Człowiek od zawsze dążył do piękna, harmonii i wyrażania siebie. To pragnienie od czasów starożytnych objawia się w obraz- forma sztuki pięknej, której pierwsze dzieła możemy spotkać u człowieka pierwotnego.

Obraz przekazuje obrazy wizualne poprzez nakładanie farb na stałe lub elastyczne podłoże (płótno, drewno, papier, tektura). W zależności od zastosowanych farb i materiałów bazy wyróżniają się różnymi technologia I rodzaje malarstwa. Pomiędzy nimi:

• olej;
• tempera;
• szkliwo;
• gwasz;
• pastel;
• atrament;
• malarstwo na tynku: fresk i secco;
• akwarela;
• sucha szczotka;
• akryl;
• różne środki przekazu
• i wiele innych.

Technik malarskich jest wiele. Wszystko, co pozostawia na czymś ślad, jest, ściśle rzecz biorąc, malarstwem: malarstwo tworzy natura, czas i człowiek.

Kolor w malarstwie jest jednym z najważniejszych środków wyrazu. On sam może być nosicielem określonej idei, a ponadto może wielokrotnie wzmacniać myśl osadzoną w fabule obrazu.

Malarstwo potrafi obudzić w nas całą gamę uczuć i emocji. Kontemplując, możesz napełnić poczuciem harmonii i spokoju, złagodzić stres I zanurzyć się w kontemplacji, Czy mogę naładuj swoje akumulatory i chęć realizacji swoich marzeń. Obraz bliski emocjonalnie potrafi przykuć uwagę na długie godziny, a jego właściciel za każdym razem odnajdzie w nim nowe znaczenia, idee i przesłania artysty. Kontemplacja jest formą medytacji, podczas której wchodzisz w swoje wewnętrzny świat i spędzić tak potrzebny czas samemu.

Oprócz, obraz jak każda inna forma sztuki, pomaga wyrazić siebie, swoje emocje i nastrój, złagodzić stres i wewnętrzne napięcie, a czasem znaleźć odpowiedzi na ważne pytania.

Dla wielu osób malowanie staje się nie tylko przyjemną rozrywką, ale także pożyteczną rozrywką, która ma korzystny wpływ na stan wewnętrzny. Tworząc coś nowego, człowiek odkrywa swój potencjał, realizuje swoje zdolności twórcze, poznaje siebie i otaczający go świat.

Zajęcia malarskie aktywizują prawicę(kreatywny, emocjonalny) półkula mózgowa. Jest to bardzo ważne w naszym rozsądnym i racjonalnym wieku. Ujawnienie kreatywność pomaga osiągnąć sukces w zupełnie innych obszarach życia(kariera, relacje z bliskimi, rozwój osobisty), ponieważ kreatywność i elastyczność staną się częścią Twojej osobowości.

Być może jako dziecko uwielbiałeś rysować, ale twoi rodzice nie chcieli cię tam wysyłać Szkoła Artystyczna? A może zawsze marzyłeś o tym, aby móc pięknie wyrazić swoje myśli za pomocą obrazów wizualnych? „Nigdy nie jest za późno na naukę malarstwa!”, - Mówią współcześni nauczyciele. Przy obecnej różnorodności technik, gatunków i materiałów każdy może znaleźć coś odpowiedniego dla siebie. Naucz się podstaw kompozycji i poruszaj się po niej nowoczesne style i wskazówki mogą znajdować się na specjalnych kursach malarskich dla dorosłych.

Malarstwo jest cały świat piękno, obrazy i kolory. Jeśli chcesz stać się bezpośrednim uczestnikiem jego tworzenia, to zajęcia z malarstwa są dla Ciebie!

W XVII-XVIII wieku. proces rozwoju Malarstwo europejskie stało się bardziej skomplikowane. Szkoły narodowe powstały we Francji (J. de Latour, F. Champagne, N. Poussin, A. Watteau, J. B. S. Chardin, J. O. Fragonard, J. L. David), Włoszech (M. Caravaggio, D. Fetti, J. B. Tiepolo, J. M. Crespi, F. Guardi), Hiszpania (El Greco, D. Velazquez, F. Zurbaran, B. E. Murillo, F. Goya), Flandria (P. P Rubens, J. Jordaens, A. van Dyck, F. Snyders), Holandia (F Hals, Rembrandt, J. Vermeer
, J. van Ruisdael, G. Terborch, K. Fabricius), Wielka Brytania (J. Reynolds, T. Gainsborough, W. Hogarth), Rosja (F. S. Rokotov, D. G. Levitsky, V. L. Borovikovsky). Malarstwo głosiło nowe ideały społeczne i obywatelskie, zmieniło się w obraz bardziej szczegółowy i dokładny prawdziwe życie w jego ruchu i różnorodności, szczególnie w codziennym otoczeniu człowieka (krajobraz, wnętrze, przedmioty gospodarstwa domowego); pogłębione problemy psychologiczne, ucieleśniały poczucie konfliktu w relacji między jednostką a świat wokół. W XVII wieku system gatunków rozszerzył się i wyraźnie nabrał kształtu. W XVII-XVIII wieku. wraz z kwitnącym malarstwem monumentalnym i dekoracyjnym (zwłaszcza w stylu barokowym), które istniało w ścisłej jedności z rzeźbą i architekturą i tworzyło środowisko emocjonalne, które aktywnie oddziaływało na człowieka, odegrało ważną rolę malarstwo sztalugowe. Powstały różne systemy malarskie, posiadające wspólne cechy stylistyczne (dynamiczne malarstwo barokowe z charakterystyczną otwartą, spiralną kompozycją; malarstwo klasycystyczne o wyraźnym, ścisłym i wyraźnym wzorze; malarstwo rokokowe z grą wykwintnych niuansów koloru, światła i wyblakłych tonów), a nie w określonych ramach stylistycznych. Próbując odtworzyć blask świata, środowiska światła i powietrza, wielu artystów ulepszyło system malarstwa tonalnego. Spowodowało to indywidualizację technik wielowarstwowego malarstwa olejnego. Rozwój sztuki sztalugowej, rosnące zapotrzebowanie na dzieła przeznaczone do intymnej kontemplacji, doprowadziły do ​​rozwoju kameralnych, cienkich i lekkich technik malarskich – pasteli, akwareli, tuszu, różnego rodzaju miniatur portretowych.

W 19-stym wieku nowy szkoły narodowe malarstwo realistyczne w Europie i Ameryce. Rozwijały się powiązania malarstwa w Europie i innych częściach świata, gdzie doświadczenia europejskiego malarstwa realistycznego doczekały się oryginalnej interpretacji, często w oparciu o lokalne tradycje starożytne (w Indiach, Chinach, Japonii i innych krajach); Na malarstwo europejskie wpłynęła sztuka krajów Dalekiego Wschodu (głównie Japonii i Chin), co wpłynęło na odnowienie metod dekoracyjnej i rytmicznej organizacji płaszczyzny obrazu. W 19-stym wieku malarstwo rozwiązało złożone i pilne problemy światopoglądowe, odegrało aktywną rolę życie publiczne; ważne w malarstwie ostra krytyka rzeczywistość społeczna. Przez cały XIX w w malarstwie kultywowano także kanony akademizmu, abstrakcyjną idealizację obrazów; pojawiły się tendencje naturalistyczne. W walce z rozproszeniem późny klasycyzm i akademizm salonowy, malarstwo romantyzmu rozwijało się wraz z jego aktywnym zainteresowaniem dramatyczne wydarzenia historia i nowoczesność, energia języka obrazowego, kontrast światła i cienia, nasycenie koloru (T. Gericault, E. Delacroix we Francji; F. O. Runge i K. D. Friedrich w Niemczech; pod wieloma względami O. A. Kiprensky, Sylvester Shchedrin, K. P. Bryullov, A. A. Iwanow w Rosji). Malarstwo realistyczne, opierające się na bezpośredniej obserwacji charakterystycznych zjawisk rzeczywistości, dochodzi do pełniejszego, konkretnie konkretnego, przekonującego wizualnie obrazu życia (J. Constable w Wielkiej Brytanii; C. Corot, mistrz szkoły barbizonskiej, O. Daumier w Francja; A. G. Venetsianov, P. A. Fedotov w Rosji). W okresie powstania ruchu rewolucyjnego i narodowowyzwoleńczego w Europie malarstwo realizmu demokratycznego (G. Courbet, J. F. Millet we Francji; M. Munkachi na Węgrzech, N. Grigorescu i I. Andreescu w Rumunii, A. Menzel , V. Leibl w Niemczech itp.) pokazywał życie i twórczość ludu, jego walkę o swoje prawa, zwracając uwagę na najważniejsze wydarzenia historia narodowa, Utworzony żywe obrazy zwykli ludzie i zaawansowane osoby publiczne; W wielu krajach powstały szkoły narodowego krajobrazu realistycznego. Ściśle związana z estetyką Rosjan, wyróżniała się surowością społeczno-krytyczną rewolucyjni demokraci malarstwo Wędrowców i bliskich im artystów - V. G. Perowa, I. N. Kramskoja, I. E. Repina, V. I. Surikowa, V. V. Vereshchagina, I. I. Lewitana.

DO ekspresja artystyczna otaczający świat w swojej naturalności i ciągłej zmienności przypada na początek lat 70. XIX wieku. malarstwo impresjonistyczne (E. Manet, C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Sisley, E. Degas we Francji), które zaktualizowało technikę i metody organizacji powierzchni obrazu, ujawniając piękno czystego koloru i faktury efekty. W 19-stym wieku w Europie dominowało malarstwo olejne, jego technika w wielu przypadkach nabrała indywidualnego, swobodnego charakteru, stopniowo zatracając swą nieodłączną ścisłą systematyczność (co ułatwiło upowszechnienie się nowych, fabrycznych farb); rozszerzono paletę (stworzono nowe pigmenty i spoiwa); zamiast podkładów w ciemnych kolorach na początku XIX wieku. ponownie wprowadzono gleby białe. Malarstwo monumentalne i dekoracyjne, stosowane w XIX wieku. niemal wyłącznie klejowe lub olejne farby, popadły w ruinę. Na przełomie XIX i XX w. podejmowane są próby reanimacji monumentalne malarstwo oraz fuzja różnych rodzajów malarstwa z dziełami sztuki, rzemiosła i architektury w jeden zespół (głównie w sztuce „nowoczesnej”); środki techniczne monumentu malarstwo dekoracyjne rozwijana jest technika malowania silikatowego.

Pod koniec XIX - XX wieku. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny; współistnieją i walczą ze sobą różne nurty realistyczne i modernistyczne. inspirowane ideałami Rewolucja październikowa 1917, uzbrojony w metodę socrealizm malarstwo intensywnie rozwija się w ZSRR i nie tylko kraje socjalistyczne. Nowe szkoły malarskie powstają w Azji, Afryce, Australii i Ameryce Łacińskiej.

realistyczne malarstwo koniec XIX- XX wieki. wyróżnia się chęcią poznania i ukazania świata we wszystkich jego sprzecznościach, ukazania istoty głębokich procesów zachodzących w rzeczywistości społecznej, które czasami nie mają dostatecznie wizualnego wyglądu; refleksja i interpretacja wielu zjawisk rzeczywistości nabrała często subiektywnego, symbolicznego charakteru. Malarstwo XX wieku obok wizualno-widzialnej objętościowo-przestrzennej metody przedstawienia szeroko wykorzystuje nowe (a także sięgające starożytności) warunkowe zasady interpretacji świata widzialnego. Już w malarstwie postimpresjonizmu (P. Cezanne, V. van Gogh, P. Gauguin, A. Toulouse-Lautrec), a częściowo w malarstwie postimpresjonizmu pojawiały się cechy „nowoczesne”, które determinowały cechy niektórych nurtów XX w. wiek. (aktywny wyraz osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i skojarzeniowości koloru, mający niewiele wspólnego z naturalnymi relacjami kolorystycznymi, przesadą form, dekoracyjnością). Świat został na nowo pojmowany w sztuce rosyjskich malarzy końca XIX i początku XX wieku - w obrazach V. A. Serowa, M. A. Vrubela, K. A. Korovina.

W XX wieku. rzeczywistość jest sprzeczna i często głęboko subiektywna, zostaje urzeczywistniona i przełożona na malarstwo główni artyści kraje kapitalistyczne: P. Picasso, A. Matisse, F. Leger, A. Marquet, A. Derain we Francji; D. Rivera, J. C. Orozco, D. Siqueiros w Meksyku; R. Guttuso we Włoszech; J. Bellows, R. Kent w USA. na obrazach, malowidła ścienne malownicze panele znalazły wyraz w prawdziwym zrozumieniu tragicznych sprzeczności rzeczywistości, często przeradzając się w potępienie deformacji ustroju kapitalistycznego. Z estetycznym rozumieniem nowej, „technicznej” epoki wiąże się refleksja nad patosem industrializacji życia, wnikanie w malarstwo geometrycznych, „maszynowych” form, do których często zredukowane są formy organiczne, poszukiwanie tych które odpowiadają światopoglądowi nowoczesny mężczyzna nowe formy, które można zastosować w sztuce zdobniczej, architekturze i przemyśle. Powszechny w malarstwie, głównie w krajach kapitalistycznych, od początku XX wieku. otrzymał różne nurty modernistyczne, odzwierciedlające ogólny kryzys kultury społeczeństwa burżuazyjnego; jednak „chore” problemy naszych czasów znajdują także pośrednie odzwierciedlenie w malarstwie modernistycznym. W malarstwie wielu kierunków modernistycznych (fowizm, kubizm, futuryzm, Dadaizm, późniejszy surrealizm) poszczególne, mniej lub bardziej rozpoznawalne elementy świata widzialnego ulegają fragmentacji lub geometryzacji, pojawiają się w nieoczekiwanych, czasem nielogicznych zestawieniach, które rodzą wiele skojarzeń, połączyć z czysto formy abstrakcyjne. Dalsza ewolucja wielu z tych nurtów doprowadziła do całkowitego odrzucenia figuratywności, do pojawienia się malarstwa abstrakcyjnego (patrz Sztuka abstrakcyjna), co oznaczało upadek malarstwa jako sposobu odzwierciedlania i poznawania rzeczywistości. Od połowy lat 60. w Europie Zachodniej i Ameryce malarstwo staje się czasem jednym z elementów pop-artu.

W XX wieku. Rośnie rola malarstwa monumentalno-dekoracyjnego, zarówno malarskiego (np. rewolucyjno-demokratyczne malarstwo monumentalne w Meksyku), jak i nieobrazowego, zwykle płaskiego, harmonizującego ze zgeometryzowanymi formami nowoczesnej architektury.

W XX wieku. rośnie zainteresowanie badaniami z zakresu techniki malarskiej (m.in. woskiem i temperą; wynaleziono nowe farby do malarstwa monumentalnego – silikonowe, żywice silikonowe itp.), ale nadal przeważa obraz olejny.

wielonarodowy Malarstwo radzieckieściśle związany z ideologią komunistyczną, z zasadami ducha partyjnego i sztuki ludowej, stanowi jakościowo nowy etap w rozwoju malarstwa, którego wyznacznikiem jest triumf metody socrealizmu. W ZSRR malarstwo rozwija się we wszystkich krajach Unii i Autonomicznych Republikach, powstają nowe narodowe szkoły malarskie. Malarstwo radzieckie charakteryzuje się żywym wyczuciem rzeczywistości, materialności świata i duchowym bogactwem obrazów. Chęć uchwycenia rzeczywistości socjalistycznej w całej jej złożoności i kompletności doprowadziła do wykorzystania wielu formy gatunkowe wypełniona nową treścią. Już od lat 20. szczególne znaczenie ma wątek historyczno-rewolucyjny (obrazy M. B. Grekowa, A. A. Deineki, K. S. Petrov-Vodkina, B. V. Iogansona, I. I. Brodskiego, A. M. Gerasimowa). Następnie ukazują się płótna patriotyczne, opowiadające o bohaterskiej przeszłości Rosji dramat historycznyŚwietnie Wojna Ojczyźniana 1941-45, męstwo duchowe Człowiek radziecki.

Portret odgrywa ważną rolę w rozwoju malarstwa radzieckiego: obrazy zbiorowe ludzie z ludu, uczestnicy rewolucyjnej reorganizacji życia (A. E. Archipow, G. G. Riżski i inni); portrety psychologiczne pokazywanie świata wewnętrznego, duchowego magazynu osoby radzieckiej (M. V. Niestierow, S. V. Malyutin, P. D. Korin itp.).

Typowy sposób życia ludzie radzieccy znajduje odzwierciedlenie w malarstwie gatunkowym, które daje poetycko żywy obraz nowych ludzi i nowego sposobu życia. Malarstwo radzieckie charakteryzuje się dużymi płótnami przesiąkniętymi patosem budownictwa socjalistycznego (S. V. Gerasimov, A. A. Plastov, Yu. I. Pimenov, T. N. Yablonskaya i inni). Estetyczna afirmacja osobliwych form życia Unii i Republik Autonomicznych leży u podstaw szkół narodowych, które rozwinęły się w malarstwie sowieckim (M. S. Saryan, L. Gudiaszwili, S. A. Chuikov, U. Tansykbaev, T. Salakhov, E. Iltner, M. A Savitsky, A. Gudaitis, A. A. Shovkunenko, G. Aitiev i inni), reprezentujący części składowe pojedynczego kultura artystyczna Radzieckie społeczeństwo socjalistyczne.

W pejzaż , podobnie jak w innych gatunkach, narodowy tradycje artystyczne w połączeniu z poszukiwaniem czegoś nowego, z nowoczesny styl Natura. Liryczną linię rosyjskiego malarstwa pejzażowego (V. N. Baksheev, N. P. Krymov, N. M. Romadin itp.) uzupełnia rozwój krajobraz przemysłowy z jego szybkimi rytmami, z motywami przemienionej natury (B. N. Jakowlew, G. G. Nissky). Wysoki poziom osiągnął malarstwo martwej natury (I. I Maszkow, P. P. Konczałowski, M. S. Saryan).

Towarzyszy ewolucji społecznych funkcji malarstwa wspólny rozwój malownicza kultura. W granicach jednej realistycznej metody malarstwo radzieckie osiąga różnorodność formy sztuki, sztuczki, indywidualne style. Szeroki zakres budownictwa, tworzenie dużych budynki publiczne i zespoły pamiątkowe przyczyniły się do rozwoju malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego (dzieła V. A. Favorsky'ego, E. E. Lansere, P. D. Korina), odrodzenia techniki malarstwa temperowego, fresków i mozaik. W latach 60-tych - na początku 80-tych. nasiliło się wzajemne oddziaływanie malarstwa monumentalnego i sztalugowego, wzrosła chęć maksymalnego wykorzystania i wzbogacenia środków wyrazu malarstwa (patrz także Związek Socjalistycznych Republik Radzieckich i artykuły o republikach Związku Radzieckiego).

Lit.: VII, t. 1-6, M., 1956-66; IRI, t. 1-13, M., 1953-69; K. Yuon, O malarstwie, [M.-L.], 1937; D. I. Kiplik, Technika malarska, M.-L., 1950; A. Kamensky, Do widza o malarstwie, M., 1959; B. Slansky, Technika malarska, przeł. z Czech., M., 1962; G. A. Nedoshivin, Rozmowy o malarstwie, M., 1964; B. R. Vipper, Artykuły o sztuce, M., 1970; Ward J., Historia i metody malarstwa starożytnego i współczesnego, t. 1-4, L., 1913-21; Fosca F., La peinture, qu „est-ce que c” est, Porrentruy-Brux.-P., 1947; Venturi L., Malarstwo i malarze, Cleveland, 1963; R. Cogniat, Histoire de la peinture, t. 1-2, s. 1964; Barron J. N., Język malarstwa, Cleveland,; Nicolaus K., Handbuch der Gemaldekunde DuMonta, Köln, 1979.

Malarstwo wyróżnia się różnorodnością gatunków i typów. Każdy gatunek jest ograniczony zakresem tematów: wizerunek osoby (portret), otaczający świat (krajobraz) itp.
Odmiany (rodzaje) malarstwa różnią się przeznaczeniem.

Pod tym względem istnieje kilka rodzajów malarstwa, o których dzisiaj porozmawiamy.

malarstwo sztalugowe

Najpopularniejszym i najbardziej znanym rodzajem malarstwa jest malarstwo sztalugowe. Nazywa się to tak, ponieważ wykonuje się je na maszynie - sztalugach. Podstawą jest drewno, tektura, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz sztalugowy to samodzielne dzieło wykonane w określonym gatunku. Ma bogactwo kolorów.

Farby olejne

Najczęściej malarstwo sztalugowe wykonuje się farbami olejnymi. Farby olejne można stosować na płótnie, drewnie, kartonie, papierze, metalu.

Farby olejne
Farby olejne to zawiesiny nieorganicznych pigmentów i wypełniaczy podczas schnięcia oleje roślinne lub oleje schnące lub na bazie żywic alkidowych, czasami z dodatkiem substancji pomocniczych. Stosowane są w malarstwie lub do malowania powierzchni drewnianych, metalowych i innych.

V. Perow „Portret Dostojewskiego” (1872). Płótno, olej
Ale malowniczy obraz można również stworzyć za pomocą tempery, gwaszu, pasteli, akwareli.

Akwarela

Farby akwarelowe

Akwarela (francuska Aquarelle – wodnista; włoska acquarello) to technika malarska wykorzystująca specjalne farby akwarelowe. Po rozpuszczeniu w wodzie tworzą przezroczystą zawiesinę drobnego pigmentu, dzięki czemu powstaje efekt lekkości, zwiewności i subtelnych przejść kolorystycznych.

J. Turnera „Jezioro Fierwaldstadt” (1802). Akwarela. Tate Britain (Londyn)

Gwasz

Gwasz (gwasz francuski, włoska farba wodna guazzo, plusk) to rodzaj klejących farb rozpuszczalnych w wodzie, bardziej gęstych i matowych niż akwarela.

farby gwaszowe
Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem bieli. Domieszka bieli nadaje gwaszowi matowy aksamit, lecz po wyschnięciu kolory ulegają pewnemu wybieleniu (rozjaśnieniu), co artysta musi uwzględnić w procesie rysowania. Za pomocą farb gwaszowych możesz pokryć ciemne odcienie jasnymi.

Vincent van Gogh „Korytarz w Asulum” (czarna kreda i gwasz na różowym papierze)

Pastelowe [e]

Pastel (od łac. makaron - ciasto) - materiały artystyczne stosowany w grafice i malarstwie. Najczęściej produkowane w formie kredek lub ołówków bez oprawek, posiadające formę kresek o przekroju okrągłym lub kwadratowym. Istnieją trzy rodzaje pasteli: sucha, olejna i woskowa.

I. Lewitan „Dolina rzeki” (pastel)

Tempera

Tempera (włoska tempera, od łac. temperare – do mieszania farb) – farby wodorozcieńczalne przygotowywane na bazie suchych pigmentów proszkowych. Spoiwem farb temperowych jest żółtko rozcieńczone wodą. kurze jajo lub całe jajko.
Farby temperowe są jednymi z najstarszych. Przed wynalezieniem i rozpowszechnianiem farb olejnych do XV-XVII wieku. Głównym materiałem malarstwa sztalugowego były farby temperowe. Używane są od ponad 3000 lat. Słynne obrazy sarkofagów starożytnych egipskich faraonów wykonane są farbami temperowymi. Tempera była głównie malarstwem sztalugowym mistrzów bizantyjskich. W Rosji dominowała technika pisania temperą koniec XVII V.

R. Streltsov „Stokrotki i fiołki” (tempera)

Enkaustyczny

Enkaustyka (od greckiego ἐγκαυστική – sztuka wypalania) to technika malarska, w której spoiwem farb jest wosk. Malowanie odbywa się za pomocą stopionych farb. W tej technice namalowano wiele ikon wczesnochrześcijańskich. Pochodzi ze starożytnej Grecji.

"Anioł". Technika enkaustyczna

Zwracamy uwagę, że można spotkać także inną klasyfikację, według której akwarela, gwasz i inne techniki wykorzystujące farby papierowe i wodne zaliczane są do grafiki. Łączą w sobie cechy malarstwa (bogactwo tonów, konstrukcja formy i przestrzeni za pomocą koloru) i grafiki (aktywna rola papieru w konstrukcji obrazu, brak specyficznego reliefu charakterystycznego dla powierzchni obrazu).

monumentalne malarstwo

Malarstwo monumentalne - malowanie dalej konstrukcje architektoniczne lub inne podstawy. Ten starożytne gatunki malarstwo znane z paleolitu. Ze względu na stacjonarność i trwałość zachowały się liczne jej przykłady z niemal wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę. Głównymi technikami malarstwa monumentalnego są freski i secco, mozaika, witraże.

Fresk

Fresk (z włoskiego fresku - świeży) - malowanie dalej mokry tynk farby wodne, jedna z technik malowania ścian. Zawarte w tynku wapno po wyschnięciu tworzy cienką przezroczystą warstwę wapnia, dzięki czemu fresk jest trwały.
Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.

Klasztor Gelati (Gruzja). Kościół Święta Matka Boża. Fresk na górnej i południowej stronie Łuku Triumfalnego

Sekunda

Oraz secco (z włoskiego secco - suche) - malowanie ścian, wykonywane w odróżnieniu od fresków, na twardym, wyschniętym tynku, ponownie zwilżonym. Stosuje się farby mielone na kleju roślinnym, jajku lub mieszane z wapnem. Secco pozwala na pomalowanie większej powierzchni w ciągu dnia roboczego niż przy użyciu tej metody malowanie alfresko, ale nie jest to tak trwała technika.
Technika asecco rozwinęła się w malarstwie średniowiecznym wraz z freskami i była szczególnie popularna w Europie w XVII-XVIII wieku.

Leonardo da Vinci Ostatnia Wieczerza(1498). Technika secco

Mozaika

Mozaika (fr. mosaïque, wł. mozaika od łac. (opus) musivum - (dzieło) poświęcone muzom) - rzemiosło artystyczne i sztuka monumentalna różne gatunki. Obrazy w mozaice powstają poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Panel mozaikowy „Kot”

witraż

Witraż (fr. vitre – szyba okienna, od łac. vitrum – szkło) – dzieło ze szkła kolorowego. Witraże od dawna wykorzystywane są w kościołach. W okresie renesansu witraże istniały jako obrazy na szkle.

Witraż Pałacu Kultury „Meżsojuzny” (Murmańsk)
Do odmian malarstwa należą także diorama i panorama.

Diorama

Budowa dioramy „Atak na Góry Sapun 7 maja 1944” w Sewastopolu
Diorama - przypominająca wstążkę, zakrzywiona w półkolu malowniczy obraz z przednim planem tematycznym. Tworzy się iluzja obecności widza w przestrzeni naturalnej, którą osiąga się poprzez syntezę artystycznej i środki techniczne.
Dioramy przeznaczone są do sztucznego oświetlenia i umieszczane są głównie w specjalnych pawilonach. Większość dioram poświęcona jest bitwom historycznym.
Najbardziej znane dioramy to: „Napad na Góry Sapun” (Sewastopol), „Obrona Sewastopola” (Sewastopol), „Walki o Rżew” (Rżew), „Przełom w oblężeniu Leningradu” (Petersburg), „Burza Berlin” (Moskwa) itp.

Panorama

W malarstwie panorama to obraz z okrągłym widokiem, w którym płaskie tło obrazkowe łączy się z trójwymiarowym pierwszym planem obiektu. Panorama tworzy iluzję prawdziwej przestrzeni otaczającej widza w pełnym okręgu horyzontu. Panoramy służą głównie do przedstawiania wydarzeń obejmujących duży obszar i duża liczba Uczestnicy.

Muzeum-Panorama „Bitwa pod Borodino” (budynek muzeum)
W Rosji najsłynniejsze panoramy to Muzeum Bitwy pod Borodino Panorama, Bitwa Wołoczajewa, Klęska wojsk hitlerowskich pod Stalingradem w Bitwie pod Muzeum Panorama Stalingradu, Obrona Sewastopola i panorama Kolei Transsyberyjskiej.

Franciszek Rubo. Panorama na płótnie "Bitwa pod Borodino"

Malarstwo teatralne i dekoracyjne

Scenografia, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty pozwalają głębiej odsłonić treść spektaklu (filmu). Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. artysta teatralny stara się w szkicach kostiumów i charakteryzacji mocno oddać indywidualny charakter bohaterów, ich charakter status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
W Rosji rozkwit sztuki teatralnej i dekoracyjnej przypada na przełom XIX i XX wieku. W tym czasie teatr zaczął działać wybitni artyści MAMA. Vrubel, V.M. Wasnetsow, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roericha.

M. Vrubel „Miasto Lollipop”. Szkic scenografii do opery N.A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” dla Rosyjskiej Opery Prywatnej w Moskwie. (1900)

Miniaturowy

Miniatura to dzieło malarskie o małych formach. Szczególną popularnością cieszyła się miniatura portretowa – portret małego formatu (od 1,5 do 20 cm), charakteryzujący się szczególną subtelnością pisma, osobliwą techniką wykonania i użyciem środków właściwych tylko tej formie obrazowej.
Rodzaje i formaty miniatur są bardzo zróżnicowane: pisano je na pergaminie, papierze, tekturze, kość słoniowa, na metalu i porcelanie, przy użyciu akwareli, gwaszu, specjalnych emalii artystycznych lub farb olejnych. Autor może wpisać wizerunek, zgodnie z własną decyzją lub na życzenie klienta, w okrąg, owal, romb, ośmiokąt itp. Miniatura portretowa klasyczna to miniatura wykonana na cienkiej płycie w kolorze kości słoniowej.

Cesarz Mikołaj I. Fragment miniatury G. Morselliego
Istnieje kilka technik miniaturowych.

Lakier miniaturowy (Fedoskino)

Miniatura z portretem księżniczki Zinaidy Nikołajewnej (klejnoty Jusupowa)

Obraz

(z rosyjskiego żywy i pisać) – rodzaj sztuki plastycznej, która polega na tworzeniu obrazów, obrazy, najpełniej i realistycznie odzwierciedlającą rzeczywistość.

Malarstwo nazywa się dziełem sztuki wykonanym farbami (olejnymi, temperowymi, akwarelowymi, gwaszami itp.) na twardą powierzchnię. Główny środki wyrazu malarstwo - kolor, jego zdolność do wywoływania różnorodnych uczuć, skojarzeń, wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zazwyczaj rysuje na palecie kolor niezbędny do malowania, a następnie na płaszczyźnie obrazu zamienia farbę w kolor, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie. Z natury zestawień kolorystycznych mogą być ciepłe i zimne, wesołe i smutne, spokojne i napięte, jasne i ciemne.

Obrazy malarstwa są bardzo wyraźne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać na płaszczyźnie objętość i przestrzeń, naturę, ujawnić złożony świat ludzkie uczucia i postacie, aby ucieleśnić uniwersalne idee, wydarzenia z przeszłości historycznej, obrazy mitologiczne i lot fantazji.

Malarstwo dzielimy na sztalugowe i monumentalne. Artystka maluje obrazy na płótnie naciągniętym na krosno i umocowanym na sztaludze, którą można też nazwać sztalugą. Stąd nazwa „malarstwo sztalugowe”.

A samo słowo „monumentalny” mówi o czymś wielkim i znaczącym. jest malarstwo monumentalne duże obrazy na ścianach wewnętrznych lub zewnętrznych budynków (freski, panele itp.). Dzieła malarstwa monumentalnego nie można oddzielić od podłoża (ściany, podpory, sufitu itp.). Istotne są także tematy obrazów monumentalnych: wydarzenia historyczne, bohaterskie czyny, ludowe opowieści i inne. Mozaiki i witraże są bezpośrednio związane z malarstwem monumentalnym, któremu również można przypisać sztuka dekoracyjna. Ważne jest tutaj osiągnięcie stylistycznej i figuratywnej jedności malarstwa monumentalnego i architektury, syntezy sztuk.

Należy wyróżnić takie rodzaje malarstwa, jak malarstwo dekoracyjne, malarstwo ikonowe, malarstwo miniaturowe, teatralne i dekoracyjne. Każda z odmian malarstwa wyróżnia się specyfiką wykonania technicznego oraz rozwiązaniem zadań artystycznych i pomysłowych.

W odróżnieniu od malarstwa jako niezależnego rodzaju sztuki plastycznej, podejście (metoda) obrazkowe można stosować także w innych jego odmianach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia obrazkowego polega na przedstawieniu obiektu w odniesieniu do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.

Różnorodność przedmiotów i wydarzeń otaczającego świata, duże zainteresowanie nimi artystów doprowadziło do pojawienia się w XVII-XX wieku. gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, zwierzęcy, domowy ( Malarstwo rodzajowe), gatunki mitologiczne, historyczne, bitewne. W dziełach malarskich można spotkać się z połączeniem gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub krajobraz mogą z powodzeniem uzupełniać obraz portretowy.

Ze względu na stosowane techniki i materiały malarstwo można podzielić na następujące rodzaje: olej, tempera, wosk (enkaustyka), emalia, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach jest to trudne oddzielać malarstwo od grafiki. Prace wykonane w technice akwareli, gwaszu, pasteli mogą nawiązywać zarówno do malarstwa, jak i grafiki.

Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane natychmiastowo oraz wielowarstwowe, obejmujące podmalowanie i glazurę, warstwy farby transparentnej i półprzezroczystej nakładane na wyschniętą warstwę farby. Pozwala to uzyskać najdrobniejsze niuanse i odcienie kolorów.

ważne środki ekspresja artystyczna w malarstwie oprócz koloru [koloru], plama i charakter kreski, obróbka kolorowej powierzchni (faktury), valerae, ukazujące najsubtelniejsze zmiany tonu w zależności od oświetlenia, odruchy pojawiające się interakcja sąsiednich kolorów.

Konstrukcja objętości i przestrzeni w malarstwie kojarzona jest z linearnością i perspektywa powietrzna, właściwości przestrzenne barwy ciepłej i zimnej, modelowanie formy światłem i cieniem, przeniesienie ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz ładny rysunek i wyrazista kompozycja. Artysta z reguły pracę na płótnie rozpoczyna od poszukiwania najskuteczniejszego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych szkicach obrazowych z natury wypracował niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i bezpośredniego pomalowania płótna jednym lub innym środkiem malarskim. Co więcej, nawet szkice przygotowawcze i szkice mają czasami niezależny charakter wartość artystyczna, zwłaszcza jeśli należą do pędzli znanego malarza.

Malarstwo to bardzo stara sztuka, która ewoluowała na przestrzeni wielu stuleci od paleolitycznych malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości ucieleśnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.

W starożytności istniała chęć odtworzenia prawdziwego świata tak, jak go widzi człowiek. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy, pojawienie się trójwymiarowych obrazów obrazowych. Ujawniły się nowe możliwości tematyczne przedstawiania rzeczywistości za pomocą środków obrazowych. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, stanowiło artystyczną jedność z architekturą i rzeźbą.

średniowieczne malarstwo miała charakter głównie religijny. Wyróżniał się ekspresją dźwięcznych, przeważnie lokalnych barw, wyrazistymi konturami.

Tło fresków i obrazów z reguły było warunkowe, abstrakcyjne lub złote, ucieleśniające boską ideę w jej tajemniczym blasku. znacząca rola odgrywał symbolikę koloru.

W renesansie poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (człowiek w centrum mieszania czystych kolorów i efektów przenoszenia faktury. Artyści wychodzili malować swoje obrazy w plenerze).

Pod koniec XIX-XX w. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne zyskują prawo do istnienia.

Pojawia się malarstwo abstrakcyjne(patrz awangarda, abstrakcjonizm, underground), co oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i konwencjonalności koloru, przesady i geometryzacji form, dekoracyjności i skojarzeń kompozycyjnych rozwiązania.

W XX wieku. poszukiwanie nowych kolorów i technicznych środków tworzenia obrazy, co niewątpliwie doprowadzi do pojawienia się nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne jest nadal jedną z najbardziej lubianych technik artystów.

Proces rozwoju malarstwa europejskiego w XVII - XVIII wieku. staje się bardziej złożona, powstają szkoły narodowe, każda z własnymi tradycjami i cechami charakterystycznymi. Malarstwo głosiło nowe ideały społeczne i obywatelskie, pogłębiały się problemy psychologiczne, poczucie sprzecznej relacji między jednostką a otaczającym ją światem. Odwołanie do różnorodności prawdziwego życia, zwłaszcza do codziennego otoczenia człowieka, doprowadziło do wyraźnego ukształtowania się systemu gatunków: pejzaż, martwa natura, portret, gatunek domowy itp. Powstały różne systemy malarskie: dynamiczne malarstwo barokowe z charakterystyczną otwartą, spiralną kompozycją; malarstwo rokokowe z grą wykwintnych niuansów koloru, jasnych tonów; malarstwo klasycyzmu o wyraźnym, ścisłym i wyraźnym wzorze.

W 19-stym wieku malarstwo odgrywało aktywną rolę w życiu publicznym. Malarstwo romantyzmu wyróżniało się aktywnym zainteresowaniem dramatycznymi wydarzeniami historii i nowoczesności, kontrastem światła i cienia oraz nasyceniem koloru.

Wprowadzenie………………………………………………………………….3

1. Malarstwo jako forma sztuki…………………………………………….4

2. Rodzaj sztuki plastycznej – grafika……………………………4

3. Starożytna forma sztuki – rzeźba…………………………………...6

4.Architektura – sztuka projektowania i budowania…………………7

5.Główne nurty i techniki sztuki współczesnej………..9

6. Sztuka kinetyczna……………………………………………..14

Zakończenie…………………………………………………………….16

Wykaz wykorzystanej literatury…………………………………...17

Wstęp

Pojęcie „sztuki” oznacza ogólnie twórczość artystyczną: literaturę, architekturę, rzeźbę, malarstwo, grafikę, sztukę i rzemiosło, muzykę, taniec, teatr, kino i inne rodzaje działalności ludzkiej, połączone jako artystyczne i wyobraźniowe formy odzwierciedlenia rzeczywistości .

W historii estetyki istotę sztuki interpretowano jako naśladownictwo (mimesis), zmysłowy wyraz tego, co nadzmysłowe i tym podobne.

Estetyka traktuje sztukę jako formę świadomości społecznej, specyficzny rodzaj duchowego i praktycznego przyswajania świata, jako organiczną jedność twórczości, poznania, oceny i komunikacji międzyludzkiej, w wąskim znaczeniu - sztuka piękna, wysoki stopień umiejętności, mistrzostwo w jakiejkolwiek dziedzinie ludzkiej działalności.

Główne rodzaje sztuki: malarstwo, grafika, rzeźba, architektura, literatura, kino, teatr.

Rozważ podstawowe pojęcia niektórych typów, trendów i technik współczesnej sztuki pięknej.

1. Malarstwo jako forma sztuki

Malarstwo to bardzo stara sztuka, która ewoluowała na przestrzeni wielu stuleci od malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XI wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości ucieleśnienia idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jego rozwoju zgromadzono ogromne skarby duchowe.

Pod koniec XIX-XX w. rozwój malarstwa staje się szczególnie złożony i sprzeczny. Różne ruchy realistyczne i modernistyczne zyskują prawo do istnienia.

Pojawia się malarstwo abstrakcyjne (awangarda, abstrakcjonizm, underground), które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalności i umowności koloru, przesady i geometryzacji form, dekoracyjności i skojarzeń rozwiązań kompozycyjnych.

W XX wieku. trwały poszukiwania nowych kolorów i technicznych środków tworzenia obrazów, co niewątpliwie doprowadziło do pojawienia się nowych stylów w malarstwie, jednak malarstwo olejne nadal pozostaje jedną z najbardziej ukochanych technik artystów.

2. Rodzaj sztuki plastycznej - grafika

Grafika (z gr. grapho – piszę, rysuję) – rodzaj sztuki plastycznej kojarzony z obrazem na płaszczyźnie. Grafika łączy w sobie rysunek, jako odrębną dziedzinę, oraz różne rodzaje grafiki drukowanej: drzeworyt (ksylografia), metaloryt (akwaforta), litografię, linoryt, ryt na tekturze itp.

Rysunek należy do grafiki wyjątkowej, ponieważ każdy rysunek jest jedyny w swoim rodzaju. Dzieła wydrukowanych grafik można reprodukować (replikować) w wielu równorzędnych egzemplarzach – drukach. Każdy wydruk jest oryginałem, a nie kopią dzieła.

Rysunek jest podstawą wszelkich rodzajów grafiki i innych rodzajów sztuk pięknych. Z reguły obraz graficzny wykonywany jest na kartce papieru. Artysta czasami potrzebuje bardzo prostych środków - ołówek grafitowy lub długopis, aby wykonać rysunek graficzny. W innych przypadkach do tworzenia swoich dzieł wykorzystuje skomplikowane oprzyrządowanie do prasy drukarskiej, kamienie litograficzne, wycinarki (grawerki) do linoleum lub drewna i wiele innych.

Termin „grafika” był pierwotnie używany wyłącznie w odniesieniu do pisma i kaligrafii. Sztuka pisania od dawna jest kojarzona z grafiką. Nowe znaczenie i rozumienie otrzymała pod koniec XIX – na początku XX wieku, kiedy grafikę zdefiniowano jako samodzielną formę sztuki.

Językiem grafiki i jej głównymi środkami wyrazu są linia, kreska, kontur, plama i ton. Aktywnie uczestniczy w kreowaniu całościowego wrażenia pracy graficznej białej kartki papieru. Wyrazisty wzór można uzyskać nawet stosując wyłącznie czerń. Dlatego grafikę często nazywa się sztuką czerni i bieli. Nie wyklucza to jednak użycia koloru w grafice.

Granice między grafiką a malarstwem są bardzo elastyczne, np. technika akwareli, pasteli, a czasem gwaszu przypisuje się temu czy innemu rodzajowi sztuki, w zależności od tego, w jakim stopniu użyto koloru, co dominuje w dziele – linia lub plamka, jaki jest jej cel.

Jedną z cech wyróżniających grafikę jest szczególny związek przedstawianego obiektu z przestrzenią. Czysto białe tło arkusza, niezajęte przez obrazy, a nawet tło papieru prześwitujące pod warstwą kolorową, są umownie postrzegane jako przestrzeń. Szczególnie wyraźnie widać to w grafice książkowej, gdy obraz umieszczony na czystej stronie odbierany jest jako umiejscowiony w przestrzeni wnętrza, ulicy, krajobrazu zgodnie z tekstem, a nie na zaśnieżonym polu.

Artystycznie wyraziste walory grafiki polegają na jej zwięzłości, pojemności obrazowej, skupieniu i ścisłym doborze środków graficznych. Pewne niedopowiedzenie, umowne oznaczenie przedmiotu, jakby podpowiedź, stanowią szczególną wartość obrazu graficznego, mają służyć aktywnej pracy wyobraźni widza.

Pod tym względem nie tylko starannie przerysowane arkusze graficzne, ale także pobieżne szkice, szkice z natury, szkice kompozycji mają niezależną wartość artystyczną.

Grafika dostępna w różnych gatunkach (portret, pejzaż, martwa natura, gatunek historyczny itp.) i praktycznie nieograniczone możliwości przedstawiania i figuratywnej interpretacji świata.

.3. Starożytna forma sztuki - rzeźba

Rzeźba jest jedną z najstarszych form sztuki. Rzeźba (łac. sculptura, od sculpo - wycinanie, rzeźbienie, rzeźba, plastik) - rodzaj dzieł sztuki, których dzieła mają materialną trójwymiarową objętość. Same dzieła (posągi, popiersia, płaskorzeźby i tym podobne) nazywane są również rzeźbą.

Rzeźbę dzieli się na dwa typy: okrągłą, swobodnie umieszczoną w przestrzeni rzeczywistej oraz reliefową (płaskorzeźbę i płaskorzeźbę), w której trójwymiarowe obrazy umieszczone są na płaszczyźnie. Rzeźba może być sztalugowa, monumentalna, monumentalna i dekoracyjna w zależności od jej przeznaczenia. Osobno wyróżnia się rzeźba małych form. Według gatunku rzeźba dzieli się na portretową, codzienną (gatunek), zwierzęcą, historyczną i inną. Pejzaż i martwą naturę można odtworzyć za pomocą środków rzeźbiarskich. Ale głównym obiektem rzeźbiarza jest osoba, którą można ucieleśnić w różnych formach (głowa, popiersie, posąg, grupa rzeźbiarska).

Technologia wykonania rzeźb jest zazwyczaj złożona i wieloetapowa, wymaga dużego wysiłku fizycznego. Rzeźbiarz wycina lub rzeźbi swoje dzieło z litego materiału (kamienia, drewna itp.), usuwając nadmiar masy. Inny proces tworzenia objętości poprzez dodanie masy plastycznej (plasteliny, gliny, wosku itp.) nazywa się modelowaniem (plastycznością). Rzeźby również tworzą swoje dzieła poprzez odlewanie z substancji, które mogą zmieniać się z cieczy w ciało stałe (różne materiały, gips, beton, plastik itp.). Niestopiony metal do rzeźby jest przetwarzany poprzez kucie, tłoczenie, spawanie i cięcie.

W XX wieku. otwierają się nowe możliwości rozwoju rzeźby. Zatem w rzeźbie abstrakcyjnej niekonwencjonalne metody i materiały (drut, nadmuchiwane figurki, lustra itp.). Artyści wielu ruchów modernistycznych uznają zwykłe przedmioty za dzieła rzeźby.

Kolor, od dawna stosowany w rzeźbie (starożytność, średniowiecze, renesans), jest dziś aktywnie wykorzystywany w celu zwiększenia artystycznej wyrazistości rzeźby sztalugowej. Odwoływanie się do polichromii w rzeźbie lub jej odrzucenie, powrót do naturalnej barwy materiału (kamienia, drewna, brązu itp.) kojarzone są z ogólny kierunek rozwój sztuki w danym kraju i w danej epoce