Le tecnologie dell'informazione e della comunicazione nell'educazione musicale. Caratteristiche generali della musica e delle tecnologie informatiche

Tecnologie salva-salute nell'educazione musicale

La musica è parte integrale vita umana, e quindi dovrebbe essere diversa, come il mondo che ci circonda. Un approccio innovativo a processo pedagogico all'asilo amplia le possibilità di utilizzo di una varietà di generi musicali. La musica ha un effetto positivo sui bambini in età prescolare. A volte i bambini aggressivi, entrando nella stanza della musica, cambiano, ascoltano la musica e si calmano.

Durante la permanenza dei bambini all'asilo, è necessario creare le condizioni più ottimali. Questo è il compito principale del personale docente, perché L'asilo per un bambino è la sua seconda casa. Al mattino, quando ricevi bambini, puoi attivare le registrazioni di musica classica e opere contemporanee con un suono importante e solare. IN questo momento, la musica correggerà lo stato psicofisico del bambino.

Continuando il tema dell'orientamento salutare e preventivo dell'accompagnamento musicale, è necessario utilizzare la tecnica del risveglio riflesso musicale dei bambini dopo il sonno. Il tipo da considerare qui sistema nervoso bambino. Questo richiede 10 minuti. Per i bambini che dormono male - 1-2 minuti e 6-8 minuti - per coloro che hanno dormito profondamente. Un tale risveglio individuale ha un grande effetto correttivo e preventivo. Per svegliare i bambini, è necessario utilizzare musica tranquilla, gentile e leggera in modo che il risveglio non riconosca le emozioni negative. È necessario utilizzare una composizione musicale costante, che svilupperà una sorta di riflesso nei bambini. Dopo un mese, la composizione musicale può essere sostituita con un'altra.

Durante il risveglio dei bambini si dovrebbe prestare attenzione al testo pronunciato dall'insegnante sullo sfondo della musica. L'insegnante dovrebbe pronunciare le parole dolcemente e dolcemente.

Parlando di forme non tradizionali di utilizzo della musica, va ricordato che la musica non deve sempre suonare costantemente, dal primo all'ultimo minuto della sessione.

1. Non tutte le classi devono necessariamente essere sonorizzate mediante accompagnamento dal vivo o fonogrammi.

2. L'accompagnamento musicale può essere parziale:

Creare un adeguato background associativo all'inizio della lezione;

Organizzare i bambini, aumentare la loro attenzione, concentrazione;

La musica può suonare alla fine della lezione come un ultimo frammento finale e portare un certo atteggiamento per il futuro;

L'accompagnamento musicale può essere utilizzato anche durante il "picco funzionale" per stimolare l'attività emotiva dei bambini.

3. L'accompagnamento musicale può essere combinato, combinando sia l'accompagnamento dal vivo che gioco indipendente bambini sugli strumenti musicali più semplici, ascoltando dischi e registrazioni audio.

Caratteristiche delle tecnologie salvavita nelle istituzioni educative prescolari

Oggi i medici non sono in grado di far fronte ai problemi del deterioramento della salute, quindi si pone la questione del lavoro preventivo, della formazione di un atteggiamento consapevole nei confronti della salute e di uno stile di vita sano (HLS). lavoro propedeutico in questa direzione cade sulle spalle degli insegnanti.

In che misura gli insegnanti moderni sono pronti a implementare i principi delle tecnologie salva-salute nel processo educativo?

Quanto sono aperti alla collaborazione con i medici?

Sono in grado di condurre un dialogo con i genitori e intraprendere azioni comuni per preservare e migliorare la salute dei bambini?

Un'analisi della situazione attuale dà risposte molto tristi alle domande poste.

La maggior parte degli insegnanti aderisce alla definizione di salute, spesso riferendosi alla sua componente fisica, dimenticando quella socio-psicologica, spirituale e morale. È importante invertire questa tendenza e lasciarsi guidare dalla definizione di salute come concetto poliedrico che comprende gli aspetti fisici, socio-psicologici e spirituali e morali.

La scelta delle tecnologie pedagogiche salvavita dipende dal programma su cui lavorano gli insegnanti, dalle condizioni specifiche dell'istituto di istruzione prescolare (DOE), dalla competenza professionale degli insegnanti, nonché dalle indicazioni sull'incidenza dei bambini.

Le tecnologie educative salva-salute sono le più significative tra tutte le tecnologie conosciute in termini di grado di impatto sulla salute dei bambini. La loro caratteristica principale è l'uso di tecniche, metodi, approcci psicologici e pedagogici per risolvere problemi emergenti. Possono essere suddivisi in tre sottogruppi:

Tecnologie organizzative e pedagogiche che determinano la struttura dell'istruzione processo educativo, contribuendo alla prevenzione di stati di superlavoro, inattività fisica e altre condizioni disadattive;

Tecnologie psicologiche e pedagogiche associate al lavoro diretto di un insegnante con i bambini (questo include anche il supporto psicologico e pedagogico per tutti gli elementi del processo educativo);

Tecnologie didattiche ed educative, che includono programmi per insegnare l'assistenza sanitaria e la formazione di una cultura della salute degli studenti.

Tecnologie moderne per il risparmio della salute

Tipi di tecnologie pedagogiche salvavita. Ora del giorno. Caratteristiche della metodologia. Responsabile.

1. Tecnologie per il mantenimento e la promozione della salute

Allungamento non prima di 30 min. dopo i pasti, 2 volte a settimana per 30 minuti. dalla mezza età in una palestra o sala musica o in una stanza di gruppo, in un'area ben ventilata Consigliato per bambini con postura lenta e piedi piatti. Diffidare dello stress sproporzionato sui muscoli Responsabile dell'educazione fisica.

Ritmoplastica non prima di 30 min. dopo i pasti, 2 volte a settimana per 30 minuti. dalla mezza età. Sottolineare valore artistico, la quantità di attività fisica e la sua proporzionalità agli indicatori di età del bambino. Responsabile dell'educazione fisica, direttore musicale.

Pause dinamiche durante le lezioni, 2-5 min., quando i bambini si stancano. Consigliato a tutti i bambini come prevenzione della fatica. Può includere elementi di ginnastica per gli occhi, esercizi di respirazione e altri, a seconda del tipo di attività. Educatori.

Giochi mobili e sportivi- nell'ambito di una lezione di educazione fisica, durante una passeggiata, in una stanza di gruppo - piccolo con un grado medio di mobilità. Ogni giorno, per tutte le fasce d'età, i Giochi vengono selezionati in base all'età del bambino, al luogo e all'ora della sua partecipazione. Nell'istituto scolastico prescolare usiamo solo elementi di giochi sportivi. Educatori, capo dell'educazione fisica.

Rilassamento. Qualsiasi luogo adatto. A seconda dello stato dei bambini e degli obiettivi, l'insegnante determina l'intensità della tecnologia. Per tutte le fasce d'età Puoi usare musica classica calma (Tchaikovsky, Rachmaninov), suoni della natura Educatori, capo dell'educazione fisica, psicologo.

Tecnologie estetiche. Sono implementati nelle classi del ciclo artistico ed estetico, quando si visitano musei, teatri, mostre, ecc., Decorando locali per le vacanze, ecc. Per tutte le età. Si svolge in classe nell'ambito del programma educativo prescolare, nonché secondo un programma di eventi appositamente pianificato. Di particolare importanza è il lavoro con la famiglia, infondendo gusto estetico nei bambini. Tutti gli insegnanti della scuola dell'infanzia.

Ginnastica con le dita - fin dalla giovane età individualmente o con un sottogruppo ogni giorno. Consigliato a tutti i bambini, in particolare quelli con problemi di linguaggio. Viene eseguito in qualsiasi intervallo di tempo conveniente (in qualsiasi momento conveniente). Educatori, logopedista.

Ginnastica per gli occhi. Ogni giorno per 3-5 minuti. in qualsiasi momento libero; a seconda dell'intensità del carico visivo fin dalla giovane età. Si consiglia di utilizzare materiale visivo, insegnante che mostra. Tutti gli insegnanti.

Esercizi di respirazione. In varie forme di cultura fisica e lavoro sanitario. Fornire ventilazione della stanza, l'insegnante istruisce i bambini sull'igiene obbligatoria della cavità nasale prima della procedura. Tutti gli insegnanti.

La ginnastica è tonificante. Ogni giorno dopo sonno diurno, 5-10 min. La forma di realizzazione è diversa: esercizi su letti, lavaggio esteso; camminare su assi nervate; facile corsa dalla camera da letto a un gruppo con una differenza di temperatura nelle stanze e altre a seconda condizioni dell'istituto di istruzione prescolare Educatori.

Ginnastica correttiva. In varie forme di cultura fisica e lavoro di miglioramento della salute La forma di realizzazione dipende dal compito e dal contingente dei bambini. Educatori, capo dell'educazione fisica.

Ginnastica ortopedica. In varie forme di cultura fisica e lavoro sanitario. È consigliato per i bambini con i piedi piatti e come prevenzione delle malattie dell'arco di sostegno del piede.

CONSULTAZIONE

"Tecnologie salvavita nell'educazione musicale"

Preparato da: Direttore musicale

MDOU n. 377

Emelyanova Tatyana Mikhailovna

“...La musica dovrebbe insegnarti a esprimere liberamente e direttamente i tuoi sentimenti nei suoni e simpatizzare con tutte le voci e tutti i richiami che risuonano solo al mondo... L'arte dovrebbe avvicinarsi a ogni epoca in una forma corrispondente alla sua comprensione e abilità , perché ognuno dovrebbe diventare sua proprietà, la propria lingua... Essendosi abituato a parlare, muoversi, ascoltare, vedere, agire liberamente, il bambino nella sua vita sarà senza imbarazzo, sarà facile usare queste abilità per realizzare la sua volontà creativa, saprà come dare un risultato a questa volontà ... Attraverso l'arte, crea la volontà dei bambini, la loro volontà di agire; dove, ascoltando, guardando o eseguendo opere d'arte realizzate da altri, i bambini dovrebbero, per così dire, ricrearle, sperimentare interiormente quella forte volontà e quella forte sentimento, che ha creato questo lavoro ... Una tale direzione educazione estetica non è affatto come insegnare l'arte nella vecchia scuola, dove ai bambini veniva insegnato solo ad ascoltare, guardare e realizzare ciò che era stato progettato, a concordare con ciò che era stato fatto prima di loro, ad abituare il loro gusto a modelli vecchi e convenzionali ... " . Le conoscenze teoriche e i metodi che caratterizzano le nuove tecnologie nell'educazione musicale, utilizzando l'esempio della modellazione del processo artistico e creativo, consentono al direttore musicale di raggiungere l'obiettivo principale: formare l'idea dello studente delle attività del musicista - compositore , esecutore, ascoltatore - come alta manifestazione della creatività umana, come grande opera anime come il più alto bisogno di trasformazione dell'uomo e del mondo.

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Anteprima:

ISTITUTO REGIONALE DI MURMANSK PER LO SVILUPPO PROFESSIONALE DEI DIPENDENTI EDUCATIVI E CULTURALI

NUOVE TECNOLOGIE NELL'EDUCAZIONE MUSICALE

(modellazione del processo artistico e creativo)

Eseguita:

Direttore musicale

MBDOU " Asilo N. 1 "Yakorek" del tipo combinato, la città di Gadzhiyevo, regione di Murmansk.

Ivanova Yu.P.

Controllato:

Golovina B.G.

Murmansk 2012

introduzione

Parte I. Teorica. Aspetto psicologico - pedagogico.

1.1. Il termine "tecnologia" in pedagogia.

1.2. Modellazione del processo artistico e creativo.

Seconda parte. Pratico. Forme e metodi di lavoro con i bambini.

2.2. "Scegli musica"

2.4. "Io compongo musica".

2.5. "Bambino e musica".

Conclusione

Bibliografia

introduzione

Uno dei nuovi concetti per la pedagogia è il concetto di tecnologia, che si trova spesso nella letteratura pedagogica (scientifica, giornalistica, educativa). L'eterogeneità dei contenuti investiti in questo concetto da vari autori suggerisce che non si sia ancora raggiunta la necessità dell'uso legittimo del grado di formazione.

La novità dell'approccio allo studio del processo formativo cultura musicale consiste principalmente nell'interpretazione dei dati ottenuti. Ciò che emerge non sono indicatori individuali secondo metodi individuali (e danno una certa idea dello stato e del livello di sviluppo della cultura musicale), ma la comprensione dell'uno o dell'altro risultato particolare come forma di espressione di un certo aspetti dello sviluppo spirituale del bambino, come forma di sviluppo spirituale risposta emotiva agli alti valori spirituali dell'arte. L'idea di una tale interpretazione dei dati diventa la "chiave" di tutti i metodi in cui lo spirituale è necessariamente presente e deve essere "letto" dall'educatore-ricercatore (e dal direttore musicale, esplorando il processo di sviluppo della cultura musicale dei bambini, come se “automaticamente” acquisisse questo status) in tutte le singole componenti della formazione della cultura musicale. Pertanto, lo studio include una tecnica speciale progettata per esprimere in modo figurato la valutazione del bambino sulla sua relazione con l'essenza spirituale della musica.

Lo scopo di questo saggio è di esplicitare la gamma di concetti, conoscenze teoriche e metodi che caratterizzano le nuove tecnologie nell'educazione musicale utilizzando l'esempiomodellazione del processo artistico e creativo.

In relazione all'obiettivo, si possono distinguere i seguenti compiti:

1. Considera l'aspetto psicologico e pedagogico associato all'uso delle nuove tecnologie in pedagogia.
2. Esplora la modellazione del processo artistico e creativo.
3. Nella parte pratica, rifletti sulle forme e sui metodi di lavoro con i bambini.
4. Trai conclusioni in accordo con l'obiettivo.

I metodi di ricerca sono lo studio della letteratura metodologica e delle risorse Internet.

Parte I. Teorica.

Aspetto psicologico - pedagogico.

1. Il termine "tecnologia" in pedagogia.

Sviluppo scienza pedagogica mostra che la comparsa del termine tecnologia e la direzione della ricerca in pedagogia non è casuale. Perché il passaggio "accidentale" del termine "tecnologia" dal campo dell'informatica alla pedagogia in realtà non è casuale e ha una base seria. La definizione di tecnologia può essere formulata come segue: la tecnologia dovrebbe essere intesa come un insieme e una sequenza di metodi e processi per convertire le materie prime che consentono di ottenere prodotti con determinati parametri. Se trasferiamo questo significato del termine "tecnologia" alla pedagogia, allora la tecnologia dell'apprendimento significherà un certo modo di apprendere, in cui il carico principale sull'attuazione della funzione di apprendimento è svolto da uno strumento di apprendimento sotto il controllo di un persona. Con la tecnologia, il direttore musicale svolge la funzione di gestire lo strumento di apprendimento, oltre a funzioni di stimolo e coordinamento delle attività. In considerazione del fatto che la tecnologia comporta la determinazione preliminare di un obiettivo diagnostico, è innanzitutto necessario considerare se sia possibile fissare un obiettivo diagnostico nell'educazione musicale. Questo può essere un certo importo materiale musicale. Pertanto, l'obiettivo principale del direttore musicale è quello di formare le basi dell'educazione spirituale e morale attraverso la familiarizzazione con la cultura musicale utilizzando le nuove tecnologie, come componente più importante sviluppo armonioso personalità. Puoi anche evidenziare le seguenti attività:

1. infondere amore e rispetto per la musica come oggetto d'arte;
2. imparare a percepire la musica parte importante la vita di ogni persona;
3. contribuire alla formazione della reattività emotiva, dell'amore per il mondo che ci circonda;
4. instillare le basi del gusto artistico;
5. insegnare a vedere il rapporto tra la musica e le altre forme d'arte;
6. insegnare le basi dell'alfabetizzazione musicale;
7. creare un bisogno di comunicazione con la musica;
8. simulare il processo artistico e creativo.

1. Modellazione del processo artistico e creativo.

La principale posizione metodologica che garantisce l'attuazione delle idee di sviluppo dell'educazione musicale (generalmente nelle lezioni d'arte) dovrebbe essere la modellazione del processo artistico e creativo, quando gli studenti vengono messi nella posizione di creatore-compositore, creatore-artista, come se ricreassero opere d'arte per sé e per gli altri. Modellare il processo artistico e creativo è, infatti, è il passaggio del percorso della nascita della musica, ricreandolo, per così dire, "dall'interno" e vivendo il momento stesso della ri-creazione. Ciò è particolarmente importante quando i bambini padroneggiano composizioni che sono sempre state intese solo "per l'ascolto"; è anche importante per lo sviluppo del serbatoio musica folk- folklore, quando i bambini in età prescolare sono immersi nell'elemento della nascita e dell'esistenza naturale della musica, essi stessi compongono e dicono proverbi, detti, indovinelli, poemi epici nel linguaggio musicale; questo è importante sia quando si impara a padroneggiare qualsiasi canzone, sia per la creazione di musica strumentale. Questo metodo universale e comune per l'arte richiede: autonomia nell'acquisire e appropriarsi della conoscenza (che non viene alienata al bambino durante il percorso del compositore), creatività (quando il bambino, basandosi sull'esperienza musicale e sulla fantasia, fantasia, intuizione, confronta , confronta, trasforma, sceglie , crea, ecc.), sviluppando la capacità di ascolto individuale e di interpretazione creativa.

È difficile distinguere tra musica "folk" e "d'autore"? Si scopre che i bambini sentono quasi inequivocabilmente questa differenza già ... dall'età di quattro anni!

Lo scopo di tali domande è chiaro: prima di fare qualsiasi cosa, il bambino deve comprendere il significato della sua attività. Pertanto, è necessario modellare il processo creativo in modo che il bambino guardi dentro se stesso, si veda dalla posizione di un'altra persona, ad es. parlando scientificamente, esplorerebbe i suoi orientamenti di valore in questo mondo: ciò che è significativo per lui, ciò che può diventare significativo per tutte le persone. E questa cosa importante, chiamata in arte "idea artistica", determinerà poi la scelta di tutti mezzi musicali. Solo dopo aver superato il percorso del creatore, il bambino può capire cosa significa come creare una melodia, come suonare la musica, come ascoltarla. Forse, dopo tali esperienze, i bambini smetteranno di dire che cantano nel coro, "per sviluppare la loro voce, perché insieme è interessante"; voler essere un artista per “esibirsi sul palco, mi batteranno le mani”; suonare bene uno strumento significa “suonare correttamente tutte le note e seguire le indicazioni del maestro” e molto altro. È chiaro che questo metodo universale è completamente organicamente applicabile alle lezioni di musica. È possibile applicare il metodo di modellazione del processo artistico e creativo alle lezioni di ritmo, movimento artistico, teatro musicale, e in generale gratuitamente attività musicale? Come si può fare?

In relazione al metodo di modellazione del processo artistico e creativo, è opportuno sollevare la questione della revisione dell'atteggiamento nei confronti della creatività musicale dei bambini. Tradizionalmente, nell'educazione musicale, la creatività era considerata un tipo separato di attività, associata principalmente all'improvvisazione. Tuttavia, questa "creatività" in pratica si riduceva all'assimilazione da parte dei bambini delle tradizionali formule ritmiche e melodiche "musicali generali", schemi di intonazione, quando il pensiero, l'ascolto interno della musica da parte dei bambini si muove lungo un percorso prestabilito. Un tale approccio alla creatività è illecito, poiché qualsiasi forma di coinvolgimento nell'arte, che è un'attività in quanto tale, e non opera secondo un modello, deve essere appunto creativa nel vero senso di questo concetto.

Il criterio della creatività non è necessariamente qualcosa di completo (ad esempio, la frase finale di una canzone, che è "completa", ma non richiede altro che la ricerca di "timbri melodici" nella loro esperienza), ma quella disponibilità alla creatività , quando l'allievo vuole ed è pronto a comprendere il significato della sua attività, quando sente il bisogno di confrontare, correlare, scegliere e trovare ciò che nel modo migliore può esprimere il suo udito e la sua visione di questo o quel fenomeno, evento, fatto, il suo atteggiamento artistico nel suo insieme. Il risultato a volte può essere espresso in una sola intonazione, in una frase poetica, movimento, linea, o all'inizio potrebbe anche non apparire affatto. Il significato di disponibilità alla creatività è che la musica può suonare dentro il bambino, che può avere un'idea chiara di che tipo di musica dovrebbe essere, ma i suoi pensieri musicali potrebbero non ancora materializzarsi in una forma chiara, in una melodia specifica . È questo lavoro interiore - il processo di sperimentazione mentale con mezzi espressivi, che è molto più importante del risultato finale, specialmente nelle fasi iniziali dell'ingresso nella musica.

L'incomprensione della natura e delle condizioni della creatività dei bambini, il desiderio indispensabile del direttore musicale di ottenere il risultato senza fallo può portare a lesioni alla psiche del bambino e alla violazione della naturalezza e della libertà del processo creativo. Ci sono due implicazioni importanti da questo.

In primo luogo, l'importante non è tanto lo sviluppo dei bambini (educazione nella sua “forma pura”!), Quanto osservare il loro sviluppo a contatto con la musica e il mondo esterno. E in secondo luogo, l'attenzione allo sviluppo musicale del bambino richiede il rifiuto di molti cliché e stereotipi del pensiero pedagogico. Prima di tutto, devi capire che il processo di accesso all'arte non può essere forzato, il che significa che non è necessario "trascinare" un bambino nella musica. In altre parole, per quanto riguarda sviluppo musicale non si dovrebbe ingannare se stessi falsificando un rapido risultato. Ciò che serve è la naturalezza del processo quando il direttore musicale percorre il percorso verso la musica insieme al bambino, in accordo con la natura del bambino e la natura dell'arte. Per fare questo, devi essere sicuro: nella scelta corretta dell'obiettivo: lo sviluppo della personalità dell'allievo, i suoi talenti, l'individualità; nella musica scelta per i bambini e sentita sinceramente dallo stesso direttore musicale; nei metodi e nelle tecniche che possono interessare i bambini alla musica; e, naturalmente, che ogni bambino è un artista e necessariamente talentuoso. La capacità di vedere le capacità del bambino, di cui lui stesso potrebbe non essere a conoscenza, e di convincerlo di ciò è la più alta, che può essere solo nell'educazione musicale e nell'educazione in generale.

Naturalmente, questi sono criteri generalizzati. Saranno identificati direttamente nei metodi di ricerca attraverso criteri più particolari, "tecnologici", in cui il livello di manifestazione del generale nel particolare consentirà di giudicare la formazione dell'uno o dell'altro parametro (componente, elemento) dell'alfabetizzazione musicale e la cultura musicale nel suo complesso.

Seconda parte. Pratico.

Forme e metodi di lavoro con i bambini.

2.1. "Associazioni vita musicale".

Il primo metodo può essere chiamato condizionatamente "Associazioni di vita musicale". Rivela il livello di percezione della musica da parte degli alunni: consente di giudicare la direzione delle associazioni di vita musicale, il grado della loro corrispondenza con il contenuto di vita musicale, rivela la reattività emotiva alla musica ascoltata, il supporto della percezione su modelli musicali. La musica scelta per questo scopo deve contenere più immagini, il cui grado di contrasto può essere diverso, ma il contrasto deve essere “letto” in rilievo. Allo stesso tempo, si osserva una condizione: la musica deve essere sconosciuta ai bambini. Puoi consigliare, ad esempio: "Humoresque" P.I. Ciajkovskij (gruppo preparatorio, ottobre).

Il suono della musica è preceduto da una conversazione confidenziale tra il direttore musicale ei bambini per regolare la percezione. Questa è una conversazione sul fatto che la musica accompagna l'intera vita di una persona, può ricordare eventi accaduti prima, evocare sentimenti che abbiamo già provato, aiutare una persona in una situazione di vita: calma, sostegno, allegria. Successivamente, si propone di ascoltare la musica e rispondere alle seguenti domande:

1. Quali ricordi ha evocato in te questa musica, a quali eventi della tua vita potrebbe essere associata?

2. Dove nella vita potrebbe suonare questa musica e come potrebbe influenzare le persone?

3. Cosa nella musica ti ha permesso di giungere a tali conclusioni (ovvero cosa racconta la musica e come racconta, quali sono i suoi mezzi espressivi in ​​ogni singola opera)?

Per la ricerca, è fruttuoso offrire ai bambini età diverse la stessa musica: questo permette inoltre di identificare ciò che ogni età cerca nella musica, su cosa si basa nelle sue associazioni. A seconda della formulazione del processo educativo, la terza domanda può avere un diverso grado di complessità, contenuto professionale: quante immagini, quali generi attribuiamo, in quale forma è scritta la musica, come si realizza l'unità dei mezzi visivi ed espressivi , eccetera. Dopo aver ascoltato la musica, si tiene una conversazione individuale con ogni bambino, se ci sono difficoltà con le risposte, ai bambini vengono ricordati frammenti musicali. Le risposte sono meglio registrate per iscritto (per "storia": è interessante confrontare le risposte dei bambini in pochi anni per tracciare le dinamiche dello sviluppo musicale). I risultati vengono elaborati secondo i seguenti parametri: accuratezza caratteristica musicale, svolgimento e, associazioni artistiche, colorazione emotiva delle risposte. Particolare attenzione è rivolta alla direzione del pensiero dei bambini: dal generale al particolare: dal contenuto figurativo della musica ai mezzi espressivi, agli elementi linguistici, al genere, allo stile, ecc. Se le risposte dei bambini mostrano che comprendono la forma di un'opera come fenomeno secondario, determinato dal contenuto, allora possiamo dire della loro percezione olistica in via di sviluppo dell'immagine musicale.

2.2. "Scegli musica"

La seconda tecnica "Scegli la musica"è dedicato alla definizione di musica correlata al contenuto: quanto ragionevolmente i bambini possono, confrontando 3-4 frammenti, trovare una consonante nel contenuto. La musica proposta dovrebbe essere simile in segni esteriori: somiglianza della trama, dinamica del suono, elementi discorso musicale, composizione di interpreti, strumenti, ecc. La difficoltà della tecnica è che le opere non sono in contrasto tra loro. Ad esempio, puoi offrire tali lavori:

Opzione 1: "Marzo" D.D. Shostakovich e "March" di D. Rossini ( gruppo medio, Gennaio);

Opzione 2: "Rain" di A. Lyadov e "Sad rain" di D.B. Kabalevsky (gruppo centrale, marzo).

Dopo l'ascolto, gli alunni devono determinare quali opere sono correlate nello "spirito" della musica e dire su quali basi hanno determinato la comunanza.

La tecnica permette di rivelare uno speciale "senso della musica". La cosa principale in esso: ciò che i bambini valutano: le proprie emozioni causate dalla musica, o semplicemente mezzi espressivi, separati dal contenuto della vita. Affidarsi solo ai mezzi indica un basso livello di percezione; affidamento solo sulle loro emozioni - il livello medio. Il livello più alto dovrebbe essere considerato l'instaurazione di una relazione tra le proprie emozioni e la musica che risuona, quando il bambino può dire in modo sufficientemente dettagliato perché ha queste particolari emozioni e non altre.

2.3. "Scopri te stesso attraverso la musica."

Il terzo metodo, "Apriti attraverso la musica", mira a penetrare nelle profondità del rapporto personale e della percezione dei bambini attraverso la musica. In una certa misura, permette di rivelare una cosa molto importante: fino a che punto i bambini “scoprono se stessi” attraverso la musica, fino a che punto sono consapevoli dei loro sentimenti ed esperienze, se sentono il loro coinvolgimento nel contenuto della musica, nelle sue immagini , eventi.

Per questo, viene offerta un'opera, ad esempio, un frammento della "Danza degli elfi" di E. Grieg, "Danza della fata dei draghi" di P.I. Čajkovskij e "Nella caverna del re della montagna" di E. Grieg e altri, e ad esso sono associati tre compiti ( gruppo anziano, aprile). Nel 1 ° compito, i bambini vengono messi nella posizione di "l'interlocutore della musica". Lei “racconta” loro qualcosa, e poi devono raccontare i loro sentimenti, quello che è nato in loro durante il “dialogo”. Il 2° compito prevede che il bambino riveli il contenuto musicale in plastica, in movimento (questa può essere un'improvvisazione di pantomima in miniatura di plastica o, in casi estremi, puoi semplicemente "respirare" con le mani). Il terzo compito è connesso con l'incarnazione di "se stesso" nel disegno. Sottolineiamo in particolare: l'allievo non disegna la musica che sente, ma piuttosto se stesso, come si è sentito durante il suono di questa musica. Questa condizione si applica a tutti e tre i compiti della metodologia, poiché in essa non siamo interessati alla musica stessa, ma al bambino, al suo mondo spirituale nella valutazione di se stesso, ad es. autostima, la musica funge qui da fonte, da occasione significativa.

2.4. "Io compongo musica".

La quarta tecnica "Compongo musica"- viene eseguito individualmente con ogni bambino e aiuta a identificare il grado di sviluppo di rappresentazioni figurative, fantasia, immaginazione, pensiero nell'ambito di compiti artistici, udito figurativo, visione, ecc. La procedura per condurre la tecnica ricorda un processo creativo. Viene assegnato un compito creativo iniziale, che funge da primo impulso per il bambino per organizzare un'attività artistica indipendente. Puoi offrire diverse situazioni, tra le quali gli studenti scelgono quelle che preferiscono. Possono essere, ad esempio, tali situazioni: "Voci di primavera", "Giorno d'estate", "Suoni di grande città», « Strada invernale”, eventi fiabeschi, ecc. Dopo aver scelto una situazione, i bambini, insieme al direttore musicale (la sua partecipazione, se possibile, dovrebbe essere il più limitata possibile) riflettono sulla logica e l'originalità dello sviluppo del contenuto figurativo del futuro opera d'arte. Ad esempio, come la vita si risveglia in primavera: la neve si scioglie, il sole brucia, le gocce, i ghiaccioli cadono, i ruscelli mormorano - come ascoltare ed esprimere tutto questo e il tuo atteggiamento nei suoi confronti?... Oppure: "Winter Road": silenziosi, cupi, rari fiocchi di neve che cadono, "la foresta trasparente diventa nera da sola"... Puoi incarnare la tua idea al pianoforte, su altri strumenti (bambini e folk), con voce, plasticità. Il primo schizzo del paesaggio diventa uno "sfondo", sullo sfondo del quale i personaggi che appaiono gradualmente (di norma, i bambini scelgono personaggi e animali delle fiabe) recitano azioni inventate, il direttore musicale tradizionalmente monitora quale carattere sono i personaggi, le loro relazioni, come appaiono , quali abitudini, ecc. .d. Organizzazione attività creativa in quanto più indipendente, sovrintende al processo di attuazione intento artistico: come i bambini cercano mezzi di espressione, selezionano strumenti, accendono la loro voce, plasticità - dietro tutte queste azioni, il pensiero del bambino viene facilmente "decifrato" quando crea immagini artistiche, il cui contenuto racconta a se stesso (o con l'aiuto di attente domande guida).

È molto difficile analizzare la creatività dei bambini, perché, di norma, l '"abilità tecnica" dell'incarnazione è di basso livello e la creatività stessa dei bambini spesso rimane solo a livello di un'idea e di schizzi per essa . Tuttavia, i seguenti parametri possono essere distinti come parametri di valutazione:

Il grado di consapevolezza dell'intenzione. Qui si rivela l'indipendenza dell'idea, la sua logica, il sentimento del tempo e dello spazio in essa (che giudichiamo dal lato contenuto della creatività);

Inventiva, originalità, individualità nella scelta dei mezzi di realizzazione. Qui un ruolo importante è svolto da non standard, non tradizionali, ma è auspicabile che venga discusso;

Fino a che punto il bambino è attratto dall'esperienza musicale che già ha. Ad esempio, se istruisce i personaggi a eseguire canzoni a lui note, se fa affidamento su conoscenze e idee sui fenomeni e sui fatti della musica.

L'attenzione principale nell'analisi della creatività dei bambini dovrebbe essere rivolta allo studio di come il bambino pianifica la sua attività, partendo dal motivo della creatività e finendo con la vera incarnazione dell'idea. Il criterio principale qui è, come già notato, il grado di armonia degli attributi dell'attività musicale e creativa: l'armonia tra “sento-penso-sento-atto”.

Quindi, ogni componente selezionato della cultura musicale corrisponde a determinati metodi. Alcuni di essi (questionari, domande, osservazioni) sono di natura tradizionale, altri sono stati creati appositamente per il programma di studio della cultura musicale, sono autoriali (ma sono anche vicini a motivi tradizionali).

2.5. "Bambino e musica".

Quinta tecnica "Bambino e musica". Il direttore musicale chiede ai bambini: “Immaginate che la musica sia un essere vivente. Cerca di disegnare questa creatura, questa personalità in modo tale da sentirla, capirla quando la ascolti o la esegui. E non dimenticare di rappresentarti nel tuo disegno." La differenza tra questa tecnica è che i bambini non disegnano musica specifica (impressioni dal lavoro) - il loro disegno non è affatto collegato al suono dal vivo. Lo scopo della metodologia: scoprire fino a che punto il bambino si identifica con la musica come un enorme e un fenomeno importante nel mondo. Disegna musica in generale. Dal disegno si vede se si sente piccolo davanti a lei o se si sente parte di lei, si identifica con lei; quanto olisticamente percepisce "l'immagine della musica" (ad esempio, esprimendola in qualcosa di unificato - colore, impulso, movimento, ecc.), o la presenta come eccessivamente dettagliata. Non sono previsti più di 15 minuti per questa procedura, dopodiché, in una conversazione individuale con ogni bambino, è possibile chiarire perché ha ritratto se stesso e la musica in quanto tale. Si è notato che attraverso la ricchezza emotiva e il tentativo di esprimere l '"immagine della musica" nei bambini, si manifesta un atteggiamento genuino (a volte inconscio) nei suoi confronti. Questo metodo diventa “l'accordo finale del programma per la diagnosi della cultura musicale dei bambini in età prescolare.

Conclusione

“... La musica dovrebbe insegnarti a esprimere liberamente e direttamente i tuoi sentimenti nei suoni e simpatizzare con tutte le voci e tutti i richiami che risuonano solo al mondo... L'arte dovrebbe avvicinarsi a ogni epoca in una forma corrispondente alla sua comprensione e abilità , per tutti dovrebbe diventare la sua proprietà, la sua lingua... Essendosi abituato a parlare, muoversi, ascoltare, vedere, agire liberamente, il bambino nella sua vita sarà senza imbarazzo, sarà facile usare queste abilità per adempiere la sua volontà creativa, saprà come dare l'esito di questa volontà ... Attraverso l'arte, deve essere allevata la volontà creativa dei bambini, la loro volontà di azione; dove, ascoltando, guardando o eseguendo opere d'arte realizzate da altri, i bambini dovrebbero, per così dire, crearle di nuovo, sperimentare internamente quella forte volontà e quel forte sentimento che questo lavoro ha creato ... Questa direzione dell'educazione estetica non è a tutto come insegnare arte nella vecchia scuola, dove ai bambini veniva insegnato solo ad ascoltare, guardare e realizzare ciò che era stato progettato, a concordare con ciò che era stato fatto prima di loro, ad abituare il loro gusto a modelli vecchi e convenzionali ... ".

Conoscenze teoriche e metodi che caratterizzano le nuove tecnologie nell'educazione musicale sull'esempiole simulazioni del processo artistico e creativo consentono al direttore musicale di raggiungere l'obiettivo principale - formare l'idea dell'allievo delle attività del Musicista - compositore, esecutore, ascoltatore - come un'alta manifestazione della creatività umana, come una grande opera di l'anima, come esigenza suprema per la trasformazione dell'uomo e del mondo.

Bibliografia

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Recentemente, c'è stato un notevole interesse pubblico per la musica elettronica e, in particolare, per la musica e le tecnologie informatiche. Ciò è dovuto a diverse ragioni.

In primo luogo, le tecnologie informatiche penetrano in tutte le sfere di attività, portando nuove opportunità di autorealizzazione.

In secondo luogo, la versatilità, il fantastico infinito in miglioramento, l'applicabilità globale della musica elettronica aumentano l'apprendimento nuovo livello, stimolare il rapido sviluppo dell'intelletto, rendere le lezioni di musica richieste da ampi circoli di amanti dell'arte e della creatività.

In terzo luogo, la compatibilità della musica elettronica con quella tradizionale tecnologia musicale crea le condizioni per la continuità di epoche e stili musicali, la loro compenetrazione e sintesi, contribuendo così allo sviluppo del potenziale creativo degli studenti e rafforzando l'interesse per la cultura musicale in generale.

Chiunque non sia indifferente a ciò che accadrà nel nostro paese con l'educazione musicale nei prossimi decenni concorderà sul fatto che una delle direzioni in cui l'educazione musicale moderna sta già andando oggi non è solo l'educazione teorica, ma anche esecutiva: questa è la formazione informatica e comunicazioni informatiche. Negli ultimi anni le tecnologie informatiche e di comunicazione hanno sempre più influito sulla sfera della cultura e in particolare della musica.

È passato solo circa un decennio da quando il computer è apparso nelle nostre vite, e oggi è già impossibile immaginare quanti compiti professionali e professionali possano essere risolti senza di esso. problemi quotidiani. Le tecnologie digitali hanno toccato anche la sfera dell'attività musicale, sia professionale che amatoriale, e le trasformazioni in essa in atto colpiscono per portata e radicalità.

Un compositore professionista oggi non ne ha bisogno Orchestra Sinfonica, né artisti-solisti per dare voce alla loro musica - che si tratti di un'opera sperimentale o di un genere di canto e danza, un accompagnamento a un'esibizione, un film, un programma televisivo e radiofonico o un gioco per computer. Qualsiasi musicista, incluso livello base la formazione oggi può creare composizioni elettroniche dettagliate e di natura diversa, e la diffusione di tali attività tra adolescenti e giovani nel suo carattere di massa non ha precedenti storici.

Gli strumenti digitali stanno guadagnando posizioni sempre più sicure nell'educazione musicale. Nelle scuole di musica per bambini, nelle scuole d'arte e in altre istituzioni istruzione aggiuntiva classi aperte e dipartimenti di produzione di musica elettronica; questa attività è sempre più praticata in classe in un istituto comprensivo; festival musicali per strumenti musicali elettronici si svolgono in diverse città della Russia. Allo stesso tempo, molti educatori hanno sentimenti contrastanti riguardo agli strumenti digitali. Le domande che sorgono sono simili. Qual è lo scopo di un sintetizzatore e di un computer nelle lezioni di musica: sono progettati per facilitare il processo di padronanza delle conoscenze, abilità e abilità necessarie nelle aree tradizionali dell'attività musicale o sono necessari per la creatività musicale elettronica? Usare strumenti computerizzati nell'attività musicale - non significa questo che è deliberatamente limitato al quadro della musica elettronica di una direzione sperimentale, di fatto, elitaria? Nell'ambito della musica pop o rock, nella maggior parte dei casi costruita su cliché primitivi? Dopotutto, tali restrizioni di genere o stilistiche porteranno inevitabilmente a una diminuzione del livello di cultura musicale degli studenti.

Processi attivi di modernizzazione dell'educazione giovanile sono in corso nelle istituzioni educative in molte regioni della Russia. Nel prossimo futuro, gli strumenti musicali elettronici e la produzione musicale occuperanno un posto fisso non solo nell'educazione musicale primaria di massa, ma anche nella moderna formazione professionale in particolare, i suoi quadri intermedi.

Negli ultimi anni, la musica e le tecnologie informatiche sono diventate molto attraenti per un numero enorme di amanti della musica che, sfortunatamente, non hanno un'istruzione sufficiente per impegnarsi professionalmente nella creatività musicale, ma hanno il desiderio di comporre, sperimentare suoni e dedicare tutto il loro tempo libero per fare musica. Queste sono aspirazioni veramente nobili. Tra questi dilettanti ci sono molte persone con professioni tecniche: ingegneri, specialisti nel campo dell'informatica, dell'acustica, della registrazione del suono, della tecnologia informatica. Un numero di moderno programmi per computer creare e arrangiare musica, infatti, è progettato per il fatto che i loro utenti non hanno un'educazione musicale professionale. Per la maggior parte questi programmi sono incentrati sui generi moderni di canto e danza nelle culture di massa europee e latinoamericane.

Naturalmente, quando una composizione nasce da un insieme di campioni grezzi o elementi ritmico-tessili di determinati schemi di genere, questo tipo di "creatività" non può che essere una sorta di stadio intermedio sulla strada per comprendere le basi della vera arte. Ma anche qui persona creativaè in grado di superare i cliché, estrarre per sé leggi definite in modo intuitivo o significativo, regole di tecnologie compositive, in modo che, di conseguenza, un amante della musica possa trovare le proprie tecniche creative.

Lavorare in programmi sequencer come Cakewalk, Cubase, Ableton Live, FL offre molto più spazio all'immaginazione del compositore. studio. Le versioni successive di questi prodotti software, progettati per potenti computer ad alta velocità, integrano varie funzioni di sequencer MIDI, studi audio digitali multitraccia e sintetizzatori virtuali.

Per i musicisti, questi programmi sono difficili a causa della molteplicità e dei "trucchi" delle loro opzioni; dagli amanti della musica, al contrario, esigono un'educazione musicale professionale incondizionata.

È ovvio che il problema di spostare l'uno verso l'altro due vettori di tecnologie educative nella musica è stato messo all'ordine del giorno: insegnare ai musicisti tutte le complessità della programmazione informatica della moderna "tela" sonora e insegnare agli specialisti nel campo della tecnologie informatiche e informatiche, sound design per comprendere con competenza le leggi della creatività musicale. Un discorso serio a parte meritano le questioni dell'insegnamento della musica nelle scuole secondarie. È noto con quale avida curiosità gli adolescenti (soprattutto i ragazzi) siano attratti dalle innovazioni tecniche, con quale gioia siano guidati dalla vista delle apparecchiature radio sul palco (microfoni, console per telecamere e altoparlanti), i ritmi orecchiabili di musica ad alto volume musica dance, Da un lato. Ma, d'altra parte, quanto è difficile insegnare loro a questa età la comprensione dei capolavori dei classici eterni e il rispetto per i musicisti veramente grandi.

Forse la presenza di un computer musicale nell'aula di una scuola comprensiva, un insegnante di canto intraprendente che possiede un computer del genere liberamente come una tastiera di pianoforte. In grado di affascinare la sua classe varie forme lavorare con repertorio musicale grazie alla tecnologia informatica, tutto questo trasformerà le lezioni di musica.

Per introdurre le tecnologie informatiche nel processo di educazione musicale, un insegnante di musica ha bisogno dei seguenti mezzi tecnici: un proiettore multimediale o una lavagna interattiva e tutti i tipi di programmi musicali, un computer, un sintetizzatore. Strumento-sintetizzatore con possibilità elettroniche illimitate. Secondo P.L. Zhivakin, ha un grande futuro. Nota giustamente: "Negli ultimi anni, le tecnologie informatiche e di comunicazione hanno sempre più influenzato la sfera della cultura e in particolare della musica. Un tempo, il pianoforte ha rivoluzionato l'educazione musicale. Verrà il giorno in cui il sintetizzatore svolgerà un ruolo simile".

Ad esempio, un tipo necessario di attività musicale nelle lezioni di musica tradizionale era e rimane l'ascolto, che implica la familiarità con le opere dei compositori. epoche diverse e popoli. L'insegnante, scelto un brano musicale, può utilizzare il metodo del confronto, che consiste nell'eseguire il brano al pianoforte, poi al sintetizzatore e nell'ascoltare lo stesso brano nella versione elettronica degli arrangiatori. Gli studenti, avendo percepito lo stesso lavoro in diverse esibizioni, possono fare analisi comparativa, evidenziare gli aspetti positivi e i vantaggi di ogni strumento.

Un'attività importante nelle lezioni di musica è canto corale. In questo caso, si assume l'uso dell'accompagnamento del sintetizzatore o del programma Karaoke. Dopo aver registrato la "base musicale" del brano, l'insegnante potrà rivolgere tutta la sua attenzione al lavoro con il coro dei bambini. Il karaoke può adattarsi perfettamente lavoro extrascolastico. Tali arrangiamenti saranno uno sfondo eccellente per giochi musicali e ritmici, ecc. L'insegnante stesso può inventare molte tecniche e metodi per usare il karaoke nel suo lavoro sull'educazione musicale dei bambini.

La comparsa di programmi educativi per computer, giochi, domande e risposte di giochi, cruciverba multimediali consente di studiare la notazione musicale e acquisire conoscenze elementari sulla musica.

IN lezioni di musica dove si tengono lezioni di musica è necessario installare un proiettore multimediale o una lavagna interattiva. Queste tecnologie arricchiranno il processo musicale delle lezioni con eventi luminosi e interessanti nell'arte della musica e il materiale dimostrato sarà assorbito più profondamente dagli studenti.

Infine, nell'educazione musicale professionale, se teniamo presente la difficoltà di familiarizzare un musicista di talento con le complessità della moderna tecnologia informatica, allora dovrebbe probabilmente iniziare in una fase precedente, anche in una scuola di musica o in un college. Ma qui è importante che l'insegnante mostri il senso delle proporzioni in modo che il principio tecnico non venga soppresso giovane musicista artista-creatore con un orecchio sottile e ben educato per la musica.

Il computer musicale apre le più ampie possibilità nello sviluppo creativo dello spazio della musica, sia a livello arte professionale e creatività amatoriale.

Tecnologia informatica musicale creata in modo evolutivo nuovo periodo riproduzione tecnica di prodotti musicali: nella notazione musicale, nei generi di musica applicata, nei supporti di registrazione, nelle capacità di qualità delle apparecchiature di riproduzione del suono, nelle attività teatrali e concertistiche, nel sound design e nella trasmissione musicale (anche su Internet).

Una delle principali tendenze nel campo della pedagogia musicale del 21° secolo è quella di familiarizzare gli studenti con l'informazione e le tecnologie informatiche. Il loro sviluppo è necessario:

Primo, per la formazione professionale di compositori ed esecutori;

In secondo luogo, per l'utilizzo come fonte di materiale educativo ausiliario (riferimento, formazione, editing, registrazione del suono, riproduzione del suono, ecc.).

I metodi scoperti nella musica elettroacustica formano una nuova tecnica compositiva. I moderni requisiti professionali per un compositore richiedono conoscenze nel campo dell'acustica, dell'elettroacustica, della registrazione del suono. Per i futuri compositori è importante studiare software, metodi di sintesi del suono, linguaggio di programmazione del suono. È necessario familiarizzarlo con i metodi per controllare i singoli parametri dei suoni, modellare la risonanza e la coscienza degli strati strutturati. Le tecnologie informatiche consentono inoltre al compositore di svolgere lavori tecnici: realizzare un collage sonoro, "ridurre" diversi frammenti, modificare il materiale registrato.

I conservatori hanno già accumulato una certa esperienza nell'insegnamento agli studenti delle discipline accademiche di specialità "composizione" della direzione corrispondente. In un certo numero di università (Mosca, San Pietroburgo), le tecnologie elettroniche in relazione alla creatività musicale sono studiate facoltativamente e come materia del curriculum - nel Conservatorio degli Urali (corso "Musica elettronica e informatica"). Lavoro pratico studenti, così come compositori di Ekaterinburg (T. Komarova, V. Galaktionov, O. Payberdin, ecc.), si svolge nello studio di musica elettroacustica. Qui, sulla base di sistemi informatici, vengono sviluppati "dizionari" sonori, vengono create composizioni musicali con il coinvolgimento di effetti speciali di luce e fiori, sequenze di film e video, pantomima dell'attore. (T. Komarova. "Riflessioni autunnali" per voce e strumenti elettronici; "Reflections", "Sensations" per sintetizzatori e computer. O. Payberdin. "Civilization" per sintetizzatore e computer).

I programmi per computer sono applicabili nell'insegnamento a suonare gli strumenti, nello sviluppo orecchio musicale, nella conduzione dell'ascolto di opere musicali, nella selezione delle melodie, nell'arrangiamento, improvvisazione, battitura e montaggio di testi musicali.

Il computer consente inoltre di apprendere brani con una "orchestra", svolgere le funzioni di "simulatore" nella direzione (utilizzando apparecchiature televisive), condurre analisi musicali e uditive di melodie nel corso della storia della musica. Per molte discipline il computer è una fonte indispensabile di informazioni bibliografiche ed enciclopediche. Infine, il computer è ampiamente utilizzato come mezzo di battitura musicale di un brano musicale.

L'uso della tecnologia informatica è focalizzato sulla natura individuale del lavoro, che generalmente corrisponde alle peculiarità delle lezioni di musica. Un personal computer consente di regolare la modalità individuale del lavoro del musicista in base al suo tempo-ritmo, nonché alla quantità di lavoro svolto. E, nonostante non tutti i problemi metodologici siano stati ancora risolti, vari manuali metodologici sono pubblicati in diversi sistemi di notazione musicale, e non tutte le istituzioni educative del paese tengono lezioni sul sintetizzatore e sul computer musicale, strumenti musicali elettronici in processo educativo dimostrare il loro diritto all'indipendenza.

Sviluppo metodologico "L'uso della musica e delle tecnologie informatiche nelle attività di un direttore musicale"

Nel moderno Istituto d'Istruzioneè necessario un insegnante che abbia tutte le capacità di una moderna "tela" sonora del computer. Un direttore musicale esperto di informatica allo stesso modo di una tastiera di pianoforte è in grado di affascinare i bambini con varie forme di lavoro con il repertorio musicale, non solo grazie alle loro capacità vocali, conoscenze accademiche, ma anche alla tecnologia informatica. Ovviamente, il principio tecnico non deve sopprimere né l'insegnante né l'allievo dell'artista-creatore con un orecchio delicato per la musica e un'immaginazione incontrollabile.
Non tutti gli insegnanti che utilizzano strumenti multimediali già pronti nella sua pratica sono soddisfatti della loro qualità, costruzione, gestione, livello di contenuto, ecc. Il processo educativo è altamente individuale, richiedendo un approccio differenziato, a seconda un largo numero variabili.
Pertanto, un insegnante di scuola materna, un direttore musicale, che pensa in modo abbastanza libero e creativo, dovrebbe essere in grado di preparare autonomamente materiale multimediale per lezioni, vacanze, ecc.
Insieme agli strumenti musicali tradizionali su cui si concentra l'educazione musicale, si stanno diffondendo sempre più le tecnologie computer-musicali (MCT) con un'ampia gamma di possibilità. Il computer musicale sta diventando indispensabile nelle attività di un compositore, arrangiatore, designer musicale, editor musicale, ed è sempre più utilizzato in attività didattiche. Queste tecnologie aprono nuove opportunità per la sperimentazione creativa, ampliando gli orizzonti musicali, il thesaurus artistico degli studenti, e questo rende particolarmente rilevante imparare a padroneggiarle.
Le nuove tecnologie informatiche focalizzate sulla moderna educazione musicale creano le condizioni per la formazione di una figura musicale che, oltre alle discipline musicali tradizionali, possiede un computer musicale come nuovo strumento musicale.
I più importanti ambiti di applicazione e sviluppo delle ICT oggi sono:
MCT nell'educazione musicale professionale (come mezzo per espandere le possibilità creative);
ICT nell'istruzione generale (come uno dei mezzi di istruzione);
ICT come mezzo di riabilitazione delle persone con disabilità;
ICT come sezione della disciplina "Informatica", "Informatica";
MCT come nuova direzione nella formazione di specialisti tecnici, associata, in particolare, alla modellazione di elementi di creatività musicale, programmazione timbrica del suono, che porta all'emergere di nuove specialità tecniche creative.

Uso di MCT nell'educazione musicale organizzazione prescolare risolve i seguenti compiti:
1. Intensificare in modo significativo lo sviluppo dell'orecchio musicale e del pensiero, dovuto alle loro capacità di apprendimento intensivo basate sull'integrazione di forme di attività logico-percettive. La comprensione degli elementi del linguaggio musicale avviene con l'aiuto di sensazioni e rappresentazioni visive, che completano le possibilità della comunicazione verbale. Le forme non creative del lavoro dell'insegnante vengono trasferite al computer, il che rende possibile la dimostrazione
2. possibilità espressive di armonia (principalmente logica costruttiva), osservare gli schemi della morfologia e della sintassi musicale, semplifica l'acquisizione di capacità di orientamento nel piano intonazione-semantico, ascoltando e comprendendo il piano contenuto-figurativo, contribuisce alla convergenza del materiale educativo con la pratica artistica, e infine arricchisce il timbro l'udito degli alunni, le loro idee sulla qualità colorata e multidimensionale del suono;
3. I programmi di formazione musicale possono essere ampiamente utilizzati in quei casi in cui è necessario un ripristino intensivo delle abilità dopo una lunga interruzione dell'allenamento o quando è necessario formare abilità musicali speciali in modo rapido e deciso.

UTILIZZO DI PROGRAMMI MULTIMEDIALI NEL PROCESSO DIDATTICO

Durante la creazione programma multimedialeè necessario immaginare chiaramente per chi e per cosa è stato creato. Il contenuto delle diapositive informative può essere compilato su qualsiasi argomento curriculum soggetto, o essere di natura evolutiva per lezione e / o attività extracurriculari.
Un programma multimediale è una combinazione di dinamiche con quantità ragionevoli di informazioni trasmesse. Si tratta di una sintesi di tecnologie informatiche che combina suoni, videoclip, informazioni, immagini fisse e in movimento. A differenza dei film video, hanno bisogno di una quantità di informazioni molto minore per essere trasmessi.
La creazione di programmi multimediali, progetti di telecomunicazioni comporta lo sviluppo di una sceneggiatura, concept, regia, montaggio, montaggio, sound design (se necessario).
Per creare un programma multimediale, prima di tutto, viene sviluppato uno script e viene determinata la sequenza di presentazione del materiale, tenendo conto della percentuale di utilizzo del testo, della gamma visiva e sonora. È abbastanza ovvio che non è pratico creare un programma multimediale che includa solo informazioni testuali. Tale materiale può essere preparato all'interno del programma Microsoft Word. Durante la ricerca di informazioni, è possibile utilizzare collegamenti a raccolte di siti educativi, siti con una selezione di immagini.
Quando si seleziona il materiale per un programma multimediale, è necessario ricordarlo noi stiamo parlando sulla creazione di tali informazioni che fluiranno e cresceranno in modo dinamico man mano che lo studente progredisce nel materiale proposto. Questo è particolarmente importante quando formazione individuale, quando l'utente può fermarsi, annotare la cosa principale per lui, tornare indietro per chiarire i concetti e andare avanti (tali opzioni sono fornite).
Va ricordato che il materiale presentato è una capiente presentazione del materiale accumulato, dove la presentazione testuale è spesso sostituita da simboli, tabelle, diagrammi, disegni, fotografie, riproduzioni.
Video e audio selezionati per il tuo programma.
Tutto ciò fornisce all'utente il massimo condizioni confortevoli per capire il materiale. Gli elementi multimediali creano ulteriori strutture psicologiche che contribuiscono alla percezione e alla memorizzazione del materiale.
Vantaggi delle lezioni di musica utilizzando presentazioni multimediali in powerpoint:
- fa l'uso di momenti di animazione e sorpresa processo cognitivo interessante ed espressivo;
- i bambini ricevono l'approvazione non solo dall'insegnante, ma anche dal computer sotto forma di immagini-premi, accompagnate da sound design;
- una combinazione armoniosa di mezzi tradizionali con l'uso di presentazioni nel programma Power Point può aumentare significativamente la motivazione dei bambini allo studio.

Progettare classi utilizzando tecnologie multimediali è una direzione completamente nuova nelle attività di un insegnante, ed è qui che puoi applicare tutta l'esperienza, le conoscenze e le abilità accumulate, creatività. Le lezioni tenute nelle scuole che utilizzano pubblicazioni educative elettroniche saranno ricordate dai bambini per molto tempo. Allo stesso tempo, ovviamente, il ruolo dell'insegnante, che non può essere sostituito da nessun computer, rimane il più importante nell'educazione del gusto musicale.
Riassumendo tutto quanto sopra, possiamo concludere che la creazione e l'uso di scenari di lezioni multimediali è una delle aree promettenti per l'uso delle tecnologie dell'informazione e della comunicazione nelle scuole. Tuttavia, è necessario non dimenticare la natura scientifica, l'opportunità, la logica della presentazione delle informazioni multimediali.

Giochi educativi interattivi con trigger

Cos'è un trigger? Un trigger è uno strumento di animazione che consente di impostare un'azione sull'elemento selezionato, l'animazione si avvia al clic.
È l'uso di trigger nei giochi di presentazione educativi che li rende interattivi.
Considera l'algoritmo per la registrazione del tempo di animazione utilizzando un trigger.
1. Selezioneremo immagini necessarie e prendere in considerazione eventuali domande. È meglio rinominare i nomi delle immagini in quelli convenienti prima di inserirli nella presentazione. L'oggetto dell'animazione e dei trigger può essere sia immagini che oggetti di testo con i quali, secondo il piano, si svolgerà l'azione.
2. Sulla diapositiva, posizionare gli oggetti a cui verranno applicati l'animazione e il trigger. Pensa al contenuto dell'uso dell'animazione, ad esempio:
Selezione: Ruota o Ridimensiona;
Percorsi di viaggio: Direzione di viaggio o Disegna percorso personalizzato. (Fig. 1)
Importante: Non prendere l'animazione Entrata

3. Associare l'effetto di animazione all'oggetto in modo che inizi sulla diapositiva al clic. Vogliamo che l'oggetto scompaia quando si fa clic su risposte errate, ad esempio, e quando si fa clic sulla risposta corretta, aumenterà con un segnale acustico. Per fare ciò, selezionare l'oggetto o "fare clic" sulla freccia accanto all'effetto nel riquadro delle attività (rettangolo cerchiato) per aprire il menu a discesa e selezionare il comando Tempo (Fig. 2).

Nella finestra aperta, attiva il pulsante Interruttori, è responsabile del funzionamento del grilletto. Seleziona: avvia l'effetto al clic. Attenzione! Selezionare dall'elenco a destra necessario un elemento dalle opzioni proposte per gli effetti di animazione creati da noi. (Fig.3).
Dopo questa azione, vedremo la parola "trigger" sopra l'oggetto nell'area attività Impostazioni animazione (Fig. 4). Il trigger è stato creato.

Quando si mostra una presentazione, il cursore a freccia sull'oggetto con il grilletto si trasforma in un cursore palmare.
4. Ripeti tutte le azioni con gli oggetti rimanenti.
5. Puoi controllare tu stesso nelle impostazioni di animazione: ogni oggetto con lo stesso nome ha un'animazione, un trigger e un file musicale (se presente).
6. Ora impostiamo gli oggetti per l'aspetto del suono. Attenzione! Il file audio deve essere piccolo! Inserire un suono (applausi, ecc.) tramite il menu Inserisci - Suono - selezionare il file desiderato (da un file, dall'organizzatore di clip, propria registrazione) e riprodurre il suono al clic (Fig. 5).

Trascina il suono sull'oggetto desiderato. Impostiamo l'icona del microfono in modalità invisibile (Fig. 2) (Parametri effetti - Parametri suoni - Nascondere l'icona durante lo spettacolo, impostare V).
7. Regolare il suono: selezionare l'oggetto "suono" o "fare clic" sulla freccia accanto al suono nell'area di animazione (rettangolo cerchiato) per aprire il menu a discesa e selezionare il comando Tempo (Fig. 2).
8. Attenzione! (Fig.6)

Inizio - Dopo il precedente.
Avvia l'effetto al clic: trova l'oggetto con cui suonerà la musica.
9. Aggiungi un pulsante per passare alla diapositiva successiva. Selezioniamo nel menu Inserisci - Forme - Pulsanti di controllo (Fig. 7). Disegniamo sotto (il cursore è diventato +) la figura selezionata. Si apre la finestra Impostazioni azione.

10. Eseguire le Impostazioni azione (Fig. 8): Al clic del mouse - Seguire il collegamento ipertestuale - Selezionare la diapositiva a cui andare nella finestra che si apre - OK.
11. Quando viene mostrata la presentazione, il cursore a freccia sul pulsante di controllo si trasforma in un cursore palmare, proprio come sull'oggetto con un trigger.
L'applicazione di trigger non è sempre conveniente, ad esempio, per oggetti WordArt. In essi è attiva solo la superficie delle lettere ed è difficile accedervi con il cursore. In tali casi, viene utilizzato il metodo dei trigger trasparenti, quando il trigger non è assegnato all'oggetto stesso, ma a figura trasparente applicato a questo oggetto.
1. Menu Inserisci - Forme - selezionare, ad esempio, un rettangolo e disegnarlo sull'oggetto WordArt. Selezionalo, fai clic destro e seleziona la riga "Formato forma": Riempimento - Colore bianco, trasparenza 100%; Colore della linea: nessuna linea.
2. Applichiamo l'animazione all'oggetto WordArt e in esso - un trigger per l'oggetto. La superficie del rettangolo è attiva, il che significa che è più facile colpirla con il cursore.
Per alcuni giochi, è conveniente utilizzare trigger mobili, ad esempio "sparare" a un bersaglio in movimento, "Bubble Pop", ecc.
- Gli oggetti iniziano a muoversi automaticamente quando si cambia diapositiva: Animazione Percorsi di movimento - Inizio del primo oggetto Al clic, quelli successivi - Con il precedente.
- Aggiungi animazione agli oggetti. La velocità del movimento dell'oggetto in Animazione è impostata (Fig.3) nella scheda Tempo.
- Per evitare transizioni di diapositiva involontarie quando si fa clic accidentalmente oltre durante il gioco, deselezionare il cambio di diapositiva "Al clic" e impostare un pulsante di controllo o un oggetto con un collegamento ipertestuale alla diapositiva successiva.

Un collegamento ipertestuale è un oggetto evidenziato (testo o immagine) che è collegato a un altro documento o posizione all'interno di tale documento e risponde a un clic del mouse.
Innanzitutto, creiamo il numero richiesto di diapositive: consigliamo di utilizzare temi o layout "Solo titolo" o "Diapositiva vuota".
Per creare un livello di un gioco interattivo, abbiamo bisogno di tre diapositive (una - con un'attività; la seconda - con il valore di una risposta errata e ritorno alla diapositiva con l'attività; la terza - con il valore della risposta corretta e passare al livello successivo) (Fig. 9).

Sulla diapositiva con l'attività posizioniamo gli oggetti che collegheremo con un collegamento ipertestuale ad un'altra diapositiva (posiziona nel documento)
Seleziona l'oggetto, vai nella scheda "Inserisci", seleziona il comando "Collegamento ipertestuale" (Fig. 10)

Nella finestra che appare (Fig. 11), nel campo "Collega a", seleziona "Inserisci nel documento". Nel campo "Seleziona una posizione nel documento", fai clic su "Titolo diapositiva", trova la diapositiva che desideri utilizzare come destinazione del collegamento ipertestuale (puoi vederla nella finestra "Visualizza diapositiva"). Fare clic su "OK".

Se è necessario rimuovere un collegamento ipertestuale, nella stessa finestra (Fig. 11) è presente un pulsante "Elimina collegamento ipertestuale", fare clic su "OK".
Colleghiamo ogni oggetto sulla diapositiva con l'attività con un collegamento ipertestuale alla diapositiva che è necessario nel significato.
Per tornare alla diapositiva con l'attività o passare al livello successivo del gioco, puoi creare un collegamento ipertestuale di testo, come in Fig. 9, oppure puoi utilizzare i pulsanti di controllo. Selezionare il menu Inserisci - Forme - Pulsanti di controllo (Fig. 12).

Disegniamo sotto (il cursore è diventato +) la figura selezionata. Si apre la finestra Impostazioni azione. Eseguiamo le Impostazioni Azione (Fig. 13): Cliccando con il mouse - Vai al collegamento ipertestuale - Seleziona la diapositiva a cui andare nella finestra che si apre (consigliamo SLIDE) - si aprirà una finestra dove potrai vedere la diapositiva che stanno per - OK.

Possiamo trascinare il pulsante di controllo in qualsiasi punto della diapositiva, ridurne o aumentarne le dimensioni, utilizzare gli strumenti di disegno per modificare il colore, riempire, scrivere testo, ecc.
Creiamo il numero di livelli di gioco di cui abbiamo bisogno in modo simile e possiamo iniziare il gioco. Inoltre, puoi allegare file audio.

REGISTRAZIONE E TAGLIO AUDIO

Puoi registrare e modificare un file audio in uno studio professionale con programmi speciali oppure puoi utilizzare strumenti improvvisati: programmi e utilità standard del sistema operativo Windows. Oltre a questo, abbiamo bisogno di file già pronti con diverse risoluzioni, un microfono per la registrazione vocale e alcune abilità.

registrazione sonora

È possibile registrare un piccolo file audio utilizzando il programma Sound Recorder, che è un programma di sistema di Windows progettato per registrare, mixare, riprodurre e modificare le registrazioni audio. Inoltre, il programma Sound Recorder consente di collegare i suoni a un altro documento o di inserirli al suo interno. Sorgente sonora: microfono, unità CD-ROM o dispositivo esterno.
Apri il programma: Menu Start - Tutti i programmi - Accessori - Intrattenimento - Registratore di suoni. Per registrare l'audio, seleziona il comando Nuovo dal menu File. Per avviare la registrazione, fai clic sul pulsante Registra. Per interrompere la registrazione, fare clic sul pulsante Stop. Otteniamo un file con risoluzione WAV, la durata del suono non supera i 60 secondi.

Per montare diversi file audio in uno o incollare un file in un altro, scegli File - Apri. Trova il file che desideri modificare, sposta il dispositivo di scorrimento nella posizione in cui desideri incollare l'altro file. Nel menu Modifica scegliere Inserisci file e fare doppio clic sul file che si desidera aprire. La durata del suono può essere aumentata in questo modo.
Il file può essere riprodotto in ordine inverso, per questo entriamo nel menu Effetti - Inverti e facciamo clic sul pulsante Riproduci, nel menu Effetti, cambiamo il file - il comando Aggiungi eco.
Puoi sovrascrivere un file musicale utilizzando un lettore karaoke. Il file KAR o midi viene regolato al tempo e alla chiave desiderati, quindi attivare la riproduzione dell'intero file o del suo frammento sul lettore e allo stesso tempo registrare nel programma Sound Recorder. Otteniamo l'output e salviamo il file con risoluzione WAV.

Windows Movie Maker

Un'altra opzione per registrare e modificare file (audio e video) utilizzando Windows Movie Maker.

L'audio registrato con un microfono viene salvato come file audio in formato Windows Media con estensione .wma. Per impostazione predefinita, il file del promemoria audio viene salvato nella cartella "Commenti" all'interno della cartella "I miei video" sul disco rigido. Il programma consente di aggiungere effetti sonori: il volume del suono aumenta gradualmente fino al livello di riproduzione finale o diminuisce gradualmente fino a quando il suono scompare completamente.
Per modificare il suono, apri il file tramite Registra video - Importa suono o musica, nel campo centrale apparirà una nota, che trasciniamo nella timeline sottostante.
A destra nella finestra, attiva Riproduci, usa il pulsante Dividi clip in parti (Fig. 3) durante l'ascolto. I frammenti non necessari rimuovono Del sulla tastiera, estraggono i frammenti rimanenti e finiscono con un pot-pourri, che poi salviamo sul computer nel formato Windows Media Audio File.

La stessa cosa accade con un file video, solo tramite Importa video.

Taglia file mp3 online

La tua attenzione è presentata al taglio online della musica su Internet. (http://mp3cut.foxcom.su/) . In passato, abbiamo cercato sofisticati programmi di editing di file audio. Con il servizio gratuito del sito mp3cut.ru, il taglio è diventato più facile, veloce e conveniente (Fig. 4).

Passo 1. Fai clic sul pulsante "Scarica mp3", seleziona il file richiesto dal tuo computer e attendi che venga caricato. Non appena il file diventa modificabile, la traccia verrà colorata colore rosa e il pulsante di riproduzione diventerà rosso.
Passo 2.Ora puoi tagliare il file mp3. I corridori-forbici espongono il segmento desiderato della composizione.
Passaggio 3. Fare clic sul pulsante "Ritaglia", il download inizierà immediatamente.

Caratteristiche del programma online per il taglio della musica

Music cutter supporta la maggior parte dei formati audio: mp3, wav, wma, flac, ogg, aac, ac3, ra, gsm, al, ul, voc, vox, che consente di utilizzare il servizio online come convertitore di file audio in mp3: wav in mp3, wma in mp3, ogg in mp3, flac in mp3, ecc.
La presenza della funzione di amplificazione/attenuazione del suono all'inizio e alla fine del segmento selezionato. Grazie a questa opzione, puoi creare tu stesso una suoneria che non ti spaventerà con un inizio improvviso o una fine improvvisa alla fine.
Raddoppia il volume del taglio. La funzione consente di aumentare il volume del taglio, spesso necessario, soprattutto durante la creazione di una suoneria.
La durata del taglio non ha limiti. E il segmento è selezionato esattamente ai millisecondi. Utilizzando la tastiera (frecce sinistra/destra), è possibile impostare in modo molto preciso l'inizio e la fine del segmento musicale.
Possibilità di ritaglio multiplo di un file audio senza download aggiuntivo. quelli. da una canzone, melodia, composizione musicaleÈ possibile creare più suonerie.
La dimensione del file è quasi illimitata

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Sembrerebbe che non siano passati tanti anni da quando i primi computer, che occupavano intere stanze e allo stesso tempo non erano assolutamente destinati alla scrittura di musica, si trasformarono in piccoli personal computer, unendo le capacità di lavorare non solo con i calcoli , ma anche con grafica, video, audio e altro ancora. In un contesto di crescita in tutte le aree di attività, sembra assolutamente logico introdurre un computer nel processo educativo, non solo in quanto tale, ma anche come ausilio all'apprendimento.

Facciamo una breve digressione nella storia dei primi tentativi di coniugare macchine senz'anima con l'arte.

Molto tempo fa, dai tempi di Pitagora, e forse anche prima, i matematici prestarono attenzione al lato formale dell'organizzazione della musica: le scale di tempo e frequenza. Tuttavia, i meccanismi che riproducono la musica secondo il programma sono apparsi prima dei meccanismi del calcolatore, quindi ci azzarderemo a chiamare i musicisti i primissimi programmatori. Tuttavia, nel patrimonio scritto delle culture antiche, forse, notazione musicale come descrizione di un processo temporaneo, più vicino ai testi dei programmi. Ci sono blocchi, condizioni, loop ed etichette in entrambe le forme, ma non tutti i programmatori e musicisti sono a conoscenza di questi parallelismi. Ma se li ricordi, non puoi più sorprenderti che, creando i primissimi computer, gli ingegneri li abbiano costretti a suonare melodie. È vero, i musicisti non potevano attribuire la musica della macchina alla musica reale, forse perché non conteneva altro che suoni "morti" o un piano. E il suono stesso della macchina, che ai primi passi era un semplice meandro, era estremamente lontano dal suono degli strumenti acustici. Tuttavia, numerosi esperimenti con macchine elettroniche in grado di produrre suoni hanno portato all'emergere di vari modi di scrivere musica, e quindi all'emergere di vari stili e direzioni. Il nuovo suono, insolito e insolito per l'orecchio, divenne un'innovazione nella musica. Molti famosi compositori moderni, ad esempio K. Stockhausen, O. Messiaen, A. Schnittke, nonostante la complessità del lavoro con la tecnologia, hanno creato opere utilizzando nuovi strumenti elettronici o solo su di essi.

La fase successiva nello sviluppo delle tecnologie informatiche musicali è stata la ricerca e lo sviluppo di metodi di sintesi del suono.

Gli ingegneri si sono rivolti all'analisi degli spettri degli strumenti acustici e agli algoritmi per la sintesi dei timbri elettronici. Inizialmente, il calcolo delle vibrazioni sonore veniva eseguito dal processore centrale, ma, di norma, non in tempo reale. Pertanto, sui primi computer, la creazione di un'opera musicale era un processo molto noioso. Era necessario codificare le note e assegnare i timbri, quindi eseguire il programma per calcolare l'onda sonora e attendere qualche ora per ascoltare il risultato. Se un musicista, o meglio un programmatore-operatore, apportava qualche modifica al programma della partitura, doveva di nuovo attendere diverse ore prima dell'ascolto. È chiaro che una tale pratica musicale non poteva essere di massa, ma i ricercatori del fenomeno della musica volevano andare oltre il semplice utilizzo della macchina come un carillon elettronico. Così è nata un'altra direzione - del tutto naturale - nell'uso musicale dei computer: la generazione, la generazione del testo musicale stesso.

Già negli anni '50, utilizzando i primissimi computer, gli scienziati tentarono di sintetizzare la musica: comporre una melodia o arrangiarla con timbri artificiali. È così che è apparsa la musica algoritmica, il cui principio fu proposto nel 1206 da Guido Marzano, e successivamente applicato da W. Mozart per automatizzare la composizione dei minuetti - scrivere musica in base alla perdita di numeri casuali.

Le composizioni algoritmiche sono state create da P. Boulez, J. Xenakis, K. Shannon e altri L'autore della famosa "Illiac Suite" (1957) era, prima di tutto, un computer, e i coautori erano il compositore Leyaren Hiller e il programmatore Leonard Isaacson. Tre parti vicine alla musica stile rigoroso e il quarto utilizza formule matematiche che non hanno nulla a che fare con gli stili musicali. P. Boulez e J. Xenakis hanno creato programmi speciali per le loro opere, ciascuno per una composizione specifica. Il primo lavoro di J. Xenakis, che dimostra il metodo stocastico (o algoritmico). composizione musicale, divenne "Metastasis" (1954) - un'opera in cui J. Xenakis calcolò l'algoritmo, che poi applicò per realizzare il progetto architettonico di Corbusier sotto forma del padiglione Philips all'Esposizione Universale del 1958.

La storia dello sviluppo delle tecnologie informatiche musicali è in gran parte associata a scienziati e ricercatori russi. L. Theremin, E. Murzin, A. Volodin hanno creato mezzi unici di sintesi sonora non "dopo", ma "prima" dei loro colleghi occidentali. A. Tangyan ha lavorato sui problemi del riconoscimento e dell'autonotazione. R. Zaripov, che ha "composto" brani musicali sulla macchina degli Urali, ha dedicato la sua ricerca all'analisi e alla generazione di testi musicali, alla creazione di composizioni algoritmiche. La base di tali algoritmi era un processo dettagliato per vari elementi della trama musicale (forma, ritmo, intonazione, ecc.). Zaripov ha dedotto un intero insieme di regole matematiche per comporre tali melodie. Le "melodie degli Urali", come chiamava queste melodie, erano monofoniche ed erano o un valzer o una marcia.

Inoltre, questi sono solo i nomi di quei ricercatori il cui lavoro è riconosciuto al di fuori della Russia. Tuttavia, ci furono molti altri sviluppi locali. Non l'unica, ma una delle più degne di nota è la prima scheda audio domestica e interfaccia MIDI per il PC Agat-7 (analogo all'Apple II) con il proprio software musicale. Tutto questo risale alla metà degli anni '80. XX secolo, quando IBM-XT era ancora lontana da tutte le università tecniche e l'utente medio non aveva idea dei marchi Sound Blaster (Creative Labs, http://www.creat.com) e Voyetra (Voyetra Technologies, http://www.voyetra.com).

Come in altre aree (ad esempio, nella grafica e nell'animazione), nella tecnologia dei computer musicali sono stati sviluppati due approcci fondamentalmente diversi. Il primo è collegato al controllo del modello parametrico di suono, parte, lavoro, il secondo - con il funzionamento di un analogo di un oggetto reale. Entrambi gli approcci presentano vantaggi e svantaggi e sono in continua evoluzione. Mentre alcuni ingegneri cercavano di ottenere la massima plausibilità nella sintesi dei timbri acustici, altri sviluppavano metodi per operare con il suono reale. Se il primo ha risolto i problemi di ottimizzazione dei parametri di sintesi e controllo delle prestazioni, il secondo ha lavorato sulla compressione e decompressione dei dati, cioè sui problemi onde sonore. Ma i modelli parametrici degli oggetti sono sempre più attraenti per un ingegnere, sono molto più adatti al funzionamento e alla trasformazione. L'intera domanda è quanto accuratamente i modelli descrivono l'oggetto reale, se l'obiettivo è raggiungere la plausibilità. Dalla ricerca nel campo della psicologia della percezione, è noto che le soglie di affidabilità e i meccanismi per il ripristino delle immagini svolgono un ruolo speciale nel processo di riconoscimento del modello. Un non professionista non riuscirà più a distinguere il timbro sintetizzato del pianoforte da quello reale, proprio perché non ha un'alta soglia di attendibilità. Ed è del tutto possibile che il futuro delle tecnologie informatiche musicali risieda nella modellazione parametrica.

Esistente oggi grande quantità programmi / ambienti si basano su tre metodi di base: stocastico, qualche algoritmo fisso e sistemi con intelligenza artificiale.

Il metodo stocastico si basa sulla generazione di serie arbitrarie di suoni o passaggi musicali e può essere presentato sia con che senza computer, come, ad esempio, nell'opera di Stockhausen.

Il metodo algoritmico stesso è un insieme di determinati algoritmi che implementano l'intenzione del compositore. L'algoritmo può essere presentato come una tecnica compositiva o come un modello di generazione del suono. È anche possibile combinare queste due funzioni. Un sistema di programmazione del suono unico è il programma CSound, che è lo strumento principale dei musicisti elettroacustici. Il programma utilizza quasi tutti i tipi di sintesi, inclusi FM, AM, sottrattiva e additiva, modellazione fisica, risintesi, granulare e qualsiasi altro metodo digitale. Molti altri sistemi sono stati creati sulla base di CSound (AC Toolbox, CYBIL, Silence, ecc.). Per un musicista, creare composizioni in un ambiente del genere è alquanto difficile, poiché richiede abilità e conoscenza della programmazione (sebbene gli sviluppatori affermino il contrario). Il compositore scrive i comandi su due file di testo, uno dei quali è responsabile della descrizione del timbro/strumento stesso, il secondo dovrebbe contenere la partitura vera e propria. Ci sono innumerevoli operatori nel programma, quegli elementi costitutivi che compongono lo spazio sonoro che programmiamo.

Un ambiente non meno popolare per la programmazione di strumenti virtuali e la creazione di algoritmi per performance interattive è il programma MAX / MSP sviluppato dall'Istituto di musica elettronica di Parigi (IRCAM). È implementato come un'applicazione software con un'interfaccia utente orientata agli oggetti. Le possibilità di un tale ambiente includono, prima di tutto, la creazione di musica interattiva (durante una performance, un modulo software pre-scritto interagisce con la musica riprodotta tramite un'interfaccia MIDI). È un piacere lavorare in un ambiente del genere, in quanto offre completa libertà di azione, sia al compositore che all'esecutore. Questo programma è ampiamente utilizzato durante i concerti dal vivo: il suono dello stesso brano in diversi concerti sarà diverso, solo l'algoritmo di interazione tra il computer e l'esecutore rimane invariato. Il programma è utilizzato da molti maggiori compositori come Richard Boulanger e Dror Feiler.

Infine, è possibile utilizzare sistemi che sfruttano l'intelligenza artificiale. Anche questi sono sistemi basati su regole, ma la loro caratteristica principale è la capacità di apprendere. L'obiettivo è creare composizioni che abbiano sentimento, sottigliezza e fascino intellettuale. L'algoritmo creato di conseguenza può essere un sistema musicale autonomo, ma creato artificialmente, o basato sull'analisi del lavoro di un compositore. Analizzando questa o quella composizione, un certo insieme di regole compositive, istruzioni per sviluppo tematico, timbro, consistenza. E qui sorge un caso paradossale, da un lato, abbiamo una macchina in grado di produrre un prodotto più o meno vicino allo standard umano, ma, dall'altro, che porta l'impronta della tecnica del compositore. Lo stesso si può dire dei compositori che hanno creato i propri programmi algoritmici. In tali composizioni, le funzioni del compositore e l'effettivo “processo compositivo” del programma sono nettamente separate.

Oggi la macchina non è ancora in grado di superare l'intelligenza umana e trasformare il suo prodotto in arte. Questo o quel sistema non è in grado di generare autonomamente pensieri, sentimenti. Con qualsiasi grado di perfezione, non diventerà mai non solo una compositrice "brillante", ma anche "di talento". Anche una macchina ideale non sarà in grado di acquisire quella cosa sfuggente che distinguerà sempre tra natura animata e inanimata (sebbene portata a un grado ideale di perfezione). Tuttavia, è diventata buon aiuto nelle mani del maestro, il compositore, salvandolo dal perdere un'enorme quantità di tempo in calcoli e costruzioni tecnologiche, che diventano sempre più complicate man mano che si espande la sfera dei mezzi espressivi della musica.

Pertanto, oggi per i musicisti, il computer apre ampie opportunità di ricerca creativa. In un'attività così specifica come l'arte della musica, il computer non è solo un eccellente assistente, ma, in alcuni casi, un consigliere e un insegnante. È possibile enumerare solo alcune delle possibilità del computer musicale: registrazione, editing e stampa di spartiti; registrazione, editing e ulteriore esecuzione di partiture utilizzando schede audio per computer o sintetizzatori esterni collegati tramite interfaccia MIDI; digitalizzazione di suoni, rumori di diversa natura e loro ulteriore elaborazione e trasformazione mediante programmi sequencer; armonizzazione e arrangiamento della melodia finita utilizzando stili musicali selezionati e possibilità di modificarli fino all'invenzione dei propri (stili); comporre melodie su base casuale mediante selezione sequenziale suoni musicali; controllare il suono degli strumenti elettronici inserendo determinati parametri prima dell'inizio della performance; registrazione di parti di strumenti acustici e accompagnamento vocale in formato digitale con successiva memorizzazione ed elaborazione in programmi di sound editor; sintesi software di nuovi suoni utilizzando algoritmi matematici; registrazione di CD audio.

Tutte queste diverse capacità del computer consentono di utilizzarlo sia nel campo dell'educazione musicale che nel campo della creatività professionale di compositori, ingegneri del suono e arrangiatori.