Il TEATRO è una forma d'arte sintetica che ci permette non solo di ascoltare, non solo di immaginare, ma anche di guardare, di vedere. Il teatro ci offre l'opportunità di essere testimoni di drammi psicologici e partecipi di fatti ed eventi storici. Il teatro, lo spettacolo teatrale è creato dall'impegno di molti artisti, dal regista e attore allo scenografo, perché lo spettacolo è “una combinazione di arti diverse, ognuna delle quali si trasforma e acquista una nuova qualità in questo piano ...”
Il costume teatrale è una componente dell'immagine scenica dell'attore, questi sono i segni e le caratteristiche esterne del personaggio interpretato, che aiutano la reincarnazione dell'attore; mezzi di influenza artistica sullo spettatore. Per un attore un abito è materia, una forma ispirata al significato del ruolo.
Proprio come un attore nella parola e nel gesto, nel movimento e nel timbro della sua voce crea una nuova essenza dell'immagine scenica, partendo da ciò che è dato nello spettacolo, così l'artista, guidato dagli stessi dati dello spettacolo, incarna l'immagine attraverso mezzo della sua arte.
Nel corso della secolare storia dell'arte teatrale, la scenografia ha costantemente subito una trasformazione evolutiva, causata non solo dal miglioramento della tecnologia scenica, ma anche da tutte le vicissitudini degli stili e della moda dei tempi corrispondenti. Dipendeva dalla natura della struttura letteraria dell'opera, dal genere della drammaturgia, dalla composizione sociale del pubblico e dal livello della tecnica scenica.
I periodi di strutture architettoniche stabili dell'antichità lasciarono il posto alle fasi primitive del Medioevo, che a loro volta lasciarono il posto ai teatri di corte reali con un lusso autosufficiente di spettacoli. C'erano spettacoli in tessuto, in complessi scenari costruttivi, solo nel design dell'illuminazione, senza alcuna decorazione - su un palcoscenico spoglio, su una piattaforma, solo su un marciapiede.
Il ruolo del costume come scenario "in movimento" è sempre stato dominante. Il punto di vista sul suo "rapporto" con l'attore, il tempo e la storia, e infine, con il suo "partner" immediato - il design artistico del palcoscenico, è cambiato.
Nel processo di sviluppo progressivo dell'arte del teatro moderno, l'innovazione della regia, la trasformazione del metodo del disegno artistico, il ruolo dell'arte del costume non va diminuendo, anzi. Con la crescita delle sue controparti più giovani e duttili - cinema e televisione - il teatro, indubbiamente, acquisisce nella ricerca e nel tormento nuove forme di tecniche spettacolari, proprio quelle che difenderebbero e definirebbero la posizione del teatro come valore duraturo di un'opera indipendente forma d'arte. Il costume, in quanto elemento più mobile della scenografia teatrale, occupa il primo posto in questa ricerca.
L'alta cultura moderna dell'arte teatrale, il sottile e profondo lavoro di regia sullo spettacolo e sulla rappresentazione, il talento recitativo degli attori richiedono all'artista che progetta lo spettacolo una penetrazione particolarmente approfondita nella drammaturgia dello spettacolo, uno stretto contatto con la direzione. Il design moderno non è canonizzato dalle regole. È individuale e concreta in ogni caso particolare. “Il lavoro di un regista è inseparabile dal lavoro di un artista. In primo luogo, il regista deve trovare le proprie risposte ai problemi di base della scenografia. L'artista, a sua volta, deve sentire i compiti dell'ambientazione e cercare con insistenza mezzi espressivi ... "
Il costume teatrale viene prima creato con mezzi visivi, cioè uno schizzo.
Il costume teatrale gioca un ruolo importante nel plasmare l'immagine positiva del teatro tra il suo pubblico target.
Il costume teatrale è un concetto ampio e include tutto ciò che cambia artificialmente l'aspetto di una persona, aggrappandosi al suo corpo: questo è un intero complesso di cose: acconciatura, trucco, scarpe, copricapo e l'abito stesso. Il significato semantico di un costume come maschera corporea è confermato anche dal significato lessicale della parola "costume": "la parola è presa in prestito dall'italiano "costume", che significa "costume", "costume", "abito", e al plurale - "mores" Kokuashvili N.B. L'abbigliamento come fenomeno culturale // Segni della vita quotidiana - Rostov-on-D., 2001. - P. 38-44 ..
Il costume teatrale riflette sempre l'epoca in cui si svolge la rappresentazione. Per creare un costume teatrale, i decoratori utilizzano varie fonti di informazione: affreschi, sculture, dipinti, fonti scritte.
Il costume teatrale è l'unico sistema in grado di modificare artificialmente l'aspetto di una persona, enfatizzando o distruggendo l'unità armoniosa del corpo, o alcune parti di esso, e creando un'immagine artistica. Supponiamo una situazione così reale: quando vediamo una ragazza con un vestito che conferisce alla sua figura una forma vicina all'ideale, possiamo esclamare "Che bella ragazza!", Il che significherà che questo costume ha adempiuto alla sua "funzione estetica" , ha reso bella una persona. Numerosi dettagli non funzionali, ad esempio un motivo, un motivo in tessuto, il suo colore, trama, pizzo, balze, bottoni decorativi, ricami, applicazioni, fiori finti, ecc., A prima vista, sono solo elementi decorativi dei dettagli del costume Tuttavia, dopo un'attenta analisi, si scopre che aiutano a modellare l'immagine e la perfezione figurativa è una delle potenti fonti di bellezza. In questo caso, un aspetto estetico del costume teatrale passa impercettibilmente in un altro, che può essere chiamato la funzione artistica del costume, progettato per creare un'immagine individuale, uno stile.
Senza compilare una tipologia di costume teatrale, è impossibile studiarne il ruolo nel plasmare l'immagine del teatro. La varietà del costume teatrale può essere paragonata alla varietà delle situazioni della vita o dei personaggi umani che sono incarnati attraverso questo costume sul palco. Il modo principale per comprenderne l'essenza è la tipologia, la divisione in classi, gruppi, specie, ecc. su vari piani.
Non ci sono studi completati su questo argomento. Anche se vale la pena notare che ogni autore che inizia a studiare il costume teatrale e il costume in generale lo classifica secondo qualche criterio. Gran parte della letteratura sul costume è ricerca storica ed etnografica, e quindi il costume è diviso su basi geografiche o temporali. Nella letteratura dedicata ai temi dell'aspetto degli elementi di abbigliamento, del loro sviluppo, dei metodi di formazione dell'immagine, un abito è solitamente suddiviso in relazione al corpo, alla costruzione e alle funzioni.
Ogni tipo di classificazione apre nuove aree di ricerca, rivela problemi inaspettati e nuovi aspetti del costume.
Abbiamo già detto che un costume teatrale dovrebbe essere inteso come tutto ciò che modifica artificialmente l'aspetto di una persona, aggrappandosi al suo corpo, inclusi vestiti, copricapo, scarpe, acconciatura, gioielli, accessori, trucco. La definizione contiene già la prima e principale classificazione: sono elencati i sottosistemi della tuta.
I piani principali della tipologia:
1. Antropologico
a) in relazione al corpo
La base della classificazione è il grado di vicinanza al corpo e, di conseguenza, il grado di influenza sul corpo.
Li elenchiamo dal più vicino al più lontano: colorazione del corpo (tatuaggio, trucco, trucco), vestiti, scarpe, cappelli, gioielli, accessori (hanno anche un effetto diverso: ad esempio, gli occhiali sono più vicini di una borsetta).
Molti sistemi, come l'abbigliamento, hanno anche differenze al loro interno (biancheria intima e capispalla).
Questo motivo deve essere preso in considerazione quando si crea e si consuma un costume teatrale, perché il corpo umano può accettare solo determinati materiali, trame, sostanze. L'intera storia della produzione di costumi si sta sviluppando nella direzione della creazione dei materiali e delle sostanze più confortevoli e sicuri per la salute (trucco, trucco).
b) in relazione a parti del corpo (tipi di abbigliamento, cappelli, scarpe, ecc.)
Abbiamo già incontrato questa classificazione nella definizione e quindi può essere definita decisiva in un approccio sistematico allo studio del costume. Costruiamo una gerarchia completa di sistemi e sottosistemi del costume teatrale.
Stoffa. Secondo il metodo di fissaggio sul corpo, l'abbigliamento è diviso in vita (gonne, pantaloni, pantaloncini, mutande, ecc.) E spalle (camicie, vestiti, prendisole, impermeabili, cappotti, pellicce, giacche, magliette, maglioni , ecc.) La configurazione e la plasticità del corpo determinano le differenze negli elementi del costume. L'abbigliamento è posizionato su tre parti del corpo: busto, braccia e gambe.
Tutti i vestiti sono inoltre divisi in tre strati: biancheria intima, biancheria intima e capispalla.
Biancheria. I produttori dividono la biancheria intima in tre tipi: tutti i giorni (pratici, realizzati con materiali densi naturali o misti, lisci), festivi (intelligenti, con tutti i tipi di decorazioni, da abbinare a vestiti per occasioni speciali) biancheria intima (aperta, trasparente, con tutti i tipi di decorazioni, dettagli in testa (balze, fiocchi, pizzi, perline), spesso con un pizzico di scherzo.
Nel XII secolo apparvero eleganti abiti intimi per la casa (di solito per i bagni mattutini): vestaglia, polonaise, vestaglia, shmiz, che esistono ancora. In Europa nel XIX secolo, grazie ai viaggi ai tropici, divenne noto il pigiama.
Biancheria intima. Questa è la sezione più numerosa dell'abbigliamento, è difficile e poco pratico elencare tutti i suoi tipi, l'intera gamma si trova tra biancheria intima e capispalla. Tuttavia, si dovrebbe prestare attenzione alla seguente caratteristica, che dipende dal clima. Nei paesi caldi, la biancheria intima e la biancheria intima sono spesso combinate per formare abiti abbastanza rivelatori indossati tutti i giorni per ridurre al minimo i materiali presenti sul corpo. Considerando che l'abbigliamento dei settentrionali è multistrato, il che aumenta il numero di tipi di abbigliamento.
Sezione giacca: blazer, maglione, giacca, gilet, giacca, maglione, smoking, frac, abito ("due", "tre", con gonna o pantaloni), camicia (camicia).
Calzature: pantaloni, pantaloncini, calzini, calze, collant.
Separatamente, evidenziamo l'abito (prendisole) e la gonna.
Capispalla. La varietà di tipologie di capispalla non è così grande, la divisione si basa, prima di tutto, sulle stagioni e, ovviamente, sul design e sul materiale. Elenchiamo i principali tipi di capispalla: cappotto di montone, pelliccia, cappotto, giacca, cappotto, impermeabile.
Gli storici del costume distinguono circa diciassette tipi di cappotti.
Dovresti anche prestare particolare attenzione a determinati elementi di abbigliamento, che, di regola, hanno uno speciale potere simbolico: colletti, polsini, cravatte (sciarpe, sciarpe), calze (calze), cinture (cinture), guanti (guanti). Questi piccoli dettagli possono cambiare completamente il carico di informazioni della tuta nel suo insieme.
Le scarpe si dividono in: cucite, tagliate e attaccate alla gamba con varie bende, vimini.
In base alla progettazione, le scarpe sono divise in sandali e zoccoli, scarpe, stivali e stivali.
Cappelli. Il copricapo è sempre stato associato alla testa, quindi ha un forte significato simbolico. Nelle opere d'arte, un copricapo potrebbe servire come sostituto della testa.
L'intera varietà di gioielli secondo il suo scopo è suddivisa in: vestiti (spille, gemelli, fibbie, fermagli, spille), biancheria intima (orecchini, collane, catene, ciondoli, anelli, bracciali) e gioielli per capelli (forcine, diademi, ecc. ).
Secondo il metodo di attaccamento, il mondo della gioielleria è costituito dai seguenti sottosistemi: collo (catene, pendenti, collane, collane, nastri, pendenti, perline, medaglioni); orecchio (orecchini, fermagli, borchie); braccialetti (su braccia e gambe); dito (anelli, anelli); ornamenti per capelli (forcine, sovrapposizioni, ghirlande, diademi, anelli temporali, nastri, ecc.).
Acconciatura - decorazione della testa, per molti versi simboleggia la struttura del suo contenuto interno, la visione del mondo di ogni persona e l'era nel suo insieme.
I capelli sulla testa, poiché coprono la parte superiore del corpo umano, simboleggiano forze spirituali, poteri superiori, incarnano lo stato spirituale di una persona. I peli del corpo sono associati all'influenza di forze irrazionali, inferiori, istinti biologici. Capelli significa anche fertilità. Nel simbolismo indù, significano le "linee di forza" dell'Universo. I capelli folti sono l'incarnazione di un impulso vitale, essendo associati al desiderio di avere successo. Il colore dei capelli è importante. I capelli scuri hanno un simbolismo scuro e terreno, mentre i capelli chiari (oro) sono associati ai raggi del sole, alla purezza e alla bontà, e tutti gli eroi mitologici e fiabeschi positivi avevano i capelli biondi (Biancaneve, Snow Maiden, Riccioli d'oro). I capelli rosso rame indicano un carattere demoniaco ed è associato a Venere. Per secoli c'è stata l'idea che una strega dovesse essere rossa e che queste persone fossero sempre fortunate. Molti rituali di stregoneria sono associati ai capelli, come energia spirituale di una persona. Quando perdiamo i capelli, perdiamo forza come il biblico Sansone. Il rovescio della medaglia della caduta dei capelli è il sacrificio volontario. Tutti coloro che rifiutano la vita terrena, per intraprendere la via dell'ascetismo assoluto, sono obbligati a tagliarsi i capelli (tonsura monastica). Le persone hanno prestato grande attenzione alle acconciature per molto tempo. Secondo Diderot, un'acconciatura rende una donna più attraente e un uomo sottolinea i suoi tratti caratteriali.
Trucco. Attraverso il trucco, un attore può cambiare il suo volto, dargli una forma così espressiva che aiuterà l'attore a rivelare in modo più completo e completo l'essenza dell'immagine e trasmetterla allo spettatore nel modo più visivo. Ma il trucco conta non solo come disegno esteriore del carattere del personaggio interpretato dall'attore. Anche nel processo creativo di lavorare su un ruolo, il trucco è un certo impulso e incentivo per l'attore a rivelare ulteriormente l'immagine.
Le forme originali del trucco teatrale sono nate sulla base della pittura magica del corpo e di una maschera rituale, direttamente correlata alle idee magiche e animistico-religiose dell'uomo primitivo.
2. Demografico
C'è un'ovvia divisione in elementi maschili e femminili del costume, colori, trame, materiali.
Uomo - tonalità sobrie, di regola, scure, con una predominanza del nero, si trovano spesso contrasti rigorosi, le trame sono dure, i tessuti sono densi, pesanti, opachi, i motivi e le trame sono geometrici, tecnici.
Donna - tonalità pastello, tutta la tavolozza rosa, trame leggere e morbide, facilmente drappeggiate, trasparenti, con scintillii, ricami, guipure, motivi floreali, vegetali, pois e linee morbide in trame e motivi, perle e madreperla - materiale per accessori e gioielli.
Il costume teatrale può differire per genere sia in piccoli dettagli (ad esempio: il lato della chiusura), sia in generale nell'intera forma. Così, nel XVII secolo, gli uomini usavano ampiamente il pizzo chic, ma ora è appannaggio delle donne, uno dei simboli della femminilità. I segni di femminilità e mascolinità, ovviamente, sono cambiati tra popoli diversi e in epoche diverse, ma erano sempre presenti. L'eccezione, forse, è la fine del 20° secolo, con la sua idea unisex.
Per molto tempo ci sono state differenze tra i costumi per bambini e per adulti. All'interno di questi gruppi ci sono gradazioni: bambini piccoli, adolescenti, giovani, persone in età matura, anziani, anziani. Il costume contiene dettagli speciali per la vecchia generazione e speciali per i più giovani. Ecco alcuni esempi: un fiocco o un bavaglino per noi è sempre simbolo dell'infanzia, un foulard legato intorno alla testa di una donna è solitamente associato alla vecchiaia, solo i giovani possono indossare un costume con evidenti segni di erotismo. Tali simboli stereotipati sono saldamente radicati nella cultura.
Come nel caso del genere, è accettata la divisione in disegni, colori, trame e materiali per bambini e adulti.
Il concetto di costume per bambini come gruppo indipendente è nato solo nella seconda metà del XVIII secolo in Inghilterra. Fino a quel momento, l'abbigliamento per bambini era solo una copia più piccola dell'adulto. Questa separazione è in gran parte dovuta alla drammatica complicazione del costume, che lo rendeva troppo scomodo per i bambini.
I principali piani ambientali del costume teatrale.
1. Storico (temporale) - epoche, secoli, periodi, anni ...
Questa classificazione, applicata al costume, è la più comune nella scienza storica. Con questo approccio, la storia delle cose e dei fenomeni viene studiata dal punto di vista della loro appartenenza a un tempo particolare. Le principali gradazioni più generalmente riconosciute sono: primitività, antichità, Medioevo, Rinascimento, XVII, XVIII, XIX e XX secolo. Lo sviluppo del costume in questo caso è considerato come un processo lineare, l'attenzione è sui segni che distinguono un'epoca dall'altra. L'attenzione del ricercatore è focalizzata sugli stilemi del costume comuni a tutte le arti architettoniche di ogni periodo.
All'interno di ogni epoca, è consuetudine individuare periodi più piccoli, i loro nomi sono ben noti.
2. Naturale.
Spaziale-geografico. Qui la divisione più sorprendente avviene in due poli: est-ovest. Naturalmente, le differenze vanno ben oltre la geografia. Il problema di "Est-Ovest" è dedicato a molte opere, e tutti i problemi in esse discussi si riflettono in un modo o nell'altro nel costume. Un'ulteriore divisione avviene secondo uno schema semplice: continenti, paesi, regioni, città, villaggi, isolati urbani.
Climatico. A causa del fatto che una delle prime funzioni della tuta era quella di proteggere il corpo dalle influenze naturali, la tuta, prima di tutto, iniziò a differire per adattabilità a varie condizioni climatiche e naturali.
Naturalmente, in realtà, i piani si intersecano, formando un'ampia gamma di condizioni naturali che richiedono un abito speciale. Notte invernale nella foresta meridionale e giorno estivo nelle montagne settentrionali, sole settentrionale e meridionale, pioggia e vento nella steppa e nella foresta, ecc. determinare in gran parte la varietà dei costumi dei popoli che abitano il nostro pianeta.
Con lo sviluppo dell'attività umana e dell'industria, compaiono costantemente nuove tute, appositamente adattate per soggiornare in condizioni naturali estreme, che consentono alle persone di farsi strada negli angoli più inaccessibili della Terra e in ambienti inesplorati. L'umanità ha sviluppato attrezzature per conquistare cime montuose, profondità marine, foreste pluviali impenetrabili, deserti e poli.
3. Etnografico: gruppi etnici, popoli, tribù (riti, costumi). Questa è una delle classificazioni più comuni del costume teatrale. La maggior parte di tutta la letteratura sul costume è costituita da opere etnografiche contenenti descrizioni dettagliate dei costumi di varie comunità etniche e dei costumi e dei rituali ad essi associati. Secondo tali studi, è bene studiare un fenomeno come un costume nazionale.
4. Cerimonie separate di alcune comunità etniche.
Molte opere dedicate al costume teatrale di un'epoca particolare si basano su una divisione in classi. L'abbigliamento di varie classi è inizialmente determinato dal loro modo di vivere intrinseco, la sua forma fissa funziona come un segno che indica uno o un altro strato della società. Il leader si è distinto tra i suoi compagni di tribù, era venerato come una persona speciale. Il taglio e i dettagli del costume parlano dello status nella società, delle tradizioni tribali, ecc. E nel mondo moderno esiste questa funzione dell'abito (ad esempio, in un tailleur: più sottile è la striscia, più alto è lo status del suo proprietario). Gli errori qui sono sempre stati altamente sgraditi e potrebbero offendere. Le persone erano molto sensibili alla loro posizione nella società e cercavano sempre di enfatizzarla in qualche modo in un abito. Spesso classi diverse hanno etiche, estetiche, ecc. norme, che si riflette anche nel costume. In una società di classe, i segni esterni sono semplicemente necessari per stabilire la natura delle relazioni e della comunicazione.
Durante il passaggio da un'economia di sussistenza a un'economia di mercato, con la sua divisione del lavoro e lo scambio di merci, ogni azienda aveva i suoi professionisti e, di conseguenza, lo stesso tipo di abito. La sua forma dipendeva in gran parte dalle specificità dell'attività e conteneva elementi che univano persone della stessa professione in una sorta di corporazione, sottolineando così la comunanza di occupazioni che lasciavano un'impronta sul loro carattere, visione del mondo e atteggiamento nei confronti degli altri. Caratterizziamo anche gruppi di persone nominando segni o elementi del loro abbigliamento, ad esempio: "persone in camice bianco", "persone in divisa", "colletti bianchi" e subito tutti capiscono di chi stanno parlando.
Le seguenti professioni hanno i costumi più ben definiti e facilmente distinguibili: militari, operatori sanitari, impiegati di aziende di trasporto, catering, ecc.
Confessione. Questa tipologia prevede lo studio del costume dei rappresentanti di varie religioni, nonché dei loro rami e movimenti eretici. Ogni religione stabilisce e condiziona determinate forme di costume, taglio speciale, silhouette, colori, accessori e dettagli.
A seconda del grado di influenza della religione sulla vita della società in un dato periodo, queste caratteristiche influenzano in un modo o nell'altro tutte le forme e i tipi di costume.
5. Estetica: gerarchia di stile, cambio di moda, ecc.
Uno strato piuttosto ampio di letteratura dedicata al costume teatrale si basa proprio su questa classificazione. La storia del costume teatrale, di regola, si basa sulla considerazione di vari stili di costume e moda che si sono sostituiti a vicenda nel corso dell'esistenza dell'umanità. Anche i ricercatori della modernità utilizzano attivamente questa gerarchia nel loro lavoro, considerando la tavolozza di stili che sono sia presenti nel nostro tempo che alla base delle scienze dell'immagine. A questo proposito va notato che lo studio dello stile del costume si basa su due direzioni: gli stili storici e quelli moderni. Il concetto di "moderno" comprende non solo gli stili emersi negli ultimi decenni del secolo in corso, ma tutta la varietà di stili di costume che i nostri contemporanei hanno a disposizione, nonché l'attitudine stessa allo stile come strumento. Ciò è dovuto al fatto che allo stadio attuale dello sviluppo umano, lo stile dell'era attuale può essere definito come polivarianza, ad es. non può essere definito in modo univoco, dipende da molte ragioni e cambia facilmente a seconda della situazione, dell'umore, ecc. Pertanto, elencheremo i principali stili storici che si sono formati in un'epoca particolare, e quindi i principali stili in cui una persona moderna può esprimersi. Naturalmente, molti stili moderni si basano su alcuni stili storici.
Elenchiamo i principali stili storici:
Antico. Il corpo era visto come uno specchio, che doveva riflettere la perfezione del mondo. Il costume obbediva alle leggi della logica e dell'armonia. Lo stile antico è l'immagine della "colonna greca", che si sforza di raggiungere l'altezza della luce e della perfezione. L'uso di tessuti di una certa larghezza in accordo con le dimensioni del telaio, i vestiti non sono tagliati, ma raccolti in pieghe verticali, l'abito è disegnato secondo la struttura della figura umana, le scarpe sono quasi una suola.
Romanico. Ha portato l'eredità dell'antichità, ma con alcuni eccessi. Un abito semplice e non contiguo (cucito da due parti) era rifinito con un ampio bordo.
Gotico. Fu in quel momento che apparve il taglio, che divenne insolitamente complesso e virtuoso. I vestiti sono fatti su misura. Il costume di quell'epoca è simile all'architettura gotica. La predominanza di linee verticali e dettagli appuntiti.
Rinascimento. Il desiderio di armonia, espresso nella simmetria e nella mancanza di fronzoli. In tutto - solo proporzioni naturali. I contemporanei hanno cercato di creare un costume ricco ed elegante che potesse enfatizzare la dignità di una persona. Per la prima volta l'abito femminile si divide in gonna lunga e corpetto. L'abbigliamento si distingue per l'uso di tessuti costosi, ornamenti complessi, design insolito delle maniche, una combinazione di due colori e materiali.
Barocco. L'emergere di nuovi materiali, i più apprezzati sono il velluto e il metallo. La ricerca del lusso e dell'eccentricità. La formalità, la rigidità degli abiti pesanti.
Rococò. Gli abiti diventano più aggraziati, gli abiti enormi si riducono a dimensioni più umane. L'abbondanza di pieghe e connessioni con l'uso del raso, la biancheria intima più ricca. La predominanza dei colori pastello negli abiti e l'abbondanza di accessori.
Impero. Seguito le orme della moda antica (questo valeva solo per il costume femminile). Tratti caratteristici: semplicità delle linee, pieghe verticali, spostamento della linea di cintura sotto il petto, maniche a sbuffo, scollo profondo. Nel guardaroba degli uomini compare un frac scuro, che veniva indossato con una cravatta, un gilet fantasia e un cappello a cilindro.
Dandy. All'inizio del XIX secolo fu creato un tipo di gentiluomo modestamente ma perfettamente vestito: un dandy. La caratteristica principale è la semplicità esteriore del costume, unita al costo elevato e al taglio perfetto. Il ruolo accresciuto di una cravatta, che diventa l'unica decorazione accattivante su una camicia bianca come la neve.
Romanticismo. Questo stile si manifesta più chiaramente in un abito da donna, le cui caratteristiche distintive sono un corpetto aderente, maniche larghe, molte balze, balze e fiocchi, sfumature di colore chiaro, che creano una sensazione di ariosità e tenerezza.
Moderno. L'ego è caratterizzato dal rifiuto di tutte le vecchie norme in costume. L'Art Nouveau si distingue per la silhouette a forma di S di un abito da donna, abiti larghi traslucidi, decoratività e stravaganza combinati con look fantastici.
Oggi alcuni stili si sviluppano in abito, altri nascono e muoiono, è semplicemente impossibile descriverli tutti. Tuttavia, molti di loro possono essere distinti, con tratti caratteristici ed esistenti costantemente in un costume moderno. Consideriamo ciascuno di essi e lungo il percorso spieghiamo quali caratteristiche psicologiche possiamo ottenere con un abito di un certo stile.
Stile aziendale. Spesso si adatta alla definizione di "classico" e indossa anche molti elementi di stile sportivo. Le caratteristiche principali sono professionali, solide, serie, sicure di sé, dignitose, che ispirano fiducia, rigorosamente eleganti, comode. Questo stile si distingue per sagome rigorose, per lo più scure o sobrie, colori tenui, materiali semplici (sono consentiti solo quadri e strisce non contrastanti). Il ruolo principale è svolto da un tailleur in combinazione con una camicia (camicia) sapientemente selezionata, spesso bianca. I lavoratori della conoscenza sono chiamati "colletti bianchi" per un motivo. Particolare attenzione è rivolta alla qualità dei materiali e della lavorazione. La severità delle linee e la gamma tenue blu-grigio-marrone è presente in tutti gli accessori e altri sistemi di costumi (acconciatura, trucco). Personifica e sottolinea razionalità, logica, volontà, determinazione, moderazione.
Stile per tutti i giorni: per lavoro, visite di lavoro, viaggi ufficiali.
Romantico. Può essere definito l'esatto opposto dello stile aziendale, essendo la personificazione di emotività, sensibilità, sogno, tenerezza, sentimentalismo. Certo, è più comune tra le donne. Possiamo dire che è la personificazione della femminilità, sottolineando tutti i vantaggi della figura femminile. Le linee della silhouette sono morbide, lisce, un'abbondanza di drappeggi, una varietà di finiture caratteristiche (balze, fiocchi, balze, balze, pizzi, muffe, balze, ricami. I colori sono delicati, tenui, tutte le sfumature del rosa e del blu Fantasie e trame - floreali, vegetali, piselli, fantasia delicata.Accessori, acconciatura e trucco sono raffinati, raffinati, aggraziati.
Stile per appuntamenti, tempo libero, serate, caffè, teatro, ecc.
Gli sport. Diversi sport hanno dato al mondo diversi tipi di costume: pantaloncini, magliette, cappellini da baseball, leggings. Un'altra fonte di stile sportivo era l'abbigliamento per le operazioni militari (giacche calde e comode, tute, caschi, accessori in metallo, tasche applicate, maniche raglan). Le sagome di questo stile sono dritte, trapezoidali, meno spesso semi-adiacenti e aderenti.
Una ricca tavolozza di colori, frequenti contrasti di colore e trama, un'abbondanza di accessori, strisce, emblemi, dettagli di toppe cucite. Le principali caratteristiche dello stile: praticità, funzionalità, scioltezza, dinamismo.
Varietà di stile: "safari", jeans, marine.
Stile per i viaggi, lo svago fuori porta, in casa, per persone attive e dinamiche che apprezzano la praticità e la praticità dell'abito.
Folclore. Formato sulla base del costume popolare. Le principali caratteristiche psicologiche sono una chiara connessione con un certo popolo, tradizionalismo, saggezza popolare, tranquillità, associazioni con valori eterni. Le sagome, di regola, sono semplici, con dettagli espressivi di costumi popolari. Materiali e colori naturali, il motivo più comune è quello geometrico, che ben si sposa con la struttura del tessuto. L'uso di finiture come ricamo, orlo a giorno, pizzo, tessitura, appliqué, tecnica patchwork, frange, perline, dettagli in metallo.
Lo stile è applicabile per eventi ricreativi, teatrali e concertistici, con comunicazione amichevole con gli stranieri.
"Paese". Per molti versi è vicino allo stile folcloristico, sebbene non esprima chiaramente i segni dell'uno o dell'altro costume nazionale. Questo stile è più una fantasia, una variazione sul tema della vita rurale, in cui a volte si indovinano le caratteristiche di molti costumi popolari. In termini di impatto psicologico, questo stile è simile al pastorale, che irradia facilità, piacevole rilassamento, incuria, sogno, innocenza, un'idea romantica della vita e della natura. Colori, disegni e materiali sono naturali: tela, paglia, batista, fiori, colori pastello, allegri disegni floreali, quadri luminosi, colori prevalentemente grigio-marrone.
6. Produzione.
Innanzitutto vanno distinti materiali artificiali e naturali, che hanno metodi di lavorazione e qualità di consumo diversi.
Nella maggior parte dei casi, il materiale influenza radicalmente la direzione generale e la natura della modellatura. Qui, la base sono le proprietà fisiche del materiale, che predeterminano la soluzione strutturale-spaziale e plastica della cosa. La varietà di forme aumenta notevolmente quando si combinano materiali diversi.
Per tecnologia.
La lavorazione del materiale predetermina anche la forma. Le tecnologie in costante miglioramento ci consentono di fare miracoli straordinari nella fase attuale. Ma c'erano momenti in cui il design e le dimensioni dell'abito erano determinati dalla larghezza del telaio. Nella storia dell'umanità ai fini della ricerca, si possono distinguere tre periodi principali: metodi di produzione manuale, meccanica e dell'informazione.
Con dati materiali e tecnologie, la collocazione del materiale nello spazio (costruzione) predetermina anche la varietà delle forme.
Le classificazioni di cui sopra si intersecano, formando una rete complessa. Ma non rivelano l'essenza degli oggetti: i principi profondi della loro creazione, funzionamento e valutazione.
Ogni tipo di creazione di costumi implica i propri obiettivi, la propria comprensione della perfezione e della bellezza delle cose, si basa sulla propria misura e sul proprio sistema di principi. Se al polo dell'utilità pratica dominano completamente il calcolo razionale e l'affidamento alle leggi oggettive della natura, allora al polo opposto, artistico, domina il principio irrazionale: l'intuizione, le associazioni soggettive, il subconscio, le rappresentazioni condizionali, ecc.
Ciascuno di questi inizi può svolgere un ruolo diverso, dal dominio alla completa sottomissione. A seconda della posizione delle forme del costume su questo asse, si distinguono sei tipi principali di creatività dell'oggetto e, di conseguenza, sei tipi di formazione del costume.
1. Razionale-utilitaristico. Qui la funzione pratica dell'abito come cosa utile è incarnata al massimo. Con questo approccio, viene perseguito un obiettivo: fornire protezione da influenze esterne, facilità d'uso. Qui includiamo trampolieri, caschi, uniformi da soldato, ecc.
2. Razionale-estetico. Qui, insieme alla funzione precedente, c'è un mood per la bellezza di una cosa, intesa come conseguenza della sua perfezione pratica a tutto tondo. Qui possiamo includere abiti da lavoro, molti tipi di abbigliamento casual, ecc.
3. Olistico. Questo tipo di creatività mira a creare una forma che combini armoniosamente gli estremi, conferendo alle cose un'integrità artistica e pratica. La maggior parte dei tipi di costume appartiene a questo tipo, che allo stesso tempo funge sia da cosa perfetta che da segno.
Nei seguenti tipi, il principio artistico nel costume teatrale assume un ruolo di primo piano.
4. Stile. In questo tipo, la forma espressiva di un oggetto perde spesso il suo legame con la sua base pratica. Nel quinto tipo, gli oggetti della creatività non sono più utili praticamente-materialmente, ma spiritualmente. La bellezza in un costume decorativo non è più direttamente correlata all'inizio pratico. Con l'aiuto della forma di stili conosciuti, alle cose vengono date le caratteristiche del prototipo, l'alone delle associazioni ad esso associate. Questo tipo di costume funge principalmente da insieme di segni che formano l'immagine di chi lo indossa. Usiamo spesso tali vestiti anche nella vita di tutti i giorni, utilizzando diversi stili di costume a seconda della situazione e della moda.
5. Decorativo. Il costume perde in gran parte il suo significato pratico e la sua forma è soggetta a qualche idea artistica, per la cui realizzazione sono coinvolti vari mezzi pittorici. Ciò include principalmente costumi di carnevale e rituali.
6. Artistico. Quest'ultimo tipo penetra nel nucleo stesso del mondo illusorio dei modelli figurativi della realtà. I momenti pratici compaiono solo nella produzione di un'opera per assicurarne l'esistenza. Questo tipo è una manifestazione di "arte alta", dove la bellezza può lasciare il posto ad altre relazioni estetiche. Il costume funge da opera d'arte e svolge tutte le funzioni inerenti all'arte, soprattutto fondendosi con la persona che lo ha vestito. Questo tipo comprende costumi di scena, collezioni di famosi couturier. Sono concentrati di idee e di immagini, ei loro creatori si chiamano costumisti.
Come ha mostrato l'analisi, la classificazione del costume teatrale può essere fatta su una varietà di piani. La scelta del piano di considerazione dipende di volta in volta dagli obiettivi dello studio.
Basato sul libro di Zakharzhevskaya R. V. "The History of the Costume"
Mi vergogno ad ammetterlo, ma sono il tipo di regista e attore per il quale il costume di scena non ha molta importanza. Non mi interessa davvero cosa indosso sul palco, e anche il costume più accurato non mi aiuta ad abituarmi meglio all'immagine del personaggio, perché l'adattamento interno per me è molto più importante. Come regista, non mi attengo mai a un'epoca oa un luogo, preferendo pensare che non abbia importanza e che la storia che voglio raccontare sarebbe potuta accadere ovunque, in qualsiasi momento. La ragione di tale indifferenza per la componente visiva in me è probabilmente la mia completa ignoranza nelle arti visive e il sottosviluppo della percezione visiva. Ma io stesso capisco quanto mi sbagli e quanto perdano le mie produzioni per questo.
Quindi, cos'è un costume di scena e perché è importante sia per l'attore che per la produzione nel suo insieme? Il costume teatrale è una componente dell'immagine scenica dell'attore, questi sono i segni e le caratteristiche esterne del personaggio interpretato, che aiutano la reincarnazione dell'attore; mezzi di influenza artistica sullo spettatore. È sbagliato pensare che l'abito sia limitato solo ai vestiti. Questo è anche trucco, capelli, scarpe, accessori (ombrelli, sciarpe, sciarpe, valigette, borse, cappelli, gioielli). Solo in un tale complesso di cose il concetto di costume è completo.
Per un attore un abito è materia, una forma ispirata al significato del ruolo. Claude Autan Lara, noto regista francese, scrive nell'articolo “Il costumista nel cinema deve vestire i personaggi”: il paesaggio, l'abbigliamento trasmette uno stato d'animo: attraverso di esso ognuno di noi rivela una parte della sua personalità , le sue abitudini, i suoi gusti, le sue opinioni, le sue intenzioni ... Il costume dice che questa persona ha appena fatto, cosa sta per fare, ed è per questo che il costume al cinema deve essere prima di tutto un'indicazione psicologica. .. "
Anche durante i lavori preparatori di un'opera teatrale o di un film, l'artista disegna schizzi di costumi, partendo dall'idea incarnata nella drammaturgia, dall'idea del regista, dalla decisione stilistica della produzione futura e, ovviamente, dalla caratterizzazione dei personaggi. Lo schizzo suggerisce lo stile di indossare il costume, l'andatura, prevede la necessaria deformazione della figura, il posizionamento della testa, il movimento delle mani e il modo di tenerle, la nitidezza del disegno della silhouette, l'attore nel costume.
Un cattivo costume può "uccidere" un attore; buono - "sollevare", dare la chiave per comprendere il ruolo, per rivelare alcune qualità del personaggio. Se il costume è scomodo, se cade, si strappa, si aggrappa agli oggetti di scena e alla scenografia, ostacola i movimenti, allora l'attore (e il pubblico con lui) sarà costantemente distratto da lui, dimenticando la linea del ruolo. Allo stesso tempo, un buon costume che rifletta il carattere del personaggio ti aiuterà ad abituarti meglio al ruolo, a sentire la verità e persino a creare lo stato emotivo richiesto.
Inoltre, lo spettatore è anche in grado di considerare molte delle caratteristiche del personaggio semplicemente dal suo aspetto. Ricorda almeno Charlie Chaplin con il suo famoso vagabondo. “La bombetta, i baffi e il bastone parlano di prosperità, ma che triste delusione proviamo quando lo sguardo scivola sulla redingote sformata e sui pantaloni “stranieri” che cadono sugli stivali! No, la vita è fallita! Le parti degli abiti così abilmente interpretate, costruite in contrasto, hanno creato un'immagine indimenticabile per persuasività e potere di influenza, che è diventata un simbolo del "piccolo uomo".
Il costume è in grado di esprimere le caratteristiche psicologiche dell'eroe, ad es. tradire le proprietà del suo carattere (gentilezza, avarizia, spavalderia, modestia, audacia, brio, civetteria, ecc.) o stato d'animo e umore. Il carattere di una persona si riflette sempre nel suo aspetto. Come viene indossato un abito, con quali dettagli è completato, in quali combinazioni è composto: tutte queste sono caratteristiche che rivelano il carattere del proprietario. E l'attore deve ricordarlo. Una signora elegante in uno stato d'animo normale non può essere trascurata in un abito. Un ufficiale responsabile non può permettersi di non allacciare tutti i bottoni della sua uniforme. D'altra parte, sono proprio tali deviazioni dalla norma che emetteranno uno stato emotivo speciale dell'eroe.
Il costume può anche esprimere le caratteristiche sociali dell'eroe. Per costume, lo spettatore riconosce inequivocabilmente ricchi e poveri, militari e intellighenzia, nobili e borghesi.
Inoltre, un costume in scena può cambiare la figura di un attore, non solo in base all'immagine e all'età, ma anche in base alla moda. La deformazione, se non si tratta di un cambiamento plastico della figura mediante spessori o sovrapposizioni, viene effettuata modificando i rapporti proporzionali delle linee principali della figura e un taglio speciale dell'abito, spostando la linea di cintura, vari forme del corpetto. Tali cambiamenti possono essere di grande aiuto nella creazione di ruoli di personaggi ed eroi che vivono in un'epoca particolare.
Avere solo un buon costume per un attore non è sufficiente. Lavora con un abito. È "assestarsi", "invecchiare", "consumarsi". Si tratta anche di una sorta di lavoro psicologico con il costume, uno dei veri mezzi di "rivitalizzazione" e "spiritualizzazione" del costume. Non sto parlando del fatto che devi solo abituarti al costume, perché prima l'attore trova il costume, prima inizia a provarlo, meglio è. Pertanto, il completamento della creazione di un'immagine in costume rimane all'attore: come lo batterà, come si abituerà, come potrà indossarlo.
Il costume, ovviamente, riflette il tempo e il luogo dell'azione. Questo è particolarmente importante nelle esibizioni quotidiane e realistiche. Se i costumi sono accurati per l'epoca o splendidamente stilizzati per essa, il pubblico avrà più fiducia in ciò che sta accadendo sul palco. Non sto parlando di errori nei costumi nei film, che soprattutto gli spettatori corrosivi poi procrastinano a lungo e con piacere (puoi leggere esempi).
Il costume, come lo scenario, dipende dallo stile della performance. “... Arriva un momento in cui il regista, come all'improvviso, scopre di aver trovato una soluzione alla performance, e da quel momento avrà già la chiave di ogni dettaglio. Lo stile trovato ti dirà come dovrebbero camminare gli attori, come dovrebbero sedersi, se dovrebbero parlare romanticamente ottimisti o tutti i giorni con i piedi per terra. Lo stesso stile vi dirà se le decorazioni dovranno essere semplici o sofisticate, se gli arredi dovranno essere autentici o allegramente dipinti sul retro; i costumi devono essere accostati in netti contrasti cromatici o essere dello stesso tipo?..” I tratti stilistici, nella cui tonalità si decide la rappresentazione, sono determinati anzitutto dalla misura della loro necessità di identificare il genere di un'opera drammatica e svelarne l'essenza. Pertanto, ad esempio, i costumi nell'Amleto di Lyubimov, Nyakroshyus e Zeffirelli sono così diversi l'uno dall'altro.
A volte un costume può diventare un simbolo indipendente, quando lo spettatore lo percepisce non più solo come i vestiti dell'eroe, ma legge l'idea del regista, la metafora incorporata nel costume. Ne ho già parlato, citando Charlie Chaplin, il cui costume è diventato un simbolo sia del "piccolo uomo" che di Chaplin stesso. L'abito rosso dell'eroina della commedia "Kalkverk", di cui sono io, le conferisce alcuni tratti demoniaci, è percepita come una minaccia, un pericolo. Inoltre, il cambio stesso del solito vestito grigio in rosso vivo indica l'irrealtà di ciò che sta accadendo, che questo è solo un sogno creato dall'immaginazione malata dell'eroe.
Volevo anche scrivere alcuni consigli pratici, ma già il "foglio" si è rivelato. Ovviamente, questo argomento è interessante e immenso. Sono solo all'inizio della sua divulgazione, quindi sicuramente ci tornerò più di una volta.
Riassumendo:
1. Un costume è un mezzo per rivelare il carattere del personaggio.
2. Il costume può cambiare la figura dell'attore.
3. Il costume riflette il tempo e il luogo dell'azione, lo stile dell'epoca.
4. Un costume è una parte importante della decisione espressiva e dello stile di un'opera teatrale o di un film.
5. Un abito può diventare un simbolo.
L'emergere del costume teatrale in quanto tale ha le sue radici nell'antichità. Sin dai tempi antichi, c'è stato un costume teatrale nel teatro dell'Antico Oriente. In Cina, India e anche in Giappone, il costume teatrale classico è simbolico e convenzionale. Nel teatro contano anche il simbolismo delle decorazioni, i motivi sui tessuti e il colore.
I costumi in teatro vengono solitamente creati per ogni rappresentazione e per un particolare attore, ma esistono anche costumi teatrali che sono invariati e generalmente uguali per tutte le compagnie.
Il costume teatrale europeo è apparso per la prima volta nell'antica Grecia, dove, come tutti sanno, il teatro in quanto tale è nato e successivamente sviluppato e, subendo molti cambiamenti, si è trasformato in uno moderno. La cosa principale nel teatro greco era il costume, che ripeteva gli abiti quotidiani dei greci. Inoltre, per uno spettacolo teatrale, erano necessarie grandi maschere con diverse espressioni facciali in modo che il pubblico potesse vedere da lontano le emozioni degli attori e delle scarpe su alti supporti - coturnes. Ogni costume nel teatro greco aveva un colore speciale, ad esempio, che indicava l'appartenenza a una certa occupazione o posizione. Il costume teatrale è cambiato a seconda del concetto dell'opera.
Qui vale la pena svelare l'essenza del concetto di "costume teatrale".
La Great Soviet Encyclopedia fornisce la seguente definizione: "un costume nel teatro (da Costume italiano - costume) è una delle componenti importanti del design dello spettacolo: vestiti, scarpe, cappelli, gioielli e altri oggetti che vengono utilizzati dal l'attore per caratterizzare l'immagine scenica li ha creati sulla base dell'intento del direttore generale; un'aggiunta necessaria al costume è il trucco e l'acconciatura ”Un costume in teatro è un'area speciale del lavoro dell'artista, in cui può incarnare un numero enorme di immagini, trasmettere il carattere del personaggio. Il costume teatrale forma l'idea dello spettatore della personalità del personaggio, aiuta a sentire lo spirito di quell'epoca, a comprendere i tratti caratteristici riflessi nell'aspetto dell'attore.
costume teatrale secondo la definizione di Zakharzhevskaya R.V., questo è “un componente dell'immagine scenica dell'attore, questi sono segni e caratteristiche esterni del personaggio ritratto che aiutano la reincarnazione dell'attore; mezzi di influenza artistica sullo spettatore.
Nel tempo, nel teatro si sono sviluppati tre tipi principali di costumi teatrali: personaggio, gioco e abiti del personaggio. Sono esistiti fin dall'inizio del teatro, sebbene non fossero chiaramente definiti, questi tipi di costumi sono sopravvissuti fino al teatro moderno di oggi.
"Costume da personaggio questa è una composizione figurativo-plastica, che fa parte dell'immagine di un attore-performer. Il costume è una parte inseparabile del personaggio, guidato e doppiato dall'attore". I prototipi primitivi di un costume da personaggio erano parte integrante di riti e rituali in molti paesi del mondo. A volte il costume può nascondere completamente la figura dell'attore.
Tuta da gioco- è un mezzo per trasformare l'aspetto dell'attore e un elemento importante nell'esecuzione del ruolo. Nelle rappresentazioni rituali e folcloristiche, il costume da gioco aveva spesso un carattere grottesco-parodico, ad esempio, quando era necessario enfatizzare, ridicolizzare, sfilare o sottolineare l'assurdità della situazione. Uomini vestiti da donne e viceversa, le persone hanno ritratto animali diversi. Per la realizzazione di un tale costume è adatto qualsiasi materiale che possa enfatizzare l'immagine del personaggio. Sono stati utilizzati vari materiali e capi di abbigliamento: cappelli - paraorecchie, cappotti di pelle di pecora, involucri, vari ornamenti artificiali, perline, campanelli.
Costume come gli abiti del personaggio, è il principale della performance, è sulla base di questo costume che vengono creati i costumi del personaggio e del gioco. Il teatro ha sempre rispecchiato la moda moderna. Ad esempio, nella pratica del teatro, venivano spesso usati costumi simili agli abiti dell'epoca durante la quale veniva rappresentata la rappresentazione. Questa tecnica ha origine dai tempi dell'antico teatro greco ed è presente nel teatro fino ad oggi. La realizzazione di questo tipo di costume è stata effettuata sulla base di un movimento dalla forma dell'abbigliamento vicina all'apparenza (nel teatro del revival) a una maggiore somiglianza con i costumi storici, nazionali, al raggiungimento dell'accuratezza e dell'autenticità. Successivamente, nel teatro del naturalismo, il costume inizia a corrispondere pienamente al carattere del personaggio, trasmette il suo stato d'animo con la massima precisione, l'aspetto trasmette più chiaramente le componenti dell'immagine. Il costume è sempre stato e rimane un'area creativa speciale per gli artisti che elaborano e inventano non solo fantastici costumi, ma anche, a quanto pare, dai più comuni abiti domestici creano vere e proprie opere d'arte.
Il costume teatrale è una parte importante e integrante di qualsiasi rappresentazione teatrale. Il teatro è forse la forma d'arte più pubblica, e quindi è concepita più per la vistosità. Di solito uscendo dalla sala, il pubblico caratterizza lo spettacolo come segue: è stato spettacolare, recitazione eccellente, scenografia meravigliosa, messa in scena eccellente. Da tutto ciò si vede che quasi tutti gli aspetti della rappresentazione teatrale sono influenzati dal lavoro dell'artista.
Al tempo delle esibizioni e dei rituali folcloristici, i maestri dei costumi erano maestri senza nome, spesso i buffoni inventavano autonomamente un vestito per se stessi e lo davano vita con mezzi improvvisati, economici e accessibili. Il teatro non è sempre stato pubblico, si è formato da tempo in questa direzione. C'erano pochi attori professionisti e le esibizioni erano eseguite principalmente da attori autodidatti. Leggi che proteggevano i ricchi, la nobiltà e i proprietari terrieri, combattevano i vagabondi, attori compresi, per fermare le fughe dal lavoro con salari bassi, questo ostacolava la crescita dei professionisti del teatro.
Nell'era del feudalesimo, l'arte del teatro si riflette nelle esibizioni di artisti itineranti. Il costume nelle loro idee sembrava lo stesso del costume dei loro contemporanei dei poveri, ma era decorato con nastri e campanelli luminosi. In questo momento apparvero spettacoli chiamati misteri, una caratteristica degli spettacoli era lo sfarzo, la luminosità, la decorazione e inoltre non erano divisi in atti e moralità. Le esibizioni diventano uno spettacolo di corte, bello ed emozionante. Lo scenario era presente da solo, che non è cambiato durante lo spettacolo, a differenza della moderna rappresentazione teatrale. Il requisito principale per il costume teatrale nel mistero era la ricchezza, il lusso e non importava per i ruoli principali o secondari, il costume era condizionale, evitava i dettagli. Il costume per la moralità era più modesto per il suo contenuto istruttivo.
Come tutte le forme d'arte, nel Rinascimento si ebbe un enorme balzo nello sviluppo del teatro, allo stesso tempo anche il costume teatrale subì cambiamenti significativi, fortemente influenzati dalla moda dell'epoca, così come dalla scenografia. Gli attori comici hanno ridicolizzato i delinquenti, hanno fornito descrizioni spiritose, mirate e talvolta malvagie degli eroi delle esibizioni. Successivamente, nella seconda metà del XVI secolo, il costume del teatro si avvicinò allo stile di abbigliamento aristocratico, a seconda del ruolo poteva essere un abito da clown. I costumi teatrali venivano già realizzati da artigiani istruiti: sarti, artisti, decoratori, c'era richiesta per queste professioni.
Il genere principale del teatro classico nel XVII secolo era la tragedia, gli attori vestiti in costume, ripetendo gli abiti quotidiani di cortigiani e servi, il design dello spettacolo era influenzato dai gusti e dagli interessi dell'aristocrazia. Luigi XIV nel 1662, con la sua esibizione in una festa a Versailles, diffuse nel teatro europeo un nuovo tipo di costume per gli eroi tragici per i cento anni a venire, apparendo in un costume stilizzato "romano" creato sulla base di un costume di corte con l'aggiunta di una corazza e una gonna corta. I costumi delle donne erano un riflesso della modernità, tuttavia, più decorati e ricamati che nella vita di tutti i giorni.
In tutte le opere sulla storia del costume spicca il periodo di Molière, e poiché la moda si è sempre riflessa nel teatro, questo periodo è diventato significativo per il costume teatrale. Tendenze realistiche iniziarono ad apparire nel costume teatrale, Molière nelle sue produzioni vestiva gli attori con costumi moderni di diversi segmenti della popolazione. Un risultato importante nello sviluppo del costume teatrale è stato il rifiuto della pretenziosità e dello sfarzo da parte dell'attore D. Garrick, ha cercato di ridurre il costume per adattarlo al ruolo interpretato, rivelando il carattere dell'eroe, aiutando a comprenderne l'essenza.
Per il nostro lavoro, il contributo di Voltaire alla storia del costume teatrale è di particolare interesse: il desiderio di accuratezza storica, nazionale ed etnografica. Rifiuto di parrucche in polvere, enormi gioielli preziosi, in cui l'attrice Clairon lo ha sostenuto. Nel processo di riforma, il costume stilizzato "romano" fu modificato, abbandonando il tradizionale tunnel, e scomparve l'eccessivo splendore che ostacolava il movimento.
Nel XVIII secolo il costume cambia completamente, rompendo con le antiche tradizioni, il costume diventa storicamente affidabile e viene realizzato secondo i bozzetti degli artisti, grande attenzione viene prestata al trucco, ai capelli, ma l'accuratezza storica si ottiene solo in alcuni dettagli. Solo nel XIX secolo, in connessione con lo sviluppo della regia artistica, hanno cercato di collegare il costume con l'idea dell'opera teatrale, osservando lo spirito dell'epoca nella creazione dello spettacolo. È noto che i drammaturghi hanno preso parte personalmente alla messa in scena dello spettacolo e hanno monitorato l'osservanza della trama, si sono anche assunti la responsabilità degli schizzi di scenografie e costumi, attirando l'aiuto di artisti famosi. Tra gli autori di schizzi di costumi c'erano E. Delacroix, P. Gavarni, P. Delaroche L. e C. Boulanger, A. Deveria e altri, durante questo periodo erano particolarmente preoccupati per l'affidabilità e l'accuratezza, sebbene non tutti lo raggiungessero .
In Inghilterra, l'accuratezza storica del costume teatrale ha ricevuto molta attenzione dall'attore W.C. Macready, attrice E. Vestris. Alcuni registi in spettacoli storici hanno cercato di rappresentare accuratamente la scena, ricreare i costumi esattamente in accordo con quel tempo e prestare grande attenzione al trucco e ai capelli. Naturalmente, una ricerca così mirata per l'autenticità, la storicità e l'accuratezza non poteva che portare a un'ondata di negazione. Entro la fine del XIX secolo, molti registi e artisti di spicco si sforzavano di abbandonare la routine del naturalismo e lottare con il realismo nell'arte, il che portò al ritorno delle convenzioni e della stilizzazione. Ciò è accaduto perché si credeva che il teatro dovesse dare vita a qualcosa di nuovo, favoloso, non reale e non ripetere la quotidianità della vita umana.
Successivamente, all'inizio del XX secolo, artisti eminenti e famosi iniziarono a dedicarsi ai costumi teatrali, portando un riflesso della loro creatività in questo tipo di arte, formando le leggi dell'esecuzione dei costumi, lavorando come pionieri. Nell'attuale fase di sviluppo dell'arte teatrale, gli artisti si sforzano non solo di riflettere l'idea dello spettacolo nelle loro opere, ma anche di rendere i costumi teatrali un'opera d'arte indipendente, di esprimersi, di darsi libero sfogo alla fantasia , per mostrare la loro visione della creatività.
Dalla storia del costume teatrale, vediamo con quale zelo gli artisti hanno trattato questo tipo di arte, quindi l'importanza del ruolo del costume teatrale nell'arte non è messa in dubbio. Nel nostro studio, abbiamo prestato particolare attenzione ai seguenti artisti che hanno creato schizzi per spettacoli teatrali: L. Bakst, A. Benois, N. Roerich, A. Exter (vedi Appendice n. 1). Durante lo sviluppo del costume teatrale, vediamo come artisti famosi e maestri senza nome hanno lavorato per creare un'immagine artistica, persino opere d'arte rappresentate da un costume ordinario, lavorato in modo creativo, cercando di raccontare allo spettatore l'unicità e l'importanza di questo personaggio in ogni dettaglio. Il costume teatrale è una fusione di molte arti, molti maestri di diverse direzioni sono coinvolti nella sua creazione, uno crea uno schizzo, il secondo decora con ricami, il terzo si occupa di accessori e oggetti di scena. Ci sono alcune fasi del lavoro sulla creazione di un costume teatrale.
Prima di iniziare a creare un costume teatrale, l'artista deve porsi la domanda: cosa deve creare, per chi e come? Le risposte a queste domande richiedono che un artista esperto conosca l'atmosfera e l'immagine della performance, la presenza di responsabilità nei confronti del pubblico e un'ottima conoscenza del pubblico, nonché la conoscenza di tutte le tecniche e le tecniche con cui può esprimere qualunque cosa. Nonostante il costume teatrale sia un'opera d'arte indipendente, come ogni cosa nella performance, è soggetta a una trama comune. L'idea, l'idea è al centro di tutto, detta il contenuto di ogni personaggio, il suo status sociale, il lato morale della sua personalità e, di conseguenza, il suo aspetto, perché tutto questo è interconnesso. Nella pratica teatrale distinguere tre fasi di lavoro sulla creazione di un costume: lavoro con la letteratura, accumulo di materiale sul tema generale della performance, lavoro su uno schizzo e, infine, realizzazione di uno schizzo nel materiale, incarnazione nella trama. Quando si decide il costume generale di uno spettacolo, quando si sceglie una tecnica per lavorare su schizzi di costumi e anche quando si scelgono materiali e accessori, il costumista è guidato dall'idea principale dello spettacolo. L'idea espressa nella sceneggiatura domina tutto: i costumi, la scenografia, le caratteristiche dei personaggi.
Una condizione importante nel lavoro di un costumista è raggiungere l'unità dell'idea della performance e della sua realizzazione. Importante nel costume teatrale è la creazione di un'immagine scenica. Un'immagine scenica in un costume teatrale consiste nell'idea di un regista, una base drammatica, dinamica e ritmo. La dinamica dell'immagine e l'evoluzione del carattere del personaggio e tutto ciò che accade sul palco spinge l'artista a cambiare più volte l'aspetto dell'attore sul palco, non solo nel costume, ma anche nel trucco e nell'acconciatura. Il costume dovrebbe aiutare a trasmettere allo spettatore il minimo cambiamento nell'immagine dell'attore.
Il costume è la parte più importante della rappresentazione teatrale, perché è strettamente associato all'attore. Non dimenticare che il costume è un'espressione esterna del carattere del personaggio, parte integrante dell'immagine scenica e crea un'atmosfera speciale attorno agli attori, importante non solo per l'esecuzione del ruolo, ma anche per il pubblico. Spesso ci sono tratti caratteriali che rimangono nel sottotesto dell'opera, il pubblico li apprende dal costume e dai suoi dettagli individuali. A volte il costume dovrebbe fondersi con l'immagine creata dall'attore, ma capita anche che funga da contraddizione con il personaggio. Ad esempio, proprio all'inizio della commedia, vediamo un attore che interpreta una brava persona, si comporta in modo decente e molto moralmente, ma il suo costume allerta lo spettatore, e infatti, alla fine della commedia, risulta essere un cattivo o un traditore. Inoltre, mentre si lavora sugli schizzi, non bisogna dimenticare l'individualità dell'attore, la versatilità e la complessità del suo personaggio.
Pertanto, i mezzi espressivi del costume teatrale sono le seguenti caratteristiche:
Un'immagine scenica artistica consiste nell'idea di un regista, una base drammatica, dinamica e ritmo.
È un'opera d'arte a sé stante.
Si impegna per l'accuratezza storica, nazionale ed etnografica
È un'espressione esterna del carattere del personaggio;
Progettato più per le prestazioni.
COSTUME TEATRO, elemento prestazionale. Nella storia del teatro sono noti tre tipi principali di costume teatrale: personaggio, gioco e abbigliamento del personaggio. Questi tre tipi principali di costume esistono in tutte le fasi delle arti dello spettacolo, dal rituale rituale e dal folklore pre-teatro alla pratica artistica moderna.
Un costume da personaggio è una sorta di composizione figurativo-plastica sulla figura dell'esecutore, messa in moto da lui e doppiata (pronunciando il testo o cantando), a volte nascondendo completamente la sua figura, simile a come la maschera gli copriva il volto. Esempi di costumi di carattere in riti e cerimonie di diversi paesi del mondo. La silhouette a forma di campana del costume indiano era una parafrasi del tempio-tenda-torre di Nagar Shakhara e del sacro Menu di montagna (il centro e l'asse del mondo nella mitologia indù). Cinese - con la sua forma, disegno, ornamento e colore esprime l'antico simbolismo cosmologico dell'alternanza naturale di Luce e Oscurità, la fusione di Cielo e Terra nell'atto di creare il mondo. Il costume da sciamano dei popoli del Nord incarna le immagini di un uccello fantastico associato al "mondo superiore" e di un animale (un abitante del "mondo inferiore"). Il russo meridionale è una specie di modello dell'universo. Nelle rappresentazioni tradizionali dell'Opera di Pechino, il costume era l'immagine di un formidabile drago, nel teatro giapponese "No" - i motivi della natura, e nell'era barocca del XVII secolo. - Fiera o Mondo. Se per le esibizioni rituali rituali e folcloristiche, i costumi dei personaggi (come tutti gli altri elementi della scenografia) erano il frutto del lavoro di anonimi maestri popolari, allora nel XX secolo, fin dall'inizio, gli artisti iniziarono a comporli: I. Bilibin - nell'opera Il galletto d'oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Zar Massimiliano, P. Filonov - nella tragedia Vladimir Majakovskij, infine, K.Malevich - nel progetto vittoria sul sole(tutte e tre le produzioni nel 1913). E poi, alla fine degli anni '10, la prima metà degli anni '20. un'intera serie di costumi dei personaggi è stata creata dai futuristi italiani E. Prampolini, F. Depero e altri, O. Schlemmer del Bauhaus tedesco, e nel balletto - da P. Picasso, che ha mostrato Gestori grotteschi in Parata E. Satie e F. Leger - Divinità negre in Creazione del mondo D.Millau. Infine, l '"architettura" del costume cubista di A. Vesnin ha acquisito un significato caratteriale nelle esibizioni di A. Tairov - in Annunciazione, le sue composizioni suprematiste sulle figure degli eroi Fedra. SU altre scene - le "tute shell" di Y. Annenkov nella commedia Gas G. Kaiser e A. Petritsky - in Viy, oltre a fantastici collage come costumi dei personaggi per la performance revisore dei conti, che sono stati creati dagli studenti di P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg e A. Sashin) sul tema di francobolli, stemmi, sigilli, buste, ecc. - il personaggio del Postmaster, ricette, firme, siringhe, clisteri, termometri - il personaggio del Dottore, bottiglie, salsicce, prosciutti, angurie, ecc. - il personaggio dell'Uomo-Osteria. Nella seconda metà del XX secolo i costumi come personaggi visivi indipendenti, mostrati separatamente dagli attori, come elemento di scenografia, sono stati creati da M. Kitaev e S. Stavtseva, e come vari tipi di composizioni sulle figure degli attori - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.
Un costume da gioco è un mezzo per trasformare l'aspetto di un attore e uno degli elementi del suo gioco. Nelle rappresentazioni rituali e folcloristiche, la trasformazione aveva spesso un carattere grottesco-parodico, quando gli uomini si vestivano da donne, le donne da uomini, i giovani da vecchi, le bellezze da streghe o quando venivano raffigurati vari animali. Allo stesso tempo, veniva utilizzato tutto ciò che era a portata di mano: uno zhupan, un cappotto di pelle di pecora, un involucro, una pelle di pecora - sempre capovolto, più divertente e divertente, così come qualsiasi altro abbigliamento, in qualche modo ridicolo, "invertito", per esempio, pantaloni troppo accorciati, una camicia irragionevolmente larga, calze con buchi, tutti i tipi di brandelli, stracci, stracci, sacchi, corde; si usava anche tutto ciò che la natura dava: erba, fiori, paglia, foglie. Infine, per la medicazione venivano utilizzate anche varie decorazioni artificiali: carta colorata, corteccia di betulla, lamina, vetro, nastri, specchi, campanelli, piume, ecc. Le tecniche del mascheramento grottesco sono passate sia nelle rappresentazioni delle commedie greche antiche sia nel teatro tradizionale orientale, dove sono state combinate con il gioco vario dell'attore con elementi del suo costume: maniche lunghe e piume di fagiano - nell'Opera di Pechino, treni , asciugamani e ventagli - in giapponese "Ma". Spettacoli della commedia dell'arte italiana, opere teatrali di Shakespeare e Lope de Vega sono state costruite su infiniti travestimenti e travestimenti. Alla fine del XVIII secolo Emma Hart (Lady Hamilton) ha costruito la sua famosa danza sul gioco con uno scialle, dopodiché tecniche simili (manipolazione di sciarpe, copriletti, veli e altri elementi simili del costume) sono state ampiamente utilizzate nel teatro del balletto del XIX secolo, raggiungendo il loro massima altezza artistica nel lavoro di L .Bakst, i cui schizzi di immagini coreografiche includevano la dinamica di vari tessuti volanti, cinture, sciarpe, gonne, sciarpe, impermeabili, mantelle, ciondoli, giarrettiere. Sul palcoscenico drammatico, la tradizione del costume, che suona insieme ai movimenti dell'attore, è stata continuata - per mezzo dell'espressività cubo-futuristica - A. Exter negli spettacoli del Teatro da Camera Salomè O. Wilde e Romeo e Giulietta W. Shakespeare, seguita dal suo allievo P. Chelishchev e altri maestri dei primi anni '20: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich e G. Yakulov, S. Eisenstein e G. Kozintsev, finalmente di nuovo sul palcoscenico del balletto, nelle produzioni di K. Goleizovsky - B. Erdman. Se durante questo periodo i costumi teatrali costituivano un'intera tendenza nella scenografia, allora nella seconda metà del XX secolo. sono stati utilizzati da artisti e registi anche abbastanza ampiamente, ma per necessità, come elemento della "tavolozza" di mezzi espressivi a loro disposizione. Tra gli autori di costumi teatrali moderni ci sono gli artisti georgiani Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili e N. Ignatov, esempi simili si possono trovare nei teatri di altri paesi: in Polonia, nella Repubblica Ceca, in Germania, in Italia.
Il costume, come gli abiti del personaggio, essendo, spesso, la base per comporre le tipologie di costume sopra discusse (personaggio e gioco), in tutti i periodi dello sviluppo storico del teatro, in misura maggiore o minore, vi è un'incarnazione sul palcoscenico di ciò che le persone indossavano in un dato periodo. Così era nell'antica tragedia, e così rimane nelle rappresentazioni dei nostri giorni. Allo stesso tempo, l'evoluzione generale di questo tipo di costume è stata caratterizzata da un passaggio dalle forme convenzionali dell'abbigliamento reale (nell'era del barocco e del classicismo) alla sua sempre maggiore affidabilità, accuratezza e autenticità storiche, geografiche, nazionali. Nel teatro del naturalismo e del realismo psicologico, il costume diventa pienamente adeguato al carattere del personaggio, esprime non solo il suo status sociale, ma anche il suo stato d'animo. Allo stesso tempo, sia oggi che nei secoli passati, il costume rimane oggetto di una speciale creatività degli artisti (tra i quali ci sono i più eccezionali maestri di belle arti e scenografie) e lo compongono (anche i costumi quotidiani apparentemente quotidiani, per non menziona fantastico ), non solo come opera separata, ma come componente essenziale della performance.