Forme astratte in esempi d'arte. Enciclopedia scolastica. Arte astratta emotiva o intuitiva

10.07.2019

Una delle principali tendenze dell'arte d'avanguardia. Il principio fondamentale dell'arte astratta è il rifiuto di imitare la realtà visibile e di operare con i suoi elementi nel processo di creazione di un'opera. L'oggetto dell'arte invece delle realtà del mondo circostante diventa gli strumenti della creatività artistica: colore, linea, forma. La trama è sostituita da un'idea di plastica. Il ruolo del principio associativo nel processo artistico aumenta molte volte, e diventa anche possibile esprimere i sentimenti e gli stati d'animo del creatore in immagini astratte, ripulite dal guscio esterno, che sono in grado di concentrare il principio spirituale dei fenomeni ed essere i suoi portatori (opere teoriche di V.V. Kandinsky).

Elementi casuali di astrazione possono essere identificati nell'arte mondiale durante tutto il suo sviluppo, a cominciare dalle pitture rupestri. Ma l'origine di questo stile va ricercata nella pittura degli impressionisti, che cercavano di scomporre il colore in elementi separati. Il fauvismo ha sviluppato consapevolmente questa tendenza, "svelando" il colore, sottolineandone l'indipendenza e facendone l'oggetto dell'immagine. Dei fauvisti, Franz Marc e Henri Matisse si sono avvicinati maggiormente all'astrazione (le sue parole sono sintomatiche: "tutta l'arte è astratta"), anche i cubisti francesi (soprattutto Albert Gleizes e Jean Metzinger) e i futuristi italiani (Giacomo Balla e Gino Severini) si sono mossi questo percorso. . Ma nessuno di loro poteva o non voleva superare il confine della figuratività. "Ammettiamo, tuttavia, che qualche richiamo alle forme esistenti non dovrebbe essere completamente bandito, almeno al momento presente" (A. Glaze, J. Metzinger. On Cubism. St. Petersburg, 1913, p. 14).

Le prime opere astratte apparvero tra la fine del 1900 e l'inizio degli anni '10 nell'opera di Kandinsky mentre lavorava al testo "On the Spiritual in Art", e il suo "Picture with a Circle" (1911. NMG) è considerato il primo dipinto astratto. In questo momento, dice:<...>solo quella forma è corretta, quale<...>materializza il contenuto di conseguenza. Ogni sorta di considerazioni secondarie, e tra queste la corrispondenza della forma alla cosiddetta "natura", ad es. natura esterna, sono insignificanti e dannosi, poiché distraggono dall'unico compito della forma: l'incarnazione del contenuto. La forma è un'espressione materiale del contenuto astratto” (Contenuto e forma. 1910 // Kandinsky 2001. Vol. 1. P. 84).

In una fase iniziale, l'arte astratta nella persona di Kandinsky ha assolutizzato il colore. Nello studio del colore, pratico e teorico, Kandinsky sviluppò la dottrina del colore di Johann Wolfgang Goethe e pose le basi per la teoria del colore nella pittura (tra gli artisti russi, M.V. Matyushin, G.G. Klutsis, I.V. Klyun e altri erano impegnati nel colore teoria).

In Russia, nel 1912-1915, furono creati i sistemi di pittura astratta del Luchismo (M.F. Larionov, 1912) e del Suprematismo (K.S. Malevich, 1915), che determinarono in gran parte l'ulteriore evoluzione dell'arte astratta. Il riavvicinamento con l'arte astratta può essere trovato nel cubo-futurismo e nell'alogismo. Una svolta nell'astrazione fu il dipinto "Vuoto" di N.S. Goncharova (1914. Galleria statale Tretyakov), ma questo tema non trovò ulteriore sviluppo nel lavoro dell'artista. Un altro aspetto non realizzato dell'astrazione russa è la pittura a colori di OV Rozanova (vedi: Arte non oggettiva).

Il ceco Frantisek Kupka, i francesi Robert Delaunay e Jacques Villon, l'olandese Piet Mondrian, gli americani Stanton McDonald-Wright e Morgan Russell seguirono negli stessi anni la propria strada verso l'astrazione pittorica. I controrilievi di V.E. Tatlin (1914) furono le prime costruzioni spaziali astratte.

Il rifiuto dell'isomorfismo e l'appello al principio spirituale hanno dato motivo di associare l'arte astratta alla teosofia, all'antroposofia e persino all'occultismo. Ma gli stessi artisti non hanno espresso tali idee nelle prime fasi dello sviluppo dell'arte astratta.

Dopo la prima guerra mondiale, la pittura astratta guadagna gradualmente una posizione dominante in Europa e diventa un'ideologia artistica universale. Questo è un potente movimento artistico, che nelle sue aspirazioni va ben oltre i limiti dei compiti pittorici e plastici e dimostra la capacità di creare sistemi estetici e filosofici e risolvere problemi sociali (ad esempio, la "Città suprematista" di Malevich, basata sui principi di costruzione della vita). Negli anni '20, sulla base della sua ideologia, sorsero istituti di ricerca come il Bauhaus o il Ginhuk. Anche il costruttivismo è nato dall'astrazione.

La versione russa dell'astrazione era chiamata arte non oggettiva.

Molti dei principi e delle tecniche dell'arte astratta che sono diventati classici nel XX secolo sono ampiamente utilizzati nel design, nelle arti teatrali e decorative, nel cinema, nella televisione e nella computer grafica.

Il concetto di arte astratta è cambiato nel tempo. Fino agli anni '10, questo termine era usato in relazione alla pittura, dove le forme erano rappresentate in modo generalizzato e semplificato, ad es. "astratto", rispetto a una rappresentazione più dettagliata o naturalistica. In questo senso, il termine veniva applicato principalmente all'arte decorativa o alle composizioni appiattite.

Ma dal 1910, "astratto" si riferisce a opere in cui la forma o la composizione è rappresentata da un'angolazione tale che il soggetto originale cambia quasi al di là del riconoscimento. Molto spesso, questo termine denota uno stile artistico basato esclusivamente sulla disposizione di elementi visivi: forme, colori, strutture e non è affatto necessario che abbiano un'immagine iniziale nel mondo materiale.

Il concetto di significato nell'arte astratta (in entrambe le sue accezioni, precedente e successiva) è una questione complessa e costantemente dibattuta. Le forme astratte possono anche riferirsi a fenomeni non visivi, come l'amore, la velocità o le leggi della fisica, associandosi a un'entità derivata ("essenzialismo"), con un modo immaginario o altro di separarsi dal dettagliato, dettagliato e non- essenziale, casuale. Nonostante l'assenza di un soggetto rappresentativo, un'enorme espressione può accumularsi in un'opera astratta, ed elementi semanticamente pieni, come il ritmo, la ripetizione e il simbolismo del colore, indicano il coinvolgimento in idee o eventi specifici al di fuori dell'immagine stessa.

Letteratura:
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M.Schapiro. Natura dell'arte astratta (1937) // M.Schapiro. Arte Moderna. Carte selezionate. Nuova York, 1978;
Verso una nuova arte: saggi sullo sfondo della pittura astratta 1910-1920. ed. M. Compton. Londra, 1980;
Lo spirituale nell'arte. Pittura astratta 1890–1985. Museo delle arti della contea di Los Angeles. 1986/1987;
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Astrazione in Russia. XX secolo. T. 1–2. Timing [Catalogo] San Pietroburgo, 2001;
Non oggettività e astrazione. Sab. articoli. Rappresentante. ed. GF Kovalenko. M., 2011.;

Astrattismo (dal latino abstractus - remoto, astratto)- una tendenza molto ampia nell'arte del XX secolo, sorta all'inizio degli anni '10 in diversi paesi europei. L'astrattismo è caratterizzato dall'uso di elementi esclusivamente formali per visualizzare la realtà, dove l'imitazione o una visualizzazione accurata della realtà non era fine a se stessa.

Il termine astrattismo deriva dal latino abstraho - allontanare, distrarre. È generalmente accettato che questa sia una direzione, o anche uno stile; l'astrattismo è qualcosa di completamente diverso e coloro che interpretano questo concetto in questo modo si sbagliano involontariamente. Astrattismo, artisti e teorici dell'arte intendono come un modo di comprendere la realtà per mezzo dell'arte, a condizione che la realtà stessa sia completamente astratta dalla forma degli oggetti visibili. Oltre all'arte figurativa (oggettiva), l'astrattismo si scompone in molti stili e tendenze: astrazione geometrica, lirica, gestuale, analitica e correnti più particolari: suprematismo, aranformel, nuazismo, tachismo, ecc. In realtà la ricerca degli artisti di tutti i tempi è sempre stata e sarà limitata solo a queste due ipotesi: arte figurativa e arte astratta. Il terzo, come si suol dire, non è dato.

I fondatori dell'arte astratta sono gli artisti russi Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich, l'olandese Piet Mondrian, il francese Robert Delaunay e il ceco Frantisek Kupka. Il loro metodo di disegno si basava sul desiderio di "armonizzazione", la creazione di determinate combinazioni di colori e forme geometriche per evocare varie associazioni nel contemplatore.

Nell'astrattismo si possono distinguere due direzioni chiare: l'astrazione geometrica, basata principalmente su configurazioni chiaramente definite (Malevich, Mondrian), e l'astrazione lirica, in cui la composizione è organizzata da forme che fluiscono liberamente (Kandinsky). Anche nell'astrattismo ci sono molte altre importanti tendenze indipendenti.

All'inizio degli anni '50, il famoso impressionista A. Matisse si dedicò per la prima volta alla pittura astratta. E nel 1950, a Parigi, gli artisti J. Devan ed E. Pilet aprirono un laboratorio dove iniziarono a insegnare ai giovani pittori come sbarazzarsi della visione realistica, creare quadri astratti usando esclusivamente mezzi pittorici e usare non più di tre toni nel composizione, come nell'arte astratta, secondo loro, la forma determina più spesso il colore. Devan e Pilet credevano che la condizione principale per creare un buon dipinto astratto fosse scegliere i colori più accurati. Il dipinto astratto di Dewan The Apotheosis of Marat (1951) è stato acclamato dalla critica con grande entusiasmo. Hanno scritto del dipinto che questo non è solo un ritratto intellettuale della famosa figura rivoluzionaria, ma anche "una celebrazione del colore puro, un gioco dinamico di curve e linee rette", "questa cosa è la prova che l'astrazione esprime non solo valori spirituali , ma anche arte figurativa, possono riferirsi a eventi storici e politici.

Nella seconda metà degli anni '50, negli Stati Uniti nacque l'arte dell'installazione, la pop art, che poco dopo glorificò Andy Warhol con la sua infinita replica di ritratti di Marilyn Monroe e lattine di cibo per cani - l'astrattismo del collage. Nelle arti visive degli anni '60 divenne popolare la forma meno aggressiva e statica di astrazione, il minimalismo. Allo stesso tempo, Barnet Newman, il fondatore dell'astrattismo geometrico americano, insieme ad A. Lieberman, A. Held e K. Noland, si impegnò con successo nell'ulteriore sviluppo delle idee del neoplasticismo olandese e del suprematismo russo.

Un'altra tendenza nella pittura americana era chiamata astrattismo "cromatico" o "post-pittura". I suoi rappresentanti in una certa misura respinsero il fauvismo e il post-impressionismo. Lo stile duro, i contorni enfaticamente nitidi delle opere di E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella hanno gradualmente lasciato il posto alla pittura di un magazzino contemplativo e malinconico. Negli anni '70 e '80, la pittura americana è tornata alla figuratività. Inoltre, una sua manifestazione così estrema come il fotorealismo si è diffusa. La maggior parte degli storici dell'arte concorda sul fatto che gli anni '70 siano il momento della verità per l'arte americana, poiché durante questo periodo si è finalmente liberata dall'influenza europea ed è diventata puramente americana. Tuttavia, nonostante il ritorno di forme e generi tradizionali, dalla ritrattistica alla pittura storica, anche l'arte astratta non è scomparsa.

I dipinti, le opere d'arte "non belle" sono state create come prima, poiché il ritorno al realismo negli Stati Uniti non ha superato l'astrattismo in quanto tale, ma la sua canonizzazione, il divieto dell'arte figurativa, che si identificava principalmente con il nostro realismo sociale, e quindi non potrebbe essere considerato odioso in una società "libera democratica", un divieto ai generi "bassi", alle funzioni sociali dell'arte. Allo stesso tempo, lo stile della pittura astratta ha acquisito una certa morbidezza che prima gli mancava: volumi snelli, contorni sfocati, ricchezza di mezzitoni, sottili soluzioni cromatiche (E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A. Byalobrod). Non del tutto scomparsa, invece, e stile hard; è passato in secondo piano ed è stato preservato nel lavoro della vecchia generazione di geometristi e artisti espressionisti (H. Buchwald, D. Ashbaug, J. Gareth, ecc.).

Tutte queste tendenze hanno gettato le basi per lo sviluppo dell'astrattismo moderno. Nella creatività non può esserci nulla di congelato, definitivo, poiché questa sarebbe la morte per lui. Ma non importa quali percorsi prenda l'astrattismo, non importa quali trasformazioni subisca, la sua essenza rimane sempre immutata. Sta nel fatto che l'astrattismo nelle belle arti è il modo più accessibile e nobile per catturare l'essere personale, e in una forma più adeguata, come una stampa facsimile. Allo stesso tempo, l'astrattismo è una realizzazione diretta della libertà.

Astrattismo (lat. astrazione- rimozione, distrazione) o arte non figurativa- una direzione dell'arte che ha abbandonato la rappresentazione di forme approssimative alla realtà nella pittura e nella scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è raggiungere l '"armonizzazione" raffigurando determinate combinazioni di colori e forme geometriche, facendo sentire allo spettatore la completezza e la completezza della composizione. Personaggi di spicco: Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharova e Mikhail Larionov, Piet Mondrian.

Storia

Astrattismo(arte sotto il segno delle "forme zero", arte non oggettiva) - una direzione artistica che si è formata nell'arte della prima metà del XX secolo, rifiutandosi completamente di riprodurre le forme del reale mondo visibile. I fondatori dell'astrattismo sono considerati V. Kandinsky , P.Mondrian E K. Malevich.

V. Kandinsky ha creato il proprio tipo di pittura astratta, liberando da ogni segno di oggettività le macchie degli impressionisti e del "selvaggio". Piet Mondrian è arrivato alla sua inutilità attraverso la stilizzazione geometrica della natura, iniziata da Cézanne e dai cubisti. Le tendenze moderniste del XX secolo, incentrate sull'astrattismo, si discostano completamente dai principi tradizionali, negando il realismo, ma allo stesso tempo rimangono nel quadro dell'arte. La storia dell'arte con l'avvento dell'astrattismo ha vissuto una rivoluzione. Ma questa rivoluzione non è nata per caso, ma in modo del tutto naturale, ed è stata predetta da Platone! Nella sua opera successiva Philebus, ha scritto della bellezza delle linee, delle superfici e delle forme spaziali in sé, indipendenti da ogni imitazione di oggetti visibili, da ogni mimesi. Questo tipo di bellezza geometrica, in contrasto con la bellezza delle forme naturali "irregolari", secondo Platone, non è relativa, ma incondizionata, assoluta.

Novecento e moderno

Dopo la prima guerra mondiale del 1914-18, le tendenze dell'arte astratta si manifestarono spesso in singole opere di rappresentanti del dadaismo e del surrealismo; allo stesso tempo si determinò il desiderio di trovare applicazione per forme non pittoriche nell'architettura, nell'arte decorativa e nel design (esperimenti del gruppo Style e del Bauhaus). Diversi gruppi di arte astratta ("Arte concreta", 1930; "Cerchio e quadrato", 1930; "Astrazione e creatività", 1931), che uniscono artisti di varie nazionalità e tendenze, sorsero all'inizio degli anni '30, principalmente in Francia. Tuttavia, l'arte astratta non era molto diffusa a quel tempo e verso la metà degli anni '30. i gruppi si sciolsero. Negli anni della seconda guerra mondiale (1939-1945) sorse negli Stati Uniti una scuola del cosiddetto espressionismo astratto (pittori J. Pollock, M. Toby ecc.), che si sviluppò nel dopoguerra in molti paesi (sotto il nome di tachisme o “arte senza forma”) e proclamò come metodo il “puro automatismo mentale” e l'impulsività subconscia soggettiva della creatività, il culto di combinazioni inaspettate di colori e trame.

Nella seconda metà degli anni '50, negli Stati Uniti nacque l'arte dell'installazione, la pop art, che poco dopo glorificò Andy Warhol con la sua infinita replica di ritratti di Marilyn Monroe e lattine di cibo per cani - l'astrattismo del collage. Nelle arti visive degli anni '60 divenne popolare la forma meno aggressiva e statica di astrazione, il minimalismo. Allo stesso tempo Barnet Newmann, fondatore dell'astrattismo geometrico americano insieme a A. Liebermann, A. Tenuto E K. Noland impegnato con successo nell'ulteriore sviluppo delle idee del neoplasticismo olandese e del suprematismo russo.

Un'altra tendenza nella pittura americana era chiamata astrattismo "cromatico" o "post-pittura". I suoi rappresentanti in una certa misura respinsero il fauvismo e il post-impressionismo. Stile rigido, contorni netti enfatizzati delle opere E. Kelly, J. Jungerman, F. Stella gradualmente ha lasciato il posto alla pittura di un magazzino contemplativo e malinconico. Negli anni '70 e '80 la pittura americana torna all'arte figurativa. Inoltre, una sua manifestazione così estrema come il fotorealismo si è diffusa. La maggior parte degli storici dell'arte concorda sul fatto che gli anni '70 siano il momento della verità per l'arte americana, poiché durante questo periodo si è finalmente liberata dall'influenza europea ed è diventata puramente americana. Tuttavia, nonostante il ritorno di forme e generi tradizionali, dalla ritrattistica alla pittura storica, anche l'arte astratta non è scomparsa.

I dipinti, le opere d'arte "non belle" sono state create come prima, poiché il ritorno al realismo negli Stati Uniti non ha superato l'astrattismo in quanto tale, ma la sua canonizzazione, il divieto dell'arte figurativa, che si identificava principalmente con il nostro realismo sociale, e quindi non potrebbe essere considerato odioso in una società "libera democratica", un divieto ai generi "bassi", alle funzioni sociali dell'arte. Allo stesso tempo, lo stile della pittura astratta ha acquisito una certa morbidezza, che prima gli mancava: la razionalizzazione dei volumi, l'offuscamento dei contorni, la ricchezza dei mezzitoni, le sottili soluzioni cromatiche ( E.Murray, G.Stefan, L.Rivers, M.Morley, L.Chese, A.Bialobrod).

Indicazioni

Cubismo

Una tendenza d'avanguardia nelle arti visive, che ha avuto origine all'inizio del XX secolo ed è caratterizzata dall'uso di forme geometriche enfaticamente condizionate, dal desiderio di "scindere" oggetti reali in primitive stereometriche.

Raionismo (luchismo)

Direzione nell'arte astratta degli anni '10, basata sullo spostamento degli spettri luminosi e sulla trasmissione della luce. L'idea dell'emergere di forme dall '"incrocio dei raggi riflessi di vari oggetti" è caratteristica, poiché una persona percepisce effettivamente non l'oggetto stesso, ma "la somma dei raggi provenienti dalla sorgente luminosa, riflessa dal oggetto."

neoplasticismo

La designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. in Olanda e artisti uniti raggruppati attorno alla rivista "De Stijl" ("Stile"). Caratterizzato da chiare forme rettangolari in architettura e pittura astratta nella disposizione di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori primari dello spettro.

Orfismo

Direzione nella pittura francese degli anni '10. Gli artisti-orfisti hanno cercato di esprimere la dinamica del movimento e la musicalità dei ritmi con l'aiuto delle "regolarità" della compenetrazione dei colori primari dello spettro e dell'intersezione delle superfici curvilinee.

Suprematismo

Direzione nell'arte d'avanguardia, fondata negli anni '10. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori forma equilibrate composizioni suprematiste asimmetriche permeate di movimento interno.

Tachismo

La tendenza dell'astrattismo dell'Europa occidentale degli anni '50 e '60, che era più diffusa negli Stati Uniti. È un dipinto con macchie che non ricreano immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Tratti, linee e macchie di tachismo vengono applicati alla tela con rapidi movimenti della mano senza un piano premeditato.

espressionismo astratto

Il movimento di artisti che dipingono velocemente e su grandi tele, utilizzando pennellate non geometriche, grandi pennelli, a volte colando vernice sulla tela, per far emergere al meglio le emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui è spesso importante quanto la pittura stessa.

Astrattismo all'interno

Di recente, l'arte astratta ha iniziato a spostarsi dai dipinti degli artisti all'accogliente interno della casa, aggiornandola favorevolmente. Lo stile minimalista con l'uso di forme chiare, a volte piuttosto insolite, rende la stanza insolita e interessante. Ma è facile esagerare con il colore. Considera la combinazione di arancione in uno stile così interno.

Il bianco meglio diluisce l'arancia ricca e, per così dire, la raffredda. Il colore arancione rende la stanza più calda, quindi non molto; non impedire. L'enfasi dovrebbe essere sui mobili o sul suo design, ad esempio un copriletto arancione. In questo caso, le pareti bianche annegheranno la luminosità del colore, ma lasceranno la stanza colorata. In questo caso, i dipinti della stessa gamma serviranno come un'aggiunta eccellente: l'importante è non esagerare, altrimenti ci saranno problemi con il sonno.

La combinazione di colori arancione e blu è dannosa per qualsiasi stanza, se non si applica all'asilo nido. Se scegli tonalità non brillanti, si armonizzeranno con successo tra loro, aggiungeranno umore e non influenzeranno negativamente nemmeno i bambini iperattivi.

L'arancione si sposa bene con il verde, creando l'effetto di un albero di mandarino e una sfumatura di cioccolato. Il marrone è un colore che varia dal caldo al freddo, quindi normalizza perfettamente la temperatura generale della stanza. Inoltre, questa combinazione di colori è adatta per la cucina e il soggiorno, dove è necessario creare un'atmosfera, ma non sovraccaricare l'interno. Dopo aver decorato le pareti con i colori bianco e cioccolato, puoi tranquillamente mettere una sedia arancione o appendere un'immagine luminosa con un ricco colore mandarino. Mentre sei in una stanza del genere, avrai un ottimo umore e il desiderio di fare quante più cose possibili.

Dipinti di famosi artisti astratti

Kandinsky è stato uno dei pionieri dell'arte astratta. Ha iniziato la sua ricerca nell'impressionismo e solo allora è arrivato allo stile dell'astrattismo. Nel suo lavoro ha sfruttato la relazione tra colore e forma per creare un'esperienza estetica che abbracciasse sia la visione che le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa desse spazio a un'espressione profonda e trascendente e che copiare la realtà interferisse solo con questo processo.

La pittura era profondamente spirituale per Kandinsky. Ha cercato di trasmettere la profondità delle emozioni umane attraverso un linguaggio visivo universale di forme e colori astratti che trascendesse i confini fisici e culturali. Lui vide astrattismo come una modalità visiva ideale in grado di esprimere il "bisogno interiore" dell'artista e trasmettere idee ed emozioni umane. Si considerava un profeta la cui missione è condividere questi ideali con il mondo, a beneficio della società.

Nascosti in colori vivaci e chiare linee nere raffigurano diversi cosacchi con lance, oltre a barche, figure e un castello in cima a una collina. Come in molti dipinti di questo periodo, rappresenta una battaglia apocalittica che porterà alla pace eterna.

Per facilitare lo sviluppo di uno stile pittorico non oggettivo, come descritto nel suo On the Spiritual in Art (1912), Kandinsky riduce gli oggetti a simboli pittografici. Rimuovendo la maggior parte dei riferimenti al mondo esterno, Kandinsky ha espresso la sua visione in modo più universale, traducendo l'essenza spirituale del soggetto attraverso tutte queste forme in un linguaggio visivo. Molte di queste figure simboliche furono ripetute e perfezionate nel suo lavoro successivo, diventando ancora più astratte.

Kazimir Malevich

Le idee di Malevich sulla forma e sul significato nell'arte portano in qualche modo a concentrarsi sulla teoria dell'astrattismo stilistico. Malevich ha lavorato con stili diversi nella pittura, ma soprattutto si è concentrato sullo studio delle forme geometriche pure (quadrati, triangoli, cerchi) e sulla loro relazione tra loro nello spazio pittorico. Attraverso i suoi contatti in Occidente, Malevich ha potuto trasmettere le sue idee sulla pittura ad amici artisti in Europa e negli Stati Uniti, influenzando così profondamente l'evoluzione dell'arte contemporanea.

"Quadrato nero" (1915)

L'iconico dipinto "Black Square" fu mostrato per la prima volta da Malevich in una mostra a Pietrogrado nel 1915. Quest'opera incarna i principi teorici del suprematismo sviluppati da Malevich nel suo saggio "Dal cubismo e futurismo al suprematismo: nuovo realismo nella pittura".

Sulla tela davanti allo spettatore c'è una forma astratta disegnata su uno sfondo bianco sotto forma di un quadrato nero: è l'unico elemento della composizione. Anche se il dipinto sembra semplice, ci sono elementi come impronte digitali, pennellate che si intravedono attraverso gli strati neri di vernice.

Per Malevich, il quadrato significa sentimenti e quello bianco significa vuoto, niente. Vedeva il quadrato nero come una presenza divina, un'icona, come se potesse diventare una nuova immagine sacra per l'arte non oggettiva. Anche alla mostra, questa immagine è stata collocata nel luogo in cui di solito viene collocata un'icona in una casa russa.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, uno dei fondatori del movimento olandese De Stijl, è riconosciuto per la purezza delle sue astrazioni e la pratica metodica. Semplificò piuttosto radicalmente gli elementi dei suoi dipinti per mostrare ciò che vedeva non direttamente, ma figurativamente, e per creare un linguaggio estetico chiaro e universale nelle sue tele. Nei suoi dipinti più famosi degli anni '20, Mondrian riduce le forme a linee e rettangoli, e la tavolozza al più semplice. L'uso dell'equilibrio asimmetrico è diventato fondamentale per lo sviluppo dell'arte contemporanea e le sue iconiche opere astratte continuano ad essere influenti nel design e sono familiari alla cultura popolare fino ad oggi.

L '"albero grigio" è un esempio della prima transizione di Mondrian allo stile astrattismo. L'albero 3D è ridotto alle linee e ai piani più semplici, utilizzando solo grigi e neri.

Questo dipinto fa parte di una serie di opere di Mondrian che hanno adottato un approccio più realistico, dove, ad esempio, gli alberi sono presentati in modo naturalistico. Mentre i pezzi successivi sono diventati sempre più astratti, ad esempio, le linee dell'albero sono ridotte fino a quando la forma dell'albero è appena visibile e secondaria alla composizione complessiva di linee verticali e orizzontali. Qui è ancora visibile l'interesse di Mondrian ad abbandonare l'organizzazione strutturata delle linee. Questa mossa è stata significativa per lo sviluppo della pura astrazione di Mondrian.

Roberto Delaunay

Delaunay è stato uno dei primi artisti dello stile astratto. Il suo lavoro ha influenzato lo sviluppo di questa direzione, basata sulla tensione compositiva causata dal contrasto dei colori. Cadde rapidamente sotto l'influenza del colore neoimpressionista e seguì molto da vicino il sistema cromatico delle opere nello stile dell'astrattismo. Considerava il colore e la luce gli strumenti principali con cui è possibile influenzare l'obiettività del mondo.

Nel 1910, Delaunay aveva dato il proprio contributo al cubismo sotto forma di due serie di dipinti raffiguranti cattedrali e la Torre Eiffel, che combinavano forme cubiche, dinamiche di movimento e colori vivaci. Questo nuovo modo di usare l'armonia dei colori contribuì a separare lo stile dal cubismo ortodosso, chiamato orfismo, e influenzò immediatamente gli artisti europei. La moglie di Delaunay, l'artista Sonia Turk-Delaunay, ha continuato a dipingere nello stesso stile.

L'opera principale di Delaunay è dedicata alla Torre Eiffel, il famoso simbolo della Francia. Questo è uno dei più impressionanti di una serie di undici dipinti dedicati alla Torre Eiffel tra il 1909 e il 1911. È dipinto di rosso vivo, che lo distingue immediatamente dall'ottusità della città circostante. Le imponenti dimensioni della tela esaltano ulteriormente l'imponenza di questo edificio. Come un fantasma, la torre si erge sopra le case circostanti, scuotendo figurativamente le fondamenta stesse del vecchio ordine. La pittura di Delaunay trasmette questa sensazione di sconfinato ottimismo, innocenza e freschezza di un tempo che non ha ancora assistito a due guerre mondiali.

František Kupka

Frantisek Kupka è un artista cecoslovacco che dipinge nello stile astrattismo si è laureato all'Accademia delle arti di Praga. Da studente, dipinse principalmente su temi patriottici e scrisse composizioni storiche. I suoi primi lavori erano più accademici, tuttavia, il suo stile si è evoluto nel corso degli anni e alla fine si è evoluto in arte astratta. Scritti in modo molto realistico, anche i suoi primi lavori contenevano temi e simboli mistici surreali, che si conservavano durante la scrittura di astrazioni. Kupka credeva che l'artista e il suo lavoro prendessero parte a una continua attività creativa, la cui natura non è limitata, come un assoluto.

"Amorfa. Fuga a due colori" (1907-1908)

A partire dal 1907-1908, Kupka iniziò a dipingere una serie di ritratti di una ragazza che teneva in mano una palla, come se stesse per giocare o ballare con essa. Ha quindi sviluppato rappresentazioni sempre più schematiche di lei e alla fine ha prodotto una serie di disegni completamente astratti. Sono stati realizzati in una tavolozza limitata di rosso, blu, bianco e nero. Nel 1912, al Salon d'Automne, una di queste opere astratte fu esposta per la prima volta pubblicamente a Parigi.

Astrattisti moderni

Dall'inizio del XX secolo, artisti, tra cui Pablo Picasso, Salvador Dalì, Kazemir Malevich, Wassily Kandinsky, hanno sperimentato le forme degli oggetti e la loro percezione, mettendo anche in discussione i canoni esistenti nell'arte. Abbiamo preparato una selezione dei più famosi artisti astratti moderni che hanno deciso di spingere i propri confini della conoscenza e creare la propria realtà.

artista tedesco Davide Schenel(David Schnell) ama vagare per luoghi che prima erano dominati dalla natura, e ora sono pieni di edifici di persone, dai campi da gioco alle fabbriche e alle fabbriche. I ricordi di queste passeggiate danno vita ai suoi luminosi paesaggi astratti. Dando libero sfogo alla sua immaginazione e alla sua memoria, piuttosto che fotografie e video, David Schnell crea dipinti che ricordano la realtà virtuale del computer o illustrazioni per libri di fantascienza.

Creando i suoi quadri astratti su larga scala, l'artista americana Cristina Baker(Kristin Baker) trae ispirazione dalla storia dell'arte e dalle corse Nascar e Formula 1. All'inizio, dà volume al suo lavoro, applicando diversi strati di vernice acrilica e fissando con nastro adesivo le sagome. Kristin quindi lo rimuove con cura, rivelando gli strati di vernice sottostanti e facendo sembrare la superficie dei suoi dipinti un collage multistrato e multicolore. Nell'ultima fase del lavoro, raschia via tutte le protuberanze, facendo sembrare i suoi dipinti come se fossero una radiografia.

Nel suo lavoro, l'artista di origine greca di Brooklyn, New York, Elena Anagno(Eleanna Anagnos) esplora aspetti della vita quotidiana spesso trascurati dalle persone. Nel corso del suo “dialogo con la tela”, concetti ordinari acquistano nuovi significati e sfaccettature: lo spazio negativo diventa positivo e le piccole forme aumentano di dimensione. Cercando di dare vita ai suoi dipinti in questo modo, Eleanna cerca di risvegliare la mente umana, che ha smesso di porsi domande e di essere aperta a qualcosa di nuovo.

Dando vita a schizzi luminosi e macchie di vernice sulla tela, un artista americano Sara Spitler(Sarah Spitler) cerca di riflettere il caos, il disastro, lo squilibrio e il disordine nel suo lavoro. È attratta da questi concetti, poiché sono al di fuori del controllo di una persona. Pertanto, il loro potere distruttivo rende le opere astratte di Sarah Spitler potenti, energiche ed emozionanti. Oltretutto. l'immagine risultante sulla tela di inchiostro, colori acrilici, matite di grafite e smalto sottolinea la natura effimera e la relatività di ciò che sta accadendo intorno.

Traendo ispirazione dal campo dell'architettura, l'artista di Vancouver, Canada, Jeff Dapner(Jeff Depner) crea dipinti astratti stratificati composti da forme geometriche. Nel "caos" artistico che ha creato, Jeff cerca l'armonia nel colore, nella forma e nella composizione. Ciascuno degli elementi nei suoi dipinti è collegato tra loro e porta a quanto segue: "Il mio lavoro esplora la struttura compositiva [di un dipinto] attraverso le relazioni dei colori in una tavolozza scelta…". Secondo l'artista, i suoi dipinti sono "segni astratti" che dovrebbero portare gli spettatori a un nuovo livello inconscio.

Testo: Ksyusha Petrova

QUESTA SETTIMANA AL MUSEO EBRAICO E AL CENTRO DELLA TOLLERANZA sta per concludersi la mostra "Abstraction and Image" di Gerhard Richter, la prima mostra personale in Russia di uno degli artisti contemporanei più influenti e costosi. Finora, la mostra recentemente ampliata di Raffaello e Caravaggio e l'avanguardia georgiana al Museo Pushkin im. A. S. Pushkin è in fila, Richter può essere visto nella comoda compagnia di un paio di dozzine di visitatori. Questo paradosso è dovuto non solo al fatto che il Museo Ebraico ha una popolarità molto inferiore al Museo Pushkin o all'Ermitage, ma anche al fatto che molte persone sono ancora scettiche sull'arte astratta.

Anche coloro che sono esperti nel rischio contemporaneo e comprendono bene il significato del quadrato nero per la cultura mondiale sono spaventati dall '"elitarismo" e dall'"inaccessibilità" dell'astrazione. Sogghigniamo alle opere di artisti alla moda, ci meravigliamo dei record d'asta e temiamo che ci sia un vuoto dietro la facciata dei termini della storia dell'arte - dopotutto, il merito artistico di opere che assomigliano agli scarabocchi dei bambini a volte solleva dubbi tra i professionisti. In effetti, l'aura di "inaccessibilità" dell'arte astratta è facile da dissipare - in questa istruzione abbiamo cercato di spiegare perché l'astrazione si chiama "televisione buddista" e da quale parte avvicinarla.

Gerard Richter. Novembre 1/54. 2012

Non cercare di scoprirlo
quello che voleva dire l'artista

Nelle sale dove sono appesi i quadri del Rinascimento, anche uno spettatore poco preparato troverà la sua direzione: almeno potrà nominare facilmente ciò che è raffigurato nel quadro: persone, frutti o mare, quali emozioni i personaggi esperienza, c'è una trama in questo lavoro, gli sono familiari i partecipanti agli eventi. Di fronte alle tele di Rothko, Pollock o Malevich, non ci sentiamo così sicuri: non hanno un oggetto per il quale puoi attirare la tua attenzione e parlarne per scoprire "cosa voleva dire l'autore", come a scuola. Questa è la principale differenza tra la pittura astratta, o non oggettiva, da quella figurativa più familiare: l'artista astratto non cerca affatto di rappresentare il mondo che lo circonda, non si pone un simile compito.

Se si guarda attentamente agli ultimi due secoli della storia dell'arte occidentale, diventa chiaro che il rifiuto del soggetto nella pittura non è un capriccio di un pugno di anticonformisti, ma una fase naturale di sviluppo. Nel 19 ° secolo apparve la fotografia e gli artisti furono liberati dall'obbligo di rappresentare il mondo così com'è: i ritratti di parenti e cani amati iniziarono a essere realizzati in uno studio fotografico - si rivelò più veloce ed economico che ordinare un dipinto ad olio da un maestro. Con l'invenzione della fotografia è scomparsa la necessità di copiare meticolosamente ciò che vediamo per conservarlo nella memoria.

←Jackson Pollock.
Figura stenografica. 1942

Verso la metà del XIX secolo, alcuni iniziarono a sospettare che l'arte realista fosse una trappola. Gli artisti padroneggiavano perfettamente le leggi della prospettiva e della composizione, imparavano a raffigurare persone e animali con straordinaria accuratezza, acquisivano materiali adatti, ma il risultato appariva sempre meno convincente. Il mondo ha cominciato a cambiare rapidamente, le città sono diventate più grandi, è iniziata l'industrializzazione: su questo sfondo, immagini realistiche di campi, scene di battaglia e modelli nudi sembravano obsolete, separate dalle complesse esperienze dell'uomo moderno.

Impressionisti, post-impressionisti, fauvisti e cubisti sono artisti che non hanno avuto paura di riesaminare ciò che è importante nell'arte: ognuno di questi movimenti ha utilizzato l'esperienza della generazione precedente, sperimentando il colore e la forma. Di conseguenza, alcuni artisti sono giunti alla conclusione che il contatto tra l'autore e lo spettatore non avviene attraverso proiezioni della realtà, ma attraverso linee, macchie e tratti di pittura: è così che l'arte si è sbarazzata della necessità di rappresentare qualsiasi cosa, offrendo allo spettatore di provare la gioia senza nuvole di interagire con il colore, la forma, le linee e la trama. Tutto ciò è stato perfettamente combinato con nuovi insegnamenti filosofici e religiosi - in particolare, la teosofia, e le locomotive dell'avanguardia russa Wassily Kandinsky e Kazimir Malevich hanno sviluppato i propri sistemi filosofici in cui la teoria dell'arte è collegata ai principi di un ideale società.

In qualsiasi situazione poco chiara, utilizzare l'analisi formale

Ecco un incubo in cui può trovarsi ogni amante dell'arte contemporanea: immagina di trovarti di fronte a un fantastico, come è scritto nella guida, dipinto di Agnes Martin e non senti assolutamente nulla. Nient'altro che irritazione e leggera tristezza - non perché l'immagine ti faccia sentire così, ma perché non capisci affatto cosa è disegnato qui e dove devi guardare (non sei nemmeno sicuro che i curatori abbiano appeso l'opera al lato destro). In una situazione del genere, un'analisi formale ha fretta di aiutare, da cui vale la pena iniziare a conoscere qualsiasi opera d'arte. Espira e prova a rispondere ad alcune domande dei bambini: cosa vedo davanti a me: un'immagine o una scultura, una grafica o un dipinto? Con quali materiali e quando è stato realizzato? Come si possono descrivere queste forme e linee? Come interagiscono? Sono in movimento o statici? C'è profondità qui: quali elementi dell'immagine sono in primo piano e quali sullo sfondo?

← Barnet Newman. Senza titolo. 1945

Anche la fase successiva è abbastanza semplice: ascolta te stesso e cerca di determinare quali emozioni vedi. Questi triangoli rossi sono divertenti o inquietanti? Mi sento calmo o l'immagine mi preme? Domanda di sicurezza: sto cercando di capire com'è o sto lasciando che la mia mente interagisca liberamente con il colore e la forma?

Ricorda che non solo l'immagine è importante, ma anche la cornice o la sua mancanza. Nel caso dello stesso Newman, Mondrian o dell '"Amazzonia delle avanguardie" Olga Rozanova, il rifiuto della cornice è una scelta consapevole dell'artista, che invita a scartare le vecchie idee sull'arte e ad ampliarne mentalmente i limiti, andare letteralmente oltre.

Per sentirti più sicuro, puoi ricordare una semplice classificazione delle opere astratte: di solito sono divise in geometriche (Piet Mondrian, Ellsworth Kelly, Theo van Doesburg) e liriche (Helen Frankenthaler, Gerhard Richter, Wassily Kandinsky).

Elena Frankenthaler. Cerchio arancione. 1965

Elena Frankenthaler. solarium. 1964

Non valutare le "capacità di disegno"

“Mio figlio/gatto/scimmia può fare altrettanto bene” è una frase che si ripete ogni giorno in ogni museo di arte moderna (forse hanno pensato di mettere un bancone apposito da qualche parte). Un modo semplice per rispondere a tale affermazione è sbuffare e alzare gli occhi al cielo, lamentandosi della povertà spirituale degli altri, un modo complesso e più produttivo è prendere sul serio la questione e cercare di spiegare perché l'abilità degli astrattisti dovrebbe essere valutata in modo diverso. Il grande semiologo Roland Barthes ha scritto un saggio penetrante sull'apparente "infanzia" degli scarabocchi di Cy Twombly, e la nostra contemporanea Susie Hodge ha dedicato un intero libro a questo argomento.

Molti artisti astratti hanno un'istruzione classica ed eccellenti capacità di disegno accademico, ovvero sono in grado di disegnare un bel vaso di fiori, un tramonto sul mare o un ritratto, ma per qualche motivo non vogliono. Scelgono un'esperienza visiva che non sia gravata dall'obiettività: gli artisti, per così dire, facilitano lo spettatore, non permettendogli di essere distratto dagli oggetti raffigurati nella foto, e lo aiutano a immergersi immediatamente in un'esperienza emotiva .

← Cy Twombly. Senza titolo. 1954

Nel 2011, i ricercatori hanno deciso di verificare se i dipinti nel genere dell'espressionismo astratto (la maggior parte delle domande sorgono su questa direzione dell'arte astratta) sono indistinguibili dai disegni di bambini piccoli, così come dall'arte di scimpanzé ed elefanti. Ai soggetti è stato chiesto di guardare coppie di immagini e determinare quali di esse sono state realizzate da artisti professionisti: nel 60-70% dei casi, gli intervistati hanno scelto opere d'arte "reali". Il vantaggio è piccolo, ma statisticamente significativo: a quanto pare, nelle opere degli astrattisti c'è davvero qualcosa che li distingue dai disegni di uno scimpanzé intelligente. Un altro nuovo studio ha dimostrato che i bambini stessi possono distinguere il lavoro di artisti astratti dai disegni dei bambini. Per testare il tuo talento artistico, puoi fare un test con condizioni simili su BuzzFeed.

Ricorda che tutta l'arte è astratta.

Se il tuo cervello è pronto per un piccolo sovraccarico, considera che tutta l'arte è intrinsecamente astratta. La pittura figurativa, che si tratti della natura morta di Picasso, Il ragazzo con la pipa o L'ultimo giorno di Pompei di Bryullov, è una proiezione del mondo tridimensionale su una tela piatta, un'imitazione della "realtà" che percepiamo attraverso la visione. Non c'è nemmeno bisogno di parlare dell'obiettività della nostra percezione - dopotutto, le possibilità della visione umana, dell'udito e di altri sensi sono molto limitate e non possiamo valutarle da soli.

Il David di marmo non è un ragazzo vivente, ma un pezzo di pietra che Michelangelo ha modellato per ricordarci un uomo (e abbiamo avuto un'idea di come sono gli uomini dalla nostra esperienza di vita). Se ti avvicini molto alla Gioconda, ti sembrerà comunque di vedere la sua pelle delicata, quasi viva, un velo trasparente e nebbia in lontananza - ma questa è essenzialmente un'astrazione, solo Leonardo da Vinci molto scrupolosamente e per un per molto tempo ha sovrapposto strati di vernice l'uno sull'altro per creare un'illusione molto sottile. Più chiaramente, il trucco dell'esposizione funziona con i fauvisti ei puntinisti: se ti avvicini al dipinto di Pissarro, vedrai non il Boulevard Montmartre e il tramonto a Eragny, ma tanti piccoli tratti multicolori. L'essenza illusoria dell'arte è dedicata al famoso dipinto di René Magritte "Il tradimento delle immagini": ovviamente, "questa non è una pipa" - questi sono solo tratti di vernice posizionati con successo sulla tela.

← Elena Frankenthaler.
Nepente. 1972

Gli impressionisti, della cui competenza oggi non dubitiamo, erano gli astrattisti del loro tempo: Monet, Degas, Renoir ei loro amici furono accusati di aver abbandonato la rappresentazione realistica a favore della trasmissione di sensazioni. I tratti "incuranti", visibili ad occhio nudo, la composizione "strana" e altre tecniche progressiste sembravano blasfeme al pubblico dell'epoca. Alla fine dell'Ottocento gli impressionisti furono gravemente accusati di "incapacità di disegnare", volgarità e cinismo.

Gli organizzatori del Salon di Parigi hanno dovuto appendere l'Olympia di Manet praticamente sotto il soffitto: c'erano troppi che volevano sputarci sopra o bucare la tela con un ombrello. Questa situazione è molto diversa dall'incidente del 1987 allo Stedelijk Museum di Amsterdam, quando un uomo attaccò con un coltello il dipinto "Chi ha paura del rosso, del giallo e del blu III" dell'artista astratto Barnett Newman?

Marco Rothko. Senza titolo. 1944-1946

Non trascurare il contesto

Il modo migliore per sperimentare un'opera d'arte astratta è stare di fronte ad essa e guardare, guardare e guardare. Alcune opere possono immergere lo spettatore in profonde esperienze esistenziali o in una trance estatica - molto spesso questo accade con i dipinti di Mark Rothko e gli oggetti di Anish Kapoor, ma anche il lavoro di artisti sconosciuti può avere un effetto simile. Sebbene il contatto emotivo sia molto importante, non dovresti rifiutarti di leggere le etichette e di familiarizzare con il contesto storico: il titolo non ti aiuterà a capire il "significato" dell'opera, ma può portare a riflessioni interessanti. Anche titoli aridi come “Composizione n. 2” e “Oggetto n. 7” ci dicono qualcosa: dando questo nome alla sua opera, l'autore ci esorta ad abbandonare la ricerca del “sottotesto” o del “simbolismo” e a concentrarci sull'esperienza spirituale .

← Yuri Zlotnikov. Composizione n. 22. 1979

Anche la storia della creazione dell'opera è importante: molto probabilmente, se scopri quando e in quali circostanze è stata creata l'opera, vedrai qualcosa di nuovo in essa. Dopo aver letto la biografia dell'artista, accuratamente preparata per voi dai curatori del museo, chiedetevi quale significato potesse avere quest'opera in quel paese e nel tempo in cui operava il suo autore: lo stesso “Quadrato Nero” dà tutt'altra impressione , se sai qualcosa sulle correnti filosofiche e sull'arte dell'inizio del XX secolo. Un altro esempio meno noto è la serie Signal Systems del pioniere dell'astrazione russa del dopoguerra, Yuri Zlotnikov. Oggi i cerchi colorati su una tela bianca non sembrano rivoluzionari, ma negli anni '50, quando l'arte ufficiale aveva un aspetto simile a questo, le astrazioni di Zlotnikov furono una vera svolta.

Rallentare

È sempre meglio prestare attenzione a poche opere che ti piacciono piuttosto che galoppare per il museo, cercando di coglierne l'immensità. La professoressa Jennifer Roberts di Harvard costringe i suoi studenti a guardare un'immagine per tre ore - ovviamente, nessuno richiede una tale resistenza da parte tua, ma chiaramente trenta secondi non sono sufficienti per un dipinto di Kandinsky. Nel suo manifesto - una dichiarazione d'amore per l'astrazione, il famoso critico d'arte Jerry Saltz chiama le tele ipnotiche di Rothko "televisione buddista" - si capisce che si possono scrutare all'infinito.

Ripetilo a casa

Il modo migliore per mettere alla prova il pensiero sedizioso "so disegnare altrettanto bene", che a volte sorge tra i critici d'arte professionisti, è condurre un esperimento a casa. Sarà interessante nella situazione opposta: se hai paura di dipingere a causa dell '"incapacità di disegnare" o della "mancanza di abilità". Non a caso le tecniche astratte sono utilizzate più spesso nell'arteterapia: aiutano a esprimere sensazioni complesse per le quali è difficile trovare parole. Per molti artisti che soffrono di contraddizioni interne e della propria incompatibilità con il mondo esterno, l'astrazione è diventata quasi l'unico modo per riconciliarsi con la realtà (a parte droghe e alcol, ovviamente).

Le opere astratte possono essere create utilizzando qualsiasi mezzo artistico, dall'acquerello alla corteccia di quercia, quindi troverai sicuramente una tecnica adatta ai tuoi gusti e al tuo budget. Forse non dovresti iniziare con gocciolante "- l'analisi della pittura di Mondrian" Composizione con rosso, blu e giallo" data in essa per i più piccoli non si vergogna di essere letta dagli adulti. Museo Ebraico, ART4

L'emergere dell'astrattismo:

L'astrattismo, come tendenza, è sorto all'inizio del XX secolo. contemporaneamente in diversi paesi europei. I fondatori e gli ispiratori riconosciuti di questo movimento sono gli artisti Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Frantisek Kupka e Robert Delaunay, che hanno delineato le principali disposizioni dell'astrattismo nelle loro opere teoriche e dichiarazioni politiche. Diversi per scopi e obiettivi, i loro insegnamenti erano uniti in una cosa: l'astrattismo, come stadio più alto nello sviluppo delle belle arti, crea forme che sono uniche per l'arte. “Liberato” dalla copia della realtà, si trasforma in un mezzo per trasmettere l'incomprensibile principio spirituale dell'universo, eterne “essenze spirituali”, “forze cosmiche” con varie immagini pittoriche.

Come fenomeno artistico, l'astrattismo ha avuto un enorme impatto sulla formazione e lo sviluppo dello stile architettonico moderno, del design, delle arti industriali, applicate e decorative.

Caratteristiche dell'astrattismo:

L'astrattismo (dal latino Abstractus - astratto) è una delle principali tendenze artistiche nell'arte del XX secolo, in cui la struttura dell'opera si basa esclusivamente su elementi formali: linee, macchie di colore, configurazione astratta. Le opere dell'Astrattismo sono distaccate dalle forme della vita stessa: le composizioni non oggettive incarnano le impressioni e le fantasie soggettive dell'artista, il flusso della sua coscienza, danno origine a libere associazioni, al movimento del pensiero e all'empatia emotiva.

Dall'avvento dell'astrattismo, in esso sono state delineate due linee principali:

Primo – geometrico, O astrazione logica, che crea lo spazio combinando forme geometriche, piani colorati, linee rette e spezzate. Si incarna nel Suprematismo di K. Malevich, nel neoplasticismo di P. Mondrian, nell'orfismo di R. Delone, nelle opere dei maestri dell'astrazione post-pittura e dell'op-art;
Il secondo è l'astrazione lirico-emotiva, in cui le composizioni sono organizzate da forme e ritmi che fluiscono liberamente, è rappresentato dall'opera di V. Kandinsky, le opere di maestri dell'espressionismo astratto, del tachismo e dell'arte informale.

Maestri dell'arte astratta:

Wassily Kandinsky, Kazimir Malevich, Frantisek Kupka, Paul Klee, Piet Mondrian, Theo Van Doesburg, Robber Delaunay, Mikhail Larionov, Lyubov Popova, Jackson Polok, Josef Albers e altri.

Dipinti d'artista: