di vista più interessante, una soluzione compositiva più espressiva e interessante. E sappiamo che solo un attento studio della natura, un'eccellente padronanza del disegno ha permesso all'artista di creare un capolavoro così meraviglioso, da cui tutti sono deliziati, come dalla fauna selvatica. Il metodo di disegnare dalla vita è un processo di conoscenza della realtà. Il metodo della conoscenza scientifica nel disegno si riduce al fatto che lo studente di disegno riceve una conoscenza specifica sulle regolarità della struttura della forma della natura.

Il secondo metodo per rappresentare la realtà circostante è metodo dello schizzo trasmette l'impressione generale della natura, la più importante ed essenziale senza elaborare i dettagli: proporzioni caratteristiche, movimento, caratteristiche individuali. Gli schizzi sono chiamati schizzi veloci, concisi, piccoli. Per creare, un artista deve conoscere la vita, imparare a pensare in modo indipendente, analizzare, saper osservare, accumulare motivi plastici. Tutto questo viene acquisito solo come risultato di schizzi costanti.

L'osservazione è particolarmente necessaria per un artista. Questa è la qualità principale del maestro delle belle arti, un tratto caratteristico di ogni artista. L'osservazione consente di notare momenti interessanti della vita, fenomeni importanti, processi che sono il contenuto e la base di un'opera d'arte. Senza osservazione, l'artista non è in grado di creare un'immagine artistica espressiva, comporre autonomamente una composizione o semplicemente inventare una trama particolare. Senza osservazione, è impossibile trovare autonomamente un motivo pittorico nella realtà circostante. L'implementazione dello schizzo acquisisce il significato principale nell'educazione di un atteggiamento creativo nei confronti del processo di rappresentazione, la capacità di trovare metodi e mezzi per raggiungere espressività e figuratività. Il materiale dello schizzo funge da materiale di partenza per la creazione di composizioni grafiche e pittoriche.

L'ordine di esecuzione di qualsiasi schizzo è soggetto ai principi generali obbligatori del processo di qualsiasi immagine (a lungo o breve termine): dal generale al particolare, dalle grandi masse principali a quelle secondarie più piccole, pur mantenendo l'impressione di integrità . Innanzitutto, dovresti decidere la sua composizione, la posizione di uno o più disegni sul foglio, tenendo conto del "suono" di ogni schizzo e del foglio nel suo insieme. Uno schizzo differisce da un disegno per la sua grande sintesi, concisione di percezione. L'artista non analizza l'oggetto del disegno, ma crea un'espressione grafica dell'oggetto basata sulla conoscenza che già ha su di esso, testando le sue idee nell'osservazione diretta. Questo è importante nel disegno figurativo. Proporzioni, movimento e carattere: queste sono le proprietà della natura che vengono trasmesse nello schizzo. Se tutte queste condizioni sono soddisfatte, lo schizzo può avere un valore artistico indipendente.

1.2 Metodi creativi per rappresentare la realtà circostante mediante la grafica

Immagine della realtà circostante basata su metodo creativo prevede la creazione da parte dell'artista di opere basate su conoscenze e abilità precedentemente acquisite. Qui prevale il processo creativo, il cui obiettivo principale è la creazione di un'immagine artistica. Quando si creano opere basate sul metodo creativo, il disegno come processo di costruzione di un'immagine non viene studiato, è già noto all'artista. Contrariamente al metodo realistico, dove, come già notato, al contrario, il processo di costruzione di un'immagine è ancora sconosciuto allo studente, sta appena iniziando a studiare questo processo. Il metodo creativo implica che il disegno venga eseguito sulla base di conoscenze e abilità già acquisite, in nome della creazione di qualcosa di nuovo e originale. Il metodo creativo nelle arti visive ha necessariamente un carattere individuale, implica la visione e l'elaborazione artistica da parte dell'autore dei fenomeni e degli oggetti della realtà circostante e, di conseguenza, la loro visualizzazione con elementi di novità.

Insieme al metodo creativo, c'è il suo livello inferiore, il cosiddetto metodo imitativo, che implica la presenza di un modello di ruolo già pronto e consiste nell'imitare lo stile di un'epoca particolare, tendenze artistiche ben note, stili e tecniche di creatività di un particolare popolo, stili di famosi maestri. Tuttavia, nonostante il campione già esistente, il metodo imitativo non dovrebbe avere il carattere di copia diretta. Imitando questo o quello stile, il creatore di un'opera del genere dovrebbe sforzarsi di portarvi la propria individualità, ad esempio, attraverso una trama scelta, una nuova visione del colore o una soluzione compositiva generale. È il grado di questa novità artistica che, di norma, determinerà in gran parte il valore dell'opera. In generale, il metodo creativo nella rappresentazione della realtà circostante è uno dei metodi fruttuosi delle belle arti, che si basa su un altro metodo di integrazione reale, diverso da quello realistico, nel comprendere e riflettere la vita circostante. Ad esempio, sulla base del metodo creativo, le famose opere di Van Gogh, Cezanne, Picasso, Matisse, Derain, Fernand Leger, Modigliani, Miro, Falk, Kandinsky, Chagall, Fedorov, Goncharova, Lentulov, Filonov, Kuprin, Saryan e molti altri artigiani stranieri e nazionali.

Quando si creano opere d'arte e artigianato, viene utilizzato un altro tipo di metodo creativo: metodo di interpretazione. L'essenza del metodo sta nel fatto che l'artista guarda un oggetto dalla vita circostante, lo interpreta e lo trasmette emotivamente come lo sente. In altre parole, ricrea questo oggetto naturale, per così dire, ma sotto forma di un simbolo artistico. Con questa interpretazione è meglio seguire il principio creativo della triade: "Conosci, valuta e migliora". Questo metodo non ha un autore specifico, ma era ben noto già diversi secoli fa. Ecco cosa è stato detto sul metodo di interpretazione in uno dei libri di testo russi per artisti del XVIII secolo: “Un semplice imitatore della natura non può mai produrre nulla di eccezionale, non può mai elevare e diffondere l'immaginazione e toccare il cuore dello spettatore. Dovrebbe cercare di migliorarli con la grandezza dei suoi concetti. Tutte le arti traggono la loro perfezione dalla bellezza creativamente immaginata dall'artista, anteponendosi a quella che si trova nella natura di ciascuna cosa in particolare. In questa istruzione, l'artista è invitato a ripensare in modo creativo gli oggetti della natura della vita reale, compresi quelli più belli. Pertanto, l'interpretazione di qualsiasi fenomeno o oggetto del mondo circostante, in particolare la natura e le forme naturali, non dovrebbe essere considerata come una delle tecniche artistiche e dei mezzi espressivi originali, ma dovrebbe essere considerata il principale metodo creativo e il principale mezzo espressivo mezzi di arte decorativa e applicata. Lo scopo dei metodi creativi nelle arti visive è la creazione di una nuova immagine artistica, che ha accresciuto l'espressività e la decoratività e si pone al di sopra della natura, al di sopra degli oggetti reali del mondo circostante. La base teorica del metodo creativo dovrebbe essere considerata la posizione secondo la quale la creazione di un vero nuovo è la creazione di qualcosa che non è direttamente nella natura, non nel mondo circostante, sebbene la principale e unica fonte di questo nuovo dovrebbe essere la stessa natura, lo stesso mondo circostante. .

Quindi, i metodi per rappresentare la realtà circostante mediante la grafica sono divisi in due grandi gruppi: metodi realistici e metodi creativi. I metodi sono chiavi o modi peculiari per raggiungere qualsiasi obiettivo, risolvendo problemi specifici. I metodi che abbiamo considerato predeterminano l'intero processo creativo in tutte le sue fasi. I metodi di rappresentazione della realtà circostante si basano sui processi mentali (percezione e comprensione della realtà) e sulla natura dell'azione (un modo di visualizzare la realtà circostante). La natura che ci circonda è un meraviglioso oggetto per la creatività artistica. Lo stesso argomento può essere studiato e visualizzato un numero infinito di volte, scoprendone costantemente nuovi aspetti, a seconda del compito e del metodo utilizzato nella pratica. I metodi aiutano a padroneggiare i modi di espressione originale della natura (metodi realistici) o in forme trasformate (metodi creativi), ad es. produrre una rifrazione di ciò che è visto attraverso l'individualità dell'artista. Una tale immagine degli oggetti studiati, chiamata stilizzata, consente di trovare modi nuovi e originali di visualizzare la realtà, diversi dall'illusoria immagine fotografica. La conoscenza di questi metodi di rappresentazione della realtà circostante, quindi, è necessaria prima di tutto per comprendere le modalità di organizzazione degli elementi di un linguaggio grafico su un piano.

2. I principali mezzi espressivi della grafica e il loro utilizzo in una composizione stilizzataai

2.1 Puntocome esprimereabete rossostrumento nella grafica

Il punto si distingue come un accento grafico sul piano. Nonostante le sue dimensioni relativamente ridotte, ha possibilità molto ampie nella costruzione di una composizione stilizzata. Molto spesso è lei il centro del suo intero sistema.

Considerato come mezzo compositivo, il punto può focalizzare su se stesso l'attenzione dello spettatore. Tutto dipende dalle sue proprietà rivelate nella composizione: posizione sul piano, dimensione relativa, silhouette, densità di riempimento, luminosità, ecc. In questo senso, si fonde strettamente con altri mezzi grafici di costruzione della composizione, le loro proprietà artistiche.

Se il punto differisce nettamente nelle proprietà da questi mezzi, si distingue maggiormente nella composizione. Se si avvicina a loro, il suo valore dominante diminuisce. Quindi è incluso in una serie di altri mezzi, costituendo una parte equivalente della composizione complessiva.

Pertanto, le proprietà artistiche di un punto sono direttamente collegate alle proprietà di una linea, macchia e colore, formando un piano grafico armoniosamente organizzato nel suo insieme.

2.2 Lo spot come mezzo espressivo nella grafica

Spot - un altro mezzo espressivo della grafica - è inteso come un luogo su una superficie, che si distingue solo per colore dal resto della superficie. La macchia come mezzo di immagine viene spesso utilizzata senza mezzi aggiuntivi nella sua forma pura. È con l'aiuto dello spot che viene creata la silhouette. Molti disegni di P. Picasso servono da esempio dell'espressività delle immagini create da un punto / silhouette. Gli esperti notano la convenzionalità del motivo della silhouette: “il punto è bidimensionale, non ha né volume né spazio e non tende a loro. Artista G.I. Narbut nella sua illustrazione ricorre alla struttura aperta del disegno: il foglio bianco non è separato da una cornice, il che fa sembrare il disegno ancora più condizionato, come se fosse sospeso nell'aria.

Un punto (tono o colore) è di grande importanza sia negli schizzi che negli schizzi, sia nel lavorare sugli schizzi di una composizione. La necessità di utilizzare una macchia tonale come strumento grafico nasce principalmente quando si risolvono problemi di composizione: identificare o enfatizzare il volume di una forma, trasmettere la sua illuminazione, mostrare la forza del tono nel colore della forma, la trama di la sua superficie per trasmettere la profondità dello spazio che circonda la forma tridimensionale.

La macchia tonale viene utilizzata anche per risolvere i contrasti tonali già nell'abbozzo della composizione, che pongono le basi per l'espressività. La forza sonora di una macchia tonale formata all'interno del contorno da tratti paralleli o intersecanti è influenzata dall'ampiezza dei tratti e dagli spazi luminosi tra loro, dalle proprietà del materiale grafico e dalla tecnica di applicazione al piano pittorico. I contrasti cromatici sono in grado di costruire la base dell'espressività della composizione.

2.3 La linea come mezzo espressivo nella grafica

La linea, ovviamente, può essere considerata uno dei principali mezzi di belle arti in generale. Una linea è un oggetto spaziale esteso e sottile; in senso figurato - una catena di oggetti collegati tra loro. La linea trasmette non solo la natura del soggetto raffigurato, ma anche lo stato emotivo dell'artista stesso, quindi può essere decisa e audace, impulsiva e impetuosa, incerta e timida, ecc.

Quanto è diversa la "tavolozza" emotiva della linea nei disegni di famosi maestri. Ad esempio, Sokolnikova nel suo lavoro offre una descrizione delle linee di diversi autori: A. Matisse disegna il contorno del viso di una donna con linee ampie e calme. Una linea liscia, calma e armoniosa tracciata da una mano sicura parla del benessere creativo dell'autore. I disegni di V. Van Gogh, P. Filonov, M. Vrubel si distinguono per una percezione nervosa del mondo, ma quanto è diversa la linea di questi maestri: eccitata brillante in Van Gogh, dura e furiosa in Filonov, tremante intermittente in Vrubel. AP Ivanov nel suo lavoro scientifico osserva che Vrubel, prima di tutto, è colpito da una comprensione molto speciale della forma degli oggetti, le superfici che li limitano, piene di interruzioni nette, formano una combinazione frazionaria di piani convergenti ad angoli diedri; i loro contorni sono linee spezzate, dritte o quasi rette, e l'intera immagine riprodotta ha una strana somiglianza con un mucchio di cristalli fusi tra loro.

La linea giace con tutti i suoi punti sulla superficie di un foglio di carta e così, per così dire, mantiene l'immagine all'interno del formato, sottolineando la bidimensionalità del piano. La linea di contorno racchiude la forma dell'oggetto. Nonostante sul piano siano disegnate solo linee, sembra che all'interno del contorno il tono dell'oggetto raffigurato sia più scuro o più chiaro dello sfondo del piano che lo circonda. C'è un'illusione della sagoma dell'oggetto come un punto luminoso sullo sfondo, che sembra più scuro di quanto non sia in realtà. Inoltre, un disegno al tratto può trasmettere l'impressione del volume di un oggetto. Ciò si ottiene, in primo luogo, dal fatto che la linea costruisce la forma nelle proporzioni e nella prospettiva, e in secondo luogo, dal fatto che la linea cambia nel suo spessore e, di conseguenza, nella forza del suono. Anche incompiuto, è in grado di svolgere contemporaneamente più funzioni: delimitare una forma, comporre un'immagine, determinare la natura e il movimento dell'intera forma, le sue proporzioni, ecc. La levigatezza, la fluidità e la direzionalità delle linee durante il disegno di un contorno consentono di rivelare le qualità plastiche della forma.

Il lavoro pratico sulla composizione inizia molto spesso con un disegno lineare. Riflette anche schizzi successivi e più elaborati della composizione.

2.4 Il tratto come mezzo espressivo nella grafica

Un tratto nella teoria dell'arte è definito come una linea sottile, una linea. Le possibilità di un tratto nella grafica sono eccezionalmente ricche: può essere utilizzato per trasmettere la trama di un oggetto, la modellazione di luci e ombre, l'ora del giorno o dell'anno e l'umore dell'autore. A seconda della pressione della matita, della penna e dell'inchiostro, il tratto diventa scuro o chiaro, morbido o duro. Le qualità plastiche del tratto offrono una varietà di possibilità artistiche. Vicino a tratti paralleli o che si intersecano in direzioni diverse, viene creato un cosiddetto punto tonale tratteggiato della forza richiesta. L'artista A. Pakhomova usa il tratto in modo molto espressivo nelle illustrazioni per la storia di I.S. Turgenev "Bezhin Prato".

Secondo N.M. Sokolnikova, un tratto, diversamente diretto, definito, è in grado di formare intrecci complessi, compattando così la superficie del rilievo. Questa possibilità di un ictus è rivelata con particolare successo nei disegni di D. Mitrokhin. Quasi sempre nelle sue nature morte i singoli oggetti formano un nodo, un groviglio di forme che ha un'unica silhouette. Connettendosi, creano una nuova forma, pur rimanendo semplici oggetti.

Le linee tratteggiate possono essere lunghe, corte, spesse su richiesta del pittore, trasformarsi gradualmente e senza intoppi in sottili "ragnatele" appena percettibili. Il diverso spessore delle linee tratteggiate nelle parti in luce e in ombra della forma tridimensionale consente di trasmettere la profondità dello spazio. Molte linee tratteggiate parallele o che si intersecano creano un cosiddetto punto tonale tratteggiato della forza richiesta. Insieme alla linea, i tratti vengono utilizzati durante lo sviluppo iniziale della composizione.

Quindi, punto, linea, macchia e tratto sono gli elementi più importanti del linguaggio espressivo grafico del disegno. Il punto ha possibilità molto ampie nella costruzione di una composizione stilizzata. Lei è il centro del suo intero sistema. Con l'aiuto della linea si risolvono i problemi spaziali, si trasmette l'impressione del volume dell'oggetto, costruendo la forma in proporzioni e prospettiva. Uno spot viene utilizzato per rappresentare o enfatizzare il volume di una forma, l'illuminazione di un oggetto, la forza del tono, la trama e la profondità dello spazio. Le diverse lunghezze delle linee tratteggiate nelle parti in luce e in ombra delle forme tridimensionali consentono di trasmettere la profondità dello spazio e il volume degli oggetti. L'abilità dell'artista è determinata non solo dalla capacità di utilizzare tutti i mezzi, ma anche dal tentativo di creare la massima espressività dell'immagine. I mezzi espressivi nella grafica consentono di trasmettere allegri e tristi, solenni e divertenti, possono suonare luminosi, pallidi, concisi, a seconda dell'idea dell'artista, dei compiti assegnati, delle dimensioni dell'opera, del grado di convenzionalità, del grado di dettaglio dell'immagine, ottenendo la principale qualità dell'immagine - espressività.

3. Stilizzazione come metodo per rappresentare oggetti ambientali nella grafica

3.1 Il concetto di stilizzazione e stile

Nel dizionario enciclopedico, la stilizzazione nelle belle arti è interpretata come "rappresentazione di oggetti, figure in forma condizionatamente semplificata". L'estrema generalizzazione, persino la sommarietà della forma e l'enfasi sui dettagli principali sono caratteristiche di un disegno realizzato con il metodo della stilizzazione. La stilizzazione come uno dei metodi artistici è un modo per riflettere gli oggetti della realtà nel processo della loro elaborazione creativa e modifica con la massima o minima generalizzazione artistica possibile o necessaria. La generalizzazione è un fattore determinante nel corso dello styling. Per "generalizzazione" nella letteratura filosofica si intende il processo logico di transizione dal singolare al generale, dal meno generale al più generale.

La generalizzazione è un'unione mentale di oggetti e fenomeni della realtà che sono simili in alcuni segni, qualità. Qualsiasi generalizzazione può essere basata su varie caratteristiche di oggetti simili. La generalizzazione è importante nella vita di ogni persona, poiché la conoscenza del mondo circostante, grazie alla generalizzazione, costituisce la base necessaria per le nostre idee e concetti sulla realtà oggettiva. L'orientamento di una persona nel mondo circostante avviene nel sistema di idee e conoscenze estremamente generalizzate sul mondo.

La stilizzazione è una forma speciale di generalizzazione, semplificazione degli oggetti della realtà, tenendo conto delle caratteristiche temporali e spaziali, tenendo conto dello stile. Lo stile è una categoria fondamentale dell'arte, che si caratterizza come "un'espressione artistica della percezione del mondo, caratteristica delle persone di una certa epoca e paese". Il termine "stile" è usato nella storia dell'arte, dove il suo contenuto è vicino ai concetti di metodo creativo, direzione artistica, movimento, scuola o modo. È lo stile che esprime l'essenza, l'unicità del fenomeno stesso della creatività artistica nell'unità di tutte le sue componenti: contenuto e forma, immagine ed espressione, personalità ed epoca. Considerando lo stile come un sistema di connessioni interne tra tutte le componenti del processo creativo, è necessario dire dell'infinita varietà di questo fenomeno: lo stile di un'opera individuale o di un gruppo di opere; stile individuale, dell'autore; stile di certi paesi, popoli; lo stile dei principali movimenti artistici; stile di certe epoche storiche.

Combinando gli elementi della composizione di un'opera d'arte, lo stile conferisce loro una speciale "vitalità", una nuova realtà, diversa dalla realtà quotidiana e che la supera con la forza dell'impressione. "Una delle funzioni dello stile è collegare l'incompatibile, raggiungere l'integrità degli opposti, portare le aspirazioni contrastanti dell'artista all'unità figurativa."

Pertanto, la stilizzazione è un processo di modellatura basato sull'elaborazione creativa, la modifica di oggetti e fenomeni della realtà circostante con la massima generalizzazione artistica. La stilizzazione come metodo creativo si basa su un concetto come "generalizzazione". La generalizzazione include varie forme di riflessione della realtà circostante nel processo di attività visiva eliminando i dettagli e identificando i più caratteristici negli oggetti e nei fenomeni della realtà circostante al fine di creare un'immagine artistica espressiva. La generalizzazione, che porta all'ordinamento dei concetti e al loro conseguimento di una struttura semplice e semplificata, è stata utilizzata e viene utilizzata durante lo sviluppo delle belle arti e delle arti decorative. Una visione generalizzata della natura attraversa tutti i processi dell'attività cognitiva dell'artista (percezione, pensiero, memoria, immaginazione), rivela i tratti più caratteristici dell'oggetto raffigurato e crea un'immagine artistica a tutti gli effetti nel processo di disegno. Pertanto, il problema di una visione generalizzata della natura è rilevante per tutti i tipi di disegno: naturale, decorativo, tematico, ecc.

Le principali caratteristiche comuni che sorgono nel processo di stilizzazione di oggetti ed elementi nella grafica sono la semplicità delle forme, la loro generalizzazione e simbolismo, l'eccentricità, la geometricità, la vivacità, la sensualità. Innanzitutto, la stilizzazione è caratterizzata dalla generalizzazione e dal simbolismo degli oggetti e delle forme raffigurati. Questo metodo artistico implica un rifiuto consapevole della completa autenticità dell'immagine e dei suoi dettagli dettagliati. Il metodo di stilizzazione richiede di separare dall'immagine tutto ciò che è superfluo, secondario, interferendo con una chiara percezione visiva al fine di esporre l'essenza degli oggetti raffigurati, mostrare la cosa più importante in essi, attirare l'attenzione dello spettatore sulla bellezza precedentemente nascosta ed evocare la corrispondente vive emozioni in lui.

La più alta forma di rifiuto di rappresentare dettagli realistici irrilevanti di oggetti in una composizione decorativa sostituendoli contemporaneamente con elementi astratti è la stilizzazione astratta, che esiste in due forme: astrazione che ha uno schema realistico nel mondo circostante e astrazione che non ha un tale modello - astrazione immaginaria (non oggettiva) . Per mostrare in modo più chiaro e sensuale l'essenza dell'oggetto stilizzato, tutto ciò che non è necessario, superfluo e secondario viene separato da esso e rimosso da esso. Ad esempio, per rappresentare oggetti di natura animata e inanimata (alberi, piante, fiori e frutti, rappresentanti del mondo animale, rive di fiumi e mari, montagne, colline, ecc.), Vengono utilizzate le loro caratteristiche più caratteristiche e più sorprendenti e allo stesso tempo, di regola, i tratti caratteristici dell'oggetto raffigurato sono esagerati a vari livelli e talvolta distorti per creare un'astrazione. Per tali esagerazioni artistiche, le forme naturali (ad esempio le forme delle foglie) vicine al geometrico vengono finalmente trasformate in geometriche, eventuali forme allungate vengono allungate ancora di più e quelle arrotondate vengono arrotondate o compresse.

Molto spesso, tra diversi tratti caratteristici di un oggetto stilizzato, uno viene scelto e reso dominante, mentre altri tratti caratteristici dell'oggetto vengono attenuati, generalizzati o addirittura completamente scartati. Di conseguenza, c'è una consapevole distorsione e deformazione delle dimensioni e delle proporzioni degli oggetti naturali raffigurati, i cui obiettivi sono: aumentare la decoratività, migliorare l'espressività (espressione), facilitare e accelerare la percezione da parte dello spettatore dell'intenzione dell'autore. In questo processo creativo si crea spontaneamente una situazione in cui quanto più l'immagine si avvicina all'essenza della natura dell'oggetto, tanto più diventa generalizzata e condizionale. Di norma, un'immagine stilizzata può essere facilmente trasformata in un'immagine astratta.

Tutti i tipi e i metodi di stilizzazione degli oggetti naturali si basano su un unico principio pittorico: la trasformazione artistica di oggetti naturali reali con l'aiuto di una varietà di mezzi pittorici e tecniche pittoriche. Molto spesso, tale trasformazione viene eseguita modificando e semplificando la forma di oggetti reali di flora e fauna, ingrandendo o riducendo le parti caratteristiche di questi oggetti, cambiando il numero di dettagli caratteristici degli oggetti su o giù, cambiando il colore naturale di oggetti. Molto spesso, un'immagine stilizzata implica la combinazione di più parti diverse, ognuna delle quali viene copiata da qualche oggetto della natura o da un oggetto della vita circostante e modificata in modo creativo. Ad esempio, un fiore di una particolare pianta è raffigurato non con l'obiettivo di trasmettere con precisione l'originale, ma viene creato formalizzato, utilizzando dettagli individuali inerenti a fiori e altre piante, mentre "rifiuta" dettagli minori inerenti al fiore di questa particolare pianta . Oppure, ad esempio, una foglia d'acero è raffigurata in modo tale che la sua forma assuma la forma geometrica di un esagono.

La trasformazione artistica di oggetti naturali ha l'obiettivo principale: la trasformazione di forme naturali reali in forme stilizzate o astratte, dotate di espressività ed emotività di tale forza, luminosità e memorabilità che sono irraggiungibili in immagini realistiche. Pertanto, la stilizzazione e l'astrazione dell'immagine sono strettamente correlate alla sua espressività (espressività). Se un'immagine o una composizione è espressiva, allora indipendentemente dal fatto che siano create in modo stilizzato, astratto o realistico, il loro fondamento è basato sull'astrazione, intesa come generalizzazione e simbolismo dell'intera immagine o di parte di essa per meglio esprimere la profonda essenza della composizione. E questo significa che usando la stilizzazione e l'astrazione nelle immagini degli oggetti, devi essere in grado di mostrare e trasmettere espressività con il loro aiuto.

3.2 Tipi di stili grafici

Lo stile può essere diviso in due tipi:

a) superficie esterna, non avente un carattere individuale, ma che suggerisce la presenza di un modello di ruolo già pronto o elementi di uno stile già creato (ad esempio, un pannello decorativo realizzato utilizzando le tecniche della pittura Khokhloma);

b) decorativo, in cui tutti gli elementi dell'opera sono soggetti alle condizioni di un insieme artistico già esistente (ad esempio, un pannello decorativo, subordinato all'ambiente interno che si è sviluppato in precedenza).

La stilizzazione decorativa differisce dalla stilizzazione in generale per la sua connessione con l'ambiente spaziale. Pertanto, per una completa chiarezza del problema, considera il concetto di decoratività. La decoratività è generalmente intesa come la qualità artistica di un'opera, che nasce dalla comprensione da parte dell'autore del rapporto della sua opera con l'ambiente soggetto-spaziale a cui è destinata. In questo caso, un'opera separata è concepita e realizzata come elemento di un insieme compositivo più ampio. Possiamo dire che lo stile è l'esperienza artistica del tempo e la stilizzazione decorativa è l'esperienza artistica dello spazio. L'astrazione è caratteristica della stilizzazione decorativa: una distrazione mentale da segni insignificanti e casuali dal punto di vista dell'artista per focalizzare l'attenzione su dettagli più significativi che riflettono l'essenza dell'oggetto. Quando la stilizzazione decorativa dell'oggetto raffigurato, è necessario sforzarsi affinché la composizione (pannello) soddisfi il principio dell'architettura, ad es. è necessario costruire un sistema di connessioni di singole parti ed elementi in un'unica integrità dell'opera.

Il ruolo della stilizzazione come metodo artistico è recentemente aumentato, poiché è aumentata la necessità per le persone di creare un ambiente stilisticamente integrale ed esteticamente significativo. Con lo sviluppo dell'interior design, è diventato necessario creare opere d'arte e artigianato che, senza stile, non soddisfacessero i moderni requisiti estetici.

Pertanto, uno dei mezzi più importanti per creare un'immagine artistica nel processo di disegno grafico è la stilizzazione. Abbiamo definito la stilizzazione come un processo specifico di modellatura nell'attività artistica e creativa, basato sull'elaborazione creativa, la modifica di oggetti e fenomeni della realtà circostante attraverso la generalizzazione artistica, tenendo conto delle tradizioni e del materiale nazionali. Una visione generalizzata della natura è una componente importante non solo per il disegno nella grafica, ma anche in altre forme d'arte. Quando si percepiscono molti oggetti, le caratteristiche che incarnano le caratteristiche essenziali degli oggetti sono generalizzate in senso figurato. È stato anche considerato il concetto di "stile" come sistema di connessioni interne tra tutte le componenti del processo creativo. Lo stile, in quanto componente strutturale stabile e immutabile della cultura nazionale, determina la base della stilizzazione nell'arte grafica. La stilizzazione grafica ha due tipi: superficie esterna e decorativa. Entrambi i tipi sono interdipendenti e hanno le loro caratteristiche specifiche.

4. Principi stilistici nello sviluppo della forma

4.1 La generalizzazione come principio fondamentale dello styling

La base di concetti come "stilizzazione", "arte decorativa" e "disegno naturale" è la cosiddetta generalizzazione artistica. La generalizzazione, come un modo per riflettere le caratteristiche generali e fondamentali di oggetti e fenomeni della realtà, contribuisce all'orientamento nel mondo delle persone e delle cose, la ricerca di somiglianze in una varietà di oggetti materiali, ti consente di comprendere te stesso in modo più accurato e profondo e altre persone, ti libera dalla necessità di studiare di nuovo gli stessi oggetti e fenomeni. La generalizzazione è un fattore determinante nel corso del disegno dal vero, soprattutto nella fase iniziale dell'immagine. Allo stesso tempo, l'estrema generalizzazione della forma e l'espressività enfatizzata dei suoi dettagli sono caratteristiche di un disegno realizzato con il metodo di stilizzazione nel processo di disegno decorativo, e quando

realizzare uno schizzo di un prodotto di natura decorativa e applicata. Il problema di una visione generalizzata della natura è rilevante per tutti i tipi di disegno: naturale, decorativo, tematico, poiché nel processo dell'attività visiva “quando si percepiscono molti oggetti, le caratteristiche sono figurativamente generalizzate che incarnano le caratteristiche essenziali degli oggetti, che gioca un ruolo ruolo importante per l'esecuzione competente di qualsiasi immagine e la creazione di un'espressione artistica espressiva. Una visione generalizzata e semplificata della natura attraversa tutti i processi dell'attività cognitiva dell'artista (percezione, pensiero, memoria, immaginazione), rivela i tratti più caratteristici dell'oggetto raffigurato e crea un'immagine artistica a tutti gli effetti nel processo di naturalezza e disegno decorativo. Il famoso psicologo R. Arnheim ha osservato che "la divisione del modello percepito visivamente in componenti più semplici ha un grande valore biologico, poiché da essa dipende la capacità di vedere gli oggetti". Questa affermazione dimostra ancora una volta che l'intero mondo materiale segue la legge della semplicità, il che significa che in natura l'aspetto degli oggetti è il più semplice.

I risultati della moderna ricerca scientifica nel campo dei processi cognitivi (R. Woodwards, R. Arnheim, P. Lindsay, D. Norman, S.L. Rubinshtein, E.I. Ignatiev, O.I. Nikiforova e altri) mostrano che la generalizzazione porta a razionalizzare i concetti del soggetto e portandoli a una struttura semplice (semplificata), poiché un numero eccessivo di dettagli complica il processo di percezione di oggetti e fenomeni della realtà, la cui immagine viene eseguita sia quando si disegna dal vero che con un'immagine decorativa. Ad esempio, R. Woodward scrive che la generalizzazione e l'ordine della cognizione umana della realtà circostante è già stabilita a livello di percezione: “In ogni mosaico disordinato di macchie, contro la nostra volontà, la percezione trova sempre un certo ordine. Raggruppiamo involontariamente macchie e i confini di queste macchie molto spesso formano semplici forme geometriche o semplici figure piatte che ricordano forme naturali. Ciò riflette l'iniziale generalizzazione dell'esperienza visiva, la sua peculiare geometrizzazione. Le caratteristiche generalizzate di un oggetto sono più facili e più saldamente "registrate" nella memoria e sono riprodotte più facilmente nella coscienza ad ogni nuovo incontro con questo oggetto. Ecco come viene considerato il sistema di generalizzazione e conservazione delle informazioni da P. Lindsay e D. Norman: “Il sistema di generalizzazione è abbastanza semplice. Tutti gli esempi di questo concetto sono considerati uno per uno per trovare caratteristiche comuni. Non appena le stesse informazioni sono memorizzate in ciascuno dei concetti, la conoscenza di questi concetti è generalizzata. I concetti generali si formano sulla base dell'analisi delle informazioni ottenute nella nostra esperienza passata. La maggior parte dei noti artisti-insegnanti nel processo di attività artistica ha utilizzato il metodo di generalizzazione e semplificazione della forma. Hanno suggerito che nella fase iniziale del disegno dalla natura, qualsiasi oggetto immagine dovrebbe essere considerato come la somma delle forme geometriche più semplici ("taglio", generalizzazione di una forma complessa a una palla, un cilindro, un prisma). Il metodo di generalizzazione della forma di qualsiasi oggetto della realtà consente di concentrarsi non su dettagli secondari, ma sulla struttura principale - la forma "grande", essendo così uno dei metodi efficaci per selezionare il principale e caratteristico nell'oggetto raffigurato o fenomeno per creare un'immagine artistica espressiva. Il metodo di generalizzazione, semplificazione della forma degli oggetti della realtà circostante e la loro scomposizione in componenti semplici si incarna, come già notato, nel disegno decorativo, o meglio, nel suo principio fondamentale: la stilizzazione. La stilizzazione stessa implica una generalizzazione decorativa e sottolineando le caratteristiche della forma degli oggetti con l'aiuto di una serie di tecniche condizionali. La generalizzazione artistica è uno dei principali fattori di formazione che amplia le possibilità espressive dell'immagine nella grafica. Quando nel processo di stilizzazione diventa necessario rafforzare e approfondire il contenuto dell'immagine decorativa, l'artista ricorre a vari metodi di generalizzazione artistica, tra cui: generalizzazione geometrica, generalizzazione della silhouette, generalizzazione simbolica. Diamo un'occhiata a ciascun metodo in modo più dettagliato nei paragrafi seguenti.

4.2 Generalizzazione geometrica

grafica che modella la realtà ambientale

La generalizzazione può essere ottenuta evidenziando le caratteristiche delle forme geometriche. Il metodo geometrico di modellatura è un metodo di generalizzazione, in cui le forme geometriche con linee dinamiche e combinazioni di colori specifiche sono prese come principale principio compositivo, che sono riempite con decorazioni geometriche semplificate. La generalizzazione geometrica e l'espressività dell'immagine decorativa si ottengono attraverso una combinazione di vari rettangoli, quadrati, trapezi e altre forme geometriche irregolari di contorni rettilinei.

Nel processo creativo è necessario scartare dettagli e dettagli insignificanti degli oggetti e lasciare solo i tratti generali, più caratteristici e distintivi. L'artista può cambiare il soggetto in qualsiasi misura, l'allontanamento dalla natura può essere molto significativo. Il grado di generalizzazione della forma e la scelta dei mezzi di espressione artistica sono determinati dal compito, dal modo previsto. Ad esempio, un fiore, una foglia, un ramo possono essere interpretati quasi come forme geometriche o si possono conservare contorni lisci naturali.

Puoi trasformare un oggetto reale utilizzando forme geometriche nei seguenti modi:

1. Generalizzazione di una forma geometrica nei suoi limiti. Qui l'immagine stilizzata finale corrisponde pienamente al disegno della forma reale. L'attenzione principale dell'artista si concentra sulla generalizzazione e semplificazione della forma geometrica degli oggetti, senza modificarne i confini.

2. Generalizzazione della forma geometrica con un cambiamento nel modello e semplificazione del suo design. L'uso della seconda tecnica di stilizzazione implica la comprensione del disegno della forma, la conoscenza delle basi della composizione e la capacità di disegnare. Quando si crea un'immagine artistica, si dovrebbe prestare attenzione al fatto che ogni oggetto reale può essere inscritto in una semplice forma geometrica.

3. Trasformazione di una forma tridimensionale in una piatta. Per il buon uso di questa tecnica di stilizzazione, la capacità di trovare la posizione più espressiva della forma nello spazio è di importanza decisiva. Una silhouette riconoscibile ed espressiva è alla base di questo principio di stilizzazione.

4. Cambiare la natura della forma in una più decorativa. Questo è forse il principio di styling più difficile, poiché implica anche la capacità di utilizzare tutti i principi sopra elencati. Conoscenza professionale di varie tecniche di disegno, conoscenza della composizione, senso del colore, buon gusto: questo non è l'intero elenco delle abilità necessarie a un artista.

Dando alla forma configurazioni sempre più nuove, si può ottenere sempre più espressività e decoratività dell'immagine, ma anche sempre più astrazione fino al completo rifiuto di un'immagine realistica. Nel disegno decorativo, la forma viene elaborata, qualche esagerazione dei tratti caratteristici dell'oggetto per aumentare il grado di espressività. La trasformazione va effettuata individuando e valorizzando le qualità naturali dell'oggetto: non è logico trasformare le forme arrotondate in spigolose, e sostituire quelle allungate con quelle accorciate; sarebbe più corretto concentrarsi su un oggetto allungato, dandogli una forma ancora più allungata, subordinando a questo il formato della composizione, aumentandola verticalmente. In questo modo è possibile modificare la forma di un oggetto per evidenziarne i tratti caratteristici.

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Lezione Design-progettazione.

Argomento: "Stilizzazione di semplici forme naturali".

Tipo di lezione: - imparare nuovo materialeModulo: tradizionale

Lo scopo della lezione:

Educazione morale ed estetica degli studenti attraverso lo studio dell'arte della grafica delle silhouette, acquisizione della conoscenza delle abilità pratiche nell'esecuzione di immagini di forme naturali stilizzate.

Obiettivi della lezione:

Educativo:

Formazione di conoscenze sulla grafica delle silhouette;

Formazione di abilità e abilità per eseguire l'immagine di forme naturali stilizzate.

Sviluppando:

Sviluppo dell'immaginazione creativa nella tecnica della grafica delle silhouette;

Sviluppo dell'attenzione, del pensiero, della memoria;

Sviluppo dell'attività cognitiva e creativa;

Sviluppo dell'interesse per l'arte della silhouette;

Sviluppo di accuratezza e abilità grafiche.

Educativo :

Aumentare l'interesse per la grafica delle silhouette;

Educazione al gusto estetico per l'arte della grafica della silhouette.Attrezzatura:

Per l'insegnante: un aiuto visivo.

Per gli studenti: matite, gomma, foglio A3, strumenti artistici e grafici.

Durante le lezioni:

Saluti.

Organizzazione del tempo.

La parte principale della lezione.

Il concetto di stilizzazione e stile

Oggi impareremo cos'è la "stilizzazione". Facciamo conoscenza con i mezzi e le tecniche di styling. E proviamo a creare la nostra composizione stilizzata.

Stilizzazione- Questosemplificazione o complicazione di qualsiasi oggetto o immagine. La semplicità è la caratteristica principaleoggetto stilizzato. Astilizzaredisegno, è necessario selezionare le caratteristiche principali e caratteristiche dell'oggetto raffigurato.

In una composizione decorativa, un ruolo importante è svolto dal modo creativo in cui l'artista può rielaborare la realtà circostante e portarvi i suoi pensieri e sentimenti, sfumature individuali. Questo si chiama stile. La stilizzazione come processo di lavoro è una generalizzazione decorativa degli oggetti raffigurati (figure, oggetti) con l'aiuto di una serie di metodi condizionali per modificare la forma, le relazioni volumetriche e cromatiche.

La natura che ci circonda è un oggetto eccellente per la stilizzazione artistica. Lo stesso oggetto può essere studiato ed esposto un numero infinito di volte, scoprendone sempre nuovi lati. Devi imparare a vedere le immagini in natura, devi guardarle da vicino e scrutarle. E la stilizzazione completerà queste immagini: in essa puoi fantasticare e improvvisare.Ogni pianta, ogni fiore è unico e ha le sue caratteristiche. Notando queste caratteristiche, devono essere utilizzate nello styling.

La stilizzazione è un metodo di organizzazione ritmica dell'insieme, grazie al quale l'immagine acquisisce segni di maggiore decoratività ed è percepita come una sorta di motivo del motivo (quindi si parla di stilizzazione decorativa nella composizione).

Stilizzazione delle forme naturali La natura che ci circonda è un oggetto eccellente per la stilizzazione artistica. Lo stesso argomento può essere studiato e visualizzato un numero infinito di volte, scoprendone costantemente nuovi aspetti, a seconda del compito.Il lavoro sulla stilizzazione delle forme naturali aiuta a padroneggiare il pensiero analitico e le modalità di espressione originale della natura in forme trasformate, ad es. produrre una rifrazione di ciò che è visto attraverso l'individualità dell'artista. L'immagine stilizzata degli oggetti studiati consente di trovare modi nuovi e originali di visualizzare la realtà, diversi dall'illusoria immagine fotografica.

La stilizzazione delle forme naturali può iniziare con l'immagine delle piante. Può essere fiori, erbe, alberi in combinazione con insetti e uccelli.

È necessario studiare attentamente i dettagli dell'oggetto ed evidenziarne i più caratteristici.

Lo stesso motivo può essere trasformato in modi diversi: vicino alla natura o sotto forma di accenno ad essa, associativamente; tuttavia, si dovrebbe evitare un'interpretazione troppo naturalistica o uno schematismo estremo, privando il riconoscimento. Puoi prendere qualsiasi caratteristica e renderla dominante, mentre la forma dell'oggetto cambia verso una caratteristica caratteristica in modo che diventi simbolica.Stilizzazioneutilizzato in loghi, manifesti, ornamenti, ritratti, paesaggi, nature morte,stilizzazione come mezzo principale per esprimere l'idea dell'autore.

Prestare attenzione al materiale visivo.

Il lavoro di schizzo preliminare è una fase molto importante nella creazione di un disegno di una composizione stilizzata, poiché realizzando schizzi naturali, l'artista studia più a fondo la natura, rivelando la plasticità delle forme, il ritmo, la struttura interna e la trama degli oggetti naturali. La fase di schizzo e schizzo è creativa, ognuno trova ed elabora il proprio stile, il proprio stile individuale nel trasferimento di motivi noti.Evidenziamo i requisiti di base per disegnare le forme delle piante:

Iniziando il lavoro, è importante identificare le caratteristiche più pronunciate della forma della pianta, la sua sagoma, le svolte scorciate.

Prestare attenzione alla natura delle linee che compongono il contorno degli elementi raffigurati: lo stato della composizione nel suo insieme (statico o dinamico) può dipendere dal fatto che abbia configurazioni diritte o morbide, filanti.

È importante non solo abbozzare ciò che si vede, ma trovare un ritmo e raggruppamenti interessanti di forme (steli, foglie), operando una selezione dei dettagli visibili nell'ambiente raffigurato sul foglio.

Diamo un'occhiata alle tecniche di styling, ciascuna in dettaglio sulle immagini.

1) disegno realistico.

2) La trasformazione di forme lisce arrotondate curve realistiche in nitide più diritte e nitide. (Potatura)
3) Rappresentazione di forme realistiche in forme geometriche. (Geometrizzazione delle forme)
4) Sostituire la forma principale dell'oggetto con forme geometriche. (Sostituisce il principale)
5) Lavorare con un tratto o un punto. (Forma traccia)6) Sagoma- una sorta di tecnica grafica nell'arte del ritratto. La tecnica viene utilizzata per una chiara immagine del profilo di una persona.7) Decor - un insieme di elementi che compongono il design esterno, la decorazione di un oggetto, la forma e così via.

La formatura di ciascun prodotto deve essere determinata dallo scopo applicato della cosa. Quando viene determinata l'utilità dell'oggetto, vengono indicati i contorni pieni e coerenti dell'intera forma, quindi l'artista applicato conferisce al prodotto qualità artistiche. Questo atteggiamento creativo nei confronti del prodotto è svolto dall'arredamento, i cui tipi pittorici sono l'immagine della trama, l'immagine simbolica e l'ornamento.
C'è una grande differenza tra il disegno dal vero e il disegno decorativo. Se, quando lavori dalla natura, rappresenti forme naturali in posizioni diverse e con diversi rapporti di luce e ombra e rapporti di colore, allora nel disegno decorativo queste forme devono essere mostrate sotto forma di un certo motivo ornamentale - condizionatamente, stilizzato.

Stilizzazione- generalizzazione delle figure raffigurate con l'ausilio di tecniche convenzionali) Pertanto, un disegno decorativo è il risultato della relazione trovata tra la percezione della natura e il riflesso decorativo della realtà.
La natura specifica del disegno e la struttura speciale del motivo del motivo pongono il difficile compito di trasformare le forme naturali in immagini decorative per il maestro. account di semplificazione degli elementi. Eseguendo il compito di sviluppare un modello, devi, per così dire, dimenticare che l'oggetto ha volume, si trova nello spazio, è dotato di una varietà di sfumature di colore in un ambiente di luce-aria, ecc. La cosa principale qui non è l'immagine in quanto tale, ma la trasformazione di una forma reale in un motivo concepito. Allo stesso tempo, la forma ornamentale è trasmessa in modo piatto, anche la piatta convenzionalità del linguaggio delle arti e dei mestieri è particolarmente enfatizzata.

Principi stilistici(esempi in Fig. 1): a) trasformazione di una forma tridimensionale in una planare e semplificazione della struttura, b) generalizzazione della forma con cambiamento di contorno, c) generalizzazione della forma entro i suoi confini, d ) generalizzazione e complicazione della forma, aggiungendo dettagli che sono assenti in natura.

Il lavoro psicologico sulla creazione di un'immagine decorativa generalizzata è un processo di astrazione da una serie di dettagli particolari. Come sai, l'abbondanza di dettagli nell'argomento interferisce con la sua percezione olistica. Allo stesso modo, l'abbondanza di dettagli in alcune immagini rende difficile creare nuove immagini più originali. Ciò significa che è necessario sforzarsi di isolare le caratteristiche più comuni da immagini particolari e combinarle in una nuova immagine. Questo è il modo in cui dovrebbe andare la pittura decorativa.

Nel processo creativo di progettazione di un ornamento, è necessario scartare dettagli e dettagli insignificanti degli oggetti e lasciare solo le caratteristiche generali, più caratteristiche e distintive. Ad esempio, una camomilla o un fiore di girasole possono sembrare semplificati in un ornamento. fotografia") .

Fig.3 Fig.4

L'artista può cambiare il soggetto in qualsiasi misura, l'allontanamento dalla natura può essere molto significativo. Un fiore, una foglia, un ramo possono essere interpretati quasi come si possono conservare forme geometriche o contorni lisci naturali. Ad esempio, è possibile trasformare un'immagine reale di un fiore in un'immagine decorativa e persino astratta mediante la pittura:

Generalizzazione della forma con mezzi pittorici (Fig. 5): a) immagine realistica, b) immagine decorativa, c) immagine astratta
Il grado di generalizzazione della forma e la scelta dei mezzi di espressione artistica sono determinati dal compito, dal modo previsto.

Un esempio di stilizzazione sarebbe il processo di creazione di immagini iconiche nel graphic design. Le caratteristiche distintive del segno sono la generalizzazione e la convenzionalità nella rappresentazione di forme oggettive che denotano qualsiasi figura o fenomeno del mondo circostante.

Un segno è fondamentalmente diverso da un'immagine di un oggetto specifico, indica o designa solo le caratteristiche esterne di un oggetto. Un segno può essere chiamato un simbolo astratto.

Nell'arte decorativa la stilizzazione è un metodo di organizzazione ritmica dell'insieme, grazie al quale l'immagine acquisisce segni di maggiore decoratività ed è percepita come una sorta di motivo del motivo (quindi si parla di stilizzazione decorativa nella composizione).

Lo stile può essere diviso in due tipi:

a) superficie esterna, non avente un carattere individuale, ma che suggerisce la presenza di un modello di ruolo già pronto o elementi di uno stile già creato (ad esempio, un pannello decorativo realizzato utilizzando le tecniche della pittura Khokhloma);

b) decorativo, in cui tutti gli elementi dell'opera sono soggetti alle condizioni di un insieme artistico già esistente (ad esempio, un pannello decorativo, subordinato all'ambiente interno che si è sviluppato in precedenza).

La stilizzazione decorativa differisce dalla stilizzazione in generale per la sua connessione con l'ambiente spaziale. Per non confondere lo stile decorativo con quello generale, è necessario definire chiaramente il concetto di decoratività.

Sotto decorativoÈ consuetudine comprendere la qualità artistica di un'opera, che nasce dalla comprensione da parte dell'autore della connessione della sua opera con l'ambiente soggetto-spaziale a cui è destinata. In questo caso, un'opera separata è concepita e realizzata come elemento di un insieme compositivo più ampio.

Possiamo dire che lo stile è un'esperienza artistica del tempo e la stilizzazione decorativa è un'esperienza artistica dello spazio.

Per lo stile decorativo è tipico astrazione- una distrazione mentale da segni insignificanti e casuali dal punto di vista dell'artista per focalizzare l'attenzione su dettagli più significativi che riflettono l'essenza dell'oggetto.

Quando si decora l'oggetto raffigurato, è necessario sforzarsi in modo che la composizione (pannello) soddisfi il principio dell'architettonicità, ad es. è necessario costruire un sistema di connessioni di singole parti ed elementi in un'unica integrità dell'opera.

Il ruolo della stilizzazione come metodo artistico è recentemente aumentato, poiché è aumentata la necessità per le persone di creare un ambiente stilisticamente integrale ed esteticamente significativo.

Con lo sviluppo dell'interior design, è diventato necessario creare opere d'arte e artigianato che, senza stile, non soddisfacessero i moderni requisiti estetici.